musical

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Un puente musical del vallenato al tango

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Desde su salida del famoso grupo musical, Cano se ha reinventado en varias ocasiones, y se ha visto envuelto en numerosos casos muy polémicos

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La vocalista de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado se unió a la cantante y guitarrista de Escorpia en un proyecto con arreglos souleros y de R&B.

Daniela Mori, de su debut en Las Primas a protagonizar un musical de Broadway y el recuerdo de su romance con Milei

Hace cuatro décadas que está en el mundo de la música, pero recién ahora va a protagonizar una comedia musical al estilo Broadway. El 14 de agosto Daniela Mori, o simplemente Daniela como la llaman todos, estrena Rock of Ages en el Teatro Lola Membrives, en donde estará durante seis miércoles, a las 20. Y está emocionada. Desde hace algunas semanas ensaya hasta 14 horas diarias, pero se hizo un ratito para conversar con LA NACIÓN y contar que se trata de un sueño que acaricia desde hace tiempo y es el resultado del amor, el esfuerzo y el talento de familia y amigos. También recuerda sus comienzos en el grupo Las Primas y el romance que vivió con Javier Milei, el presidente de la Nación. "Con Javier estuvimos juntos casi dos años, en 2018 y 2019. Nos conocimos por Instagram, él me puso un like, yo a él", precisa.-¿Qué sabor te quedó de esa relación?-Tengo un muy buen recuerdo de él, quedamos amigos...-Cuando se separó de Fátima Florez se especuló con una reconciliación con vos, ¿qué pensás?-No, creo que los dos estamos en otro momento.-¿Cuándo hablaron por última vez?-Hablamos en el verano, en enero o febrero. Fue un encuentro de mucha alegría, lo felicité, me dijo que tenía razón y que los sueños se cumplen. Porque cuando estábamos juntos hablábamos mucho de eso. Le dije que lo quería mucho y él a mí. Sentimos que fuimos novios en la adolescencia y nos volvimos a encontrar. Quedó mucho cariño. Me dijo que sentía que había sido su primera novia y a mí me pasa lo mismo. Con él me vinculé de una manera muy sana.-¿Te imaginabas que iba a ser Presidente?-Conociéndolo a Javier sí porque es una persona que tiene la capacidad para hacer todo lo que quiera. Es muy inteligente, tiene mucho carisma y puede lograr lo que quiere.-¿Y qué pensás de la actualidad política y social?-Amo mi país. Viví en muchos lugares y siempre quería volver. Seguimos viajando con mis hijas, pero no hay como la Argentina. Cuando salimos bicampeones de la Copa América lloré como una loca. Creo que vamos a salir adelante con el Presidente que nos toque. Hoy está Javier.-¿Volviste a enamorarte?-Estoy con alguien, pero todavía no lo blanqueé. No es del medio, no lo conocen. Soy enamoradiza y ese estado me hace escribir canciones. Estar feliz me hace escribir canciones y por eso digo que mis dos mejores canciones son mis hijas, Daniela y Linda, y la otra era mi mamá, Alicia, y va a seguir siéndolo. Entonces necesito un amor para poder seguir escribiendo... (risas).-¿Por qué decidieron comprar los derechos de Rock of ages y traer este musical a Buenos Aires?-Porque es música de los 80 y esos años me marcaron mucho. Empecé en los 80 en el grupo Las Primas, soy de la primera camada. Fue un momento fuerte en mi vida porque de un día para el otro éramos famosas y había mucho trabajo detrás y para hacer. Aprendí mucho y me enseñó que podía cumplir sueños.-¿Cómo llegaste a Las primas?-Llegué porque una chica me contó que estaban audicionando para formar un grupo de chicas. Tenía 19 años y ya había nacido mi hija Daniela, que era muy chiquita. Fui porque mi sueño siempre fue cantar y quedé elegida; fue la última porque ya estaban las otras cuatro.-Estuviste un par de años y te fuiste del grupo, ¿por qué?-Porque me contrataron de Televisa y me fui a México. Tengo los mejores recuerdos de esa época y hace unos años nos juntamos con Las primas e hicimos una gira, en 2013. Tengo el más lindo de los recuerdos. Viví muchos años en México, me casé con un mexicano y nació Linda. Después nos separamos en buenos términos y volví a mi país porque extrañaba y ahí fue, en donde grabé el álbum que tiene las canciones "Vermelho", "Balanza balanza", "Endúlzame que soy café". Necesitaba estar otra vez en mi país. Viví en México, en España, en Brasil, en Miami y como la Argentina no hay. Siempre con mis hijas, pero no considero que soy mamá y papá al mismo tiempo, sino una supermamá. Y siempre tuve a alguien muy especial en mi vida que fue mi mano derecha, mi mano izquierda y todo, y fue mi madre Alicia (se emociona), que falleció por Covid en pandemia.-Decías que fuiste famosa de la noche a la mañana, ¿cómo lo viviste?-Por suerte no fue difícil porque éramos un grupo. No sé qué hubiera pasado si hubiese estado sola y también creo que no fui consciente de lo que estaba viviendo en ese momento y me di cuenta cuando fui madurando. Después seguí mi carrera como solista y fue diferente porque tenía ya muchos años de experiencia. Entendí que la fama es puro cuento y que, en realidad, el éxito es la felicidad. Ser artista es un trabajo como cualquier otro. Creo que tuve suerte, aunque sé que las oportunidades se buscan. Siempre hago hincapié en que hay que hacer lo que a uno lo hace feliz y que se puede dar. Hay que intentar, nada es fácil ni nada es tan imposible. Los años me hicieron mejor artista.-¿Cómo te estás preparando para Rock of Ages?-Estamos a full. Amo esta comedia musical porque los 80 me marcaron, en esa década nació mi primera hija, amo la música de los 80, mis primeros éxitos fueron ese año. Es una apuesta importante, como un regalo del cielo, porque trabajo con mi hija Linda, que es mi mano derecha. Y mi hija Daniela también trabaja conmigo; además, las dos son maquilladoras. Somos cuatro los productores de Rock of Ages: Daniela, mi hija; Gabriel López que además es el director; Lucas Moyano y yo. Hacer un musical era mi asignatura pendiente y un día Daniela me contó que su amigo Gabriel López también tenía ese sueño. Nos juntamos los cuatro en mi casa y empezamos a soñar y acá estamos. Esto es producto del amor y la amistad, compramos los derechos de la obra y vamos a hacer seis funciones en el teatro Lola Membrives; estrenamos el 14 de agosto y vamos a estar los siguientes miércoles de agosto y septiembre. Me emociona porque es muy fuerte poder trabajar con mis hijas y en una comedia musical con amigos. Tenemos un elenco maravilloso con 20 artistas en el escenario y una banda de músicos en vivo. Hay ensambles, canciones en inglés, en español. Ensayamos entre 12 y 14 horas por día y estoy muy entusiasmada porque, aunque trabajo desde muy joven, este es mi primer musical.-¿Te asusta la competencia de las obras de la avenida Corrientes?-No soy competitiva, tengo mucha empatía con mis colegas y quiero que nos vaya bien a todos. Esta es una apuesta hermosa porque la hago con mis hijas y con amigos. La idea es seguir con funciones y hacer alguna temporada el próximo verano. En algún momento vamos a ir a Paraguay. Soy una kamikaze porque me juego mucho en este show, pero toda mi vida fue así, no me quedo sentada esperando a que me llamen. Fui yo la que primero creí en mí y sigo creyendo.-¿Cómo es trabajar en familia?-Hermoso. Se fue armando el grupo y nos juntamos sin pensar en el negocio, sino en las ganas de crear y seguir apostando al arte. Es un gran desafío. Trabajamos codo a codo y en un contexto que no es nada fácil. Rompimos los chanchitos de alcancía y nos animamos. Además, esta obra está dedicada a mi mamá que estudió teatro y nunca pudo hacerlo a nivel comercial. Me acuerdo de que una vez dijo que actuaba a través de mis ojos, de mi hija. Fue muy fuerte.

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El "recreo" de School of Rock: chocolatadas, rituales, deberes y mucho compañerismo en el entretiempo del musical más visto

