música
La era del featuring ahora une a la música y la moda sustentable
Una conjunción entre FILA y BTS, la banda icónica de K-Pop, con el fin de confeccionar prendas de moda sustentables representadas por líderes musicales
El argentino que tocaba tangos para Hitler mientras su música sonaba en los campos de concentración
Eduardo Bianco fue un director de orquesta que se hizo conocido en la Alemania nazi. A los prisioneros judíos de los centros de exterminio que sabían tocar instrumentos los hacían ejecutar Plegaria, su tango más famoso
Música vía streaming bajo escrutinio en Reino Unido
LONDRES (AP) â?? Las autoridades reguladoras revisarán el mercado de la música por streaming en el Reino Unido para verificar si hay suficiente competencia, después de que los legisladores expusieran su preocupación de que las grandes plataformas online, como Spotify, podrían ser demasiado dominantes en el mercado.El organismo de control de la competencia del Reino Unido dijo el martes que llevará a cabo un "estudio de mercado" para evaluar si se necesitan nuevas medidas para mejorar la competencia del streaming.La Autoridad de Competencia y de Mercados está tomando medidas tras una investigación de los legisladores, la cual afirmó en un informe, que tres grandes sellos musicales -Universal Music, Sony Music y Warner Music- dominan el mercado discográfico del Reino Unido.Según el informe, ello les permite llegar a mejores acuerdos con las plataformas de streaming y deja a los rivales más pequeños en desventaja, mientras que los artistas se quejan de que no reciben una proporción justa de las regalías por streaming.El organismo de control también explicó que la revisión era necesaria porque el modo en que la gente escucha la música se ha transformado en la última década, y el streaming representa en la actualidad más del 80% de toda la música que se consume en el Reino Unido."El Reino Unido está enamorado de la música y es el hogar de muchos de los artistas más populares del mundo", dijo Andrea Coscelli, director ejecutivo de la autoridad reguladora. "Queremos hacer todo lo posible para garantizar que este sector sea competitivo, próspero y funcione en beneficio de los amantes de la música".La Autoridad de Competencia y de Mercados utiliza los estudios de mercado para comprobar si existen problemas de competencia y consumo en un sector concreto y, en caso de que así sea, determina cómo abordar esos problemas, incluyen con recomendaciones de cambios en la normativa gubernamental o la adopción de medidas coercitivas.
María Becerra y Rusherking: unidos por la música, el amor y la atracción
La pareja lanzó Antes de ti, canción que ya es furor presentada por Axe y que habla de las nuevas reglas de seducción.
Magdalena Fleitas: "La música es un aliado de la familia"
Mano a mano con la cantautora que acaba de publicar nuevo libro y un disco con 40 canciones.
Eddy de Pretto, la nueva estrella de la música popular francesa
Es el gran fenómeno de la música popular francesa actual: con su segundo disco, A tous les batards, Eddy de Pretto se consagró no sólo en ventas sino como personaje público. En su universo conviven el hip hop, el R&B, y la chanson, más algunas influencias de Radiohead, por ejemplo, y sin contradicciones. A todo se le suma su vuelo poético de suburbio. Un joven gay de clase popular que cita tanto a Virginie Despentes como a su propia biografía y está destinado a trascender las fronteras de su país: la dura y hermosa melancolía de sus canciones no tiene límites.
Una noche con música de películas en BAphoto
Por un rato, fue Whitney Houston. La voz de la mezzosoprano Rocío Arbizu se elevó en la noche porteña para cantar la canción de El guardaspaldas, "I Will Always Love You", y el público reunido en el patio de Casa Basavibaso respondió con una ovación. Fue uno de los puntos más altos de la "Noche de películas" programada por BAphoto para invitados especiales como parte de su 17ª edición, que termina mañana.Un grupo de cantantes líricos de la Fundación Teatro Colón interpretó un repertorio que incluyó las bandas de sonido de películas como La Misión, La Vie En Rose, La Novicia Rebelde, Cats, El Gladiador, El Padrino y Cinema Paradiso, entre otras. A continuación, algunas de las imágenes del encuentro.Interpretación de la soprano Mariana Silva (Rodrigo Néspolo/)El barítono Juan Font interpretó la banda sonora de La Novicia Rebelde, entre otras (DIEGO SPIVACOW / AFV/)El público respondió con entusiasmo a la propuesta (DIEGO SPIVACOW / AFV/)Rocío Arbizu y Duilio Smiriglia, un dúo muy ovacionado (DIEGO SPIVACOW / AFV/)Diego Costa Peuser, director de la feria, y Daniela Marcuzzi (Rodrigo Néspolo/)Moniquita Holmberg y Teresa Calandra (Rodrigo Néspolo/)Delfina Helguera, directora del Museo Larreta, con su marido (Rodrigo Néspolo/)Facundo Gómez Minujín, expresidente de arteBA, se mostró entusiasmado ante el regreso presencial a las ferias (Rodrigo Néspolo/)La convocatoria fue un éxito en Casa Basavilbaso, nueva sede de la feria (Rodrigo Néspolo/)También participaron artistas, curadores y galeristas (Rodrigo Néspolo/)Facundo de Zuviría, uno de los artistas que participan con sus obras de la feria (Rodrigo Néspolo/)Leopol Mones Cazón, director de la galería Isla Flotante (Rodrigo Néspolo/)Sofia Ines Weil de Speroni, fundadora de The Art Break (Rodrigo Néspolo/)Andrés Gribnicow, director ejecutivo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, acompañado por su esposa, Erica Rubinstein, y el coleccionista Esteban Tedesco (Rodrigo Néspolo/)Marcela Costa Peuser, directora de Arte-online.net (Rodrigo Néspolo/)Eugenio Ottolenghi, director de Otto (Rodrigo Néspolo/)
Clubhouse anuncia un modo música para mejorar las sesiones musicales
La red social solo de voz Clubhouse ha introducido su nuevo modo música, que mejora el sonido de los usuarios que llevan a cabo sesiones musicales a través de la plataforma y que añade el soporte para utilizar equipo especializado.El nuevo modo música, que se encuentra disponible en la red social desde el jueves, se encuentra presente en el menú de calidad de audio para los anfitriones de una sala de audio, y puede activarse al seleccionar la opción 'música'.Al activar esta función los usuarios de Clubhouse que quieran hacer sesiones musicales como 'jam sessions' podrán acceder a "sonido de alta calidad y estéreo"', como ha anunciado Clubhouse en un comunicado. La función primera llegará a iOS y después a Android.El modo música, que permite acceder a esta mejor calidad tanto a los intérpretes como a los oyentes, concede también soporte para el uso de equipo musical especializado desde dispositivos externos, como micrófonos USB y mesas de mezclas.Asimismo, Clubhouse ha mejorado la barra de búsqueda de la aplicación, que ahora pasa a encontrarse en la parte superior de la pantalla. La función de búsqueda también pasará a permitir saludar a otros amigos de la red social.
Adele regresa a la música con nuevo sencillo "easy on me"
Por Marie-Louise GumuchianLONDRES, 15 oct (Reuters) - La cantautora británica Adele hizo su muy esperado regreso musical el viernes, lanzando su primer disco nuevo desde el álbum "25" de 2015, con el que ganó el premio Grammy.La intérprete de 33 años, conocida por sus baladas sobre rupturas y arrepentimientos, presentó un adelanto del nuevo sencillo "Easy on me" la semana pasada con un breve videoclip.La canción es el primer lanzamiento de su cuarto álbum, "30", que saldrá a la venta en noviembre y que Adele dijo que grabó para ayudar a explicar su divorcio a su pequeño hijo.El video musical de esta potente balada emocional comienza con Adele saliendo de una casa con carteles de "Se vende" y "Vendido". La cantante parece estar pidiendo comprensión con sus letras: "No te preocupes, cariño / Yo todavía era una niña / No tuve la oportunidad de / Sentir el mundo que me rodea".Canta mientras maneja, sus recuerdos y partituras se arremolinan a su alrededor, y el video adquiere un color cálido después de comenzar en blanco y negro.El miércoles, Adele dijo a sus admiradores que finalmente estaba lista para lanzar "30", que describió como su "andar o morir durante el período más turbulento de mi vida".La cantante, que se separó del filántropo Simon Konecki en 2019, pone el nombre de fechas históricas de su vida a sus álbumes."Ciertamente no estaba ni cerca de donde esperaba estar cuando lo empecé hace casi tres años", dijo en un comunicado."En realidad, todo lo contrario. Confío en la rutina y la consistencia para sentirme segura, siempre lo he hecho. Y, sin embargo, ahí estaba yo a sabiendas, incluso de buena gana, arrojándome a un laberinto de absoluto desorden y confusión interior", agregó.Los aficionados y los críticos musicales elogiaron su regreso, y el video de la canción obtuvo más de 18 millones de visitas en YouTube en las primeras 10 horas de su lanzamiento.(Reporte adicional de Mindy Burrows; editado en español por Carlos Serrano)
Stranger Things y la irresistible música ochentosa que ya no es ningún placer culposo
Stranger Things es uno de los grandes éxitos de Netflix con cuarta temporada en camino para 2022 y también su música resultó un suceso, que descubrió para la generación streaming ese momento deslumbrante del pop de mitad de los ochenta marcado por la sonoridad de los sintetizadores, pero también por el hair metal y la new wave. Tanto la música original de la serie compuesta por los Survive Kyle Dixon y Michael Stein como las canciones del catálogo pop (¡236 títulos en total!) fueron editadas en un álbum oficial por Sony, pero además dieron lugar a otras inspiradas por los personajes y creadas por usuarios bajo el nombre de The Upside Down. El nombre de ese portal alternativo al mundo real también es el del tema que abre cada capítulo en clave tecno. Las referencias al cine de los 80 son tan inescindibles de la serie como la música de la década que gravita en los personajes como parte de la fantasía."Moving in Stereo" (The Cars, 1978). Si bien suena en la tercera temporada, esta joya del primer álbum del grupo de Rick Ocasek da el tono synth pop, lingua franca de la serie (con excepciones siempre ochentosas, claro). La canción empieza con un aire siniestro que evoca los riffs de Black Sabbath tanto como los sonidos de laboratorio de Kratfwerk y forma parte de esa iconografía que pone al automóvil en el centro de la cultura popular. La tapa con el close-up de una chica al volante, la referencia al autoestéreo y luego la ilustración de Alberto Vargas para Candy-O, el segundo disco, siguiendo el estilo de Roxy Music para sexualizar un modelo deportivo. Ni hablar de "Drive", el mayor hit del grupo versionado porâ?¦¡Julio Iglesias!"Whip it" (Devo, 1980). Los hombres máquina pero de Ohio en un registro pop (en el sentido de Warhol) y new wave que poco tenía que ver con el romanticismo industrial de Kraftwerk (Schubert en la línea de producción y montaje de Grundig), referencia ineludible para toda la música hecha con sintetizadores. A los Devo cuyo outfit también hace juego con la ciencia ficción retro de la serie se los escucha en la segunda temporada con la vertiginosa "Whip it" que los puso en la posición más alta a la que llegaron en Billboard tras la salida de Freedom Of Choice, tercer álbum del grupo."Should I Stay or Should I Go" (The Clash, 1982). Acaso la canción de punk rock con mayor salida en radios y discotecas también tiene en Stranger Things un rol clave estableciendo un puente entre Jonathan y Will Byers. Se la escucha desde un casete como la escucharon muchos en los primeros 80. Compuesta por Mick Jones, el que tenía la sensibilidad pop en el cuarteto, es una suerte de relectura del rock and roll de fines de los 50 (Gene Vincent, Eddie Cochran) y lo más punk que suena en Combat Rock, donde el grupo culminaba la fase ecléctica abierta por el triple Sandinista. Joe Strummer replica la letra en un español ecuatoriano cortesía de la madre del técnico de sonido Eddie García que le dictó lo de "Esta indecisión me molesta/Si no me quieres líbrame". Aquí la traducción tuvo un desvío y en las discos se coreaba "El calzoncillo me molesta". Costumbres argentinas."Every Breath You Take" (The Police, 1983). Menos una balada romántica que una oda a la obsesión amorosa llevada a niveles de vigilancia (chequear la primera estrofa) tiene en la serie un papel clave para el cierre de la segunda temporada. En el documental que Netflix hizo a partir de la serie, Eleven (Millie Boy Brown) se refiere al hit de Synchronicity, ocho semanas en el top 100 de Billboard, como "la canción del stalker". En el 83 ninguna de las fans subyugadas por Sting se hubiera sentido perseguida sino que más bien lo hubieran querido como custodio full time pero los tiempos cambiaron. Es interesante el claroscuro entre la letra y el sonido soft que pareciera denotar otro tipo de sentimiento. Es una canción de pérdida que Sting compuso al piano tras separarse de Frances Tomelty."Twist of Fate" (Olivia Newton-John, 1984). Una muestra de cómo ese sonido synth pop que había empezado a partir de los escombros del punk (de The Cars a Human League) se fue incorporando al mainstream hasta volverse hegemónico, lo que provocaría el regreso a las guitarras en el purismo de R.E.M y The Smiths. Olivia Newton-John, estrella de Grease en pareja con Travolta, se había salido del mapa country para pelear en el competitivo chart pop con hits como este que nada tiene que ver con la canción homónima de Dylan para Blood on the Tracks. Música aeróbica en la era del fitness apta para el gimnasio y la disco. Propulsada por máquinas de ritmo y sintes, Olivia Neutron Bomb (como la habían satirizado la revista Mad y Seru Giran en la tapa de La Grasa de Las Capitales) entrega cuerpo y voz a la época."The Ghost in You" (The Psychedelic Furs, 1984). Si bien hay grupos más icónicos para el oído ochentoso en la extensa playlist de las tres temporadas es bueno rescatar la voz de Richard Butler dentro de todo el pop de orientación pos punk y dark que suena en la serie. No hay mucho de psicodelia en esta canción suave y envolvente sino más bien la sombra de David Bowie presente en muchos de los grupos de la escena británica de los primeros 80 (Bauhaus, por ejemplo). Forma parte del esencial álbum Mirror Moves que no podía faltar en ninguna discoteca (aunque fuera grabado en un TDK) que se preciara de estar al día e informada en 1985."Runaway" (Bon Jovi, 1984). El hair metal tiene su lugar también en esta clase 84 en la que se entremezcla con el pop de sintetizadores. No es casual entonces que este clásico temprano de Bon Jovi empiece con un stacatto de sintetizador antes de hacernos explotar el riff (la unidad básica del hard rock) en la cara. Acá está todo: Bon Jovi podía tener los estribillos más pegadizos sin resignar el ADN metálico; el estilo callejero de Springsteen y hasta un solo de Richie Sambora que es modélico. No iban a ser un grupo de culto precisamente pero volver a a escuchar "Runaway" desde 2021 los pone en perspectiva. Hit makers de alto nivel y el make up que la videogenia demandaba entonces."Never Ending Story" (Limahl, 1984). La melodía definitiva de la historia y hay que llegar hasta el final de la temporada 3 para entenderlo. Toda una cita ya que se trata de la canción original del film La Historia sin Fin (Never Ending Story) dirigido por el alemán Wolfgang Petersen y estrenado en la Argentina en 1985. El fantasy de aquella es uno de los insumos de la serie y es natural que esta canción tecno pop compuesta por el in-fa-li-ble Giorgio Moroder (Expreso de Medianoche, American Gigolo, Flashdance) y cantada por el efímero Limahl tenga un rol clave en la trama. ¿Limahl? Un anagrama de Hamill (su apellido) pero nada que ver con Peter, el cruzado avant garde de Van der Graaf Generator. Se lo conoció antes como cantante de Kajagoogoo pero el éxito de su vida es esta canción de impronta etérea con casi 70 millones de clics en Spotify."Home Sweet Home" (Mötley Crue, 1985). Otra aparición metalera en el soundtrack de Stranger Things en manos de los más glam de la escena de Los Ángeles, un antecedente directo para Guns N'Roses en la década siguiente. En la serie se los escucha en este modo de power ballad con una intro y cierre de piano que les viene directo del estilo teatral de Alice Cooper. El álbum donde está incluida se llamaba de hecho Theatre of Pain, toda una definición de la deriva autodestructiva de la banda con el mejor set de cosméticos después de Kiss. Otro solo de guitarra destacable ahora en manos de Mick Mars."Heroes" (Peter Gabriel, 2010). Un salto en el tiempo musical de la serie (atrapada en esa temporada 84-85 pródiga en hitazos) hasta el siglo XXI para escuchar en la temporada 3 la versión que el ex Genesis Peter Gabriel hiciera del "Heroes" de David Bowie (cuya ausencia es presencia pura). Lúgubre y minimalista, la dinámica del original es reducida a un arreglo de cuerdas y el dramatismo de la melodía de tan introspectivo se vuelve una suerte de ruego. No cuenta entre lo mejor que hizo Gabriel sin dudas y eso que sus primeros discos solistas hubieran ido bien con las escenas sci-fi de la serie. Pensar en "No self control", por ejemplo.
Este hombre es capaz de crear música relajante a partir de un extintor de incendios
MADRID, 13 oct. (EDIZIONES)Uladzimir Syrytsa, es un trabajador del metal, de 37 años, de Minsk (Bielorrusia), al que le encanta fabricar instrumentos musicales relajantes en su taller a partir de objetos extraños como un extintor de incendios.En mayo de 2021, Syrytsa quiso probar a ver qué instrumento podía salir de un extintor industrial, así que mientras se ponía a cortar y darle forma al metal, grabó todo el proceso en vídeo para mostrarlo a sus seguidores en redes sociales.https://www.youtube.com/watch?v=pRimzHnYIW4En las imágenes se puede ver cómo el hombre empieza cortando el metal en forma circular para luego afinar las notas musicales antes de lijarlo y añadirle protección anticorrosiva.Todo el proceso duró entre dos y tres días, y el resultado final es un diseño único con el que se pueden crear diferentes melodías.
Comienza el Festival No Convencional: un encuentro de cine, música, danza, performance y bomberos voluntarios
La propuesta incluye un filme de Alejo Moguillansky, una obra de León Ferrari y la proyección de La Mary, entre otras atracciones.
"CODA: Señales del corazón", una película sobre la música, la familia y la sordera
Fue un éxito en festivales y luego las plataformas pelearon por tenerla entre su oferta: finalmente CODA: Señales del corazón desembarca en Apple TV+ y en cines. La historia, sólida y conmovedora, está basada en una película francesa y las siglas CODA significan, en inglés, Hijo de Adultos Sordos. O hija en este caso: una chica que ama cantar, Ruby Rossi, única hija oyente de una familia con discapacidad auditiva. Es el segundo largo de la realizadora Sian Heder y una de sus decisiones más fuertes fue trabajar con actores sordos, entre ellos la famosa Marlee Matlin y Troy Kotsur, que ha participado de series como The Mandalorian.
Vecino le disparó a una chica por no bajar la música y la dejó parapléjica
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Barrio Zavaleta: vecino baleó a una chica porque no bajaban la música y la dejó parapléjica
La víctima estaba en un cumpleaños de 50 del tío de una amiga. El hombre comenzó a disparar sorpresivamente. Leer más
Gabriel Vinker: un viaje personal al rescate de la música de la Belle Epoque porteña
El pianista publicó una selección de piezas propias que evocan los sonidos de la Buenos Aires de comienzos del siglo XX.
"Soy un gran defensor de la evolución de la música y los nuevos intérpretes"
El reconocido artista celebrará cinco décadas de trayectoria y presentará su material más reciente este sábado en el Teatro provincial. Antes de reecontrarse con el público, evocó al Cuchi Leguizamón y aseguró que cantar le "procuró fortuna y felicidad"
Ramiro Gallo propone "Música para los cortes de luz" en Hasta Trilce
"Tocaremos todos los temas nuevos que hicimos durante la pandemia", anticipa el músico sobre la doble función del viernes.
El Polaco y Angela Leiva: de la música popular a la tira del prime time de Polka
Cómo son los personajes que interpretan los cantantes en La 1-5/18, la ficción de El Trece que marca el debut actoral para ambos.Sin tiempo para morir, la nueva de James Bond, no recupera la inversión pese a su éxito internacionalPeter Lanzani, el actor que con cada personaje se somete a rotundos cambios de look
Nuevo gabinete, pero la misma música
El nuevo gabinete arrancó en sexta a fondo. Las PASO habrían sido una medida más efectiva que las vacunas y la cuarentena. Leer más
Vuelve el Festival Konex de Música Clásica
Dedicado a Tchaikovsky, se hará a lo largo de cinco jornadas, entre el 3 y el 7 de noviembre, con un apartado especial para los chicos e interpretaciones de la Camerata Bariloche y Escalandrum, entre otros. Leer más
Una música de poética diferente
El show histórico que los músicos ofrecieran en el teatro El Círculo en diciembre de 2019 podrá verse el próximo jueves.
