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Peaky Blinders: la serie de Netflix cierra su historia con una película, un elenco de lujo y un set que sorprendió a los actores

Aura. Entre el humo de las fábricas, los pubs y los ecos de la guerra se movía un hombre que dirigía una banda criminal con frialdad estratégica. Con su gorra de visera, tapado y corbata, como si caminara en cámara lenta, Tommy Shelby tenía aura. No tardó en convertirse en un ícono pop. Más allá de la estética, Peaky Blinders logró consolidarse como una de las series más exitosas de Netflix. En una entrevista exclusiva con LA NACION, Cillian Murphy, Rebecca Ferguson, Tim Roth y el creador de la serie, Steven Knight, hablaron del capítulo final de la historia, subtitulado El hombre inmortal, en formato de película que se estrena por la plataforma el 20 de marzo. El escenario es el mismo, pero el contexto es diferente. La acción transcurre en los pubs y las calles de Birmingham, pero los Peaky Blinders reciben una oferta de un nuevo jugador en el escenario mundial: los nazis. Quien debe volver a encauzar a los Peaky Blinders es Tom Shelby.T.S. Eliot decía que "la tradición no puede heredarse, y si uno la desea, debe obtenerla mediante un gran esfuerzo". En Peaky Blinders, esa idea aparece de forma literal: nadie puede ocupar fácilmente el lugar de Tom Shelby. Y nadie puede llenar los zapatos de Cillian Murphy.Murphy es un actor serio, en el mejor sentido de la palabra. El irlandés no se comporta como la típica celebridad de Hollywood. No le interesan los memes que circulan con sus gestos en redes sociales. Huye del cine dogmático que le dice al espectador cómo debería sentirse y cree que las películas solo deberían plantear preguntas. Antes de ganar el Oscar por Oppenheimer, se hizo conocido como Tom Shelby. Impuso un estilo para toda una generación que lo acompañó a través de la pantalla chica. Aunque participó en películas como Batman inicia, Vuelo nocturno, El viento que acaricia el prado y Exterminio, su salto a la fama mundial fue con Peaky Blinders.â??Tommy Shelby ha vivido en la televisión durante muchos años. ¿Cómo lo abordás ahora en un largometraje? ¿El contexto de la guerra ha remodelado tu interpretación, si es que lo hizo?Cillian Murphy: â??Sí, creo que la guerra proyecta una sombra enorme sobre toda la historia. Si miramos el arco más amplio de la trama, comienza después de la Primera Guerra Mundial y termina en la Segunda. Creo que Steven Knight siempre tuvo eso en mente. Su experiencia militar, su vida entre guerrasâ?¦ No creo que ninguno de los hombres que sobrevivieron a la Primera Guerra Mundial pudiera concebir siquiera que volvería a suceder. Pero luego, gradual y progresivamente, empiezan a ver que sí puede pasar de nuevo, y él se ve arrastrado a eso. Así que sí, más allá de lo familiar y lo personal, es la presión más grande que pesa sobre él en esta historia.â??Alguna vez mencionaste que interpretar a Tommy es agotador. ¿Este cronograma de rodaje de película, más corto e intenso, te hizo más fácil o más difícil mantener ese nivel de oscuridad?Murphy: â??Para serte sincero, fue lo mismo. Simplemente te subís al tren, el tren sale de la estación y listo. Estás metido en eso y tenés que comprometerte de principio a fin. El ritmo se sintió tan loco como en la serie porque el proyecto era muy ambicioso. Realmente queríamos lograr esa calidad cinematográfica que necesitás para una película, algo que siempre fue nuestra ambición en la televisión, pero acá estuvimos por todo el país haciendo cosas muy grandes. Casi todo lo que ves en la película es real: las locaciones, los efectos prácticos en cámara... Así que no suelo diferenciar entre filmar televisión o cine. Te comprometés de la misma manera y los horarios siempre son un desafío, pero simplemente vas por ello.El encargado de proteger la herencia de los ShelbyEsta es una historia sobre padres e hijos, sobre tradiciones y legados. El heredero del trono es Erasmus. Quien interpreta al joven es Barry Keoghan, un actor que entre Peaky Blinders, Saltburn y Los espíritus de la isla, no para de crecer en la industria.Como si fuera la pintura de Francisco de Goya Saturno devorando a su hijo, Shelby debe volver a la acción para detener a su sucesor, que está negociando con los nazis para hacer colapsar al Reino Unido. El impetuoso Erasmus, como si tuviera que elegir entre ser amado o ser temido, obedece a la máxima maquiavélica que sugiere que es preferible optar por lo segundo. Gobierna los Peaky Blinders con puño de acero.Steven Knight tiene experiencia como guionista en el cine. Estuvo nominado al Oscar por Negocios entrañables y también se encargó de escribir los libretos de películas como María Callas, Spencer y otra historia sobre mafiosos, Promesas del este. Pero su proyecto más ambicioso, sin dudas, fue Peaky Blinders.â??Hay recursos propios de las serie de televisión, como el cliffhanger (el gancho que genera el efecto expectativa de un capítulo a otro), que en el cine no existen. ¿Cómo abordaste la estructura de los picos emocionales para esta película?Steven Knight: â??Sí, son formatos diferentes. Yo hago ambos, pero para mí, curiosamente, la televisión de formato largo es como una novela y la película es más como un cuento corto. En una película tenés que tener principio, nudo y desenlace, y el final tiene que ser "el final". Cualquier cosa que plantees, tenés que cerrarla rápido. Afortunadamente, esta película llega al final de una serie larga, porque en el cine solo podés tener a alguien siendo "antipático" por un tiempo limitado; tenés que redimirlo más rápido. En la televisión podés tener a un personaje haciendo todo tipo de cosas durante mucho tiempo y luego traerlo de vuelta, y eso es lo que satisface al público. El reloj es el que manda.â??¿Cómo te sentís respecto a que la serie se haya convertido en un ícono cultural global, llegando a audiencias tan lejanas como en la Argentina? ¿Cambia eso tu sentido de responsabilidad al entregar este capítulo final?Knight: â??En mi caso, trato de no pensarlo porque es un honor tan grande que personas que están tan lejos de la Birmingham de 1920 como es posible, se identifiquen con los personajes. Tengo gente de South Central en Los Ángeles, de Harlem, y de los lugares más duros del mundo para quienes Tommy Shelby esâ?¦ no digo un modelo a seguir, pero sí parte de su visión del mundo, y eso es fantástico. Me hace muy feliz saber que, por ejemplo, está por empezar el ballet de Peaky Blinders en China (risas). Es una locura que esté en todo el mundo. Me encanta.â??Cillian, ¿alguna vez estuviste en Argentina? Imagino que sabés que, incluso en Buenos Aires, hay gente que se viste como Tommy Shelby.Murphy:â??La verdad es que nunca estuve en la Argentina. Me encantaría ir algún día.â??Cuando ves a la gente vestirse como Tommy, ¿lo ves como un tributo al personaje o te hace sentir cierto peso de responsabilidad por cómo termina la historia?Murphy: â??Es como dice Steve, intentás no pensarlo mucho porque es algo difícil de procesar, pero obviamente es increíblemente halagador y me hace sentir muy humilde que la gente abrace al personaje y a la serie a ese nivel.Nuevos enemigos y fantasmas Dos caras nuevas se suman al elenco de Peaky Blinders, la serie que supo albergar talentos como el de Stephen Graham y Helen McCrory. Uno de ellos es Tim Roth. El actor tiene experiencia con las películas de pandilleros, mafiosos o compadritos: Perros de la calle, Tiempos violentos y hasta Los 8 más odiados, entre otras producciones para la pantalla grande.â??Trabajaste con directores legendarios como Quentin Tarantino, que priorizan la experiencia cinematográfica en salas. ¿Qué tiene la visión de Steven Knight para Peaky Blinders: El hombre inmortal, que exigía una pantalla de cine en lugar de una temporada de televisión tradicional?Tim Roth: â??Es una buena pregunta (risas). Se sentía así. Cuando leí el guion, me pareció que era puro cine, lo cual ya era interesante de por sí. Creo que fue escrito con eso en mente. Yo traté de dejar eso en un segundo plano, pensando que sería lo que tuviera que ser, pero cuando pisé el set construyeron todo de verdad. No había pantallas verdes ni nada de eso. Tampoco se sentía esa actuación de "cámara en mano" frenética. Se sentía cinematográfico. Realmente parecía, como decíamos antes, que Gregory Peck o Richard Burton iban a aparecer a la vuelta de la esquina. Tenía esa atmósfera de las viejas películas de la Segunda Guerra Mundial. Fue maravilloso.â??¿Cómo cambió este período histórico específico la forma en que abordaste la parte física de tu actuación, en comparación con otros roles anteriores?Roth: â??Para serte honesto, en lo único que pensaba era en cuál era la etiqueta para... por ejemplo, cuándo usar el sombrero. Eso dice algo del personaje, ¿no? El vestuario y todo eso. Pero cuando pone los pies sobre el escritorio, debería tener un cigarrillo, o rastros de uno. Él es ese tipo de persona. Si es o no esa persona en el fondo, el público nunca lo sabrá. Está interpretando a un personaje, pero dicho esto, es un muy buen tipo. Un tipo muy agradable... solo que es un individuo incomprendido (risas).La hechicera que llega a BirminghamOtro de los nuevos rostros de Peaky Blinders es el de una hechicera que cautiva a los hombres con su mirada. Rebecca Ferguson saltó a la fama con Misión Imposible: Nación secreta, como la seductora asesina Ilsa Faust. Pero entre cada entrega de la franquicia de acción, la actriz cultivó el perfil de femme fatale amante de las artes místicas.En Doctor Sueño, la secuela de El resplandor, interpretó a la sádica Rose, la líder del siniestro grupo que tortura niños para mantenerse siempre joven. En las películas de Duna interpreta a Lady Jessica Atreides, una Bene Gesserit: es decir, una mujer mística. La madre de Paul, el personaje de Timotheé Chalamet.No conviene adelantar demasiado cuál es la identidad de su personaje en la película de Peaky Blinders, pero sí se puede asegurar que guarda ciertos rasgos en común con otros de los personajes de su filmografía.â??Rebecca, venís de producciones épicas como Duna y sus dos secuelas. ¿Cómo se compara hacer esas películas con esta? Rebecca Ferguson: â??Yo no comparo. Sé que cuando hacemos entrevistas es lindo tender puentes entre los trabajos anteriores, pero para serte honesta, como persona soy muy "episódica". Me meto en algo y lo hago por una razón específica. Quería trabajar con Cillian y este era un personaje divertido. Además, como ya hablamos, la base de fans es inmensa. Nunca experimenté algo así. Duna es grande, pero es su propio universo y los fans son bastante silenciosos. No es que te encontrás a mucha gente que la vea; por ahí aparece alguien que te dice: "Ah, leí el libro a los 14 años". Pero con Peaky, la base de fans está activa constantemente y va desde jóvenes hasta ancianos. Eso fue muy divertido, fue increíble. Y como dijo Tim, tenés que crear un personaje que encaje en algo que ya está creado, y ese se vuelve el desafío del momento. Además, los sets son fenomenales. No podés compararlos porque son mundos distintos. Esta es una película independiente basada en una serie que puede ser vista tanto por gente que no vio el show como por los que sí lo hicieron. Steven realmente dio en el clavo con eso.â??Solés interpretar mujeres que tienen un poder inmenso en entornos masculinos muy rígidos. ¿Cómo navega o irrumpe este personaje en la jerarquía patriarcal, no solo de la familia Shelby, sino de la época en sí?Ferguson: â??Es complicado, ¿no? Porque yo no entro a un set de manera rebelde diciendo: "Acá estoy, llegaron las tetas y la vagina". No es mi estilo. Pero lo que me parece interesante es la base que ya dejó el personaje de Helen (McCrory), Polly; ella ya había establecido la matriarca y el poder. Si lo pensás, volviendo a la época medieval o La guerra de las Dos Rosas, los hombres estaban en el campo de batalla, pero las mujeres eran las que realmente conspiraban y navegaban el linaje de la familia. Eran poderosísimas, y algo de eso todavía perdura. Es muy diferente, pero hay una fuerza y un poder enorme en este personaje. De todas formas, no sobreanalizo la cuestión de género. Ella tiene poder por derecho propio, tiene magia, capacidad de persuasión, autoridad y autenticidad en sus necesidades. Creo que eso la hace comparable a la mayoría de los hombres de la serie. Ella habita su propio mundo. Ella también "se presenta", da una imagen. Mientras tanto, por detrás, está armando todo eso que presenta. Es impredecible. Como sugería Eliot, la tradición no solo se hereda, se conquista. Borges pensaba en la tradición como la herencia no solo de un lugar, sino también de un idioma. Para los personajes de Peaky Blinders, gitanos mafiosos que comparten códigos de honor, la tradición es importante. Para los realizadores de la película, también. Pero la tradición que deben conquistar es doble: la de la serieâ?¦ y la del cine.

De estrella de Hollywood a villana: la polémica por el retrato de Daryl Hannah en la serie sobre John F. Kennedy Jr.

Antes de que Carolyn Bessette apareciera en su vida, John F. Kennedy Jr. era uno de los solteros más codiciados de los Estados Unidos. Mujeriego empedernido, tuvo romances duraderos, relaciones secretas y encuentros fogosos con muchas mujeres. La más famosa, sin dudas, fue Daryl Hannah, una de las actrices más populares del Hollywood de los 80. Sin embargo, en Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, la ficción que está disponible en Disney+ decidió convertir a la protagonista de Splash en una figura egocéntrica, superficial y emocionalmente inestable, una caracterización que desató fuertes críticas.Conocido por exagerar las particularidades de cada uno de sus personajes, el productor y showrunner Ryan Murphy construyó una Daryl Hannah a la medida de su proyecto: una villana útil para demostrar que esa relación era muy superficial, que estaba agotada y que el futuro de John John estaba junto a Bessette. Y aunque dentro de la historia funciona, ese retrato distorsionado generó la reacción no solo de los seguidores de la actriz, sino también de integrantes de la industria y de la prensa especializada.Antes de CarolynAntes de que Carolyn Bessette apareciera en su vida, John F. Kennedy Jr. mantuvo una relación que se extendió durante cinco años con Daryl Hannah, uno de los romances más observados de los años noventa. Ella ostentaba el estatus de celebridad gracias a sus papeles en Blade Runner, 1,2,3â?¦ Splash y Magnolias de acero, mientras que él era considerado el soltero más codiciado de los Estados Unidos y sobre sus hombros pesaba el magnetismo mediático de la familia Kennedy. Kennedy y Hannah se conocieron a principios de los años 80 en la isla caribeña de St. Martin, donde cada uno fue a veranear con su familia. En 1988 se reencontraron en la boda de Lee Radziwill, la tía de Kennedy, con el director Herb Ross, quien había dirigido a la actriz en Magnolias de acero. De a poco, se empezaron a mostrar juntos tanto en las calles de Nueva York como en los compromisos sociales de él. Además, los dos formaban parte de familias multimillonarias, poderosas y políticamente conectadas y tenían muchos intereses en común, como el activismo medioambiental.Mientras la presión por una boda se hacía cada vez más difícil de manejar ("Esto se está poniendo realmente molesto. Me preguntan por ello todo el tiempo. Esta mañana llamo a mi plomero, y hasta él preguntó Solo intento arreglar mis tuberías. ¿Por qué la gente no puede hablar de otra cosa?", se desahogó Hannah en una nota con Entertainment Weekly en 1993), la relación comenzó a resquebrajarse. En 1994, poco antes de que John Kennedy Jr. comenzara su relación con Bessette, la actriz desapareció de su vida.De la ex a la villana en la ficciónCon el estreno de Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, el romance entre Hannah y Kennedy volvió al centro de la escena, aunque no todos celebraron la forma en la que la actriz aparece en la ficción. Interpretada por Dree Hemingway, Daryl aparece en los primeros capítulos, en la etapa previa al romance entre Kennedy y Bessette, y su presencia funciona como un obstáculo. Con el fin de enfatizar las tensiones de la relación, Murphy eligió mostrar a la actriz como una figura emocionalmente inestable, difícil y egocéntrica. Ese retrato no pasó inadvertido: varios críticos señalaron que la serie simplifica la figura de Hannah en la historia. La discusión se instaló rápidamente en redes y en la prensa cultural. "La representación que hace Love Story de Hannah como una diva caprichosa, quejosa y obsesionada con la cocaína (que de algún modo equipara la pérdida de su querido perro con la de la madre de Kennedy ¡en el velatorio de Jackie Kennedy!) no termina de resultar convincente. De hecho, si yo fuera Hannah, consideraría demandar", escribió la periodista Emma Specter en una columna de opinión para la revista Vogue, donde además aseguró que el retrato es injusto y gratuito.Por su parte, en su reseña de la miniserie el sitio AOL Entertainment publicó que la caracterización de la actriz resulta "especialmente desafortunada" por lo exagerada que aparece en pantalla y por la manera en que el guion la reduce a rasgos casi caricaturescos: "Su retrato resulta exagerado y molesto", aseguró el medio.Los fanáticos de la actriz â??y quienes recuerdan aquellos años con precisión y nostalgiaâ?? no se quedaron atrás. "Dios mío, ¿qué le hizo Daryl Hannah a Ryan Murphy para merecer esto?", escribió la productora, novelista y guionista estadounidense Carina Adly Mackenzie en su cuenta de X dos días después de su estreno. "La trataron mal. Daryl era guapa y glamorosa, y provenía de una familia extremadamente adinerada. (Más adinerada que los Kennedy)", sumó otro usuario.La respuesta de la producciónDesde la producción defendieron la construcción narrativa de la serie: explicaron que el proyecto forma parte de la antología televisiva en la que Murphy se centra en grandes historias de amor, y que su foco está puesto en el vínculo entre Kennedy y Bessette. Además, dejaron en claro que en ningún momento tomaron contacto con Hannah."En general, no nos relacionamos con las figuras públicas, porque o bien acabas sintiéndote obligado a respetar algo que te piden: 'Por favor, retrátame así, pero no de aquella manera', o sientes que tienes versiones en competencia", le dijo la productora Nina Jacobson a The Hollywood Reporter.Jacobson también habló del tema en una entrevista con el portal de espectáculos Gold Derby, y explicó que se tomaron muy en serio la representación de la estrella de Kill Bill. "Siempre intentamos partir desde un lugar de compasión", señaló. "Con todos estos personajes â??ya sea que sigan vivos o que sus familiares lo esténâ?? tratamos de ser muy conscientes de darles la dimensión y la complejidad que merecen. Queríamos abordarlos con empatía y respeto", completó. La actriz que intentó tender un puenteQuien sí intentó acercarse a Hannah fue Dree Hemingway, la encargada de darle vida en la serie. La nieta del célebre escritor estadounidense, además, es hija de Mariel Hemingway, una amiga cercana de la figura de Splash. Durante una entrevista en la alfombra roja de la fiesta que el medio especializado The Hollywood Reporter realiza durante la temporada de premios, Hemingway reveló que antes de personificarla le escribió a Hannah una "nota de amor" sin esperar su respuesta.Consultada por la forma en la que encaró el personaje, Hemingway señaló el peso de ponerse en la piel de una artista tan conocida. "La verdad es que la quiero mucho. Es una persona increíble e icónica para representar, pero Ryan y Connor Hines, que escribieron todo, fueron muy buenos a la hora de caracterizar a Daryl. La serie está contada claramente desde un aspecto ficcional, porque no sabemos qué ocurrió realmente puertas adentro. Pero fue una experiencia increíble. Ella es increíble. Me encanta", sostuvo, sin dimensionar lo que sucedería después.La palabra de HannahCuando parecía que iba a dejar pasar el tema una vez más, Hannah decidió romper el silencio. Lo hizo a través de una extensa columna de opinión que publicó el 6 de marzo pasado en el diario The New York Times, tres semanas después del estreno del show. En el texto, al que tituló "¿Cómo puede 'Love Story' salirse con la suya?", Hannah desmintió lo que se ve en pantalla y tildó la producción de machista."El personaje 'Daryl Hannah' que aparece en la serie no es ni remotamente una representación precisa de mi vida, de mi conducta ni de mi relación con John. Las acciones y comportamientos que se me atribuyen son falsos", sentenció la actriz. "Nunca he consumido cocaína en mi vida ni he organizado fiestas con cocaína. Nunca he presionado a nadie para que se case conmigo", fueron algunas de las situaciones que Hannah desmintió en relación a lo que se ve en la ficción. "Me resulta indignante tener que defenderme de un programa de televisión", agregó."A lo largo de los años he soportado mentiras escandalosas, historias desagradables y caracterizaciones poco favorecedoras. Elegí no combatirlas y concentrarme en mi trabajo, respetando a mis seres queridos al mantener mi vida privada en privado. Pero mi silencio no debe interpretarse como un acuerdo con las mentiras", continuó.Hannah también hizo referencia en sus palabras a la forma en la que los creadores de la serie decidieron presentarla, y apuntó contra el costado machista de esa construcción. "La cultura popular ha elevado durante mucho tiempo a ciertas mujeres retratando a otras como rivales, obstáculos o villanas. ¿No es eso un ejemplo clásico de misoginia: derribar a una mujer para construir la historia de otra?", se preguntó."Muchas personas creen lo que ven en la televisión y no distinguen entre dramatización y hechos documentados. El impacto no es abstracto. En la era digital, el entretenimiento puede convertirse en memoria colectiva. Las mentiras viven en internet para siempre", aseguró, y advirtió que "cuando el entretenimiento toma el nombre real de una persona, puede dañar su reputación".