Domingo, 17.20. Suenan los últimos temas de School of Rock, en el Gran Rex, con la banda de chicos liderada por una profesor que, en verdad, es un falso educador que pone a la rigurosa institución escolar patas para arriba. Pero después de idas y venidas, la banda guiada por este amante de la música de LED Zeppelin, The Who y AC/DC se sale con la suya. Cuando vuelven a cantar "Vos tomá el poder" el público que cubre la sala más grande de nuestro país se para, canta, aplaude, grita. Fiesta. Clima de recital de rock para esta comedia musical que ya pasó por las grandes ciudades del mundo y que, hasta fin de mes, está haciendo temporada en Buenos Aires. A los minutos, el numeroso elenco sale a saludar para delirio del público de la platea y de las bandejas del Gran Rex. Hasta los que están operando el sonido y la música en la última fila de esta platea, la número 28, se prenden en la celebración. El efecto, se llame rock o cómo se denomine, es contagioso.En una hora y media, la historia escrita por Dewey Finn en la que un cantante y guitarrista de rock echado de su banda se hace pasar por su amigo Ned para ocupar un rol de maestro suplente en un tradicional colegio primario volverá desplegar sus formas. Pero para eso, falta. Ahora, el numeroso público va saliendo hacia la avenida Corrientes mientras el reseteo de esta tremenda maquinaria escénica se traslada a los subsuelos de esta sala con 3262 butacas.Para llegar a ese submundo hay que atravesar la típica puerta custodiada por expertos, mientras el personal de limpieza se prepara para volver a poner en orden la sala. Tras esa puerta surgen pasillos, escaleras, más pasillos, una sala con imágenes de las cámaras de seguridad, más escalones, más pasillos. Por un recoveco se accede a ese escenario que habitaron artistas como Charles Aznavour, Caetano Veloso, Tony Bennett, Liza Minnelli, B.B. King, Fito Páez, Nat Kind Cole, Lou Reed, Gustavo Cerati, Laurie Anderson, Charly García y Joan Manuel Serrat. En el centro del espacio escénico quedó la batería de School of Rock en penumbras, como si aprovechara el "entretiempo" para dormir una siesta, reponer aire, recargar las pilas.Más abajo, empieza la seguidilla de camarines a lo largo de un pasillo por el cual circulan los obreros calificados de este espectáculo que no se toma respiro entre una función y la otra. El primero de los camarines es el que ocupa Agustín "Soy Rada" Aristarán, el inolvidable Tronchatoro de los revoltosos de Matilda. Ocupa el principal, el que se lo conoce como el "camarín de Sandro", figura clave en la historia de esta sala con tantas historias. "No te laburo sino es acá", ironiza el actor, quien acaba de encarar a ese entrañable profesor Finn, quien sabe detectar en los chicos lo que los otros no ven.Hay una guitarra eléctrica, una cafetera y ropa invernal en el sillón. Recibe a LA NACION sin rastro de cansancio, como si estuviera listo para la segunda función. Pero no, esta noche, en una hora y media, su papel estará a cargo de Germán "Tripa" Tripel, que está en un camarín cercano. "En general, termino bien. Pero cuando hago las dos seguidas, dos horas después de haber terminado me baja un cansancio extremo. Es que es una obra de un nivel de exigencia extrema", reconoce Aristarán, quien nunca había encarado un rol de semejante demanda vocal.Llega al teatro a las 13 y arriba recién a su casa a las 22, pensando en qué comer. "Me gusta estar temprano, maquillarme tranquilo, comer con el elenco, hacernos los mismos chistes; somos bichos de teatro. Es una rutina piola, de esas que no pesan. Tenemos mucha suerte de hacer esta obra. Yo siento que estoy en Broadway; flasheo que estoy en pleno Times Square. A veces tengo miedo de despertarme en un manicomio y darme cuenta que todo esto era una mentira". Como es de imaginar, no todas las funciones salen como fueron imaginadas. "El otro día me olvidé una parte entera de un relato y vino uno de los nenes del elenco, me encaró, y me dijo como si nada: 'Profe, ¿no deberíamos ir por acá?'. Y ahí me di cuenta y retomé la escena. Fue él el que me salvó ¡A ese pendejo de 10 años le tengo que hacer un monumento!", confiesa.En el laberinto de pasillos y camarines ubicado debajo de la platea se encuentra gente por todos lados. Algunos todavía siguen con el vestuario que acaban de usar. Otros -los 13 niños que protagonizarán la segunda función del día- están todavía emponchados con ropa de invierno. En los distintos espacios hay una metegol en modo Copa América con jugadores enfervorizados, productores, asistentes, platos con comida que van de un lado al otro y técnicos que preparan los micrófonos. Entre tantas caras, se asoma Isa (Isabella Sorrentino, quien hasta hace un rato era Summer en el gran escenario). Tiene apenas 10 años y cuenta en su currículum haber sido una de las integrantes de Matilda."Volver al Gran Rex fue hermoso. En el escenario se siente toda la adrenalina del público, por eso cuando subimos la rompemos", apunta con una sonrisa que desborda su cara. No parece existir el miedo escénico para ella. Cuando estaba en Matilda tenía cierto temor de olvidarse la letra o de no pegarle a una nota, ahora no. Está relajada, dispuesta a disfrutar cada momento. Entre función y función, los chicos comen algo, filman videítos y juegan, mientras los recién llegados se van preparando. Hoy, Isa no se queda a ver la segunda función porque se tiene que ir a estudiar. De la escuela de rock a la escuela "de verdad".Fausto Fallesen, Zack en el escenario, es otro de los pibes que está en modo estallado luego de haber hecho la primera función. Cuando termina reconoce que siempre se olvida de sacarse el micrófono, pero lo toma con humor. Decididamente, están rockeando lo que más les gusta (como sucede con la banda cuando están en escena cantando, tocando los instrumentos y bailando mientras desafían los mandatos de padres y la rigidez de la directora del colegio). "Lo hacemos con el corazón y los coaches son regenios, nos tratan súper bien. Sin ellos no podríamos haber hecho esto. El momento del saludo final del público es increíble", dicen a coro, en medio de cierto griterío lógico, Romeo Russo, Catalina Giorgi y Victoria Vidal. Evocan ese momento y las tres caras dibujan una única gran sonrisa.Melina Lambierto y Diana Frydman son las encargadas de la producción artística de minoridad. O sea, ofician de nexo entre la parte creativa y la producción respecto de los niños. "Durante el show siempre están con alguna de las dos", asegura Melina, rodeada de chicos, mientras su coequiper mantiene una charla con otro grupo previo a la función. En ese conversación en medio del caos siempre se cuelan frases motivacionales a unos 40 minutos de la segunda función.Ambas tuvieron que llenar una infinidad de papeles para que los menores puedan estar trabajando (o jugando el juego que más les gusta). En el día a día, los desafíos son otros. "Como hay mucha diferencia de edad, entre los 9 y 16 años que tienen los chicos del elenco, la convivencia es más compleja porque, lógicamente, los tiempos son distintos. De todas maneras, antes de la función bajamos la luz de este espacio y hacemos algún ejercicio de concentración porque un actriz y un actor, tenga la edad que tenga, siempre debe estar concentrado antes e salir a escena. De otra forma, no hay manera que salga bien", admite Melina rodeada de la banda de trece chicos que ya están vestidos con sus uniformes, que ya hicieron una prueba de sonido, que ya probaron vestuario. Tal vez uno de ellos fue al que salvó a Soy Rada cuando se olvidó de la letra. Cuentan que nadie del público se dio cuenta de aquello.Como si fuera una verdadera maldad de la puesta, el cambio de vestuario más rápido de esta obra que dirige Ariel del Mastro involucra a los 13 peques (en verdad, a los tres grupos de 13 peques). El cambio de pilchas se tiene que resolver en un minuto y medio. Pasan del uniforme escolar a un modo fashion rockero diseñado por Alejandra Robotti. En ese momento, en las patas del escenario hay una vestuarista para cada uno, mientras Melina les va diciendo los segundos que les quedan para volver. Al principio, costó. Ahora, todo fluye.El camarín que comparten Santiago Otero Ramos y Germán "Tripa" Tripel está atravesado por lo familiar. En el plano de lo real, Santiago, quien hace del amigo del entrañable falso profesor, es su cuñado. A este dato de lo familiar hay que sumar otro geográfico: la hermana de Santiago y pareja del exintegrante de Mambrú es Marisol Otero, quien está haciendo en estos momentos la función de El principito, en el Ópera, la sala que está justo frente al Gran Rex. En el camarín está instaladísima Nina, la hija de 9 años de Tripa, sobrina de Santiago."'Le gusta estar acá, se divierte", reconoce su padre con una indudable chochera. Como en la primera función su personaje -integrante de la banda que compite con la de los chicos- aparece solamente al principio y al final, aprovechó todo ese hueco para cumplir su rol del padre y ayudante escolar. Como mañana Nina tiene prueba de geografía, se la pasaron estudiando. Por eso en la mesada hay un manual entre una botella de ron y algún objeto metalero.Durante este otro hueco entre las dos funciones, el alternante de Soy Rada en funciones ya programadas tiene un altercado menor. En el comedor, un rato antes de subir a escena, le prepara a su hija una chocolatada con varias cucharadas suculentas de cacao. Nina lo prueba y la cara de asco no requiere ni subtítulos ni explicación. Lo prueba él. Nueva cara de asco. En vez de cacao había puesto canela. "Lo más difícil es el bache entre una función y la otra, pero igual la pasamos muy bien", apunta Santiago. Eso sí, como los platos de comida durante el "entretiempo" son tentadores, "temo irme de acá con unos kilos demás". "Tripa", de mucho millaje en musicales, está en el proceso de transformación de ser el malo de la primera función al líder de la banda de los chicos en la segunda. "Me encanta hacer el personaje de Diwi. Ya lo había encarado antes de ser padre en el circuito más off, con Santiago. Ahora, ya siendo padre, disfruto mucho la energía que se da con los nenes y las nenas. Me maravilla el crecimiento que fueron teniendo, me pone muy contento. Y me gusta ser parte de una producción tan cuidada que respetó toda la música de Andrew Lloyd Webber. Yo veo al público y es de recital, de recital de rock", dice el rockero del grupo.Vuelta a los pasillos subterráneos. Por uno de ellos circula Carlos Rottemberg, uno de los productores de este universo fantástico. "Casi tengo asistencia perfecta, vengo siempre -apunta como si estuviera pendiente del boletín de esta escuela de rock que imaginó su hijo Nicolás, quien está cursando el segundo grado-. Es muy emocionante lo que pasa con el público, ¿por qué perdérmelo?". Lo dice con cierta satisfacción indisimulable, El productor entra a un camarín en la que integrantes de su equipo, frente a las pantallas de sus computadoras, comprueban que toda esta gran maquinaria perfecta siga su estricta hoja de ruta.Lo de "gran maquinaria" no es una exageración. Hay números que lo sustentan. En lo que respecta a niños y adolescentes en escena son 13 por función incluidos los cuatro músicos de la banda, conformada por batería, bajo, guitarra y teclado. Por temas legales, hay tres elencos distintos, lo que suma 39 chicos. La obra tiene 27 cuadros musicales y 56 cambios escenográficos a lo largo de casi dos horas de duración.Durante ese tiempo se producen 192 cambios de vestuario. En el momento de empezar cada función hay 76 personas afectadas a este gran engranaje entre músicos, performers, stage managers, utileros, encargados de sonido, peluqueras, maquilladores, vestuaristas y siguen los rubros. Hasta fin de mes, serán 60 veces que la maquinaria levante el gran telón. Contando hasta las funciones del último martes, 45.000 espectadores ya la aplaudieron. Como viene sucediendo desde hace tres semanas, School of Rock encabeza el listado de la obra del circuito comercial con mayor cantidad de espectadores y con mejor recaudación.La producción se inició en octubre. Los 39 chicos y chicas que se alternan en escena fueron elegidos entre 1200 aspirantes (leyó bien). Otro dato: 18 de ellos vienen de hacer Matilda. Para poder traer esa versión teatral inspirada en la película que protagonizó Jack Black se juntaron cuatro productoras: MP Producciones, Ozono Producciones, Carlos y Tomás Rottemberg y Preludio Producciones.Una de las piezas claves para poner en orden el desorden es Juan Zorraquín uno de los dos stage managers. Hasta hace poco, cumplía un rol similar en Legalmente rubia, otra producción de los Rottemberg. De hecho, fue uno de los testimonios de otra crónica sobre el entretiempo que tiene lugar en el Liceo. Ahora, es uno de los capitanes de este transatlántico escénico. "A diferencia de mi trabajo en Legalmenteâ?¦, acá estoy en el escenario a cargo de todo el movimiento de lo que sucede atrás, que es parte de la magia. Durante la obra hay un equipo de 35 personas pendiente de cada movimiento", señala Zorraquín, mientras otro grupo pone a punto el escenario para la segunda función. Su voz es la que suena durante el intervalo señalando los minutos que faltan para volver a levantar el telón y para dar alguna indicación puntual.A diez minutos de que se levante el telón, Sofía Pachano abre la puerta de su camarín. Para el grupo de chicos, ella es como la tía. "Esto es una locura, la paso genial", apunta quien ya había trabajado en la sala. Sus padres (Aníbal Pachano y Ana Sans) hicieron acá la avant premier de la película Evita, de Alan Parker. Tenía apenas seis años y se dio el gusto de pisar el gran escenario. A los 18, integró el ballet estable de Valeria Lynch. Ahora, School of Rock. En esta especie de recreo largo entre las dos funciones le gusta ir a hacia la zona de catering para charlar con sus compañeros. "Como es una temporada corta, dan ganas de conocer bien a todos. Estoy mucho con los nenes y las nenas y no doy abasto de la felicidad que me generan. Cada grupo tiene su energía, lo cual es más atractivo, aunque mi personaje tenga poco contacto con los peques en el escenario", señala quien en minutos volverá a escena.Así como la hija de "Tripa" debió lidiar con un percance con ese chocolatada "acanelada", Ángela Leiva tuvo que pasar por el gabinete de kinesiología. "No se puede hacer un musical de este tipo sin ese servicio", había admitido minutos antes Rottemberg. A minutos de volver al escenario se toma un respiro en su camarín. "Estoy feliz porque todo esto es una nueva etapa en mi vida, en mi carrera; estoy aprendiendo mucho de esta locura que es el teatro musical. Mis compañeros me la hacen fácil. Esto no es fácil", admite quien en escena le toca interpretar a esa rígida directora de una rígida institución escolar por cuyas venas, un tanto ocultas, también corre el rock.Su entretiempo tiene un rutina establecida: comer algo, relajarse y charla un rato con sus compañeros. "Ayudó mucho que, como el grupo de chicos son tres, tuvimos que pasar cada escena por triplicado. Reconozco que los nenes son mucho más profesionales que los protagonistas y los del ensamble. Te lo aseguro, no exagero", señala otra de las tías de esta maquinaria.La voz de Juan Zorraquín vuelve a escucharse por los altoparlantes. Mientras en el público va ocupando sus butacas guiados por el personal de sala, todo el amplio grupo que mueve esta maquinaria se concentra en el salón del catering que se armó hace unos años para las producciones de Cris Morena. Entre chistes y bailes improvisados, cumplen el rito de ubicarse en un extremo de la gran mesa, realizan un conteo para terminar gritando "¡mierda!" mientras se caen los vasos de plástico de la mesa. El show debe continuar.Previa del musical School of RockCumplido el ritual, todos enfilan por el pasillo que da hacia el escenario. Yo no hay gritos. El grado de concentración va aumentando. La gran maquinaria vuelve a ponerse en movimiento. Entonces, nuevamente otro pasillo, otras escaleras, un nuevo pasillo y, de golpe, a plena avenida Corrientes en la vereda de esta gran sala diseñada por Alberto Prebisch, el mismo del Obelisco, inaugurada en 1937.En la puerta, a minutos de comenzar la segunda función, está Carlos Rottemberg junto a Andrés Cordero, un ingeniero de fina de estampa que es el dueño del Gran Rex. "Es un espectáculo de calidad, estoy muy feliz que se esté presentado acá", admite este señor, cuyo abuelo compró estos lotes y mandó a construir esta obra clave del modernismo arquitectónico de Buenos Aires. Con su señora vio la obra de la última fila de la platea. Quizás, sea su forma de tener una visión panorámica de este fenómeno que durante una hora y media estuvo ajustando cada de sus piezas para volver a contar esta historia atrapante.School of Rock, hasta el 28 de este mes, de martes a domingos, a las 15 y a las 19, en el teatro Gran Rex, Corrientes 859. Entradas disponibles en Tu Entrada.