El mensaje de Residente a J Balvin: "Tu música es como un hot dog"
Festival Vértigo en el Konex, con la música y la psicodelia en el centro
La primera edición del encuentro contará con "propuestas musicales bastante diferentes" pero con "una identidad similar en lo profundo".
Por llamar a boicotear los Grammy, Residente criticó a J. Balvin: "Tu música es como un carrito de hot dog"
Residente, el ex Calle 13 y cantautor puertoriqueño, publicó ayer un video en sus redes sociales en el que se dirige a su colega J. Balvin en duros términos. Es que el músico colombiano llamó esta semana a boicotear los premios Grammy porque considera que esos galardones están contra el reggaetón, ya que no recibió ninguna nominación."Los Grammys no nos valoran, pero nos necesitan. Es mi opinión y nada contra los otros géneros, porque se merecen todo el respeto, pero el truco ya es aburrido. Les damos rating (audiencia) pero no nos dan el respeto. Estoy nominado para que no vengan, que estoy dolido", escribió Balvin desde sus redes sociales sobre la ceremonia que tendrá lugar en el MGM Grand Garden Arena."El Perón": el Gobierno reflota la categoría de programa para un Instituto Nacional dedicado al expresidenteResidente, ante esta actitud, decidió subir a su cuenta de Instagram un video en el que se dirige a Balvin (a quien llama por su nombre, José) y cuestiona su actitud. Le dice que debería esforzarse más en escribir canciones y que su música es como "un carrito de hot dog" en busca de "estrellas Michelin", distinción que reciben los mejores restaurantes del mundo."Residente":Por su respuesta a J Balvin pic.twitter.com/BhAFU049C1â?? ¿Por qué es tendencia? (@porquetendencia) September 30, 2021"José, tienes que entender, es como si un carrito de hot dog se molestara porque no se puede ganar una estrella Michelin. Tu música es como si fuera un carrito de hot dog que a mucha gente le puede gustar. Pero cuando quiere comer bien se van a un restaurante y ese restaurante es el que se gana las estrellas Michelin", le dijo."Estoy perdido, José. Si los Grammy no nos valoran, entonces por qué yo tengo 31 Grammy. ¿Yo no soy urbano, yo no rapeo o de qué género estamos hablando? Ayer vi que nominaron a muchos colegas que le metieron cabrón", explicó el puertorriqueño.El enojo de J Balvin quien lanzó su nuevo album "José" el viernes 10 de septiembre de 2021. (Universal Music Latino vía AP)Además, Residente señaló que son varios los músicos candidatos a un premio en ese género. "¿Por qué a ti te sale de los cojones todo esto sin contar a los demás artistas nominados?"."Tú le estás diciendo a la gente del género urbano que boicoteen los premios, que celebren la vida artística a Rubén Blades, un tipo que marcó la historia de la música latinoamericana, porque a diferencia de ti escribe sus canciones", volvió a destacar.Además, le comentó que el año pasado el colombiano había sido parte de los Grammy y especuló con que su enojo viene desde esa época: "Como de las trece nominaciones te ganaste un solo Grammy, ahora vuelve el boicot. No sé por qué te molesta tanto porque según tú haces historia cada quince segundos".
Lionel Messi deslumbró en la victoria del PSG: la figura de la música internacional que se mezcló en el público
El carácter internacional que tienen los partidos de Champions League hace que todo tipo de figuras quieran asistir a los estadios para verlos. Este martes dos de los equipos más importantes de Europa, el Manchester City y el Paris Saint-Germain, tenían cita en el Parque de los Príncipes y Ed Sheeran no se lo quiso perder.La segunda jornada de Champions enfrentó a los clubes del Grupo A en un duelo que cobró un sabor distinto no solo por la presencia de grandes jugadores entre los que se destacaba Lionel Messi sino también porque el argentino se enfrentaba ni más ni menos que al conjunto de su ex DT en el Barcelona, Pep Guardiola.Dognaldo, el perro que irrumpió en pleno partido y hasta tiró un cañoEl centrocampista senegalés del Paris Saint-Germain Idrissa Gana Gueye (C) celebra con el delantero argentino del Paris Saint-Germain Lionel Messi (L) y el defensor portugués del Paris Saint-Germain Nuno Mendes después de marcar un gol ante el Manchester City (FRANCK FIFE/)Minutos después de que Idrissa Gana Gueye descontara a los ocho del primer tiempo para el PSG, las cámaras de televisión enfocaron a la tribuna del estadio parisino, donde apareció Ed Sheeran junto a su esposa, Cherry Seaborn, y su padre, John Sheeran.Ed Sheeran estaba con su papá y su esposaAllí, el cantautor de 30 años miraba el partido con el semblante serio mientras su papá le hacía algún comentario sobre el partido. Lo cierto es que el artista es fanático del fútbol, pero su equipo predilecto es el Ipswich Town, de la tercera división inglesa.La respuesta de Georgina Rodríguez sobre sus ganas de casarse con Cristiano RonaldoPor eso, además de que en las redes sociales los espectadores enloquecieron con su presencia en el espectáculo de Champions, muchos se preguntaron por qué club hinchaba y, si bien la lógica indica que por ser inglés debería alentar por el City, Ed eligió el estadio del PSG para ver el partido. ¿Estará del lado de Messi o de Guardiola?
20 fotos: destacadas personalidades en un exclusivo concierto de música clásica
Diplomáticos y empresarios se dieron cita para disfrutar de una velada de lujo, en el marco del ciclo Reencuentro
Luck Ra, streamer y cantante de trap: "Mi pasión posta por la música empezó cuando me compré el Guitar Hero"
El cordobés uno de los artistas del momento en la escena nacional, fue el encargado de hacer el tema oficial de la Selección Argentina, y contó que su carrera comenzó con un videojuego. Un recorrido por su historia, su presente y todo lo que se viene.
Clásica y Moderna, un sitio exclusivo de Buenos Aires que fue templo de la buena música
Para quienes tenemos algunos años y para varias generaciones, la librería Clásica y Moderna fue precisamente eso, una librería. Particular, eso sí. De las de antes. Con un señor que sabía de libros al frente, que defendía la palabra escrita en toda su expresión, que protegió algunos volúmenes "non sanctos" para los ojos de la dictadura militar durante los años de plomo -eran los libros que, para los habitués y conocedores, estaban "en el fondo"-, con una mesa enorme para quedarse horas mirando cerca de la vidriera de la avenida Callao, con esa carpintería y cerrajería increíbles y con una larga historia.En 1916, el catalán Emilio Poblet llegó desde España, donde era gerente de una editorial, para instalarse en Buenos Aires y abrir la Librería Académica de Poblet e hijos, en el 713 de la avenida Callao, especializada sobre todo en libros de medicina. Unos cuantos años después, en 1938, uno de esos hijos, Francisco, decidió independizarse y comenzar junto con su esposa su propio emprendimiento, a unos 100 metros y en diagonal al de su padre, en avenida Callao 892 -entre Córdoba y Paraguay-, que bautizaría Clásica y Moderna.Clásica y Moderna en 2008, en los festejos por sus 70 años (Diego del Olio/)En otra Buenos Aires y en otro mundo, aquel nuevo local de unos 150 metros cuadrados convivió con la librería paterna por unos años pero puso el foco en las humanidades, la narrativa, la poesía, los diccionarios y la literatura. Dedicó también algún espacio a los textos escolares que consumieron los alumnos de varios colegios de cercanía, entre ellos el Carlos Pellegrini. Aunque en ese terreno, la competencia fuerte estaba en la Librería del Colegio, en Callao y Córdoba (donde hoy tiene una de sus sedes la Universidad del Salvador) que era la sucursal del local homónimo de San Telmo, frente al Nacional Buenos Aires.Clásica y Moderna era, sobre todo, la casa de los amantes de las letras y de los escritores. Y por eso, nombres como Leopoldo Lugones, Alfonsina Storni, Jorge Luis Borges, Manuel Mujica Láinez, Alejandra Pizarnik, Arturo Jauretche, Ernesto Schoo, Manuel Gálvez, David Viñas, Juan José Sebreli y Beatriz Guido, entre tantos, se hicieron visitantes permanentes.Cuando en 1980 murió Francisco Poblet, sus hijos Natu y Paco se hicieron cargo del negocio y lo sostuvieron. Todavía eran años duros para cualquier librería, siempre observadas por los ojos censores de los dictadores. Por supuesto, la cosa empezó a abrirse hacia 1983 -o poco antes-, con la llegada de la democracia y la renovación trajo las primeras tertulias literarias patrocinadas por los nuevos propietarios-herederos que empezaban a vislumbrar un cambio de rumbo.Gerardo Gandini en Clásica y Moderna, en abril de 2004 (Rodrigo Néspolo/)Pero el cambio significativo ocurrió en 1988, cuando Clásica y Moderna vivió una fuerte reforma y una modificación profunda de su concepto original. Respetando la hermosa fachada y la puerta y los pisos de roble de Eslavonia y con la participación del diseñador Ricardo Plant, se estableció uno de los primeros restaurantes-concert de la ciudad. No ya con aquel formato de espectáculos de music-hall de años antes -en los que brillaran artistas como Nacha Guevara, Carlos Perciavalle, Antonio Gasalla o Tato Bores- sino fundamentalmente con conciertos. Así, toda la parte de adelante, que podía verse desde la calle aún en momentos de shows, quedó ocupada por el piso-escenario con su piano vertical, las mesas para los comensales y una hermosa barra que atendía el propio Paco. Para Natu quedó la responsabilidad, también muy personalizada, de atender la librería que se mantuvo en el fondo y que a su tradición literaria sumó muchísimo material sobre plástica. Dicho sea de paso, las paredes del espacio concert siempre contaban con muestras de pintores o fotógrafos que exhibían y podían vender allí sus obras.De día, entonces, bar, restaurante, librería y, eventualmente, alguna presentación de libros o reunión de prensa. De noche, uno de los lugares emblemáticos para la música porteña que, con el correr de los años, llegó a tener funciones todos los días, con doble oferta para los fines de semana.El ambiente intimista, una de las características de Clásica y Moderna (Santiago Filipuzzi/)Lo primero que sonó fue producto de una idea del baterista Pocho Lapouble, con sus "miércoles de jazz". Y hacia 1990 se sumó como curadora Ana Albarellos, que comenzó haciendo prensa de la inauguración del 25 de mayo de 1988, construyó una relación personal con Paco y fue la responsable de la programación artística hasta que la hicieron de lado en el declive final.En esas tres décadas y pico de vida musical intensa, pasaron por "Clásica" (así llamada, a secas, por el ambiente porteño) una lista imposible de transcribir de artistas de todo tipo. Del tango al jazz. De la canción pop al folklore. Del bolero al rock. De la chanson francesa a la humorística o al estilo del cabaret alemán. Susana Rinaldi, Horacio Molina, Amelita Baltar, Cristina Pérsico, Raúl Lavié, Facundo Ramírez, Alberto Favero, Jorge Navarro, Baby López Furst (estos últimos en inolvidables e irrepetibles dúos a dos pianos que hasta registraron un disco allí), Julio Pane, el Pollo Mactas, Ligia Piro, Jorge Cutello, Marcelo Moguilevsky, César Lerner, Santiago Kovadloff (en tríos de recitado de poesía y música también antológicos) y también Agustín Pereyra Lucena, Mario Clavell, Carlos Garaycohea (otra dupla maravillosa), Mimí Koszlowsky, Silviana Di Lorenzo y María José Cantilo fueron apenas algunos de los "números puestos" que repitieron a lo largo de los años.Pero en la lista de grandes nombres y de noveles en ascenso que pasaron por la programación de Clásica hay que sumar a Horacio Ferrer, Karina Beorlegui, Raúl Garello, Caracol Paviotti, Cardenal Domínguez, el Chino Laborde, Daniel Binelli, Polly Ferman, el Sexteto Mayor, Leopoldo Federico (sus conciertos y su disco en vivo junto a la Tana Rinaldi fueron otros de los momentos únicos que dio el lugar), Atilio Stampone, María Graña, Osvaldo Requena, Fernando Suárez Paz y una lista larguísima y riquísima.Además, no faltaron las excepciones "para pocos". Por las mesas de este lugar pasaron desde figuras políticas como Felipe González, que fue a visitarlo siendo Presidente del gobierno español, a nombres estelares del espectáculo, como el de Liza Minnelli, que hizo un pequeño show privado una de las veces que visitó Buenos Aires, por una gestión de su productor Lino Patalano que pidió cerrar para la ocasión. El andaluz Joaquín Sabina disfrutaba yendo a Clásica en trasnoche a su paso por la Argentina y también subió alguna vez a cantar, por caso con Adriana Varela. Mercedes Sosa (que además cocinó allí para algunos invitados un 25 de mayo), Ariel Ramírez y Domingo Cura actuaron también eventualmente fuera de programa y de horario de público. Y en esa Buenos Aires que no dormía, cuando por un par de años llegó a estar abierto durante las 24 horas, Clásica y Moderna recibía habitualmente a Sandro que gustaba aparecer "de recalada", después de la cena. Los memorioso recuerdan una vez que trajo como invitados a los cubanos Olga Guillot y Paquito D'Rivera y compartieron, los tres, una tenida musical de la que, lamentablemente, no quedó registro. O, por supuesto, la más conocida anécdota de cuando el Gitano le comentó a Paco Poblet que no era posible que ese lugar tuviera un piano vertical como el que tenía y, como regalo, le envió uno de su propiedad. Aquel instrumento de cuarto de cola ya tenía su recorrido y no estaba en las mejores condiciones -opinión de este cronista-; y terminó de sufrir con el traqueteo constante de un lugar que no paraba nunca. Tiempo después, en beneficio de la música, fue reemplazado por uno en mejores condiciones, pero nadie olvidaría, por supuesto, aquel obsequio.La amplitud de criterios musicales, la apertura constante hacia los artistas jóvenes, el desprejuicio estético, la oportunidad de presentarse, por igual, a nombres importantes y a otros en ascenso, una excelente gastronomía -no apta para bolsillos flacos, vale decirlo- y, sobre todo, la atención personalizada y cariñosa hicieron el gran éxito de Clásica y Moderna durante sus últimos y más populares años de su octogenaria existencia.En 1999, murió Paco. Natu, con un nuevo socio externo, quedó a cargo de todo. Y Ana Albarellos siguió como responsable "artística". Pero La ausencia física de Paco no fue gratuita y los habitués pudieron sentirlo, aunque la cosa pudo seguir adelante. Pero cuando murió Natu, después de un largo padecimiento físico, en 2017, empezó el proceso de derrumbe final. El lugar quedó a cargo de su esposo, Alejandro Monod, y poco después de su cuñado Fernando Monod. Se sumaron deudas y los problemas de gestión. Hubo "limpieza" de personal de gastronomía con décadas de antigüedad y de la responsable de la programación, las quejas aparecieron en las noticias algo escandalosas de los canales de televisión, se sucedieron los reclamos para que la Ciudad o la Nación se hicieran cargo de levantar deudas y evitar la hecatombe (o que directamente lo compraran para gestionarlo en su carácter de bar notable), y hubo hasta pequeñas disputas en el terreno político. Pero más allá de todo eso que no quedó más que en palabras y "mangazos" públicos, Clásica y Moderna cerró definitivamente en febrero de 2019. Sin saberlo, adelantándose a un destino que sufrirían muchos otros lugares de música y gastronomía en los durísimos tiempos depandemia; en una Buenos Aires que, además, cambió el formato de su noche y de sus propuestas gastronómico-musicales.Allí quedan entonces, detrás de la cortina metálica y del cartel de "Clásica y Moderna. Libros" que sigue sacudiéndose, los fantasmas y los espíritus de los escritores, de los músicos, de los cantantes que poblaron ese imaginario escenario sin tarima, los de los vivos y de los muchos que ya no están en este mundo que llenaron de música y de poesía ese rincón del Barrio Norte porteño.
Lista de ganadores de los Billboard de la Música Latina
A continuación la lista de ganadores de los Premios Billboard de la Música Latina, que se entregaron el jueves en Coral Gables, Florida.Categorías de artistasâ?? Artista del año: Bad Bunny.â?? Artista del año, debut: Myke Towers.â?? Artista crossover del año: Black Eyed PeasCategorías de cancionesâ?? "Hot Latin Song" canción del año: Bad Bunny y Jhay Cortez, "Dákiti".â?? "Hot Latin Song" colaboración vocal del año: Bad Bunny y Jhay Cortez, "Dákiti".â?? "Hot Latin Song" artista del año, masculino: Bad Bunny.â?? "Hot Latin Song" artista del año, femenino: Karol G.â?? "Hot Latin Song" artista del año, dúo o grupo: Banda MS de Sergio Lizárraga.â?? "Hot Latin Song" sello discográfico del año: Rimas.â?? "Hot Latin Song" casa disquera del año: Rimas.â?? Canción del año, airplay: Maluma y The Weeknd, "Hawái".â?? Sello discográfico del año, airplay: Sony Music Latin.â?? Casa disquera del año, airplay: Sony Music Latin.â?? Canción del año, ventas: Black Eyed Peas y J Balvin, "Ritmo (Bad Boys For Life)".â?? Canción del año, streaming: Bad Bunny y Jhay Cortez, "Dákiti".Categoría de álbumesâ?? "Top Latin Album" del año: Bad Bunny, "YHLQMDLG".â?? "Top Latin Albums" artista del año, masculino: Bad Bunny.â?? "Top Latin Albums" artista del año, femenino: Karol G.â?? "Top Latin Albums" artista del año, dúo o grupo: Eslabón Armado.â?? "Top Latin Albums" sello discográfico del año: Rimas.â?? "Top Latin Album" casa disquera del año: Rimas.Categorías latin popâ?? Artista "Latin Pop" del año, solista: Shakira.â?? Artista "Latin Pop" del año, dúo o grupo: Maná.â?? Canción "Latin Pop" del año: Black Eyed Peas, Ozuna y J.Rey Soul, "Mamacita".â?? "Latin Pop Airplay" sello discográfico del año: Sony Music Latin.â?? "Latin Pop Airplay" casa disquera del año: Sony Music Latin.â?? Álbum "Latin Pop" del año: Kali Uchis, "Sin miedo (del amor y otros demonios)".â?? "Latin Pop Albums" sello discográfico del año: Universal Music Latin Entertainment.â?? "Latin Pop Albums" casa discográfica del año: Universal Music Latino.Categoría tropicalâ?? Artista tropical del año, solista: Romeo Santos.â?? Artista tropical del año, dúo o grupo: Aventura.â?? Canción tropical del año: Prince Royce, "Carita de inocente".â?? "Tropical Songs Airplay" sello discográfico del año: Sony Music Latin.â?? "Tropical Songs Airplay" casa disquera del año: Sony Music Latin.â?? Álbum tropical del año: Prince Royce, "Alter ego".â?? "Tropical Albums" sello discográfico del año: Sony Music Latin.â?? "Tropical Albums" casa disquera del año: Sony Music Latin.Categoría regional mexicanoâ?? Artista regional mexicano del año, solista: Christian Nodal.â?? Artista regional mexicano del año, dúo o grupo: Banda MS de Sergio Lizárraga.â?? Canción regional mexicana del año: Lenin Ramírez con Grupo Firme, "Yo ya no vuelvo contigo".â?? "Regional Mexican Airplay" sello discográfico del año: Universal Music Latin Entertainment.â?? "Regional Mexican Airplay" casa disquera del año: Fonovisa.â?? Álbum regional mexicano del año: Eslabon Armado, "Tu veneno mortal".â?? "Regional Mexican Albums" sello discográfico del año: Universal Music Latin Entertainment.â?? "Regional Mexican Albums" casa disquera del año: DEL.Categoría latin rhythmâ?? Artista "Latin Rhythm" del año, solista: Bad Bunny.â?? Artista "Latin Rhythm" del año, dúo o grupo: Los Legendarios.â?? Canción "Latin Rhythm" del año: Maluma y The Weeknd, "Hawái".â?? "Latin Rhythm Airplay" sello discográfico del año: Sony Music Latin.â?? "Latin Rhythm Airplay" casa disquera del año: Universal Music Latino.â?? Álbum "Latin Rhythm" del año: Bad Bunny, "YHLQMDLG".â?? "Latin Rhythm Albums" sello discográfico del año: Rimas.â?? "Latin Rhythm Albums" casa disquera del año: Rimas.Categoría escritor/productor/editoraâ?? Compositor del año: Bad Bunny.â?? Editora del año: RSM Publishing, ASCAP.â?? Corporación editora del año: Sony Music Publishing.â?? Productor del año: Tainy.Premios especialesâ?? Premio Billboard Salón de la Fama: Daddy Yankee.â?? Premio Billboard Ícono: Maná.â?? Premio Billboard Trayectoria Artística: Paquita la del Barrio.