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Daryl Hannah, furiosa con la serie Love Story por la forma que retrata su historia de amor con John F. Kennedy Jr.

Primero fue la crítica especializada, luego sus fanáticos y ahora habló ella: a tres semanas de su estreno, Daryl Hannah rompió el silencio y criticó el retrato que el director Ryan Murphy hizo de ella en Love Story: John Kennedy & Carolyn Bassette. Poco afecta a hablar de su vida privada; la célebre actriz hizo una excepción y escribió una extensa columna de opinión que publicó hoy el diario The New York Times. Hannah, de 65 años, vivió un publicitado romance con John F. Kennedy Jr. antes de que el heredero de una de las familias más poderosas de los Estados Unidos se casara con Carolyn Bessette. En la serie de FX que se puede ver en Disney+, a Hannah -interpretada por Dree Hemingway- la retratan como la villana de la historia: impulsiva, superficial y muy egocéntrica. Además, la ficción da a entender que consumía cocaína.En el texto, al que tituló "¿Cómo puede Love Story salirse con la suya?", Hannah no solo desmintió lo que se ve en la serie sobre ella, sino que, además, reflexionó sobre el daño que generó esa construcción y la tildó de machista."Por lo general, he elegido no responder a lo que los medios dicen sobre mí. Siempre creí que involucrarse con distorsiones solo las amplifica. Pero una reciente serie de televisión que explota una tragedia sobre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette Kennedy presenta a un personaje con mi nombre y afirma que soy yo. El personaje 'Daryl Hannah' que aparece en la serie no es ni remotamente una representación precisa de mi vida, de mi conducta ni de mi relación con John. Las acciones y comportamientos que se me atribuyen son falsos", sentenció la actriz."Nunca he consumido cocaína en mi vida ni he organizado fiestas con cocaína. Nunca he presionado a nadie para que se case conmigo", fueron algunas de las situaciones que Hannah desmintió en relación a lo que se ve en la ficción. "Me resulta indignante tener que defenderme de un programa de televisión", agregó."A lo largo de los años he soportado mentiras escandalosas, historias desagradables y caracterizaciones poco favorecedoras. Elegí no combatirlas y concentrarme en mi trabajo, respetando a mis seres queridos al mantener mi vida privada en privado. Pero mi silencio no debe interpretarse como un acuerdo con las mentiras", continuó, aclarando por qué decidió romper el silencio en este momento.Hannah también hizo referencia en sus palabras a la forma en la que los creadores de la serie decidieron presentarla: "Como un obstáculo para la historia de amor central". "Por eso no es casual que el personaje aparezca como irritante, egocéntrico, quejoso e inapropiado", explicó. De inmediato, apuntó contra el costado machista de esa construcción. "La cultura popular ha elevado durante mucho tiempo a ciertas mujeres, retratando a otras como rivales, obstáculos o villanas. ¿No es eso un ejemplo clásico de misoginia: derribar a una mujer para construir la historia de otra?", se preguntó."Muchas personas creen lo que ven en la televisión y no distinguen entre dramatización y hechos documentados. El impacto no es abstracto. En la era digital, el entretenimiento puede convertirse en memoria colectiva. Las mentiras viven en internet para siempre", aseguró y señaló: "Cuando el entretenimiento toma el nombre real de una persona, puede dañar su reputación". Hannah y John Kennedy Jr. salieron intermitentemente durante más de cinco años. La relación llegó a su fin en 1994, poco antes de que el joven empresario blanqueara su relación con Carolyn Bessette. En la actualidad, la estrella de Hollywood está enfocada en el activismo ambiental y la dirección de documentales. Además, en 2018 se casó con el músico Neil Young. La pareja, cultora de un perfil muy bajo, vive entre los Estados Unidos y Canadá, comparte activismo político y ambiental y suele colaborar en proyectos creativos.

Daryl Hannah alza la voz contra la serie "Love Story" por distorsionar su romance con John F. Kennedy Jr.

La actriz se pronunció por primera vez tras el estreno de la polémica serie, asegurando que su retrato en pantalla es "absolutamente inexacto"

"Efecto Outlander": se estrena la última temporada de la exitosa serie que es mucho más que una trama en las plataformas

Después de ocho temporadas, viajes a través del tiempo, batallas épicas, pérdidas y reencuentros imposibles, Outlander entra en su tramo final. La improbable historia de amor entre Jamie, un soldado y terrateniente escocés del siglo XVIII y Claire, una enfermera de combate británica de La Segunda Guerra Mundial, se prepara para cerrar un ciclo que marcó a millones de espectadores alrededor del mundo. "Es increíble ser parte de algo que significa tanto para la gente", aseguró, conmovida, Caitriona Balfe, la gran protagonista del suceso junto a Sam Heughan.La actriz y modelo irlandesa habló con LA NACION en la previa a la despedida de la serie junto a su coprotagonista escocés, Sam Heughan. El encuentro fue en el marco de una conferencia virtual con medios de distintos países, incluida la Argentina. Basada en la célebre saga de novelas de Diana Gabaldon, el cierre de la historia se podrá ver a partir del 7 de marzo en Disney+. Después de una séptima temporada atravesada por la guerra y por decisiones que alteraron el destino de los Fraser, la trama regresa a Fraser's Ridge con una certeza incómoda: el conflicto ya no está solo en el campo de batalla. Con el regreso de Caitríona Balfe y Sam Heughan como los entrañables Claire y Jamie; Sophie Skelton y Richard Rankin como Brianna y Roger MacKenzie, John Bell como el joven Ian y David Berry como Lord John Grey, la temporada final plantea una pregunta íntima y definitiva: cuánto están dispuestos a sacrificar los Fraser para proteger lo que construyeron y, sobre todo, para seguir juntos.El "efecto Outlander"Poco después del estreno de la serie, en 2014, la serie despertó un inédito fenómeno al que bautizaron como el "efecto Outlander", un fenómeno cultural y turístico marcado por un aumento sostenido del turismo en las principales locaciones de la serie en Escocia que se completó con un renovado interés internacional en su historia, sus paisajes y sus castillos."Nunca supimos que la serie sería tan exitosa. Durante los primeros años, especialmente en Escocia, la gente no era tan consciente. Luego empezaron a darse cuenta de que había grupos de fans que venían a explorar lugares específicos. Creo que los locales se sorprendieron y finalmente entendieron lo que es el 'efecto Outlander'", explicó el actor. Cautivado por cómo la serie reivindicó sus raíces, el actor celebró el boom turístico. "Ha sido maravilloso para Escocia, para el turismo, pero también para la industria y para otros negocios de la región. Ayudó de forma exponencial a aumentar las cifras de turismo. Estamos realmente agradecidos", agregó, y de inmediato invitó a los turistas a visitar el sur del país, donde él nació.Caitríona Balfe, por su parte, habló del legado del show y aseguró que percibió el impacto de Outlander sobre todo en el vínculo con la audiencia. "Es increíble ser parte de algo que significa tanto para la gente", señaló. "Cuando viajamos por el mundo y conocemos personas que han amado la serie, hay algo en esa comunidad que nos une a todos. Eso es realmente hermoso".El rodaje de la escena finalSi el fenómeno cultural es una dimensión del cierre, la filmación de la última escena es otra, profundamente más íntima. Ese momento que Claire y Jamie -o Caitriona y Sam- compartieron fue, según ellos mismos describieron, una experiencia tan intensa como inevitable. "Fue un diálogo muy denso, de seis o siete páginas", recordó Heughan. Como en tantas escenas emblemáticas de la serie, estaban sentados en una cama. Lo que comenzó como un trabajo técnico -una secuencia que podía llevar dos o tres horas de rodaje- fue adquiriendo un peso distinto a medida que repetían las líneas."Se volvió cada vez más claro que tenía un significado más amplio para nuestro recorrido, nuestra experiencia a lo largo de los años. Se hizo cada vez más difícil decir las palabras sin quebrarnos. A mi me resultó muy, muy difícil. Fue muy emocionante. Hubo muchas lágrimas", señaló Heughan. En sintonía, Balfe coincidió con su compañero y recordó que todo el elenco y el equipo técnico estaban presentes ese día: no era solo una escena más: era el cierre de un proceso de más de una década. "Fue muy emocionante, muy intensoâ?¦ pero también hermoso", sumó. Doce años después: cómo cambiaron Jamie y ClaireUno de los aspectos más celebrados del recorrido de Outlander es la transformación de sus protagonistas. En las primeras temporadas, Claire era impulsiva, frontal y temeraria. Jamie, en cambio, se mostraba apasionado y orgulloso, y reaccionaba con intensidad a cada desafío. Hoy, doce años después y a los ojos de sus intérpretes, el tiempo, su recorrido y la madurez los hizo cambiar.Para Heughan, Jamie conserva su pasión, pero dejó de lado su costado temperamental. "Es más reflexivo, más estratégico y tiene un mayor sentido de la responsabilidad", explicó. "Es mejor al momento de leer situaciones, tal vez en el largo plazo. Su amor por Claire es inmortal, pero también es mucho más profundo porque han pasado por cosas muy horribles y traumáticas pero también tuvieron un montón de alegría", describió. Por su parte, Balfe aseguró que Claire también atravesó un proceso de maduración complejo. "Cuando la conocimos era muy impulsiva. Parte de su fortaleza era su resiliencia. Con los años, eso no siempre le resultó tan útil", reflexionó. La sexta temporada mostró uno de los momentos más oscuros de Claire. A partir de allí, emergió una versión más sólida y equilibrada. "Esta edad le ha enseñado a dar un paso atrás y observar, a ser un poco menos impulsiva, pero no menos apasionada", agregó la actriz. Hoy, Claire no solo pelea por amor sino también por quienes dependen de ella.El amor como aprendizajeSi algo sostuvo la narrativa de la historia a lo largo de los años fue la intensidad del vínculo entre Jamie y Claire. Más allá de la épica histórica, el eje siempre fue esa relación. Consultados sobre qué aprendieron de interpretar durante doce años una historia de amor tan potente, Heughan explicó que está soltero, pero ensayó una respuesta a partir de lo que experimentó al estar en la piel de Jamie. "Con el amor como base, puedes superar cualquier cosa juntos", confió."Creo que todos aspiramos a tener una relación como la de Jamie y Claire. Tal vez menos dramática, pero una historia de amor así", bromeó a su turno Balfe. "Hay personas que vieron la serie y nos dijeron que, a partir de ese momento, su propia relación o su forma de vincularse creció o evolucionó. Eso a veces resulta un poco desconcertante, pero en general es realmente hermoso de escuchar", concluyó.Con el final cada vez más cerca, Outlander se despide no solo como una saga romántica de época sino como un fenómeno cultural que trascendió fronteras. Entre batallas, viajes en el tiempo y decisiones imposibles, la historia de Jamie y Claire construyó algo más duradero que la ficción: una comunidad global que encontró en ese amor una forma de pertenencia. Y quizá ese sea su legado más profundo.Una complicidad que trasciende la pantallaPor último, la dupla habló sobre cómo fue trabajar juntos pero con ella en un nuevo rol: a su interpretación se sumó su faceta de directora. "Fue increíble. Amé cada segundo", describió ella la experiencia, y aseguró que ver actuar a su compañero desde el monitor le permitió descubrir matices que antes, dentro de la escena, no percibía. "Sam es un actor extraordinario. Cuando estás en la escena no ves todo lo que pasa, pero desde afuera me sorprendía lo increíble que es". View this post on Instagram Heughan, fiel a la dinámica que sostienen desde hace años, interrumpió con humor: "Me dio muchas indicaciones". Rápida como Claire, la actriz lo desmintió entre risas, pero él redobló la apuesta: "Intentó reemplazarme, pero le dijeron que no era posible". Más allá del juego, el actor volvió a la seriedad que mantuvo durante la mayor parte de la charla para destacar el trabajo de Balfe. "Es fantástica. Una actriz increíble y una muy buena directora. Fue muy lindo tener a una amiga detrás de cámara". Incluso aseguró que el episodio que ella dirigió es "uno de los mejores de la temporada". Entre elogios sinceros y bromas compartidas, volvieron a exhibir una complicidad que enamoró a millones de espectadores que, seguro, quedarán con ganas de más.

