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La película en solitario de Burro ya tiene fecha de estreno: todo lo que se sabe del esperado spin-off de 'Shrek'

Eddie Murphy retomará la voz del personaje en una película que contará cómo un burro común se convirtió en un animal que habla

Por qué descargar tus películas y series en Netflix o Disney+ te dará una mejor experiencia

Uno de los beneficios es garantizar la calidad del video y evitar las esperas mientras carga

La película de Luca Guadagnino con Andrew Garfield que nadie se anima a estrenar: los motivos

Hollywood siempre supo encontrar a sus villanos entre los personajes más odiados o controvertidos de la vida real. Ya fueran los nazis en los años cuarenta, los jerarcas de la Unión Soviética de los cincuenta o los tiranos de Medio Oriente después, la usina de películas pensadas desde los Estados Unidos se acostumbró a exportar relatos en los que sus enemigos sociopolíticos eran además una amenaza para toda la humanidad. Un libreto que hasta hace pocos días también aplicaba al más reciente adversario al que le temen muchos: la inteligencia artificial. Sin embargo, la industria del cine ya no es lo que era y probablemente nunca vuelva a serlo porque ahora ese enemigo. tiene un lugar en la mesa de decisiones, forma parte de sus propios engranajes y aparentemente no está dispuesto a tolerar que retratos de ellos menos que halagadores lleguen a la pantalla. Al tiempo que muchos bromeaban con el hipotético avance de empresas modeladas en el espejo de la maléfica Skynet, la corporación de máquinas autoconscientes que provocan el apocalipsis en Terminator, Hollywood le abrió la puerta a un monstruo humano con enorme capacidad de destrucción. Hace pocos días se anunció que el estudio Amazon MGM Studios decidió no distribuir el film Artificial, del celebrado director italiano Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre), un drama construido alrededor del polémico Sam Altman, CEO de OpenAI, la empresa pionera en el desarrollo de la tecnología aplicada a la inteligencia artificial detrás de ChatGPT. La sorpresiva decisión de Amazon se dio a conocer apenas unos meses después de que el gigante del e-commerce acordara una inversión de 50 mil millones de dólares con OpenAI que podrá usar los servicios web de Amazon y desarrollar modelos de inteligencia artificial personalizados que Amazon aplicará a su interfaz. La película, en la que el actor inglés Andrew Garfield (El sorprendente Hombre Araña) interpreta a Altman quedó ahora en un limbo del que parece le será muy complicado salir. Es que más allá de que Amazon difundiera un amable comunicado en el que asegura sentir "el mayor respeto y admiración por Luca Guadagnino como cineasta galardonado", el texto oficial también afirma que "Artificial se beneficiaría más si la estrenara otro estudio". Lo que traducido del palabrerío corporativo al lenguaje cotidiano significa que la empresa de Jeff Bezos está desesperada por desvincularse del film que retrata a Altman â??uno de los invitados de la fastuosa boda de Bezos celebrada en Venecia hace un añoâ??, como un sociópata y a Elon Musk como antipático manipulador. El problema es que por ahora ningún otro estudio, distribuidora o plataforma recogió el guante que Amazon arrojó al ruedo.Hasta el momento se sabe que ni A24, una de las compañías cinematográficas más exitosas de los últimos años, ni Netflix están interesadas en asumir el riesgo de comprar la película y que los estudios Lionsgate y Warner tampoco la quieren. Y ni siquiera el rumor de que Amazon estaría dispuesto a reducir el precio de 40 millones de dólares al que necesitaría venderla para recuperar su inversión tampoco parece haber atraído demasiados compradores. Según Variety, solo las distribuidoras Neon y Mubi siguen evaluando si se animan a adquirir el film.Es prematuro todavía evaluar si toda la promoción gratuita que le aportó a la película el conflicto con Amazon contribuirá a acrecentar la venta de entradas en el caso de que finalmente logre estrenarse en cines, y mucho más remota aún parece la posibilidad de que la publicidad pueda ponerla en el ojo de los votantes durante la temporada de premios. Sin embargo, aunque Artificial está en etapa de posproducción ya muchos en Los Ángeles leyeron versiones avanzadas de su guion y hasta vieron un primer corte del film que, según The Hollywood Reporter, recibió comentarios mayormente elogiosos. Escrita por Simon Rich, guionista formado en Saturday Night Live, la trama de la película se enfoca en el breve periodo de la vida de Altman ocurrido en 2023 cuando fue despedido de su puesto en OpenAI y logró que lo volvieran a contratar días después de un fin de semana en el que, especula el guion, cimentó las bases del poder que ahora detenta. Se trata, según todos los que accedieron al film, de un retrato nada amable del ejecutivo que resulta en un desenlace desesperanzado sobre el estado del mundo actual y del futuro por venir. El largo camino hasta la pantallaAún antes del escándalo desatado en estos días a su alrededor, lo cierto es que Artificial ya había atravesado algunas dificultades en su proceso de realización. En principio, el guion pasó por varias revisiones antes de que Guadagnino se incorporara al proyecto. Hace un año, cuando se anunció que el realizador italiano se haría cargo de la dirección de la película, se la describía como una comedia dramática ambientada en el mundo de la inteligencia artificial. Desde ese momento en adelante no se conocieron más detalles de la producción aunque sí se sabía que su lanzamiento en salas se postergaría a principios de 2027 para esquivar el estreno en octubre de este año de El poder de la red, de Aaron Sorkin, la continuación de Red social, el film de 2010 escrito por Sorkin y dirigido por David Fincher. Más allá de la poca información que circulaba sobre Artificial, ya muchos la asociaban con la secuela de Sorkin, especialmente porque como en el caso de la secuela de Red social, su personaje central es Mark Zuckerberg, otro de los muchachos del mundo tecnológico transformado para muchos en persona no grata de la humanidad, un título que Altman ahora le disputa. Ahora ya no se sabe cuándo o si la película de Guadagnino llegará a las salas. En el caso de que sea adquirida por un nuevo distribuidor, se especula con que pueda proyectarse en la próxima edición del festival de Venecia, a finales de agosto, ya que se trata de un certamen en el que el director italiano siempre fue bien recibido: el año pasado su última película, Cacería de brujas, tuvo allí su première mundial. Pero más allá de lo que suceda con Artificial, lo cierto es que la debacle que la involucra obliga a un cambio de foco. Mientras los trabajadores de la industria del cine y sus sindicatos se prepararon para vigilar y limitar el avance de la IA que se especula que podría reemplazarlos, los mandamás del poder asociado a la tecnología lograron infiltrarse en los circuitos de toma de decisiones de Hollywood al punto de detentar la autoridad suficiente para vetar los contenidos que se producen allí. El hecho de que un proyecto casi terminado firmado por un cineasta con los laureles de Guadagnino, quien incluso le reportó notables ganancias en taquilla a MGM con el film Desafiantes, y un famoso actor como Garfield no haya podido resistir el embate que algunos medios norteamericanos califican de "casi censura", da cuenta del estado de situación. Después de años de temer a lo que las máquinas podían hacerle al cine resultó que quienes más daño iba a infringirle eran los hombres que las crearon.

El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum: todo lo que se sabe y cuándo se estrena la película

Los seguidores de la saga El Señor de los Anillos ya pueden agendar la fecha del próximo estreno, puesto que ya se conoce el elenco oficial de El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum y cuándo se estrena la película.Este es el anticipo de El Señor de los Anillos: La Caza de GollumComo información preliminar para los miles de fanáticos de la saga de John Ronald Reuel Tolkien, ya se puede ver un adelanto del próximo estreno, que detalla los actores que estarán presentes en la nueva producción. Cuándo se estrena El Señor de los Anillos: La Caza de GollumDe acuerdo a la información proporcionada por la cuenta de Warner Bros. Pictures en redes sociales, El Señor de los Anillos: La caza de Gollum se podrá ver, solo en cines, el 17 de diciembre de 2027.Por lo que recién a fines del año próximo los seguidores podrán presenciar el estreno tan esperado.Cómo queda elenco de El Señor de los Anillos: La Caza de GollumLa fecha del estreno va a acompañada de la novedad de que Viggo Mortensen no formará parte de la nueva película. Recientemente se dio a conocer que Jamie Dornan será el encargado de calzarse el traje de Aragorn. Mientras que Serkis regresará en el papel de Gollum/Sméagol, Ian McKellen lo hará como Gandalf. Por su parte, Elijah Wood retomará su rol de Frodo Bolson y Lee Pace como Thranduil, de las películas de El Hobbit. Respecto a las nuevas incorporaciones, Kate Winslet se suma como Marigol, Leo Woodall como Halvard y Jamie Dornan en el papel de Trancos, más tarde conocido como Aragorn.En el marco de CinemaCon 2026 en Las Vegas, Warner Bros. anunció algunos de los títulos que llegarán a la gran pantalla en los próximos meses. Entre ellos, El Señor de los Anillos: La caza de Gollum que se suma a la trilogía que cuenta con millones de fanáticos en todo el mundo. Producida por Peter Jackson, esta nueva entrega se ubica antes de los eventos de La Comunidad del Anillo y se centra en la figura de Gollum, que es perseguida por un joven Aragorn mientras intenta encontrar el "tesoro" que le fue arrebatado.

Los colores del tiempo, una película como las que ya no se hacen

Salta de la Belle Époque al tiempo presente, con personajes que cambian, evolucionan.Santiago Amigorena es coguionista por séptima vez del director Cédric Klapisch.

Estrenos de cine: Los colores del tiempo, una película elegante que se queda a mitad de camino

Los colores del tiempo (La venue de l'avenir, Francia/2025). Dirección: Cédric Klapisch. Guion: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Música: Rob Coudert. Edición: Anne-Sophie Bion. Elenco: Suzanne Lindon, Abraham Wapler, Vincent Macaigne, Julia Piaton, Zinedine Soualem, Paul Kircher, Vassili Schneider, Sara Giraudeau, Cécile de France, Olivier Gourmet, Claire Pommet, Fred Testot. Duración: 126 minutos. Calificación: Restringida para menores de 13 años. Distribuidora: Mirada Distribution. Nuestra opinión: buena.3 starsPersonajes que atraviesan el tiempo, como parte de un rompecabezas que no necesariamente encaja a la perfección ni se completa, pero que permite adivinar entre sus piezas los retazos de un pasado que encuentra eco en la actualidad. Esta es, a grandes rasgos, la propuesta de Los colores del tiempo. Una película que, sin ser perfecta, ofrece en su simpleza un puñado de preguntas sobre la existencia, el amor y la identidad.El guion, escrito por el director Cédric Klapisch y el argentino Santiago Amigorena (primo del actor Mike Amigorena), desarrolla dos líneas temporales en paralelo. El presente está marcado por la necesidad de vender la casa abandonada de Adèle Vermillard, para lo cual, se convoca a una serie de herederos, que tienen que aprobar la operación inmobiliaria y, por ende, vaciarla de recuerdos. Esas visitas al lugar enfrentan a un grupo de personajes con un pasado familiar que desconocen, con pistas en forma de cartas arrumbadas y fotos descoloridas. La sucesión de estos hallazgos, y las preguntas que generan, le da pie al film para trasladarse en el tiempo, a comienzos del siglo XIX y contar otra historia: la de una joven Adele que, en busca de su madre, encuentra una vida, la pasión y, de alguna manera, el amor.Lo primero que llama la atención de la construcción narrativa de la película es que dialoga en ambos tiempos, sin por ello apelar a recursos como el flashback o la experiencia onírica. No, las dos líneas temporales funcionan de manera independiente, apenas conectadas por situaciones, gestos o la presencia de algún elemento convocante. Lo que primero desconcierta, enseguida se vuelve uno de los puntos fuertes de la propuesta. El relato va tomando forma de una manera natural, al punto de esperar con ansias el salto temporal y así agregar nuevos elementos al relato.Si bien las transiciones son fluidas, desde la fotografía hay una marcada diferencia entre ambas épocas. Las texturas, los colores, la composición, cada elemento funciona por separado, pero aunado en un mismo criterio. Esto permite un contraste visual muy interesante entre ambas realidades, diferentes entre sí, pero con hilos conductores en común que las unen irremediablemente.La estructura coral que propone Los colores del tiempo lleva a evitar personajes que se destaquen por sobre otros. Si bien Adele (Suzanne Lindon) en el pasado y Seb (Abraham Wapler) en el presente sobresalen un poco por su bagaje personal, no es intención del film subrayarlos en exceso. Como si se tratara de una pintura, tópico que también es parte del motor de la narración, cada color tiene su importancia; y la obra terminada no sería la misma sin cada uno de ellos.Entre las numerosas decisiones que toma la película, quizás una de las menos acertadas sea la de forzar la presencia de personajes que existieron en la vida real. Claude Monet, Sarah Bernhardt, Félix Nadar, Louis Leroy y algunos otros no consiguen aportarle por identidad un peso específico singular a la fantasía. La recreación es correcta, pero su presencia no empuja particularmente la acción. Podrían haber sido nombres ficticios, y el resultado habría sido el mismo.También vale señalar la búsqueda intencional de un vuelo rasante, en forma de una historia pequeña, bien contada, prolija y de mucha belleza estética, que no aspira a ser más que eso. Lo que, promediando el film, y con el recuerdo de otras películas que han utilizado recursos parecidos (como Medianoche en París, por ejemplo), deja una sensación algo más insustancial de lo prometido. Una película elegante, cuyos mecanismos funcionan muy bien, pero que carece de la profundidad emocional que prometía su premisa.

'Supergirl': estas son las primeras críticas de la película protagonizada por Milly Alcock

Las primeras reseñas de Supergirl reflejan una respuesta dividida: elogios para Milly Alcock y cuestionamientos sobre la construcción de la historia

Avatar 3 llegó al streaming: dónde puede verse una de las películas más taquilleras de 2025

Tras su paso por los cines y luego de convertirse en uno de los fenómenos de taquilla a nivel mundial, Avatar: Fuego y cenizas, la tercera entrega de la saga creada por James Cameron, finalmente llegó al streaming. La película está disponible desde este martes 24 de junio en Disney+, marcando el regreso al universo de Pandora y al nuevo capítulo de la historia de Jake Sully y su familia, en una incorporación que se suma al catálogo de la plataforma tras mucha espera de los fans.La película se estrenó originalmente en cines en diciembre de 2025 y, tras su paso por las salas comerciales y su exitoso recorrido en taquilla, llega ahora al streaming. Su incorporación a Disney+ representa una gran noticia para los fanáticos de la saga, que finalmente podrán volver a sumergirse en el universo de Pandora desde la comodidad del hogar.De qué trata Avatar 3En esta nueva entrega, la historia retoma a Jake Sully, Neytiri y su entorno más cercano luego de atravesar una gran pérdida. La familia Sully intenta adaptarse a su vida junto al clan Metkayina, mientras busca recomponerse y proteger a uno de sus integrantes. En ese recorrido, el relato introduce nuevos pueblos Na'vi: por un lado, los Wind Traders, una comunidad nómada que se desplaza en grandes embarcaciones impulsadas por velas con forma de medusa; y por otro, el Pueblo de las Cenizas, un grupo atravesado por el dolor, liderado por Varang.Fecha y hora de estreno en Disney+El estreno en Disney+ está programado para la madrugada del martes 24 de junio en Argentina, donde la película se habilitará a partir de las 04:00 horas. De esta manera, el público argentino podrá acceder al film desde las primeras horas del día, sumándose al lanzamiento mundial.Con esta incorporación, Disney+ reúne por primera vez toda la saga cinematográfica, incluyendo Avatar (2009), Avatar: El camino del agua (2022) y Avatar: Fuego y cenizas, además del documental Fire and Water: Making the Avatar Films, que repasa el proceso de producción de las secuelas y expande el detrás de escena del universo creado por James Cameron.

"The Real Wolf of Wall Street": la nueva docuserie sobre Jordan Belfort quiere mostrar lo que la película de Martin Scorsese no contó

Paramount+ estrenará el 14 de julio el documental sobre el financiero que inspiró "El lobo de Wall Street"

Lin-Manuel Miranda llevará a Broadway "The Warriors", la película que la dictadura prohibió en la Argentina

El creador de "Hamilton" adaptará al teatro el clásico de culto de 1979 dirigido por Walter Hill.La película, que generó polémica por su violencia en los Estados Unidos, fue directamente vetada por el régimen militar en nuestro país y recién pudo estrenarse en 1985.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este miércoles 24 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

El drama que vivió Matt Damon al bajar 23 kilos en menos de 100 días para una película

Matt Damon puso su salud al límite durante la producción del thriller bélico Coraje bajo fuego en 1996. En aquel entonces bajó 23 kilos en solo 100 días para encarnar al especialista Andrew Ilario, un militar con adicción a la heroína en el contexto de la Guerra del Golfo Pérsico. El actor, quien contaba con 1,80 metros de estatura, alcanzó un peso de 61 kilos tras una rutina que calificó años después como una decisión que pudo costarle la vida.Fue Damon quien relató en 2022, durante una aparición en el programa The One Show, los detalles de aquel proceso. "Tuve que estar delgado y seguí una dieta sin supervisión que podría haberme matado", confió ante las cámaras. Según sus palabras, el régimen consistió únicamente en pechuga de pollo, claras de huevo, brócoli al vapor y papas al horno. Además, corría 19 kilómetros diarios para acelerar la pérdida de peso. A su vez, inventó aquel método de manera solitaria y sin la guía de especialistas, lo cual resultó un desafío físico agotador y peligroso.El impacto en su cuerpo fue inmediato y severo. Los médicos le advirtieron sobre los riesgos de su comportamiento, entre ellos el posible encogimiento permanente de su corazón. El actor recordó que se sentía muy débil durante el rodaje. "Estaba hecho un desastre. Tenía mareos y sofocos. No le dije nada a nadie durante un tiempo porque tenía miedo de estar realmente enfermo", sostuvo en la entrevista. El estado de fragilidad física fue tal que, en sus propias palabras, no necesitó actuar para representar el sufrimiento y la desnutrición del personaje porque el malestar era real."Fui demasiado lejos. Me enfermé y no volvería a hacer eso porque fue simplemente demasiado. Al mismo tiempo, ayudó a la interpretación", reconoció el protagonista. Pese a las consecuencias negativas para su bienestar, el sacrificio transformó su trayectoria en Hollywood. La entrega demostrada en Coraje bajo fuego atrajo la atención de directores destacados de la industria cinematográfica internacional.Tras el estreno de la película, Francis Ford Coppola seleccionó a Damon para integrar el elenco de El poder de la justicia, en 1997. Poco tiempo después, Steven Spielberg le ofreció un papel en el clásico Rescatando al soldado Ryan. Estas oportunidades consolidaron su carrera profesional después de la etapa que él mismo definió como un periodo crítico. A pesar de los logros alcanzados, el actor mantiene hoy una postura crítica sobre aquel método. El esfuerzo realizado para encarnar al médico del ejército se convirtió en un ejemplo de los límites que algunos actores cruzan para lograr transformaciones físicas en sus personajes, aunque las advertencias médicas sobre las complicaciones cardíacas y la debilidad sistémica marcaron un precedente negativo en su experiencia personal. La falta de un nutricionista o guía profesional fue el elemento que agravó su situación durante los tres meses y medio que duró su estricta y peligrosa transformación.