Los márgenes de la ciudad de Rosario y la música que inspira los días de elecciones
La música, otra víctima del Talibán en Afganistán
KABUL (AP) â?? Un mes después de que el Talibán tomase el poder en Afganistán, no se escucha la música.La última vez que esa agrupación gobernó el país, a fines de la década de 1990, prohibió la música. Por ahora, el nuevo gobierno no ha tomado medidas oficiales al respecto, pero los músicos temen que se viene otra prohibición y algunos militantes talibanes han comenzado a actuar por su cuenta, hostigando a los músicos y a los locales que los contratan.En muchas bodas se está limitando la música. Los músicos tienen miedo de actuar. Al menos uno dijo que combatientes talibanes le rompieron su instrumento en un puesto de control cerca de la capital. Los conductores silencian sus radios cada vez que pasan por un puesto de control.En los callejones de Kharabat, un barrio del Viejo Kabul, familias que siempre han vivido de la música tratan de irse del país. Los músicos ya padecían el impacto de una profunda crisis económica y de la pandemia del coronavirus, y algunas familias temerosas de sufrir represalias están vendiendo muebles para sobrevivir."La situación actual es opresiva", dijo Muzafar Bakhsh, un joven de 21 años que tocaba en una banda para bodas. Su familia está vendiendo sus pertenencias en el nuevo mercado de pulgas de Kabul, el Chaman-e-Hozari. "Las seguiremos vendiendo, para no morir de hambre", expresó Bakhsh, nieto de Rahim Bakhsh, un renombrado "ustad", o maestro de música clásica afgana, ya fallecido.Afganistán tiene una fuerte tradición musical, influenciada por la música clásica de Irán y la India. También hay expresiones musicales más modernas, con instrumentos electrónicos y ritmos bailables. Ambos estilos ganaron terreno en los últimos 20 años.Cuando se le preguntó si el Talibán volvería a prohibir la música, el vocero del gobierno Bilal Karimi dijo a la Associated Press que, "por ahora, estamos analizando el tema. Cuando se tome una decisión, será anunciada por el Emirato Islámico".Los sitios que contratan músicos, no obstante, sienten la presión desde la llegada del Talibán al poder el 15 de agosto.Los salones de bodas atraen generalmente grandes reuniones en la que se toca música y se baila, los hombres por un lado y las mujeres por otro. La AP visitó tres salones, cuyos dueños y el personal dijeron lo mismo: Son visitados por combatientes del Talibán y, si bien por ahora no han objetado la música, su sola presencia es intimidatoria. Los músicos no quieren presentarse. En el sector de los hombres ya casi no hay música en vivo ni DJs. En el de las mujeres, donde los combatientes del Talibán no tienen tanto acceso, todavía hay DJs de vez en cuando.Varios bares de karaoke cerraron. Los que permanecen abiertos son hostigados. Uno de ellos que visitó la AP suspendió el karaoke, pero sigue abierto. Ofrece pipas de agua y música grabada. La semana pasada llegaron talibanes, rompieron un acordeón y destrozaron carteles y adhesivos alusivos a la música o al karaoke. A los pocos días volvieron y le dijeron a la gente que se fuese de inmediato.Muchos músicos están tratando de conseguir visas para irse del país.Los miembros de la familia de otro ustad de Kharaba tienen listas sus maletas y esperan el momento de partir. Recientemente se reunieron allí varios músicos para tomar té y hablar de la situación. Compartieron fotos y videos de sus presentaciones en todo el mundo: Moscú, Bakú, Nueva Dehli, Dubái, Nueva York..."Los músicos ya no tienen cabida aquí. Deben irse. El amor y el cariño de los últimos años ya desapareció", comentó un baterista con 35 años de experiencia, que enseña en uno de los principales centros educativos musicales de Kabul. Igual que muchos otros, pidió no ser identificado por temor a represalias del Talibán.Otro músico presente dijo que elementos talibanes le rompieron un teclado de 3.000 dólares cuando lo vieron en su auto al pasar por un puesto de control. Otros cuentan que están despachando sus instrumentos al exterior o los están escondiendo. Uno dijo que había desarmado su tabla (un instrumento de percusión) y había escondido sus partes en distintos sitios. Otro enterró su rebab (un instrumento de cuerdas) en su patio. Algunos comentaron que ocultaban sus instrumentos detrás de paredes falsas.Una que ya se pudo ir es Aryana Sayeed, estrella pop que fue jueza en un programa televisivo de búsqueda de talentos, "La voz de Afganistán". Ya había recibido amenazas y el día que el Talibán tomó Kabul, decidió partir."Tenía que sobrevivir y ser la voz de otras mujeres de Afganistán", dijo Sayeed, quien hoy se encuentra en Estambul. "Los talibanes no son amigos de Afganistán, son nuestros enemigos. Solo los enemigos quieren destruir tu historia y tu música".___Ayse Wieting colaboró en este despacho desde Estambul.
RUIDO, un espacio dedicado a la música experimental que se consolida
La nueva edición de RUIDO viene recargada: por primera vez este festival dedicado a la música experimental que ya tiene varias ediciones en Buenos Aires (la primera fue en 2017) presentará, además de numerosos encargos y estrenos, una serie de piezas adaptadas especialmente para la ocasión y una activa participación de creadores de la improvisación libre, la composición académica, el noise, las nuevas músicas folklóricas, el arte sonoro, el grindcore y el avant pop. "El público se podrá encontrar con gritos posthumanos, ensambles de percusión, instalaciones lumínicas, piezas para órgano, microbeats angulares, coros, parlantes flotantes, algunos instrumentos acústicos y otros extremadamente procesados", aseguran los organizadores del ciclo, producido por el Centro Cultural Kirchner junto con el Centro de Arte Sonoro / CASo, con el apoyo del Goethe-Institut Buenos Aires, la Embajada de la República de Indonesia en Buenos Aires y el Senado de Berlín.A lo largo de tres días (24, 25 y 26 de septiembre), habrá más de veinte artistas en escena, instalaciones y actividades de formación en todas las salas del CCK. Todos los eventos del festival serán retransmitidos en vivo por Radio CASo, emisora del Centro de Arte Sonoro dedicada a difundir músicas experimentales y contemporáneas de todo el mundo.Las entradas para los conciertos y para las instalaciones ya están disponibles en la página del CCK. Habrá dos grandes eventos en el Auditorio Nacional. El viernes 24, Sebastián Verea presentará su nueva instalación sonora Estará aquí siempre todo, diseñada para que una computadora vaya leyendo indicadores de huellas humanas ubicadas en diferentes puntos del globo y las interprete como una partitura que controla en tiempo real los mecanismos del gran órgano Klais opus 1912 de la sala del CCK; además, el ensamble vocal Música Inaudita colaborará con Verea en la realización de una pieza vocal a capella en diálogo con la instalación. Y el sábado 25 se presentará un programa de cuatro sets breves y contrastantes que proponen una reflexión sobre la distancia y la capacidad del sonido para generar ambientes y conectar cuerpos con el octeto Música Inaudita interpretaando esta vez Gusano, una obra de Cecilia Castro; Faktor presentará una nueva instalación lumínica/sonora; el dúo 500k realizará un set para guitarras eléctricas acoplantes y saturadas; y Carmen Baliero estrenará su primera pieza solista para órgano, compuesta especialmente para la ocasión. "La intención es trabajar a partir del sonido que haría un órgano desde el punto de vista biológico -explica Baliero, una artista argentina con mucha experiencia en el terreno de la música experimental-. Tomé al instrumento como un cuerpo animado cuyo organismo emite sonidos desde su interior. Tuve esa idea trabajando en La Ballena Azul, una de las salas del CCK. Sentí que era como estar dentro de un cuerpo investigando la sonoridad y la lógica de sus órganos internos. El órgano se vuelve función vital traducida en sonidos".Formada con especialistas como la pianista Lucía Maranca ("Todavía recuerdo de esa época haber considerado extraño a Beethoven porque hacía acordes y tríadas", señala Baliero), Mariano Etkin, Coriún Aharonián y Julio Viera ("Todos ellos me estimularon en el campo de la composición", aclara), la artista prefiere evadir las clasificaciones: "Las definiciones y etiquetas musicales nunca fueron de mi agrado -recalca-. Nunca sentí que un término realmente abarcara lo que pretende abarcar. Me identifico con cualquiera que se lance al vacío y no sepa realmente en dónde está el suelo".Otro músico argentino que animará esta edición de RUIDO es Zypce, quien compuso la obra Mashup Gamelan para que sea estrenada por los doce percusionistas de Sang Bagaskara, el ensamble de gamelán residente de la embajada de Indonesia en Argentina. Para acercar al público a los orígenes de esta música milenaria, se presentará también un concierto de piezas tradicionales de la isla Java.Compositor, constructor de instrumentos alternativos, técnico/diseñador de sonido y cantante de tango, Zypce creó composiciones originales para obras de teatro, audiovisuales y de danza en Argentina, Chile, Bolivia, Brasil, Francia, Italia, Alemania, España, Australia, Nueva Zelanda, Corea y Japón. También es un colaborador habitual en las obras teatrales de Rafael Spregelburd. "Es muy difícil para mí pensar en una música 'experimental' -sostiene-. Si hablamos de genealogías, se me ocurre el LIPM (Laboratorio de Investigación y Producción Musical), un lugar de clara tradición académica, electroacústica. Pero yo no me considero un "músico experimental", sino más bien un compositor de 'eso' (lo que compongo). El término experimental me lleva a un laboratorio, una pecera intocable donde como espectador tengo que comprender algo 'rarito' que está en un tubo de ensayo. Yo nos llamaría 'compositores inquietos' y le borraría de plano esa especie de jerarquía pretensiosa. Eso sí: nuestras composiciones no son lo que se escucha habitualmente, y exigen predisposición y participación. Lo más importante para mí es que la música no sea aburrida, lo cual no quiere decir necesariamente que tenga que ser 'divertida' en los términos en los que habitualmente se usa esa calificación".La obra que presentará Zypce, quien además está trabajando desde que empezó la pandemia en el diseño sonoro de un video juego tipo puzzle que se publicará en marzo 2022 (se llama Storyteller y la demo puede descargarse desde la plataforma STEAM), está pensada para provocar una nueva relación sonora entre las tradiciones musicales de Oriente y Occidente: "El nacimiento del mashup, o bastard pop, fue a principios de los años 80, de la mano de los DJs del hip hop, que combinaron una o más canciones conocidas con bases musicales y orquestaciones alternativas a las originales. En Mashup Gamelan, el choque cultural Oriente/Occidente parece haber desaparecido dentro de un collage lúdico y repentino. A partir de ahí, toda relación sonora podría ser válida".Admirador confeso de grandes aventureros sonoros -Stockhausen, Coltrane, Penderecki, Ornette Coleman, Mozart, Beethoven, Stravinsky, Piazolla, Einstürzende Neubauten, Diamanda Galas, John Zorn, Elliot Sharp, Mauricio Kagel, Gardel, Edmundo Rivero, Xenakis, por citar solo algunos de una legión importante-, Zypce no tiene una formación académica. "Fui aprendiendo a comunicar mis ideas de a poco, muchas veces con ciertas frustraciones por no encajar en ciertos parámetros de estudio", advierte. "De muy chico empecé a componer obra y orquestaciones en un portaestudio de cuatro canales. Luego fue muy importante mi amiga Adriana de los Santos, una artista con un talento brutal con la que tuvimos un dúo durante muchos años. También fueron importantes para mí la sociedad con Spregelburd en las obras Apátrida y SPAM y el dúo más pop con mi hermana Isol".Al margen de esta participación en RUIDO, Baliero también tiene más planes. Abocada hace mucho a la producción de música contemporánea e influenciada por la obra de célebres exploradores como Arnold Schönberg, Juan Carlos Paz y Bela Bartok, ella también compuso especialmente para obras de teatro -el monólogo Molly Bloom de Cristina Banegas, la adaptación de Antígona Vélez de Leopoldo Marechal dirigida por Pompeyo Audivert, la versión de El jardín de los cerezos de Chejov de Helena Tritek (2014)-, y ahora prepara la presentación en vivo de su último disco, Lentamente, grabado con el trío que completan Wenchi Lazo (guitarra eléctrica) y Carlos Vega (contrabajo). Además, Baliero está terminando la escritura de un libro titulado La educación musical y otros temas y ya tiene temas nuevos para un disco de piano solo.
Ciego de nacimiento. Viaja por América y es un explorador de universos invisibles: "La naturaleza hace música"
Tiene un don para escuchar los sonidos de la naturaleza. Ciego de nacimiento puede identificar tres mil sonidos de aves por su cantar. Trabaja registrando emisiones de la vida silvestre. Y graba conciertos invisibles.Nacido en Uruguay, hace 35 años, publicó más de 12 obras sonoras. Y recorre América para grabar lo que pocos se detienen a escuchar. Estudió en Brasil, con un curador de sonidos neotropicales de la Universidad Estatal de Campinas. Además, trabajó en Chile, Ecuador, Colombia, Paraguay y Estados Unidos. Es colaborador de la biblioteca Macaulay, el registro de sonidos de la naturaleza más importante del mundo.Los sonidos de la selva Atlántida fueron registrados por Juan Carlos CulassoEn Argentina, Juan Pablo Culasso grabó los sonidos de la selva y de las Cataratas del Iguazú. También los sonidos de las playas de cantos rodados, en Ushuaia. Su incansable búsqueda del universo sensitivo lo llevó hasta la Antártida para registrar la emisión sonora del contienen blanco: icebergs, pingüinos, elefantes marinos, olas, vientoâ?¦ registro una vasta fotografía sonora en el continente blanco.Eso no es todo. Por su habilidad para captar los sonidos de los pájaros fue distinguido como un Supercerebro por la National Geographic.Juan Pablo Culasso, ciego de nacimiento registra los sonidos de la naturaleza (Picasa/)Es que Juan Pablo hizo de la ausencia de visión una virtud. Su lema es "el cielo es el límite"."Yo nací ciego. La vista no me hace falta. Cada experiencia la puedo aprovechar más porque todos mis otros sentidos están ahí, presentes. No me cuesta construir un paisaje sonoro", sostiene.Juan Pablo Culasso graba los sonidos de la naturalezaSu exploración del mundo es transversal. Y trabaja para oír los matices de la naturaleza que no puede ver. Pero sí puede identificar miles de sonidos distintos de aves. Su enorme registro abre caminos: es precursor en la primera ruta de aveturismo para personas con discapacidad visual, en Colombia. Y eso lo llevó a convertirse en guía, a ojos cerrados. Pero no solo para personas que no pueden ver. También para aquellos que buscan explorar a través de sonidos.Sonidos de la selvaEn Argentina grabó los sonidos las Cataratas del Iguazú, en un registro sonoro promovido por el hotel Awasi. Visitó la selva atlántica durante el día, al amanecer y al atardecer. Registró sonidos de aves específicas, del tucán de pico verde, del pepitero verdoso, del bailarín azul. Los sonidos del agua, y de la garanta del Diablo.Juan Pablo Culasso trabaja en la biblioteca sonora más grande del mundo"No entiendo eso del verde, el azul, el amarillo. Entiendo es que hay una orquesta musical relacionada un sonido de las aves. Para mí la naturaleza no precisa de la música que inventamos, la naturaleza hace música por sí misma. Cuando la selva quiere o la dejamos ella revela su música", sostiene."Todo el mundo describe Iguazú como un lugar de paisajes deslumbrantes, pero deja de prestarle atención a los sonidos, y es una pena porque tiene un patrimonio sonoro único en el mundo", afirma Juan Pablo, quien asegura que Iguazú suena totalmente diferente a otras selvas, incluso a otras zonas de bosque atlántico.Amanecer en Iguazú, uno de los registros sonoros de CulassoSu principal diferencia son los amaneceres. "Son amaneceres muy vivos, con muchísima variedad de aves. Muchas más que en otras zonas vecinas del bosque atlántico". ¿Por qué? Por su la latitud."Río de Janeiro, por ejemplo, es más tropical, los días y las noches duran más o menos lo mismo, la temperatura es siempre similar. En cambio, en esa región de la provincia de Misiones el invierno es relativamente largo y frío y, en primavera y verano, los pájaros dicen vamos a cantar hasta que no podamos más. Y eso es lo que yo descubrí en Iguazú, una magia preciosa", sostiene.Los registros de las Cataratas de Iguazú fueron promovidos por Awasi (LUCIANO BACCHI/)A través de la página de Soundcloud de Awasi, se pueden oír 68 grabaciones, con sonidos de las Cataratas del Iguazú, pero también oír los atardeceres en las Correderas del Ñandú, sentir cómo se aproxima la tormenta por el río Paraná o asistir a los conciertos nocturnos de la selva atlántida.
Elvis Costello apostó al desafío de traducir su música al castellano: ¿cuál fue el resultado?
Artista: Elvis Costello & The The Attractions. Álbum: Spanish Model. Temas: "No Action", "(Yo No Quiero Ir A) Chelsea (I Don't Want To Go To) Chelsea", "Yo Te Vi (The Beat)", "Pump It Up", "Detonantes (Little Triggers)", "Tu Eres Para Mi (You Belong To Me)", "Hand In Hand", "La Chica de Hoy (This Year's Girl)", Mentira (Lip Service), "Viviendo en el Paraiso (Living In Paradise)", "Lipstick Vogue", "La Turba (Night Rally)", "Llorar (Big Tears)", "Radio Radio", "Crawling To The U.S.A.", "Se Esta Perdiendo La Inocencia (Running Out Of Angels)". Edición: Universal Music. Nuestra opinión: bueno.A propósito del lanzamiento de Spanish Model, el flamante disco de Elvis Costello, la primera pregunta que surge es si realmente hay que considerarlo nuevo. Y la respuesta es sí y no. En principio, no lo es, porque las canciones de este disco ya fueron publicadas hace varias décadas, en el álbum que el cantautor inglés publicó en 1978 como This Year's Model. La respuesta es sí porque, si bien la base instrumental es la misma (se tomaron los registros y se remasterizó el sonido de aquellas grabaciones realizadas por la banda de Costello, The Attractions), está totalmente cantado en castellano. Y como la traducción no es literal, en parte Spanish Model es una relectura de aquel potente disco de Costello, en las voces de algunos cantantes hispanoamericanos de gran popularidad en estos (y otros) tiempos. La lista es larga y , por momentos, bastante variopinta. Cami, Draco Rosa, Fito Páez, Francisca Valenzuela junto al cantante de Enjambre Luis Humberto Navejas, Gian Marco junto a Nicole Zignago, Jesse & Joy, Jorge Drexler, Juanes, La Marisoul, Luis Fonsi, Morat, Nina Diaz, Pablo López, Raquel Sofía & Fuego, Sebastián Yatra y Vega.This Year's Model es un álbum de rock inglés que, escuchado a la distancia, podrá sonar clásico. Es de finales de los setenta pero, por sus arreglos, también pudo haber sido grabado en los sesenta. En algún sentido goza de cierta atemporalidad que lo exime del anacronismo. Con la gran ayuda de su productor (el argentino Sebastián Krys) y ante una lista posible de intérpretes, Costello evidentemente habrá tenido una muy buena guía sobre el perfil de cada uno para encomendarle determinados temas. No hay traducciones literales de sus versos, solo interpretación conceptual de cada estrofa, a veces con suerte dispar. De hecho, algunos, como "Radio, radio", toman distancia de sus versos y se ubican cuarenta años después. Temas directos como "Tu eres para mi ("You Belong To Me"), suenan en voces claras y directas, como la de Luis Fonsi. En cambio otros, ("Night Rally", por caso) le sientan mejor a Drexler, que, con la obsesión y el talento que lo caracterizan, conversó una hora y media por teléfono con Costello para que le explique cada frase escrita.Si Costello se despertó una mañana luego del raro sueño de haber escuchado en su cabeza su propia música en castellano, esta quizás haya sido una acertada manera de proyectarlo para satisfacer tanto un deseo personal como el interés de la industria de la música. Y si el gusto está en la variedad, cada oído le dará el valor a esta producción. Mientras que This Year's Model trajo 12 canciones (fuera del Reino Unido se quitaron temas y se agregaron otros), la versión digital que se acaba de publicar tiene algunos bonus y varios remix.Spanish Model de Elvis Costello.A favor de Spanish Model hay que decir que el sonido de la banda está rejuvenecido y potenciado con la nueva mezcla. En contra, para los puristas, ese sonido medioso de la Fender Jazzmaster de Costello queda un poco edulcorado y seguramente se preferirá la versión original, incluso con más amplitud de rango se si escucha en formato vinilo. Posiblemente Spanish Model no será un álbum para costellianos ortodoxos. Sin embargo, servirá para inducir a su mundo musical a todos aquellos jóvenes que tengan la suficiente curiosidad para conocerlo. De hecho, el tema "Radio, Radio" que interpreta Fito Páez no es la versión en castellano de la letra sino una recomposición que Fito hace sobre aquella canción y en donde, incluso con el parafraseo de sus propias canciones ("Tres agujas", por ejemplo), habla en tiempo presente, a una nueva generación, y la invita a escuchar la música de Costello... en la radio.Vuelve Rod StewartEl cantante británico lanza el próximo 12 de noviembre The Tears of Hercules, el álbum de estudio número 31 de su carrera solista. Después de varios discos de versiones, Stewart parece haber redescubierto su interés por la composición: nueve de las doce canciones de este elepé son originales. Ya está disponible en las plataformas de streaming "One More Time", el single adelanto.Tocan Acorazado Potemkin y Bestia Bebé en el Teatro BroadwayDos de las bandas más convocantes de la escena independiente porteña comparten cartel por primera vez, y nada menos que sobre la calle Corrientes: Acorazado Potemkin y Bestia Bebé se presentarán en doble marquesina el próximo 6 de noviembre en el Teatro Broadway. Ambos grupos repasarán sus carreras y tocarán temas de sus materiales más recientes: Piel (2019), del trío de Juan Pablo Fernández, Federico Ghazarossian y Luciano Esain y Gracias por nada (2020), del cuarteto liderado por Tom Quintans.Nuevo álbum de José UnidosCompuesto y grabado en una casa-estudio en un paraje rural patagónico durante la pandemia, El hambre y el consuelo es el disco con el que el grupo de Matías Bollinger, Lucas Colonna, Tomás Molina Lera y Hernán Agrasar se reencuentra con su público. Este sexto trabajo de la banda incluye ocho canciones atravesadas por las temáticas del azar, el juego, el vino y la religión, que construyen un conjunto de historias en clave gótico sureño.Fabiana Cantilo presenta Cuna de piedra en el ColiseoEl álbum que la cantante editó en 2019 por fin tendrá la presentación oficial que las demoras de la pandemia le venían negando: la cita será el próximo 19 de noviembre en el Teatro Coliseo. Fabi promete una gran puesta en escena para dar a conocer las canciones de este elepé en el que estuvo a cargo de la composición, producción artística y ejecutiva y dirección artística. Después de una larga inactividad Fabi volvió a los escenarios en agosto de este año.