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Cuando Frank conoció a Carlitos. Autores: Raúl López Rossi y Gustavo Manuel González. Directora: Natalia del Castillo. Director musical: Nico Posse. Elenco: Oscar Lajad, Alan Madanes y Antonella Misenti (actores); Victoria Galoto, Ale Andrian y Juan Mendé Jey (bailarines), ensamble y músicos. Vestuario: Analía Morales y Jorge López. Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez. Iluminación: Ariel Gato Ponce. Coreografía: Verónica Pecollo. Sala: Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659). Funciones: de martes a viernes, a las 20; los sábados, a las 18 y 20.30, y los domingos, a las 20. Duración: 80 minutos. Nuestra opinión: excelente.Este musical parte de una leyenda histórica tan improbable como encantadora: la que asegura que en 1934, mientras Carlos Gardel actuaba en la NBC de New York, se presentó en su camarín un joven admirador en busca de guía y consejos, que con los años se convertiría en Frank Sinatra. Por entonces, el Zorzal Criollo tenía 44 años y Francesco Albertino Sinatra Garavato -tal el nombre completo de la futura estrella, oriunda de Nueva Jersey- solo 19. Y aunque uno hablaba en castellano y el otro en inglés (idiomas muy disímiles que mezclaban con un poco de lunfardo y otro tanto de italiano), se habrían entendido y, así, forjado una incipiente amistad que, de no haber sido por el terrible accidente aéreo que al año siguiente le costó la vida a Gardel en Medellín, hubiera tenido más que un capítulo.Cuando Frank conoció a Carlitos nació en 2019 como un proyecto teatral, pero la pandemia trastocó los planes de los autores y productores y el proyecto mutó a telefilm (con dirección de Karina Insausti). Fue rodado durante diez días en julio de 2021 bajo estrictos protocolos de trabajo, y, luego de ser presentado a la prensa en el Café Tortoni, sumado a la programación de la plataforma Disney+ en agosto del año pasado. Sus protagonistas fueron Oscar Lajad, como Carlos Gardel, y Pablo Turturiello como Frank Sinatra. Ahora, finalmente, la pieza recobró su formato original y se estrenó en el Teatro Presidente Alvear, la sala del Complejo Teatral de Buenos Aires destinada a espectáculos musicales.Si bien el telefilm tenía sus valores (fundamentalmente de orden visual), es con esta vuelta a los orígenes -que ahora dirige con mano maestra Natalia del Castillo (Avenida Q, Camarera)- que el proyecto gana fuerza y destila mayor emoción. La historia y las escenas son las mismas, pero todo fluye más armoniosamente y la música en vivo garantiza una inmediata respuesta del público, que aplaude a rabiar cada uno de los tangos interpretados. Asimismo, las cuotas de humor están mejor distribuidas y aprovechadas a lo largo de la trama que, dicho sea de paso, se circunscribe exclusivamente al hipotético encuentro entre Gardel y Sinatra. Todo transcurre en tiempo real, desde que el joven Sinatra golpea a la puerta del camarín de Gardel hasta que se despide de él, charla y visita al roof del edificio de la famosa radio y TV norteamericana mediante.La historia es pequeña, sí, pero altamente disfrutable. Y en el medio transcurren todos los temas que hicieron famoso al Morocho del Abasto (la mayoría compuestos por él mismo): "Mi Buenos Aires querido", "Soledad", Arrabal amargo", "Caminito", "Chorra", "Cuesta abajo", "Margot", "A media luz", "Por una cabeza", "Leguisamo solo", "Cambalache", "Yira yira", "Volver", "Rubias de New York", "La cumparsita" y "El día que me quieras". Algunos son ofrecidos en su totalidad, otros a través de fragmentos. En definitiva, y más allá de la anécdota que cuenta la obra, se trata de un recorrido musical por los highlights del que aún es considerado como el mejor cantante de tangos de todos los tiempos. Y también de un sentido homenaje (que cobra mayor fuerza al llevarse a cabo en una sala oficial y en plena avenida Corrientes).Durante el encuentro entre Carlos Gardel y Frank Sinatra van surgiendo distintos tópicos, en los que el primero da cátedra y el segundo oficia de alumno: las mujeres (en todas sus variantes: la madre, la novia y "los yiros"), el juego, los amigos, la bebida. Y los tangos que se van concatenando son apéndices o apuntes de los mismos, reafirman lo dicho con palabras o impulsan la conversación; de ahí su importancia como columna vertebral del espectáculo. También Cuando Frank conoció a Carlitos oficia de diccionario de lunfardo, al intercalar entre los diálogos términos como "pebeta", "papusa" "churrete", "mina", "cuore", "tarasca", "chamuyo", "biyuya", "cana", "afanar", "bacán", "pilcha", "pingos"; en fin, palabras que definen risueñamente una época y una forma de ser varón, la de la década del 30; la época dorada del tango.Pero lo que más sobresale en Cuando Frank conoció a Carlitos es su nivel de producción y de realización artística. Todos los rubros son de excelencia, desde la escenografía multiuso de Gonzalo Córdoba Estévez hasta las coreografías estilizadas de Verónica Pecollo, pasando por el sugerente diseño de iluminación de Ariel Gato Ponce y el refinado vestuario de Analía Morales y Jorge López. Este riguroso andamiaje técnico-artístico es el marco ideal para las actuaciones, el gran puntal del espectáculo. Oscar Lajad (que ya había interpretado al cantante en algunas funciones de Gardel, el musical, en 2017) tiene la voz y el porte perfectos para encarnarlo, a los que suma toda su experiencia escénica (ganada a través de años en los ensambles de numerosas comedias musicales y luego al frente de su proyecto Tango corrupto) y una gran dosis de picardía. Su labor, aquí, es definitivamente consagratoria.A su lado se destaca Alan Madanes (en reemplazo del inicial Turturiello, que no pudo ser de la partida por estar protagonizando Rent), que -además de cantar muy bien (lo que ya había demostrado en Querido Evan, por ejemplo)- dota al Frank Sinatra en ciernes de candor, simpatía y avidez por comprender la pasión que transmite el tango. Junto a ellos, aunque en un papel muy breve (el de Nancy Barbato, la prometida de Sinatra) se revela para el gran público Antonella Misenti, quien seguramente desarrollará a partir de este musical una gran carrera en el género.Por último, Cuando Frank conoció a Carlitos incluye una orquesta en vivo de doce músicos, dirigida por Nico Posse, tres bailarines de gran técnica y un ensamble de cinco intérpretes, que actúan y bailan. Esto, sumado a lo expresado anteriormente, erige al musical en un verdadero lujo para los tiempos que corren. Se sospecha por el nivel de inversión y por el hecho de que todos los diálogos y las canciones cuentan con subtítulos (que van apareciendo en el extremo superior del telón), que Cuando Frank conoció a Carlitos fue concebido, también, como un espectáculo for export. Si es así, posee todo lo necesario para conquistar el mundo.

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"Hubo una frase de Nico, nuestro hijo, que nos marcó tanto a mi esposa Karina como a mí, '¿por qué si ella es más chica le hicieron una obra y a mí no?' Para él, Matilda surge por ella. Entonces, para no molestarlo, en casa dejamos de hablar del tema, ese fue el acuerdo familiar". Carlos Rottemberg comienza a desnudar la historia de la semilla que fue haciendo germinar la versión del musical School of Rock que brilla en el teatro Gran Rex y es un suceso de la avenida Corrientes."Esta es una historia más familiar que comercial y teatral, aunque todo termina uniéndose. Mi hermanita fue la precursora; pero, como a Nicolás, mi hermanito, el rock lo conmueve de otra manera, decidimos que este sea el proyecto para él". Tomás Rottemberg emociona a quien lo escucha al referirse a sus hermanos menores -que generacionalmente bien podrían ser sus hijos- y de cómo la empresa que maneja junto a su padre tomó cartas en el asunto para resolver el intrincado laberinto fraternal buscando la armonía de los enfants, que lejos de ser terribles -como sostiene la literatura francesa- son dos amores que se pasean por el hall del Gran Rex con la misma naturalidad que sus amiguitos -y ellos mismos- lo hacen frente a la pantalla de un juego virtual.A no confundirse, Matilda y Nico llevan el apellido Rottemberg, así que no es de extrañar que sus patios de juegos sean los teatros. Allí están correteando acompañados por una troupe de compañeritos de la salita de jardín de ella y del segundo grado de la escuela primaria a la que concurre él, en un hall repleto de gente dispuesta a presenciar la "función para conocidos" de School of Rock, la obra donde descuella Agustín "Soy Rada" Aristarán y un nutrido grupete de niños, talentosos artistas cuyo virtuosismo precoz los lleva a actuar, cantar, bailar y hasta tocar instrumentos sobre el escenario.Una escuela, un pseudo profesor de música a la deriva y la irreverencia de una competencia de rock son algunas de las piezas que van organizando el relato de este material conocido en nuestro país por su versión cinematográfica cuyo elenco encabezaron Jack Black, Joan Cusack, Mike White y Sarah Silverman, entre otras figuras.Además de los Rottemberg, la dimensión de la enorme producción que se puede ver en el Gran Rex también es responsabilidad de Mariano Pagani, Ozono (Fernando Moya y Pablo Kohlhuber) y Preludio (Paul Kirzner y Adrián Suar). "Mariano Pagani fue quien nos dijo que había una obra que podía solucionar el problema familiar", recuerda Carlos Rottemberg. Pagani, un experimentado hombre del medio -actualmente radicado en la ciudad de Madrid, pero que sigue produciendo para la Argentina- tenía en mente traer a Buenos Aires School of Rock, proyecto que demoró su llegada debido a la irrupción de la pandemia del Covid. Cuando el empresario se enteró del "conflicto" entre los hermanitos Rottemberg, rápidamente sugirió el título que podría desovillar el nudo de celos.El 20 de agosto del año pasado, LA NACIÓN anticipó el estreno que acaba de producirse sobre la avenida Corrientes. View this post on Instagram A post shared by ð??¦ð??·School Of Rock, el musical. Argentina. (@schoolofrockmusicalar)"¿Cómo se le explica a un nene que su hermana tuvo su obra y él aún no?", se pregunta Tomás Rottemberg con sentido común. Nicolás pronto cumplirá ocho años y Matilda ya va por cinco, toda una damita joven de la escena porteña que juega libremente por el Gran Rex, aunque con la mirada atenta de Karina Pérez Moretto, su madre, la esposa de Carlos Rottemberg.Las historias a veces se repiten. Este puede ser un caso. Cuando Carlos Rotemberg tenía entre ocho y nueve años, abandonó su vocación por ser colectivero, inspirado en la línea 55, un símbolo vapuleado de Lomas del Mirador y de Mataderos, los barrios de su infancia, que sigue surcando la ciudad entre Barrancas de Belgrano y San Justo. Sin embargo, una epifanía operó en él cuando su madre lo llevó a ver un clásico con Julie Andrews y Christopher Plummer al Ambassador, una sala gigantesca de Lavalle -la "calle de los cines". Los caprichos de la vida, ubicaron al antiguo cinematógrafo -que cerró en agosto de 1998- prácticamente a la vuelta del Gran Rex, donde hoy se ve el musical de los Rottemberg y del Multitabaris, uno de los complejos propiedad de la familia.Rottemberg lo expone muy bien en su libro autobiográfico No hay más localidades: "Paradójicamente, cuando se apagaron las luces de la sala fue la oscuridad lo que me aclaró todo. Comenzaba la proyección de la película que definiría mi historia: La novicia rebelde". Unas líneas más adelante agrega: "Me puse a llorar, sin poder entender ese estado de emoción que duró no sólo mientras transcurría la película, sino que siguió sobre la muzzarella de la pizzería Roma". Vaya a saber qué manifestación ya se ha producido en Nicolás y Matilda, porque en Tomás está muy clara.No hay mandatos familiares, sino una clara influencia de esa vocación que acompaña a Carlos Rottemberg desde que era un niño y que trasladó a sus hijos de manera natural. Tomás -su heredero mayor, fruto de su matrimonio con la actriz Linda Peretz- tiene nombre propio y es uno de los profesionales de la industria más requeridos. "Hoy Nico, antes de salir para el colegio, me dijo que quería ser productor, pero hay que ver qué camino toma", se sincera el padre, aunque confiado que la dinastía no terminará en "Tomy".De tal palo...Para Nicolás y Matilda Rottemberg, el foyer racionalista del Gran Rex -diseñado por el afamado arquitecto Alberto Prebisch- es un parque de diversiones o una plaza pública, casi retomando la tradición social del teatro griego. Cuando los niños llegan, ingresan corriendo con naturalidad y euforia. Carlos le ofrece a Nico las localidades para que pueda entregarles a sus amigos. Cuando se le pregunta al niño de qué va a trabajar cuando sea grande, no duda en señalar a su papá y decir: "Lo mismo que vos".Matilda y Nico, con olfato e instinto, corren hacia la boletería. El nene lleva en sus manos una pila de entradas para entregar a los conocidos que se acercaron al preestreno. Verlos, detrás de los vidrios, intentando despachar los tickets es como una escena anticipatoria. Un prefacio de una historia que bien podrá plasmarse, por lo menos, en dos décadas. ¿O menos? Los chicos vienen rápidos.Nico: -Me gusta el rock, por eso se llama Escuela de Rock.Matilda: -Es fea.Matilda es lapidaria solo para camorrear a su hermano buscando, competencia al fin, que la nueva propuesta no opaque el éxito anterior. Su éxito. Sin embargo, la simulación actoral se sostiene poco, la niña está ansiosa por ingresar a la sala para disfrutar del show muy bien pensado para la platea infantojuvenil y también para el público adulto. Durante el invierno 2023, Matilda vendió 140.000 tickets. Si se suman las funciones que el espectáculo realizó a comienzos de este año, la cifra asciende a 160.000.La pequeña Matilda -la real- decía "mi obra está en el 'Ran Rex'". Nico la cargaba porque no podía pronunciar bien el nombre del teatro. La nena, además, alguna vez escuchó que "su" obra llevaba vendidos 8000 tickets y su imaginario detuvo la cifra ahí. "Si le preguntás cuántas entradas vendió Matilda, siempre te va a tirar esa cifra", se ríe Carlos Rottemberg, aliviado porque el bordereaux fue muy superior.-Matilda, ¿cuántas entradas vendió "tu obra"?Matilda: -No quiero decirlo ahora.Nico: -Cien.Los chicos bien podrían sumarse a la guerra de las boleterías que cada verano se produce en las plazas como Mar del Plata o Villa Carlos Paz. Nico sostiene que le va a ganar a la hermana. Enhorabuena.Nico, que toca la batería, se encargó de organizar dónde colocar los afiches de la obra en su cuarto: "Mi papá los puso en un lugar, pero yo los cambié".-Nico, ¿te gusta venir al teatro y ver ingresar al público?Nico: -Sí, pero el año pasado también veía la obra al costado del escenario.-¿Te gusta más estar en la boletería o en el escenario?Nico: -En el escenario.Carlos y Tomás Rottemberg no lo presionan. Acaso su vocación se de en alguna área vinculada a la escena. Matilda, en cambio, con su media voz de niña reconoce que lo que más le gusta es "estar en la boletería".Nico asegura que es "más divertido el teatro que la escuela", pero su hermana sostiene exactamente lo contrario. Son un Boca-River perfecto. Como todos los hermanos a esa edad. El padre le explica a su hijo que su metier implica trabajar los sábados y domingos, en lugar de ir a pasear, como lo hacen la mayoría de las personas, pero el niño asiente, dejando entrever que tiene claro cuál es el "debe" y el "haber" del negocio. Al igual que para Carlos y Tomás, no sería un sacrificio mutar paseos en lancha por el Tigre por tardes y noches inmiscuido entre planillas de cálculo y escenografías.Los hermanitos también se reparten las opiniones cuando se les pregunta si es más "exigente" papá Carlos o el hermano mayor Tomás. Para Nico, su hermano es un faro que le marca el paso, pero Matilda señala a su padre.Ambos se enorgullecen de conocer a Agustín "Soy Rada" Aristarán, quien también fuera protagonista de Matilda y ahora es la estrella indiscutida de School of Rock. Pero, ante el pecho inflado por ser consultados por LA NACIÓN, Tomás les recuerda que "el año pasado corrieron un poco" y a los niños no les queda otra que reconocer que la máscara del personaje Tronchatoro, que interpretaba el actor, un poco de susto les generaba; aunque Matilda después baja los decibeles y afirma que les "regalaba caramelos" y que los invitó a su espectáculo de magia.-¿Cómo le contaron sobre el proyecto a Nico?Carlos Rottemberg: -Le dijimos que había un amigo, porque si nos referíamos a un productor era algo más inaccesible para él, no nos iba a entender, que tenía una obra para nosotros y le mostramos el afiche.-¿Qué respondió?Carlos Rottemberg: -No dudó en decirnos "a mí me gusta el rock" y le dijo a la hermana, "esta es mi obra". Ahí comenzó la disputa.Carlos y Tomás S.A."Hay un compromiso familiar de todas las partes. Nosotros les decimos al público, 'vengan a verla porque es lo que nosotros vemos con los nuestros', sale de lo común, no es sólo vender entradas para un espectáculo de teatro, sino poder transmitirles pedagógicamente a los padres de qué se trata la propuesta. Además, trabajan chicos que no solo actúan, cantan y bailan, sino que también tocan los instrumentos en escena", se ufana Carlos Rottemberg en torno a School of Rock, la nueva perlita de su empresa.En igual sintonía, su hijo Tomás sostiene que "uno de los aspectos más atractivos del espectáculo es ver a los chicos tocar instrumentos, algo que también seduce mucho a la platea adulta, porque es una propuesta multitarget".Hace varios años que la empresa de los Rottemberg convirtió al teatro Liceo, de su propiedad, en una sala dedicada a los musicales; aunque esta "nueva era" se inició con Casi normales, título que no era una producción propia. Este año, en cambio, Legalmente rubia, que se ofrece en esa sala -el teatro privado en funcionamiento más antiguo de la ciudad- es una producción propia. Piaf y Cabaret fueron algunos de los títulos que se pudieron ver en este teatro ubicado frente a la plaza lindante con el Congreso."Se trata de una unidad de negocios diferente a lo que acostumbramos hacer", grafica Tomás, mientras que su padre argumenta que se dan " estos gustos que parecen ir contra natura con la situación económica de hoy. Esto comenzó como un juego y se convirtió en un gran juego".Enfrentarse a las marquesinas de las salas de los Rottemberg es encontrarse con un seleccionado de artistas populares. Alrededor de 60 actores hoy forman el staff que protagonizan las obras. En verano, cuando se suman las salas América, Atlas, Mar del Plata, Lido, Bristol y Neptuno, todas ubicadas en "La Feliz", esa cifra se multiplica. A eso hay que sumarle personal administrativo, boleteros, productores de campo, técnicos, equipos creativos, personal de limpieza y unos cuantos trabajadores que llegan de empresas externas contratadas para realizar tareas específicas. Una verdadera "armada Brancaleone" que pone en marcha la factoría cada día desde el amanecer hasta la madrugada.Pero Carlos Rottemberg no deja de lado un aspecto fundamental de su metier: "Hacer teatro es pensar en la generación de cultura. Mientras nosotros estamos tomando este café, al lado se está produciendo un hecho artístico que llevó diez meses de trabajo", sostiene, acomodado en un bar lindante con el Gran Rex donde se desarrolla la función de School of rock.Tomás piensa en la empresa familiar a futuro y su perspectiva no desemboca en la siguiente temporada, sino que su mirada focaliza en la realidad escénica en un futuro lejano: "Hay que pensar en eso, en qué queremos y qué no y cómo entendemos que puede ser la realidad del teatro en treinta años. Seguir una empresa familiar y hacerlo desde la autenticidad y las ganas, es súper valioso; y buscando darle un valor agregado con nuevos proyectos e ideas que puedan venir".La injerencia de Tomás es fundamental. Indudablemente, varios de los títulos en cartel tienen que ver con su mirada atravesada por lo etario. "La diferencia generacional suma. El camino es sinérgico entre una voz con experiencia y una voz con un camino más corto, pero ya con veinte años de trabajo encima, como en mi caso", sostiene el joven empresario que ya construyó su propio camino."Desde hace unos años siento que, si por algún motivo me alejase de la actividad o me retirase, Tomás no me necesita para seguir adelante, él tomó la posta. A veces, me entero que llegan obra a las salas de casualidad y, cuando pregunto, me dicen 'la programó Tomás'. Por ejemplo, me enteré por un cartel que íbamos a tener en nuestras salas a Las cosas maravillosas", dice el padre que se esfuerza porque no se le note el pecho hinchado de orgullo.La función de School of Rock está por finalizar. Es hora que Carlos y Tomás -que ya vieron varias "pasadas" de la obra- abandonen el café y regresen al Gran Rex para testear de primera mano la respuesta de los espectadores, pero, sobre todo, para constatar la opinión de Matilda y Nico. Acaso la que más importa.Carlos Rottemberg advierte, por las dudas, "después de esta obra, no hay otra para ninguno de los dos". Aunque es un padre de palabra, mucho no hay que creerle. Quizás el próximo proyecto venga de la mano de una idea que sea del gusto compartido de sus dos hijos. Tratándose de los Rottemberg, obras nunca van a faltar. De hecho, durante las próximas vacaciones de invierno, la familia entera viajará a Londres -una de las cunas del género- para aplaudir musicales en el mismísimo Piccadilly Circus. "Cómo no vamos a ir con ellos, si demostraron ser los mejores programadores", cierra papá Carlos convencido del virtuosismo de Matilda y Nicolás. En Buenos Aires se quedará Tomás, al frente de esta industria que no necesita de chimeneas para sostener su producción sin pausa.Concluyó la función. El hall volvió a ser un hormiguero. "Había un montón de gente", se ufana Nico. Y su hermana Matilda le retruca pensando en su performance del año pasado, "yo ya vendí ocho mil". Rottemberg en estado puro.