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Revolucionó el cine de Oriente hace 25 años y ahora regresa con la monumental Blossoms Shanghai, una serie de 30 capítulos para ver de a poco

"La serie los llevará a Shanghai en los años 90, cuando la ciudad se estaba reinventando", nos revela, casi en secreto, el director Wong Kar-wai como preámbulo al desembarco de su serie Blossoms Shanghái en la plataforma de MUBI. Es una buena noticia por varias razones. La primera, porque supone el regreso de uno de los directores asiáticos más importantes del siglo XXI luego de más de una década de ausencia desde su última película, El gran maestro (2013) -y un cuarto de siglo después del celebrado éxito de Con ánimo de amar (2000), aquella obra maestra que le valió convertirse en uno de los grandes referentes del cine hongkonés-. La segunda, porque supone una apuesta arriesgada dentro de un escenario cada vez más homogéneo y previsible para el streaming, donde las series se parecen unas a otras, deudoras de fórmulas similares y géneros convertidos en muletillas. Y tercero porque supone una forma de reinvención del melodrama chino, aquel que dio prestigio y vitalidad al cine de ese país en los años 50 -muchas de esas películas son desconocidas en Occidente-, al mismo tiempo que ofrece una adaptación de la premiada novela Blossoms, de Jin Yucheng -de la que Wong adquirió los derechos en 2013-, cuyas coordenadas nos llevan a la China de 1993 en los albores de su despegue económico y su progresiva consolidación como el gigante asiático que hoy conocemos. Wong Kar-wai no solo presenta este esperado regreso como "una mirada hacia el pasado que permite entender el presente", sino que entrelaza el retrato de época -el esplendor de una ciudad como Shanghai en el epicentro del furor bursátil-, con una historia de pasión y perdición entre un ambicioso corredor de bolsa que se hace millonario por la compra de acciones y los acuerdos de comercio exterior, y una misteriosa femme fatale que llega para adueñarse de un imponente restaurante en la famosa Huanghe Road. "En esencia, la serie trata de impulsos universales -continua el director-, de la búsqueda permanente de cierta forma de resurrección, de la embriaguez de las oportunidades y la tensión entre la ambición y el amor". Un cóctel que recuerda a sus películas anteriores, como 2046 (2004), la atípica secuela de Con ánimo de amar, sita en un misterioso hotel, una habitación fantasmal y un mar de recuerdos. Pero también a ese pulso narrativo que reveló desde la pionera As Tears Go By (1988), combinando su origen en China y su condición de emigrado en Hong Kong, a menudo citado por su estética fragmentaria y efervescente, sus ralentis entrelazados con la música de "California Dreamin'" en Chungking Express (1994), mojón inolvidable del despegue de un cine que conquistó premios y festivales. ¿Cómo olvidar los ceñidos trajes de diseño de Maggie Cheung en esas danzas al ritmo de "Aquellos ojos verdes" en la portuaria Hong Kong de los años 60? Con ánimo de amar fue una pequeña revolución para el cine del nuevo milenio, y las imágenes de Wong Kar-wai definieron para siempre la estética de la fragilidad amorosa, signada por la espera, el amor prohibido y el desencanto. Ya para entonces, Wong había pasado por festivales con Chungking Express y la versión inolvidable de "Dreams", de The Cranberries, en la voz de Faye Wong, y también por Buenos Aires para el rodaje de Happy Together (1997), inspirada en la novela The Buenos Aires Affair, de Manuel Puig. Ya había inmortalizado a Tony Leung y Maggie Cheung como los amantes desgraciados y conseguido impulsar a la Nueva Ola Hongkonesa -junto a nombres como el de Stanley Kwan y la voz femenina de Ann Hui- a la primera línea de los principales festivales del mundo. Blossoms Shanghai supone un regreso a esa memoria de los años 90 que lo vieron consagrarse como cineasta, guiado por algunas inspiraciones que ya habían definido su cine en los primeros tiempos. Siempre se habló de la atracción de Wong Kar-wai por las nuevas olas de los 60, su admiración por un cineasta como Ingmar Bergman, sus recurrentes referencias al cine de Michelangelo Antonioni -cineasta con el que compartió el tríptico Eros en compañía de otro nuevaolero como el alemán Wim Wenders-, y la evocación de la estética moderna gracias a la fotografía del australiano Christopher Doyle. La Shanghai que recrea Wong esta vez recupera algo del pulso febril de Roma en El eclipse (1962), de Antonioni, con el mercado bursátil en plena ebullición y la especulación financiera a la orden del día. En el epicentro de ese nuevo mundo, el surgimiento de un amor posible, una historia de desencuentros y anhelos suspendidos. En aquella película de la trilogía italiana de la incomunicación -que completan La aventura (1960) y La noche (1961)-, la pareja la formaban Monica Vitti y Alain Delon; en esta Shanghai frenética ante el despegue del mercado accionario y la puja por una riqueza que parece servida en bandeja, las estrellas chinas Hu Ge y Xin Zhilei dan vida a dos amantes unidos por la venganza y la traición. La historia de Blossoms Shanghai comienza el 31 de diciembre de 1992 en el Hotel Peace justo cuando Ah Bao (Ge Hu), un millonario agente de bolsa, recibe un maletín con 30.000 yuanes en la víspera del conteo para la llegada del año nuevo. Al subir a su automóvil en la calle Huanghe, un taxi lo atropella y lo deja inconsciente. Las imágenes de Wong suspenden el horror en prolongados instantes; el cuerpo de Bao en el aire, los billetes como una lluvia de papelitos, los curiosos transeúntes absortos por el accidente. En el hospital todo es espera y ansiedad, y el propio Bao convertido en narrador nos conduce hacia el pasado, al inicio del misterio que lo ha dejado tendido en una camilla al borde de la muerte. Todo comenzó en 1987, el encuentro con su mentor, el Tio Ye recién salido de prisión, y la entrada al mercado bursátil cuando China recién abría la oferta de títulos y se propagaba la fiebre por una riqueza fácil e inmediata. "A los ojos de la fortuna, todo el mundo es igual", nos dice Bao desde ese pasado que hoy lo visita. Los primeros episodios alternan retazos del recuerdo de la ciudad en los años 80 y la bisagra hacia la nueva década de escalada económica y transformación urbana. El escenario es la calle Huanghe, sus restaurantes y clubes nocturnos, el Hotel Peace como refugio y sala de operaciones de Bao y el Tio Ye, el viejo restaurante Fénix Dorado reconvertido en El Gran Lisboa, sitio del esplendor y la venganza de la misteriosa Li Li (Xin Zhilei). Los personajes que rodean a Bao son una banda de especuladores, en la frontera de la legalidad y la ilegalidad; el Capitán Cai, un jubilado que se las trae con acuerdos silenciosos y pactos fáusticos; el divertido Li Sellos, un pionero consultor de títulos que se jacta de haber vendido a Bao su primera acción de Vacuum Electron; la señorita Wang, contable sumisa y enamorada del elusivo Bao, y Ling Zi, socia en el club Tokio Nights, un reducto de la cultura japonesa en el corazón de esa nueva China. Todos quieren lo mismo, amor y dinero, aunque no siempre sea fácil conciliar esos anhelos. Con el primer episodio disponible desde el 26 de febrero último, Blossoms Shanghai estrenará diez nuevos episodios cada mes, recorriendo una historia que recuerda la tradición de los melodramas chinos, con sus vestuarios imponentes, sus ambientes suntuosos, sus melodías embriagantes, aquella clave que el propio Wong había recuperado en Con ánimo de amar, ambientada en los tempranos 60, conjugando el amor y el desencuentro con los acordes de "Quizás, Quizás, Quizás" -la canción latinoamericana ya había aparecido en Happy Together con el tango musicalizando los paisajes urbanos del centro porteño-, y ahora consigue redirigir hacia un nuevo tiempo, el de finales del siglo XX, el de la transformación china y la explosión de un furor financiero que sería clave para entender el presente de esa región. Como director de cada uno de los episodios, Wong ensaya un repaso de su propia obra, desde la urbanidad febril de Chungking Express, las crueldades del amor de Happy Together, hasta las dimensiones de un hotel como la mente humana que signaron la melancolía de 2046, su última película exitosa por estas latitudes. Con un total de 30 episodios, la serie consiguió un éxito sin precedentes en su estreno en China en 2023, logrando el primer puesto en todos los canales donde se emitió, evocando la atmósfera que hizo conocido a Wong Kar-wai alrededor del mundo, sus sinuosos movimientos de cámara, la vidriosa fotografía -en este caso de Cheng Chen y Chenyu Jin-, y el ritmo feroz del relato, que va y viene entre presente y pasado, que conecta estertores del thriller con la pausa agobiante del melodrama, sin perder pisada al mundo que lo rodea, a esa sensación de estar asistiendo a un cambio en vivo y en directo, y al mismo tiempo al ejercicio de su evocación distante. Los narradores de Wong han sido y son aquí también soñadores en vigilia, caminantes de un mundo en ruinas que desaparece para dejar vestigios de amor y deseo, para consagrar el anhelo de lo posible en la resignación de lo real.

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Si ya se hablaba de ella cuando todavía era un proyecto, su estreno mundial no hizo más que multiplicar ese efecto. Desde los primeros capítulos (son nueve en total), Love Story, la miniserie sobre la magnética historia de amor de John John Kennedy y Carolyn Bessette, rompió récords en las plataformas Hulu y Disney+: además de superar las expectativas iniciales de FX, se convirtió en uno de los eventos televisivos de este 2026. Y, contra aquellos pronósticos negros previos a su lanzamiento, hoy no solo cuenta con el visto bueno de la crítica â??algunos expertos la compararon con The Crown, al considerarla como "la versión americana de los Windsor"â??, sino también con el aval del público, que pasó del recelo inicial a la fascinación absoluta por esta nueva creación que tiene el sello del director, guionista y productor Ryan Murphy.Basada parcialmente en el libro de Elizabeth Beller, "Once Upon a Time: The Captivating Life of Carolyn Bessette-Kennedy", la miniserie está llena de hitos. Empezando por un presupuesto sin precedentes (cerca de 100 millones de dólares) para lograr con rigor el inconfundible estilo de los '90: desde cada uno de los outfits de los personajes hasta la recreación casi exacta de varias zonas emblemáticas de la Nueva York de esa década.Pero es en el elenco en donde reside su gran atractivo. Junto con la multipremiada actriz británico-australiana Naomi Watts (quien personifica a Jackie Kennedy) y la presencia de Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon (quienes debutan en roles protagónicos al encarnar al glamoroso hijo de JFK y a la elegante publicista de Calvin Klein, respectivamente), Ryan Murphy armó un dream team único que lleva el ADN de la actuación en su sangre. Acá te contamos quiénes son. GRACE GUMMER Para personificar a Caroline Kennedy, la hermana mayor de JFK Jr., Murphy eligió a la actriz Grace Gummer (39). Ella es la tercera hija que Meryl Streep tuvo con el escultor Don Gummer y, en la pantalla chica, se consagró como la agente Dom DiPierro en la serie Mr. Robot y personificando a la periodista Hallie Shea en The Newsroom. Con el director de Love Story, Gummer ya había hecho tres temporadas de American Horror Story (Coven, Freak Show y Delicate). Y, en cine, se la vio en Frances Ha y en la reciente biopic de Bruce Springsteen, Deliver Me From Nowhere. Junto con su marido, el productor musical Mark Ronson, tienen dos hijas y llevan una vida de muy bajo perfil. SYDNEY LEMMON Para el papel de Lauren Bessette, la hermana de Carolyn, fue elegida Sydney Lemmon (35), que no sólo es conocida por interpretaciones en Helstrom, Fear the Walking Dead y Succession. Es, además, la nieta del entrañable actor Jack Lemmon. De su generación, Syndey está considerada una de las las actrices mejor preparadas: estudió en la Universidad de Yale y tiene un master de la Juilliard School, una de las instituciones de artes más prestigiosas del mundo. En una entrevista que brindó a la revista digital SBJCT Journal, habló de su pasión por la música: junto con su hermano Jon Lemmon, Sydney toca el teclado, la guitarra y, principalmente, el piano, una pasión que heredó de tando de su padre, el actor Chris Lemmon, como de su abuelo, Jack. DREE HEMINGWAY En la miniserie Love Story, es Dree Hemingway (38) quien interpreta papel de Daryl Hannah, la actriz que fue pareja por cinco años de JFK Jr. Pero antes de convertirse en una estrella de las pantallas y referente del cine culto gracias a las películas Starlet y Mientras seamos jóvenes, de Sean Baker y Noah Baumbach, respectivamente, la hija de Mariel Hemingway y bisnieta del legendario escritor Ernest Hemingway dejó su huella en el mundo fashion, que la elevó a la categoría de it-gilr. Desde que en 2009 abrió un desfile de Givenchy en París, se volvió la favorita de los grandes diseñadores: fue imagen de Chanel (fotografiada por Karl Lagerfeld) y trabajó para Gianfranco Ferré, Salvatore Ferragamo y Gucci, entre otras firmas. Posó para revistas internacionales como Harper's Bazaar o Vogue Italia bajo la mirada de Steven Meisel. Mantuvo por varios años una relación con el fotógrafo Phil Winser, uno de los fundadores del restaurante The Fat Radish, ubicado en el Lower East Side. SOPHIE VON HASELBERG Y, finalmente, está Sophie von Haselberg (39), que es la única hija que la actriz Bette Midler tuvo con el cómico Martin von Haselberg. Tras estudiar sociología en la Universidad de Yale (tiene un título con especialización en estudios del Este Asiático, se mudó a China (habla mandarín fluido). Ya de vuelta en los Estados Unidos, estudió en la Escuela de Drama de Yale. Debutó con Woody Allen en Irrational Man y trabajó en series de Murphy como Pose y American Crime Story: Versace, además de la producción de HBO The Wizard of Lies. Durante la pandemia, en 2020, se casó con Harry J. N. Funk en una ceremonia íntima en la cual, su madre, Bette, ofició de anfitriona y decoradora.

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Juan José Campanella: su amor por Parque Lezama, el anticipo de su serie animada de Mafalda y por qué es un sentimentalista