Tres días de música y efectomagnético
Luego del paréntesis por la pandemia, vuelve a la presencialidad el Festival Ruido, de música experimental. el 24, 25 y 26 de este mes en el CCK.
Twitch incorpora un nuevo proceso para las denuncias por usar música no autorizada en las emisiones
La plataforma de 'streaming' Twitch ha añadido una nueva forma de gestionar los casos en que una emisión utiliza música no autorizada, y también permitirá que los propietarios de derechos musicales que lo deseen puedan lograr futuras colaboraciones.Twitch ha llegado a un acuerdo con la Asociación Nacional de Editores Musicales de Estados Unidos (NMPA) que busca la colaboración entre los creadores de Twitch y los propietarios de derechos musicales, como ha asegurado esta segunda en un comunicado.Como parte de este acuerdo, Twitch ofrecerá a los editores un "trato opcional que permitirá futuras colaboraciones" para mejorar las emisiones de la plataforma y proporcionar los creadores nuevos entornos donde darse a conocer.El nuevo proceso opcional de Twitch permite que los editores musicales denuncien determinados usos de su música y busca resolver los casos en los que los creadores incluyen estos contenidos en sus emisiones de forma accidental.Billboard ha informado de que, aunque no se trata de un acuerdo de licencia de uso, incluye un acuerdo financiero para compensar a los creadores por el uso de música no autorizada en Twitch en el pasado.Asimismo, un correo electrónico de la plataforma compartido por el periodista Mike Futter detalla que "el nuevo proceso no cambia la forma en que se trata la música en Twitch" y que solo modifica las penalizaciones iniciales por avisos para los casos en que el uso de música es accidental.
Brilló en Game of Thrones pero abandonó la actuación para dedicarse a la música
El actor noruego Kristofer Hivju, conocido en todo el mundo por interpretar al valiente y carismático Tormund o el "mata gigantes" en Game of Thrones, decidió dar un giro en su vida profesional. Antes de llegar a los set de televisión, el actor confesó que seguía una de sus grandes pasiones: la música. Pero casi por un mandato familiar terminó abrazando la carrera de sus padres y su abuela. Ahora, sin embargo, volverá a su primer amor de la mano de una banda.Luis Juez tuvo un momento de duda y Juana Viale le puso los puntos: "No sé si volvés acá"A través de un divertido video que publicó en Instagram, el actor le avisó a sus fanáticos que The Garbage King está de regreso. El cantautor y compositor norteamericano Luke Elliot lo invitó a ser su telonero en el concierto que se va a brindar en el Rockefeller Music Hall de Oslo este miércoles, pero también es el primer paso de lo que se viene en un futuro cercano."Este es mi regreso como músico después de 20 años de mi desvío como actor. Estaré tocando con mi banda y estoy muy emocionado por ello. Me encanta la música de Luke, sus letras y su mística", reveló después de seguir halagando al músico. Por otro lado adelantó que se vienen nuevas noticias respecto de su otra pasión. "Tengo un álbum en camino", dijo sobre una colaboración que hará con un amigo y productor.Hace unas semanas brindó una entrevista para Scan Magazine en la que reveló que sus padres Erik Hivju, Lieselotte Holmene y su abuela Inger Worren marcaron el camino que con los años tomó, casi como una herencia familiar, y que hoy lo llevaron a ser conocido en todo el mundo. "No quería dedicarme a la actuación, en absoluto, quería ser una estrella de rock. Crecí viéndolos y nunca me conecté con ellos, así que toqué la guitarra y fui a la escuela de música. Pero luego, para estudiar música, tenías que hacer un año de música, teatro y danza antes de poder elegir, así que entré y me eligieron como Hamlet", recordó.Al interpretar ese papel, dijo, sintió que algo había cambiado en su vida. La conexión con el público lo hizo hacer un clic en lo que quería para su futuro y su verdadera vocación estaba puesta en un lugar distinto al que él pensaba. "En la última actuación corrí por los pasillos de la escuela para decirle a la maestra que quería cambiar", reveló.El actor que interpretó a Tormund confirmó que vuelve a la música, su primera pasión Tormund se unió a Game of Thrones en la tercera temporada de la serie y según reveló encarar ese papel le "cambió" la vida por completo. "La gente me reconoce donde quiera que vaya. Si bien crecí con eso por mis padres y mi abuela, pero los actores tienen un gen que dice que quieren atención y viven para llamar la atención. Pero después de unos 15 meses más o menos, eso desaparece y ya no es tan divertido. Esto es simplemente un trabajo que te gusta, como cualquier otro y te convertís en el embajador de ese proyecto", sostuvo.
Los Emmy comienzan con música y 2 premios para "Ted Lasso"
Los ángeles (ap) â?? "ted lasso" comenzó con buen pie en los premios emmy el domingo, cuando sus actores de reparto hannah waddingham y brett goldstein obtuvieron los primeros trofeos de la noche.Una exuberante Waddingham, que ganó el premio a la mejor actriz de reparto en una serie de comedia, dijo que el productor y astro de la serie Jason Sudeikis "cambió mi vida con esto y, lo que es más importante, la de mi bebé".Goldstein, quien ganó el premio al mejor actor cómico de reparto, dijo que había prometido no decir palabrotas e hizo mímica o fue silenciado por unos segundos antes de calificar la serie como el "privilegio y placer" de su vida.El espectáculo abrió con un número musical en el que el conductor Cedric the Entertainer rapeó una versión modificada del éxito de hip hop de Biz Markie "Just a Friend", con letras como "TV, tienes lo que necesito". LL Cool J apareció entre una audiencia mientras estrellas como Rita Wilson, Mandy Moore y más lanzaban versos que celebraban la amplitud de la televisión.Seth Rogen presentó el primer premio, arrojando un poco de agua fría en el ambiente de celebración al señalar que los Emmy se estaban llevando a cabo en una carpa gigante. "Somos demasiados en esta pequeña habitación", exclamó en lo que pareció un intento por ser chistoso, sin éxito."No habría venido a esto", continuó. "¿Por qué hay un techo? Es más importante tener tres candelabros que asegurarnos de no matar a Eugene Levy esta noche. Eso es lo que se ha decidido".Los productores del show habían prometido una celebración para todos. Pero para algunos podría ser mucho más gratificante, incluso histórico.Eso incluye al drama de Netflix "The Crown" y la comedia de Apple TV+ "Ted Lasso". Ambas son consideradas favoritas para los premios principales para series en sus respectivas categorías, y sus elencos cuentan con múltiples nominaciones.Y más de lo que los programas se beneficiarían. Las victorias en las categorías de mejor serie de drama y comedia marcarían un hito para los servicios de streaming y reforzarían su creciente dominio, para consternación de los competidores.Pero la industria de la televisión en general, incluidas los canales convencionales que aún presentan programas populares pero que son eclipsadas en gran medida en los Emmy, será homenajeada, según los responsables del evento que se transmite en vivo por la cadena CBS."A veces, los programas que se pueden llamar 'nicho' se llevan los premios y mucha gente... dice, '¿Qué diablos es eso?'", dijo Ian Stewart, productor ejecutivo de la ceremonia junto con Reginald Hudlin. "Así que hemos sido muy conscientes de eso y traemos grandes estrellas que todos conocen y aman".Ellen Pompeo ("Grey's Anatomy"), Tracee Ellis Ross y Anthony Anderson ("black-ish") y LL Cool J ("NCIS: Los Angeles") se encuentran entre los presentadores.La mayoría del elenco de "The Crown", incluidas Olivia Colman, Gillian Anderson y Emma Corrin, se reunieron en Londres, mientras que en Los Ángeles Cynthia Erivo, Kathryn Hahn, Kate Winslet, Michael Douglas y su esposa, Catherine Zeta-Jones, recorrieron la alfombra roja para la ceremonia.Billy Porter se destacó con un traje negro alado y Sudeikis desfiló con un traje de terciopelo azul claro.El objetivo final de los productores es una ceremonia optimista que reconozca cuánto creció la importancia de la televisión durante la pandemia y sus confinamientos.Los principales candidatos son el drama real británico "The Crown" y la serie derivada del universo de Star Wars "The Mandalorian", que recibieron 24 nominaciones cada una.En el lado de la comedia, "Ted Lasso" compite con "black-ish", "Cobra Kai", "Emily in Paris", "Hacks", "The Flight Attendant", "The Kominsky Method" y "PEN15".Los contendientes a mejor serie dramática también incluyen a la ganadora anterior "The Handmaid's Tale" y "Lovecraft Country", que fue cancelada luego de una sola temporada pero que le mereció nominaciones a sus actores Jonathan Majors, Jurnee Smollett, Aunjanue Ellis y el difunto Michael K. Williams, fallecido el 6 de septiembre.Forman parte de un campo diverso de nominados. De los 96 reconocimientos de actuación para drama, comedia y miniserie, casi el 44% â?? un total de 42 nominaciones â?? fueron para personas de color. El incremento hace eco del cambio en la población de estadounidense, con la cantidad de personas que se identifican como blancas disminuyendo por primera vez en la historia del censo.___La periodista de AP Amanda Lee Myers contribuyó a este despacho.
Música, barbijo y burbujas: cómo es una fiesta electrónica por dentro con los nuevos protocolos en la Ciudad
En el primer fin de semana de las flexibilizaciones, la "Crew Savage" convocó a 2500 personas en el Hipódromo de Palermo. Clarín estuvo en el evento.
Pueblo chico, música grande con Juan y Lito
Lo que alguna vez fue un cine y templo evangélico ahora ha sido recuperado como espacio de arte. "Esta es una joya, cuídenla", pidió Baglietto antes de terminar el show.
Tributo a Creedence: "Su música es algo excepcional"
Alejandro Ramallo, voz y guitarra de Creedence Clearwater Revalued, anticipa el show que la banda brindará el 25 de septiembre en Canning. Leer más
Chicos: Música, títeres y teatro para recibir la primavera
El Bavastel Títeres: AbreventanaTres pequeños retablos, unipersonales y contiguos, abren ventanas a breves historias sin palabras protagonizadas por diminutos personajes surgidos de la técnica del origami. Arañas y lombrices, escarabajos y mariposas, entre macetas, flores y caños de desagüe, trepan, reptan y vuelan al encuentro de extrañas aventuras. El grupo El Bavastel Títeres (Popigami, Las ramas del violín) estrena con Abreventana una obra en formato innovador.Sábados y domingos de septiembre y domingos de octubre, a las 11, en Amarama Patio Cultural, Sánches de Bustamante 543. $ 300, por Alternativa Teatral.Agua de Sol hace Burbujas sonorasAgua de Sol: Burbujas sonorasEl sonido del mar, el canto de las aves o el tronar de la tormenta toman ritmo de candombe, chacarera, salsa o bossanova en el repertorio de la banda Agua de Sol, liderada por María Sol Hermo. El recital en la bella casa teatral El Alambique propone generar burbujas sonoras que evoquen castillos de arena, barriletes multicolores y el aleteo de colibríes en la ronda de flores que asoman en la primavera.Domingo a las 15, en El Alambique, Griveo 2350. $ 600, por Alternativa Teatral.Varieté de illusionesGrupo de Titiriteros: Varieté de ilusionesEl distinguido pianista Cirilo Nubes, acompañado por un grillo no tan elegante, hace de anfitrión de los personajes de varieté: las niñas del tap Shirley y Temple, el clavadista de insólitas hazañas, los perros salchicha sobre la cuerda floja, el dúo de cantantes de jazz y un ilusionista asombroso. Por el Grupo de Titiriteros del San Martín, con dirección de Myrna Cabrera y Lucila Mastrini.Domingos 19 y 26, a las 18, en el Teatro York, Alberdi 895, Olivos. Entrada libre, con reserva previa.Los ChorlitosLos Chorlitos: Cantar, contar y dibujarTres amigos se encuentran en la vereda a jugar, después de mucho tiempo de no poder hacerlo. A Ciela le encanta inventar historias, a Claudio hacer música y a Mati dibujar. Se abstraen en personajes y situaciones imaginadas, se ganan el mote de "cabeza de chorlitos". Juntos arman un mundo de canciones, cuentos e ilustraciones, para dibujar mares, patear lunas y hacer sonar a gatos como leones. Por Ciela Asad, Claudio Turica y Matías de Brasi.Sábado a las 15, en la Casa del Bicentenario, Riobamba 985. Entrada libre, con reserva previa.Ana y Wiwi, excelente propuesta de esta temporada (Yamila Nair Williams/Federico Cosso/)Despedida: Ana y WiwiUna niña y una ternera entablan una alianza afectiva que se hace fuerte frente a pérdidas y amenazas. La obra escrita y dirigida por Lorena Romanin aborda un conflicto duro con emotividad y humor. Protagonizada por Luciana Grasso y la titiritera Daniela Fiorentino, con música en vivo de Yacaré Manso. Funciones despedida de una propuesta destacada de esta breve temporada teatral de los chicos.Sábado y domingo a las 17, en el C.C. San Martín, Sarmiento 1551. $ 500. 4x $ 1600, jubilados y estudiantes $ 400, por TuEntrada.Carnaval Sustentable: Todo SirveCarnaval sustentableLa Comparsa de los Artistas desfila con trajes realizados por Edgardo Rodríguez a partir de materiales reciclados. La Murga Padre Daniel de la Sierra protagoniza el evento performático central de una tarde que incluye música en vivo y exposiciones artísticas. Un taller de construcción de maracas con material de descarte le dará a todos los asistentes la oportunidad de sumarse a la comparsa llevando su ritmo personal en el baile colectivo.Sábado de 13 a 18, en TACHA, Centro de Experimentación e Investigación en Arte Sustentable, Humboldt 1271, Villa Crespo. Entrada libre.El circo, con Chaplin, en el ciclo Linterna MágicaLinterna Mágica: El CircoCharlot, perseguido por error por un policía, se introduce en una carpa de circo en medio de la función, generando un caos que hace reír al público por sus payasadas accidentales. El cineclub infantil Linterna Mágica presenta la proyección de El Circo, el clásico de Charles Chaplin, con música en vivo y una breve introducción teatralizada.Sábado a las 16, en el C.C. San Martín, Sarmiento 1551. Entrada libre, con reserva previa.Pequeño malabarPequeño Malabar: Viaje a las estrellasEl pequeño Malabar es un niño curioso que recorre el universo, siempre acompañado por algún animal amigo. Las tormentas de Júpiter, el centro caluroso del sol o una carrera de cometas son los escenarios de sus aventuras, que ayudan a comprender el origen de planetas y estrellas. La serie de animación británica forma parte de la programación que estrena el canal infantil Pakapaka celebrando el onceavo aniversario de su creación.Sábado a las 10 y domingo a las 9, a partir del lunes 20 de lunes a viernes a las 8.15, por Pakapaka.