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En esta época del año, a días del inicio de las vacaciones de invierno, la cartelera comercial de Buenos Aires saca a relucir sus fichas más competitivas. A falta de ficción en la TV abierta, actualmente coinciden en el eje de la Avenida Corrientes y sus alrededores una variedad de artistas de alto impacto como pocas veces se ha visto. Entre la variedad de ofertas disponibles aparece Mamma mia!, el musical que protagoniza Florencia Peña basado en la música de ABBA. En contra de cierto sentido común de la producción del circuito comercial, el último registro de audiencia vuelve a poner esta propuesta dirigida por Ricky Pashkus en lo más alto del podio, mano a mano con School of Rock. Lo concreto es que, desde el verano, cuando debutó a varios kilómetros del Obelisco, esta propuesta no para acumular rarezas y particularidades.A priori, que Mamma mia! haya tenido una versión anterior no hace tanto tiempo (fue en la temporada de 2012), haría suponer que disminuye las posibilidades de lograr una buena taquilla. Pero, en los hechos, eso no viene sucediendo. Tampoco suele ocurrir que en un espectáculo estrenado en la temporada de verano de Carlos Paz, como sucedió aquí, se traslade a la cartelera porteña. Si Stravaganza lo hizo en 2021, esta puesta que transcurre en una isla griega, apela a canciones del grupo pop sueco y debutó en Carlos Paz, desembarcó en Buenos Aires a lo grande. En ese sentido, sigue los pasos de aquella propuesta de Flavio Mendoza, que dejó un mojón histórico en lo que hace a cantidad de público en las temporadas de verano.Aquí, en la competitiva plaza porteña, la semana pasada Mamma mia! se puso al frente del listado de los 10 espectáculos con mayor cantidad de público según las últimas estadísticas de Aadet, la cámara que reúne a empresarios y dueños de sala del teatro comercial. Hay que hacer una salvedad o agregar otra rareza a esta obra: en Carlos Paz le fue muy bien, pero no la "rompió". En general, anduvo detrás de la comedia de Pedro Alfonso, según el registro de audiencia. Eso sí, se llevó el Premio Carlos de Oro y tanto Peña, como Pashkus, como Alejandra Perlusky y la producción subieron al escenario para recibir sus respectivos galardones.En Buenos Aires, en mayo pasado desembarcó en el Teatro Coliseo, una gran sala un tanto alejada del eje de la Avenida Corrientes. Pero las evidencias indican que es eso tampoco importa. Al parecer, Mamma mia! todo lo puede. Desde hace dos semanas, el más puro pop con onda ochentosa está cabeza a cabeza con School of Rock, esa aplanadora que protagonizan Agustín "Soy Rada" Aristarán, Ángela Leiva, Sofía Pachano y Santiago Otero Ramos junto con una banda de pibes que la rockean apelando también a un universo del heavy metal de décadas pasada. Lo retro, gana.El cerebro del éxitoDetrás del fenómeno de Mamma mía! está el productor Miguel Pardo, empresario del espectáculo que divide sus tiempo entre España e Italia y entre la provincia de Córdoba y Buenos Aires. Dueño del Teatro Luxor en Carlos Paz, como de tantas otra salas del país, reconoce que programar comedias musicales es como jugar otro partido. Lo dice un señor de mucho millaje que ha producido en la villa cordobesa Stravaganza y que llevó el año pasado a Kinky Boots, con Federico Bal, luego de haberse estrenado en Buenos Aires. Pero este año invirtió la hoja de ruta: Mamma mia! se estrenó en Carlos Paz y, actualmente, está en el Teatro Coliseo. "Era una jugada y salió bien. Diría que es un golazo", apunta en comunicación telefónica con LA NACION desde Castelldefels, cerca de Barcelona.El programar por segunda temporada en Carlos Paz una comedia musical responde a su intención de que el público de esa provincia se familiarice con un género que este año, en Buenos Aires, propone títulos como Legalmente rubia, Rent o Come From Away, entre tantos otros. En aquella jugada en la villa serrana reconoce que muchos personas de la capital cordobesa hicieron los 40 kilómetros de distancia para ver esta producción estrenada originalmente en la temporada de 1999, en el West End de Londres; para toparse con esos 30 artistas en escena que hacen posible la fiesta pop con canciones que todos conocen. View this post on Instagram A post shared by Florencia PenÌ?a (@flor_de_p)"Con Mamma mia! pudimos imponer la comedia musical en Carlos Paz. De hecho, volvimos para Semana Santa y fue un golazo. Lo mismo sucedió cuando hicimos algunas funciones en Rosario. Cuando vi la impresionante preventa que tuvimos ahí decidí apostar por Buenos Aires, cuyo púbico es similar al santafesino. Me quedaba claro que un éxito en Carlos Paz no asegura nada en Buenos Aires, pero esta vez fue cartón lleno. En perspectiva, lo importante de todo esto es que la costumbre de ver comedias musicales se va estableciendo en Buenos Aires como en otras plazas", asegura el experimentado productor, que ha programado a artistas como Fátima Florez, distintas producciones de Flavio Mendoza o shows del cantante Ulises Bueno.Una tendenciaFrente a la actual cartelera porteña, con la variedad de musicales en cartel que tan buenos resultados tienen en boletería, saca una conclusión: "Nos estamos acercando a la tendencia de dos plazas históricas, como Londres y Nueva York, o con lo que viene sucediendo en Madrid (no así en Barcelona). Creo que lo que está pasando en Buenos Aires en relación con las comedias musicales es la punta de un iceberg de lo que vendrá, aunque todo esto suceda en momentos de crisis como la que vivimos. Los últimos datos estadísticos con dos musicales encabezando el ranking de preferencia de público marca una tendencia".La primera vez que llevó una comedia musical a Carlos Paz fue con Arlequino, una puesta del grupo La Banda de la Risa. Aquello fue a finales de los 90. No funcionó. Con el éxito obtenido por Kinky Boots y por Mamma mia!, ahora va por más. Por lo pronto, la historia de las canciones de ABBA con Florencia Peña, Malena Ratner, Alejandro Paker, Leo Bosio y Alejandra Perluski, entre otros; luego de Buenos Aires recalará en Mar del Plata. "Nos juntamos con Carlos Rottemberg antes de venirme a Europa y arreglamos de llevarla al Atlas, que es una de sus salas en La Feliz. La idea es debutar el 6 de diciembre para que la gente del Partido de la Costa pueda verla, porque ese público durante el verano trabaja para el turismo o ni se le ocurre ir al centro de Mar del Plata. Quiero ganarme al público local. Hay que transgredir un poco, quizás salga bien...", asegura sobre esta espectáculo que sigue sumando rarezas en lo que hace a su recorrido.Envalentonado, para el año próximo ya tiene otros dos musicales en carpeta que vio en Madrid: Raffaella, el musical basado en la música de la cantante italiana Raffaella Carrà que se estrenará en un año en Buenos Aires; y Pretty Woman (Mujer bonita), versión musical de aquella película que protagonizaron Julia Roberts y Richard Gere. "Lo retro es lo mío", ironiza Miguel Pardo. Hace unos meses estuvo en la capital española junto con Ricky Pashkus y Florencia Peña viendo Pretty Woman. Todo indica que la dupla volverá a trabajar junta aunque, por ahora, el señor que está detrás de todo esto prefiere no dar detalles de los dos próximos montajes ni de un tercero que tiene en mente. La energía está concentrada en la fiesta pop que transcurre en una isla griega. Con Mar del Plata como horizonte, la historia de Mamma mía! continúa.