"En esta película es donde nació todo", dice Juan José Campanella sobre la versión cinematográfica de Parque Lezama, que el viernes 6 de marzo llegará a Netflix después de un fugaz y limitado paso por algunos cines locales. Toda una carrera entera de éxitos y reconocimientos, aquí y en Estados Unidos, coronada en 2010 con el histórico Oscar para El secreto de sus ojos, resumida en una historia que transcurre en un solo escenario. Entrevista a Juan José Campanella, director de Parque LezamaTodos conocemos a Campanella como uno de los más importantes y destacados directores argentinos de las últimas décadas, pero él mismo reconoce en el extenso mano a mano compartido con LA NACION que si alguien le pidiera una tarjeta con su nombre y su oficio, allí escribiría la palabra montajista. "Nadie sabe muy bien lo que hace un director, pero sí lo que hace un montajista. Ese es mi oficio y me apasiona. Lo hice en Metegol, en El secreto de sus ojos, en El cuento de las comadrejas y aquí también. Parque Lezama la compaginé yo", explica. Ese trabajo silencioso y tan propio del cine es lo que distingue más claramente, según Campanella, a la película de la obra original que el propio realizador adaptó y dirigió en el teatro con resultados extraordinarios: 1400 funciones a lo largo de 11 años con casi 500.000 espectadores aquí y en España. Y siempre con Luis Brandoni y Eduardo Blanco en los papeles protagónicos, primero en el escenario y ahora en la pantalla. Campanella siempre creyó que, sin una película, toda la memoria de ese ciclo admirable se perdería para siempre. En agosto de 2024 le había dicho a LA NACION que no quería que esas dos actuaciones quedaran en el olvido. "Un día Benjamín Vicuña vino a verla y me dijo que el final fue como si salieran dos rockstars al escenario", se entusiasma. Un ritualEn el proceso de adaptación al cine entró a jugar el alma y el oficio de montajista que lo acompaña desde sus comienzos. "Me encanta el teatro, en algunos casos hasta más que el cine. Pero no me gusta el teatro filmado. Ese ritual de estar con los actores, de darle vida al decorado y creerte que estás en un parque o en una habitación, que lo que está hecho de bastidores es una mansión en serio, cuando lo ves grabado, para mí se convierte en cartón pintado. Es como cuando prendés la luz en un momento romántico, se va la magia", explica. En ese momento decidió que la película tenía que hacerse en el mismísmo Parque Lezama, el lugar natural donde ocurre el encuentro entre los dos personajes centrales. Campanella celebra el hecho de no haber caído en lo que califica como un error cometido por Herb Gardner, el autor de la obra original (Yo no soy Rappaport) y su primera adaptación al cine en 1996, protagonizada por Walter Matthau y Ossie Davis. "Cuando uno hace una adaptación de una obra teatral al cine -explica-, la sabiduría popular te dice que tenés que agregarle decorados, flashbacks, si hablan de algo del pasado tenés que ver esa escena, etcétera. Pero aquí lo que importa es otra cosa: cómo lo recuerdan ellos, cómo lo cuentan y cómo lo viven".Y dice al respecto que muchos críticos especializados (no así el espectador común y corriente) se equivocan al sostener que el cine se distingue del teatro por el tamaño y la diversidad de sus decorados y lugares en los que transcurre la acción. "Esa visión niega películas como 12 hombres en pugna, que no sería cine porque transcurre en un solo decorado. Pero para mí eso es cine puro", señala. La diferencia, según Campanella, pasa por la cámara. Lo explica con detalle mientras se entusiasma cada vez más: "Los movimientos sutiles y casi escondidos de la cámara que el público no nota. Eso es el montaje, lo que yo decido que se vea. En teatro ves al que habla siempre en un plano general, fijo. Lo genial del teatro es que parece que estás al lado de los personajes. Pero el cine nos puede dar lo que está pasando en sus cabezas. En el teatro la actuación es voz y cuerpo. En el cine se incorporan los ojos. Y cuando tenés actores como Brandoni y Blanco la diferencia es abismal. Yo creo que esas dos caras son cine puro". -Hay escenas clave de la película, en las que la cámara nos lleva a que prestemos atención especial en la mirada de los personajes. -¿Viste que siempre se dice de lo bien que cuenta una historia tal director? Me parece que contar bien es lo básico, es como si se dijera de un médico que es limpio. Lo que realmente vale es que la audiencia no sólo esté escuchando un cuento y lo entienda, sino que viva lo que está pasando con los personajes. -Para los que vieron Parque Lezama en el teatro y se preparan para ver la película, ¿qué es lo que se agrega, se destaca o se deja de lado en un caso y en otro?-Eso no depende del medio sino de cómo va a ser vista la película. La comedia es muy contagiosa y en el Politeama había 700 personas mirando la obra y contagiándose unos a otros. La obra de teatro dura 15 minutos más, casi con el mismo texto, porque los actores pasan tiempo esperando que la gente deje de reírse o reciben aplausos a telón abierto. En el cine hay un elemento emocional que va a ser más fuerte. Vas a poder ver el alma de los personajes. -La emoción recorre toda tu obra como realizador y esta película es una invitación a la nostalgia, a revivir los buenos recuerdos. Pero uno de los protagonistas dice que la nostalgia mata más a los viejos que los infartos. -Se me acusa de que soy nostálgico o sentimentalista. Yo no lo vivo como una acusación. Sí, soy sentimentalista. Me gusta emocionarme en el cine, ir a llorar de emoción, nunca de tristeza. No me gusta la tristeza, me desconecta de la película. Hay una gran diferencia entre la nostalgia y el recuerdo. Nostalgia es quedar atrapado en lo que pasó. El que dice no puedo seguir viviendo, qué pena que las cosas no son como antes, no puedo encarar el futuro. Lo que importa es pasar de la nostalgia al recuerdo y encarar hacia adelante. En El hijo de la novia eso está muy claro, cuando el padre dice: si vos no tenés los recuerdos que tengo yo, empezá a hacer tus propios recuerdos. Eso es lo lindo que uno tiene al final de la vida: buenos recuerdos. En la Nueva York de los años 80, Campanella vio la puesta teatral original de Yo no soy Rappaport y su carrera posterior como director de cine quedó definitivamente marcada por aquella experiencia. Después llegó la película y también la decisión de adaptarla y dirigirla en Buenos Aires con impronta argentina: "Me reí, me emocioné, viví con los personajes, sufrí, me pasaba de todo -detalla-. Me pareció una maravilla que todo transcurriera en 40 metros cuadrados. Y con ese humor muy nuestro, judío e italiano, que es el humor de Nueva York y también de Buenos Aires. Y esas historiasâ?¦"-Y Brandoni, y Blanco. -¿Qué podés decir? Te dejan sin palabras. En el teatro nunca se oyó la última frase de la película. El público intuye qué es lo que va a decir Brandoni y empiezan los aplausos y los bravos. Creo que Herb Gardner hizo, junto a los de Casablanca y Qué bello es vivir, uno de los tres mejores finales que yo he visto en la historia. -Tu vida en el cine se resume con esta película, que está por llegar al streaming. Mientras tanto, venís hablando del presente y del futuro del cine con una mirada que no es muy optimista. -No soy optimista desde el punto de vista de aquel cine masivo con el que nosotros nos criamos. Del cine que puede lograr cambios sociales o que crea íconos, tanto actores como personajes. Hoy estoy muy enganchado con el teatro, porque en este momento el teatro es el único lugar que nos permite tener la risa de 500 o 600 personas al mismo tiempo. Lamentablemente el cine ya no. Además ya no se hacen comedias. Creo que soy el único que está haciendo comedias. Esta es la primera década, desde el tiempo del cine mudo, en que no hay grandes capocómicos. -Y eso de que el cine ya no es lo que era, ¿a qué lo atribuís?-Ya era una tendencia que venía y se aceleró muchísimo durante la pandemia. Y no hablo solo de cine argentino, sino a nivel global. De hecho, me parece que queda más público cinéfilo en la Argentina que en los Estados Unidos. Eso se combina con el surgimiento de las plataformas que quieren estrenar rápido lo que ellas producen y ya no hay tanta diferencia, dos o tres semanas, entre el estreno de una película y el momento en que pueden verla en su casa. -¿Qué pasa con eso?-Los que queremos ver una película preferimos ir al cine porque la experiencia es mucho mejor. Y muy pocos de nosotros vamos al cine dos veces a ver una película. Todo eso era necesario para la masividad. También murió la creación de estrellas convocantes. Ir a ver "la última deâ?¦" Me parece un muy buen actor, pero que me digas de ir a ver la última de Timothée Chalamet no me produce absolutamente nada. La última estrella de Hollywood es Leonardo DiCaprio, que ya tiene cincuenta y pico. Ya no hay reemplazo para ellas. Lo mismo pasa aquí. La televisión es de nicho, ya no de los 40 puntos de rating que también generaban estrellas. Y esto parece tonto, porque al star system siempre se lo criticó. -Por la frivolidad y todas esas cosas. -Fui al cine a ver Los asesinos de la luna, de Martin Scorsese. Y qué bueno es ver una escena con De Niro y DiCaprio. No son estrellas por la prensa, porque tuvieron amantes o esas cosas. Son estrellas porque tienen un peso específico en la pantalla absolutamente notable. Y tienen bagaje y una historia compartida con nosotros. Veo a De Niro y me veo a mí en el cine América a los 18 años viendo Taxi Driver, que me voló la cabeza. Son parte de nuestra vida y eso también desaparece. -A propósito de lo que es parte de nuestra vida, tu próximo proyecto es la serie animada de Mafalda que estás preparando para Netflix. -Nosotros hemos crecido con Mafalda. Somos contemporáneos de Mafalda. Tenemos la edad de Mafalda. Estoy absolutamente entusiasmado, es mi foco más grande. Soy uno de los fanáticos de Mafalda y quiero quedar bien con ellos. Sé lo que hay que hacer y cuáles fueron los problemas de las versiones anteriores. Trabajamos muy cerca de Guillermo Lavado y toda la familia de Quino, nos llevamos bárbaro, estamos consultándolos permanentemente. Y el elenco es espectacular. Todavía no lo puedo revelar. -¿Ya están todas las voces?-Sí, y tenemos muchos capítulos grabados. Pero todos, incluso los actores y las actrices, queremos que vean a los personajes antes de que se sepa quiénes son. Que no imaginen ninguna cara. -La última vez que conversamos dijiste que querías dirigir todos los capítulos, que iban a ser 10. -Dos temporadas de diez episodios cada uno, con historias de entre 20 y 25 minutos cada uno. -Y que también los ibas a escribir.-Tenemos un gran equipo de autores. Gastón Gorali, Roberto Moldavsky, Dalia Gutmann, Cecilia Monti. -Cecilia además es tu esposa y comparte con vos la autoría de tu más reciente obra de teatro, que sigue en cartel. -Así es. Empieza con D, siete letras, con Eduardo Blanco y Victoria Almeida. Y también escribió capítulos de El hombre de tu vida, que está en Netflix. Le pusimos mucho trabajo a los guiones, los animadores son de primera, el arte no se puede creer, la iluminación va a sorprender. Les pido que tengan paciencia porque la animación lleva tiempo. Más proyectos-También se habló en su momento, hace un año más o menos, de una adaptación en formato de serie y en inglés de El hijo de la novia. -Sí, es más que una adaptación. Es la historia de esa familia que tenía mucho más para seguir contando. Pero eso está un poquito verde. Por supuesto que no dejaría que la haga nadie que no fuera yo, porque El hijo de la novia es la historia de mi familia. Pero hoy Mafalda es mi foco principal. Además sigo trabajando en La ley y el orden y quiero escribir una nueva obra de teatro. Ya no se qué inyectarme para seguir adelante. A veces es cansador, pero hay que seguir. -Por último, circuló últimamente la mención de tu nombre entre quienes cuestionan la decisión oficial de dejar de financiar al Incaa que aparece en el capítulo impositivo de la reforma laboral que está por aprobarse. -Sí, estuvo allí. Pero hablar de ese tema puntual me parece un error. Es casi un gasto inexistente para el Gobierno. Es un sistema de autofinanciación que incluso se estudia en Europa para ver de poderlo aplicar en España y en otros países. Pero más que eso, lo que quiero mencionar, y espero que entendamos todos, es que nuestra cultura es lo que nos mantiene relevantes. La Argentina está en el horno en términos económicos. Esto lo dice el Gobierno y lo dice cualquiera. Estamos lejos del lugar de poderío que teníamos a principios del siglo XX. Desde los indicadores económicos somos, quizás después de Venezuela, el peor país de Latinoamérica, con una inflación que aparentemente se puede bajar, pero no frenar y una crisis económica desde que nací. -Hablabas de la cultura. -La Argentina sigue siendo un país importante gracias a su cultura, a su música, a su literatura. Algunos somos tangueros, otros del folklore, otros siguen al trap o a Duki, pero cualquiera que sale de aquí convoca a cinco millones de personas en todo el mundo. Tenemos el teatro más importante de toda Latinoamérica. Buenos Aires es una de las cinco ciudades teatrales más importantes del mundo, un cine multipremiado. Despreciar la cultura no cabe en la cabeza de ningún país del Occidente capitalista. Es lo que nos da identidad, lo que extrañamos, la manera en que nos comunicamos, lo que admiramos. Yo le preguntaría a cualquier argentino que me mencione diez argentinos a los que admira, y el 70% van a ser del fútbol y la cultura. Para algunos, puede haber un Perón que se cuele por allí. -O el Papa Francisco. -Tirarse contra eso o empezar a crear el clima de que somos todos vagos, queremos limosnas o vivir de los otros me parece muy negativo. Todo lo contrario. En las últimas décadas no hubo sector de la Argentina que no haya sido manchado por la corrupción. Esas cosas hay que limpiarlas. Pero una cosa es podar un árbol por las ramas que le sobran y otra cosa es cortar el tronco. La motosierra puede servir para las dos cosas. Espero que las cabezas estén un poquito más frías y no se exalten tanto. Necesitamos más inteligencia y menos emocionalidad. La emocionalidad dejenla, que la hacemos nosotros en el cine.

Hernán Losada, el técnico argentino que habla seis idiomas y es sensación con 11 victorias en serie

Todo empezó en Barracas Central, aunque el club era muy diferente. El Guapo militaba en la Primera C y no era todavía el bastión de la familia Tapia, aunque Chiqui, el actual presidente de la Asociación del Fútbol Argentino, ya vestía la camiseta N°9. La pelota de fútbol y la raqueta de tenis encandilaban a Hernán Losada, que por una gestión de Osvaldo Nito Veiga se sumó a Independiente; debutó en 2003, jugó 57 partidos y se marchó a Universidad de Chile, donde una lesión lo marginó de las canchas y el nuevo entrenador, Gustavo Huerta, no lo consideró para su plantel. Lo que podría ser un calvario fue un resurgir y Bélgica, el destino impensado: 15 años, con pasos por Beerschot, Anderlecht, Charleroi y Lierse. Ahí también estuvo el inicio de su aventura como entrenador para luego dar un salto a la Major League Soccer (MLS) y ahora descubrirse en la Liga de Chipre, donde Apollon Limassol es sensación: 11 partidos jugados, once victorias. "En noviembre del año pasado me contactaron y empecé a analizar el equipo. Cuando tenés una carrera hecha en Bélgica o en algunos países de Europa es bastante común que equipos de otras ligas se interesen en tu trabajo. Manejás idiomas, tenés los cursos UEFA B y UEFA A, la Pro License, que te da la posibilidad de trabajar en todo el continente. Tenía también experiencia en otra liga, como la Major League Soccer... Creo que simplemente ese fue el motivo por el que seguramente estuve en una lista de candidatos y terminé elegido. En Europa hay mucho trabajo de scouting donde se miran entrenadores de mi edad o de capacidades como las mías que pueden adaptarse a estas ligas", comenta Losada en una charla con LA NACION, a la espera del partido del lunes, donde Apollon Limassol se medirá con Omonia, el puntero y que el jueves fue eliminado de la Conference League por HNK Rijeka, de Croacia, en los 16avos de final. -En Chipre se dan rachas curiosas: vos con una serie de 11 victorias y el español Ángel López asciende con Nea Salamis, tras 21 partidos sin perder. -Nuestro caso podemos decir que es atípico para un entrenador. Agarrar un equipo a mitad de torneo, porque asumimos el 15 de diciembre y a los tres días ya debutamos, y ganar los 11 partidos que jugamos llamó la atención acá y en las ligas de alrededor. Lo que llama la atención es el poco tiempo de trabajo, porque no hubo pretemporada. Debutamos, ganamos y llegó el break de una semana de vacaciones; a los siete días estábamos jugando de vuelta... El domingo viajamos a Nicosia para jugar con Omonia, que quedó eliminado de la Conference League el jueves: queríamos que hubiera clasificado, porque hacía que el coeficiente de la Liga subiera y eso te da más cupos o tener que jugar menos rondas clasificatorias en la UEFA. -¿Cómo es el sistema del campeonato y cómo se clasifican para las competiciones de la UEFA? -Es un torneo regular de 14 equipos, donde jugamos todos contra todos a dos rondas y luego los playoffs. La temporada regular termina justo con la fecha FIFA de marzo y los seis primeros juegan por el título y para repartir los puestos para las competencias de Europa. Del séptimo al 14 juegan para ver quienes mantienen la categoría, descendiendo tres equipos. Es duro para los de arriba y también para los de abajo. Para entrar en las copas de la UEFA, el campeón de Chipre tiene tres rondas de clasificación para clasificarse para la etapa de grupos de la Champions League; el segundo y el tercero juegan rondas clasificatorias para Conference League y el ganador de la Copajuega una o dos rondas de la Europa League. No hay ingreso directo, por eso es importante que los equipos de Chipre avancen en las competencias, porque eso alimenta el coeficiente para el futuro. Pafos FC hizo historia esta temporada y se clasificó para la etapa de grupos de la Champions: eliminó a Maccabi Tel Aviv, Dinamo de Kiev y a Estrella Roja, y en el nuevo formato empató con Olympiacos, Mónaco, derrotó a Villarreal y se midió con Juventus, Chelsea y Bayern Munich. -¿El objetivo es ser campeones o tener acceso a cupos internacionales? -Llegamos y el equipo había ganado cuatro partidos, empatado tres y perdido cinco: ahí la meta era tratar de escalar para meternos entre los seis mejores. Hoy estamos segundo, a seis puntos del puntero y a nueve del sexto. Apollon Limassol es un club grande, con historia -cuatro veces campeón, la última en 2022-, con buena afición, buen estadio, buena infraestructura... Tiene todo lo que se necesita para pelear arriba y uno quiere tener la posibilidad de estar en los clubes más grandes para conseguir mejores resultados y a partir de lo que se consigue en la liga mostrarse en las competiciones europeas. -De conseguir la meta, te quedarías en Chipre o de llegar ofertas de otras ligas las analizarías. -Hay una opción de un año más y por el momento estoy muy bien en Chipre. Ojalá terminemos la temporada con una plaza para jugar una competencia de la UEFA, porque eso sería otro salto de calidad. Si bien estamos hace dos meses y medio, la intención sería quedarse un tiempo más. Armar el plantel y hacer la pretemporada es diferente que llegar y salir a jugar, pero también tuvimos el desafío de sentirse capacitado para asumir en situaciones no tan cómodas y generar un impacto inmediato en un grupo que no es el tuyo, que no lo conformaste. -¿Cómo se convence a un jugador para que vaya a jugar a la liga de Chipre? -En lo deportivo, la posibilidad de jugar eliminatorias de copas europeas te ofrece una exposición y si tenés la posibilidad de hacer una buena temporada, te instalás en competiciones más grandes como la griega o la turca. Hay clubes con buena infraestructura y que pagan en tiempo y forma. La calidad de vida, porque el estándar de vida bueno, y el clima es benigno todo el año. Acá hay un argentino que está rindiendo muy bien: Enzo Cabrera, de AEK Larnaca, ya marcó como 15 goles y es uno de los goleadores del campeonato. Así como en el plantel tengo a holandeses, checos, griegos, un inglés, un francés... en la Liga hay varios sudamericanos: son jugadores que se adaptan muy bien. Para la mitología griega, Chipre es el lugar donde nació la antigua diosa del amor, Afrodita. Para la historia moderna, es la isla donde Grecia y Turquía están enfrentados hace más de medio siglo, desde la Operación Atila, la intervención militar turca de 1974 -en respuesta a un golpe de Estado respaldado por Grecia- y que dividió a la tercera isla más grande del Mediterráneo. En la parte sur, donde viven los grecochipriotas, es una república reconocida por la mayoría de los países del mundo, mientras que la zona norte es respaldada solo por Turquía. En el medio, la línea verde, zona establecida en 1964 y administrada por las fuerzas de naciones unidas para el Mantenimiento de la Paz. "De la capital, Nicosia, para el norte está la parte turca y ahí no se juega ningún partido", señala Losada, acerca de la nula presencia del viejo conflicto para el fútbol. "El idioma no es un impedimento: se habla griego, pero donde vayas también hablan inglés. Yo hago mis charlas y conferencias en inglés, y por mi paso por Bélgica hablo francés y holandés... y algo de italiano y de alemán. -¿Ser director técnico lo planificaste desde la época de jugador o el curso lo hiciste sin tener la idea de que ese sería tu futuro? -A los 31 años empecé a hacer el curso de entrenador para poder tener mi diploma y los cursos hechos para inmediatamente después del retiro empezar a ejercer. Fui entrenador de la Reserva al comienzo y después salté al primer equipo en Beerschot. El curso es muy intenso, son cuatro años presenciales, así que tenía que combinar horarios y mi carrera de jugador. No quería año sabático, quería entrenar para hacer el pasaje de jugador-entrenador lo más rápido posible. -La relación que construiste con Beerschot es muy fuerte. -Pasé de todo. Jugué en tercera y en segunda división. En 2013, el club quebró por problemas económicos y yo estaba en el plantel. Se fusionó con otro club y comenzó a jugar en quinta división y logró cuatro ascensos consecutivos. En segunda perdió la final en dos años consecutivos, yo jugué la primera y decidí retirarme. Cuando asumo como técnico estaba en segunda y logramos el ascenso, dirigí seis meses en primera y me llega la oferta de la MLS y me entusiasmó el cambio, conocer un nuevo escenario que está en constante crecimiento. -En la MLS dirigiste a DC United y a CF Montreal, ¿qué te atrapó y que considerás que le falta a la competencia? -Quería conocer su idiosincrasia, el modo en que trabajaban, el formato de competencia, reglas... Era una experiencia, porque tenía 38 años y apenas un par de temporadas como entrenador. DC United tenía su rica historia en el comienzo, siendo campeón, pero al igual que CF Montreal son ahora equipos de presupuestos bajos si se los compara con Inter Miami, los equipos de Los Ángeles, Orlando, Vancouver... No clasificamos a playoffs: en DC United estuve un año y medio y en Montreal una temporada. Más allá de la infraestructura, del presupuesto o el dinero para llevar jugadores de renombre, le falta ser más profesional en el nivel de los cuerpos técnicos: gente preparada que tenga más experiencia en el fútbol en los departamentos de medicina, scouting, directores deportivos... Ahí tienen que profesionalizarse más, para que la gente que toma decisiones sea gente del fútbol y no tanto de datos o que vengan de otros deportes como el fútbol americano, el básquet o beisbol. Llevar más gente de futbol para la toma de decisiones. -¿Sudamérica no entra como una opción para dirigir? -Mi prioridad es trabajar en Europa, pero nunca cerré la puerta de ir a Sudamérica. Quién dice que en el futuro no se dé esa posibilidad. Hoy por competitividad, por haber realizado la carrera de futbolista acá y también los estudios para director técnico espero continuar dirigiendo en esta parte del mundo. -¿Seguís el fútbol argentino? ¿Cómo lo analizás? -Me gustan pocas cosas. La pasión, el clima de las tribunas, la intensidad con la que se juega es muy difícil de replicar en otras ligas, pero también está la ansiedad, lo cortado que son los partidos donde el tiempo neto de juego es muy reducido. Se vive haciendo faltas, con jugadores en el piso, hay mucha tensión y muchos entrenadores que tienen que jugar a no perder más que a ganar, porque cuando pierden tres partidos te echan... Se va Gallardo después de perder tres partidos... Hay una histeria, una locura, que no deja trabajar. La palabra proyecto no existe y eso hace que se juegue solo a ganar sin importar cómo se llegó a ganar se genera esa locura. Y personalmente esa locura es la que no me gusta. -Nombraste a Gallardo, ¿qué técnicos te atrapan? -En Argentina, más allá de la última etapa, Gallardo siempre me gustó. La intensidad de sus equipos, la verticalidad... Domínguez en Estudiantes es para destacar, porque el fútbol argentino es muy, muy, difícil, y tener tantos buenos resultados en diferentes clubes, porque le fue bien también en Colón y en Huracán, donde jugó finales de Sudamericana... En el ideal, mezclaría la organización defensiva de Simeone con la intensidad y la dinámica de Bielsa. De los extranjeros, Jürgen Klopp y Julian Nagelsmann y ahora en clubes a Gian Piero Gasperini, de Roma y ex Atalanta. Me identifica mucho: le gusta la presión alta, ser vertical, no el juego de la posesión. Para mí lo importante es analizar después cuántas situaciones de gol generamos, cuántos tiros al arco tuvimos... Me gusta más ese estilo, de generar situaciones de gol y no de tanta posesión alta, pero lateralizando pases y sin ser profundo. Tuvo entrenadores de la vieja escuela como Chiche Sosa, Pastoriza y Menotti, pero ahora se trabaja con drones, análisis de video de las prácticas, entrenamientos por líneas... "Es casi otro mundo respecto a cuando empecé a jugar, casi otro deporte", remata Losada, el chico que pateaba la pelota en Barracas y ahora entrena a casi 13 mil kilómetros de distancia.