A 25 años de Buena Vista Social Club, Elíades Ochoa y Barbarito Torres recuerdan la obra que reunió a los viejos exponentes de la música cubana
Nada muere, todo se transforma. Lo dijo el pensador, también lo dijo el cantautor. Y esto, en la música, pasa todo el tiempo. Tres años atrás podíamos titular una crónica de esta manera: Buena Vista Social Club finalmente dijo adiós en el Luna Park. Pero siempre hay un regreso o, al menos, un bis. Y esto se trata de una especie de bis porque este proyecto musical cumple 25 años y lo celebra con la publicación de su mítico disco remasterizado y algunos extras, para el disfrute de los más fanáticos. Allí estarán las voces y los instrumentos de Manuel "Puntillita" Licea, Compay Segundo, Rubén González, Ibrahim Ferrer, Pío Leyva, Omara Portuondo, Elíades Ochoa, Manuel "Guajiro" Mirabal, Amadito Valdés y Barbarito Torres, entre otros.Mientras que en el último mes se conocieron "La pluma" y "Vicenta", temas que habían sido registrados en Cuba en aquellas jornadas de grabación, se esperan nuevos estrenos de versiones que, finalmente, no fueron parte del disco. En muchos casos, surgieron de charlas entre los músicos y los productores, pero finalmente quedaron descartados de la lista final.Por si alguien no conoce aquella historia, Buena Vista Social Club fue un salón de un barrio de La Habana. Por allí pasó la música tradicional de Cuba, que tuvo sus años dorados en las décadas del treinta y del cincuenta del siglo pasado. A instancias del productor cubano Juan de Marcos González y el guitarrista estadounidense Ry Cooder, un grupo de veteranos cantantes e instrumentistas se reunieron junto a otros más jóvenes para revivir el espíritu y el sonido de aquella época que quedó plasmado en un disco, en 1996. Era aquel que comenzaba con los versos del tema "Chan Chan" y la voz grave de Compay Segundo: "De Alto Cedro voy para Marcané. Llego a Cueto, voy para Mayarí".Los músicos de Buena Vista Social Club, en 1996, durante una de las jornadas de grabación (Gentileza Susan Titelman/)Un disco de cultoHubo un par de hitos que internacionalizaron aquel encuentro y su grabación. El concierto que todos los protagonistas dieron en Ámsterdam, en 1998, otro en el Carnegie Hall de Nueva York y, sobre todo, la película documental del Wim Wenders sobre este trabajo. Fue tal la repercusión que tuvo ese encuentro que giró por el mundo (aunque con prolongadas pausas) durante más de dos décadas. Y pensar que, más allá de la trastienda del proyecto, con todo el color que aportaron los personajes y sus historias, el elemento más concreto de Buena Vista Social Club fue un disco de catorce canciones. Algunas de ellas, como "Dos gardenias", fueron versionadas decenas de veces. La lista estaba integrada por "Chan Chan", "De camino a la vereda", "El cuarto de Tula", "Pueblo nuevo", "Dos gardenias", "¿Y tú qué has hecho?", "Veinte años", "El carretero", "Candela", "Amor de loca juventud", "Orgullecida", "Murmullo", "Buena Vista Social Club" y "La bayamesa".La actual reedición fue remasterizada por Bennie Grundman y cuenta con varios formatos: digital, 2 LP y 2 CD, con un book-pack y algunos bonus track que se grabaron en aquellas sesiones de 1996 pero que finalmente no formaron parte del CD original, como "La Pluma" y "Vicenta".Los últimos conciertos y el presenteApenas unos años después del concierto en Ámsterdam, en 1998, murieron varios de los artistas principales del espectáculo (Puntillita en 2000, Compay y Rubén González en 2003, Ferrer en 2005 y Pío Leyva en 2006). Pero la compañía musical siguió tocando. En 2018 pasaron por la Argentina por última vez y ésta es parte de la crónica de aquella última noche, en el Luna Park."Elíades Ochoa está con la guitarra en alto. Omara Portuondo vestida de un rosa estridente, y con un pañuelo en la cabeza saluda desde una esquina del escenario. Barbarito Torres agita el brazo en señal de adiós. Es la última postal del Buena Vista Social Club. Son las últimas glorias del proyecto que se transformó en la banda de sonido del final del siglo XX y que hizo bailar al planeta con "Chan chan" y "El cuarto de Tula". Es el cierre de un capítulo grande de la música popular cubana. De aquella selección de figuras, que iluminó aquel disco grabado en La Habana en 1996, solo quedaron estos tres artistas, que terminan siendo el sostén simbólico y artístico del espectáculo".Arte de tapa del disco Buena Vista Social Club (Gentileza Buena Vista Social Club/)Hoy, Elíades Ochoa y Barbarito Torres recuerdan aquellos años, cuando grabaron aquel disco que se transformó en una pieza de culto. "Son canciones maravillosas que vale la pena que vuelvan a salir a la luz", dice Ochoa. "A un cuarto de siglo de aquella grabación yo siento que el proyecto sigue vigente y la gente lo recuerda como el primer día - apunta Barbarito-. Al ser fundadores del proyecto, para mi personalmente es muy emocionante".Al promediar la década del noventa, Elíades y Barbarito eran dos cuarentones pero no tenían las canas ni las vivencias de otros personajes que habían vivido aquellos años dorados de la música cubana que hoy podemos considerar tradicional.Compay Segundo y Ry Cooder-¿Qué representaba para ustedes grabar con músicos mucho mayores como Compay?Barbarito Torres: -Compay tenía en ese momento 90 años. Pero con gente como él teníamos mucha confianza. Compay fue el hombre que me trajo de mi pueblo para La Habana. Yo era muy admirador de Cachao, de Guajiro [Manuel] Mirabal. Con ellos no había trabajado nunca, pero los admiraba. Y con los que quedan vivos, seguimos hablando.Elíades Ochoa: -Cada uno ponía la responsabilidad que le tocaba. Me sentía del mismo modo con Compay como con Ibrahim Ferrer o Cachaíto y Rubén González. Todos con una larga historia. Éramos más jóvenes, sin duda, pero con responsabilidad.Elíaades Ochoa en la grabación de Buena Vista Social Club ( Christien Jaspars /)-¿Qué fue para ustedes, visto a la distancia, Buena Vista Social Club?Ochoa: -Aun todavía hay que agradecerle a Buena Vista la apertura de las puertas de la música cubana al mundo. En segundo lugar, es cierto que no sólo le agradezco por eso, sino también porque yo logré sentirme embajador de esa música en el mundo.Torres: -La música que grabamos la conocemos desde que tenemos uso de razón. Fue muy popular en Cuba y aún lo es. Hay también otros géneros, pero nunca se dejó de hacer son tradicional. Nosotros tocábamos algo en el estudio y en un momento Ry Cooder, desde la cabina, decía, "¡Ese ritmo, vamos a grabarlo!". No hubo nada planificado. Todo lo que escogíamos era lo que nos gustaba a nosotros. La promoción que nos dio fue muy grande. Fue un boom a nivel mundial. Suficiente para estar realizados. También fue una promoción para cada uno, cuando uno va a grabar con otros músicos se nota. "Llegó el maestro Barbarito". La atención no es la misma.Buena Vista Social Club: todo el elenco reunido para el concierto en el Carnegie Hall (Gentileza Ebet Roberts/)-¿Cómo llegaron al proyecto?Ochoa: -Yo estaba en Londres, donde había ido a hacer dos conciertos, con el Cuarteto Patria, con el que tengo trabajo desde 1978. Allá hablamos por primera vez de este proyecto. En principio se quería hacer una grabación con músicos africanos y cubanos. Pero eso finalmente no se dio. Y Ry Cooder quiso hacer este disco con artistas de trayectoria.-¿Cuál era el papel de la música en sus casas de infancia? ¿Cómo eran los guateques?Torres: -Yo comencé a tocar a los 10. A esa edad me pusieron el laúd en las manos. Mi papá era un guajiro que tenía un laúd grande en la casa. Y mi padrino, que fue uno de los mejores laudistas de este país, dijo que me hicieran uno para mis manos. Y me lo hicieron, pequeñito. Así empecé. A los 14, en 1970, comencé con un grupo profesional, en la provincia de Matanzas, de donde yo soy. He pasado por varios grupos, hasta toqué con la Nueva Trova.Ochoa: -En mi caso, mi papá tocaba muy bien el tres cubano. Mi madre y mis hermanos también. Vengo de una familia musical. Los guateques son reuniones de familiares o de amigos en el campo. Tocar el tres, tomar muchos tragos. Es eso una fiesta campesina. No necesariamente por un momento especial. Quizás decimos, ¿por qué no nos reunimos el domingo, que hace rato no nos vemos? Avísale a tal. Y se iba corriendo la voz. Así iba llegando la gente. Se amanecía tomando copas y tocando el tres. En los montes, tu tocas el tres cubano y se oye lejísimo. El vecino podía ir sin que le digan "ven". Es como de la familia.-Barbarito, ¿y cuál es la historia del laúd que toca y el lugar tan especial que tiene en el disco de Buena Vista?Torres: -En realidad, en este proyecto es como un toque de distinción. Porque aquí en Cuba es un instrumento líder dentro de la música campesina. Y yo fui quien lo llevó a otro territorio, a otros géneros. Este laúd es un instrumento árabe que los moros llevaron a España. Allí sufre una metamorfosis. Y luego, la migración canaria lo trae aquí, a Cuba, donde comienza a ser líder en el punto cubano [arte repentista en forma de cuartetos o décima espinela]; el punto guajiro, como se lo llama. Yo hago ese tipo de música, soy especialista en eso desde niño.-Cuando sintieron que se convirtieron en profesionales?Ochoa: -En mi caso fue en 1963, en un programa de radio y televisión, en la provincia de Santiago de Cuba. Era un programa dedicado a los campesinos.Omara Portuondo con Ibrahim Ferrer (Susan Titelman/)-Elíades, ¿el sombrero que usa sobre el escenario tiene un significado especial?Ochoa: -De muchos años. De cuando mi padre salía por la mañana para el campo a trabajar la tierra. Yo después iba a llevarle el desayuno campesino, que no es como el que vemos ahora. Cerca de las 10 o las 11 de la mañana, me ponía el sombrero, agarraba el machete y me iba pa'l campo. Y me quedaba con él, ayudando. No era el mismo tipo de sombrero, pero sí de la misma forma. No es el mismo. El mundo da muchas vueltas.-Las vueltas de la vida. El hecho de que músicos jóvenes como C. Tangana lo inviten a participar en un tema del disco que publicó este año, Madrileño, puede ser una de esas vueltas, ¿no?Ochoa: -Pues sí. Y grabamos Buena Vista en el mismo estudio donde hicimos el tema del Tangana. Y lo hice a mi forma, de la manera en que yo soy. Y quedó muy bonito. Me gustó que un muchacho joven que arrastra mucho público me invitara a participar en su disco. Eso se agradece, me sentí bien. Y ahí está el resultado.-Como embajadores de la música de Cuba, evidentemente diversificaron la tarea, sin quedar sólo identificados con el proyecto Buena Vista.Ochoa: -He hecho muchas cosas. Me mandaron un día un tema de Bob Dylan y lo hice. Y también de Jarabe de Palo. Grabé con músicos de Mali [ Toumani Diabaté, Bassekou Kouyate, Kasse Mady Diabaté, Djelimady Tounkara, Fode Lassana Diabaté].Torres: -Yo con el tiempo escuché otras músicas, incorporé cosas del jazz latino y de la música culta. Hice tríos y cuartetos, grabé con una camerata. Hasta trabajé con unos raperos que me convocaron. Toda mi carrera fue con este instrumento.
Cristian Castro fue elegido por el Papa Francisco para ponerle música a sus poemas
El mexicano va a ponerle su voz a dos poesías que escribió el Sumo Pontífice en un evento privado que se realizará en el Vaticano.
Música. Un disco que nos transporta a Joni Mitchell y Carole King
Como muchas de sus contemporáneas, Claire Cottrill pasó de grabar canciones pop en su dormitorio a ocupar un espacio importante en medios de comunicación y en las omnipresentes redes sociales en un lapso de tiempo muy breve. Nacida hace 23 años en Atlanta, Claire empezó a ser Clairo después de aprender a tocar la guitarra con tutoriales de internet y de publicar canciones propias en plataformas como Bandcamp y SoundCloud. También creó un canal de YouTube para subir covers de temas que le gustaban y algunos cortometrajes. Pero esta época plagada de historias de suceso a partir de la iniciativa personal es también la era de los haters, que no tardaron en acusarla de utilizar la influencia de su padre (un ejecutivo de marketing responsable de un programa especial de apoyo a músicos jóvenes de la compañía Converse) para darle impulso a su carrera. Puro espamento: los dos discos de Clairo -Immunity (2019) y el flamante Sling (2021)- no fueron publicados por una poderosa multinacional, sino por Fader, un sello indie cuyo catálogo se nutre de artistas como Matt & Kim, Yuna y Neon Indian, ninguno de escala masiva.Lo que importa del caso no son las supuestas estrategias familiares entonces, sino la música. Y Clairo ha demostrado en dos discos de características bien diferentes que tiene mucho para decir. Si en el debut -producido por el ex-Vampire Weekend Rostam Batmanglij- las confesiones personales y los dilemas de la sexualidad adolescente flotaban en un ambiente dominado por las pinceladas electrónicas, en Sling el trabajo de orfebrería sonora de Jack Antonoff (socio perfecto de figuras como St. Vincent, Taylor Swift y Lana del Rey) apunta a la evocación de la gran tradición del folk de los años 70 en una clave orquestal muy ambiciosa, con piano, contrabajo, lap steel, Wurlitzer y clavinet. La angustia persiste, como queda claro leyendo algunas de las declaraciones de Clairo en una entrevista a la edición norteamericana de la revista Rolling Stone: "Estuve colgando de un hilo, hoy puedo decirlo con total honestidad. Muy cerca de perder realmente los cabales y de no querer estar más aquí. No veía una razón para seguir". Lo que notoriamente ha cambiado -y que podría caracterizarse con justicia como evolución- es el estilo interpretativo. Una utilización renovada del vibrato dota de mucha más intensidad a estos relatos que recrean la melancolía profunda del blues y tienden puentes con la obra de dos predecesoras enormes (Joni Mitchell y Carole King) y de un antihéroe trágico (Elliott Smith), cuyo fantasma sobrevuela "Blouse", el corte del nuevo disco más reproducido en plataformas de streaming.La fragilidad que Clairo exhibe en sus canciones contrasta con su seguridad en escena.Y lo mejor es la gama de posibilidades que empiezan a revelarse en su producción musical: más allá de la indudable hondura emocional de sus baladas -un ejemplo acabado es "Just for Today", una sincera valoración de la ayuda de los demás cuando estamos al borde del colapso-, en Sling también reluce "Amoeba", adhesivo uptempo con un clavicordio teñido del color del funk que funciona como vidriera de lo que podría tener más desarrollo en el futuro. En todo caso, Clairo ya ha dejado de ser una promesa. Si maneja su carrera con templanza e inteligencia, tiene la chance de ponerse a la altura de sus reverenciadas referentes.
Clickbait, los secretos de la música de la exitosa miniserie de Netflix
Entre delitos informáticos, el uso de datos privados en las aplicaciones y cuestiones del corazón clásicas, Clickbait (cuyo nombre no ahorra sutilezas) va por la estela de Black Mirror en un registro menos distópico y mucho más convencional en términos de narrativa visual. La miniserie de seis capítulos de Netflix que cuenta la historia de Nick Brewer (Adrian Grenier) y Sophie Brewer (Betty Gabriel) no tiene un apoyo musical evidente pero lo que se toca (en auriculares, discotecas o gimnasios) apuesta a la producción de los últimos cinco años con cameos al pasado usados a veces como gesto retro y otras como arquetipos acústicos clásicos. Aquí, un top ten para descubrir nombres contemporáneos y otros que merecen revisitarse."Just One Look" (Doris Troy, 1963). En un soundtrack dominado por artistas muy nuevos o recién consagrados hay excepciones para la ola vintage que barniza las series. En Clickbait se deja escuchar (y se rescata) a Doris Tray con este número uno que versionaron los Hollies en los 60 y Linda Ronstadt en los 70. El mayor hit de la diva soul tuvo una sobrevida audiovisual intensa antes de terminar en este cíber policial. Sonó en un comercial de Pepsi protagonizados por Cindy Crawford en 1991, luego vuelto a usar en el Superbowl de 2001. El éxito de Troy le sirvió de anzuelo a una marca de edulcorante artificial en 2015 como también a la automotriz japonesa Mazda."Just Like a Woman" (Bob Dylan, 1966). Fuera de contexto, en cuanto a la poca música que se escucha en la serie, el clásico despechado de Blonde on Blonde se deja oír en una rara escena en la que dos hermanos lo bailan como si se tratara de un vals. Incluida entre las 80 canciones de Bob que LA NACION eligió para celebrar sus primeros 80. La aparición de Dylan en su modo más venenoso, arropado por ese sonido inmaculado del 66, sorprende tanto como un giro insospechado en la trama."Oh, How it Hurts" (Barbara Mason, 1968). En un flashback, en el casamiento de Nick y Sophie, suena la voz de Barbara Mason que se remonta a 1967 cuando obtuvo su segunda entrada en el Billboard 100. Mason empezó como compositora pero consiguió hacerse un lugar en el deep soul de fines de los 60. Se radicalizó en los 70 con canciones sexuales que ponían con franqueza cuestiones que no se abordaban así en el género antes de ella. En 1975 puso su voz en Sheba, Baby, la película de la futura chica Tarantino Pam Grier."Follow me Now" (Stardust, 2007). Algunas elecciones de la serie parecen salidas de un paseo por un outlet suburbano. Cómo los musicalizadores dieron con este hit bubblegum de 1977 a mitad de camino entre el peor glam y la mas rutinaria música disco es un misterio. Un grupo sueco al que le alcanzó este hit efímero para pasear su híbrido estilo Eurovisión por todas las ciudades del Viejo Continente y no mucho más. Para 1978 nadie se acordaba de ellos."Call Out My Name" (The Weeknd, 2018). El melodismo ominoso de The Weeknd es uno de los primeros sonidos de la serie dando el tono de neo melodrama digital que tiene este sucedáneo de Black Mirror demasiado pautado. La ficción no está a la altura de esta balada soul cyborg que afirma a The Weeknd como uno de los artistas más interesantes de la segunda década del siglo XXI. Capaz de echar mano a procedimientos radicales sin perder olfato masivo."Fake ID" (Riton, Kah-Lo, 2019). Mucha de la música tecno que se escucha en la serie suena de pasada en bares y discotecas. Hay que parar la oreja para advertir las novedades a las que los musicalizadores decidieron apostar. Lo mismo da si fue por razones estéticas o económicas. Son muchos los tracks grabados entre 2020 y 2021 lo que no deja de ser una buena rampa de lanzamiento para artistas nuevos. Esta colaboración entre el DJ Riton (Londres) y la nigeriana Kah-Lo aporta un número dance cardíaco que se escucha en el centro de una discoteca de la vieja normalidad. Kah-Lo consigue un flow insólito como doblado para una película japonesa."Algorythm" (Childish Gambino, 2020). Con apenas el nombre de la fecha de publicación (3.15.20) y una tapa blanca, Childish Gambino editó su último álbum del que la serie tomó "Algorythm", de lo mejor que se escucha aunque sea un breve insert. El R&B redefinido desde los parámetros del experimentalismo usando la producción como perversión de los elementos reconocibles (melodía, ritmo) de la canción."Tangerine" (Glass Animals, 2020). En el primer capítulo, los Glass Animals de Oxford dan el tono contemporáneo e indie que casi toda la música de la serie va a tener. Desde 2014 forman junto a Metronomy un frente de grupos ingleses capaces de oscilar entre las convenciones de la electrónica y el pop de guitarras como en una síntesis de brit pop y el rave and roll de los 90. Aquí lo consiguen reformulando la canción y el dance al mismo tiempo. Abonados al calendario de festivales."Breathe" (Ásgeir, 2020). Una de las grandes sorpresas de este soundtrack es este cantautor islandés de 29 años que tuvo una larga carrera en la isla ártica hasta encontrar un lenguaje que le permitiese trascender en el resto de Europa. Su primer álbum se editó en Rejkjavik en 2012 y recién con Bury The Moon (2020) llamó la atención en Inglaterra. Su clasicismo se sale de los bordes por un registro agudo que lo emparenta al de Antony Hegarti y un imaginativo arsenal de arreglos."Twelve" (Shygirl, 2020). La tapa de Alias, el EP que Shygirl editó en 2020 es lo más tremebundo que se pueda asociar a una serie que tiene un secuestro extorsivo como núcleo narrativo. Blane Muise es el nombre de esta DJ, cantante y productora asociada al costado más cuttin edge del dance contemporáneo. Ha trabajado con Arca, SOPHIE, pero también Rihanna usó su música (un comprimido de grime, house y hip hop duro) en desfiles de modas presentados como performances de arte contemporáneo.
Afganistán: los talibanes cumplen un mes en el poder y ya no hay música en Kabul
El país enfrenta un severo drama humanitario. Hay incertidumbre sobre qué rumbo se seguirá. Y las transformaciones ya son profundas.
La Fundación Yuste organiza un concierto de música renacentista dentro del Ciclo de Conciertos del Emperador
La Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste junto con Patrimonio Nacional ha organizado el concierto 'La canción del Emperador' interpretado por el 'Dúo Orpheo' que se celebrará el próximo sábado, día 18, a las 13,00 horas en el Real Monasterio de Yuste (Cáceres).El programa incluye dos partes. En la primera se interpretarán obras de los siglos XV y XVI de los vihuelistas Fuenllana, Mudarra, Mián y Narváez. La segunda parte del concierto es un homenaje a uno de los mejores compositores para laúd de todos los tiempos: John Dowland (1563-1626), maestro en la creación de ayres para voz y laúd, publicando tres libros entre 1597 y 1612.El Dúo Orpheo está especializado en el repertorio de música vocal con acompañamiento de instrumentos de cuerda pulsada. Sus programas abarcan un amplio abanico de épocas y estilos desde el Renacimiento hasta la actualidad, participando en distintos festivales dentro y fuera de España como el Encuentro Internacional de Guitarra Clásica 'Norba Caesarina' en Cáceres y el Classical Guitar Weekend en el Bridgewater Hall en Manchester, informa en nota de prensa la Junta de Extremadura.El dúo está integrado por la soprano oscense Eugenia Boix, que ha realizado grabaciones para RNE, Radio Clásica, Radio Clásica Portuguesa y la BBC; y por el cacereño Jacinto Sánchez, profesor numerario del Conservatorio de Cáceres y presidente de la Asociación de Guitarra Clásica de Extremadura 'Ángel Iglesias'.La Fundación Yuste inició un programa de conciertos en el año 1997 con el objetivo de arraigar en Extremadura un ciclo musical relacionado con la época del Emperador Carlos V con el objetivo de reivindicar el patrimonio cultural europeo y su historia como principal motor del proceso de construcción e integración europea.El concierto cuenta con la colaboración de la Junta de Extremadura, las Diputaciones de Cáceres y Badajoz y la Red de Cooperación de las Rutas del Emperador Carlos V.La entrada al concierto es libre hasta completar aforo permitido.
La alocada noche de los famosos en una nueva fiesta Bresh: música, bailes sensuales y pura diversión
Jimena Barón, Candelaria Tinelli y Ángela Torres, entre otras celebridades argentinas, dijeron presente.