Cinco películas y series sobre Lionel Messi que podés ver en streaming

En medio de la euforia mundialista, en la que muchos argentinos se ilusionan con que La Scaloneta obtenga su segundo título consecutivo, hay otro evento que revoluciona a los fanáticos de la albiceleste: este miércoles su capitán, Lionel Messi, cumple 39 años. A raíz de esto, te traemos cinco películas y series sobre el futbolista rosarino que podés ver en streaming. Messi (2014)La película Messi, dirigida por Álex de la Iglesia en 2014, es un documental que combina ficción y realidad para explicar cómo un chico bajito y tímido de Rosario se convirtió en el mejor futbolista del mundo.La estructura de la película transcurre en una gran cena de restaurante donde se sientan a charlar las personas que mejor lo conocen. En distintas mesas debaten sus amigos de la infancia, sus maestras de escuela, periodistas, leyendas como Johan Cruyff y Diego Maradona, y compañeros del Barcelona como Andrés Iniesta y Gerard Piqué.A través de estas conversaciones, la cinta intercala videos reales de Leo de chico con escenas recreadas por actores. Así muestra sus inicios en el club Grandoli, el tratamiento médico para la hormona del crecimiento y el sacrificio familiar que significó armar las valijas para irse a España con solo 13 años.Duración: 1 h y 33 min.Messi está disponible en Flow.Esto es fútbol (2019)En lugar de enfocarse en las tácticas, los resultados o el día a día de un solo club, esta serie pone la lupa sobre el impacto social, cultural y emocional que tiene el fútbol en el mundo al abordar este deporte desde un concepto o valor humano universal. Así, la serie viaja a Ruanda para mostrar cómo el deporte ayudó a reconstruir comunidades enteras después del genocidio de los años 90, o a Japón para retratar cómo la selección femenina le devolvió la esperanza al país ganando el Mundial de 2011 a meses de un devastador tsunami. Un punto altísimo de la producción es el episodio dedicado enteramente a Lionel Messi, donde científicos, estadísticos y fanáticos analizan la física, la belleza y el asombro detrás del estilo de juego del astro argentino. Duración: seis episodios.Esto es fútbol está disponible en Prime Video.Sean eternos: Campeones de América (2022)Se trata de una docuserie que narra la intimidad, el sufrimiento y la redención de la selección argentina de fútbol durante la conquista de la Copa América 2021 en Brasil. La historia se centra en el enorme peso emocional y las críticas que arrastraba el plantel, especialmente Lionel Messi, tras una sequía de 28 años sin títulos y múltiples finales perdidas.La producción retrata lo que ocurre más allá de la cancha; desde las anécdotas del vestuario hasta el estricto confinamiento donde el grupo convivió durante 45 días debido a la pandemia. La narrativa combina imágenes inéditas de las concentraciones â??donde destaca la ya mítica e intensa arenga final de Messi en el Maracanáâ?? con testimonios muy sinceros de los propios jugadores, el cuerpo técnico y estrellas del fútbol mundial como Neymar, Luis Suárez y Ronaldinho. Duración: tres episodios.Sean eternos: Campeones de América está disponible en Netflix.Matchday: dentro del FC Barcelona (2019)La serie Matchday: Dentro del FC Barcelona se mete de lleno en la intimidad del plantel profesional durante la temporada 2018-2019. A diferencia de los resúmenes deportivos comunes, el foco de la producción está puesto en mostrar el lado B del fútbol y lo que pasa cuando las cámaras de la televisión se apagan.La ficción se mete directamente adentro del vestuario para ver las charlas técnicas del entrenador Ernesto Valverde, los festejos desaforados después de ganarle los clásicos al Real Madrid y también el silencio y desolación del equipo tras derrotas históricas, como la recordada eliminación en la Champions League contra el Liverpool en Anfield.Además de lo deportivo, cada capítulo se apoya en la figura de algunos futbolistas para mostrar su costado más humano fuera de la cancha. La producción acompaña a los jugadores en su día a día y permite ver, por ejemplo, a Lionel Messi y Luis Suárez tomar mate mientras charlan de la vida.Duración: ocho episodios.Matchday: Dentro del FC Barcelona está disponible en Netflix.Selección Argentina, la serie - Camino a Qatar (2022)A diferencia de otras producciones que salieron después del Mundial, esta serie se grabó y se estrenó en la previa de Qatar 2022, por lo que funciona como la crónica perfecta del nacimiento y la consolidación de La Scaloneta.La trama arranca con la histórica consagración en la Copa América 2021 en el Maracaná. A partir de ahí, los capítulos acompañan al plantel en toda la intimidad de su preparación: las concentraciones, los viajes, las charlas técnicas y el festejo de la Finalissima contra Italia en Wembley.A través de imágenes exclusivas desde adentro del predio de Ezeiza y testimonios de los propios jugadores (como Messi, Di María y el Dibu Martínez) junto al cuerpo técnico, retrata cómo se construyó ese grupo humano que pasó de ser mirado de reojo por la prensa a convertirse en una verdadera familia.Duración: seis episodios.Selección Argentina, la serie - Camino a Qatar está disponible en Prime Video.

Dejó una película en la videocasetera de su casa y desapareció: 40 años después, la policía ofrece una recompensa para romper el misterio

Carla Anderson tenía 23 años cuando se esfumó en Wadena, Minnesota, en 1987. Casi cuatro décadas más tarde, el misterio sigue intacto

Romeo Beckham debutará como actor en una película de romance LGBTQ+

El hijo de David Beckham y Victoria Beckham aparece en las primeras imágenes de "Forty Love"

Murió Paul Avery, actor de la película Superman: se incendió su casa y falleció junto a su esposa

El actor Paul Avery y su esposa Sheila murieron el martes pasado por la madrugada tras incendiarse su casa en la localidad de Blairstown, Nueva Jersey. Los bomberos rescataron a la pareja dentro de la propiedad, pero ambos fallecieron por inhalación de humo.Sus hijos, Parker Sanchez y Kyle Avery, confirmaron la noticia y el diario estadounidense Los Ángeles Times informó que el accidente ocurrió por la mañana en la vivienda familiar, ubicada sobre la calle Mohican Road. La causa que originó el fuego se desconoce por el momento, aunque está bajo investigación por parte de las autoridades locales.Paul Avery tenía 81 años y su esposa, Sheila Avery, 77. El actor trabajó durante 12 años en la serie de televisión All My Children, donde interpretó a "Hughie", el barman del establecimiento ficticio Foxy's. El artista también participó en la película Superman de 1978, en los programas Three's Company y Soap, y filmó más de 300 anuncios comerciales a lo largo de su carrera. Además, produjo obras de teatro en Nueva York y Los Ángeles."Él tenía un papel muy chico, una sola línea en Superman, pero realmente hizo un gran trabajo con eso", recordó Parker Sanchez, hija de la pareja. Por su parte, Kyle Avery añadió que durante una ceremonia de los premios Oscar emitieron un fragmento de esa película donde aparecía su padre, lo que motivó a un amigo a fabricarle una estatuilla casera con papel de aluminio. Sus carreras y relaciónPaul Avery nació el 8 de octubre de 1941 en Indianápolis, sirvió en la Guerra de Vietnam durante su juventud y luego se mudó a las ciudades de Los Ángeles y Nueva York para trabajar en la actuación. Sheila Avery, en cambio, nació el 22 de mayo de 1949 en Kansas City, estudió teatro en la universidad, participó en giras artísticas para soldados en Vietnam y trabajó de enfermera matriculada.La pareja se conoció a fines de la década de 1970 en Nueva York, en un edificio residencial habitado por actores independientes que se trasladaban según las temporadas de los teatros regionales.Ambos comenzaron su relación en 1982 y se casaron en 1984, por lo que en abril pasado celebraron sus 42 años de aniversario. La mujer estuvo casada previamente con John Quincy Bruce Jr., padre de Sanchez.El matrimonio se radicó en Blairstown debido a que Paul Avery, que tenía una licencia de piloto de aviones pequeños, solía aterrizar en un aeródromo de esa localidad de Nueva Jersey. Allí abrieron la librería Cabbages and Kings, y el actor fundó la revista Warren County Companion, trabajó de proveedor de internet y redactó críticas de cine para los diarios New Jersey Herald y The New York Times.La mujer se desempeñó como consejera de sobrevivientes de violencia doméstica y abuso sexual, capacitando a voluntarios encargados de asistir a las víctimas del área. "Personas que hicieron su capacitación hace 20 años nos contactaron para decirnos que nuestra madre cambió su forma de pensar el mundo", remarcó Parker Sanchez a Los Ángeles Times al respecto.

La película "Toy Story 5â?³ supera los 310 millones de dólares en su estreno mundial y rompe el récord de la franquicia

La nueva producción de Disney y Pixar registró la mayor apertura del año en Estados Unidos y consolidó un sólido desempeño en los principales mercados internacionales

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este martes 23 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

La película que cambió el cine: guerra de egos, un leopardo suelto y el secreto de su escena más psicodélica

Hay rodajes que son mucho más importantes de lo que parecen. Incluso pueden ser mucho más influyentes que las películas en las que desembocan. No suele haber libros ni artículos; difícilmente se hable en esos casos de asuntos presupuestarios, presiones de los estudios o los siempre amortizables celos y locuras de las estrellas. De hecho, uno de los rodajes más importantes del siglo XX está lleno de estrellas especialmente silenciosas, pero cambió de manera definitiva la manera de hacer películas y se adelantó a lo que podemos considerar la principal de las tendencias actuales en el espectáculo en salas: la sensación inmersiva. También fue la piedra de consagración de un realizador que podemos (debemos) discutir, pero que de un modo muy claro se convirtió en el "director's director", el director de (para) directores. La película en cuestión es 2001: Odisea del espacio (HBO Max) y el director, Stanley Kubrick. Aclaramos rápidamente que este texto no lo escribe un fan ni del director ni de la película, con lo cual se garantiza la ecuanimidad. Pero cómo ese film llegó a existir y su propia existencia son centrales para comprender una parte grande del cine.Para el momento en el que el proyecto comenzó a gestarse, la marca "Stanley Kubrick" era conocida. Se trataba del director que se animaba a hacer lo que otros no; del maníaco de la precisión; del que además tocaba temas tabú. Es cierto que Casta de malditos, su noir, tiene una innovación en el relato, pero por lo demás â??e incluso si es de lo mejor que hizoâ?? está dentro de la tradición. Pero Lolita â??sobre la entonces controvertida y hasta prohibida novela de Vladimir Nabokovâ??, La patrulla infernal â??que destruía la lógica militarâ?? y Dr. Insólito â??que se atrevía a reírse de la más que justificada paranoia nuclear, otra vez de los militares y mucho del estado norteamericanoâ?? permitían pensar en un realizador aparte. Claro que también hizo Espartaco â??tras el abandono de Anthony Mann por "diferencias creativas" con el productor y estrella Kirk Douglasâ??, que podría pensarse como una película más cercana a la moda de aquel Hollywood de fines de los cincuenta y principios de los sesenta que jugaba alrededor de la Biblia o el Imperio Romano. Pero incluso allí se animó a presentar apenas en clave la homosexualidad masculina (la relación entre Laurence Olivier y Tony Curtis) y hablar de política. Su fama de iconoclasta respecto del Hollywood tradicional estaba bien establecida. Y su manía y detallismo disimulaban un hecho que merece tenerse en cuenta: Kubrick siempre apostó por el gran espectáculo. Controvertido quizás, detallista por demás, lo que quieran, pero en general sus películas hacían dinero. Y muchas pertenecen a géneros bien definidos como el bélico, el péplum, el drama de época (Barry Lyndon) o el terror (El resplandor). Sin embargo, 2001, si bien muestra todas las virtudes y vicios del realizador, es una especie de válvula estilística que cambió todo el género de ciencia ficción, le dio cartas de ciudadanía y permitió que, una década más tarde, dominara las taquillas globales.La leyenda cuenta que Kubrick se entusiasmó con un cuento de Arthur Clarke llamado El centinela y que decidió llevarlo a la pantalla con un guion escrito entre ambos. Quería hacer "una buena de ciencia ficción", algo que superara la medianía del género y su pertenencia a la Clase B (donde tiene obras maestras como El increíble hombre menguante). De hecho, el lector quizás conozca la novela del film, pero es algo que se escribió al mismo tiempo, no un texto previo (lo mismo sucede, valga la curiosidad, con El tercer hombre: Graham Greene escribió la novela después de hacer el guion de la película de Carol Reed). Clarke tenía una cosa en común con Kubrick: el detallismo maníaco. Con Isaac Asimov y Robert Heinlein, conformaba la "línea dura" de la ciencia ficción, los que especulaban sobre las posibilidades lógicas y ciertas de los avances científicos en lugar de entregarse a la fantasía (como Fredric Brown) o a una vertiente más poética (como Ray Bradbury). Lo que Clarke buscaba con sus textos era pensar e incluso predecir el futuro. Y lo que Kubrick buscaba era precisión y exactitud en cada plano. Parecía una colaboración ideal y lo fue en principio porque había varias coincidencias. La idea de Kubrick, y básicamente la clave de por qué se trata de una película a su modo revolucionaria, era que todo fuera realista, que siguiera las leyes de la física, que se basara en lo posible, no en la fantasía. Clarke estaba de acuerdo. ¿Por qué hizo Kubrick la película? Nunca lo explicó demasiado, pero siempre una parte de su mente pensó el cine como un deporte de alta competición donde había que intentar lo imposible y romper récords. Quizás sea ese aspecto el que lo hace ídolo de muchos cineastas, de Spielberg a Nolan.El primer gran diferenciador fue que se investigó ciencia para el film. Y uno de esos asesores fue el joven astrofísico Carl Sagan. Hay un punto crucial de sus aportes â??paralelos al de ingenieros, diseñadores y científicos de la NASAâ?? que aparece en la película: que los extraterrestres no aparecieran, que se sugiriera la aparición de una especie de divinidad "natural", un súper ser. Según los testimonios (aquí difieren) es el que sugirió el monolito que es testigo de los diferentes estadios de la evolución humana (e incluso la causan) desde el prólogo de "El amanecer del hombre" hasta la ¿muerte? del astronauta Bowman, aunque en otros testimonios se menciona como invención del propio Clarke.Kubrick filmó con la minuciosidad de siempre. Hay algunas anécdotas que lo pintan completamente. Como tenía fobia a volar, dirigió la segunda unidad â??la que tomó los exteriores en Namibia para el prólogo prehistóricoâ?? por teléfono. En las imágenes, vio unos árboles que le parecían ideales para el set donde se rodó la acción principal, en Londres, y ordenó talara once y llevarlos a través del desierto para embarcarlos hacia Gran Bretaña, lo que costó una fortuna (tanto como la construcción del set circular que reproduce el interior de la nave espacial Discovery, y que rodaba sobre un eje como una noria gigante y vertical). Los árboles no se usaron, resultaron demasiado chicos y Kubrick mandó a esculpir los que aparecen en esa secuencia. Que incluye un leopardo adiestrado que ataca a uno de los antropoides. El animalito estaba amaestrado, pero se asustó con los trajes simiescos y atacó al doble que interpretaba a la víctima, lo que obligó a clavarle un dardo tranquilizante ante el pánico del equipo. Kubrick rodaba de cerca, pero dentro de una jaula.La minuciosidad del paisaje prehistórico se trasladó al espacial. Sobre todo porque nunca se había hecho algo similar y eso implicaba crear efectos especiales nuevos, técnicas que se volvieron innovadoras. En principio, el estilo es hiperrealista: nada de colores saturados a la manera de las historietas o las ilustraciones de las revistas pulp, nada de fantasía. Predomina el blanco limpísimo, casi esterilizado, en contraste con la negrura del espacio exterior. Las naves y vehículos tienen lógica; su movimiento (la célebre sincronización de un trasbordador con la estación orbital) y operación están registrados con rigor documental, como si realmente estuviéramos viendo una crónica de algo que está sucediendo realmente ante nuestros ojos. Algunos efectos son de un ingenio notable, como la lapicera que flota en una cabina (pegada de modo invisible a un vidrio que varios asistentes hacían girar desde fuera de campo). Otros requirieron la construcción de sets enormes: la azafata que parece desafiar la gravedad implicaba la combinación de un set semigiratorio y una cámara que también giraba, todo sincronizado con el movimiento de la actriz.Hay, sin embargo, una especie de paradoja o contradicción: el estilo de encuadre de Kubrick es casi contrario a lo que se hace en cine siempre: todas las líneas de la perspectiva convergen en un punto central. Y esta película se filmó en70 mm un formato hiperancho e hiperpanorámico, incluso en algunos cines transformados al Cinerama (es decir, con tres cámaras que básicamente cubrían casi todo el campo visual del espectador) para crear una sensación inmersiva absoluta del espectador. Pero un encuadre "central" muchas veces difumina los bordes de la pantalla. Pero aquí funciona, obliga al espectador a "mover" la vista y recorrer la pantalla, a un trabajo más activo de visualización. Eso fue innovador y moderno, aunque sí, se pierde el efecto al verse en el hogar, por muy grande que sea la pantalla.En cuanto al "viaje" psicodélico, y uno de los motivos por los cuales la película se convirtió en un éxito de taquilla en 1969 y de culto para el hippismo entonces en boga, es una hazaña tecnológica. Y el punto más brillante en la carrera de Douglas Trumbull, el hombre que básicamente cambió la forma en que vemos la ciencia ficción desde entonces, con su trabajo en La amenaza de Andrómeda, Encuentros cercanos del tercer tipo o Blade Runner, entre otras. Trumbull inventó un sistema en el que la cámara se desliza por unos rieles con un par de ranuras delante. Detrás de esas ranuras, había reels con arte abstracto, registros de gráficos por computadora y explosiones de color varias, que se "estiraban" al moverse la cámara creando el efecto de túnel. Fue algo que nunca se había visto (además de otros planos de la secuencia, virajes de color de tomas aéreas, mezclas químicas coloreadas, etcétera) y que se volvió, con la computadora asesina HAL 9000 (el nombre: las letras siguientes a IBM, que colaboró en la producción) y el monolito, iconos más allá del film.Pero sí, todo tiene un "pero". Clarke y Kubrick trabajaron juntos cuatro años. Cuando el escritor vio por primera vez la película, se fue de la sala antes de la mitad. Kubrick había eliminado diálogos y explicaciones científicas que, para Clarke, eran sustanciales. Queda muy claro si se lee la novela, donde además el final carece de todo misterio y explícitamente dice lo que, muchos años más tarde y en una entrevista telefónica realizada por el documentalista japonés Jun'ichi Yaoi para una película nunca terminada sobre experiencias paranormales, explicaría: que el astronauta Bowman es tomado, luego de traspasar el portal, por extraterrestres que lo colocan en un "habitat" como los humanos a los animales en el zoológico, para estudiarlo, y luego le otorgan el último "salto evolutivo" a una conciencia pura y superpoderosa. Para Clarke, 2001 era la historia de cómo la conciencia humana pasaba de aprender a usar herramientas (el prólogo prehistórico), luego crear herramientas que piensan (HAL) y finalmente prescindir del cuerpo físico, todo desde "la ciencia". De hecho, era también el enfoque de Carl Sagan, que lo utilizaría luego en su novela Contacto, llevada al cine por Robert Zemeckis. Pero Kubrick quería algo más metafísico, incluso algo más religioso (llegó a decir que la película se trataba de la "búsqueda de Dios"), algo que tanto el agnóstico Sagan como el materialista Clarke rechazaron. Sí, es cierto, con el tiempo hablaron "bien" del film. Pero es que queda mal decir que es bastante tedioso por momentos.Eso sí, mostró a toda una generación de cineastas que era posible hacer "la de uno" y que la tecnología estaba a punto para forzarla a cumplir con cualquier imagen. Abrió, pues, la puerta a lo que sería la ciencia ficción posterior, tanto realista (Encuentros cercanos... y recuérdese que Inteligencia Artificial era un proyecto conjunto de Spielberg y Kubrick) como fantástica. Por eso esta película explica la admiración de los directores de cine â??y de los estudiantesâ?? por el director: es un logro de la ingeniería de imágenes que cambió todo en un momento en el que tal clase de cine no existía. Las huellas de 2001 se encuentran por todos lados en la ciencia ficción y hasta en la fantasía (el "viaje" del Gandalf de Ian McKellen recién muerto en El Señor de los Anillos: las dos torres es un homenaje explícito al "trip" kubrickeano), aunque lo visionario en términos científicos es lo que quedó de la visión mucho más accesible de Arthur Clarke. Kubrick, como siempre, creó planos inolvidables, como cuadros, bellos más allá de la película. Quizás ese talento fotográfico explique su entronización. 2001, mientras tanto, sigue siendo tan fascinante y abrumadora como cuando se estrenó.