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Con School of Rock Soy Rada se consagra como el rey del musical porteño

Muy bien acompañado por Angela Leiva y con la participación especial de Germán Tripel, Agustín Aristarán se lleva todos los aplausos en su composición de Dewey Finn. No es un infantil pese a estrenarse para vacaciones de invierno. Es un gran musical que incluye a los mejores actores juveniles en el equipo. Leer más

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Encuentro musical de alto vuelo

School of Rock: una aplanadora musical con un gran protagonista y una encantadora banda de chicos

Autores: Andrew Lloyd Webber (música), Glenn Slater (letras) y Julian Fellowes (texto). Adaptación: Natalia Del Castillo y Santiago Fernández. Director general: Ariel Del Mastro. Director de actores: Marcelo Caballero. Director musical: Pablo Pupillo. Intérpretes: Agustín "Soy Rada" Aristarán, Ángela Leiva, Sofía Pachano, Santiago Otero Ramos, Germán "Tripa" Tripel y otros. Vestuario: Alejandra Robotti. Escenografía: Jorge Ferrari. Iluminación: Lucas Gringas. Coreografía: Analía González. Teatro: Gran Rex (Av. Corrientes 857). Funciones: martes, miércoles, jueves y viernes a las 20, sábados y domingos a las 15 y 19; y durante las vacaciones de invierno: de lunes a domingos a las 15 y 19. Duración: 150 minutos. Nuestra opinión: muy buena.Al parecer, los musicales que más funcionan en Buenos Aires son los que remiten a un origen cinematográfico. Sólo bastan enumerar títulos como Tootsie, Mamma mia! y Legalmente rubia. Y ni qué hablar si incluyen niños en su elenco, porque los torna más familiares y convocantes, como fue el caso de Matilda el año pasado. En esta temporada, esa misma fórmula se vuelve a repetir en School of Rock, con un nutrido grupo de chicos que además de actuar, cantar y bailar, tocan diversos instrumentos.El musical está basado en la exitosa película homónima de 2003, protagonizada por el comediante Jack Black, y repite casi milimétricamente todo su argumento. Es la historia de Dewey Finn, un cantante y guitarrista de rock que de la noche a la mañana es despedido de su banda (No Vacancy) y debe rebuscárselas para sobrevivir. A tono con su desfachatez, se hace pasar por su amigo Ned Schneebly (con quien convive) y termina ocupando su rol de maestro suplente en un tradicional colegio primario. Allí descubre que los alumnos tienen un talento insospechado para la música y, pese a la reticencia del establecimiento y de los padres, los alienta para desarrollar sus dones y hasta participar en "una batalla de bandas". En el medio también logrará conmover y hasta enamorar a la directora Rosalie Mullins, quien así, también, retomará su pasión por el canto y el rock and roll.Lamentablemente, el musical -estrenado en Broadway en 2015, donde permaneció en cartel durante cuatro años- no incluye los temas que conformaban la notoria banda sonora del film, entre ellos varios clásicos de Led Zeppelin, The Who, The Doors, The Black Keys, Cream, T. Rex, Ramones, The Stooges y AC/DC. Aquí todas las canciones son de la autoría de Andrew Lloyd Webber, un experto en el género teatral, con pedigrí de master por títulos como El fantasma de la ópera, Evita, Cats y Sunset Boulevard, pero sin grandes antecedentes en el rock salvo por la ópera rock Jesucristo Superstar, de sus comienzos. De ahí algunas repeticiones y/o falta de variaciones sonoras a lo largo de las dos horas y media que dura el espectáculo. No obstante, la potente conjunción de una orquesta de músicos adultos y profesionales, en el foso, con la de los niños debutantes, en el escenario, hacen olvidar las falencias del autor y convierten la velada en un evento musical inusual, de efecto aplanadora.De todos modos, el fuerte de School of Rock son las actuaciones. Si bien la elección de Agustín "Soy Rada" Aristarán como Dewey Finn podría sorprender en un principio por adolecer del tipo de voz adecuado para el personaje, luego queda clarísimo que fue (muy bien) escogido por su singular capacidad histriónica, que le permite insuflar gracia y humor a cada una de las escenas (y de paso contagiar al resto de sus compañeros). Es sin dudas el puntal del elenco y del espectáculo. Su trabajo, absolutamente demandante, supera con creces al del año pasado en Matilda y le garantiza un sitial de privilegio en los castings de musicales venideros. A su lado, debuta en teatro la cantante Ángela Leiva (con antecedentes actorales únicamente en televisión), como la directora Rosalie Mullins, y lo hace muy bien. A la hora de cantar, sola o junto a Aristarán, su aporte es invalorable. Sus temas "Reina de la noche" y "¿Dónde fue el rock?" dejan la vara bien alta y con ganas de seguir escuchándola. Como el amigo Ned Schneebly y su novia Patty Di Marco se destacan Santiago Otero Ramos y Sofía Pachano, fundamentalmente la actriz, quien hace gala de su notoria vis cómica. También, aunque en un rol muy pequeño, brilla Germán "Tripa" Tripel, como Theo, el cantante original de la banda No Vacancy. Seguramente sus programadas funciones como alternante en el rol principal le permitirán próximamente al ex Mambrú lucir todo el rango de su voz "rota", tan adecuada para cantar rock. Por último, pero no en menor lugar de importancia, hay que reconocer el trabajo de todos -absolutamente todos- los niños que participan de los tres elencos infantiles (de 13 integrantes cada uno, con edades que oscilan entre los nueve y los 15 años, que alternan su presencia entre las numerosas y exigentes funciones de cada semana), que le ponen alegría y espontaneidad a la obra. Son el alma de School of Rock y sin ellos (como ya ocurrió con Matilda) sería otro el resultado.Asimismo, debe reconocerse la labor de la coreógrafa Analía González, quien planteó aquí una dinámica de bailes muy compleja que suma bríos y color a la puesta local. Y la del eximio escenógrafo Jorge Ferrari, experto en generar magia en todo tipo de escenarios. Como responsable de la dirección general de School of Rock, Ariel Del Mastro suma un laurel más a su corona, crédito que debe compartir en parte con Marcelo Caballero, encargado de la dirección de actores que, como ya fue dicho, es uno de los puntos altos del show. En definitiva, School of Rock no pasará a la historia como uno de los mejores musicales. Ni entraña uno de los trabajos más inspirados de Andrew Lloyd Webber. Sin embargo, es un gran espectáculo al que la versión argentina -con altísimo nivel artístico y de producción- hace honor y mejora.

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Mirtha Legrand reveló qué instrumento musical toca y sorprendió a sus invitados

Mirtha Legrand tuvo otro gran programa en La Noche de Mirtha (eltrece), con un selecto grupo de invitados: el conductor Leandro "Chino" Leunis, el periodista Alfredo Leuco, la actriz María Fernanda Callejón y la bailarina y productora Noelia Marzol. Como todas sus emisiones de este año, la "Chiqui" estuvo encendida a la hora de hacer preguntas e interactuar con las figuras, pero también se tomó algunos minutos para contar detalles de su vida personal y de su intachable trayectoria laboral, algo que gusta mucho al público.Mirtha Legrand es una leyenda de la televisión argentina. Desde muy pequeña comenzó su carrera artística como actriz, aunque los años la llevaron a la pantalla chica y a su posterior éxito, Almorzando con Mirtha Legrand, donde entrevistó a todo tipo de personalidades. Sin embargo, existen algunos detalles que se desconocen de su vida personal y este sábado reveló qué instrumento musical aprendió a tocar en su adolescencia, lo cual sorprendió a los invitados.La Noche de Mirtha tuvo de todo: anécdotas, risas y reflexión. Y cada uno de los invitados aprovechó su momento con la "Chiqui" para contar un poco de su situación laboral actual.En un momento de la noche, Noelia Marzol contó un poco de su primer show teatral como productora y la mesa opinó sobre el presente del teatro con varias obras exitosas en cartelera. En ese momento, el Chino Leunis aprovechó para preguntarle cómo hacía la "Chiqui" para manera su popularidad en cada aparición en los teatros, y ella respondió: "Son muchos años, querido. Empecé a los 14 años, una nena. Ahora tengo esta edad y sigo trabajando. Caso único. Nunca paré de trabajar".Alfredo Leuco le consultó sobre la familia a esa edad y la conductora explicó: "Mi padre había muerto ya. Mi madre nos hacía estudiar de todo, música, piano, zapato americano, que nunca nos sirvió para nada, danzas españolas". Fue ahí cuando reveló: "Yo toco las castañuelas". La respuesta sorprendió a los invitados por la cantidad de disciplinas que desarrolló desde pequeña, y por ese último detalle en particular.Luego, para cerrar el tema, añadió: "Así que estábamos destinados ya, los tres hermanos; mi hermano José Martínez Suárez y mi hermana 'Goldie' Legrand, que era mi compañera". Mirtha se emocionó en ese momento al recordar a sus hermanos fallecidos y les envió un beso al cielo.En el extenso caudal de público que tiene a lo largo del país, a muchos les gusta cuando la conductora rememora parte de su vida personal o de su vida en la televisión argentina, ya que tiene una gran cantidad de anécdotas.Por ejemplo, hace poco se viralizó el video donde afirmó que conoció al expresidente Juan Domingo Perón y respondió la pregunta de si es verdad, como dice la leyenda, de que él quiso seducirla. "¿Qué qué?", reaccionó la Chiqui. "No, ¡no! Nunca lo leí, nunca lo supe a eso", soltó y se rió. "Me hubiera encantado", remató y despertó la carcajada de sus invitados que se sorprendieron por la respuesta.

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Leo Bosio: la enfermedad que lo bajó de los escenarios, su curación y la felicidad de volver con un gran musical; "Fui un milagro"