Música en el agua: barco en canal de londres sirve de sala de conciertos flotante
Por Ben MakoriLONDRES, 13 sep (Reuters) - Los amantes de la música en Londres pueden ahora disfrutar de interpretaciones clásicas con una diferencia: en un barco de canal que recorre las vías fluviales de la ciudad.Masayuki Tayama, capitán y pianista del "Piano Boat", actualmente atracado en Uxbridge, a las afueras de Londres, dijo que la embarcación era única de su tipo."Se construyó según nuestras especificaciones como sala de conciertos flotante", dijo, señalando un flamante piano de cola Steinway en un extremo de la cabina, que se ha transformado en un salón de conciertos con suelo de parqué y suntuosas paredes de color burdeos.Ese mismo día, Tayama tocó un programa que incluía a Beethoven y Schumann ante un público entusiasta vestido de noche, sentado alrededor de mesas cubiertas con manteles blancos.Rhiana Henderson, directora del proyecto, dijo que la idea de una sala de conciertos flotante surgió cuando vivían en un barco estrecho con un piano digital que atraía el interés de los transeúntes."La idea se desarrolló a partir de ahí... Empezamos a alinear las sillas para ver cuánta gente cabía. Y al final acabamos con este barco", dijo.Henderson cuenta que, en los dos meses transcurridos desde que iniciaron el proyecto, la pareja ha organizado cinco cruceros y cuatro fiestas y que ya tienen todo reservado para los próximos meses."Todo el mundo dice que es muy diferente a estar en una gran sala de conciertos, porque se siente muy, muy amigable y muy íntimo", dijo. (Reporte de Ben Makori; editado en español por Benjamín Mejías Valencia)
Revolución blockchain. La gran segunda oportunidad para la industria de la música
En marzo, Kings of Leon se convirtió en la primera banda en lanzar su álbum en formato NFT (tokens no fungibles, por sus siglas en inglés). When You See Yourself se presentó en este formato al mismo tiempo que llegó a los servicios de streaming. Pero además, la banda incursionó en otros usos de los NFT: seis de ellos fueron "golden tickets" (con beneficios de por vida para sus compradores como asientos en primera fila para cualquier espectáculo, tratamiento VIP para cada concierto, un lugar de reunión con la banda antes de tocar y merchandising). Otros seis fueron piezas de arte audiovisual exclusivas que representan el legado de la banda.Por su parte, la versión NFT del álbum ofreció un tipo único de portada, descargas digitales de la música, y vinilo de edición limitada. A un valor de 50 dólares cada una, estuvieron disponibles dos semanas en el mercado NFT. Lo interesante es que ninguno de ellas volverá a producirse, lo que indica que más adelante, el valor puede crecer hasta lo que la demanda quiera pagar por ellos. En el caso de los "golden tickets" YellowHeart (la compañía asociada a la banda para este proyecto) produjo 18 destinados a subasta.El futuro de la música: la industria invierte en rock clásicoSegún consigna la revista Rolling Stone, los precios de los NFT estuvieron entre los US$95 y US$2500 y las ventas alcanzaron los US$1,45 millones en sus primeros cinco días.El sello blockchainA la manera de una red de seguridad informática, la tecnología blockchain protege el almacenamiento y transferencias de datos. Los archivos NFT están protegidos por la blockchain y por lo tanto, su autenticidad está asegurada."La tecnología blockchain permite encontrar nuevos vehículos para descentralizar y eliminar los monopolios de siempre generando un modelo más justo que beneficie tanto a quien ofrece como el que demanda un producto o servicio", apunta Gustavo Brey, docente de la licenciatura en Gestión de Negocios del ITBA.La cancelación de los grandes festivales obligó a toda la industria a repensar su modelo de negociosLos NFT tienen un potencial de enorme disrupción para la música y pueden convertirse en la gran oportunidad que encuentre la industria para renovarse. Si el universo digital sacudió sus cimientos, de ese mismo universo puede venir una nueva etapa. Esta tecnología puede darle más control a los artistas en un flujo directo de dinero desde los fans hacia ellos, prescindiendo de terceros. Sin embargo, también hay que señalar que los NFT pueden ser una burbuja con solo unos pocos ganadores de alto perfil que se benefician.De hecho, la industria musical está en proceso de un cambio radical en cuanto a la monetización, mientras que además, existe una participación cada vez más activa de los seguidores en el mundo de sus artistas favoritos."Las personas están pasando cada vez más tiempo en mundos digitales y los NFT vendrían a ser no sólo piezas coleccionables de pertenencia, sino también activos con potencial de incrementar su valor en el tiempo. Más allá del boom de los NFT, vemos un potencial enorme en la blockchain por sus infinitas posibilidades para mejorar las experiencias de fans y artistas", señala Pablo Kohlhuber, socio fundador de Ozono Producciones, quienes lanzaron recientemente una convocatoria abierta a músicos, performers, diseñadores de moda y artistas digitales argentinos que quieran sumergirse en el mundo crypto.En búsqueda de lo exclusivoUn artista puede tomar un disco y lanzarlo en los medios establecidos (Spotify, conciertos tradicionales, etc) pero además convertirla en NFT al modo de un artículo de colección con contenido personalizado, temas inéditos, accesos o membresías, tickets para conciertos, acceso a portales web con contenidos exclusivos y hasta encuentros con el artista.Kohlhuber explica que por un lado, están presenciando la evolución del sistema tradicional de membresías. Por otro lado, los tickets siempre han tenido un valor emotivo para los seguidores que los guardan y coleccionan. "Hoy se puede generar todo un mundo de experiencias para quienes obtengan una entrada, desbloqueando accesos exclusivos a más beneficios. Es un acercamiento, una posibilidad más que podrían ofrecer los artistas fuera del escenario. Con blockchain, se podrían crear nuevas formas para que los fans interactúen directamente con el contenido de sus artistas favoritos y puedan ser parte del proceso de creación".El caso del DJ Don Diablo es paradigmático: sentó precedente en el mundo NFT al vender un concierto en ese formato por primera vez. Destination Hexagonia se vendió por US$1,2 millones en solo cuatro minutos en la plataforma SuperRare . El concierto (una experiencia animada de ciencia ficción) llevó un año de producción y el comprador recibió una caja única hecha a mano, que incluye un disco duro que contiene la única copia del archivo de alta calidad de la película que existe.Además de subastar los NFT y se abre otra posibilidad para el artista: obtener dinero en la reventa. Allí, blockchain juega un papel fundamental."El temor por comprar algo falsificado no existe si se está comprando un NFT. Además, el creador de esta unidad, por ejemplo, el músico, cobrará un porcentaje fijo por cada venta y reventa de sus NFT, el cual además puede variar su valor en el tiempo", señala Justo J. de Elordy, director de Operaciones de la firma Folouers."Estamos destruidos". La industria de la música da batalla con los primeros shows en vivoDe Elordy explica que el impacto de estas nuevas tecnologías ha sido tan grande que muchos artistas ya están creando los NFT de sus canciones antiguas, como si debieran ponerse al día. "También, para los eventos y conciertos se están vendiendo entradas como NFT, para evitar falsificaciones, y más que nada comisionar de cada reventa con aumento que pueda tener esa entrada. Tanto la reventa como la falsificación son los principales problemas de los grandes eventos".En Folouers se han asociado con la compañía Vip2Fan para crear una plataforma donde los artistas pueden tener sus propios tokens y ofrecer a sus fans la oportunidad de ser parte de un círculo privado, limitado y privilegiado. "Además, los tokens pueden adquirirse como inversión si el comprador cree en el proyecto del artista, ya que probablemente aumentará su valor si su proyecto de artista también crece", puntualizan.En este sentido, otros proyectos que están transformando la industria incluyen a Band Royalty que permite la compra de Band NFT que permiten a los fanáticos obtener regalías de algunos de los artistas más populares del mundo y su música. El catálogo consta de más de 50 canciones de artistas como Beyonce, Jay-Z, Justin Timberlake, Cher, will.i.am, Timbaland, Missy Elliott y Rihanna. Los fanáticos pueden comprar y mantener NFT Band aseguradas por blockchain, que les permiten ganar criptomonedas directamente de las regalías pagadas por las canciones del catálogo.
Música para pasear por la orilla del Paraná, entre la escasez de agua y el eco de los disparos
En los oídos suenan canciones de Maria Bethania y Adriana Calcanhotto, en la memoria el caudal vigoroso del río Paraná que hoy languidece y unas clases dadas en el barrio Las Flores cuando no era territorio casi exclusivo de violencia. Rosario bajo los jacarandáes en flor tiene quien la cuente.
Música y aplausos de despedida
La marcha peronista, el estribillo de "Matador", uno de los sucesos musicales de los Fabulosos Cadillacs, ejecutados por la banda de Carlos, El Tula, legendario bombista justicialista, y un aplauso cerrado de sus ex colaboradores y amigos pusieron fin ayer, a las 12, a los 10 años de gobierno de Carlos Menem.Con los ojos brillosos y una sonrisa tenue que se amplió cuando las cámaras televisivas se encendieron, Menem logró, en parte, uno de sus anhelos: no salir de la Casa Rosada en soledad, como les sucedió a sus antecesores Raúl Alfonsín (en 1989) y Reynaldo Benito Bignone (en 1983).Aunque esperaba que en la despedida estuvieran los mandatarios extranjeros, se sintió reconfortado con la presencia de sus ex ministros, algunos ex secretarios de Estado, legisladores como los senadores Antonio Cafiero y Eduardo Menem, su sobrino y flamante diputado Adrián Menem y amigos fieles, como Víctor Bo y Armando Gostanian.Cinco minutos duró la ceremonia de adiós en el Salón de los Bustos, que concluyó con un gran tumulto cuando Menem y De la Rúa aceptaron acercarse al periodismo para ser fotografiados juntos. "Me siento muy bien", fue la primera expresión de Menem, ayudado por la flamante primera dama, Inés Pertiné de De la Rúa, quien le transmitió la pregunta unánime que no alcanzaba a escuchar por la música.Los apretujones entre los periodistas, camarógrafos y reporteros gráficos fueron de tal magnitud que hasta se despegó una placa de mármol de la base de una de las columnas del Salón de los Bustos.Menem había llegado a la Casa Rosada, desde Olivos, a las 8.45, de impecable traje azul, corbata azul y camisa blanca, acompañado por su hija, Zulema, y una reducida delegación: quien fue su secretario privado, Ramón Hernández, el único que se mantuvo en el mismo puesto durante los diez años; el secretario general de la Presidencia, Alberto Kohan; el jefe de su custodia, comisario Guillermo Armentano, y su médico personal, Alejandro Tfeli.La comitiva se trasladó al despacho presidencial, donde aguardaron al flamante jefe del Estado, al vicepresidente y a sus esposas. Poco a poco fueron llegando otros ex colaboradores y amigos, con quienes compartieron anécdotas.Golpe finalMientras invitados y organizadores se desplazaban por la Casa Rosada, se produjo un incidente entre el director de Ceremonial de la Presidencia, Alejandro Daneri, Ramón Hernández y Rafael Aguirre. El primero recibió una certera trompada en la nariz, que le provocó una herida cortante. Si bien hay versiones contradictorias sobre el autor de la agresión, se supo que, por la tarde, Daneri presentó una denuncia policial en la seccional 2a., ubicada en Perú 1050. Acusó a Hernández con quien mantiene una antigua disputa."Me voy con él"Entre los más distendidos por el fin de sus actividades oficiales se vio a María Julia Alsogaray, ex secretaria de Recursos Naturales y Desarrollo Sustentable; al flamante designado senador por la Capital Federal, Carlos Corach; al ex ministro de Defensa Jorge Domínguez, y al ex titular del PAMI Víctor Alderete.En el Salón de los Bustos, Corach no quiso hablar de otra cuestión que no fuera del traspaso del poder, porque "estoy de vacaciones". María Julia se mostró feliz al decir que "vine (al gobierno) con él y me voy con él". Jorge Domínguez estaba entusiasmado porque "finalmente estoy libre" y Alderete no perdió la sonrisa.María Elena Polack
Fer Palacio, el DJ que le pondrá música a la Selección de Messi: de ser maquinista del tren Sarmiento a remixear el fútbol argentino
Fue trabajador ferroviario por herencia paterna hasta se metió de lleno en el mundo de las bandejas y los sets.
La insólita nota que le dejó un hombre a su vecino por escuchar música: "No estoy bromeando"
La convivencia entre vecinos puede llegar a ser muy difícil si se incumplen las normas establecidas por el consorcio. En este caso, lo que pareció ser una queja terminó sorprendiendo a uno de los residentes del edificio.En Inglaterra, un hombre afirmó haber recibido una nota informándole que alguien que vive en las proximidades de su casa "quería hablar sobre su música". Pero resulta que no tenía motivos para preocuparse. Sus vecinos pusieron música fuerte y no la dejaron dormir: su venganza fue implacableEl usuario de Twitter @Binhcao subió una foto del mensaje con la leyenda: "Acabo de recibir lo opuesto a una queja por ruido. La nota dice: 'Querido vecino. Vivo en la casa de al lado y me gustaría hablar sobre tu música. 1) Subí el volumen, no estoy bromeando. ¡Escuchás muy buena música! 2) Decime qué canciones son, las necesito en mi lista de reproducción. 3) No estoy siendo irónico ni nada, realmente disfruto de la música que ponés. Atentamente, Todd". Junto a la firma, el simpático vecino aclaró que era "la parte masculina" de la pareja que vivía al lado e insistió en que quería que la mandara "algunas canciones". El tuit de la anécdota acumuló casi medio millón de likes, ya que una persona lo incentivó a que comparta la playlist para que todos pudieran disfrutarla.La nota que Todd le dejó a su vecino felicitándolo por la música que escucha. Fuente: TwitterAsí, el usuario publicó un enlace a una selección de 100 temas en Spotify con el mensaje: "Aquí está la lista de reproducción que hice: inspirada en Todd y dedicada a todos los vecinos tranquilos". Otras personas compartieron sus propias experiencias similares. Uno escribió: "Me encanta la energía que esto desprende. Me recuerda cuando una vecina llegó una vez y dijo que me escuchó cantar y me invitó a su banda".El mal momento de Karina "La Princesita" por un percance en su casa: "Voy a denunciar al plomero"Otro caso insólitoEste caso recuerda a lo ocurrido hace unas semanas en España, cuando vecinos llamaron a la policía por ruidos molestos en una vivienda aledaña y, cuando las autoridades llegaron, se encontraron con algo totalmente inesperado.Los efectivos policiales arribaron al lugar donde los vecinos de un edificio de la Ronda das Fontiñas denunciaron "ruido de música en tono alto que les imposibilitaba el descanso". Al entrar descubrieron que la casa estaba vacía: solo se encontraba un gato "escuchando" música a todo volumen a mitad de la noche. Al día siguiente, los agentes hablaron con el dueño del departamento, que les explicó que se estaba fuera de la ciudad. Según informó La100, el hombre reveló que su mascota "tiene la costumbre de encender el equipo con la pata y mover la rueda del volumen".
Daniel Toro y la historia de la zamba perfecta: el canto a la soledad que reclama su lugar en el podio de la música argentina
"Esta noche soñé con vos viejito, igual estabas enfermo, como allá cuando me dejaste para siempre, estabas en tu cama con la radio al lado, aquella donde tantas veces me pusiste esta música cuando estudiaba y hacía los deberes, tampoco pude despedirme de ti esta vez, pero te vi y estoy triste porque me quedé sin oír tu voz, que ya casi no recuerdo". Los comments en YouTube se disponen en una panorámica que recuerda la contemplación a velocidad de ruta de esas piedras (en Córdoba, por ejemplo) que dicen cosas: amores que llegaron; amores que se fueron; una cruz, un nombre y una fecha. El testimonio de arriba no es un golpe bajo es una reflexión sobre el recuerdo que se pierde, se diluye en los sentidos ("tu voz que casi no recuerdo") estimulada por una canción que, escrita para conjurar el olvido, no hace más que provocar su propio recuerdo (las veces escuchadas en la radio). Es su fatal contradicción: "Zamba para olvidarte", escrita y grabada por Daniel Toro en 1976 es inolvidable.La canción es indeleble, una vez que ha sido escuchada se queda para siempre dentro de uno, como bien lo canta Toro: "Mi zamba vivió conmigo, parte de mi soledad". El cuerpo hueco de madera de la guitarra criolla deviene acá ese espacio inalcanzable del alma en el que estamos siempre incompletos.La final de La Voz Argentina: Francisco Benítez, el gran ganador del realityDel cancionero nacional y popular, "Zamba para olvidarte" es como esos hits crossover que pegan en rankings estratificados al mismo tiempo. Como en Argentina nunca existió esa forma Billboard de medir la música diremos de esta zamba que es una de las mejores en su género pero también una de las mejores en esa categoría difusa a la que llamamos "canciones de amor" y, además, una metacanción que se refiere a sí misma y a la vez se libera del autor y de sus intérpretes. Tiene vida propia. ¿Es Toro o es la zamba quien extraña? Mientras el autor escribe y canta para exorcizar el dolor de la pérdida y poner en marcha el mecanismo del olvido, la "pobre canción que da vueltas" en su guitarra parece regodearse en el recuerdo de la relación rota. La escribió para olvidarse, sí, pero la canción es una trampa porque, en su paradojal refinamiento rústico, el recuerdo siempre estará al acecho. Qué maravilla.El disco en el que Toro (Salta, 1941) grabó "Zamba para Olvidarte" se llama igual que esta zamba que también lidera el ranking entre las más tocadas por los músicos ambulantes y se editó en 1976 después de ganar el concurso de mejor canción inédita en Cosquín. La tapa muestra un retrato tornasolado, cromo-disonante del cantor, contra una suerte de puesta de sol un poco pop, un poco folk. Una estética que recuerda a los afiches que el peruano Jesús Ruiz Durand hizo entre 1968 y 1973 como propaganda para la reforma agraria en su país.A Toro lo prohibió la dictadura (que se ensañó sobre todo con el folklore) que lo incluyó en sus listas negras acaso pensando que el cantor de "Cuando tenga la tierra" sería alguna vez olvidado. Si bien esta canción dista en la superficie de ser considerada política es la misma censura imbécil de la dictadura la que la resignifica. "Zamba para olvidarte" se convierte, sin querer, en un ejercicio de memoria, de lo que nunca más hay que olvidar de aquellos años. No poder cantar, no poder ser oído se le hizo tumor a Toro (que, como un guerrillero, se hacía llamar Casimiro Cobos) que por un cáncer de garganta se quedó sin voz entre 1979 y 1985. Una brutalidad, entre tantísimas, del régimen que hizo caer al país en un pozo del que todavía no aprendió a salir. Lastimar a un cantor popular cuya voz de tenor clara, conmovedora, había sido capaz de conjurar en el ritmo más característico del país el sentimiento confuso, ambiguo, de esos amores que al mismo tiempo necesitan terminarse y no pueden irse del todo. El abordaje de temas sentimentales, cercanos al género melódico, le había costado a Toro antes el señalamiento de los mismos folkloristas embarcados en la ola revolucionaria que tiñó a la cultura de principios de los 70. Toro utilizó la contratapa del LP Canciones para mi pueblo (1971) para contestarles: "Para aquellos que duden de mi proyección eterna como folklorista tal vez les basten mis bagualas y mi rostro (escuchadas unas, observado el otro con atención y detenimiento) como ejemplos concretos que demostrarían el error sostenido (â?¦) Desde este país indio y moreno quiero lanzar el torrente de mi hurgar en todos los cancioneros sin desprestigio para mi condición de artista nativo". Suficiente.Daniel y su hijo Facundo Toro en 2005, en el Festival de Cosquín (IRMA MONTIEL/)"Zamba para olvidarte" ( a veces acreditada con el más metafísico "Zamba para olvidar") tiene todos los elementos característicos para reclamar su lugar en el Olimpo del folklore. El fraseo de las guitarras en la intro de la primera y la segunda vuelta, el bombo acoplado atrás como la voz interna de la zamba y el uso en contrapunto del coro que se hace unísono en ese vacío antes de la segunda vuelta donde se oye vibrante, inolvidable, el nombre mismo de la canción: "Y hace rato que te extraña/mi zamba para olvidar". Al mismo tiempo que característica, tradicional, es distinta. Su estructura evoluciona con la lógica del drama y lo que en otra guitarra y otra voz podrían haber sido clichés románticos ("No sé si ya lo sabrás/lloré cuando vos te fuiste") en Toro se vuelven verdades esenciales, indelebles.La zamba fue registrada el 8 de marzo de 1976 con cuatro nombres distintos ("Zamba para olvidarte", "Zamba para olvidar", "Mi zamba para olvidar", "Mi zamba para olvidarte") por Toro, Julio Fontana (autor de la magnífica letra) y Casimiro Cobos. En el LP editado por Microfón ese mismo año aparece como Zamba para olvidarte, ya en el título del disco como de la canción que abría el lado 1. En la grabación original, según consta en la contratapa del LP, Toro fue acompañado por el Cuarteto Urpillay y el trío vocal Las Voces del Tiempo Nuevo. Una segunda edición cambió la ilustración pop-folk por una fotografía más clásica de Toro. "Zamba para olvidarte" se editó también como simple con "Canta enamorada" en el lado B.Mercedes Sosa la revisitó en su álbum de duetos Cantora (2009) acompañada por Diego Torres. La autoridad de Mercedes en frases como "Mis manos ya son de barro, tanto apretar al dolor" es absoluta y Torres hace bien su parte (difícil cantar al lado de semejante monumento), pero la estilización de la versión (acordes disminuidos, la aparición de un piano como interludio entre las dos partes) diluye el poder mineral de la versión original.Daniel Toro: "A mi se me curó el alma, no tengo broncas de cuando prohibieron mis canciones"Es que no hay con que darle a esos tres minutos con diecinueve segundos perfectos. Nada se puede mejorar en "Zamba para olvidarte": ni siquiera sus silencios y ni hablar de ese muro de voces que se plantan ante el oído como un mural mexicano de Orozco o Siqueiros.Parece escrita y grabada en esas piedras donde los que aman o dejaron de amarse dejan mensajes acaso eternos. Como el de esta canción imposible de olvidar.