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El creador de Adolescencia estrena una serie basada en el clásico El señor de las moscas

El creador de Adolescence (Adolescencia), Jack Thorne, adaptó El señor de las moscas, la novela clásica de William Golding, para su última serie de televisión sobre jóvenes asesinos. Thorne lleva mucho tiempo siendo un dramaturgo y guionista prolífico y aclamado. Dentro de sus créditos se incluye el gran éxito teatral Harry Potter and the Cursed Child (Harry Potter y el legado maldito). Sin embargo, fue el fenómeno de Netflix del año pasado Adolescence -junto a Stephen Graham-, el que lo catapultó a una nueva dimensión: su historia sobre un asesino de 13 años arrasó en los Emmy y desencadenó un debate mundial.Así que se podría decir que la decisión de Thorne de adaptar El señor de las moscas, fue una buena estrategia para construir una marca y, a la vez, tentar al destino dadas las similitudes narrativas superficiales: otra historia de chicos con comportamientos espantosos. Pero, en realidad, la historia de Golding sobre un grupo escolar que gradualmente desciende a la anarquía violenta y al asesinato después de que su avión se estrelle en una isla desierta, es algo muy diferente: mucho más una alegoría sobre los problemas de la sociedad que sobre los de la juventud masculina.Una propuesta distintaLo que Thorne consigue con tanta maestría en esta audaz y escalofriante obra de cuatro partes es que la narrativa funcione en dos niveles: naturalista, como un thriller tenso e inmersivo, y filosóficamente, como una oscura investigación sobre la maldad del comportamiento humano colectivo.Su versión de la historia, estrenada internacionalmente en el Festival de Cine de Berlín, conserva la ambientación de época del libro, con los chicos hablando en una arcaica y aristocrática lengua británica que incluye "long vacs" (vacaciones), "togs" (ropa) y "gnasher paste" (pasta de dientes). Pero por lo demás, como suele ocurrir con las versiones de clásicos ampliamente estudiados, esta resulta sorprendentemente fresca y distinta.Estructuralmente, la innovación clave de Thorne reside en presentar cada episodio desde un punto de vista diferente, lo que le confiere una intimidad en la caracterización que se complementa con la impactante dirección de Marc Munden. Desde la desconcertante cámara ojo de pez hasta los cortes al estilo Terrence Malick y la naturaleza en acción (hormigas enjambre, escarabajos correteando), Munden realmente envuelve al espectador en la vida isleña.Mientras tanto, la paleta de colores sobresaturada (rojos y naranjas llameantes, verdes espantosamente chillones) le da al conjunto la cualidad alucinógena de una pesadilla, algo reforzado por la banda sonora retumbante y discordante del compositor de The White Lotus, Cristóbal Tapia de Veer.Casting idealEl departamento de casting se lleva todos los halagos también. Sin duda, es una bendición que la serie comience con una hora centrada en un actor tan carismático como David McKenna, quien interpreta al condenado Piggy. Su personaje representa la voz de la razón del grupo que intenta establecer el orden, pero es ignorado y ridiculizado por su peso y sus gafas, entre otras cosas.Lejos de convertirlo en una víctima trágica, el actor norirlandés de 12 años (que debuta profesionalmente, sorprendentemente) le infunde tal encanto y aplomo que resulta aún más injusto que los demás lo ignoren de manera tan categórica. Es casi una lástima que, en el segundo episodio, el manto del protagonista pase a su némesis, el populista y arrogante Jack, quien forma un bando disidente y es el verdadero instigador del caos, aunque Lox Pratt también funciona de manera excelente en ese papel, capturando la vulnerabilidad bajo la bravuconería burlona del personaje.Otro detalle interesante es que Thorne le ofrece a Jack y a otros de los personajes principales un poco más de historia sobre su infancia antes de la isla, incluso mediante flashbacks. Este detalle adicional está bien, aunque no estoy seguro de que fuera estrictamente necesario, porque el verdadero y perturbador poder de El Señor de las Moscas reside en que estos personajes, y su dinámica, son tan arquetípicos. Esto se confirma con Ralph, el jefe electo del grupo, un líder fundamentalmente decente, pero cuyos defectos son evidentes desde el principio en la forma en que se une a las burlas de Piggy para congraciarse.Puede que se centre en los niños, pero, por supuesto, dista mucho de ser una historia infantil; sin embargo, al mismo tiempo, es una serie hecha para el tipo de visualización familiar más enriquecedora, de la que todas las generaciones pueden aprender algo.*Por Hugh Montgomery

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El fallecimiento de la duquesa en el capítulo 362 marca un giro decisivo en la serie diaria de RTVE

La Anmat prohibió una serie de cosméticos y productos de cuidado personal de un laboratorio no habilitado

A través de una serie de siete disposiciones publicadas este jueves a la madrugada en el Boletín Oficial, la Administración Nacional de Medicamentos, Alimentos y Tecnología Médica (Anmat) prohibió una lista de distintos productos cosméticos y de cuidado personal que presentaban irregularidades en su rotulado, falta de inscripción sanitaria o uso indebido de habilitaciones. El principal foco de las decisiones estuvo puesto en tres productos cosméticos elaborados bajo la denominación Laboratorio Ruefenacht. Mediante la Disposición 793/2026, la Anmat prohibió el uso, la comercialización, la publicidad y la distribución en todo el país de "RUCREM CURATIVA", una crema presentada como cicatrizante y antiséptica. Según consta en el texto oficial, "el producto no contaba con inscripción sanitaria" ante el organismo y consignaba en su rótulo "datos de habilitación que no correspondían al establecimiento elaborador".En la misma disposición el organismo avanzó sobre "RUCREM BLOQUEADOR SOLAR RB FPS 80", un protector solar destinado a pieles extremadamente sensibles. La Anmat verificó que no existían antecedentes de habilitación del laboratorio para el rubro cosmético y que el número de legajo informado pertenecía a otro establecimiento, el cual negó haber intervenido en la "elaboración o comercialización del producto".Por último, la misma medida prohibió "ATO-FLEX FORTE", una crema desinflamante indicada para dolores musculares y articulares. En este caso, la autoridad sanitaria señaló que el producto tampoco estaba inscripto y que se desconocía el lugar real de elaboración, lo que impide garantizar sus condiciones de seguridad y calidad. En los tres casos, la prohibición "alcanza a todas las presentaciones, lotes, vencimientos y contenidos netos, así como su publicación en plataformas de venta en línea".Además del capítulo cosmético, la Anmat dispuso otras prohibiciones vinculadas a distintos productos. Mediante la Disposición 778/2026, ordenó el retiro del mercado del desinfectante para agua de piscinas "nataclor OXY POOL", tras detectar rótulos no autorizados, datos de registro incorrectos y diferencias entre las dosis aprobadas y las informadas al público.Por su parte, la Disposición 802/2026 prohibió "el uso y la comercialización" del producto denominado "VERRUGOL", al considerar que se trata de una "especialidad medicinal que no cuenta con las habilitaciones sanitarias correspondientes".En cuanto a las medidas referidas a productos médicos, la Disposición 779/2026 alcanzó a un producto importado sin registro sanitario; la Disposición 792/2026 prohibió equipos estéticos de radiofrecuencia y tecnología HIFU sin autorización; la Disposición 795/2026 dispuso la prohibición de un electrocardiógrafo con registro vencido; y la Disposición 807/2026 ordenó el retiro de sondas para succión cuyos lotes presentaron fallas de calidad.En todos los casos, la Anmat indicó que "busca prevenir riesgos para la salud pública" y se acompaña del inicio de sumarios sanitarios, además de la comunicación a las autoridades jurisdiccionales correspondientes.

Vinicius prendió fuego la serie entre golazos y denuncias, en una noche para el olvido de Otamendi y la vuelta de Mastantuono

Volvió a bailar Vinicius en el banderín de un córner tras marcar un gol, como en Lisboa, pero esta vez sin ningún escándalo posterior. Sin Kilyan Mbappé, goleador de la Champions League con 13 tantos y al margen del desquite por una lesión en la rodilla izquierda, el brasileño se transformó en el gran protagonista de la serie ante Benfica que llevó a Real Madrid a los octavos de final, etapa en la que nunca faltó en 30 participaciones, desde que en la década del 90 cambió el formato de lo que era la Copa de Europa. El viernes, tras el sorteo, conocerá rival: Manchester City, rival que se convirtió en un clásico por la cantidad de cruces en las últimas temporadas, o Sporting Lisboa.Real Madrid ganó 2-1, tras revertir una desventaja y pasar no pocos apuros defensivos por la presión alta de Benfica desde el comienzo. El encuentro en el Santiago Bernabéu estuvo precedido por los coletazos de la ida, con la denuncia de racismo de Vinicius a Gianluca Prestianni, que viajó con la delegación a Madrid con la ilusión de que prosperara la apelación a la suspensión provisional de un partido que le impuso la UEFA. La sanción fue ratificada y el delantero quedó al margen, al igual que José Mourinho, expulsado en Lisboa. Real Madrid, que le tiene gratitud por sus tres años en el banco merengue, le había preparado una cabina especial en el estadio, pero el entrenador portugués, en uno de sus tantos comportamientos excéntricos, siguió el partido dentro del ómnibus a través de una tableta. Como personaje, Mou es interminable, aunque su currículum como entrenador va perdiendo brillo. Con diferentes equipos perdió las últimas 10 eliminatorias por la Champions. No se impone en un play-off desde 2014, con Chelsea.Hubo preocupación en el Bernabéu en el comienzo. Benfica no dejaba salir de su campo a Real Madrid, controlaba el mediocampo con Aursnes, Barreiro y el colombiano Ríos. Más adelante, Rafa Silva y Pavlidis complicaban con diagonales y desmarques. No sorprendió el gol de Rafa Silva, a los 14 minutos.Lo más destacado de Real Madrid 2 - Benfica 1Con el 1-0 de Benfica, la serie estaba igualada, mientras el lateral Amar Dedic le ganaba el duelo individual a Vinicius. Pero claro, quedaba mucho partido por delante. Nicolás Otamendi, que cumplió el partido 102 por la Champions, había estado al límite de cometerle penal a Vinicius con una barrida. Fue una noche negativa para el zaguero de la selección argentina. De alguna manera le puso freno al buen arranque de su equipo al facilitar el empate de Real Madrid con un error en una salida. Un mal pase del capitán de Benfica fue interceptado y Real Madrid armó la jugada con un centro atrás para que definiera Tchouaméni en la entrada al área grande. La reacción inmediata de Otamendi fue hacerse cargo de la equivocación, moviendo los brazos y con gestos de pesadumbre.El empate reanimó a Real Madrid, que fue inconstante, alternó pasajes de desequilibrio individual con el empuje criterioso de Valverde, los chispazos de Güler y las aceleraciones de Vinicius, con otros en los que se deshacía muy fácil en defensa, regalando espacios y perdiendo las marcas.Otamendi se pasó de revoluciones. Fue amonestado en el comienzo del segundo tiempo, en una acción en la que cometió una doble falta: topetazo a Vinicius y dura entrada abajo a Tchouaméni. La historia seguía abierta en cuanto al resultado, había mucha ansiedad de ambos lados. Hubo dos choques entre jugadores de Real Madrid al ir a defender una pelota. En la segunda colisión, entre Asensio y Camavinga, se llevó la peor parte el zaguero español, que fue retirado en camilla, con el cuello inmovilizado y camino al hospital.¡TOPETAZO A VINÍCIUS Y AMARILLA! Nico Otamendi le chocó fuerte al brasileño y se ganó la tarjeta en el Bernabéu. â?¶ï¸? Mirá la ð??? #ChampionsLeague en el Plan Premium de #DisneyPluspic.twitter.com/9iTTu63i4K— ESPN Argentina (@ESPNArgentina) February 25, 2026A los 32 minutos ingresó Franco Mastantuono, que venía de tres suplencias consecutivas sin ingresar. En 2026 está teniendo menos minutos que en el semestre anterior. Disminuyen sus posibilidades en el 4-4-2 de Álvaro Arbeloa y lo tendrá más difícil cuando esté disponible Rodrygo, ausente este miércoles por suspensión, en un sector del campo (el extremo derecho) para el que también está Brahim Díaz.El ex-River entró casi al mismo tiempo que Vinicius le puso su firma a la victoria, tras un pase profundo de Valverde, una de las figuras. El brasileño no permitió que Otamendi llegara a taparlo y definió con un sutil toque cruzado de derecha. Ahora cobijado por sus hinchas, bailó en el cuarto del círculo del córner, sin que cayera ningún proyectil, y acallando los estruendosos silbidos que los 4000 hinchas de Benfica presentes le dedicaban cada vez que tocaba la pelota. Con el resultado a favor de Real Madrid y ante la urgencia de Benfica, Mastantuono tuvo algunos espacios que no llegó a aprovechar del todo, en ocasiones porque sus compañeros le pasaron la pelota. Sin remates al arco, contabilizó 16 toques de balón y dio 10 pases. Poca actividad, cuando cada vez queda menos para el Mundial. De los tres goles que hizo en esta Champions, Vinicius le convirtió dos a Benfica. La serie estuvo prendida fuego por igual entre sus golazos y denuncias de racismo.

El próximo libro de la saga de 'Heated Rivalry' se retrasa hasta 2027 tras el éxito de la serie

La autora explicó que el éxito de la adaptación televisiva y el avance de sus síntomas de Parkinson influyeron en la decisión de aplazar el lanzamiento.

"Guerra de novias" se convierte en serie: Emma Roberts protagonizará la nueva versión

A más de 15 años del estreno de la película original, la historia regresa como serie con un enfoque renovado

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El clásico de Jane Austen regresa en formato de miniserie, esta vez con una producción de alto perfil

Bodø/Glimt volvió a golpear a Inter en Italia y se metió en los octavos de la Champions League con una serie histórica

Bodø/Glimt consumó otra noche que quedará en los archivos de la Champions League. En el Giuseppe Meazza derrotó por 2-1 a Inter y selló la serie con un contundente 5-2 global, luego del 3-1 conseguido en el Ártico. El conjunto noruego, convertido en el gran "matagigantes" del torneo, no solo eliminó al último finalista, sino que profundizó la crisis deportiva de un conjunto italiano que terminó desorientado y sin respuestas.El equipo, casi completo por noruegos, dirigido por Kjetil Knutsen, volvió a imponer su identidad aun en territorio hostil. "Tribuna, estrellas de Inter y la historia del fútbol trabajaron contra Bodø/Glimt", describió un artículo de Aftenposten. "Inter tiene sangre azul y esta arena es uno de los palacios del fútbol". Aun así, el conjunto noruego resistió lo que el cronista definió como "una lucha defensiva de lo más heroico".En el segundo tiempo llegaron los goles. Abrió el marcador Jens Petter Hauge tras una acción que expuso la fragilidad defensiva local: Manuel Akanji, vendado en la cabeza, perdió una pelota insólita ante Ole Blomberg, que asistió a Hauge para el 1-0. El atacante, decisivo también en la ida, volvió a lastimar con oportunismo y precisión.Inter quedó obligado a remontar una diferencia aún mayor, pero el golpe definitivo llegó 14 minutos después. Hakon Evjen recibió un pase filtrado de Hauge a espaldas de la defensa, controló con categoría y definió cruzado, inatajable. Fue el 2-0 y la confirmación de que el plan noruego no se limitaba a resistir: atacó con convicción y eficacia.En Noruega, la prensa definió la victoria como "la noche más grande del fútbol de clubes noruego". El comentarista Daniel Røed-Johansen, de Aftenposten, escribió: "Fue el boxeador que recibe golpe tras golpe, pero se niega a caer". Y añadió una imagen elocuente: "Cuando Hakon Evjen marcó el 2-0, un periodista italiano se levantó en la tribuna. Aplaudió hacia los colegas noruegos. Luego se fue".El descuento de Alessandro Bastoni abrió una polémica. Tras un rebote en el área, el defensor empujó la pelota y la acción dejó dudas sobre si había traspasado la línea. El reloj del árbitro español, Alejandro José Hernández Hernández, vibró para convalidar el tanto y el 2-1 subió al marcador. No alteró el rumbo de la eliminatoria. Bodø/Glimt sostuvo la ventaja con orden táctico y una serenidad que contrastó con la ansiedad del local.Lo mejor del triunfo noruegoLa eliminación adquiere una dimensión mayor si se observa el recorrido reciente del conjunto noruego. Con este triunfo encadenó cuatro triunfos consecutivos frente a representantes de las cinco grandes ligas europeas. El último club ajeno a ese grupo que logró semejante marca fue Ajax en 1971, el equipo de Johan Cruyff que inauguró una era. El dato no solo instala a Bodø/Glimt como el primer equipo del país escandinavo en dejar en el camino a una potencia en una serie eliminatoria, sino que lo inscribe en una línea histórica impensada para una institución asentada por encima del Círculo Polar Ártico.Para la prensa noruega, el impacto trasciende lo deportivo. "Esto es el antídoto contra el triste desarrollo del fútbol", sostuvo una nota de Aftenposten. "La comunidad de Glimt vence a las estrellas". En un continente dominado por presupuestos multimillonarios, el equipo del Ártico aparece como una excepción incómoda.En la vereda opuesta, Inter exhibió síntomas de agotamiento. Sin claridad colectiva y con fallas individuales determinantes, el equipo italiano quedó expuesto en su propio estadio. La caída alimenta versiones sobre un posible cambio de rumbo en el banco, donde el rumano Cristian Chivu sería reemplazado por Diego Simeone, un nombre que comenzó a circular como alternativa para encabezar una reconstrucción. Por ahora son especulaciones, pero el golpe deportivo abre interrogantes inevitables.La serie también quedó marcada por la baja de Lautaro Martínez. El delantero argentino no integró la convocatoria por una distensión en el sóleo de la pierna izquierda, sufrida en el encuentro de ida. El capitán había abandonado aquel partido con una molestia muscular y los estudios posteriores confirmaron la lesión, con un tiempo estimado de recuperación de tres a cuatro semanas.Sin su referente ofensivo, Inter perdió peso en el área y liderazgo en los momentos decisivos. Marcus Thuram ocupó su lugar, pero el equipo no logró suplir la influencia del atacante nacido en Bahía Blanca. La ausencia del argentino se sintió en una noche que exigía contundencia y carácter.Bodø/Glimt, en cambio, reafirmó un proyecto que privilegia el funcionamiento colectivo por encima de las individualidades. En un estadio histórico y ante un rival acostumbrado a estas instancias, el club noruego mostró personalidad para controlar los tiempos y aprovechar cada error ajeno. No se trató de una sorpresa aislada, sino de la confirmación de un proceso sostenido.El sorteo del próximo viernes definirá si su próximo rival será Manchester City o Sporting de Lisboa. Cualquiera de los dos representa un nuevo desafío de máxima exigencia, aunque al equipo de Pep Guardiola ya supo ganarle en esta Champions. A esta altura, ya nadie puede considerarlo un invitado ocasional."Incluso si las historias de cuento se vuelven más difíciles por las diferencias económicas, deben ser posibles", escribió la prensa noruega. Desde el extremo norte de Europa, Bodø/Glimt volvió a recordarlo. Y en Milán, potencia histórica del continente, que acumulaba 14 partidos sin derrotas en la liga que lo tiene puntero con 10 puntos de ventaja sobre el escolta, esa advertencia se convirtió en realidad. "Potencia futbolística Italia es humillada por la pequeña Noruega y el diminuto Bodø", publicaron tras el partido los medios escandinavos.