Timothée Chalamet y Selena Gomez se reúnen para una nueva película

Cada nuevo título que encabeza Timothée Chalamet, rápidamente llama la atención del público. Y algo parecido sucede con Selena Gomez, otra figura de gran convocatoria entre los espectadores. Por ese motivo es que la industria mira con mucha atención a un nuevo proyecto animado, que los tendrá a ambos como principales estrellas.En las últimas horas el estudio Ilumination (responsable de Minions y las películas de Super Mario) informó que está en marcha un largometraje titulado Not Alone, que contará con Chalamet y Gomez a cargo de las voces principales. En este film, el primero animado al que el actor le prestará su voz, la trama gira alrededor de Joe. Según la sinopsis oficial, él es un "introvertido mecánico de cohetes que vive una tranquila vida solitaria", mientras que Selena compondrá a Fran, "una brillante botánica espacial que trabaja en el desarrollo del primer cohete impulsado por plantas".Según promete la historia, "cuando Joel y Fran se unan para presentar el lanzamiento inaugural de ese cohete, habrá una chispa inmediata, aunque ninguno se los dos será demasiado hábil para el romance". Y la situación se complicará aún más, frente a la aparición de tres alienígenas, que se refugiarán en la casa de Joe, y cuya única forma de regresar a su planeta será utilizando el cohete diseñado por Fran. Esta no es la primera vez que Chalamet y Gomez actúan juntos, ya que ambos fueron protagonistas de Un día lluvioso en Nueva York, un largometraje dirigido por Woody Allen y estrenado en 2019. La fecha de lanzamiento en Estado Unidos de Not Alone está programada para el próximo 16 de abril de 2027, por lo que es muy probable que en Argentina llegue el día quince de ese mismo mes. Un guiño a la ScalonetaA comienzos de mayo, y con la fiebre del mundial a pocos días de distancia, Timothée Chalamet lució una campera retro de la selección argentina en las calles de Broadway y revolucionó las redes sociales. Las fotos y videos del momento se dieron en el marco de la asistencia del actor y su pareja, Kylie Jenner, a la función de la obra llamada The Fear of 13, celebrada por esos días.Con un look relajado y descontracturado, el actor de Marty Supreme bajó de un lujoso auto con la campera de la selección argentina que se utilizó durante el Mundial 2006. A raíz de esta ocurrencia, Chalamet, oriundo de Estados Unidos, acaparó las miradas de usuarios latinoamericanos de las redes sociales, quienes celebraron la ocurrencia de vestir esta prenda deportiva.La elección de la obra The Fear of 13 se dio por una razón especial: Kim Kardashian, hermana de Kylie, es la productora. La obra de Broadway también es producida por el argentino Diego Kolankowsky. La historia de dicha producción narra la historia de Nick Yarris, un hombre que pasó 21 años privado de su libertad por un error judicial que lo condenó a vivir tras las rejas.La producción, protagonizada por Adrien Brody y Tessa Thompson, indaga sobre la verdad del caso y expone las fallas judiciales que lo condenaron a Yarris a vivir un calvario en una cárcel de Pensilvania. Bajo este contexto, la pareja decidió presenciar la obra para darle más repercusión y fueron retratados por los fotógrafos en la vía pública.Esta aparición en conjunto se dio en la previa a la MET Gala 2026, la cual se celebró el pasado 4 de mayo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Tanto Chalamet como Jenner formaron parte de ese evento que organiza la revista de moda llamada Vogue para juntar fondos para el Costume Institute, en donde se invita a las personalidades más destacadas que deben vestirse de acuerdo a una temática especial y un código de vestimenta.

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Rescate de película: evacuaron en helicóptero a un tripulante que sufrió fracturas expuestas en alta mar

Una fractura expuesta sufrida en plena jornada de pesca, a más de 300 kilómetros de la costa patagónica, activó un complejo operativo aeronaval que permitió evacuar de urgencia a un tripulante herido en aguas del Mar Argentino. La maniobra, ejecutada por personal de la Prefectura Naval Argentina, incluyó el despliegue de un helicóptero y un avión de apoyo para rescatar al trabajador desde la cubierta de un buque pesquero que navegaba mar adentro.La emergencia se produjo a bordo del pesquero argentino "Salvador R", cuando uno de los tripulantes sufrió una fractura expuesta de tibia y peroné en su pierna derecha tras ser golpeado por un cabo durante tareas de cubierta. El accidente ocurrió mientras la embarcación se encontraba a más de 180 millas náuticas de la costa de Chubut, una distancia que dificultaba cualquier asistencia médica inmediata.Aerorescate de emergencia en el Mar ArgentinoLa situación fue reportada por el capitán del buque al Centro de Gestión de Tráfico Marítimo de Bahía Blanca, organismo que coordinó la respuesta de emergencia junto con el servicio médico de la Prefectura. A través de una radioconsulta, especialistas evaluaron el cuadro clínico del herido y brindaron instrucciones al personal embarcado para estabilizarlo mientras se organizaba el operativo de rescate.Tras analizar la gravedad de la lesión, se determinó que era indispensable una aeroevacuación urgente para garantizar una atención médica adecuada y evitar posibles complicaciones derivadas de la fractura.Para concretar el rescate, la Autoridad Marítima Nacional desplegó un helicóptero PA-41 perteneciente a la Estación Aérea Comodoro Rivadavia y un avión PA-25 de la Estación Aérea Viedma, que brindó apoyo logístico y operativo durante toda la misión.Las aeronaves debieron recorrer cientos de kilómetros sobre el mar hasta alcanzar la posición del pesquero. Una vez en el lugar, el helicóptero inició una delicada maniobra de aproximación sobre la embarcación, condicionada por el movimiento constante del buque y las condiciones propias de la navegación en mar abierto.Con precisión quirúrgica, la tripulación aérea realizó el procedimiento de izado mediante guinche y logró evacuar al trabajador accidentado desde la cubierta del pesquero. La operación demandó una coordinación permanente entre el personal embarcado y los rescatistas, que trabajaron para asegurar el traslado sin agravar las lesiones del tripulante.Con el herido ya a bordo, el helicóptero emprendió el regreso hacia tierra firme acompañado por el avión de apoyo. Ambas aeronaves se dirigieron al Aeropuerto de Trelew, donde aguardaban los servicios médicos para recibir al paciente y trasladarlo a un centro asistencial especializado.El operativo concluyó con éxito y permitió que el tripulante recibiera atención en el menor tiempo posible.Cómo es el protocolo en estos casosCuando alguien requiere la intervención de un médico en altamar, el capitán del navío se conecta por radio con la Prefectura que esté más cerca de donde esa embarcación está. En ese mismo instante se pone en contacto con un médico de la Prefectura, que es la persona que toma nota de los síntomas y evalúa si puede indicar alguna medicación o si se requiere una aeroevacuación de urgencia, como ocurrió en este caso en el que el tripulante presentaba fracturas.En ese momento comienza la coordinación desde la Dirección de Tráfico Marítimo Fluvial y Lacustre, de la que depende el servicio de aviación de Prefectura. Ellos definen el envío de un helicóptero para hacer la aeroevacuación. Coordinan con el capitán de la nave en cuestión para conocer la ubicación del buque y se envía el helicóptero desde la estación aérea de Comodoro Rivadavia o desde Mar del Plata, según dónde esté localizado el barco.En el helicóptero van nadadores de rescate; la aeronave se posiciona sobre el buque, baja una canasta sanitaria con los nadadores de rescate, ubican a la persona que está en emergencia dentro de esa canasta, la izan y una vez que está a bordo del helicóptero se le hacen las primeras atenciones médicas, ya que cuando se hacen aeroevacuaciones también viaja un médico.Al mismo tiempo se va coordinando con el aeropuerto más cercano al que el helicóptero tiene que llegar, de forma que cuando aterrice ya lo esté esperando una ambulancia para el traslado al centro asistencial más cercano o a uno específico, en función de la atención que requiera el paciente.

Mensajes de voz para Isabelle: la película romántica más vista en Netflix que está inspirada en cuatro grandes clásicos del género

Mensajes de voz para Isabelle (Voicemail for Isabelle, Estados Unidos/2026). Dirección y guion: Leah McKendrick. Edición: Ryan C. Fill, Lee Haxall. Música: Este Haim, Amanda Yamate. Elenco: Zoey Deutch, Nick Robinson, Ciara Bravo, Harry Shum Jr., Nick Offerman. Disponible en Netflix. 4 starsEn el mundo que habitan los protagonistas de Mensajes de voz para Isabelle, películas como Diario de una pasión, Tienes un email, Bajo la misma estrella y Realmente amor forman parte de su educación sentimental y los nombres de Meg Ryan, Tom Hanks, Hugh Grant y Heath Ledger significan todo lo que significan más allá de los límites de esta ficción estrenada el viernes en Netflix que ya se instaló como el largometraje más visto de la plataforma en todo el mundo.Las citas expresas, directas e indirectas a grandes personajes e historias del acervo de la comedia romántica y dramática hechas en Hollywood tal vez abrumen a algún espectador de este film que aún en su desborde logra la difícil tarea de mantener el equilibrio entre el romance, la comedia y el drama de principio a fin. Escrita y dirigida por la actriz y guionista Leah McKendrick, Mensajes de voz para Isabelle es más que la suma de sus referencias y guiños del género pero, por momentos, ese ser más puede llegar a ser demasiado. Especialmente cuando se trata de Jill, su personaje central, interpretado por Zoey Deutch (Nouvelle Vague), una actriz dotada tanto para el drama como la comedia. Aunque la sutileza no sea su fuerte en este caso resulta ideal para encarnar a la aspirante a pastelera que lleva una vida entera viviendo por partida doble. Es que Jill tiene una hermana menor, Isabelle o Izzy, que padece de fibrosis quística desde que nació y pasa el tiempo entre su habitación y el hospital. Todo lo que Izzy no puede experimentar, el primer beso, el baile de graduación, el trabajo de sus sueños o las citas más desastrosas, Jill lo atraviesa con ella, por ella. Casi como si cada tropiezo valiera la pena solo porque luego podrá reírse de él o llorarlo con su adorada hermana. Así, cuando Jill confiesa sufrir de un "severo caso de verborragia", no está exagerando. Al contrario. Jill tiene mucho que decir y la mayoría de lo que dice es para su hermana. Incluso después de la muerte de Izzy. Desesperada para mantener algún tipo de contacto con ella, la protagonista sigue marcando su número de teléfono y dejándole los mensajes de voz del título. Claro que lo que Jill no sabe es que la compañía telefónica ya asignó el número de su hermana a otro cliente, Wes (Nick Robinson), un agente inmobiliario de Austin, Texas, que los escucha primero divertido por las ocurrencias de quién los graba y luego fascinado con ella aún antes de conocerla. O buscarla en Instagram. El "meet cute", o el encuentro tierno, que es recurso fundacional de la comedia romántica en este caso corresponde a la era de las aplicaciones de citas y los mensajes directos por las redes. "Esto es como una remake retorcida de Tienes un email", le dice su mejor amigo a Wes cuando descubre que a pesar de lo que siente por ella no se anima a confesarle que lleva meses escuchando sus penas y glorias. En el comienzo de la película, el guion se concentra en sentar las bases del vínculo fraternal que es el catalizador de todo lo que vendrá después y en desarrollar las peculiaridades de Jill y su mundo en la pastelería comandada por un ridículamente exigente chef interpretado por Nick Offerman, en la que compite por su lugar en la cocina con un grupo de colegas más ridículos aún. Es en esas escenas donde el film pierde un poco el rumbo y el tono, virando hacia cierto grotesco que por suerte no ocupa demasiado tiempo en el desarrollo del relato.Una vez establecida la personalidad de la protagonista femenina, le llega el turno a Wes, que comienza como un enigma, alguien que se dice no puede o no sabe como comprometerse con sus parejas aunque no queda claro qué es lo que sucede con él. O si realmente se trata de un misterio o simplemente de que no tiene demasiado interés en profundizar los lazos que tiene. Y aunque eventualmente la película revela algo más sobre su pasado, el personaje masculino no logra tener el peso dramático del femenino. Lo que es lógico porque Jill y su personalidad ocupan todos los rincones del cuento. A pesar de esa falta de equilibrio, el vínculo entre la pareja se construye entre montajes del dúo paseando por San Francisco, compartiendo comidas y recuerdos. Más allá de los obstáculos, el gran hallazgo de Mensajes de voz para Isabelle es que el romance entre Jill y Wes es lo suficientemente dulce y creíble como para no desentonar con las historias de amor que lo inspiraron. Aunque, como sentencian los amigos de Nick, él no es Tom Hanks ni Jill es Meg Ryan. Porque nadie lo es, ni siquiera ellos.

A 25 años de "Rápido y furioso": cómo una película sobre carreras callejeras se convirtió en un fenómeno global

La primera entrega de la franquicia marcó a toda una generación con su mezcla de acción, velocidad y lealtad entre amigos. Un cuarto de siglo después, su influencia sigue vigente en la cultura popular, el cine y las comunidades de aficionados al automovilismo

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Mundial 2026: Galena, el pueblo sobre la Ruta 66 en el que se inspiró Pixar para crear la película Cars

GALENA, Kansas (enviado especial).- De Kansas City a Dallas en auto. De la primera fecha de la selección argentina en este Mundial 2026 al segundo destino, donde el lunes buscará la clasificación ante Austria en la ciudad texana. Unos 800 kilómetros que se recorren por autopistas que surcan enormes campos verdes, entre pueblos y ciudades. A dos horas de Kansas City, el camino baja casi en línea recta rumbo al sudoeste y se cruza con uno de los hitos más queridos por los estadounidenses y que se hizo universal, cuando no, gracias a las películas de Hollywood.Casi al límite con los estados de Oklahoma y Misuri, Kansas tiene unos 20 kilómetros de la Ruta 66, la icónica traza que recorre casi 4000 kilómetros desde Chicago hasta Santa Mónica, en las playas californianas sobre el océano Pacífico. La denominada carretera madre atraviesa ocho estados, entre hermosos paisajes y tramos que trasladan a los viajeros a un pasado que todavía vive en pueblos y estaciones de servicio.Galena, una pequeña localidad al sur del estado de Kansas, se transformó en un punto turístico gracias a una creación de hace tan solo dos décadas. La estación de servicio Texaco, la grúa oxidada junto al viejo camión de bomberos y el auto del sheriff son los principales atractivos de este lugar. Un clásico de dos décadasGalena es una parada obligada para los viajeros que cuando estacionan desenfundan sus celulares y se emocionan con el pueblito que parece un set de filmación.En este punto de la Ruta 66 se inspiraron los creadores de Cars, la última película animada de Pixar antes de ser comprada por Disney. Estrenada hace 20 años, recaudó casi 500 millones de dólares, tuvo dos nominaciones a los premios Oscar y marcó la última aparición de Paul Newman en la pantalla grande, como la voz de "Doc Hudson Hornet", el personaje que es el juez de Radiador Springs y excorredor que aconseja al personaje principal, el intrépido "Rayo McQueen".La réplica del viejo Hornet de azul, color de los ojos de Newman, está estacionado en una esquina de Galena, a una cuadra de la carretera 66. Allí está recreada la estación de servicio Texaco. Adentro, una tienda de souvenirs vende imanes desde 5 dólares y chapas con la inscripción Router 66 Kansas, a 15 dólares.Unos 500 metros bajando por la calle principal está recreada otra pequeña estación, que data de 1934 y que fue restaurada tras el boom que generó el estreno de Cars, que sumó dos secuelas, cortos animados y videojuegos, entre otros. En esa esquina está estacionado uno de los personajes más entrañables de la película: "Mate", inspirado en una grúa oxidada Chevrolet Task Force de los años 50. Junto al modelo de la película a escala real está un camión que, según cuentan en el pueblo, el director John Lasseter y el animador Joe Ranft, de Pixar, se basaron para crear el personaje de "Tow Mater", "Mate" en la versión latinoamericana. Siguiendo unos metros más abajo por la calle principal en la que ingresa el "Rayo McQueen" está otra réplica a escala del protagonista. Subido a un poste está el "Sheriff", el coche de policía Mercury Eight Police Cruiser modelo 1949. Junto a él, está el Fiat 500 modelo 1959, "Luigi", que atiende la tienda de neumáticos de Radiador Springs.Más allá de la habilidad de los estadounidenses para crear historias donde antes no había nada y levantar parques temáticos en desiertos o pueblos olvidados, el éxito de la franquicia de Disney generó, desde entonces, un renacer en pueblos como Galena, donde los estadounidenses volvieron a poner el ojo para sentirse parte de un pasado olvidado por las enormes autopistas que surcan este país. Como la 169, que lleva desde Kansas City, en Misuri, pasa por Kansas, cruza Oklahoma y desemboca en Texas, donde los argentinos seguirán con su sueño de asegurarse el pasaje a la ronda del Mundial 2026.