Florencio Randazzo se animó a pasar música en la mesaza y sorprendió con su selección
Invitado a la mesaza, Florencio Randazzo recordó su pasado como DJ y se animó a pasar distintas canciones para simbolizar la actualidad del país y el Gobierno de Alberto Fernández. El precandidato a diputado nacional por Vamos con Vos fue uno de los comensales de Almorzando con Mirtha Legrand (eltrece) y se lució con sus habilidades como disc jockey.Imágenes sensibles: murió una mujer y hallaron en su casa 50 gatos, dos perros y animales muertosEste domingo, durante la emisión del programa, Juana Viale comenzó a indagar por los distintos trabajos que tuvo el exministro del Interior. "¿Vos tenés una heladería?", quiso saber la conductora. Entonces, Randazzo contó que había tenido una en el pasado.Para completar la sección, Randazzo invitó a L-Gante al escenario y juntos cantaron una canción del artistaLuego, enumeraron los distintos rubros en los cuales se había desarrollado el político, que fue heladero, tuvo un gimnasio, un salón de eventos, una constructora y una empresa de cable. "Fui cobrador de cuentas, trabajé en un mercado, administré edificios. Soy un buscavidas, de todo hice", continuó Randazzo.En ese momento, Viale lo interrumpió para decir: "Y fuiste DJ. [Es] multifacético el hombre". Aprovechando el momento, el precandidato relató que se había desarrollado como musicalizador en una importante confitería de Chivilcoy, cuando era más joven. "No era buen disc jockey, pero me defendía. Pasaba un poco de todo, música de los 80. A mí me gusta la cumbia y los boleros".Florencio Randazzo recordó sus épocas de DJ (Captura/)Mientras el resto de los invitados, Osvaldo Bazán, Chechu Bonelli y L-Gante indagaban sobre su pasado, Viale le adelantó que desde la producción del programa habían preparado una consola para que Randazzo mostrara sus habilidades para pasar música.Brenda Asnicar habló de su primera cita con su millonario novio estadounidense: "Me robó el corazón"El momento como DJRandazzo se colocó los auriculares de DJ y se puso detrás de la consola. A su lado estaba Viale, bailando y muy divertida con la situación. Aunque el exfuncionario contó que los aparatos que usaba cuando era DJ eran más antiguos, entendía cómo funcionaba el que tenía enfrente. A su vez, recordó que solía pasar música con vinilos.Para conocer las habilidades del exfuncionario, Viale le fue consultando qué tipo de melodías pondría para cada momento de la noche."¿Con qué canción abrirías la pista?", le preguntó Viale. Rápido de reflejos, Randazzo colocó "Último tren a Londres" de Electric Light Orchestra. Mientras sonaba las estrofas, Viale siguió con el juego. "¿Qué canción no fallaba para los enamorados?", consultó la conductora. Inmediatamente, Randazzo hizo sonar "All Out Of Love" de Air Supply.Luciana Salazar le dedicó un duro mensaje a Martín Redrado: "Olor a opereta"Tal como había adelantado, el exministro contó que para que "la noche explotara", solía poner cumbia, por lo que eligió "Yo me enamoré" de Amar Azul. El ritmo de la música generó no solo que Viale comenzara a bailar, sino también que Randazzo aplaudiera y se moviera al son.Florencio Randazzo se movió al ritmo de las canciones (Captura/)En caso de ganar las elecciones, el precandidato adelantó que colocará "En septiembre" de Miguel "Conejito". Alejandro.A pesar del momento divertido y de jolgorio, Randazzo aprovechó para ser picante. En el momento de elegir una canción dedicada al actual Gobierno, eligió "Miénteme" de Tini Stoessel y María Becerra. En tanto que para ilustrar a la Argentina, el exfuncionario le dio play a "Fuego" de Intoxicados.El precandidato eligió distintos temas según la consigna (Captura/)Siguiendo con los temas de actualidad, Randazzo "musicalizó" los festejos en la Quinta de Olivos por el cumpleaños de la primera dama Fabiola Yañez, durante la cuarentena estricta del año pasado. Para hacerlo, seleccionó "Nada fue un error" de Coti.Wanda Nara estalló contra Maxi López: "Lo dejé todo por él y no merecía una traición"Para cerrar la sección, Randazzo eligió "Abecedario" de L-Gante, a quien invitó a subir al escenario, para cantar juntos la canción.
Tini y Manuel Turizo: crecer en pandemia, un romance que no fue y la música que une al mundo
Se conocieron para grabar el video de Maldita foto. Dicen que los géneros no importan y que las colaboraciones abren oportunidades.
Paulo Londra hace estallar las redes y queda más cerca de volver a hacer música: "Es un primer y gran paso, falta poco"
El artista argentino estaría por lograr su "libertad" y ganar el juicio que le inició a su exproductora, Big Ligas.
Mientras Kiss suspende su gira, Gene Simmons dispara contra los fans: "Destruyeron la industria de la música"
Arremetió contra quienes están "entrenados" para no pagar por lo que escuchan y puso a las cucarachas como ejemplo.
El servicio de música de YouTube superó los 50 millones de suscriptores
Inscribió a más de 50 millones de suscriptores pagos a su servicio de música, un hito importante para el sitio de videos de Google que durante mucho tiempo ha sido criticado por sellos discográficos y estudios de Hollywood por regalar su trabajo de forma gratuita. Leer más
Mikis Theodorakis, la música como emblema de resistencia
Es imposible separar las dos facetas que animaron al músico fallecido este jueves, tan genial en una composición multifacética como incansable en sus luchas a pesar de las persecuciones y tormentos.
Brooklyn Nine-Nine: cuando la música pop es el mejor decorado posible
Con la octava y última temporada recién estrenada, esta Locademia 2.0 se ha consagrado como una de las mejores comedias en el nuevo boom de las series. Toda la acción gira en torno a Jake Peralta (Andy Samberg), un detective cuyo caso más difícil es madurar. En la seccional, en las patrullas, en las redadas hay siempre alguna canción pop sonando de las maneras menos imaginadas. Brooklyn Nine-Nine (disponible en Netflix) trabaja con lo que podría ser una noche completa de karaoke poniendo a los uniformados a parodiar el ranking de Billboard (y más allá también) de los últimos cuarenta años. De los Beastie Boys a Lionel Richie; de Christina Aguilera a Backstreet Boys y Billy Joel, aquí nadie se salva o van todos presos. Alto humor por la música."Piano Man" (Billy Joel, 1973). "En la mafia cuando cantás Joel en grupo te aceptan para siempre", le explica Jake Peralta al Jefe dando a entender su involucramiento en una investigación en curso. Así como en la marvelesca The Boys, esa máquina de hits que fue Joel en los 70 y 80 parece haber sido reinventado como fetiche por los guionistas de esta sitcom. Fue a partir de esta canción autobiográfica que narra su experiencia como pianista en un lounge bar de Los Ángeles que el álbum Piano Man despegó e hizo que su nombre ingresara en el top 40 luego de un fallido debut. Por alguna razón se volvió especialmente popular en Canadá y con el tiempo alcanzó estatus de clásico en todo el mundo. Entre Paul Simon y Bob Dylan, Joel deja una frase memorable: "Hay un viejo sentado a mi lado haciéndole el amor a su tonic & gin"."Celebration" (Kool & The Gang, 1980). Jake se declara ganador de la apuesta que lleva con Amy desde el primer capítulo y en la seccional 99 se desata la fiesta. Desde un iPod se dispara "Celebration" y vuelan serpentinas y el cotillón asociado a (lo que conocimos antes de marzo de 2020) una fiesta de año nuevo o una boda. La misma música es índice sonoro de esa coreografía social. Ya ni siquiera asociada a las discotecas ni a la cultura gay como cuando Kool & The Gang la editó como simple sobre el cierre del boom disco. Hubo que esperar, sin embargo, a 1992 para que fuese incluida en un Grandes Éxitos, lo que confirmó su estatus de clásico dance. Atenti a la versión para gaita de Ross en . Eso sí que es una apropiación."All Out of Love" (Air Supply, 1980). En cualquier discoteca de principios de los 80 después de una noche agitada con, por ejemplo, "Celebration", sobrevenía la legendaria sección de lentos, parte necesaria del ritual amoroso (para los afortunados). Casi ninguno se debe haber bailado tan apretado como este hitazo meloso del dúo australiano que la venía peleando desde 1974. Hasta el estribillo podría haber sido una de las baladas que consagraron a Peter Frampton en el estilo de "I'm in You". Es la canción que salvó al dúo soft de disolverse aún después de haber girado con Rod Stewart por toda Australia. Ha sido tan transitada que se pierden de oído algunos detalles que hacen que no sea apenas otro lento. Cuando entra la voz de Russell Hitchcock, la más aguda, en el estribillo se oyen unas guitarras aplastadas en plan casi dub y el grand finale de las cuerdas es de una obstinación del tipo matar o morir. Estaba claro que era con esta canción o nunca más para ellos. Jake la escucha embelesado al final de una fiesta (Capítulo 17 de la segunda temporada) en la que cree que bailará slow dance con Amy, pero no..."All Night Long" (Lionel Richie, 1983). El soundtrack de esta Locademia 2.0 es puro mainstream, radio de clásicos sin guiños a melómanos ni correspondencias estéticas arty. Todo lo que se escucha es porque se escuchó y mucho, casi tanto como la sirena de un patrullero en cualquier megaurbe del mundo. "All Night Long", el hit del cantante soul Lionel Richie con cierta impronta caribeña (calipso), se escucha justamente en un auto de policía desde el celular del detective Boyle (¿no tiene un aire a Bosley, el jefe de Los Ángeles de Charlie?). Toda una escena del capítulo 4 de la temporada 4 está ritmada por fragmentos de esta canción que Richie grabó en el álbum Can't Slow Down. Ex miembro del grupo vocal The Commodores, Richie devino un pop-star consiguiendo al mismo tiempo el número uno en tres chart distintos: Pop, R&B y Adult Contemporary. Crossover absoluto que en Inglaterra quedó en segundo lugar perdiendo la carrera contra... Billy Joel y su "Uptown Girl"."So Watcha' Want" (Beastie Boys, 1992). Una parodia de un grupo que hizo de la cita irónica parte de su performance parece el colmo del pop, su cinta de Moebius. Pues eso es lo que sucede en una escena donde Jake y su compañero de patrulla se autoperciben como los Beatsie Boyz. Se los ve de uniforme repitiendo la gestualidad de Ad-Rock, MCA y Mike D en el video de "So Watcha' Want" editado en el esencial Paul's Boutique y luego en la antología The Sounds of Science (¡cita a Simon & Garfunkel!). Es el círculo perfecto: si los Beastie Boys parodiaban un policial de los 70 en "Sabotage", una serie del siglo XXI se encargaría de parodiarlos a ellos. De hecho toda la seccional 99 parece sacada de ese video made in Brooklyn."What's Up" (4 Non Blondes, 1992). Convengamos que en materia de one hit wonders (aquellos artistas que la pegan una vez y nunca más) este es uno de los peores casos. 4 Non Blondes llegó en el vagón de cola del grunge y (lo que MTV llamaba) el rock alternativo y se quedó en la radio para siempre con uno de los hits más predecibles de los que se tenga memoria. "What's Up", un ejercicio folkie básico, es un monumento al spoiler, para ponerlo en el abecé del streaming. Crónica de un estribillo anunciadísimo que en este policial paródico es redimido como gracia de karaoke. Casi una lectura crítica en clave de comedia."Sound of Da Police" (KRS-One, 1993). El coro de este rap que va y viene como una sirena se escucha en una escena del capítulo 12 de la cuarta temporada. Es apenas un cuadro y se roba el capítulo a fuerza de este golpe maestro de ritmo y rima en boca de unos de los mejores MC de la historia del hip hop. Un pionero al que se escucha en un paisaje sonoro abstracto en el que se mezclan el estilo del Bronx y el de los toasters jamaiquinos. Lo que KRS-One hace con la palabra "officer" es puro Barthes: deconstrucción del lenguaje hasta aprehender el sentido por el puro espesor acústico de la palabra. Uno de los pocos momentos en los que la música va por delante de la ficción."Un-Break My Heart" (Toni Braxton, 1996). Tres agentes de policía cantan en un coro subido de pitch el estribillo del hitazo de Toni Braxton en una patrulla mientras caen los títulos. Otro capítulo memorable de esta parodia se va en una escena destornillante que nos recuerda la extraña estructura de esta mezcla de house lascivo y baladón en el que el estribillo parece arrancado de un hit de Robert Flack veinte años atrás. Ver a Boyle impostando la voz de la Braxton no tiene precio. Secrets, el álbum que traía este tema, vendió veinte millones de copias en todo el mundo. Pasarían diez años para que volviera a ser la voz del mundo cuando junto a Il Divo interpretó la canción oficial de Alemania 2006, "The Time of Our Lives". No los nuestros, claro, que nos fuimos en cuartos de final."I Want it That Way" (The Backstreet Boys, 1999). Es posible que en esta escena de Brooklyn Nine-Nine esté el mejor uso del cancionero pop en una serie de esta nueva era de las series. Cinco sospechosos son puestos a consideración de una testigo que recuerda que uno de los asaltantes cantaba una melodía de Backstreet Boys. Lo que sigue es alto humor. Uno por uno, los sospechosos completan la canción de la band boy que se comía el planeta a fines de los 90. Una obra maestra (la escena, claro)."Beatiful" (Christina Aguilera, 2002). La agente Gina Linetti (Chelsea Peretti) da una charla motivacional que rubrica con esta power ballad de la Aguilera que bien podría haber grabado Oasis. Los movimientos de la genial Gina nos hacen olvidar lo bien cantado que está este hit en el que la Christina del pop lleva muy arriba su arte del melisma, esos gorgorismos en los que parece que nos va a develar todo su aparato respiratorio. La escena no tiene desperdicio y revela el arsenal histriónico de una serie para la que la música pop es el mejor decorado posible.
"No hubiéramos hecho música sin la compu de Conectar Igualdad"
Los sub-23 Axel Bratosevich y Bruno Donato salieron del Esnaola y le metieron sonido afroamericano a la camada under del trap.
Murió Mikis Theodorakis, el creador de la música de Zorba, el griego
El arte y el compromiso político siempre fueron una sola cosa para Mikis Theodorakis, el compositor que para el mundo representó más que ningún otro la imagen cultural de Grecia en el siglo XX. Theodorakis falleció a los 96 años en su casa de Atenas, donde llevaba en los últimos años una vida alejada de la exposición pública y la creación musical debido a sus problemas de salud. Una serie de complicaciones respiratorias habían forzado su retiro definitivo en la década pasada.Theodorakis deja una obra vasta y polifacética que incluyó por igual referencias clásicas y acercamiento a la música popular. En esta última vertiente aparece la creación que más lo identifica y que para muchos resume su legado: la banda sonora de la película Zorba, el griego, dirigida en 1964 por Michael Cacoyannis. Aquella escena famosa en la que Anthony Quinn, encarnando al vital protagonista de la historia, le enseña un baile típico de su tierra a su visitante, encarnado por Alan Bates, hizo que la música de Theodorakis adquiriera un sello de identidad reconocido en todas partes. El sirtaki más famoso de todos los tiempos funciona como síntesis de una obra que desde ese momento se asoció a Grecia, aun con el riesgo de caer en el inevitable estereotipo, algo que ocurrió con frecuencia en las décadas siguientes y perdura hasta hoy.A Theodorakis nunca le preocuparon esas cosas y por el contrario procuró darle a Zorba un vuelo artístico que fuese más allá de un simple motivo musical popularizado a través de una película. Llegó a convertir ese hito, por ejemplo, en una gigantesca representación de música y ballet con el que llegó a la Argentina en octubre de 1994 para presentarse en el Luna Park junto a uno de los grandes bailarines del siglo XX, Vladimir Vassiliev. Cuando Theodorakis ocupaba el podio, como ocurrió en esa oportunidad, quedaba a la vista de inmediato su espíritu de integración.Tanto allí como al frente de la orquesta que llevaba su nombre y creó en 1997 se integraban lo clásico y lo popular. Había pianos, guitarras, cellos y otros instrumentos clásicos, junto a los elementos que acompañaban los motivos de su tierra: el bouzouki, el santouri y distintos accesorios de percusión. Con esa especie de orquesta popular de cámara Theodorakis hizo su última visita a la Argentina en 2006, ya octogenario, para interpretar en el Teatro Coliseo el Canto general de Pablo Neruda, expresión artística de un compromiso político que siempre llevó a su máximo perfil.En la vida de Theodorakis la política ocupó un lugar tan relevante como la música. En los agitados años 60 el mundo conoció en buena medida a través de su figura la resistencia al gobierno militar conocido como la "dictadura de los coroneles" que tomó el poder en 1967 por medio de un golpe. Una de las primeras decisiones de esa junta castrense fue meter preso a Theodorakis y prohibir la difusión de su música. En la cárcel fue víctima de torturas y otros padecimientos, y su situación alentó una campaña mundial para liberarlo que tuvo como activos protagonistas, entre otros, a Arthur Miller y Leonard Bernstein.Theodorakis había nacido el 29 de junio de 1925 en la isla griega de Chios. Era hijo de un funcionario público de escaso rango y empezó de muy chico su educación musical en el Conservatorio de Patras. Comenzó a los 14 años a formar agrupaciones y participar en conciertos públicos cuando su familia se mudó a la ciudad de Trípoli.Las líneas paralelas que la música y el activismo político tuvieron en su vida quedaron por primera vez a la vista en 1943. Ese año entró al Conservatorio de Atenas y al mismo tiempo fue arrestado por primera vez como integrante del grupo de resistencia activa a la ocupación que ejercían en su país las fuerzas del Eje (alemanes e italianos) durante la Segunda Guerra Mundial. Allí empezó a hacerse conocido como militante de izquierda, y en especial del Partido Comunista, con el que estuvo identificado durante un largo tiempo.El papel político de Theodorakis fue mucho más activo que el musical al término de la guerra, cuando estalló en Grecia un cruento enfrentamiento civil entre monárquicos y republicanos que luego incluyó la primera insurrección de un partido comunista en Occidente, considerado por muchos historiadores como el prólogo de la Guerra Fría. Forzado a abandonar Grecia se instaló en París, donde su activismo se hizo mucho más fuerte en los años 60. Un creciente reconocimiento de su obra musical fue por entonces de la mano con sus objetivos políticos, dirigidos sobre todo al derrocamiento del gobierno militar que tanto lo persiguió.Una vez fuera del poder ese régimen decidió regresar a su país y dejar atrás aquel tiempo de idas y venidas entre Francia y Grecia. Continuó allí una actividad parlamentaria que se había iniciado en 1961, cuando fue electo diputado por primera vez. Primero lo hizo en representación formal del comunismo. Más tarde, ya en la década del 80, protagonizó un resonante pase a las expresiones políticas más conservadoras, molesto por las denuncias de corrupción que habían sido dirigidas hacia algunos dirigentes de izquierda. La resonante renuncia a la afiliación comunista en 1972 fue uno de los momentos más conocidos de su vida política. Llegó a ser ministro en uno de los gobiernos de coalición entre fuerzas de distintas expresiones políticas y se sentía curiosamente cómodo en ese tipo de experiencias, porque le gustaba definirse como un hombre de izquierda, pero de espíritu independiente.Mientras tanto, la vida artística de Theodorakis progresaba en múltiples líneas simultáneas. Fue autor de obras clásicas y contemporáneas en diferentes estilos (piezas sinfónicas y de cámara, cantatas, himnos, oratorios, ballets), pero al mismo tiempo, fiel a su actitud militante, renegaba de todas las vanguardias y expresiones musicales que consideraba "elitistas" y alejadas de la sensibilidad popular. Esa postura, en la que algunos nunca dejaron de señalar más de un clisé, quedaba siempre a la vista en sus entrevistas, durante las cuales nunca faltaban expresiones del vocabulario clásico de la izquierda para hablar de la política y del arte.Theodorakis siempre fue un conversador apasionado, abierto a la polémica y a las expresiones fuertes. Lo reforzaba con una estampa inconfundible: era un hombre más bien corpulento de cabellera enmarañada, que acompañaba su intensa expresividad mediterránea con un infaltable cigarro entre los dedos. Zorba fue su marca, pero dejó también para el cine una obra enorme. Más de 60 bandas de sonido para películas muy reconocidas en su tiempo, desde las obras políticas de Costa-Gavras (Z y Estado de sitio) hasta éxitos de Hollywood como Serpico.