La situación bien podría ser el guion literario de un capítulo de ER Emergencias. El sonido acelerado de los monitores de signos vitales, residentes que corren de una lado para el otro en busca de los médicos del área y los enfermeros de turno que se gritan entre ellos "no le podemos subir la presión, se nos va". Una angustia generalizada mientras el paciente en cuestión los mira desde otro plano, tal vez ya transitando el camino inconsciente que va de la vida a la muerte. Y en ese entrepiso existencial, con humor y resignación dice con voz en off: "Qué les pasa muchachos, tranquilícense que está todo bien". Quien describe el momento no es otro que el actor Leo Bosio, contando lo que vivió durante su enfermedad a causa de un linfoma de Burkitt, el cual lo alejó durante un año y medio de los escenarios, hasta recuperarse y volver con gloria a la exitosa Mamma mia!, actualmente en cartel en el teatro Coliseo. Y agrega con emoción y nerviosismo: "Veía a todos que iban y venían desesperados y yo estaba 'en Disney', muy relajado, en otra realidad. Me estaba muriendo. El año pasado, cuando lo peor ya había pasado, mis médicos me dijeron que fui un milagro".Durante la entrevista con LA NACION, Leonardo Bosio pasará por todas las emociones posibles. Es que tiene mucho para contar. Sus momentos de gloria, como cuando protagonizó la primera puesta de Rent en el Konex, en 2008, y lo oscuro, el suicidio de su padre. A ojos de hoy, Bosio es un resiliente que pasó varias veces del infierno al cielo y viceversa en segundos. Pero por estos días está feliz, su personaje de Harry Bright en la versión teatral de Mamma mia! le da toda la dulzura que necesita tras el huracán sufrido en sus últimos años. Y si hay alguien que digita todo detrás suyo, como un Dios todopoderoso que decidió dejarlo en la tierra más tiempo, incluir la banda sonora de ABBA parecería ser otro de sus aciertos. Su cuadro junto a su amiga del alma Flor Peña al son de Our Last Summer es de una belleza absoluta."Llego a Mamma mia! porque la llamaron a Flor Peña para proponerle la obra y estábamos juntos. Habló un rato y, cuando corta, me dice que si había un papel para mí, la hacíamos juntos. Le dije que sí, que había tres padres, que para el novio de la hija ya no tenía edad pero para ser uno de los padres sí. Yo había visto la versión de Marisol Otero en 2012 e inmediatamente supe que Flor iba a estar a la altura de esta madre llamada Donna que en cine la representó nada menos que Meryl Streep.-¿Ya había trabajado con su director, Ricky Pashkus? Tiene fama de ser muy perfeccionista.-Ricky Pashkus me bochó en todas las audiciones que hice para él. La primera fue en 1997 para la obra Pinti canta las 40 y el Maipo cumple 90. Pasé la prueba de canto pero no la de danza, porque había que estar en calza y en cuero, y yo claramente nunca tuve un cuerpo fitness. Después de esa vez, reboté siempre. Y aunque en el mundo de la comedia musical ya tenía el reconocimiento de mis pares, nunca quedé en ninguna de sus obras.-Los 'no' de Pashkus, como bien dijo, no le impidieron hacerse un nombre dentro de la comedia musical argentina.-Todos sus 'no' me abrieron muchos sí. Me permitieron escribir mis propias obras y fueron procesos muy lindos. Aunque dolieron sus rechazos, los agradezco porque me dieron la posibilidad de volar por mi lado y además terminó todo con un tremendo sí que fue Mamma mia! En el medio tuvo algunos logros personales como Rent, Por amor a Sandro y una obra escrita por mí, llamada Apenas, que me dio muchas satisfacciones.-¿Esperaba el éxito que tuvo la obra en la temporada de verano en Córdoba, y el actual en Buenos Aires?-La verdad que sí. Si bien hay mucho prejuicio sobre la música de ABBA, creo que la banda entendió algo de la fibra emocional humana y por eso su éxito mundial. Esa misma vibra, entre emotiva y festiva, la transmitimos al público y cada función termina siendo una fiesta.Entre ídolosLeo Bosio nació en Rosario el 4 de julio de 1976. Cuna de artistas, como se conoce a dicha ciudad, su caso no fue la excepción. Pero antes hubo una infancia que lo tuvo vinculado al básquet, jugando como base. Una tarde, yendo al entrenamiento de su equipo, quedó impactado por la presencia de un hombre y una mujer en la puerta de un teatro del cual salía ese característico humo que le da trascendencia a cualquier escena. Al preguntarles qué iban a presentar, ambos le dijeron Drácula. A sus 13 años, tras ver la obra junto con su madre entendió que quería hacer eso toda su vida y que, a quienes había visto en la calle eran Pepe Cibrián y Cecilia Milone. Dejó el básquet, se puso a estudiar comedia musical y como quien tira una botella al mar, envió una carta a Italia para concursar por una beca para estudiar teatro con Franco Zeffirelli en Nápoles. A los pocos meses, Leo cruzaba el Atlántico en avión."Tomar clases con Zeffirelli fue una experiencia única, de las mejores de mi vida. Había visto muchas de sus películas, tenía noción de quién era pero igual me sorprendió. Era muy excéntrico, muy genio, muy La jaula de las locas, pero súper simpático. Mientras estudié con él, pude ver sus dos puestas, Turandot y La Bohème, en el Teatro San Carlo de Nápoles. Inolvidables. Ocho caballos reales blancos en escena y el coro de ángeles con niños cantando desde la cúpula del teatro. Un concepto suyo me marcó para siempre: 'No hay malas obras, sino malos actores. Un buen actor siempre puede salvar una mala obra, pero una buena obra no salva un mal actor'. Y lo hice carne porque siento que es así".-¿Su itinerario fue Rosario, Nápoles, Buenos Aires?-Exacto. Mis primeros meses en Buenos Aires no fueron duros, si bien cumplí con el cliché de venirme a una pensión llena de cucarachas y ollas sucias, al toque quedé elegido para la película Bajo bandera, de Juan José Jusid. Inmediatamente enganché varias publicidades y, entre un trabajo y otro, terminé dando clases en la escuela de Reina Reech. Ahí descubrí mi afinidad con los chicos y me enfoqué en ser coach actoral.-Fue el primer profesor de teatro de Tini.-Sí. Alejandro Stoessel abrió en La Horqueta una escuela de comedia musical y me llamó para ser profesor de teatro, por el trabajo que venía haciendo en lo de Reina. En la escuela eran 20 chicos y entre ellos, había una chica llamada Martina. Nunca supe que era la hija del dueño hasta mucho tiempo después. Pero se destacaba por sobre todos. Siempre era la primera en pasar al frente, en querer hacer las cosas. Yo soy de entrenar mucho la disciplina y ella era muy permeable a todas mis marcaciones. Nunca imaginé que sería la figura internacional que es hoy, pero no me sorprende porque siempre fue muy dedicada y metódica.-Si mira hacia atrás, tiene muchos logros. ¿De cuáles se siente más orgulloso?-Ser parte de la versión de Rent en 2008, junto con Florencia Otero y Germán Tripel fue una bisagra en mi vida, en lo artístico y también en lo humano. Porque éramos un grupo de amigos que teníamos muchas de las inquietudes que también pregonábamos en la obra. Las dos temporadas en el Konex fueron inolvidables. Hacer La fiaca con Elena Roger también me marcó, al igual que Por amor a Sandro, con Natalia Cociuffo. Pero en lo individual, mi mayor éxito no fueron determinadas obras sino vivir de lo que amo hacer desde que llegué a Buenos Aires.Uno de los buenosEs muy difícil no empatizar a primera vista con Leo Bosio. Su energía y buena predisposición para con el arte lo ubican inmediatamente en el equipo de los buenos. Sin embargo al destino mucho no le importó y le jugó una mala pasada. Le mostró su peor cara. Hace dos años y medio, cuando el planeta estaba saliendo de la primera ola de la pandemia del Covid 19 y el actor planificaba una temporada en Carlos Paz junto a Aníbal Pachano, le diagnosticaron un linfoma que le paralizó todos sus sueños."La matriz de mi enfermedad fue lo de mi viejo y de eso devino mi carácter negativo de los últimos años. Él era un idealista y sentía el mundo de una manera muy especial, hasta que le empezó a doler y no aguantó más. Se suicidó en 2006, conmigo al teléfono. Esa tarde se me reventó el mundo y podían pasar dos cosas: o me volvía loco o empezaba a entender la vida de otra manera. Hice terapia, me hice vegetariano, practiqué yoga, conocí gente nueva e intenté una vida honesta conmigo pero algo negativo me quedó. Y los años previos a mi enfermedad, estaba enojado con las cosas que no salían, sentía que el mundo me exigía protagonizar éxitos cuando yo en realidad era muy feliz con mis proyectos personales y con mi pareja".-¿Dice que entendió el germen de su enfermedad?-Creo que sí. De un día para el otro me diagnosticaron un linfoma de Burkitt, no Hodgkin -aclara-, y la chance más certera era que me iba a morir. Fueron un total de 10 internaciones. La quimioterapia era durísima, sesiones de 24 horas durante siete días corridos. Me agarró sin obra social ni prepaga, por lo que tuve que ir al Hospital Fernández. Me cuidaron como al príncipe de un reino. Me salvaron la vida. Encima era todo muy bizarro, porque mientras me atendían, afuera de la habitación estaban todos mis amigos, entre ellos Flor Peña que venía maquillada de grabar su programa Flor de equipo. La gente le pedía fotos en el pasillo. A los días de estar internado, yo estaba todo hinchado, parecía un monstruo, vienen los directores al hospital y me preguntan: "¿Vos quien sos? Porque nunca llamó tanta gente al hospital para pedir que le salvemos la vida a un paciente".-¿Qué lo salvó?-Sin dudas, el trabajo de todo el equipo del Hospital Fernández. Les debo todo. Después el amor de mi gente. Nicolás, mi pareja, me bancó como nunca. Mi mamá se vino desde Rosario y se quedó todo el tiempo a mi lado. Florencia venía todos los días al hospital. Creo que ser actor también me ayudó a entender la vivencia como un papel más.-Dicen que no hay finales tristes ni felices, sino nuevos comienzos.-Siento que mi volver a la vida cerró un doloroso ciclo que se abrió con la muerte de mi padre, con algunos enojos por proyectos que no salieron y por una necesidad ajena de querer que sea alguien que no me interesa. Es un ciclo cerrado y sanado. Hasta cerré el karma de trabajar con Ricky. Y ahora me entregué al plan, ya no fuerzo nada, que fluya. Si tiene que ser, será. Y así apareció Mamma mia!, que habla de fluir con la vida.

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Carla Calabrese y el regreso del musical for export, antes del desembarco en España: "Me da vergüenza soñar con más"

Si bien desde hace unos años el género musical goza de buena salud en la cartelera teatral porteña, son pocos los espectáculos que pueden jactarse de superar el año de representaciones. Una excepción superlativa es la de Come From Away, la versión local del éxito de Broadway (con libro, música y letras de Irene Sankoff y David Hein) que este viernes 24 comenzó su tercera temporada consecutiva en el Teatro Maipo y que ya superó las 150 funciones. "Siempre es incierto lo que puede pasar con los espectadores, por eso hemos trabajado para que esta vez se encuentren con una puesta aún más pulida", comienza diciendo la directora Carla Calabrese, verdadero factótum del proyecto, ya que además participa en él como productora, adaptadora y actriz. "Yo creo que esta vez la obra va a tener un impacto más profundo, por todo lo que se está viviendo en el país y en el mundo. Cuando se estrenó, en 2022, estábamos viviendo la euforia pospandemia, había muchas ganas de volver a salir y de asistir a los teatros. Todo era esperanza. Ahora, aquí, hay mucha violencia en las calles y lo que ocurre en la franja de Gaza es verdaderamente acongojante. No se permite el arribo de la ayuda humanitaria y las poblaciones civiles de uno y otro lado sufren muchísimo. Por eso hoy la humanidad está en carne viva y necesita una cuota de solidaridad", entiende la también azafata e impulsora de misiones humanitarias junto con su marido, el director de cine, médico, empresario gastronómico, filántropo y piloto Enrique Piñeyro, a través de su propia ONG: Solidaire. "Yo creo, por ejemplo, que la escena donde se habla de la paz y aparecen representadas todas las religiones, este año se resignifica totalmente. La obra es muy internacional y hoy, por lo que está sucediendo, toca fibras más íntimas. Para mí su mensaje está más vigente que nunca. En este momento tan frágil de la humanidad, nos invita rescatar todo lo bueno que existe en nosotros en contraste con la deshumanización imperante en buena parte del mundo", añade la CEO de The Stage Company y directora de Sueño de una noche de verano, Shrek, el musical y El curioso incidente del perro a medianoche, entre otros sucesos.Cabe recordar que Come From Away (ganadora de múltiples premios Tony y Olivier, en Nueva York y Londres, en 2017 y 2019, y elegida aquí Mejor Musical por los Jurados de los premios ACE y Hugo, en 2022) transcurre en 2001 y está basado en hechos reales. Cuenta la historia de siete mil pasajeros provenientes de todas partes del mundo que permanecieron varados durante cinco días en Gander, un lejano pueblo de Canadá, cuando el espacio aéreo de los Estados Unidos quedó bloqueado tras los ataques terroristas a las Torres Gemelas y obligó a cambiar de destino a numerosos aviones. Sin saberlo, los habitantes de ese pequeño paraje y los inesperados visitantes fueron protagonistas de una historia que conmovió y emocionó al mundo, plena de solidaridad, empatía y humanidad.La tercera temporada del musical en Buenos Aires, que comenzó este viernes, ante un Maipo colmado que celebró cada canción y cada toque de humor, se extenderá hasta el 25 de agosto. Luego, la puesta local -con todo su equipo creativo y casi todo el elenco original- iniciará su internacionalización. Serán de la partida los talentosísimos actores Gabriela Bevacqua, Federico Couts, Melania Lenoir, Fernando Margenet, Argentino Molinuevo, Edgardo Moreira, Silvina Nieto, Agustín Perez Costa, Fátima Seidenari, Sebastián Holz, Silvana Tomé, Manuel Victoria, Lali Vidal y Patricio Witts (más la banda soporte de ocho músicos). Sólo Marisol Otero (la recordada protagonista de las primeras versiones de La Bella y La Bestia y Mamma Mia!), que no podrá viajar por otros compromisos profesionales, será reemplazada por la española Pepa Lucas. En principio, la obra recalará en el espléndido Teatro Marquina de Madrid, donde ofrecerá funciones a lo largo de cinco meses y medio. Esta será la primera vez que un éxito de Broadway llegue a España protagonizado por argentinos. El estreno, allí, será el 11 de septiembre, a 23 años exactos de lo que narra la pieza. Después, tal vez actúen en Barcelona y roten por otras plazas de la Madre Patria.En su traslado al continente europeo el espectáculo sufrirá un sutil proceso de adaptación (siempre a cargo de la misma Calabrese y su coequiper Marcelo Klotliar), que hará hincapié en los acentos idiomáticos, lo que le aportará una mayor atmósfera internacional: "Todos los actores que interpreten a ciudadanos de Gander hablarán con acento argentino, luego, los dos que provienen de Texas lo harán en castizo y habrá quienes lo hagan en mexicano, dominicano, inglés, alemán y francés. Esta será una producción más para todo el mundo, mucho más ecléctica, en ese sentido más parecida a la de Broadway", entiende Calabrese."Tenemos mala fama"Aunque aún falten varios meses para el desembarco en España, las expectativas son muchas. "Contamos a favor con que los españoles nos quieren muchísimo. A veces pienso que son unos de los pocos que nos quieren. En otros países directamente tenemos mala fama. Por eso debemos valorar nuestra relación con los españoles y cuidarla. Ellos siempre nos han recibido con los brazos abiertos y nos han tratado como hermanos, deberíamos estar muy agradecidos", opina Calabrese, en obvia alusión al reciente conflicto diplomático suscitado entre nuestro país y España. "A ellos les gusta nuestro acento y nuestra forma de trabajar. Saben que somos muy apasionados y que siempre le buscamos la solución a cualquier problema. Por eso los actores argentinos son súper valorados en España, y no me refiero solo a los del cine sino a las figuras de la comedia musical. Hoy en la plaza teatral de Madrid están trabajando varios de nuestros mejores exponentes del género. Espero que, pese a todo, cuando lleguemos, nos abracen y traten igual que a ellos", sostiene esperanzada.Para mediados del año próximo Calabrese proyecta otro hito en la puesta local de Come From Away: una gira por el interior del país, "algo que anteriormente quise hacer con otros espectáculos y no pude por la envergadura de las escenografías; la de este musical, en cambio, es más transportable y adaptable a distintos escenarios", sostiene. Paralelamente no descarta hacer funciones en países limítrofes, como Uruguay y Chile; y en vender los derechos de la adaptación a otras plazas de habla castellana. De hecho, ya acaba de cerrar el primer trato con productores de Panamá y se encuentra en avanzadas tratativas para que la adaptación compartida con Kotliar llegue al DF mexicano. "La nuestra es la única adaptación al español que los creadores y productores originales del musical avalan, esto nos llena de mucho orgullo y nos abre las puertas de varios mercados. Por eso creo que nuestro Come From Away tiene vida para rato", concluye. Como si esto fuera poco, es casi un hecho que el elenco argentino accederá a grabar la versión completa del musical en español (posiblemente en neutro) para su difusión en todas las plataformas. Hoy ya se puede escuchar un tema por YouTube, realizado exclusivamente para difundir la tercera temporada del espectáculo en Buenos Aires: "El cielo y yo", interpretado maravillosamente por Melanie Lenoir.-Y después de Come From Away, ¿qué? ¿Fantaseás con Broadway?-No te voy a negar que lo pensé, pero me molestaría no poder trabajar con los actores que amo y con los que trabajo desde hace mucho. Me gustan mucho los actores argentinos, creo que tenemos un talento especial e incomparable. Así que, tanto en Broadway como en el West End londinense, extrañaría demasiado sus formas de ser. Me tienta lo de probarme en esas plazas, pero me siento más cómoda en ambientes latinos. Yo sé que lo de España será diferente: será como ir a la casa de la abuela y con eso me súper conformo. En definitiva, a Broadway no le cierro la puerta, pero no está dentro de mis objetivos inmediatos ni me desvela. Yo no soy mucho de proyectar, a mí me gusta que la vida me sorprenda. Empecé haciendo teatro en inglés, hace muchos años, en la sala Stella Maris de San Isidro, donde además habíamos montado con Enrique nuestras oficinas. ¡Y mirá dónde terminamos! Nunca me imaginé trabajar en el Teatro Maipo, ni mucho menos ser su directora artística. Tampoco salir por el mundo a rescatar gente, sacar refugiados de un país en guerra y llevarlos sanos y salvos a otros. Estoy tan agradecida con las posibilidades que la vida me ha ido ofreciendo, que me da un poco de vergüenza soñar con más.