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Pánico en las playas, una partitura de dos notas y una película que figura entre las 100 mejores de la historia: así nació Tiburón

Con más de 470 millones de dólares recaudados y un estreno simultáneo en 400 salas, el filme transformó la industria cinematográfica. Sus repercusiones, sin embargo, trascendieron la taquilla: el director Steven Spielberg lamentó públicamente el impacto de la cinta sobre este depredador marino

Diez grandes películas que casi nadie vio y hay que darles una segunda oportunidad

El lector debe saber, en este diálogo semanal, que el autor de esta nota ha encontrado una nueva vocación: la cacería de películas. El tiempo y las pantallas le han demostrado que es un problema enorme separar la paja del trigo en el maremagnum de plataformas y servicios con los que se puede contar hoy en día. Lo que hay es abrumador en cantidad, pero no tanto en calidad. Sin embargo, estos acervos un poco cambiantes (los derechos de exhibición hacen que las "carteleras" cambien de tanto en tanto, a veces sin previo aviso) funcionan al mismo tiempo como cambalache de ofertas y museo. En el segundo caso, permite que reevaluemos una cantidad nada despreciable de películas que, en el momento de su estreno en salas (si es que lo tuvieron), o pasaron inadvertidas o fueron decididamente transformadas en puré de fotogramas por la crítica dizque especializada. Confesión de un crítico, dicho sea de paso: cambiamos de opinión o encontramos oro allí donde vimos barro. Pues bien, vamos aquí con otras diez películas de metales nobilísimos que despertaron la indiferencia o el insulto variado en el pasado no tan remoto.Arranquemos por un film que se acerca a la obra maestra y que requiere concentración y mirada atenta. Se llama El buen pastor (HBO Max) y es la historia del nacimiento de la CIA desde el punto de vista de uno de sus agentes más destacados, interpretado por Matt Damon. Es la segunda película â??después de Una luz en el infiernoâ?? dirigida por Robert De Niro, que interpreta un pequeño papel de mucho peso en la trama. Aunque no siempre es garantía la pluralidad de nombres, el elenco es espectacular: Damon, Alec Baldwin, Michael Gambon, Angelina Jolie, Billy Crudup, Eddye Redmayne. No es una película de espionaje a la manera de James Bond, sino algo mucho más cercano al ajedrez mortal e inescrupuloso que describió John le Carré, pero en los Estados Unidos, con sus logias universitarias, sus diferencias de clase, su patriotismo casi religioso. De hecho, hay mucho de religioso desde el título: se nota en los rituales, las tradiciones, los silencios y la voluntad invisible que rige a los personajes. No se trata de una película "de denuncia", y eso molestó mucho a la crítica cuando fue su estreno hace bastante más de una década. Nadie decía que la CIA era mala, sino que en ese sentido la película era ambigua y se concentraba en el drama personal y en el gran tema humano: trascender a través de la vocación o concentrarse en el puro devenir biológico de la especie. Ese dilema, no otro, se le presenta al personaje cuando encuentra al "traidor" en la fallida invasión a Bahía de Cochinos con la que abre la película. Se puede decir mucho más, y eso ya es un elogio.En la misma plataforma hay otra película que trata, en tono distinto, ese abismo entre la vocación profesional y la vida privada, y que es absolutamente política en una forma nada "ideologizada". Se llama Experta en crisis, fue un éxito en los EE.UU. y aquí no se estrenó en salas. La protagoniza una recién oscarizada Sandra Bullock, como una asesora de campaña política profesional, y Billy Bob Thornton como su rival. La dirigió uno de los más interesantes -y eclécticos- realizadores nacidos en el cine independiente americano, David Gordon Green (que hizo dos o tres mediocres revivals de Noche de Brujas y una muy mala continuación de El Exorcista, pero tiene en su haber joyas como George Washington y All the real girls, más buenas comedias como Pinneaple Express) y no se reduce a dos asesores tratando de ganar una elección, sino que disecciona con algo de humor y mucho ácido la campaña presidencial de Bolivia en 2002, cuando Sánchez de Lozada ganó las elecciones a un surgente entonces Evo Morales. No llevan esos nombres, de paso, pero lo que pasa está basado en la vida real, en elementos documentales muy claros. La manipulación de la información, la traición como herramienta política, la sobreactuación de los candidatos: todo es de una precisión que acerca la comedia al drama. Es una gran película que nadie vio.En cambio, Pelotas en juego (Netflix), que tampoco tuvo estreno comercial en la Argentina, creó un culto. Es una comedia cómica directa y disparatada sobre el quebrado dueño de un gimnasio a punto de ser absorbido por un inescrupuloso magnate del fitness que, para salvarse, se inscribe con un equipo de inadaptados a un campeonato de quemados. Sí, ese juego que nos obligaban a jugar en el patio del colegio durante la hora de gimnasia. El pobre tipo es Vince Vaughn, el empresario es un desaforado Ben Stiller y el elenco incluye performances extraordinarias de Christine Taylor, Justin Long, una irreconocible Missy Pyle y un cameo genial de Chuck Norris. Lo que la destaca: se ríe de todos los dramas deportivos de "perdedores que ganan" sin dejar de respetar el género y llenando cada partido de suspenso. Es de esas películas generosas que el director (Rawson Marshall Thurber, otro hijo del independiente) comparte más que impone al espectador.Lo que nos lleva a otra película del acervo de Netflix que fue complicada, por decirlo suavemente: Hillbilly, una elegía rural. Es complicada porque quizás sepan que se trata de una especie de autobiografía del actual vicepresidente estadounidense J.D. Vance, que escribió el libro original narrando a su propia familia. La fábula es la del hijo de una familia demasiado tradicional, poco letrada y atada a la tierra, que vuelve para ayudar a resolver una crisis familiar. Un personaje que pasa del repudio a aquel mundo a la comprensión de sus valores. Esa idea "conservadora" es la que hizo que muchos en los EE.UU. destrozaran al que es, probablemente, uno de los mejores dramas que subió la plataforma. Dirigido por el veterano Ron Howard (Apolo 13, Cinderella Man) y protagonizado sobre todo por perfectas Amy Adams y Glenn Close (que no satirizan nunca sus personajes, sino que los tratan con comprensión y amor) es al mismo tiempo una declaración de amor por ciertos valores y una ventana a un mundo que, incluso para ser criticado, requiere ser comprendido.Sin embargo, Hillbilly... no fue tan maltratada como uno de los casos de miopía crítica más increíbles de la historia. A fines de los años setenta, Joe Dante -con guión del gran John Sayles, nunca lo olvidemos- logró una especie de parodia-homenaje a Tiburón para Roger Corman con el nombre de Piraña (si quieren recordarla, en Prime Video). Pero en 1981, por un contrato que Corman tenía con unos productores italianos, mandó a uno de sus más capaces diseñadores de producción a dirigir rápidamente una secuela con peces voladores mutados por la radiactividad. El tipo venía de hacer las naves del film de culto Batalla más allá de las galaxias (versión "Star Wars Clase B" de Los siete samuráis) y se llevó a su novia, la diseñadora de producción de esa película, para que le diera una mano. El muchacho se llama James Cameron, la chica, Gale-Anne Hurd, y la película Piraña 2: el regreso estuvo muchísimo tiempo sin ser vista. Destrozada por la crítica al mismo tiempo que Cameron lograba juntar dinero para hacer Terminator (se estrenaron ambas con un año de diferencia, 1983 y 1984) es, sin embargo, una gran y súper "cameroniana" película. La bióloga marina que protagoniza el film es independiente, tiene una vida propia, hace cacería submarina, tiene que enfrentarse a un tipo de una corporación y combate el mal como Sarah Connor, Anne Ripley o Neytiri. Todos los temas de Cameron -la mujer fuerte, las empresas malvadas, el respeto por la naturaleza, la confrontación directa cuando es necesario, la fascinación por el agua- están en esta película que sólo es "menos buena" porque no tenían un peso: tiraban pirañas de gomaespuma ante la cámara para que pareciese que volaban, se rompían, pasaban la noche volviéndolas a coser, y a filmar desde temprano al otro día. Aún así, se nota una mano autoral. Completistas del director: aquí tienen su chance.Y en la misma plataforma hay una película (adivinaron: no estrenada en cines aquí) de uno de esos directores que tienen una obra consecuente, pero a los que nadie dice "autores": Dennis Dugan. Exactor (trabajó en -todos de pie- Moonlighting con Cybill Shepperd y Bruce Willis) y cómplice tras la cámara de varias de las mejores películas de Adam Sandler, dirigió Tan perversa como el Diablo con un elenco que hoy sería imposible: Steve Zahn, Jason Biggs, un surgente Jack Black y Amanda Pett. De hecho, no sólo el elenco no podría juntarse hoy: la premisa de la película es, en tiempos de corrección política exacerbada, infilmable. Un joven (Biggs) encuentra a una chica hermosa con la que va a casarse (Pett), pero eso implica dejar la banda de rock que armó con sus amigos (Zahn y Black). La chica, de hecho, es básicamente un monstruo, y los amigos deciden secuestrarla para "salvar" al inocente muchacho. Inspirada en ese gran cuento de O'Henry El rescate del gran jefe rojo donde los criminales quedan a merced de la "víctima", es un crescendo cómico que pasa del humor negro a la comedia romántica un poco perversa (hay una parejita que se enamora a los bifes, por ejemplo) con un nervio y una simpatía que contradicen casi la premisa. El final es feliz y musical (no es spoiler) y siempre es bueno ver una película sin ninguna vergüenza.La plataforma que quizás más cantidad de joyas alternativas tiene â??porque es su especialidad curatorial, ademásâ?? es Mubi. Pero incluso allí es posible encontrar películas pésimamente vistas y peor recibidas. Y entre ellas hay títulos sorprendentes, por ejemplo, Twin Peaks: Fuego camina conmigo, de David Lynch, y Melancholia, de Lars von Trier. La primera se presentó en Cannes luego de la primera temporada de la serie (toda también en la plataforma: no dejen de ver por nada del mundo el episodio 8 de la temporada 3, una joya surrealista mayor) y se dijo que era pura explotación, un chiste de Lynch, apenas un aprovechamiento de marca. Y no lo es: cuenta las últimas horas de Laura Palmer y lo hace con una estructura onírica que pasa de lo surreal a lo cómico, de lo cómico a la violencia, de la violencia al terror absoluto, casi metafísico, a veces todo en la misma secuencia. Los últimos 20 minutos son para corazones fuertes. Melancholia es, por su parte, un melodrama familiar con excusa de ciencia ficción: una joven está a punto de casarse mientras un planeta llamado Melancholia viene en curso de colisión contra la Tierra, y sabemos (en el film) que sólo existe la vida en este pedazo de roca. Quizás sea la única película existencialista que se ha filmado, dado que se pregunta qué sentido tiene que vivamos ante el silencio del Universo, mientras la catástrofe se espeja en las complejas relaciones de una familia sumida en la angustia por otros motivos. Bella, por momentos muy tensa, y con dos trabajos monumentales de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. Aquí no la vimos porque el distribuidor que la compró, cuando Von Trier hizo un mal chiste sobre Hitler y se desató un escándalo que expulsó al director de Cannes, decidió que era un crimen que la viéramos. No, Melancholia no tiene nada que ver con los nazis.Puede el lector hacer un ejercicio: ver en el sitio agregador de críticas Rotten Tomatoes las reseñas de Cálmate, dulce Carlota (Hush, hush, sweet Charlotte, Disney+) de Robert Aldrich. Encontrará un gran promedio de 84% de positivas. Pero la mayoría de las que la consideran una gran película son recientes (¡ah, el prestigio de "lo clásico"!) mientras que las pocas contemporáneas al estreno (1964) la trataban como una película de explotación más, puro susto. Fue la sucesora de ¿Qué pasó con Baby Jane? y propuesta también para el tándem Bette Davis-Joan Crawford. Pero no sucedió porque la Crawford dijo "no" (después de las peleas en aquel rodaje, casi que era lógico que alguna cediera). Su lugar lo tuvo Olivia de Havilland y el film es una historia de horror: una mujer, la noche de su boda, aparece con su vestido ensangrentado tras descubrir que su novio fue decapitado. Muchos años más tarde, por otro motivo, debe aliarse con su vecina para sostener su casa, pero empiezan a aparecer visiones perturbadoras de aquel crimen. Es en realidad una película sobre el límite del melodrama, tiene una actuación sublime de la gran Agnes Moorehead, a un gran Joseph Cotten y además de asustar, genera un clima de malestar psicológico que solo algunas películas logran hoy (la gran Obsesión, por ejemplo, pero es excepcional). También, metafóricamente, es otro retrato de la "América que no fue", la de las tradiciones del Sur, como Un tranvía llamado Deseo.Y cerremos con uno de los mayores desastres comerciales de la historia del cine, 13 guerreros (Disney+), protagonizada por Antonio Banderas. Al principio, todo parecía perfecto: historia a cargo de Michael Crichton, dirección del creador de Duro de matar y Depredador John McTiernan, protagónico del entonces más que ascendente actor español, que interpretaba a un cronista árabe que, por razones casi cabalísticas, termina en una aldea vikinga enfrentándose a una amenaza al parecer sobrenatural, seres que se comían a los muertos (el título original fue Eaters of the Dead). Lo que hizo McTiernan no le gustó al estudio: lo echaron y llamaron al propio Crichton para que remontase, refilmase y cambiara el final. El costo se fue a las nubes. Nadie sabía bien cómo venderla y por eso el público no sabía de qué se trataba. Pero en realidad es una excelente película de aventuras que tiene como tema el modo en que se crea una leyenda. El momento en el que el árabe "comprende" cómo hablan los vikingos es una maravilla de detalle cinematográfico; las incursiones del "dragón" son tensas y terroríficas; la descripción de la vida de esos hombres, aunque con algunas licencias históricas, bastante acertadas. Y el modo en el que el cronista crea un cuento maravilloso de una situación social espeja lo que la dirección hace en la película. De hecho, aunque perdió cientos de millones, con el tiempo ha sido revalorizada y colocada en el lugar que le corresponde como un perfecto ejemplo de aventura histórica clásica. Como ve, sigue habiendo mucho oro que minar entre las rocas de las plataformas.

Las ocho mejores películas para disfrutar este Día del Padre

Llega el Día del Padre y, más allá de los regalos tradicionales, el mejor plan siempre es compartir tiempo juntos. El cine tiene la capacidad única de reflejar los vínculos humanos en todas sus formas: desde los papás protectores y heroicos hasta los que enseñan a fuerza de errores, risas y abrazos. Por eso, preparamos una selección con las mejores películas para armar una maratón en el sillón, viajar por distintas emociones y, por qué no, terminar el día compartiendo una charla de esas que no se olvidan. Las ocho mejores películas para disfrutar en el Día del Padre1. El padre de la novia (1991)George Banks, un hombre maduro pero de espíritu joven, no termina de aceptar que su hija de 22 años, para él todavía una niña, se va a casar. Aunque todos creen que el novio es un chico estupendo, precisamente esto lo convierte en enemigo de su futuro suegro, que tiene miedo a perder a su hija para siempre. A eso habría que añadir el disparatado coste de la boda. Duración: 1 h 45 min. El padre de la novia está disponible en Prime Video.2. El rey león (1994)El joven Simba, hijo del rey Mufasa, debe luchar contra su malvado tío Scar para ocupar el trono que dejó su padre asesinado. Duración: 1 h 29 min. El rey león está disponible en Disney+.3. Un papá genial (1999)Sonny Koufax es un abogado treintañero al que nunca le gustó asumir las responsabilidades de su condición de adulto. Sin embargo, a medida que sus antiguos compañeros se van casando, Sonny se da cuenta de que si no hace algo pronto, podría quedarse solo para el resto de su vida. Después de que su última novia lo abandone por su inmadurez, decide hacer algo drástico que cambie su vida: adoptar a Julian, un niño de cinco años. Duración: 1 h 35 min. Un papá genial está disponible en HBO Max.4. Yo soy Sam (2001)Un padre que padece una discapacidad mental debe luchar para ganar de nuevo la custodia de su querida hija. Duración: 2 h 12 min. Yo soy Sam está disponible en Prime Video.Yo soy Sam - Trailer - Fuente: YouTube5. Buscando a Nemo (2003)Marlín, un pez payaso, siempre intentó proteger a su hijo de todos los peligros. Sin embargo, un buzo atrapa al pequeño, y ahora el padre deberá embarcarse en una increíble aventura por las aguas australianas para encontrarlo. Duración: 1 h 40 min. Buscando a Nemo está disponible en Disney+.6. En busca de la felicidad (2006)Un padre y su pequeño hijo enfrentan muchas dificultades mientras viven en la calle y buscan la felicidad. Duración: 1 h 57 min. En busca de la felicidad está disponible en HBO Max.7. Entrenando a papá (2007)Joe, una estrella de fútbol americano que disfruta de una vida perfecta, descubre que tiene una hija. Ahora, Joe debe aprender a equilibrar su carrera profesional, su vida personal y las responsabilidades que conlleva la paternidad. Duración: 1 h 52 min. Entrenando a papá está disponible en Disney+.Entrenando a papá, tráiler8. Mañana empieza todo (2016)Samuel vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a Londres para tratar de encontrarla, pero no tiene éxito. Duración: 1 h 58 min. Mañana empieza todo está disponible en Prime Video.