Las primeras imágenes de Orgullo y prejuicio, la serie basada en la histórica novela de Jane Austen

En las últimas horas, Netflix reveló el primer trailer de la serie Orgullo y prejuicio, basada en la novela clásica de Jane Austen, protagonizada por Emma Corrin como Elizabeth Bennet y Jack Lowden como el señor Darcy.Adaptada para la pantalla chica por Dolly Alderton, autora de Everything I Know About Love, y dirigida por Euros Lyn (Heartstopper), la serie de seis episodios cuyo estreno está previsto para este otoño promete "revivir fielmente la icónica historia de Jane Austen para el público que la aprecia, al tiempo que inspira a una nueva generación a enamorarse de ella por primera vez", según un comunicado emitido por la producción a la prensa.Un breve avance publicado por Netflix este martes parece respaldar esta visión, con tomas cinematográficas de Elizabeth, interpretada por Corrin, contemplando la puesta de sol desde lo alto de un tejado y sonrojándose al oír el sonido de un galope, seguido de un rudo Lowden, en el papel de Darcy, llegando a caballo.Junto a Corrin y Lowden, la serie Orgullo y prejuicio de Netflix cuenta con las actuaciones de Olivia Colman como la señora Bennet, Rufus Sewell como el señor Bennet, Freya Mavor como Jane Bennet, Jamie Demetriou como Collins, Daryl McCormack como Bingley, Louis Partridge como Wickham, Rhea Norwood como Lydia Bennet, Siena Kelly como Caroline Bingley y Fiona Shaw como Lady Catherine de Bourg. También son de la partida Hopey Parish, en la piel de Mary Bennet y Hollie Avery como Kitty Bennet."Una vez en cada generación, un grupo de personas tiene la oportunidad de volver a contar esta maravillosa historia y me siento muy afortunada de poder formar parte de ella", declaró Alderton en un comunicado cuando se anunció el elenco completo."Orgullo y prejuicio, de Jane Austen, es el modelo a seguir para las comedias románticas. Ha sido un placer volver a sumergirme en sus páginas para encontrar formas familiares y novedosas de dar vida a este querido libro. Con Euros Lyn dirigiendo a nuestro magnífico elenco, estoy muy emocionado por volver a presentar estos divertidos y complicados personajes a aquellos que consideran Orgullo y prejuicio su libro favorito y a aquellos que aún no han conocido a Lizzie y al señor Darcy". View this post on Instagram Las novelas de Austen han cautivado a muchas generaciones durante más de 200 años. Su novela más famosa y leída, Orgullo y prejuicio, publicada el 28 de enero de 1813, ha inspirado a innumerables escritores y cineastas con sus personajes arquetípicos, sus agudos comentarios sociales y su historia de amor atemporal.A lo largo de los años, el libro fue adaptado en muchas oportunidades tanto a la pantalla chica como a la pantalla grande. La versión cinematográfica de 2005, protagonizada por Keira Knightley, Rosamund Pike, Jena Malone, Talulah Riley y Carey Mulligan recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar: mejor actriz, mejor banda sonora, mejor dirección de arte y mejor diseño de vestuario.Orgullo y prejuicio cuenta la historia de las cinco hermanas Bennet, quienes han sido criadas por una madre obsesionada por encontrarles marido. Pero una de ellas, Lizzie, inteligente y con carácter, desea una vida con perspectivas más abiertas, un anhelo respaldado por su padre. Cuando el señor Bingley, un soltero rico, y su círculo de sofisticados amigos se instalan en una mansión vecina para pasar el verano, las Bennett se entusiasman con la posibilidad de encontrar pretendientes. En el baile de bienvenida, Lizzie conoce al apuesto y elegante señor Darcy, pero, a primera vista, le parece demasiado orgulloso y arrogante.

Netflix presentó el primer adelanto de "Orgullo y prejuicio", su nueva serie con Emma Corrin y Jack Lowden

La serie limitada de seis partes promete una adaptación fiel de la inmortal novela de Austen de 1813 del director de "Heartstopper", Euros Lyn, y la guionista Dolly Alderton.

Así se ven hoy los actores de "Lizzie McGuire" a más de 20 años del final de la serie

La muerte de Robert Carradine llevó a muchos seguidores a revisar los trayectos actuales de los actores ligados a la serie

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Las series han tenido un mayor boom debido a que las plataformas de streaming han permitido que estas historias lleguen a usuarios de diversos países con sólo un clic

El final de temporada de "El Caballero de los Siete Reinos" explicado por el creador de la serie

La propuesta para el cierre de la serie, planteada por Parker al autor, aún no ha recibido objeciones tajantes y podría definir la adaptación de historias inéditas

Neon Genesis Evangelion confirma una nueva serie con Yoko Taro de Nier: Automata como escritor

Con una combinación única de talento proveniente de los videojuegos y el anime, la franquicia Evangelion apuesta a una reinvención de su emblemática historia

La Anmat prohibió una serie de productos para el pelo de distintas marcas por la "presencia de formol"

La Administración Nacional de Medicamentos, Alimentos y Tecnología Médica (Anmat) prohibió el uso, comercialización y distribución en todo el país de una serie de productos capilares sin inscripción sanitaria y de un hilo para sutura odontológica que no contaba con los registros necesarios. Las medidas fueron oficializadas este lunes en el Boletín Oficial mediante tres disposiciones, que incluyen la baja de publicaciones en plataformas de venta online y la notificación a las autoridades sanitarias jurisdiccionales.La Disposición 634/2026 dispuso la prohibición de los productos capilares de la marca "Good Hair". Entre los artículos alcanzados figuran tratamientos como plastificados, alisados, botox capilar, lifting, shock de keratina y recomponedores, todos sin datos de inscripción sanitaria en su rotulado. Según consta en el texto oficial, durante tareas de fiscalización se detectó su comercialización en sitios web, con envíos a todo el país. Sin embargo, tras consultar la base de datos de cosméticos inscriptos, el organismo indicó que no se encontraron registros que coincidieran con esos productos. El organismo advirtió que varios de los productos eran alisadores que podrían contener formol como agente activo. El uso de esa sustancia con fines de alisado no está autorizado y puede generar exposición a vapores tóxicos.En la disposición se detallan posibles efectos adversos ante exposiciones agudas, como irritación en piel y ojos, ardor, lagrimeo, tos y alteraciones del tracto respiratorio. También se mencionan riesgos ante exposiciones prolongadas, entre ellos cuadros de hipersensibilidad, dermatitis alérgica y un aumento en la probabilidad de determinados carcinomas. Ante la falta de inscripción y la imposibilidad de verificar su formulación, la Anmat ordenó prohibir todas las presentaciones, lotes y vencimientos de los productos involucrados.En tanto, la Disposición 599/2026 estableció una medida similar sobre otra serie de productos capilares detectados en tareas de monitoreo, de la marca "Silkdrop". En este caso, también se trataba de alisados y tratamientos comercializados sin registro sanitario. El organismo informó que, al igual que en el caso anterior, no se hallaron datos coincidentes en su base oficial de cosméticos.La normativa señala que los artículos eran ofrecidos en sitios web y en plataformas de comercio electrónico con alcance nacional. Entre los productos alcanzados se encuentran alisados estilo marroquí y brasileño, botox capilar y keratinas. La Anmat reiteró que el uso de formol para alisar el cabello no se encuentra autorizado y que su exposición puede ocasionar irritaciones, afecciones respiratorias y, en casos de exposición crónica, otras complicaciones de salud. Por ese motivo, se ordenó su retiro del mercado y la comunicación a las autoridades sanitarias de todo el país.Por último, mediante la Disposición 605/2026, el organismo prohibió el uso, comercialización y distribución de un hilo para sutura odontológica identificado como "Hilo para sutura Farmadental - MR 10 metros - Industria Argentina", hasta tanto obtenga las habilitaciones correspondientes. La medida se adoptó tras inspecciones realizadas en un establecimiento de San Luis y en depósitos de la ciudad de Córdoba, donde se detectaron unidades sin datos de lote, fecha de fabricación, vencimiento ni registro sanitario.Durante los procedimientos también se verificó que parte de las unidades presentaban características distintas a las reconocidas por la empresa fabricante, lo que permitió identificar productos falsificados. La Anmat indicó que el insumo no se encuentra inscripto en el Registro Nacional de Productores y Productos de Tecnología Médica, por lo que no fue sometido a evaluación oficial sobre calidad, seguridad y eficacia.

La serie de HBO Max sobre un injusto caso que marcó Italia y que se convertirá en tu favorita

Basada en un hecho real, la historia de uno de los juicios más importantes del país europeo se retrata al detalle.

Serie A: con un gol de Mariano Troilo, Parma amargó al Milan

Con cuatro argentinos en el once inicial, Parma le dio una gran mano al puntero Inter.

Delfina Chaves confirmó su reconciliación con Martijn Lakemeier, el actor neerlandés que conoció en la serie "Máxima"

Los actores estuvieron dos años y medio juntos antes de su separación en agosto.Ahora, el europeo se apareció de sorpresa en Argentina para el cumpleaños de su novia.

Un pederasta en serie obtendrá la libertad bajo supervisión en California y reaviva debates sobre la reincidencia

El pronunciamiento a favor de la excarcelación condicional de un prisionero sentenciado por varios secuestros y agresiones sexuales suscitó objeciones de las partes afectadas y alimenta el debate sobre los riesgos asociados a su liberación

El icónico restaurante de Nueva York que se convirtió en un éxito tras la serie de JFK Jr. y Carolyn Bessette

Un antiguo restaurante en East Village, en Nueva York, se convirtió en un éxito reciente tras el estreno de la serie Love Story, que retrata el romance entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, ya que aparece como el lugar donde tuvieron su primera cita.Cómo es Panna II Garden, el restaurante que se volvió un éxito por la serie de JFK Jr. y Carolyn BessetteLas reservaciones en el restaurante indio Panna II Garden registraron un repunte de 40% el fin de semana posterior al estreno de Love Story: John F. Kennedy & Carolyn Bessette, producción de Hulu y FX, según reportó el New York Post."Hemos recibido a muchas parejas. Mucha gente se toma una foto en la cabina y la publica en redes sociales", declaró Bashir Khan, propietario del restaurante. El auge comenzó luego de que la bioserie revelara que el sitio fue el escenario de la primera cita entre Kennedy Jr. y Bessette.El local abrió en 1989 y actualmente tiene reservas completas por varias semanas. El dueño pensó inicialmente que el aumento respondía al Día de San Valentín, pero muchos clientes han señalado que visitan el lugar para recrear el ambiente romántico que muestra la serie.Aunque el restaurante adaptó su espacio para la grabación de la producción, Khan aseguró que la pareja fue cliente frecuente durante la década de los 90, cuando ambos estaban en el punto más alto de su popularidad.Además del aumento en las reservaciones, el restaurante ha experimentado una mayor presencia en redes sociales, donde influencers y creadores de contenido comparten fotografías bajo sus icónicas luces decorativas.Este impulso digital ha permitido que nuevas generaciones descubran el lugar, más allá de su vínculo con la historia de la pareja.Otros sitios que se volvieron populares por la serie de JFK Jr. y Bessette Desde que Khan asumió la dirección en 2001, estima que las reservaciones han aumentado hasta un 70% en comparación con una semana regular tras el estreno del 12 de febrero de 2026. Sin embargo, no es el único negocio beneficiado por la serie.También la histórica farmacia C.O. Bigelow, ubicada en el West Village, ha visto un incremento en la venta de diademas de carey similares a las que popularizó Carolyn Bessette en los años 90.Para Panna II, aparecer en producciones audiovisuales no es algo nuevo, ya que previamente fue escenario de series como Sex and the City y Daredevil. No obstante, el fenómeno actual ha superado expectativas, impulsado por la nostalgia y el interés renovado en la historia de la pareja.El trágico romance y muerte de JFK Jr. y Carolyn BessetteDe acuerdo con Harper 's Bazaar, la relación entre Kennedy Jr. y Bessette estuvo marcada por la atención constante de la prensa. Se conocieron en 1992, cuando ella trabajaba para Calvin Klein y él se preparaba para lanzar su revista política George. Años después, iniciaron una relación que culminó en una boda secreta.El 16 de julio de 1999, la pareja falleció en un accidente aéreo cuando la aeronave pilotada por Kennedy Jr. se estrelló en el océano Atlántico rumbo a Martha's Vineyard.

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Desde misterios hasta suspenso, estas historias mantienen enganchados a los usuarios de la plataforma de streaming

Te mostramos una serie de hogares que filtran miradas, luz y clima con soluciones brillantes