Louis Slein, el peruano que dejó de estudiar Computación Científica en San Marcos para trabajar con grandes exponentes de la industria musical de EE.UU.

Sueño americano cumplido. El músico es un gran admirador de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers, una agrupación que jugó un rol importante en su decisión respecto a su futuro profesional. Conoce su historia de vida y las adversidades que enfrentó

Es chilena, vive en EE.UU. e interpreta a Eva Perón en un musical: "La historia nos representa a los latinos"

Quienes viven del arte de la interpretación saben que cada papel es un mundo en sí mismo. El actor se mimetiza con el personaje que encarna. Lo materializa en cuerpo y lo siente en el alma. De esta forma, explora en vidas e historias ajenas. Eso mismo es lo que hace Fran Tapia, la actriz chilena que hoy le da vida a Eva Perón en los Estados Unidos.La obra Momia en el clóset: el retorno de Eva Perón ahonda en todo lo que ocurre con Eva y su cuerpo luego de su muerte, desde el momento que es intervenido por su esposo, Juan Domingo Perón, hasta la travesía que sufre tras ser secuestrado, escondido y trasladado por distintos lugares hasta regresar finalmente a la Argentina.La primera versión de la obra, en 2009, tenía un elenco reducido de ocho personas y fue nominada a los premios Helen Hayes de aquel año. Esta nueva versión de 2024, cuenta con más artistas en escena y eleva el espectáculo a otro nivel, ya que un grupo de actores, cantantes y bailarines ayudan a narrar la historia.Semejante papel está reservado para grandes profesionales. Figuras como Madonna y Elena Roger ya interpretaron a Eva previamente. Y ahora es el turno de Fran Tapia, la chilena que lleva varios años instalada en Estados Unidos, donde ya recibió el Helen Hayes Award y Broadway World Washington DC Award por sus labores destacadas en el teatro musical."La versión de Madonna es como una suerte de cultura general, pero ver a Elena Roger me pareció increíble. Tremenda intérprete. Canta y baila increíble. Me gustó su fuerza y me hizo entender que interpretar a Eva tiene que tener un nivel alto de preparación", cuenta Tapia en diálogo con LA NACIÓN.El desafío de un papel emblemáticoEs que interpretar a Eva Perón es distinto a todo. Tapia reconoce que "sabía un poco sobre ella porque había montado El Puente, del dramaturgo argentino Carlos Gorostiza. Por lo que había estudiado sobre el peronismo y las condiciones de trabajo y el contexto social económico de la época", introduce Tapia. Sin embargo, la actriz revela que, antes de que le dieran el papel, nunca había visto el icónico musical de Andrew Lloyd Weber, Evita, una de las representaciones más potentes sobre la actriz y política argentina.La preparación para el personaje fue un proceso fundamental. Así lo siente Tapia, quien comenzó a trabajar con una coach argentina de dialecto y canto, apenas le confirmaron el papel. "Con ella trabajamos el texto, las canciones y un poco de estilo de canto en el tango", describe la artista. "Tuve el acceso al texto en diciembre y trabajé los cuatro meses siguientes para llegar a ensayos en abril y poder explorar en escena el material", cuenta sobre algunos detalles de su preparación.Aprender a bailar tango, género musical y danza típicamente argentina, fue todo un desafío. "Ya lo había bailado, pero igualmente tomé un curso de seis semanas como para tener una buena base. Luego tuve clases sueltas con distintos profesores del área que están aquí en el distrito de Columbia, en Washington DC, porque, además del tango, en la obra me toca bailar milonga", explica.La actriz chilena también cuenta qué fue lo que más le sorprendió al profundizar sobre la vida de Eva Perón. "Todo lo que pasó después de su muerte", esboza mientras repasa en su mente. Y luego continúa: "El hecho de que ella haya pedido que nadie la tocara después de muerta y que su esposo haya decidido embalsamarla a pesar de ello. Me hace pensar en el gesto como algo utilitario; no logro ver el amor en ello"."También me llamó la atención la lobotomía que se le hizo para que dejara de sentir dolor al final de su vida", agrega. "Literalmente, eso es como desconectar parte de tu cerebro. Me parece muy fuerte". Además, hizo alusión al presunto abuso del Coronel Moori Koenig al cuerpo sin vida de Eva. "Es una locura extrema", subraya.La visión de Estados Unidos sobre Eva PerónEn Estados Unidos, la figura de Eva Perón suscita admiración. Es vista como un ícono de lucha y empoderamiento, especialmente por su defensa de los derechos de los trabajadores y las mujeres en Argentina. Su carisma y dedicación a las causas sociales la convirtieron en una figura querida y venerada por muchos.Tapia revela que en EE.UU. se admira el poder que tuvo Eva para conectar con la gente. "Perón lo demostraba en el discurso, pero Eva, más allá de lo discursivo, encarnaba el peronismo en sus acciones", considera Tapia."Se sabe que Eva fue muy importante históricamente para las mujeres, a quienes les dio la oportunidad de votar. Por otro lado, fue una figura muy presente en la vida política en muy poco tiempo, de una manera en la que ninguna mujer lo había hecho antes", reflexiona. Y agrega que su figura también es conocida por el musical de Andrew Lloyd Webber, "que cuenta su vida de una manera que, para los argentinos, no se siente tan propia". Tapia la define como "una versión americanizada de lo que sería la real Eva Perón".De todas formas, la chilena considera que Eva Perón es un personaje que el mundo teatral de Estados Unidos no deja morir nunca, ya que a pesar del paso del tiempo, los temas que plantea la obra son contemporáneos. "En el caso de Momia en el clóset, la versión escrita por Gustavo Ott y Mariano Vales, está muy presente el tema del poder y de cómo el fascismo o el extremismo manipulan a su antojo y pueden volverse peligrosos los para los ciudadanos", sugiere.Para finalizar, Tapia profundiza en los aspectos actuales de Argentina que se ven reflejados en la obra, a pesar de representar una historia del siglo pasado. Los enumera, uno por uno: "El populismo, el extremismo, la fe popular, la fuerza de los ciudadanos, la recuperación de la memoria para no volver a cometer los mismos errores. Y, por supuesto, la repetición de la historia, la violencia y todo lo que la sed de poder y control conlleva".

Ruta 66: el episodio levantado tras el magnicidio que conmovió al mundo, la furia de Jack Kerouac y la conexión musical argentina