Preparan película de Juan Gabriel, dirigida por el cineasta de "La Oficina"

Tras conquistar series y documentales, El Divo de Juárez llegará a la gran pantalla

Qué ver en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar este fin de semana del 20 y 21 de junio

Ya llega el fin de semana y, con las bajas temperaturas que azotan a gran parte del país, el plan que se posiciona como el mejor es quedarse en casa, seguir esa serie o película que dejamos en pausa o, por qué no, sumergirse en la aventura de darle play a algún que otro estreno. A raíz de esto, Netflix ya tiene listo el ranking de las producciones más vistas por los suscriptores de Argentina para que elegir qué ver no se convierta en un dolor de cabeza.Las cinco mejores series para ver este fin de semana en Netflix 1. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.2. Perdiendo el juicio (2026)Drama/Policial. Amanda, una prestigiosa abogada, sufre un grave estallido de su TOC durante un importante juicio. A partir de ese momento, su carrera cae en picado y se verá obligada a aceptar una oferta de trabajo en un decadente despacho de abogados. Duración: diez episodios. Ver Perdiendo el juicio.3. Rosario Tijeras 5 (2026) Drama/Acción. La nueva entrega sigue a la célebre guerrera y a El Ángel mientras intentan dejar atrás la violencia para reconstruir sus vidas, algo frustrado por el crimen organizado. El eje de la historia es el drástico cambio de su hija, Ruby, quien entrena como asesina del bando enemigo, obligando a Rosario a enfrentarse a ella. Duración: 38 episodios. Ver Rosario Tijeras 5.4. Así aprenderás (2026)Comedia/Drama. Unos inspectores insólitos entran en escena en los colegios, con lecciones duras de las que no aparecen en los libros de texto, para terminar con las reiteradas faltas de respeto. Duración: 10 episodios. Ver Así aprenderás.5. Las brujas de Mayfair, temporada 1 (2023)Terror/Suspenso. Rowan Fielding, una joven neurocirujana, descubre que ella es la heredera de una familia de brujas. Mientras lucha con sus nuevos poderes, debe lidiar con una presencia siniestra que persiguió a su familia durante generaciones. Duración: ocho episodios. Ver Las brujas de Mayfair, temporada 1.Las cinco mejores películas para ver este fin de semana en Netflix 1. La asesina (2024)Acción/Suspenso. La misión de Zee es matar a una joven ciega en un club nocturno de París, pero al negarse, se sumerge en una peligrosa conspiración criminal. Duración: 2 h 6 min. Ver La asesina.2. Instinto maternal (2026)Documental/True Crime. La policía detiene a una mujer que acaba de dar a luz, pero ni el bebé ni la sangre son suyos. Este documental sobre un crimen real desentraña mentiras muy retorcidas. Duración: 1 h 36 min. Ver Instinto maternal.3. Los colores del mal: Negro (2026)Thriller/Drama. Cuando un chico desaparece en un pequeño y tranquilo pueblo, un fiscal que acaba de ser reasignado empieza a descubrir vínculos inesperados. Duración: 1 h 50 min. Ver Los colores del mal: Negro.4. Reyes de la calle (2008)Acción/Crimen. Tom Ludlow, un veterano policía de Los Ángeles y recientemente viudo, se empieza a cuestionar la integridad moral y la lealtad de las personas que lo rodean después de que unas pruebas lo impliquen en el asesinato de un compañero. Duración: 1 h 49 min. Ver Reyes de la calle.5. Turbo (2013)Deportes/Aventura. Turbo es un caracol de jardín con un sueño imposible: convertirse en el caracol más rápido del mundo. Cuando un extraño accidente le da el poder de la super velocidad, Turbo intentará cumplir su sueño: ganar las 500 millas de Indianápolis. Duración: 1 h 36 m. Ver Turbo.

La película de terror "Obsession" recauda 286,5 millones de dólares y rompe récord histórico de taquilla en festivales

El fenómeno comercial surgido en el circuito de cine independiente ha superado todas las previsiones iniciales y redefine el valor de las adquisiciones en eventos internacionales

La película "Spider-Man: Brand New Day" rompe récord de preventa y logra el mejor debut en cinco años

La nueva entrega protagonizada por Tom Holland encabezó las ventas anticipadas en Estados Unidos y superó a todos los estrenos de 2026

Hugo Sánchez escapa de la prensa tras preguntas sobre la película 'México 86â?² en el aeropuerto de la CDMX

El exfutbolista ha mostrado de forma contundente su opinión del filme

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Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

"La Odisea" rompe otro récord: es la película para mayores de 18 más cara de la historia

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El Mundial también se juega en el cine: tres películas que cuentan al fútbol desde otro lugar

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"Gladiator II fracasó porque no entendió por qué la película original tuvo éxito", aseguró Russell Crowe

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Adorni, la foto y la película

Quizá compartamos el hartazgo por el caso Adorni, y más que por el caso, por la persona; y más que por la persona, por escuchar todo el día hablar de él y del caso. Pero después de la entrevista donde explicó que él fue un pobre millonario (como cantaba Charly en Cinema Verité) y de paso un evasor, a mí me cambió la mirada sobre el tema. Adorni se merece una película, una biopic, un libro, algo con un tratamiento artístico. El tipo sin un mango que vende autos, que después se reinventa "periodista", y que al final entra a la Casa de Gobierno para denostarnos, humillarnos, culparnos, reírse de nosotros y de la gente que queremos. El tipo que se dedica a sobrar y psicopatear a los periodistas que convoca a sus conferencias de prensa, que golpea a los más débiles de la sociedad para quitarles el pan mientras los acusa de delincuentes y se llena los bolsillos, el que abre la boca nada más que para mentir. El tipo se siente Nerón o algo así, y la soberbia le hace creer que es tan poderoso e impune como los verdaderamente poderosos a los que les sirve banquetes de negocios sucios.

Con motivo del estreno de Toy Story 5: cinco películas de animación que conquistaron a todos y están en streaming

A siete años del estreno de la última película de la saga, Toy Story 5 desembarcó en los cines este miércoles. En esta nueva entrega de Disney y Pixar, Woody, Buzz y el resto de la pandilla enfrentan un desafío muy moderno: competir por la atención de Bonnie contra Lilypad, una nueva tableta que se apodera de su tiempo. La noticia revolucionó a los fanáticos, quienes ya pasaron por el cine o tienen su entrada en mano.Si ya la viste y te quedaste con ganas de más, te traemos las cinco películas de animación que conquistaron a todos y están disponibles para disfrutar en streaming:1. Up: una aventura de altura (2009)Carl Fredricksen es un vendedor de globos de 78 años de edad dispuesto a cumplir su sueño: atar miles de globos a su casa y volar a Sudamérica. Sin embargo, descubre demasiado tarde a un joven e inesperado polizón. Lo que en principio será recelo, acabará por tornarse simpatía hacia el muchacho mientras juntos pasan fascinantes aventuras en exóticos lugares. Duración: 1 h 36 min. Up: una aventura de altura está disponible en Disney+.2. Coco (2017)Miguel es un niño que sueña con ser músico, pero su familia se lo prohíbe porque su tatarabuelo, músico, los abandonó, y quieren obligarlo a ser zapatero, como todos los miembros de la familia. Por accidente, el pequeño entra en la Tierra de los Muertos, de donde solo podrá salir si un familiar difunto le concede su bendición, pero su tatarabuela se niega a dejarlo volver con los vivos si no promete que no será músico. Debido a eso, Miguel escapa de ella y empieza a buscar a su tatarabuelo. Duración: 1 h 45 min. Coco está disponible en Disney+.COCO - Trailer3. Intensa-Mente (2015)Las cinco emociones que conviven en el interior de una niña llamada Riley, alegría, miedo, desagrado, ira y tristeza, compiten por tomar el control de sus acciones cuando la pequeña se traslada, junto a su familia, a vivir a San Francisco. La adaptación a una nueva ciudad, una nueva escuela y unos nuevos compañeros no será sencilla para Riley. Duración: 1 h 35 min. Intensa-Mente está disponible en Disney+.4. Madagascar (2005)Alex, el león, es el rey de la selva urbana: es la atracción estelar del zoo neoyorquino de Central Park. Como sus mejores amigos, Marty la cebra, Melman la jirafa y Gloria la hipopótamo, Alex pasó toda su vida bien alimentado y en una jaula con excelentes vistas al parque. No contento con su vida, se deja llevar por la curiosidad y, con ayuda de unos prodigiosos pingüinos, escapa del zoo para conocer mundo, con la intención de volver antes de que se haga de día. Alex, Melman y Gloria descubren su fuga y deciden salir en su busca antes de que alguien se dé cuenta de su desaparición. Los tres amigos consiguen encontrar a Marty en la estación Central, pero antes de que puedan volver al zoo, los capturan y los embarcan con rumbo a África. Los pingüinos sabotean el crucero y los cuatro amigos aparecen en una playa de la exótica isla de Madagascar. Estos nativos de Nueva York deben aprender a sobrevivir en estado silvestre; es entonces cuando comprenden el sentido de la expresión "el mundo de ahí fuera es una jungla". Duración: 1 h 26 min. Madagascar está disponible en Prime Video y Netflix.5. El espantatiburones (2004)Óscar, un pequeño pez con sueños de grandeza que se gana la vida limpiando lenguas de ballenas, se convierte en héroe de su ciudad luego de que todos crean accidentalmente que se enfrentó y derrotó a un tiburón de la mafia. A medida que la mentira sale de control, Óscar hará equipo con Lenny, un tímido tiburón vegetariano, para así mantener su nueva imagen heroica. Duración: 1 h 30. El espantatiburones está disponible en HBO Max Prime Video y Netflix.

Toy Story 5: la película que invita a reflexionar sobre cómo la tecnología puede matar a la creatividad

El nuevo largometraje de la icónica saga se centra en el reemplazo de los juguetes por el mundo digital. Leer más

El día de la revelación logra el mayor debut de una película original de Steven Spielberg

El filme marca el regreso de Steven Spielberg a la ciencia ficción y a los temas de vida extraterrestre en cines

Muestras, libro, película y hasta un videojuego: se conmemora el 205° aniversario del paso a la inmortalidad de Martín Miguel de Güemes

Con actos oficiales que comenzaron ayer a la noche en el Monumento al General Martín Miguel de Güemes en la capital salteña -la tradicional Guardia Bajo las Estrellas con fogones y guitarras, la entonación del Himno Nacional Argentino y del Himno al General Güemes, el toque de silencio y el relevo de la guardia de honor-, hoy las actividades en conmemoración por el 205° aniversario de la muerte de Güemes continúan a partir de las 9 en el Panteón de las Glorias del Norte de la Catedral Basílica de Salta (España 558). Güemes murió el 17 de junio de 1821, a los 36 años.Autoridades provinciales se trasladarán luego al Monumento a Güemes para la presentación y revista de tropas, el izamiento de los pabellones nacional y provincial, la colocación de ofrendas florales, la entronización de la imagen de la Virgen Peregrina y del pretal del general Güemes, la interpretación de los himnos patrios y una invocación religiosa. Las actividades serán transmitidas por las redes sociales del gobierno de la provincia de Salta.Hasta finales de junio, se hará en dos turnos el cambio de Guardia de Honor del Ejército de los Infernales desde el Cabildo Histórico de Salta (Caseros 549) hacia donde se encuentran los restos del general Güemes, en el Panteón de las Glorias del Norte en la Catedral de Salta, a cargo del Regimiento de Caballería y Exploración de Montaña 5 Gral. Güemes del Ejército Argentino.Hoy, a las 11, en el Museo Histórico del Norte -con sede en el Cabildo salteño y a cargo del arquitecto Mario Lazarovich- se hará una visita guiada especial por la colección del Museo, donde la licenciada Nelva Cabezas compartirá aspectos fundamentales de la vida y trayectoria de Güemes, su papel estratégico en la Guerra de la Independencia y el protagonismo de las milicias gauchas en la defensa de la frontera norte. Además, se revisarán algunos de los episodios, personajes y desafíos que marcaron su lucha por la emancipación americana. Hasta el 28, además, se exhibe la muesta Emboscada, que toma como disparador la obra Gaucho de Güemes, de Antonio Estruch Bros.Hasta el viernes, de 11 a 13 y de 16 a 17, también en el Museo Histórico del Norte se hará la actividad "Güemes en tu remera", con impresiones con stencil de remeras, pósteres y estampas de la figura de Güemes para llevarse de recuerdo. En las salas Manuel Belgrano y Martín Miguel de Güemes del museo salteño se propone un recorrido para conocer, comprender y reflexionar sobre las trayectorias, acciones y herencia histórica de dos figuras fundamentales de la Independencia argentina: Belgrano y Güemes. A través de objetos que pertenecieron a ambos héroes, junto con obras pictóricas y recursos interpretativos, se pueden conocer momentos clave de la historia regional y nacional.Una novedad editorial, un videojuego y un clásicoLa editorial Chirimbote acaba de lanzar Martín Miguel de Güemes, el héroe gaucho de la Independencia para chicas y chicos ($ 14.000), escrito por Nadia Fink e ilustrado por Pitu Saá, que acerca a la figura histórica a los lectores jóvenes interesados en la historia argentina. "Es importante volver a revisar cómo se fue construyendo nuestra patria, cómo se contó la historia -dice Fink-. Güemes es uno de los héroes menos reconocidos, y estuvo al nivel de San Martín y de Belgrano en la forma en que pensaron una Patria Grande"."Además de sus hazañas militares, es interesante resaltar su rol político como líder popular y su relación con la figura del gaucho, a quien incluyó como sujeto político", agrega Saá. El libro les llevó más de un año de trabajo: buscaron fuentes, fueron a bibliotecas y museos, conversaron con especialistas, chequearon datos y volvieron "a la carga una y otra vez sobre cada escena y cada palabra", dicen. El equipo integrado por los estudiantes universitarios Lucas Bruni, Juan Sánchez, Santiago Segura y Salvador Sturla presentó el demo del videojuego de acción en 2D Zupay: Sombras de la Independencia que tiene como protagonista a un exintegrante de Los Infernales, la milicia de gauchos de Güemes. Después de la muerte de su general, el "infernal" es poseído por un demonio (Zupay) que lo ayuda a combatir el avance realista desde el Alto Perú. El juego -desarrollado por el estudio Abstract Tales- fue seleccionado para la mentoría Mi Primer Videojuego Profesional de la Asociación de Desarrolladores de Videojuegos Argentinos. Los creadores buscan financiamiento para completarlo.Este jueves, a las 17, en el Instituto Nacional Juan Manuel de Rosas (Montevideo 641) se proyectará con entrada libre y gratuita el clásico del cine histórico Güemes, la tierra en armas (1971), de Leopoldo Torre Nilsson, protagonizada por Alfredo Alcón y Norma Aleandro. El guion estuvo a cargo de Torre Nilsson, Ulyses Petit de Murat, Luis Pico Estrada y Beatriz Guido, y la música es de Ariel Ramírez.

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Toy Story 5 devuelve la magia, el encanto, el humor y la ternura que contienen todas las películas de Pixar y Disney

Los juguetes se enfrentan a la tecnología en la quinta película con Woody, Buzz y Jessie, que cada vez es más protagonista.¿Hay escenas postcréditos? La aparición de Bad Bunny.

Lo que los padres necesitan saber sobre Toy Story 5, quiénes son los nuevos personajes y cuál es el mensaje más valioso de la película

"Los juguetes en realidad no envejecen, pero el mundo sí", dijo el director de la nueva entrega de Disney y Pixar.Qué preguntas surgen de la nueva historia con Woody y Buzz Lightyear.Quién es quién en el mundo de los juguetes de Bonnie, y cuándo se estrena.

El futuro de Top Gun: Tom Cruise vuelve y la saga prepara grandes sorpresas para su tercera película

Paramount desarrolla el guion de la nueva entrega, con la confirmación del regreso de su protagonista y la posible incorporación de desafíos tecnológicos y nuevas dinámicas entre los personajes más destacados del universo creado en 1986

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George Miller planea reinventar 'Mad Max' fuera de Warner con última película y serie de TV

Tras el declive en taquilla de 'Furiosa', George Miller apuesta por despedirse de 'Mad Max' a lo grande

Netflix eliminará de su catálogo una de las películas más exitosas de Ricardo Darín y Luis Brandoni

Como Netflix nos alegra cada semana con múltiples estrenos en la plataforma, también nos genera nostalgia cuando, por cuestiones de licencia y contratos, elimina alguna que otra producción de su catálogo; y este es el caso de La odisea de los giles, la aclamada película argentina protagonizada por Ricardo Darín y Luis Brandoni dejará el gigante del streaming el próximo 30 de junio. En ese sentido es que la noticia sorprendió a quienes no vieron la cinta de 2019, una de las clásicas y modernas producciones del cine argentino, considerada por muchos como referente de las películas sobre atracos y venganza popular. Basada en la novela La noche de la usina de Eduardo Sacheri, la cinta dirigida por Sebastián Borensztein sigue durante casi dos horas a un grupo de vecinos de un pueblo agrícola, liderados por Fermín Perlassi, que decide reunir los ahorros de toda su vida para comprar unos silos abandonados, refundar una cooperativa agrícola y reactivar la economía de su pueblo.Sin embargo, justo el día después de depositar los $158.000 dólares en el banco, el gobierno implementa el famoso "Corralito" (la restricción para retirar dinero en efectivo). Como si esto fuera poco, el gerente del banco y un abogado inescrupuloso los engañan, quedándose con todos sus dólares antes de que el sistema colapse.Al descubrir que fueron estafados y que el abogado esconde el dinero en una bóveda subterránea en medio del campo, los vecinos se cansan de ser los "giles" y deciden hacer justicia por mano propia. A partir de ahí, el grupo organiza un plan maestro, delirante y muy casero para robarle al ladrón y recuperar lo que les pertenece."Provincia de Buenos Aires, fines del 2001. Un grupo de amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una vieja cooperativa agrícola. Al poco tiempo, descubren que sus ahorros se perdieron por una estafa realizada por un inescrupuloso abogado y un gerente de banco que contaban con información de lo que se iba a desencadenar en el país. Al enterarse de lo sucedido, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece", dice la sinopsis oficial que invita a darle play durante estas dos últimas semanas. "Divertida, dramática y social historia. Un guion bien armado y unos actores que se ajustan con mucho talento a sus personajes. Todo está tratado en un tono amable y a la vez malicioso"; "Borensztein combina dosis de humor costumbrista y sátira social para obtener una película perfectamente entretenida, y absolutamente formularia" y "Cuenta con un deslumbrante guion repleto de comicidad que mantiene el pulso en los momentos de mayor dramatismo, sin abandonar el tono gamberro y cínico del inicio", son algunos de los comentarios que críticos dejaron en el sitio web FilmAffinity.Quién es quién en La odisea de los gilesRicardo Darín como Fermín Perlassi, el líder del grupo y exjugador de fútbol.Luis Brandoni como Antonio Fontana, un mecánico anarquista y amigo de Fermín.Chino Darín como Rodrigo Perlassi, el hijo de Fermín.Verónica Llinás como Lidia Perlassi, la esposa de Fermín.Daniel Aráoz como Belaúnde, un empresario de transportes bastante temperamental.Carlos Belloso como Medina, un vecino del pueblo algo particular y de pocas luces.Marco Antonio Caponi como Hernán, un exfutbolista que ayuda en el plan.Rita Cortese como Carmen Lorgio, una empresaria local con mucho carácter.Andrés Parra como Fortunato Manzi, el abogado corrupto y villano de la historia.