En tiempos en que buscamos hogares que protejan tanto como inspiren, surge una nueva generación de casas diseñadas para equilibrar apertura y resguardo. En distintos puntos del país â??y del mundoâ?? arquitectos exploran fachadas móviles, tamices metálicos, postigones inteligentes y pieles filtrantes que permiten vivir conectados con el paisaje sin quedar expuestos. Aquí reunimos proyectos que reinventan la privacidad: viviendas que se abren al sol y al jardín cuando la vida lo pide, y que se contienen cuando la calma y la seguridad son prioridad.Refugio modernoEsta reinterpretación local y sustentable de la Casa Farnsworth nació como un refugio pampeano pensado para escapadas de fin de semana, pero con el tiempo se convirtió en algo más: una vivienda que combina diseño moderno con una fuerte búsqueda de privacidad y resguardo. La inspiración modernista está, pero filtrada por una necesidad muy actual: sentir que la casa protege.El proyecto comenzó en marzo de 2020, cuando los arquitectos Sebastián Miranda y Julián Ierace fueron convocados para diseñar una vivienda en Las Golondrinas, un barrio rural en Brandsen. Semanas después llegó la cuarentena y con ella una dinámica de trabajo completamente virtual, que puso en primer plano la idea de crear un espacio seguro y contenido en un contexto incierto.Cinco años más tarde, aquella casa que mezclaba espíritu campero, sustentabilidad y líneas modernas se transformó en residencia casi permanente de sus dueños. Parte de su éxito está en cómo resguarda sin aislar, ofreciendo privacidad pero sin perder conexión con el paisaje.Las persianas y la chapa ondulada que envuelven la construcción funcionan como un escudo climático y visual, evocando las siluetas de los galpones rurales. Desde afuera, la casa se mantiene discreta; desde adentro, las visuales se abren con generosidad. El gran ambiente que integra living, comedor y cocina con isla aprovecha esa dualidad: se expande hacia la galería cuando los ventanales se abren y se vuelve un refugio compacto cuando se cierran.Si bien la referencia original fueron las líneas puras de la Casa Farnsworth, la reinterpretación es claramente pampeana. "La casa puede entenderse como un único espacio organizado alrededor de un núcleo de baños y cocina", explica Sebastián. "Tomamos la idea modernista y la adaptamos a nuestro contexto, donde el clima, la cultura local y la necesidad de privacidad definieron su identidad final".Intimidad a medida"Entendemos la seguridad no solo como algo físico, sino también como una percepción: controlar la exposición del interior y elegir cuándo mostrarse y cuándo no es una forma concreta de sentirse protegido", nos dice la arquitecta Justina González Landa de la casa familiar que diseñó junto con la arquitecta Florencia Pazos en City Bell, La Plata.El proyecto nació de una tensión clara: el deseo del cliente de vivir una casa abierta, vidriada y conectada con el exterior, pero sin perder la sensación de resguardo. "No se trataba de elegir entre apertura y protección, sino de permitir que ambas coexistieran", explica la arquitecta. Para resolver esa dualidad, el equipo diseñó un sistema de postigones plegadizos que permite que la vivienda sea totalmente expansiva cuando se abre al jardín, o más introspectiva cuando se necesita privacidad. "Los postigos no vuelven la casa hermética; funcionan como un 'bunker permeable' que filtra visuales y regula la exposición sin bloquear la luz ni el aire".Arq. Justina González Landa, a cargo del proyectoLos perfiles verticales, separados entre sí, permiten que incluso con el sistema cerrado sigan circulando aire y luz. Más que reducir la iluminación, la transforman: a lo largo de la tarde, el sol atraviesa los postigones y proyecta líneas móviles sobre el piso y los muebles, modificando la percepción del espacio. "La luz dibuja la casa y la vuelve dinámica; es casi escenográfica". Así, la intimidad no solo se regula, sino que se vuelve un recurso para mejorar la experiencia espacial.Seguridad en clave modular"No plantamos un contenedor, plantamos una casa", nos explicó el arquitecto Martín Torrado, quien junto a su equipo diseñó espacios vinculados con su entorno y llenos de vida. Las amplias galerías pampeanas y la estructura de módulos se combinan con un trazado que sigue el recorrido del sol, garantizando luz natural sin perder control sobre la intimidad.Acoplando módulos industriales de alta eficiencia, esta casa fue concebida como un sistema adaptable que prioriza el confort y el resguardo. Aunque su montaje se resolvió en apenas dos semanas, no se trata de un simple armado modular: es una vivienda pensada para habitar el clima, aprovechar las mejores orientaciones y regular la exposición según las necesidades de los dueños de casa. La seguridad y la privacidad fueron esenciales en el proyecto. La casa-patio, fabricada en tres meses, incorpora postigos con imanes de alta prestación que impiden su apertura desde el exterior, sumando protección sin necesidad de herrajes visibles. La combinación de tecnología industrial, estrategias pasivas y detalles precisos en esta vivienda logra lo que Torrado define como un "traje a medida" a partir de un sistema repetible: una vivienda que se abre o se protege según el momento, siempre cuidando el vínculo entre espacio, luz y privacidad.Privacidad en movimientoCon un sistema de persianas móviles que permite abrir o cerrar el frente en cuestión de segundos, esta casa en la ciudad australiana de Perth controla su vínculo con el exterior y regula la privacidad de manera precisa. Tras un velo de listones de madera â??que protege sin bloquear por completoâ??, la vivienda se vuelve más o menos permeable según el momento del día, equilibrando exposición y resguardo. En el caso de esta casa familiar en un pequeño barrio de San Isidro diseñada por el arquitecto Javier Zabalaga de Zim Arquitectura, su implantación fue estudiada con precisión para protegerla de las miradas ajenas sin aislarla de su entorno inmediato. El análisis del recorrido del sol reveló la necesidad de una defensa frente a la luz intensa del oeste, por lo que se incorporó una serie de aberturas que permiten regular la exposición y controlar la luminosidad según el momento del día.Con esa búsqueda de resguardo como punto de partida, la fachada fue pensada para dialogar con el barrio sin exponerse en exceso, especialmente teniendo en cuenta la cercanía de las viviendas vecinas. Su diseño móvil permite que la casa "respire", abriéndose o cerrándose en función del clima o de la necesidad de privacidad de quienes la habitan. Ese movimiento optimiza el uso de energía pasiva, evita el sobrecalentamiento y favorece la ventilación natural, creando un hogar sereno, protegido y conectado con su entorno.Casa WEIP ZIM"Julián y Ailín buscaban espacios amplios, integrados y bien conectados con el exterior, pero sin resignar privacidad", cuenta la arquitecta Lucía Rivolta, del Estudio Glad, responsable del diseño de esta casa en Vicente López. Para lograr ese equilibrio entre apertura y resguardo, el equipo trabajó con un frente velado que combina aberturas de piso a techo y una malla metálica que actúa como tamiz. La clave fue integrar los ambientes al patio delantero y al jardín sin exponerlos a la calle. ¿El desafío? Mantener la conexión con el exterior sin limitar el tamaño de las ventanas y sin comprometer la intimidad en un barrio de casas cercanas.La respuesta llegó con la fachada metálica: una malla de chapa microperforada que vela la casa hacia el exterior pero permite ver hacia afuera con claridad desde los cuartos. Esta envolvente filtra miradas, regula la luz y genera efectos de sombras que enriquecen la vida interior. "Las mallas metálicas, además de otorgar la cualidad de tamiz, buscan ser el lenguaje material con el que la vegetación entra en diálogo con la casa", explica Rivolta. También en galeríasPensada como un ambiente más de la casa â??climatizado, con aire acondicionado y radiadorâ??, esta galería de un hogar diseñado por la arquitecta Cielo Pipkin y Pablo Ghia, se resolvió con un cerramiento de metal desplegado que combina seguridad y permeabilidad. El sistema cuenta con una cerradura que traba contra el parante opuesto, garantizando un cierre firme, similar al de una puerta completa.CasaMA Cielo"Estudiamos mucho el grado de transparencia del metal, que viene con orificios de distintos diámetros", explica Ghia. La búsqueda fue mantener la luz del fondo y permitir vistas hacia el exterior sin generar un plano pesado u opaco. "Entre resolver la seguridad y mantener la vista, fue la mejor solución que encontramos", resume."La consigna fue que este cerramiento resolviera toda la planta baja â??cuentanâ??. No querían cerrar un sector y después otro: todo debía funcionar de una vez".

Murió Eric Dane, el actor de la eterna serie Grey's Anatomy que conmovió por su diagnóstico de ELA

Tenía 53 años. Hacía diez meses había anunciado que padecía esclerosis lateral amiotrófica.Su personaje como el médico Mark "McSteamy" Sloan lo catapultó a la fama. También protagonizó Euphoria.

Esto es lo que piensan Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint sobre la serie de "Harry Potter"

Los actores comparten sensaciones similares al ver a nuevos intérpretes asumir los papeles principales

"Being Gordon Ramsay": intimidad familiar, desafíos ocultos y vulnerabilidad en la nueva serie del célebre chef británico

A lo largo de seis episodios, la producción alterna escenas laborales y momentos privados, exponiendo los dilemas personales y el esfuerzo por mantener el equilibrio entre la exigencia profesional y el afecto en casa

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En la guerra por el streaming, las series de televisión se han convertido en un elemento importante para Hulu, que busca seguir gustando a los usuarios

La sorprendente serie que aparece en Netflix si alguien busca "therians"

Las curiosas respuestas de la plataforma si uno consulta por producciones relacionadas con el tema.

La Serie A reunirá a árbitros, clubes y entrenadores para aclarar criterios

Mckenna Grace interpretará a Daphne en la nueva serie de live-action de 'Scooby-Doo' para Netflix

La producción constará de ocho episodios y mostrará cómo los personajes se conocieron

El factor sorpresa se diluye, ahora mandan los cabezas de serie y el campeón de invierno

Jesse Jackson y el caso Dahmer: la historia real detrás de la escena más indignante de la serie de Netflix

La exitosa serie de Netflix sobre Jeffrey Dahmer revivió el papel crucial que jugó el reverendo Jesse Jackson al denunciar un sistema que permitió 17 asesinatos.El líder civil que llegó a Wisconsin para exponer ante el mundo el racismo policial que ignoró las pruebas durante más de una década.

Muere en Grecia la iraní Dana Eden, productora de la exitosa serie "Teherán"

ATENAS.- La productora israelí Dana Eden, conocida sobre todo por ser cocreadora del thriller de espionaje ganador del Emmy "Teherán", murió de forma repentina en Grecia, reportó el lunes la radiodifusora pública israelí KAN. El cuerpo de la productora de 52 años, fue hallado en la habitación de un hotel, a pocos metros del Parlamento helénico y de la plaza Plaza Sintagma, en pleno centro de la capital griega, el domingo por la noche, anunció la policía griega a AFP.En la habitación del hotel se encontró una cantidad considerable de pastillas, indicaron fuentes policiales."Todo parece indicar que se trata de un suicidio", precisó un funcionario de la policía griega, que aclaró que no había sospecha de que haya sido víctima de un crimen. El funcionario habló bajo condición de anonimato, ya que la policía griega no hace comentarios públicos en estos casos.KAN señaló que Eden había llegado el 4 de febrero a Atenas para el rodaje de la cuarta temporada de la exitosa serie emitida en Apple TV."Dana estaba entre las figuras líderes de la industria televisiva de Israel y desempeñó un papel central en la creación y el liderazgo de algunas de las producciones más destacadas e influyentes dentro de la corporación", afirmó KAN en un comunicado. No reveló la causa de la muerte."Su trabajo profesional, su dedicación inquebrantable y su amor por la creación dejaron una profunda huella en la Corporación de Radiodifusión Pública de Israel. KAN comparte el profundo dolor de su familia, amigos y colegas", agregó la radiodifusora.En un comunicado publicado en su página de Facebook, la productora de Eden, Donna and Shula Productions, que dirigía junto a Shula Spiegel, intentó disipar los rumores de que la productora había sido asesinada. "La productora desea aclarar que los rumores de una muerte criminal o motivada por razones nacionales son falsos e infundados", resaltó la empresa. "Este es un momento de enorme dolor para la familia, amigos y colegas. Pedimos que se respete la dignidad de Dana y la privacidad de sus seres queridos".El ministro de Cultura y Deportes de Israel, Miki Zohar, escribió en una publicación en la red social X que recibió la noticia de la muerte de Eden "con gran tristeza", y la describió como "una de las productoras más destacadas e influyentes de la industria televisiva israelí".×?צער ×?×?×?×? ק×?×?×?ת×? ×?ת ×?×?ש×?ר×? ×¢×? פ×?×?רת×? ש×? ×?× ×? ×¢×?×?, ×?×?×?פ×?ק×?ת ×?×?×?×?×?×?ת ×?×?×?שפ×?×¢×?ת ×?תעש×?×?ת ×?×?×?×?×?×?×?×?×? ×?×?שר×?×?×?ת.×?× ×? ×?×?ת×?ר×? ×?×?ת×? ×¢×?×?ק ×?×?צ×?ר×? ×?×?שר×?×?×?ת ×?×?×?×?×?×? ×?ת ×?ס×?פ×?ר ש×?× ×? ×?×?×?×?ת ×?×?× ×?×?×?×?×?×?ת ×?×?×?×?×?×?, ×?×?×?שר×?×? ×?×?×?×?×?×¥.×?שתתף ×?צער ×?×?שפ×?×?, ×?×?×?ר×?×? ×?×?ק×?×?×?×?ת. ×?×?×? ×?×?ר×? ×?ר×?×?.— Miki Zohar ×?×?ק×? ×?×?×?ר (@zoharm7) February 16, 2026"Dana dejó una profunda huella en la creación israelí y llevó nuestra historia a escenarios internacionales con orgullo, talento y valentía", dijo Zohar."Teherán", que se estrenó en Israel y en Apple TV en 2020, cuenta la historia de Tamar Rabinyan, una joven agente del Mossad encargada de infiltrarse mediante hackeo y desactivar el reactor nuclear iraní para que el ejército israelí pueda perpetrar un ataque aéreo. La serie fue nombrada mejor serie dramática en los 49° Premios Emmy Internacionales en noviembre de 2021.Las tres primeras temporadas de la serie se rodaron en Atenas. La decisión de filmar en esa ciudad surgió durante un viaje familiar de Eden, quien encontró similitudes entre la capital griega y la lejana Teherán, donde habría sido imposible para un equipo israelí rodar escenas.Así, los callejones del barrio de Kypseli, los edificios grises de la ciudad y el aeropuerto internacional Aeropuerto Internacional Eleftherios Venizelos se convirtieron en escenario de las intrigas entre agentes israelíes y miembros de la Guardia Revolucionaria iraní, interpretados por figuras como Glenn Close y Hugh Laurie."Teherán no es solo una serie sobre espionaje: aborda la comprensión del ser humano que se esconde detrás del enemigo", dijo Eden en 2021, al recibir el premio en los International Emmy Awards. "Espero que algún día podamos caminar juntos, iraníes e israelíes, en Jerusalén y en Teherán como amigos y no como enemigos", expresó entonces. La realidad, sin embargo, terminó superando la ficción. Y Atenas fue escenario de un desenlace que ningún guion habría querido escribir. View this post on Instagram Desde julio del 2020, Atenas ha aumentado las subvenciones atribuidas a las producciones cinematográficas y cada vez se ruedan más producciones internacionales en el país.Eden comenzó a trabajar en la producción televisiva en Israel en la década de 1990, participando en programas como la comedia "Yom Haem" y el drama criminal "Magpie", antes de alcanzar el éxito internacional con "Teherán".En 2018, su programa "Saving the Wildlife" ganó el premio a Mejor Revista de Televisión para Niños y Jóvenes en los Premios de la Academia de Televisión de Israel.Agencias AP, ANSA y AFP

Serie previa con motivo de la Copa del Rey de baloncesto

Isabel Allende respalda la serie "La casa de los espíritus" y Prime Video apuesta por un estreno global

La creadora de Sex and the City reveló qué partes de la serie fueron inspiradas en su propia vida: "Carrie Bradshaw era básicamente yo"

Candace Bushnell, la escritora de los libros en los que se basa el programa de TV, contó qué vivencias del personaje que compuso Sarah Jessica Parker surgieron de sus propias experiencias.Además, adelantó que ahonda en el tema en el unipersonal que estrenó recientemente, "Candace Bushnell: Tales of Sex, Success and Sex in the City".

Misterio en Grecia: hallaron muerta en un hotel a Dana Eden, la creadora de la exitosa serie Teherán

La productora israelí tenía marcas en el cuello y extremidades. La policía confirmó que en la habitación se encontraron pastillas

El museo de la inocencia: cómo Netflix adapta la novela de Orhan Pamuk en una serie turca de amor, obsesión y memoria

Con una historia de amor imposible, obsesión y fragmentos de una Estambul en transformación social, la producción de nueve episodios invita a recorrer el deseo y la nostalgia desde una perspectiva íntima y emocional. Leer más

El productor de "Los Simpson" se refirió a las extrañas predicciones de la serie: "Es inquietante"

Matt Selman reflexionó sobre la famosa habilidad de la comedia animada para anticipar hechos insólitos

Lo que viene en el streaming: el thriller 56 días y la serie Soy Gordon Ramsay encabezan los estrenos de la semana del 16 al 23 de febrero

Protagonizada por Dove Cameron y Avan Jogia, tiene suspenso y erotismo y puede verse por Prime Video. La docuserie del chef está en Netflix.Las series y películas destacadas que podrán verse esta semana.

Stephen Amell protagonizará la nueva versión de "Baywatch": todo sobre el reboot de la icónica serie de televisión

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El Surne Bilbao busca alargar una serie histórica con la undécima victoria consecutiva

De jugar en la selección de rugby de Irlanda a ser el protagonista de la serie más exitosa de 2026

Peter Claffey (29) saltó al estrellato en las últimas semanas por dar vida a Ser Duncan "el Alto" en El caballero de los Siete Reinos (HBO Max). Esta nueva serie basada en el universo creado por George R. R. Martin se encuentra ambientada décadas antes de los acontecimientos de Game of Thrones.La imponente figura de Peter, quien mide 1,98 metros, y su potente voz lo convirtieron rápidamente en uno de los personajes más comentados del estreno. Sin embargo, detrás de esa apariencia de guerrero medieval se esconde una historia muy distinta. El joven sufrió bullying escolar durante toda su infancia y adolescencia; a su vez, una profunda crisis de identidad lo hizo abandonar su carrera como deportista de élite cuando parecía tener el futuro asegurado en el mundo del rugby.Claffey nació en Portumna, una pequeña localidad del oeste de Irlanda con menos de 2000 habitantes, donde el deporte por predilección es el rugby. Desde pequeño todos aquellos que lo conocían le veían condiciones sólidas para convertirse en un gran jugador. Tal es así que asistió al Garbally College, una institución reconocida por su tradición deportiva y por haber formado a numerosos rugbiers que luego integraron equipos profesionales.A los 19 años pesaba 119 kilos, pero era de pura masa muscular. Ese físico lo llevó a integrar la selección irlandesa sub-20 y a disputar el Torneo de las Seis Naciones juvenil en 2016, con partidos frente a Francia e Inglaterra. Jugaba como segunda línea y su rendimiento llamó la atención de Connacht Rugby, uno de los cuatro equipos profesionales del país. En 2018 firmó su primer contrato profesional y todo indicaba que su carrera seguiría en ascenso.En una entrevista con el diario inglés The Independent, Claffey recordó que durante ese período su identidad quedó reducida a "jugador de rugby", por lo que tuvo que dejar de lado sus pasiones artísticas. A su vez, no pudo consolidarse en Connacht debido a que el entrenamiento era exigente y el entorno muy competitivo. "Probablemente fue el año más aislado y solitario que he tenido", reconoció.Antes de llegar a Connacht, había jugado en clubes como Galwegians RFC y Buccaneers RFC. Tras su paso por la academia profesional, también integró el Terenure College RFC en la Liga All-Ireland. Sin embargo, nunca debutó oficialmente en competencias de primer nivel, lo que lo frustraba enormemente. Una lesión fuerte terminó por dejarlo sin jugar por gran cantidad de fechas y fue esto mismo lo que él vio como una escapatoria directa a su sueño más anhelado: dedicarse a la actuación. "Sin duda, me siento mucho más feliz ahora que cuando jugaba al rugby", se sinceró en diálogo con el mencionado medio. Peter Claffey comparte actualmente en sus redes sociales los entrenamientos que realiza para mantenerse en formaDe tener pánico escénico a formar parte de una de las sagas más vistas del añoComo el rugby había marcado su identidad durante años, su salto a la actuación no fue para nada fácil. Peter tenía una muy baja autoestima que arrastraba de su adolescencia. Esto lo llevó a creer que no estaba preparado para ocupar grandes papeles y su miedo a "fracasar" era muy recurrente. Pero todo cambió en plena pandemia, cuando a partir del aislamiento decidió comenzar a grabar pequeños sketches que publicó en su Instagram personal. El humor y la naturalidad frente a cámara le permitieron conectar con una audiencia jamás esperada, lo que lo alentó a seguir sus estudios en la Bow Street Academy for Screen Acting de Dublín. Su debut profesional llegó en 2022, cuando interpretó a Iggy en A Whistle in the Dark, de Tom Murphy, en el emblemático Abbey Theatre de Dublín. La experiencia teatral consolidó su decisión de dedicarse de lleno a la actuación. Ese mismo año sumó participaciones en producciones televisivas como Harry Wild y Bad Sisters, donde comenzó a ganar visibilidad internacional.Pero el verdadero giro en su vida ocurrió en 2024, cuando fue elegido como protagonista de El caballero de los Siete Reinos. Si bien para cualquier actor esta noticia habría sido de felicidad total, para Peter se convirtió en un gran desafío emocional que debió trabajar tanto con su familia como con su terapeuta. Según recordó, lo primero que hizo al enterarse fue correr a encerrarse en el baño, donde comenzó a vomitar de forma involuntaria. Más tarde, tras recibir la confirmación oficial de sus agentes, su novia lo encontró tirado en el suelo, pálido y en posición fetal. "Tuve una pequeña crisis", admitió. Uno de los motivos principales de esa crisis estaba relacionado con que él se considera un gran fan de Game of Thrones, por lo que no sentía estar a la altura de dar vida al nuevo protagonista del spin-off. Esto lo llevó a realizar lo que él definió como un "viaje espiritual" para aprender a gestionar la presión y la exposición masiva que se avecinaba. "Estaba obsesionado con la serie original", indicó. Al punto que su fanatismo lo llevó a ser parte de una de las revueltas más grandes que tuvo internet en 2019, cuando miles de fanáticos de todo el mundo expusieron que el final de Juego de Tronos no había estado a la altura de lo esperado. "Era una de esas personas que pensaba que el final no era lo suficientemente bueno", reconoció. Debido a ese antecedente, Peter tenía "terror" de no ser aceptado por los fans. "Porque no es como si fuera un producto original y tampoco es algo que no me importe. Realmente quiero hacer las cosas bien para esto", explicó. Si bien la serie todavía no estrenó por completo su primera temporada, ya desde sus primeras apariciones el joven actor recibió gran cantidad de elogios en sus redes sociales por su trabajo."¡¡Absolutamente me encanta tu trabajo!! Brillante espectáculo"; "¡Qué adaptación tan increíble!" y "Me encanta este programa. Los actores están perfectamente repartidos. Gracias por llevarnos de vuelta a este mundo", fueron algunos de los mensajes que lo llenaron de confianza para continuar con su labor como Ser Duncan "el Alto".