Dos jóvenes a bordo de un Chevrolet Corvette rojo, recorriendo los Estados Unidos sin rumbo fijo. Con esta premisa, entre 1960 y 1964, Ruta 66 capitalizó televisivamente la rebeldía contracultural adolescente, el impacto social de la brecha generacional y la prédica inconformista de la Generación Beat. Echando una mirada crítica a las políticas gubernamentales, la serie interpeló la conciencia de un país en busca de la identidad capaz de integrar a todos sus habitantes; y se vio forzada a levantar un episodio por sus similitudes con el magnicidio de John Fitzgerald Kennedy. Éxito de escala planetaria, le permitió a su figura estelar, George Maharis, iniciar una carrera musical que, incluso, lo trajo a cantar a la Argentina y grabar un disco con el acompañamiento de Cacho Tirao y Domingo Cura. Eso sí, a pesar de estar íntegramente filmado en exteriores, el programa nunca pisó la auténtica ruta 66.Los buscadoresHabía ocho millones de historias en New York, y Stirling Silliphant se ufanaba de conocerlas todas. Al menos, todas las que venía utilizando en La ciudad desnuda, serie policial que había alcanzado una buena performance en la temporada televisiva de 1958. Gran parte del atractivo del programa se encontraba en el estilo semidocumental que el guionista y productor le supo imprimir a cada caso, exacerbando la nocturnal melancolía gris del crimen pasional, la muerte violenta, el desamparo social de la clase trabajadora expulsada del paraíso urbano.Con el aval de la cadena ABC, Silliphant se puso a trabajar en su nueva propuesta: The Searchers. "La idea era seguir el derrotero de dos exmilitares que intentaban restablecerse laboralmente en la Gran Manzana, algo que no podían concretar por un enfrentamiento familiar con el crimen organizado. Al final, decidían abandonar la ciudad y buscar un lugar de los Estados Unidos en donde pudieran afincarse sin problemas", contó Silliphant. Con los roles principales agendados a George Maharis y Robert Morris, el capítulo piloto terminó siendo emitido el 28 de abril de 1959 como un episodio semanal de La ciudad desnuda, en un intento postrero por levantar el rating de la serie que perdía encendido de manera notoria.No funcionó. ABC canceló el proyecto y levantó La ciudad desnuda. Sin darse por vencido, Silliphant unió fuerzas con el escritor y productor Herbert Leonard, hacedor de Las aventuras de Rin-Tin-Tin, que impuso algunos cambios. El más importante, resignar la trama policial para concentrarse en los disparadores que habían hecho de la rebeldía juvenil un fenómeno nacional: la brecha generacional y el rechazo a los valores conservadores. Al tanto del impacto popular alcanzado por la Generación Beat, Leonard tenía en mente algo más parecido a la bohemia contracultural que a la novela negra. Aunque nunca lo reconoció, el modelo a seguir fue En el camino, novela de Jack Kerouac ambientada en la mítica Ruta 66.En tiempo récord, Leonard y Silliphant reformularon la serie. Lejos de su historial militar, los protagonistas pasaron a ser dos jóvenes inseguros sobre su futuro e insatisfechos con su lugar en la sociedad: el huérfano Buz Murdock, honesto trabajador con un pasado signado por la delincuencia juvenil; y el universitario Tod Stiles, único heredero de una compañía naviera en bancarrota. Al comienzo de la trama, el padre de Stiles moría de un ataque cardíaco, legando a su hijo el poco patrimonio que le quedaba: un Chevrolet Corvette rojo con el que los dos amigos salían a buscarle un sentido a sus vidas en el interior profundo de los Estados Unidos.De acuerdo con Silliphant, "queríamos que la dupla funcionara más como testigo que como protagonista de cada aventura. Nos interesaba poner en debate la identidad estadounidense, disparar preguntas que interpelaran la conciencia social de la platea". Ávidos de historias, salieron a recorrer distintos pueblos al costado de la ruta, caminaron sus calles y se entrevistaron con sus gentes. Los guiones se volvieron realistas en extremo, le pusieron nombre y apellido a los sueños y pesadillas, deseos y frustraciones, luces y sombras de los ciudadanos y sus comunidades.El último cambio fue de reparto. Leonard no quedó conforme con la química entre Maharis y Morris. "George estaba muy bien y daba el perfil que buscábamos para Buz Murdock, inconformista a mitad de camino entre Marlon Brando y James Dean -definió Silliphant-, pero necesitábamos algo más refinado para Tod Stiles". Con Morris fuera, la primera opción fue un joven Robert Redford, pero al final se decidieron por Martin Milner, "cuya imagen era la del típico norteamericano acaudalado, educado y lleno de contradicciones con su pertenencia de clase", aseguró Leonard.Con el nuevo piloto terminado, lograron interesar a la CBS, que encargó una primera temporada de la serie y sumó el auspicio informal de Chevrolet. Como The Searchers era un título que ya estaba registrado por Warner, hubo que buscar una nueva denominación para la serie. "Decidimos llamarla Ruta 66 -confió Leonard-, porque ese había sido el itinerario principal que siguieron los emigrantes que iban al oeste en busca de oportunidades".En el caminoVisto hoy día, el rosario de temas abordado por la serie resulta tan progresista como actual. Desempleo, explotación laboral, conflictos generacionales, delincuencia juvenil, embarazo infantil, violencia de género, consumos problemáticos, supremacismo blanco, represión policial, fanatismo religioso, salud mental, paranoia nuclear, terrorismo, el resurgir del nazismo, grandes negociados, pérdida constante de la calidad de vida de la clase trabajadora, ausencia de políticas públicas dirigidas a los más vulnerables, angustia existencial ante un futuro cada vez más negro e incierto.El ritmo de producción se volvió frenético. "La mejor decisión que tomamos fue grabar toda la serie en exteriores, en la ruta y las ciudades reales a su alrededor", expuso Leonard. Mientras actores y técnicos rodaban en una locación específica, dos o tres pueblos por delante Silliphant escribía los capítulos en base a las problemáticas o anécdotas que recogía entre los habitantes. "Encontramos de todo, desde el nihilismo dramático a la comedia naif -reveló el guionista-. Y no edulcoramos nada, sólo le dimos forma televisiva". Durante toda su existencia, el equipo fílmico recorrió 25 de los 48 estados de la Unión, sumando una jornada de trabajo en Ontario, Canadá. Se mostró sumamente respetuoso a la hora de incorporar usos, costumbres y acentos, bagaje cultural y expresiones étnicas de cada lugar que visitaron. Eso sí, por cuestiones presupuestarias nunca filmaron en la auténtica Ruta 66, sino en otros senderos viales del país.Ruta 66 (Route 66) se estrenó el 7 de octubre de 1960 en el prime time de CBS. Fue un éxito rotundo e instantáneo, tanto entre la platea juvenil como en el público adulto. De la noche a la mañana, Maharis se convirtió en ídolo de multitudes al calor de la cortina musical de la serie. Compuesta e interpretada por Nelson Riddle, arreglador habitual de Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Tom Jobim; y futuro autor del tema principal del Batman de Adam West, la canción instrumental fue una de las primeras músicas televisivas en rankear dentro del top 30 de la revista Billboard. De todas formas, lo que realmente capturó la atención del mundo fue el Chevrolet Corvette rojo. Su figura estilizada, alargada y minimalista quedó masivamente instalada como sinónimo de auto deportivo y máximo objeto de deseo masculino de la época. "Lo más raro es que el Chevrolet rojo nunca fue rojo -contó décadas después Maharis-. Como la serie era en blanco y negro, los colores que mejor fotografiaban eran los azules, verdes, marrones y metalizados. Pero quedó popularmente instalado que era rojo porque así apareció pintado en la caja del juguete de mesa más vendido de esos años".El único incómodo con semejante nivel de repercusión fue Jack Kerouac. Voz fundacional de la influyente Generación Beat, Kerouac entendió que Ruta 66 era una copia descarada de su novela En el camino; y amenazó con accionar legalmente contra Leonard, Silliphant, CBS y Chevrolet. "Por suerte no pasó a mayores -confió Leonard-. Los abogados de la cadena televisora y la automotriz, lograron convencerlo de que estaba equivocado".El rey de las pistasEn piloto automático, la serie lideraba cómodamente la franja horaria y alcanzaba hitos históricos para la televisión norteamericana. Por su participación en un episodio, la actriz Ethel Waters obtuvo la primera nominación de una persona afroamericana (hombre o mujer) al Premio Emmy. Peter Lorre, Boris Karloff y Lon Chaney Jr. aparecieron juntos en un capítulo, representándose a sí mismos y con Karloff y Chaney Jr. vistiendo sus clásicos maquillajes del Monstruo de Frankenstein y el Hombre Lobo. Para un paso de comedia reminiscente del antiguo vaudeville, contó con la actuación especial de dos glorias del cine mudo: Buster Keaton y Joe E. Brown. La lista de celebridades que pedían participar no paraba de crecer. Entre consagrados y futuras estrellas, también dijeron presente Alan Alda, James Caan, Joan Crawford, Keir Dullea, Robert Duvall, Douglas Fairbanks Jr., David Janssen, Dorothy Malone, Lee Marvin, Walter Matthau, Vera Miles, Leslie Nielsen, Robert Redford, William Shatner y Martin Sheen, entre muchos otros.La primera señal de alarma llegó, sin embargo, sobre el final de la segunda temporada. En 1962, a causa de una hepatitis, Maharis tuvo que ser internado y la pasó realmente muy mal. Tanto, que a pesar de la fama y el dinero, decidió abandonar la serie. "Si sigo manteniendo este ritmo de trabajo, soy un tonto -afirmó-. Aun teniendo cuatro millones de dólares en el banco, no puedo comprarme otro hígado". Por razones contractuales, se vio obligado a regresar para la tercera temporada, pero a principios de 1963 dio el portazo y abandonó intempestivamente las grabaciones. Mediante artilugios legales, Leonard buscó impedirle continuar con su profesión, trabando cualquier nueva participación en cine y TV. Pero Maharis redobló su apuesta. "Ya no existe aquel viejo Hollywood donde una compañía puede comprar un actor como si fuera un pedazo de carne", dijo durante el lanzamiento de su nueva carrera como cantante melódico y pop.El público acompañó mayoritariamente a Maharis. Además de liderar los charts locales e internacionales, salió de gira por Europa y América. A la Argentina llegó en febrero de 1966, para dar una única presentación en el Teatro Opera de Buenos Aires, animar los carnavales del Club Comunicaciones (en un programa múltiple que también contaba con Neil Sedaka, Sandro y los de Fuego, Los 5 Latinos, Osvaldo Fresedo y Juan Ramón, entre otros artistas) y un concierto en el Club Atlético Provincial de Rosario. Además, para la CBS argentina grabó el simple George Maharis en Buenos Aires, incluyendo sus versiones de "La chica de Ipanema", "Las reglas de la ruta", "Rey de la ruta" y "La montaña". Para la ocasión, Maharis estuvo acompañado por un grupo selecto de artistas locales, entre los que se encontraban Cacho Tirao, Domingo Cura, Antonio Agri y Jorge Padín. "Espero que ustedes gusten de estas cuatro canciones que grabé aquí en Buenos Aires. Personalmente son mis favoritas. Tuve la gran satisfacción de ser acompañado por músicos argentinos a quienes respeto y considero entre los mejores del mundo", anotó Maharis de puño y letra en la contratapa del disco.Recta finalLa salida de Maharis no hizo mella en la calidad de la serie, pero retiró la magia que congregaba a la teleplatea semana tras semana. En la ficción, Buz se contagió de echovirus y debió permanecer internado en un hospital. Durante trece episodios, Tod recorrió el país en solitario, hasta que el 22 de marzo de 1963 invitó al introvertido Lincoln Case (interpretado por Glenn Corbett) a ocupar el asiento del acompañante del Corvette. La llegada de Case, veterano de la guerra de Vietnam enfrentado con su padre a causa de las experiencias vividas en el sudeste asiático, incorporó una explícita condena a la política exterior del Gobierno estadounidense, que también incluyó un apoyo crítico a la Cuba de Fidel Castro.Con el rating en baja, CBS renovó la serie por una cuarta temporada, intentando imponer una nueva dinámica entre la pareja protagónica. Algo más aventurera, con un recorte cercano al policial y una mayor presencia del componente romántico. El 22 de noviembre de 1963, el magnicidio de John Fitzgerald Kennedy en Dallas sumió a la población en un estado de zozobra. Programado para salir al aire una semana después, el capítulo "Estoy aquí para matar a un Rey" seguía los pasos de un asesino a sueldo que llegaba a las cataratas del Niágara para ejecutar a un Rey que estaba de visita en el país. "Era uno de los mejores capítulos de toda la serie, pero no era el momento para mostrarlo", recordó Leonard. Sin dudarlo, los productores y CBS lo levantaron de la grilla y lo archivaron. Si bien pudo verse sin problemas en Europa y Latinoamérica, la aventura recién se difundió en los Estados Unidos algunos años después, cuando el programa ya recorría los canales independientes de las televisiones estatales en calidad de reposición.A pesar de los méritos, el encendido nunca recuperó sus niveles anteriores. Y antes de que la debacle fuera total, Leonard y Silliphant eligieron salir de la ruta y guardar el Corvette en el garaje. "Hicimos lo que nunca había hecho alguien antes -se vanaglorió el guionista-. Terminar la serie cerrando las historias personales de los protagonistas". En efecto, al llegar a Tampa (Florida), los amigos ponían punto final a su periplo y se separaban. Tod contraía matrimonio con la rica heredera Margo Tiffin (Barbara Eden, la Jennie de Mi bella genio) y se asentaba definitivamente en Houston. Por su parte, Lincoln decidía regresar a su casa para recomponer la relación con su padre. La escena final mostraba a los compañeros de viaje alejarse en sentidos opuestos, rumbo a un futuro que, por primera vez, se les aparecía luminoso y esperanzador. El 13 de marzo de 1964, con cuatro temporadas y 116 episodios, Ruta 66 detenía su cuentamillas, tranquila por haber hecho historia catódica. Consultado por los medios, Maharis lamentó el fin del programa que lo había vuelto famoso. "Creo que nos enseñó a todos cómo hacer para mantenernos íntegros frente a la adversidad -dijo-. Al menos, a mí me lo enseñó".A principios de los '90, Leonard produjo una secuela que también pretendía funcionar como remake. Al enterarse de que era hijo de Buzz Murdock, el joven Nick Lewis heredaba un Chevrolet Corvette rojo (de verdad) que había pertenecido a su padre recientemente fallecido. Decidido a repetir la historia, ganaba la ruta y cruzaba su camino con Arthur Clarke, que andaba por ahí haciendo dedo. Protagonizada por James Wilder y Dan Cortese, Ruta 66 (Route 66) debutó el 8 de junio de 1993 por la NBC. Fiasco absoluto, defenestrada por la crítica y el público, la serie fue levantada el 6 de julio tras cuatro miserables episodios. "Queríamos llevar al programa por caminos diferentes a los que había recorrido el clásico -declaró el productor-, pero se ve que nos equivocamos de ruta".

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"Se acerca una dura sentencia para Jan Latham-Koenig", anunció en su blog de noticias en Londres el periodista, crítico musical y otrora presentador de la BBC radio, Norman Lebrecht. "Luego de admitir dos cargos por delitos sexuales contra menores, el director de orquesta británico admitió un tercer intento de abusar de un menor. El juez del tribunal de la corte de Southwark lo citó para recibir su sentencia el próximo martes 28, explicando que el caso requiere una consideración cuidadosa", consignó el reconocido crítico inglés en su blog Slipped Disc, con más de dos millones de lectores mensuales y considerado uno de los sitios líderes para las noticias del mundo clásico. "A Latham-Koenig (70) se le otorgó la libertad bajo fianza con la condición de permanecer en el domicilio de su hermana, en Hampstead (al norte de Londres), y de entregar su pasaporte a la policía". En virtud de sus conexiones internacionales, también se le prohibió tramitar solicitudes de viajes al extranjero.Jan Latham-Koenig (JLK), quien fue hasta principios de este año el director musical del Teatro Colón, fue arrestado el 10 de enero pasado en la estación londinense de Victoria, luego de acordar un encuentro con quien creía era un menor de 14 años de edad. En realidad, el encuentro había sido pactado primero mediante una aplicación de citas y luego por comunicación directa vía WhatsApp con un oficial de policía encubierto, que se hacía pasar por el supuesto adolescente con el que el director entablaba la conversación de índole sexual que finalmente sirvió como señuelo para la detención, según mencionan los trascendidos. En ocasión del arresto, el director reconoció haber mantenido un diálogo de esa naturaleza, así como también haber "organizado y/o facilitado la comisión de un delito sexual con un niño."En Buenos AiresEl británico nacido en Londres, casado con la cirujana cardíaca de origen iraní Marjan Jahangiri y distinguido por sus servicios a la música y a las relaciones del Reino Unido con Rusia como oficial de la Orden del Imperio Británico en ocasión del cumpleaños de la Reina Isabel, en 2020, fue convocado por el director general y artístico del Teatro Colón, Jorge Telerman en el año 2022 para desempeñarse como director musical a partir de enero de 2023, cargo que ocupó hasta el momento en que conoció la acusación que pesaba en su contra, por la cual, las mismas autoridades decidieron desvincularlo a todo fin inmediatamente.Latham-Koenig llegó a la Argentina luego de ejercer las mismas funciones en Chile, después en México y, durante la última década, en la Novaya Ópera de Moscú. Dirigió también la Royal Philharmonic Orchestra, la Filarmónica de Londres y las orquestas de la BBC. En su primera entrevista con LA NACION, apenas incorporado en el puesto de máxima autoridad musical del teatro porteño, comentó que llegaba a Buenos Aires "con la promesa de permanecer seis meses al año en el país para trabajar con la Orquesta Filarmónica, el Coro y la Orquesta Estable, elevar su calidad artística y aumentar su productividad". En ese mismo diálogo, aseguró que el Teatro Colón era su prioridad. Sin embargo, a poco de iniciada su gestión, miembros de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires (OFBA) manifestaron su enérgico rechazo firmando una carta el día 2 de mayo de 2023 al director general, planteando sus dudas respecto del nivel profesional del inglés. En un pasaje del escrito, los profesores que integran la orquesta más prestigiosa del país consignaron su preocupación respecto de la selección de Latham-Koenig como jurado y director de programación: "Nuestra orquesta no considera que el maestro tenga el nivel artístico suficiente para ocupar dichas posiciones y hay dos encuestas internas que así lo reflejan claramente". Dicha misiva (a la que tuvo acceso LA NACION) no recibió respuesta por parte de los directivos de la casa a pesar de los inusitadamente fuertes términos que emplearon los profesores del ensamble para referirse a su titular. Mientras tanto, solistas e integrantes de otros cuerpos estables adhirieron al descontento mencionando tratos inapropiados y constantes faltas de respeto.Según la información que ha trascendido hasta el momento, el juez del caso aplazó el fallo por unos días aduciendo que la decisión requiere de una consideración cuidadosa. Latham-Koenig deberá regresar al tribunal de Southwark, en Londres, y presentarse el martes próximo para conocer su sentencia que, según tituló su compatriota en uno de los portales más frecuentados del mundo clásico, se espera "sea muy dura".

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