Google lanzó un juego oculto de Toy Story para celebrar el estreno de la nueva película

La nueva película llegará a los cines 31 años después del estreno original y pondrá a los juguetes frente al avance de las pantallas en la vida de los niños. El minijuego oculto permite interactuar con una máquina de garra inspirada en los personajes más recordados de la película.

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Stranger Things: los creadores de la serie preparan una misteriosa película para cines en 2028

Matt y Ross Duffer van por más.Dejaron Netflix y firmaron un acuerdo con Paramount por cuatro años.

Félix Viscarret ('Patria') dirigirá una película sobre el asesinato de Miguel Ángel Blanco

Anya Taylor-Joy se une a la nueva película de El señor de los anillos

Diciembre del 2027 es el mes elegido para el estreno de El señor de los anillos: The Hunt for Gollum, la nueva película ambientada en el universo basado en la obra literaria de J. R. R. Tolkien. Dicho film se perfila como uno de los tanques más importantes del próximo año, y las expectativas son elevadas. Y en las últimas horas, se confirmó un nuevo nombre que se sumará al proyecto, y también cuál será el rol que esa figura llevará a cabo. Según reveló la producción del largometraje, la actriz Anya Taylor-Joy se incorpora a The Hunt for Gollum. Al parecer la intérprete compondrá a Seren, una elfa gris del Reino del bosque, y guerrera de confianza del Rey Thranduil. En la trilogía original de El señor de los anillos, las actrices más importantes en personificar a elfas fueron Cate Blanchett, que compuso a Galadriel, y Liv Taylor, que interpretó a Arwen. El señor de los anillos: The Hunt for Gollum será dirigida y protagonizada por Andy Serkis, el mismo actor que le dio vida a Gollum en la trilogía original. En esta nueva aventura, la acción transcurre entre las sagas de El Hobbit y de El señor de los anillos, y narra la cacería que llevan adelante Gandalf y Aragorn, con el objetivo de encontrar al mencionado Gollum, para descubrir qué secretos esconde el anillo único que está en poder de Bilbo. En este largometraje, Ian McKellen regresará para darle vida a Gandalf, mientras que el rol de Aragorn quedará en manos de Jamie Dornan. Kate Winslet, Leo Woodwall y Lee Pace también formarán parte del elenco, mientras que la gran noticia que entusiasmó a los fans, fue la vuelta de Elijah Wood como Frodo. Por otra parte, Peter Jackson, director y guionista de la trilogía original, junto a Phillipa Boyens y Fran Walsh (también guionistas de esas películas) estarán a cargo de la producción de este esperado largometraje.Anya Taylor-Joy, hincha de ArgentinaOficialmente, el Mundial 2026 ya está en marcha. Durante la noche del viernes 12 de junio se realizó la tercera y última ceremonia inaugural en el SoFi Stadium de la ciudad de Los Ángeles, California, seguido por el debut de los Estados Unidos, que goleó 4 a 1 a Paraguay. El partido contó con la presencia de varias celebridades: desde Leonardo DiCaprio, Tom Cruise y Sofía Vergara hasta Katy Perry â??quien formó parte del show de aperturaâ??, Justin Bieber y Owen Wilson, entre otras. Pero, sin duda, la que se robó toda la atención fue Anya Taylor-Joy. La actriz estuvo en uno de los palcos junto a su marido, el músico Malcolm McRae, y se lució con un outfit que emocionó a los fanáticos argentinos.En las redes se viralizó un video en el que se pudo ver a la protagonista de Gambito de dama charlar animadamente con su esposo en una de las ubicaciones VIP mientras compartían una bebida. La actriz se mostró sonriente y alegre y los fanáticos a su alrededor no tardaron en reconocerla. Pero lo que más sorprendió fue su outfit: lució un top de un solo hombro celeste y blanco con el escudo de la Asociación del Fútbol Argentino (AFA). Su esposo también tenía una remera de manga corta con la palabra "Argentina" estampada en el frente. En lugar de una simple indirecta al país en el que vivió durante su infancia, la actriz decidió demostrarle todo su apoyo y revolucionó las redes. "Amo que Anya Taylor-Joy fue a ver el partido de Estados Unidos y Paraguay con la camiseta de la Argentina. Ella dijo: 'Viva el mate, el dulce de leche y el asado'"; "Me encanta que nunca se olvide de Argentina" y "La tipaza Anya Taylor-Joy cayó al partido de Estados Unidos - Paraguay con la casaca argentina. Otra coronación de gloria", fueron algunos de los comentarios que se pudieron leer en X.Cabe mencionar que Taylor-Joy nació en Miami, Florida, pero a los dos meses de vida se mudó a la Argentina, tierra natal de su padre, Dennis Alan Taylor. Hasta los seis años vivió en Buenos Aires y, de hecho, sus primeras palabras fueron en español. Aunque tras la crisis del 2001 la familia se mudó a Londres, ella siempre consideró a la Argentina como su hogar. Además de realizar varias visitas durante el año, aseguró que le gustaría en algún momento vivir en el país.

Un robo de película: el atraco al Louvre será llevado al cine

Robar arte parece resultar inspirador: mientras Berlín, uno de los protagonistas de la exitosa serie La casa de papel, se aboca en Netflix a atracar con su banda una casa de subastas y a planear por encargo el hurto de La dama del armiño, de Leonardo Da Vinci, un caso real está camino al cine: el robo de las joyas del Louvre, realizado el año pasado, está en camino al cine.La versión cinematográfica del audaz atraco diurno de piezas históricas por un valor de 102 millones de dólares, realizado el 19 de octubre último en el museo más visitado del mundo, estará a cargo del director francés Romain Gavras, hijo del legendario cineasta director de cine greco-francés Konstantinos Gavras. más conocido como Costa-Gavras. También se filmará una serie documental basada en el libro El robo del Louvre, investigación realizada por tres periodistas y publicada en librerías el 27 de mayo último por la editorial Flammarion, que ya vendió los derechos de adaptación según la Agencia France-Presse (AFP)."La película será producida por Iconoclast, y la serie documental por Misfits (una compañía británica perteneciente al grupo Mediawan) -agregó AFP en un artículo reproducido por el diario Libération-. Aún no se han anunciado el título, la fecha de estreno ni el reparto de la película. Solo se ha revelado el nombre del cineasta Romain Gavras, conocido por dirigir Nuestro día llegará (2010) y Athena (2022)".En su libro, los periodistas Jean-Michel Décugis (Le Parisien), Jérémie Pham-Lê (Le Monde) y Nicolas Torrent (Paris Match) relatan cómo unos "ladrones de fin de semana" lograron irrumpir en la Galería Apolo y robar las Joyas de la Corona. Además de provocar una conmoción internacional, desencadenaron una crisis en el Louvre que llevó a la renuncia de Laurence des Cars, la primera mujer en dirigir el museo. La fiscal del caso reveló en noviembre que los cuatro detenidos no coincidían con el perfil de profesionales de la delincuencia organizada al estilo de la película La gran estafa, sino de delincuentes de poca monta de los suburbios del norte de París. Los medios de comunicación franceses informaron que los ladrones dejaron caer durante su huida la más preciada de las joyas -la corona de la emperatriz Eugenia, hecha de oro, esmeraldas y diamantes-, olvidaron herramientas y otros objetos en el lugar y no prendieron fuego al camión de la mudanza antes de escapar.Tras casi ocho meses de investigación y la detención de los principales sospechosos, la búsqueda de las joyas "se ha convertido en un complejo enigma, un rompecabezas que deja a los investigadores completamente desconcertados", según los tres periodistas, informa Libération. Este robo demuestra, agregan los autores, que "el hurto de arte se ha convertido en un negocio más para muchos delincuentes" y "ha perdido su carácter sagrado. Tras la moda de los robos a furgones blindados y los atracos a bancos, el hampa ha encontrado una nueva mina de oro"."Unos meses después de lo que algunos medios rápidamente denominaron 'el robo del siglo' (una frase que posteriormente se volvió viral), la noticia es oficial", informó por su parte la revista Vogue. Un artículo firmado por Marthe Mabille aseguró que Gavras ya está trabajando en un nuevo guion junto a Simon Jacquet y Mourad Winter, y que "se inspirará tanto en el robo en sí como en el frenesí mediático que lo rodeó, incorporando también elementos de la investigación narrada en El robo del Louvre"."El cine de atracos sigue siendo un género en sí mismo -observa Mabille-, un terreno fértil para los cineastas que exploran sin cesar el motivo del robo, desde estadounidenses como Stanley Kubrick, Quentin Tarantino y Steven Soderbergh hasta los maestros franceses del género. En Francia, Jean-Pierre Melville ya había elevado el arte del robo en Le Cercle rouge, con su legendaria escena de un robo en una joyería parisina".

He-Man regresa al cine con una nueva película y apuesta a conquistar a una nueva generación

La nueva adaptación del clásico personaje recupera el universo de Eternia con tecnología actual y busca atraer tanto a quienes crecieron con la serie animada como a un público que conoce por primera vez la franquicia

Las películas de los 80 que cambiaron la industria del cine

Desde 'Back to the Future' hasta 'Who Framed Roger Rabbit', un repaso por los títulos que redefinieron géneros, efectos especiales y la lógica del blockbuster moderno

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"El día de la revelación": la nueva película de Steven Spielberg conquista la taquilla global

El thriller de ciencia ficción, estrenado el 11 de junio, tuvo el mejor arranque de una producción original del director

El robo de película que no fue: cayó una banda que quiso robar con boquetes dos bancos de Buenos Aires

Los detenidos, con antecedentes penales, querían ingresar a una sucursal del Banco Nación en Morón y otra del Banco Provincia en Baradero. El líder sería un ex policía.La investigación comenzó con una denuncia anónima y se cree que había empleados bancarios que "entregaron" información.

La isla de Italia que ha sido el escenario de decenas de películas: aguas cristalinas, piscinas naturales y casas de colores

La economía local se basa principalmente en el turismo, la pesca y la producción de vino. Su popularidad en verano limita la oferta de alojamiento

Por qué Jesse Eisenberg no volverá a ser Mark Zuckerberg en The Social Reckoning, la nueva película basada en la historia de Facebook

El actor que dio vida al fundador de la red social rechazó el papel para la nueva película de Aaron Sorkin.Su decisión tuvo que ver con una cuestión personal. Pero la producción ya consiguió un reemplazo.La película se estrenará en cines el próximo 9 de octubre.

La Odisea, la película del año en muchos sentidos

El cine, al menos el cine en salas, se acerca a una válvula: pasará a un nuevo estado pero no podrá volver al anterior. Están sucediendo muchas cosas al mismo tiempo: cineastas nuevos que puede generar éxitos con nada (Obsesión, de Curry Baker, ejemplo de ejemplos), hay una recuperación notable de la asistencia (ok, digamos que no en la Argentina golpeada por la caída del salario real, pero sí en el resto de los mercados) y falta un mes para el estreno de un film que marca el definitivo cambio de época. Ese film es La Odisea, de Christopher Nolan, y su voluntad fundacional es clara al adaptar uno de los relatos básicos de la cultura universal. Como siempre en el caso del oscarizado realizador de Oppenheimer, todo es a lo grande.Nolan, sabemos, es una especie de maestro de la publicidad previa. Logró éxitos con El Origen e Interestelar sin decir de qué trataban esas películas. Sólo que eran "grandes" en varios sentidos (elenco, concepto, escenas, etcétera). Lo mismo sucedió con Oppenheimer, la que finalmente le dio su buscadísimo Oscar en 2024. Poco después del premio, anunció La Odisea, que prometía ser la versión fílmica definitiva del mito homérico. Es interesante porque muchos llegamos a Odisea gracias a la personificación de Kirk Douglas en la bella y ligera Ulises, el film italiano de 1954 dirigido por Mario Camerini y que poblaba tardes de sábado en la televisión local de los setenta. Justamente, el nombre "Nolan" no está asociado a la diversión aventurera sino a lo "importante", incluso si la mayoría de sus películas (y lo que mejor le sale) es la aventura de fantasía. Sólo que, como se sabe, tales efusiones felices tienen mala prensa. Y casi toda la promoción previa de La Odisea corre por ese carril, el del evento importante.Y funciona. Las entradas que se pusieron a la venta hace un año para las primeras funciones en salas IMAX se agotaron en horas. La venta anticipada que se lanzó en los EE.UU. el 4 de junio destrozó toda expectativa e incluso hizo colapsar temporalmente los servidores de empresas como Fandango, dedicadas a la comercialización de tickets. No es nada excepcional, por cierto, pero es importante porque mide el interés del público en el film. Pero el dato que nos importa (Nolan es una franquicia en sí mismo, los fans le compran todo y pueden agotar entradas) es que los primeros lugares en volar fueron los de los formatos premium IMAX 70mm, que es el tipo de película que utilizó Nolan. Y los asientos más caros, algo nada menor,Nolan es, como James Cameron, un fanático del formato analógico. IMAX 70mm es fílmico, la vieja y querida "cinta" de acetato, pero cada fotograma mide siete centímetros de largo y, como no está "pixelado", se puede estirar la imagen sin pérdida de detalle hasta el límite de estas híper pantallas. Es decir, es ideal para la experiencia inmersiva que busca una parte de los espectadores. Si el lector se anima a ver cómo se dispone la cámara en Dunkerque o Interestelar, comprenderá que la "inmersión" es clave en el estilo del director. También lo es para el negocio.Porque las plataformas y las nuevas pantallas hogareñas de alta definición proveen a demanda y sin pausa experiencias similares a las que teníamos en las salas hasta hace un par de décadas. Como sucedió cuando la TV amenazó a Hollywood durante los años cincuenta, la respuesta es proponer "más y más grande", un tipo de experiencia que no puede (¿aún?) lograrse en el hogar. Los grandes formatos ya han logrado mejorar performances de films de manera crucial, como sucedió el año pasado con Pecadores y Una batalla tras otra, por ejemplo. La segunda fue clave porque no se trataba de un gran espectáculo de fantasía sino de una comedia dramática adulta con contenido político. El Santo Grial hoy es la película de "prestigio" que llene salas híper grandes. Es importante porque, por un lado, las entradas en esos formatos son más caras (mucho más). Y por otro, porque el público en cines parecía haberse contraído. Un espectáculo IMAX permite recaudaciones buenas con menos público. Pero para eso requiere, a esta altura, respetabilidad. Y allí es donde el nombre de un director prestigioso y oscarizado es clave. Y un libro célebre, por qué no, también. ¿Acaso no fueron adaptaciones El nacimiento de una nación y Lo que el viento de llevó, fundacionales a su modo?Pero ya no estamos en la era del espectador pasivo, sino del usuario activo, el que responde y opina de modo constante. Y en el feed de X, tildes aparte, la opinión de un crítico de cine experimentado y la de un espectador novato ocupan básicamente el mismo lugar. Muchos de esos espectadores iniciaron boicots varios contra la película por cuestiones a veces irrisorias. La primera, cuando salieron las primeras imágenes, porque los cascos no se atenían a la Historia. Recordar que La Odisea es una obra imaginaria y no histórica fue casi inútil. Luego, la mayor y aún vigente polémica fue porque Helena de Troya (míticamente rubia, incluso el epíteto aparece en los manuscritos más antiguos del poema) es interpretada por Lupita Nyong'o, gran actriz negra -que también, según la ficha, es Clitemnestra, la esposa de Agamenón-. Aquí el punto es más complejo, porque la Academia de Hollywood dispuso hace unos años reglas muy estrictas (y en parte absurdas, pero es otra discusión) sobre representación de minorías en las películas que se propongan para premios. También sabe cualquier lector de La Odisea que Helena es apenas una referencia en el poema, que trata de otra cosa. Pero el punto es criticar la inclusión forzada (que, otra vez hay que recordarlo, no sería tal en una obra que no pretende ser un retrato histórico o un documental arqueológico).El cargo más complejo es que Nolan usara -esto es pura hipótesis, dado que no se sabe realmente- la traducción reciente del poema a cargo de Emily Wilson, cuya versión (absolutamente discutida por académicos) es decididamente feminista y cambia, según las críticas, elementos sustanciales del original morigerando la visión de la época en que fue compuesto el poema. Es decir, la crítica más feroz en los últimos meses, sin que nadie viera más que el trailer, es que la película sería woke. Y el reflujo anti woke es pesado.Si La Odisea triunfa, esta clase de polémicas habrá dejado de ser efectiva y seria un indicio de que la era "woke-anti woke" estaría quedando atrás. Si no, habrá que pensar también que varios grandes éxitos de este año se hicieron con poquísimo dinero (Obsesión y Backrooms, claramente) y surgen de un ecosistema nuevo y una nueva relación con otro tipo de público (la clave: YouTube). Pero que, en última instancia, el cine en salas se encamina a dividirse en la gran experiencia inmersiva como sostén económico y un nuevo cine, más chico y más afín a los nuevos públicos, que generen mucha ganancia con poco gasto. Más una tercera pata "de prestigio" y difícil exportación, el cine internacional de festivales. De allí que sea clave la película de Nolan. Otra vez, la Odisea fundando una forma en el arte.