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Hulu busca mantenerse en el gusto de la gente a través de estas personajes

La esposa de James Van Der Beek compartió un cover de "I Don't Want to Wait", la famosa canción de la serie 'Dawson's Creek'

El cover del tema icónico de la serie fue difundido mientras crece la recaudación de fondos para los deudos

Nicolas Cage se pone el sombrero y sorprende como Spider-Noir: cómo será la serie que promete cambiar el universo Marvel

La historia traslada al superhéroe a una Nueva York de los años 30, con acción en blanco y negro, una identidad renovada y el carisma inconfundible de este icónico actor en el papel más inesperado del año

Belinda lleva mariachis hasta España para delitar a sus compañeros de la serie "Carlota"

La cantante sorprendió a la producción de la serie con una celebración llena de sabor mexicano, agradeciendo el esfuerzo de todos con música, comida típica y un emotivo mensaje

El Nobel de Literatura Orhan Pamuk finalmente tiene la serie de Netflix que tanto quería

ESTAMBUL.- Hace seis años, Orhan Pamuk, escritor turco ganador del Premio Nobel de Literatura, recibió el resumen argumental de una adaptación para televisión de una de sus más famosas novelas, El museo de la inocencia. Y cuando se puso a hojear las páginas, se horrorizó. En esa condensación para la pantalla de su relato de 500 páginas sobre una historia de amor obsesivo en la Estambul de las décadas de 1970 y 1980, la empresa productora se había tomado libertades que excedían en mucho lo que Pamuk consideraba razonable, con giros argumentales que le parecían espantosamente alejados de su novela. Murakami no le teme a la oscuridad: "No creo ser precisamente un artista; soy un tipo normal"Así que contratacó: demandó a la productora para recuperar los derechos de su historia. "Llegué a tener pesadillas en esa época, le pagaba cifras siderales a mi abogado en California y me aterraba que igual la filmaran", dice Pamuk sentado en su escritorio lleno de libros, en el último piso del edificio de departamentos que su familia construyó en Estambul y donde él creció. Pero en 2022 ganó el juicio y lo volvió a intentar con un productor truco, y esta vez se reservó el derecho del control sobre el argumento. Finalmente, cuatro años después, Pamuk está satisfecho con el resultado: este viernes Netflix estrena El museo de la inocencia, una miniserie de nueve capítulos. El estreno en streaming es un debut tardío en la carrera de Pamuk, de 73 años, el novelista turco más famoso cuyos libros de ficción, memorias, ensayos y fotografía han sido traducidos a incontables idiomas. En 2006, Pamuk fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura. Y la miniserie de Netflix amplía aún más el alcance de su obra, llevando su novela a los televisores de todo el mundo. "Todo novelista quiere que su novela sea llevada al cine", dijo. "Y la mayoría de las veces la motivación es el dinero o la popularidad, y yo cargo con ambos vicios". Pamuk nació en el seno de una familia adinerada y laica de Nisantasi, un exclusivo barrio de Estambul asociado con la élite europeísta de la ciudad. Soñaba con ser pintor, abandonó la carrera de arquitectura, y finalmente se dedicó a escribir ficción, explorando el pasado otomano de Turquía, sus aspiraciones occidentales y las tensiones entre ambos mundos. Su esposa es directora de un hospital, tiene una hija de su primer matrimonio y una nieta. Sus novelas El libro negro, Me llamo rojo y Nieve levantaron su perfil internacional, y al otorgarle el máximo galardón literario del mundo, el Comité del Nobel señaló que Pamuk había descubierto "una nueva simbología para el choque y el entrecruzamiento de culturas". Pamuk ha escrito extensamente sobre Estambul y sus relatos transcurren en lugares extraídos de sus recuerdos. Varios de sus personajes existieron, vivieron, trabajaron y fueron asesinados a poca distancia de la casa de su infancia. Uno de sus personajes se enamoró de en el edificio de una universidad cercana, y a otro lo bocharon en el examen de ingreso. Mientras pasea por su barrio, Pamuk lamenta que las casas de madera de su juventud hayan sido reemplazadas por edificios anodinos, cafeterías de moda y calles abarrotadas de gente. "Este barrio ha cambiado tanto que es difícil seguir amándolo", dice el escritor.Un local del barrio antes conocido como Alaaddin's Shop, que Pamuk y uno de sus personajes solían frecuentar, es ahora el local de una cadena de ropa masculina. Y donde alguna vez estuvo la escuela secundaria a la que asistió se alza un flamante shopping. "Es un shopping, un shopping como cualquiera", dice. "No tiene el menor interés". El barrio juega un papel central en El Museo de la Inocencia, novela publicada en 2008 y que relata con gran detalle la historia de Kemal, un soltero burgués, que se enamora perdidamente de Fusun, una empleada más joven y pobre, y pasa años conspirando y haciendo artilugios para estar cerca de ella mientras su vida se descarrila. Kemal y su madre viven en un departamento cuyo balcón da a una histórica mezquita: ambos lugares existen y están a poca distancia de la oficina de Pamuk, al igual que el edificio donde Kemal y Fusun tienen sus encuentros románticos. En el libro, Kemal arma un catálogo de su obsesión robando pequeños objetos cotidianos que asocia con su amada: un salero, horquillas para el pelo, esa taza de café, zapatos, un cepillo de dientes, un cucurucho de helado a medio comer y 4213 colillas de cigarrillo. Después del clímax de la novela, Kemal exhibe esas reliquias en un museo, dándole nombre al libro.La historia ya es una franquicia de varias partes. En 2012, Pamuk inauguró en Estambul un auténtico "Museo de la Inocencia" con objetos que aparecen en el libro. También redactó un manifiesto y un catálogo para el museo, y 2015, participó en un documental relacionado con el tema. Con la esperanza de sumar una adaptación cinematográfica, en 2019 Pamuk firmó un contrato con lo que describe como "una productora de Hollywood" cuyo nombre no quiso revelar. Pero la visión de la productora incluía importantes modificaciones en la historia, como el embarazo de Fusun, desviaciones que Pamuk no pudo tolerar. "Demasiados cambios", dijo. "Con cambios así, el resto del libro deja de ser mío por completo". La recisión de ese contrato, comenta el escritor, le insumió dos años de dolores de cabeza. Y una montaña de gastos legales. Una vez recuperados los derechos, inició conversaciones con la empresa turca Ay Yapim para realizar una miniserie. Pero esta vez controló el proceso con una meticulosidad parecida a la del protagonista de su novela: no pidió adelanto ni firmó contrato hasta no finalizar el guion, para asegurarse de que el productor no se tomara licencias indebidas con la historia. También se aseguró de que los créditos mencionaran no solo su libro, sino también su museo, donde se rodaron algunas escenas de la miniserie. Pamuk decretó que por muy exitosa que fuera la serie no habría una segunda temporada, de modo de conservar el final de la historia. Y se reunió repetidamente con el guionista y el director de la productora, Kerem Catay, para revisar los borradores de cada episodio y sugerir cambios. Una vez terminado el guión, Pamuk y Catay le dieron el visto bueno a cada una de las páginas de los nueve episodios. Pamuk modificó el guión acordado para incorporarlo al contrato y consolidar su visión. "Recién me quedé tranquilo cuando el proceso del guión se completó de esa manera y cuando me aseguraron de que si no lo rodaban exactamente así terminarían en Siberia o en la horca", dijo Pamuk con una sonrisa. Catay, director de la productora, confirma el profundo involucramiento de Pamuk con el proyecto. Señala que el proceso de creación del guión fue único y que la serie tardó cuatro años en completarse, más que cualquier otra en los 19 años que lleva en el negocio. "Orhan Bey tiene estándares altos", dice Catay refiriéndose al autor con un título honorífico turco. "Para un guionista, un productor y el autor de la novela no fue fácil tener que ir revisando página por página". Catay comenta que después de dos años de trabajo se dio cuenta de que seguían sin haber firmado contrato, lo que implicaba que Pamuk podía bajarse del proyecto en cualquier momento y tirar todo ese esfuerzo por la borda. La producción construyó una escenografía basada en el barrio de Nisantasi tal como era en la década de 1970. Para interpretar a Kemal eligieron a un galán turco Selahattin Pasali, y a la menos conocida Eylül Kandemir como Fusun ("Ojalá se haga famosa", dice Pamuk). La â??â??compañía también contrató a la directora Zeynep Gunay Tan, la elegida por Pamuk. Pamuk señala que tras la publicación de la novela fue criticado por las feministas turcas por centrarse en la perspectiva del personaje masculino. "Aunque intenté evitar las ideas erradas o los prejuicios comunes de los hombres de Medio Oriente, lamentablemente soy un hombre de Medio Oriente, y acepto completamente todas las críticas feministas", dice el escritor. Y agrega que al tener una directora mujer, la serie le da más importancia al punto de vista de la heroína. Después del rodaje y la posproducción, Pamuk vio los nueve episodios y Catay lo llamó para saber qué le había parecido. Catay recuerda sus nervios por la reacción del novelista. "Estaba tan feliz", recuerda Catay. "Me dijo que le había gustado". Pamuk espera que la producción sea recibida como una "película distinguida" y atraiga a los visitantes a su museo. La serie se produjo en idioma turco y fue doblada y subtitulada al inglés y a otros idiomas. La miniserie también marca otro hito en la carrea de Pamuk: su debut como actor. En algunas escenas, interpreta al famoso autor Orhan Pamuk, a quien Kemal le cuenta su terrible experiencia. Pamuk, quien dice que no tener muchas ganas de ir a la fiesta de lanzamiento ni a ningún otro evento de la película, le resta importancia a su debut como actor en la pantalla. "No se puede llamar actuación porque me interpreto a mí mismo", señala. Y Catay, cuando le preguntan sobre la actuación de Pamuk, dice que cumplió su propósito. "Estuvo OK", dice. "Pero es mucho mejor como escritor". (Traducción de Jaime Arrambide)

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El economista Juan Carlos de Pablo dialogó con LN+ para analizar la cifra de la inflación de enero. Además, hizo mención a los recientes cambios en la cúpula del Indec y comparó el trabajo del centro de estadísticas con una popular serie televisiva. Juan Carlos De Pablo, economista"El problema es la inflación, no la canasta del IPC", sostuvo De Pablo y agregó: "Acá lo único que los economistas tienen que explicar es por qué desde hace un tiempo la inflación es superior al 2%".Consultado sobre el trabajo de medición del Indec, De Pablo dijo: "Me hace acordar a lo que pasaba en la serie Dr. House. Donde el protagonista no tocaba los pacientes, sino que interactuaba con su equipo, porque lo que a ellos los ayudaba era discernir la explicación causal de los hechos, que es lo más difícil". "Bueno, acá pasa exactamente lo mismo", remató.Un problema técnico"Estos números no hacen feliz a la mayoría", resaltó De Pablo sobre el 2,9% de la inflación de enero. Por otro lado, a pesar de reconocer que "no hay que enredarse con las nomenclaturas", el especialista destacó que "estamos delante de un fenómeno donde lo que vos tenés que explicar es una cosa muy concreta y difícil de discernir".#DatoINDECLos precios al consumidor (#IPC) aumentaron 2,9% en enero de 2026 respecto de diciembre y 32,4% interanual https://t.co/YCHmuRuwYQ pic.twitter.com/5uFH5LvkLn— INDEC Argentina (@INDECArgentina) February 10, 2026"La inflación es un fenómeno general", puntualizó De Pablo. "Y como todo fenómeno, es momentáneo y se compensa. Cuando miras como aumentan las verduritas según el color: es ahí donde no hay que quedarse", remató.La desesperación del GobiernoConsultado sobre la seguidilla de decisiones económicas que impulsan desde las filas libertarias, De Pablo sugirió: "No veo a un Ejecutivo desesperado para bajar al 1% la inflación a partir de marzo, y esa cautela está bien". Por otro lado, el experto apuntó contra la falibilidad de las proyecciones económicas. "La hipótesis inflacionaria que se coloca en el Presupuesto no importa: ¿quién decide algo teniendo en cuenta esa expectativa? Esto es absolutamente fluido", subrayó.La libertad del dólarEn el último tramo del intercambio con LN+, De Pablo aludió a una histórica adicción argentina: la moneda norteamericana."El dólar es libre: oferta y demanda", planteó el economista. "Tenes una regla para la banda, no para el tipo de cambio", agregó. Sobre la influencia de la divisa en la fijación de precios, De Pablo cerró: "El dueño de una mercería tiene que poner los precios todas las mañanas. Expectativas, podés tener las que quieras. Pero ojo: después tenés que vender".

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La Anmat prohibió el uso y la venta de una serie de productos por irregularidades

A través de una serie de disposiciones publicadas este martes en el Boletín Oficial, la Administración Nacional de Medicamentos, Alimentos y Tecnología Médica (Anmat) prohibió el uso, comercialización y distribución en todo el país de productos de algunas marcas por estar falsamente rotulados y ser considerados "ilegales".En la Disposición 341/2026, la entidad a cargo de Luis Eduardo Fontana estableció una prohibición para el producto rotulado como: "Agua lavandina común. Val chemical. Elimina el 99,9% de las bacterias de tu hogar. 25 g Cl/l. Compañía de Poliproductos Baigó S.A. - Atuel N°47 Hurlingham - Pcia. de Bs. As. www. valchemical.com.ar. RNE: N° 020045624".Según indicó, el Servicio de Domisanitarios de la Dirección de Evaluación y Gestión de Monitoreo de Productos para la Salud determinó que la empresa cuenta con una habilitación nacional para el sector pero que que el producto no está registrado en la Anmat. Por tal motivo, impuso la sanción para la compañía hasta que "se regularice la situación".Por otra parte, mediante la Disposición 361/2026, la administración declaró como prohibidos a algunos productos de la marca La Gefa cosmética VIP. Es el caso de su serum biomolecular en crema, nutrición intensa détox, máscara biomolecular, perfume capilar con ácido hialurónico, serum capilar Kerassvip, shampoo biomolecular détox, afrodita rizos, biotina pura biopéptidos, tónico de crecimiento biopéptidos, alisado liss sin formol y plex molecular.En este caso, advirtió que son productos que, además de no contar con inscripción sanitaria en su rotulado, representan un riesgo para la salud porque podrían contener formol como activo alisante. "El uso de este ingrediente con la finalidad de alisar los cabellos no se encuentra autorizado, por cuanto puede derivar en la exposición a vapores tóxicos con potencial para generar diversos efectos nocivos sobre la salud del usuario y del aplicador", expresó la Anmat.A su vez, ante la exposición crónica, los productos con formol podrían desencadenar desde "hipersensibilidad y dermatitis alérgicas, hasta un incremento en la probabilidad de ocurrencia de carcinomas, principalmente el nasofaríngeo".En esta línea, por medio de la Disposición 360/2026, la Anmat restringió productos domisanitarios para la limpieza y el acabado de superficies de automóviles y motocicletas de las marcas: Restorer, Bully Industry, Fenix, Impactto, Marchand Car Care, Solimo Detailing Products y Sedanil por irregularidades en su inscripción. "Se exceptúa el producto silicona aromatizada de marca Fenix", aclaró.El organismo detalló que se desconoce el origen de los productos: "Se promocionan, publicitan y comercializan por páginas web, redes sociales y plataformas de venta digital y se verificó que no se encuentran inscriptos ante esta Anmat, además de no contar con identificación de datos de registro de establecimientos responsables habilitados en los diversos sitios web".Por último, en la Disposición 258/2026, la Anmat dispuso la prohibición para el producto médico identificado como "concentrador de oxígeno de la marca Respironics, modelo EverFLO, número de serie 0022092â?³.

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