Dura menos de dos horas, tiene una trama inquietante y es la película más vista de Netflix en la Argentina

Netflix tiene contenido para todos los gustos y, si el tuyo es el noir europeo más crudo, ese que se mete en los rincones oscuros de la corrupción, el crimen organizado y los secretos de Estado, hay una producción que acaba de aterrizar en el gigante del streaming y te va a mantener expectante de principio a fin. Se trata de Los colores del mal: Negro, la esperada secuela del thriller polaco que obsesionó a la plataforma, basada en las exitosas novelas policiacas de MaÅ?gorzata Oliwia Sobczak.Tras el impactante cierre del caso de la playa en la primera entrega, el persistente fiscal Leopold Bilski regresa para meterse en la boca del lobo. En esta secuela de casi dos horas, la aparente calma de la costa polaca se destruye con un nuevo y brutal asesinato que sacude al mundo de los astilleros y la noche de Gdynia. Al tirar del hilo, Bilski descubre que no se trata de un crimen aislado, sino de la punta del iceberg de una gigantesca red de narcotráfico, lavado de dinero negro y trata de personas que opera bajo la protección de las esferas más altas del poder.A diferencia de la primera entrega, donde el misterio era casi arqueológico, acá la investigación se transforma en una cacería en tiempo real y en una carrera por la supervivencia. Con la mafia polaca persiguiéndolo, Bilski tendrá que cruzar límites peligrosos para desmantelar un entramado dispuesto a todo con tal de proteger sus intereses.El largometraje, dirigido nuevamente por Adrian Panek, apuesta por una narrativa directa y vertiginosa que prioriza el suspenso constante sobre el análisis psicológico. A pesar de seguir estructuras tradicionales del género policial, la producción logra sostener un clima opresivo y asfixiante que cumple con su objetivo de mantener al espectador sumamente cautivado.La producción forma parte de una ambiciosa saga literaria y, ante el notable éxito cosechado en la plataforma, ya trascendió que aún quedan por filmarse tres secuelas más: Blanco, Amarillo y Azul. De este modo, los fanáticos del fiscal Leopold Bilski (interpretado por Jakub GierszaÅ?) pueden estar seguros de que el recorrido por los matices más oscuros del crimen polaco recién está comenzando.Si te atrapó el universo crudo, los secretos oscuros y el ritmo adictivo de Los colores del mal, la N roja tiene otras producciones polacas que no te vas a querer perder:1. Las plagas de Breslavia (2018)Luego de encontrar un cuerpo dentro de la piel de una vaca, una detective de la policía polaca se entera de que un asesino está recreando una serie de castigos del siglo XVIII. Duración: 1 h 50 min. Ver Las plagas de Breslavia. 2. Cómo me enamoré de un gánster (2022)Una misteriosa mujer relata el ascenso y la caída de Nikodem "NikoÅ?" Skotarczak, uno de los mafiosos más grandes de la historia de Polonia. Duración: 3 h 5 min. Ver Cómo me enamoré de un gánster.3. El atraco (2024)Una fiscal pide ayuda a un expolicía para resolver el caso de un asalto a un banco; a cambio, le ofrece la oportunidad de recuperar su vida. Duración: 1 h 53 min. Ver El atraco.

La insólita condición que Steven Spielberg le puso a Netflix para dirigir una película

El cineasta marca distancia con la era digital y exige el regreso del formato físico para explorar nuevas alianzas

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Una historia de película: el Café de París

Entre la década del 60 y 70, existió una hora exacta en la que la ciudad de Roma comenzaba a transformarse. Sucedía a las diez de la noche, cuando la elegancia se hacía notar sobre las baldosas de la refinada Via Vittorio Veneto y las luces de los hoteles Excelsior, Majestic y Eden empezaban a reflejarse sobre los autos estacionados frente a las veredas. Primero aparecían los choferes, después una horda de fotógrafos desesperados y, más tarde, las mujeres más bellas cubiertas de pieles, los productores norteamericanos más importantes o los actores italianos y extranjeros de mayor cartel, que llegaban desde los estudios de Cinecittà,para darle rienda suelta a su divismo. Y en el centro de aquella coreografía nocturna de ensueño, el Café de París, el bar que terminó convirtiéndose en el símbolo más reconocible de La dolce vita italiana y en el escenario donde la Península, durante dos décadas, representó ante el mundo la fantasía más sofisticada de sí misma.El Café de París era una especie de teatro a cielo abierto donde el glamour y el estilo bailaban con la superficialidad humana. Un punto en el que confluían el cine, la aristocracia, la política, la moda y el periodismo en una ceremonia nocturna que parecía no terminar. Las mesas se prolongaban sobre la vereda como un río caudaloso. Los mozos avanzaban entre flashes y vasos de whisky, mientras los turistas observaban fascinados aquel desfile compuesto por las figuras más importante del espectáculo mundial. Desde Frank Sinatra hasta Salvador Dalí, pasando por Audrey Hepburn, Sophia Loren, Anita Ekberg, Ava Gardner, Gregory Peck, Peter O'Toole, Charlton Heston, Jean-Paul Belmondo, Kirk Douglas e Yves Saint-Laurent. También los italianos Domenico Modugno, Alberto Sordi, Vittorio Gassman y por supuesto, el santo patrono, Marcello Mastroianni. Entre ellos, camaleonizados, los dobles agentes, periodistas que se hacían pasar por millonarios de la realeza y fotógrafos escondidos detrás de sus motocicletas Vespa. Roma acababa de salir de la guerra y necesitaba inventarse una nueva identidad. La encontró precisamente allí, en esa avenida doble mano, donde la fama, incluso siendo muy ajena, parecía estar al alcance de cualquiera.Uno de los visionarios que hizo del Café de París el epicentro del jet set romano fue su gerente, Nicola di Nozzi, quien a sus 45 años, venía con la experiencia del oficio del restaurante Quo Vadis, de Nueva York. Una de sus más acertadas decisiones fue colocar teléfonos en las mesas, para que, tanto los empresarios como los políticos no se pierdan de nada por estar allí. Eso significó que durante las tardes, los clientes tomaran espacio como oficinas deambulantes.Sin embargo, el periodista Victor Ciuffa no tenía una mirada tan luminosa sobre el fenómeno. Sostenía que la verdadera Dolce Vita no había nacido de las guirnaldas de la alta sociedad, sino de su miseria. En abril de 1953, el cuerpo de Wilma Montesi, una joven y floreciente actriz de 21 años, apareció abandonado sobre una playa de Ostia. Sus breves intervenciones en los films Carcerato y Ergastolo, redimensionaron un caso que conmocionó a Italia, porque rápidamente comenzaron a circular versiones sobre fiestas secretas, drogas, sexo y aristócratas vinculados con la antigua nobleza romana. Ciuffa, que entonces era un joven cronista policial, siguió obsesivamente aquella investigación y descubrió un universo oculto de modelos extranjeras, actrices y personajes ambiguos que se reunían en bares frecuentados por empresarios y existencialistas. "La dolce vita italiana comenzó en esa fiesta", afirmaría años después en una entrevista.A partir de entonces, Ciuffa se convirtió en un agudo observador de la decadencia elegante y en testigo privilegiado del nacimiento de un nuevo mundo nocturno donde convivía la efervescencia más notable de una sociedad que venía de años de ahogamiento existencial. Y en esos bordes, a la expectativa, emergían productores, actores bulliciosos y actrices desesperadas por triunfar. Aquellas historias terminarían fascinando a Federico Fellini, quien escuchaba durante horas las anécdotas que Ciuffa le contaba sentado en una mesa del mismo Café de París, mientras imaginaba la película que cambiaría para siempre la historia del cine italiano: La dolce vita. Fellini absorbía relatos sobre fiestas clandestinas, libertinos, fotógrafos intrépidos y estrellas de Hollywood perdidas en las madrugadas romanas. El personaje interpretado por Marcello Mastroianni, Marcello Rubini, tenía mucho de aquellos cronistas nocturnos que caminaban por Via Veneto buscando escándalos para vender al día siguiente. Y el fotógrafo Coriolano Paparazzo, el personaje que terminaría dándole nombre universal a los fotógrafos de celebridades, nació de la mezcla de varios hombres reales que trabajaban en esa calle, como Tazio Secchiaroli, Elio Sorci y, sobre todo, Rino Barillari. Vale destacar que nada de lo que se ve en la película La Dolce Vita se filmó en locaciones reales. Fellini mandó a construir en los estudios de Cinecittà, una escenografía de Via Veneto y del Café de París a escala humana.A sus 81 años, Barillari todavía recuerda aquellas noches como si fueran escenas suspendidas en el tiempo. En diálogo con LA NACION, describió el Café de París con la nostalgia de quien sabe que fue testigo de una época desaparecida: "Desde los años 60 hasta los 80, fue el lugar donde se sentaba todo el mundo por las noches. Era un lujoso salón en plena vereda. La gente caminaba y miraba a los personajes de la época: figuras del teatro, de la música, de la ciencia. Observaban cómo se vestían, qué tomaban, cómo se movían".Lo que fascinaba no era solamente la presencia de las estrellas, sino el ritual completo. El espectáculo comenzaba mucho antes de que alguien descendiera del automóvil. Describe Barillari vía telefónica: "Una de las imágenes que nunca me pude sacar de la cabeza fue una noche cuando llegó Gina Lollobrigida en uno de sus autos enormes y brillantes. El chofer le abrió la puerta, los fotógrafos corrimos hacia ella y los flashes iluminaron la calle como si fuera de día. La multitud a nuestro alrededor se detuvo únicamente para verla caminar unos pocos metros hasta la mesa reservada. Aun hoy siento su elegancia al andar. Su tapado de piel, los zapatos, los anteojos. Única".En aquellos años, Roma era conocida como "La Hollywood del Tíber". Las grandes productoras norteamericanas habían descubierto que filmar en Italia costaba mucho menos que hacerlo en California. Los estudios de Cinecittà funcionaban día y noche. Se filmaban westerns, epopeyas bíblicas y dramas románticos mientras actores norteamericanos ocupaban suites enteras de los hoteles de Via Veneto. Las noches terminaban inevitablemente en el Café de París.Frank Sinatra protagonizó una de las escenas más violentas de aquella época. Tenía un temperamento explosivo y odiaba a los fotógrafos. Una noche salió del Café de París acompañado por guardaespaldas enormes, y Barillari intentó acercarse para tomarle una fotografía. El cantante perdió inmediatamente la calma y sus guardaespaldas lo empujaron, le tiraron el flash al piso y comenzó una pelea descontrolada, que terminó con mesas y vasos volando por el aire. Pero incluso aquella violencia formaba parte del espectáculo. Los turistas observaban fascinados mientras Sinatra insultaba a los fotógrafos y los flashes seguían disparándose en cualquier dirección. Otra postal que inmortalizó el psicótico vínculo entre estrellas y fotógrafos, fue cuando la actriz Sonia Romanoff, harta de ser acosada por las cámaras, le lanzó su helado en la cara al insistente Barillari, fotografía tomada por un colega suyo que dio la vuelta al mundo. "A Marcello le hice una foto haciendo pis en un rincón, pero nunca la publiqué. Eso sí, por el favor me concedió durante un tiempo largo fotos en exclusiva, hasta posando para mí", reconoce Barillari, sorprendido por el llamado de LA NACION. Y agrega: "Una noche lo veo bailando con una mujer hermosísima, se ve que se olvidó del pacto, me vio entrar reflejado en un espejo, dejó a la mujer y vino directo hacia mí. 'O vos o yo', me dijo. Yo le respondí: 'Tranquilo, Marcello'. Después se reía de mí y cada vez que me veía me decía que cambiara de vida, que me hiciera empleado bancario u oficinista. Fueron tiempos extraordinarios. Roma era el epicentro del mundo".Aquella Roma parecía vivir exclusivamente de noche. Los diarios recién impresos llegaban todavía con olor a tinta fresca. La gente salía del cine y caminaba hasta Via Veneto para esperar las ediciones nocturnas. Los vendedores de rosas recorrían las mesas. Los playboys les pagaban a los fotógrafos para aparentar importancia, hasta 50 liras por cada flash y así despertar la curiosidad de las mujeres de alrededor. La puesta en escena era, llegaba un hombre apuesto, los fotógrafos hacían la pantomima de bloquear el paso, empujarse entre ellos y disparar una decena de flashes al unísono. Así, el rumor sobre "¿Quién será?" recorría las mesas, al igual que el martini, el whisky y la grappa, las bebidas del momento.El ocasoSin embargo, ningún esplendor permanece intacto en el tiempo. Hacia finales de los años 70, la ciudad comenzó a cambiar. El cine dejó de concentrarse en Roma. Las estrellas empezaron a protegerse detrás de guardaespaldas, hoteles privados y fiestas exclusivas en mansiones. La televisión transformó el espectáculo. Via Veneto perdió lentamente su centralidad, su lugar lo ocuparon los Festivales de Cine como Cannes, Venecia, Berlín y San Sebastián y el Café de París empezó a convertirse en una reliquia melancólica.Giovanni Ciacci, celebridad de la televisión italiana actual, repasa la impresión amarga que sintió cuando conoció el lugar en el año 92. "Cuando llegué a Roma, el Café de París fue el primer lugar que fui a ver, porque de chico siempre admiré a las estrellas representantes de La dolce vita. Pero me llevé una gran desilusión. Era un bar venido a menos, lleno de gente anónima. En los alrededores había solamente prostitutas y solo quedaba al final de la calle, la joyería Capuano, que ahora sé que tampoco está más. Definitivamente esa época se había terminado". Para Ciacci, el final del mítico bar coincidió con la desaparición del viejo sistema de celebridades: "Las estrellas habían dejado de caminar la calle, no necesitaban de la exposición en vivo, porque la televisión y las revistas lograron reemplazar ese código".La decadencia fue sostenida e irreversible, incluso con episodios brutales. El más significativo ocurrió el 16 de septiembre de 1985, cuando un terrorista arrojó dos granadas de mano sobre las mesas del local. Una de ellas no explotó. Justo había una delegación norteamericana, por su cercanía a la Embajada de los Estados Unidos, y pese a que se concluyó que no se había tratado de un ataque directo al gobierno de Ronald Reagan, 38 personas resultaron heridas. El agresor, Ahmad Hassan Abu Alì Sereya, palestino de origen libanés fue arrestado a las pocas horas y condenado en 1987 a 17 años de prisión. Pero el golpe devastador llegaría años después. En 2009, magistrados antimafia descubrieron que el histórico local había sido adquirido por clanes de la 'Ndrangheta calabresa, para lavar dinero proveniente del narcotráfico y la venta de armas. El supuesto propietario era Damiano Villari, un peluquero de Aspromonte que, según los investigadores, actuaba como testaferro de Vincenzo Alvaro, hombre fuerte del clan mafioso. El bar era un bien más de un plural embargo que superó los 250 millones de euros e incluía, entre otros activos, restaurantes de la zona, inmuebles, fincas y automóviles de alta gama. La noticia destruyó definitivamente el aura romántica del lugar. El Café de París, símbolo global del glamour romano, quedaba vinculado al crimen organizado e ir a consumir algo, era peligroso tanto para el ciudadano de a pie como para el turista.Paradójicamente, el local volvió a abrir bajo administración judicial, convertido en emblema antimafia. En las mesas donde alguna vez se había sentado Fellini a delinear sus excéntricos guiones, comenzaron a servirse vinos, aceites y pastas producidos en tierras confiscadas a las organizaciones criminales italianas. El sacerdote Luigi Ciotti impulsó la iniciativa junto a Libera Terra como una forma de devolverle a la ciudad un espacio históricamente contaminado. Pero el deterioro ya era irreversible. La crisis económica se profundizó con conflictos sindicales, despidos y tragedias personales. Fue el caso de Stefano, histórico barman del café durante más de dos décadas, quien se suicidó después de enterarse de que no le renovarían el contrato laboral. En 2012, el magnate malayo Robert Kuok compró el edificio, con la idea de transformarlo en un hotel cinco estrellas de la cadena Shangri-La Hotels and Resorts. El proyecto nunca terminó de concretarse. El histórico gazebo del Café de París fue retirado y las persianas quedaron definitivamente bajas. Hoy Via Veneto sigue recibiendo turistas que buscan rastros de aquella edad dorada. Caminan intentando encontrar vestigios de Elizabeth Taylor tomando de manera seductora su Martini, de Irina Demick llevando a su guepardo a pasar las tardes o de Raffaella Carrá evitando los embates de un obsesionado Sinatra. Pero solo encuentran una vereda vacía, que mantiene dos vitrinas con fotos de los famosos que alguna vez pisaron sus pasillos: Sylvester Stallone, Monica Belucci, Gianni Morandi y Eros Ramazzotti. Fantasmas de una dulce vida, ecos sordos de una época que no volverá.

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Kleber Mendonça Filho:"Los premios no pueden definir una película"

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La psicología dice que las personas que vuelven a los juegos de su infancia, sus películas o canciones favoritas no solo buscan diversión, sino la persona que solían ser: la magia que antes duraba tardes enteras ahora se desvanece en minutos

Jugar a lo de antes o escuchar tus viejos temas no es estancamiento: es un mecanismo cerebral para cuidar tu salud mental.

"Michael" se convirtió en la película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos

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Fin de semana largo: las 10 películas de Netflix ideales para ver los días de descanso

Con la llegada del fin de semana extendido, la plataforma de streaming renueva su catálogo cinematográfico con producciones internacionales que van desde el thriller hasta la comedia romántica. Leer más

Qué ver en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar el fin de semana XL

El lunes 15 de junio se conmemora el Paso a la Inmortalidad del General Martín Miguel de Güemes en Argentina. Aunque la fecha histórica y oficial de su fallecimiento es el 17 de junio, el feriado fue trasladado al lunes para formar un fin de semana largo de tres días. A raíz de esto es que muchos buscarán deleitarse un buen rato frente a la pantalla. Si sos de los que no puede decidirse entre la amplia oferta que ofrece Netflix, este es el ranking de las películas y series más vistas en Argentina para que disfrutes solo o en compañía.Las cinco mejores series para ver este fin de semana XL en Netflix1. Rosario Tijeras 5 (2026)Drama/Acción. La nueva entrega sigue a la célebre guerrera y a El Ángel mientras intentan dejar atrás la violencia para reconstruir sus vidas, algo frustrado por el crimen organizado. El eje de la historia es el drástico cambio de su hija, Ruby, quien entrena como asesina del bando enemigo, obligando a Rosario a enfrentarse a ella. Duración: 38 episodios. Ver Rosario Tijeras 5.2. El testigo (2026)Crimen/Basado en hechos reales. La pareja de la asesinada Rachel Nickell intenta proteger a su hijo de dos años, el único testigo del crimen, durante una investigación repleta de errores. Duración: tres episodios. Ver El testigo.3. Así aprenderás (2026)Comedia/Drama. Unos inspectores insólitos entran en escena en los colegios, con lecciones duras de las que no aparecen en los libros de texto, para terminar con las reiteradas faltas de respeto. Duración: 10 episodios. Ver Así aprenderás.4. Michael Jackson: el veredicto (2026)Documental/Abuso sexual. En 2003, Michael Jackson, posiblemente la figura más famosa y querida de la cultura pop de todos los tiempos, fue acusado de múltiples cargos de pederastia, lo que desencadenó una tormenta mediática y un proceso judicial que cautivó a millones de personas. Este documental reconstruye el juicio (y todo lo que lo rodeó) a partir de los testimonios de quienes lo vivieron dentro de la sala. Duración: tres episodios. Ver Michael Jackson: el veredicto.5. Southland (2009)Thriller/Drama. El policía veterano de Los Ángeles, John Cooper, es asignado para entrenar a la novata Ben Sherman, que está cuestionándose si ella tiene lo que se necesita para volverse un oficial de la policía, luego de ser testigo del comportamiento sin sentido de Cooper. Otros miembros del equipo de la policía incluyen a la detective Lydia Adams, quien es la principal cuidadora de su madre mientras está fuera del trabajo; su compañero, Russell Clarke, un padre de tres que está infelizmente casado; el detective Daniel "Sal" Salinger, quien supervisa al grupo de detectives, Nate Moretta y Sammy Bryan; y la oficial de patrulla Chickie Brown, una madre soltera que tiene la esperanza de unirse al equipo SWAT. Duración: cinco temporadas. Ver Southland.Las cinco mejores películas para ver este fin de semana XL en Netflix1. Los colores del mal: Negro (2026)Thriller/Drama. Cuando un chico desaparece en un pequeño y tranquilo pueblo, un fiscal que acaba de ser reasignado empieza a descubrir vínculos inesperados. Duración: 1 hora 50 minutos. Ver Los colores del mal: Negro. 2. Turbulencia en la oficina (2026)Romance/Comedia. Jackie, presidenta y directora ejecutiva de la aerolínea Air Cruz, dirige su empresa con mano dura, imponiendo una estricta normativa que prohíbe las relaciones entre empleados. Sin embargo, cuando un nuevo y atractivo abogado se incorpora a la compañía y comienza a trabajar para ella, esa norma se pondrá a prueba. Duración: 1 hora 54 minutos. Ver Turbulencia en la oficina.3. La desconocida (2026)Thriller/Drama. Una mujer es hallada por la policía dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, amordazada y maniatada. Incapaz de recordar su identidad, es trasladada al hospital, donde su vida vuelve a estar en peligro tras un intento de asesinato. La detective Anna Ripoll es asignada para investigar este enigmático caso junto al oficial Quique Zárate. Juntos se embarcarán en una carrera a contrarreloj por descubrir la identidad de esta misteriosa mujer y los secretos ocultos en su memoria. Duración: 1 hora 49 minutos. Ver La desconocida. 4. Si te casás... te mato (2005)Romance/Drama. Jennifer Lopez es Charlie, una joven ilusionada que piensa que encontró al hombre de su vida... hasta que conoce a su futura suegra, una diabólica mujer que cree que no hay mujer suficientemente buena para su hijo. Duración: 1 hora 41 minutos. Ver Si te casás... te mato.5. Risa y la cabina del viento (2026)Drama/Fantástico. Luego de perder a su papá en un trágico incendio, Risa, una niña de diez años, descubre un teléfono público fuera de servicio que le permite hablar con los muertos. Cada uno de ellos tiene un deseo, un pedido, algo que resolver. Si Risa los ayuda con sus asuntos pendientes en el mundo de los vivos, ellos le dejarán cumplir su deseo imposible: el de hablar con su padre una última vez. Duración: 1 h 37 min. Ver Risa y la cabina del viento.

Netflix estrenará una película sobre la Madre de Plaza de Mayo Azucena Villaflor

Acaba de finalizar el rodaje del film que protagonizan Verónica Llinás y Peter Lanzani. Se contará los primeros pasos de Madres, y la infiltración del genocida Alfredo Astiz para secuestrar, torturar y asesinar a las mujeres que se reunían en la iglesia Santa Cruz. El film se estrenará en 2027.

Spielberg y el arte de maravillar: cinco películas que explican la grandeza del director

Se acaba de estrenar la película número treinta y cinco de Steven Spielberg, de los directores vivos el que mayor influencia ha ejercido en el cine de las últimas cinco décadas. No sólo por lo que filmó o produjo, y no solo por sus aciertos: su obra sirvió también para "filmarle en contra" (un poco lo que pensaba Godard de sus películas y de él mismo) y que aparecieran formas nuevas. De allí el grado de influencia que mencionamos. También es uno de esos pocos realizadores que, antes de ponerse a filmar, se coloca en la butaca del espectador. No necesariamente un "cinéfilo" en el sentido académico, adocenado y adolescente (incluso por lo autosatisfactorio) al que recurren quienes orgullosamente se autodefinen así, pero sí un espectador voraz, de esos a los que les gustan todas las películas. Por eso es tan próximo a nosotros, más que otros directores de su generación como Scorsese o Coppola. También es un creador de iconos tan fijos hoy en la imaginación popular que asombra: el Tiburón, E.T., Indiana Jones, el T-Rex y los Velocirraptors son parte de un acervo universal que remiten a su trabajo. También sucede algo más: es muy difícil que no hayamos visto, que no conozcamos por lo menos cinco "películas de Spielberg". Y en esa evidencia, aparece -siempre pasa- un misterio: ¿Cómo es y por qué nos atrae el cine de Steven Spielberg? Para dilucidarlo, vamos a recomendar cinco películas. No necesariamente las más conocidas o "canónicas", sino las que permiten entender qué tiene de único o novedoso su trabajo. Una de las estrategias, figuras de estilo o método -como quieran llamarlo- más frecuentes en sus películas consiste en mostrar un mundo al revés de como lo hace el cine tradicional. En efecto, se suele enseñar que hay que ir "de lo general" a lo "particular". Digamos que Hitchcock en La ventana Indiscreta parte de mostrar el patio de un edificio, meter la cámara en un departamento, mostrar que allí vive un fotógrafo y, de allí, al personaje central. Spielberg hace lo contrario: nos muestra a alguien mirando asombrado, luego abre el plano mientras nos preguntamos qué mira, por qué el asombro. O sea, nos metemos en la película a través de esa pregunta. Es famosa la secuencia de aparición del brontosaurio en Jurassic Park (Netflix, HBO Max, Prime Video y otras), pero la mejor implementación está en Guerra de los Mundos (Paramount+). La adaptación de la novela de H.G. Wells muestra el miedo constante de unos Estados Unidos que acababan de sufrir el 11/S, y la aventura de ese padre y esos hijos está construida de tal modo que los extraterrestres apenas se ven, la guerra alien es algo que sucede alrededor y que aparece por indicios (cuerpos en un río, ropa cayendo, etcétera) que comienza en los ojos de los personajes.Otra figura de estilo, similar pero no igual, es tomar un muy pequeño detalle del plano, un objeto casi siempre, que se encadena en acciones que llevan a un resultado mucho más grande. Las cartas que pasan de escritorio en escritorio en una secuencia muda y magistral de Rescatando al soldado Ryan (Netflix) son un caso; las uñas de Quint sobre el pizarrón de Tiburón (HBO Max), otro; el puré de papas en el plato de Roy Neary en Encuentros cercanos del tercer tipo, otro. Pero el mejor es el del inicio (los inicios de las películas de Spielberg son siempre obras en sí mismas) de Amistad (Netflix), el film sobre un barco negrero en el que los esclavos se rebelan y terminan enjuiciados por motín en el Washington D.C. de principios del siglo XIX. Poco recordada, aquel inicio es solo unos dedos arrancando un clavo de un tablón de madera. Y eso muestra muchas cosas: la inteligencia del personaje central interpretado por Djimon Hounsou, la brutalidad del encierro, la dimensión épica de la historia que luego se convierte en un drama judicial y, sobre todo, el punto sobre el que gira toda la película: la igualdad de todos los seres humanos ante la ley. Al transformar al esclavo en héroe, le otorga una dimensión moral que será puesta en juego durante toda la película y que abre, además otro tema recurrente: la comunicación.Si en Amistad es la necesidad de comunicarse entre el esclavo y el abogado (un Anthony Hopkins notable) que pertenecen a dos mundos y dos experiencias completamente distintas, lo mismo pasa en E.T. (Netflix) entre el extraterrestre y Elliot, en Guerra de los Mundos entre Tom Cruise y Tim Robbins (el preludio a una de las escenas más terribles de toda su filmografía), y en La Terminal (Paramount+) entre Tom Hanks y todo su entorno de habitantes de un no lugar. Pero la película donde este tema está mejor desarrollado es en Puente de Espías (hoy no disponible, pero aparecerá en Netflix y Prime Video). No solo ese abogado que interpreta Hanks (la encarnación definitiva del "everyman" clásico en las películas del realizador) debe entender los prejuicios de su propia sociedad y comunicarse con quien se supone que es un enemigo, sino construir un lenguaje al margen del lenguaje, un sistema de sobreentendidos, de fingimientos, de muecas en las que lo verdaderamente humano de las personas trasciende los condicionamientos políticos o ideológicos (el momento en el que "habla" con un "segundo" de un comisario político es de las grandes secuencias del realizador).En casi todas las películas de Spielberg hay personajes dobles que podrían describirse como "el que vive en el mundo de ficciones y aventuras" y "el que debe vivir en el mundo real". A veces es uno y el mismo personaje con dos caras (el Peter Pan que interpreta Robin Williams en Hook, película infravalorada); a veces es un abanico de posibilidades. En Jurassic Park, el personaje de Sam Neill se confronta con el de Richard Attenborough (el científico que ve la realidad, el creador de ilusiones al que la invención se le va de las manos); en Los Fabelman, el joven cineasta se confronta con el padre ingenuoâ?¦ o con el padre simbólico, el John Ford que encarna David Lynch, y tiene que elegir. El mejor duelo en todo caso es el de Atrápame si puedes, donde al chico que inventa puras ficciones para recuperar a su familia lo interpela el investigador del FBI que ha perdido la suya. Esa película, también cercana a los gustos cinematográficos de Spielberg (el Frank Abagnale Jr. del film está moldeado alrededor del Antoine Doinel de Los 400 golpes y, sobre todo, Besos robados, películas de su amigo Francois Truffaut) es de las más importantes del realizador, y hace perfecto juego con Los Fabelmans.Porque hay algo que queda muy claro en el cine de Steven Spielberg y es que toda su visión del mundo, todo lo que es y fue y será, surge del prisma de las películas. Dicho de otro modo: su vida y su cine se unen desde el principio de su biografía, como si la única manera de haber experimentado la realidad hubiera sido a través de las películas. Hay una anécdota increíble: en 1983, Roman Polanski visitaba a Spielberg en la India, donde se estaba rodando Indiana Jones y el Templo de la Perdición. La idea era hablar de un probable proyecto sobre Tintín que debía protagonizar Polanski (la película se haría tres décadas después en captura de movimiento, sin Polanski, y es una belleza absoluta). El director de Barrio Chino contaba el enojo de Spielberg por los elefantes de transporte que pedía. Una y otra vez los rechazaba hasta que Polanski le preguntó por qué. Spielberg replicó que los elefantes de transporte no eran "así" (es decir, como se usaban en la India de verdad) sino como en la película Kim de la India, su modelo de ese universo. La anécdota es graciosa, pero muestra la importancia absoluta del cine como "hogar" en la obra del director.Por eso en sus películas el cine, el espectáculo, es algo que une a las personas. Por eso es que E.T. ve El hombre quieto en TV y Elliott besa a su compañera de colegio; o la cacería de dinosaurios en El mundo perdido-Jurassic Park es una amplificación de la de ¡Hatari!, la obra maestra de Howard Hawks. Por eso la gratuidad maravillosa de El templo de la perdición. Pero el film clave aquí es Ready Player One (HBO Max, Mercado Play), donde el cine ha dado un paso hacia el videojuego y un mundo real sumido en diferencias de clase demasiado ostensibles vive casi literalmente dentro del universo virtual poblado de iconografía pop, de personajes reconocibles, de citas, de cualquier cosa que alguien pueda hacer. Y si bien en la película hay una condena -o al menos una crítica- a cómo las corporaciones de apropian de aquello con lo que poblamos un ocio creciente (en esto Readyâ?¦ es más visionaria que Matrix, film de temática similar y diferente intención), ese "vivir en un mundo irreal", esa metáfora ostensible del cine tampoco es visto como una solución, sino como una alternativa más a un mundo que debe experimentarse realmente en carne y hueso. Esa salida de la adolescencia (que aparece en El Imperio del Sol -HBO Max-, Atrápameâ?¦ -Paramount+-, y de modo más lateral en Siempre y Hook) implica también saber que el cine es un buen refugio, pero no necesariamente un hogar. De eso se trata una obra que, vista de modo cronológico, es también una autobiografía.

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Netflix presentó las primeras imágenes de Villaflor, la nueva película de Santiago Mitre

Netflix dio a conocer las primeras imágenes de Villaflor, la nueva película del director Santiago Mitre que reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia reciente del país. Protagonizada por Verónica Llinás en el papel de Azucena Villaflor y Peter Lanzani como Alfredo Astiz, la producción se inspira en hechos reales y propone una mirada sobre los orígenes de las Madres de Plaza de Mayo durante los años más oscuros de la última dictadura militar.El proyecto marca el regreso de Mitre al cine político e histórico, un terreno que ya exploró en Argentina, 1985, y lo hace a través de una historia que combina elementos de thriller político, espionaje y drama histórico. La película sigue dos recorridos narrativos paralelos que avanzan en direcciones opuestas durante 1977, cuando el terrorismo de Estado desplegado por la dictadura alcanzaba uno de sus momentos más feroces.Por un lado, la historia se centra en Alfredo Astiz, conocido posteriormente como el "Ángel de la muerte", quien por entonces era un joven teniente de la Armada. Interpretado por Lanzani, el personaje recibe la misión de infiltrarse en la iglesia de la Santa Cruz, un espacio que comenzaba a convertirse en punto de encuentro para familiares de personas desaparecidas. Allí, un grupo de mujeres y hombres buscaba organizarse para reclamar información sobre sus seres queridos, en un contexto en el que cualquier forma de protesta podía significar la persecución, el secuestro o la muerte.En paralelo, la película sigue el recorrido de Azucena Villaflor, encarnada por Llinás. Madre de Néstor Villaflor, desaparecido por la dictadura, Azucena inició una búsqueda personal que pronto se transformó en una causa colectiva. A través de su liderazgo y determinación, contribuyó a reunir a otras mujeres que atravesaban la misma situación y que terminarían conformando uno de los movimientos sociales y de derechos humanos más influyentes de la historia argentina: las Madres de Plaza de Mayo.Según adelantó Netflix, la trama muestra cómo ambos caminos terminan cruzándose de manera trágica. Mientras Astiz gana la confianza de la monja francesa Alice Domon y posteriormente la de Azucena, se desarrolla una compleja operación de inteligencia destinada a identificar, infiltrar y desarticular al grupo que comenzaba a denunciar públicamente los crímenes del régimen militar.La película retrata así el nacimiento de una forma inédita de resistencia civil frente al terrorismo de Estado y, al mismo tiempo, la macabra maquinaria represiva diseñada para destruirla. La tensión entre ambas historias constituye el eje central del relato y permite observar desde perspectivas opuestas uno de los capítulos más emblemáticos de la lucha por los derechos humanos en la Argentina.El guion fue escrito por Santiago Mitre junto a Mariano Llinás, una de las figuras más reconocidas del cine argentino contemporáneo. La producción está a cargo de La Unión de los Ríos, la compañía fundada por Mitre, junto con la productora francesa Maneki Films, en una coproducción internacional que busca acercar esta historia a audiencias de todo el mundo.Además de sus dos protagonistas, Villaflor cuenta con un elenco de gran nivel integrado por figuras destacadas del cine, el teatro y la televisión. La actriz francesa Camille Cottin interpreta a Alice Domon, una de las religiosas francesas que participaron activamente del grupo de la iglesia Santa Cruz y que también fue víctima de la represión ilegal.Junto a ella aparecen Soledad Villamil, Valeria Lois, Susana Pampin, Alicia Guerra, Vivian El Jaber, Azul Lombardía, Mariela Acosta, Paula Ransenberg, Juliana Muras y Muriel Santa Ana, quienes dan vida a algunas de las mujeres que acompañaron a Azucena Villaflor en los primeros pasos de la organización que más tarde se convertiría en un símbolo mundial de la defensa de los derechos humanos.El elenco se completa con Antonia Bengoechea, José Mehrez, Enrique Piñeyro y una extensa nómina de actores y actrices que participan de una reconstrucción coral de aquellos acontecimientos. Entre ellos figuran Ezequiel Díaz, Ignacio Rogers, Nicolás Vivante, Octavio Rombolá, Pablo Mónaco, Toto Salinas y Valeria Roldán.La producción acaba de finalizar su rodaje luego de 12 semanas de trabajo en distintas locaciones de la provincia de Buenos Aires. Las filmaciones se desarrollaron en la Ciudad de Buenos Aires y en los municipios de Avellaneda, Berazategui, Lanús, Tres de Febrero, Vicente López, San Isidro, Lomas de Zamora y el Partido de la Costa, escenarios elegidos para recrear la atmósfera de la Argentina de fines de la década de 1970.Detrás de cámara, el proyecto reúne a varios profesionales de destacada trayectoria. La dirección de arte estuvo a cargo de Micaela Saiegh, mientras que la fotografía y cámara quedaron en manos de Javier Juliá. El casting fue realizado por Mariana Mitre y Katia Szechtman, el vestuario por Mónica Toschi y el diseño de maquillaje y peinado por Alberto Moccia. El montaje corresponde a Andrés Pepe Estrada y el sonido a Santiago Fumagalli.