Sus vecinos pusieron música fuerte y no la dejaron dormir: su venganza fue implacable
Una mujer disfrutaba de unas "pacíficas vacaciones" en un centro turístico cuando sus vecinos interrumpieron la tranquilidad del lugar con una música ruidosa que los mantuvo alerta durante toda la noche. Ante la insistencia para que bajaran el volumen decidió planear una "dulce venganza" para la mañana siguiente. "¿Estuve mal? No lo creo", sentenció.Dejó una semilla de palta en la oscuridad durante meses y el resultado la dejó atónitaHeather Minsh, como se identifica en TikTok, subió en esa red social el video donde relata la situación que vivió en la noche previa a su salida en un complejo turístico en Gales. Además, relató y mostró lo que hizo para devolverle el gesto a sus vecinos."Tomé unas agradables vacaciones en estas encantadoras caravanas de un centro vacacional. Bueno, era tranquilo hasta que aparecieron estos idiotas, a las 12 de la noche, con la música a todo volumen", relató la mujer que habló con las personas para que bajaran el volumen, pero no lo hicieron.La música no paró de sonar durante toda la noche y los ruidos de los vecinos tampoco cedieron. "Siguieron así durante horas, así que no pudimos dormir", contó y siguió: "A las 7 de la mañana cuando me desperté, fui hasta la parte trasera, miré a mi alrededor [para chequear que no hubiese nadie] y esparcí un puñado de pan sobre el techo de la caravana".Una vez que tiró las migas en el techo de los vecinos, volvió a su casa a esperar el desenlace. Las gaviotas no tardaron en aparecer y hacerse un festín con las migas en el techo. Sorprendidos por el ruido que hacían los animales, sus vecinos se despertaron molestos sin entender lo que ocurría en su casa.Heather planeó durante toda la noche la venganza contra sus vecinos (Captura de Video/)"Brillante. Wakey wakey [Despierten, despierten]", finalizó con un tono jocoso ante lo que había hecho. Según explicó Heather, estaban pasando la última de las tres noches en el centro turístico, por lo que necesitaban descansar.El video fue visto por más de 1,7 millón de personas y recibió decenas de comentarios divididos entre los que estaban a favor y los que estaban en contra de la iniciativa.El centro vacacional con casas rodantes en Gales (Captura de Video/)"Buen trabajo. Brillante jugada. ¿Tenés más pan? Y las gaviotas pueden ser muy ruidosas", "Juego limpio. La gente debería ser más respetuosa de los demás", "Debiste poner heavy metal a las 6 de la mañana como venganza, pero podías perjudicar a los otros. Sos una genia", escribió otro usuario.Luego de esparcir las migas de pan, un puñado de gaviotas se posaron sobre el techo de los vecinos (Captura de Video/)"¿No va contra la ley poner música alta después de cierto horario y especialmente en los centros de vacaciones? Yo hubiese hecho lo mismo, pero riéndome", "Es un centro de vacaciones familiar, no un crucero con alcohol para mayores de 18 años. Por supuesto que no es aceptable tocar la música hasta tarde", "Estuviste mal. Ellos estaban de vacaciones al igual vos. Solo porque te acuestes a las 9 de la noche no significa que los demás también lo hagan", fueron algunos de los comentarios a favor y en contra de su accionar.
Apple lanzará una app de streaming de música clásica en 2022, después de comprar Primephonic
Apple adquirió el servicio de música clásica en streaming Primephonic y sus funciones como sus listas de reproducción de este género llegarán a Apple Music, aunque planea lanzar una app especializada en música clásica en 2022. Ofrecerá un sonido de calidad premium, recomendaciones seleccionadas por expertos y amplia información contextual sobre el repertorio y las grabaciones.Microsoft eliminará cuentas de Hotmail: cómo saber si afecta a la tuyaAhora, Apple anunció la adquisición de Primephonic. Con la incorporación, los suscriptores de Apple Music se beneficiarán de mejoras en la escucha de música clásica, empezando por las listas de reproducción de Primephonic y los contenidos de audio exclusivos, como informó Apple en un comunicado.Asimismo, en los próximos meses, los aficionados de Apple Music a la música clásica dispondrán de una experiencia optimizada con las prestaciones de Primephonic, como navegación mejorada, búsqueda por compositor y repertorio, vistas detalladas de los metadatos de la música clásica, además de otras novedades."Juntos vamos a incorporar fantásticas prestaciones nuevas a Apple Music, y próximamente ofreceremos una experiencia exclusiva para la música clásica que, sin duda, será la mejor del mundo", afirmó Oliver Schusser, vicepresidente de Apple Music y Beats de Apple.Un grupo de científicos descubrió un nuevo estado de la materiaAdemás, Apple Music tiene planes para lanzar una app dedicada el año que viene que combinará la interfaz de usuario de Primephonic para música clásica con prestaciones adicionales. Primephonic ya no está disponible para nuevos suscriptores y dejará de ofrecer servicio a partir del 7 de septiembre.Mientras tanto, los suscriptores actuales a Primephonic recibirán seis meses gratis de Apple Music, con acceso a cientos de miles de álbumes de música clásica.
Diseñan en La Plata un dispositivo que mide las señales eléctricas de los músculos y puede usarse para generar música o en rehabilitación
Investigadores platenses desarrollaron un dispositivo inalámbrico capaz de medir las señales eléctricas de los músculos del cuerpo de forma no invasiva, las que luego se digitalizan y procesan para generar sonidos o imágenes que pueden ser empleadas en aplicaciones con fines artísticos, para divulgación, videojuegos y en el campo de la salud.Se trata de Wimumo, que nació en el 2018 con fines artísticos aunque ahora sus creadores exploran la posibilidad que sea utilizado como una herramienta más en el campo de la salud. Federico Guerrero, doctor en Ingeniería Electrónica e investigador del Conicet, explicó a Télam que el dispositivo "es un equipo portátil, del tamaño de un walkman, que opera con baterías y posee cuatro electrodos que se conectan en el cuerpo, sobre la superficie de la piel y cerca del músculo que se quiera registrar la señal".Puntualizó que la señal electro-fisiológica o biopotencial más conocida "se ve en el electrocardiograma (ECG) que casi todas las personas se han hecho alguna vez, pero pueden medirse otras como las provenientes de los músculos, llamado electromiograma o EMG"."Wimumo mide estas señales, las transmite en forma inalámbrica a través de la red WiFi y las aprovecha para producir música, participar en juegos o crear contenido multimedia. Técnicamente la llamamos Plataforma de Adquisición Multi Modal, y de ahí su nombre (en inglés WIreless MUlti MOdal aqcuisition platform)", consignó.El dispositivo no está pensado sólo para ser usado por los ingenieros que lo desarrollaron, sino que uno de sus objetivos es proveer el acceso simple, amigable y masivo a las señales producidas en el cuerpo humano."Un usuario que tenga cero conocimiento técnico y que sólo navega por internet lo puede tener y colocarse los electrodos en el cuerpo para ver en una página web las señales eléctricas de su cuerpo y utilizar algunas aplicaciones como puede ser un juego o generar música a partir del movimiento", graficó Guerrero.Ejemplificó que "podría ponerse un electrodo en el pecho y ver la señal de su corazón como un electrocardiograma o abrir otra aplicación y ver como esos latidos del corazón generan tonos musicales". "Si se lo coloca en el bíceps va a poder ver que al flexionar el brazo se produce la actividad eléctrica y podría controlar el personaje de un juego que sube o baja a partir de un mayor o menor esfuerzo", detalló en una entrevista con Télam.El prototipo del Wimumo, capaz de hacer registrar la actividad muscular en forma inalámbrica para hacer música o controlar videojuegos, entre otras cosasGuerrero, que integra el Grupo de Instrumentación Biomédica, Industrial y Científica del Instituto de Investigaciones en Electrónica, Control y Procesamiento de Señales (LEICI) que conforman la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional de La Plata, la Comisión de Investigaciones Científicas (CIC) y el CONICET, detalló que el primer prototipo "se desarrolló en el 2018 cuando Alejandra Ceriani, performer y docente de la Universidad, les propuso hacer una obra donde se pudieran medir señales del cuerpo".A partir de allí, un equipo que integran también Rocío Madou, Valentín Catacora, Matías Oliva, Marcelo Haberman, Pablo García, Alejandro Veiga y Enrique Spinelli se dedicaron al desarrollo del nuevo prototipo que tendrá la particularidad de que no necesitará de la supervisión de sus creadores.Si bien el dispositivo fue diseñado sólo para fines de entretenimiento, también podría utilizarse en el campo de la salud como complemento de un tratamiento de rehabilitación. Guerrero aclaró que "no está pensado para que cumpla con las normas médicas como un electrocardiógrafo o como una herramienta de análisis clínicos, pero sí podría utilizarse en una terapia de rehabilitación". En ese aspecto consignó que a través de la actividad eléctrica del músculo "el profesional podría saber si un determinado ejercicio hace que el músculo actúe correctamente o en los casos de ejercicios repetitivos que se tornan aburridos, conectarle el equipo para activar un juego o que se entretenga haciendo música"."Es como si le dijera mové el brazo para llegar a un determinado nivel de audio o de un color que se ve en la pantalla. Es lo que se denomina biofeedback, es decir una retroalimentación de lo que estás haciendo con tu cuerpo y que en caso de no tener el equipo no se puede ver", concluyó.
"Peppermint", el libre juego de la música
La cantante, actriz y performer británica y el pianista argentino publicaron un álbum que se enmarca en el terreno del jazz, pero que excede sus límites.
Murió Lee Scratch Perry, pionero de la música reggae
Lee Scratch Perry, cantante, productor y una de las grandes figuras del reggae ha muerto este domingo en un hospital en Lucea, Jamaica, a los 85 años. La causa del fallecimiento no ha trascendido. El primer ministro de Jamaica, Andrew Holness, confirmó la noticia y envió sus condolencias a la familia y los amigos. "Siempre lo recordaremos por su genuino aporte a la música. Que su alma descanse en paz", escribió en Twitter."Como Jimi Hendrix, como Sun Ra, como George Clinton, como John Coltrane, Lee 'Scratch' Perry es uno de esos músicos de piel negra con visiones cósmicas: toda su obra posee ese matiz místico y, como los pares citados, es un innovador en lo suyo, ya que el hombre puede jactarse de haber inventado el dub y de influir tanto en el hip hop como en la electrónica actual. Alguien que, sin dudas, merece el archigastado calificativo de pionero", aseguraba una crónica de la revista Rolling Stone de 2008, cuando se presentó en e Festival de Cine de Mar del Plata el documental The Upsetter, en el cual se repasa su vida. En esa pieza que fue narrada por Benicio Del Toro entre tantas otras cosas, asegura: "Si Bob Marley fue el Rey, yo soy el Profeta, como lo fue Moisés".Lee Scratch Perry nació en la aldea rural de Saint Mary el 20 de marzo de 1936. Fue una figura fundamental del sonido de la isla desde que a finales de los cincuenta empezó a trabajar para el legendario Clement "Coxone" Dodd. En los sesenta se trasladó a Kingston, la capital. A lo largo de su vida fue guardia de seguridad, cazatalentos y autor de muchas canciones en las que no está acreditado como tal. Todo esto hasta que, finalmente, se convirtió en cantante en Studio One, el estudio que Coxone montó en 1963. Tres años después, hacia la segunda mitad de los años 60, Perry rompió su vínculo con su mentor y grabó "I am the Upsetter" (Yo soy el incordio). "Coxsone nunca le quiso dar una oportunidad a este chico de campo. Ni de casualidad. Tomaba mis canciones y se las daba a otros como Delroy Wilson. Nunca me llegaba ningún reconocimiento y mucho menos dinero", aseguró Perry en una entrevista con Variety. Dos años después produjo una canción con un nuevo ritmo, no oído antes, "Long shot", para The Pioneers. Muchos la consideran el primer reggae, antes incluso de que existiera el nombre.Durante fines de los años sesenta y los setenta Perry produjo a algunos de los artistas más importantes de Jamaica, primero en Amalgamated Records y, luego, con su propio estudio llamado Black Ark. Como cantante, Scratch ganó el Grammy a Mejor álbum en 2003 por Jamaican E T. Además de su mal genio, Perry no se iba con vueltas para explicar su lugar en el mundo de la música. "Soy el mejor productor de Jamaica. Muchos dicen que soy el mejor del mundo", aseguró en 1984. Produjo a artistas de la talla de Bob Marley & The Wailers y The Congos, además de Beastie Boys, The Clash, Brian Eno y Animal Collective, entre tantos otros. En 1977, Paul y Linda McCartney viajaron a Black Ark y grabaron dos canciones. En 1980, Perry envió una carta al ministro de Justicia japonés después de que McCartney fuera arrestado por llevar marihuana en su equipaje. La misiva decía: "Por favor, no considere excesiva la cantidad de hierbas involucradas. Las intenciones del maestro Paul McCartney son positivas".Cuando empezó a ser reconocido en el Reino Unido se mudó allí, lo cual implicó el abandono de The Black Ark, el estudio que había abierto en el patio de su casa. Se casó dos veces. Primero, con Paulette Perry, de quien se divorció en 1979. Luego, con Mireille Ruegg, a quien conoció en 1989. Más tarde se mudó a Suiza para vivir con Ruegg, con quien tuvo dos hijos. "Soy medio elfo, a veces hace demasiado calor para mí, necesito un lugar frío", le dijo a The Guardian en una ocasión.El músico, cantante y productor jamaicano fue un precursor del reggae y del dub (Paul Bergen/)En 2011 estuvo en la Argentina y ofreció una serie de shows en Córdoba, Rosario y Buenos Aires. Entrevistado por Rolling Stone, daba su perspectiva sobre el motivo por el cual la música jamaiquina se impuso en todo el mundo: "Algo tuve que ver con eso, aunque no pienso mucho en el pasado -decía aquella vez-. Para mí Jamaica es una nave". Su última visita a Buenos Aires se produjo en 2017, cuando se presentó en Niceto Club con Nairobi como banda de apoyo. A lo largo de su carrera publicó más de 80 discos, de los cuales 6 salieron en los últimos dos años.En el documental The Upsetter:The Life and Music of Lee Scratch Perry hay un diálogo entre Perry con los hombres de un negocio de indumentaria. Al preguntarte a este excéntrico personaje que tiene un sombrero con espejos que le tapa su cabellera fucsia de dónde viene, é responde: "Vengo del cielo". Hacia allá está volviendo en este momento.
Afganistán: los talibanes ya imponen prohibiciones para las mujeres, la música y los medios
La última medida en ese sentido es quitar las "voces femeninas" en las estaciones de radio y televisión de Kandahar.
"Los artistas aman la música de mi abuelo"
El docente y compositor reflexiona sobre el lugar que ocupa la música en la vida nacional. El nieto del famoso Astor sigue siendo parte de los festejos por los cien años de la leyenda del tango. Ahora es el curador de la llamada Experiencia Piazzolla, que se podrá ver gratuitamente online y contó con grandes bandas detrás. Leer más
A cinco años de su muerte, Juan Gabriel sigue brillando entre las leyendas de la música popular mexicana
Está considerado a la altura de Agustín Lara, José Alfredo Jiménez y Armando Manzanero. Falleció a los 66 años.
El elegante caballero inglés que cambió la música
La muerte del baterista permitió al mundo recordar la leyenda del hombre que amaba al jazz pero que básicamente fue uno de los tantos inventores del rock n' roll. Llamado la columna vertebral de los Rolling Stones, el fanático de Charlie Parker amaba el diseño y fundó una escuela única de estilo. Leer más
Fede Lauria, impulsor del trap, ingresó a un exclusivo grupo de la música internacional
Es el único hispanohablante en la lista de los 40 ejecutivos más importantes de la industria musical global. Trabaja con Duki, Nicki Nicole y Bizarrap para promover el movimiento urbano argentino. Leer más
Snapchat quiere dejar de ser solo una red social: ahora escanea, resuelve ecuaciones e identifica música
La aplicación lanzó una actualización que "está reinventando el uso de la cámara".
Cuando la música se detiene: "lugar feliz" afgano se apaga
Unos años después de que los talibanes fueran derrocados en 2001, y con Afganistán aún en ruinas, Ahmad Sarmast dejó su hogar en Melbourne, Australia, con una misión: revivir la música en su país natal.La escuela que fundó fue un experimento único de inclusión para la nación devastada por la guerra: con huérfanos y niños de la calle en el cuerpo estudiantil, buscó devolver un poco de alegría a Kabul. Los talibanes notoriamente habían prohibido la música.La semana pasada, vio con horror desde su casa en Melbourne las imágenes de los talibanes tomando el control de la capital afgana, culminando una ofensiva relámpago que devolvió el poder a la milicia religiosa y asombró al mundo.Los dos teléfonos móviles de Sarmat no han dejado de sonar desde entonces. Muchas de las llamadas son de estudiantes aterrorizados que le preguntan qué sucederá a continuación. ¿Se cerrará la escuela? ¿Volverán a prohibir los talibanes la música? ¿Están a salvo sus preciados instrumentos?"Estoy desconsolado", dijo Sarmast a The Associated Press. "Fue tan inesperado e impredecible que fue como una explosión, y nos tomó a todos por sorpresa", dijo sobre la toma de posesión de los talibanes.Sarmast se había marchado de Kabul el 12 de julio para sus vacaciones de verano, sin imaginar que pocas semanas después todo el proyecto y lo que había logrado los últimos 20 años estaría en peligro. Teme por sus 350 estudiantes y 90 profesores, muchos de los cuales ya se han escondido. Informes de que los talibanes buscan adversarios de puerta en puerta han avivado sus preocupaciones."Todos tenemos mucho, mucho miedo por el futuro de la música, tenemos mucho miedo por nuestras chicas, por nuestra facultad", señaló. Sarmast, quien habló en una entrevista vía Zoom, solicitó que no se publicaran detalles adicionales sobre los estudiantes y la escuela porque no quería ponerlos en peligro.En una señal de lo que depara el futuro, las estaciones de radio y televisión dejaron de transmitir música, excepto por canciones islámicas, aunque no está claro si el cambio en la programación fue el resultado de los edictos de los talibanes o un esfuerzo de las estaciones por evitar posibles problemas con los insurgentes.Sarmast, de 58 años, hijo de un famoso compositor y director de orquesta afgano, había solicitado asilo en Australia en los años 90, una época de guerra civil en Afganistán.En 1996, los talibanes tomaron el poder. El movimiento ultrareligioso prohibió la música por considerarla pecaminosa, con la única excepción de algunas piezas vocales religiosas. Las cintas de casete fueron destruidas y colgadas de los árboles.Pero después de que la invasión liderada por Estados Unidos derrocara a los islamistas, Sarmast soñó con una renovación. Tras obtener un doctorado en musicología, volvió a Afganistán y en 2010 fundó el Instituto Nacional de Música de Afganistán.Pronto llegaron donaciones de gobiernos extranjeros y patrocinadores privados. El Banco Mundial otorgó una subvención en efectivo de 2 millones de dólares estadounidenses. Casi 5 toneladas de equipos e instrumentos musicales (violines, pianos, guitarras y oboes) fueron transportadas en camiones, un regalo del gobierno alemán y de la Sociedad Alemana de Comerciantes de Música. Los estudiantes aprendieron a tocar instrumentos de cuerda tradicionales afganos como el rubab, el sitar y el sarod. El tambor de tabla estaba entre los favoritos."Fue una escuela increíble, todo era perfecto", dijo Elham Fanous, de 24 años, quien fue el primer estudiante en graduarse del instituto de música en 2014, luego de pasar siete años en la escuela."Me cambió la vida y realmente se lo debo a ellos", dijo sobre la escuela, que describió como LaGuardia de Afganistán, en referencia a una escuela secundaria pública en Nueva York especializada en la enseñanza de música y artes. Un visitante la llamó una vez "el lugar feliz de Afganistán"."No puedo creer que esto esté sucediendo", agregó Fanous desde Nueva York, donde recientemente recibió su maestría en piano de la Escuela de Música de Manhattan. También fue el primer estudiante afgano admitido en un programa de música universitario en Estados Unidos.Los músicos del instituto viajaron por todo el mundo para representar a su país, presentando un rostro diferente para un lugar conocido en Occidente sólo por la guerra y el extremismo. El propio Fanous tocó en conciertos en Polonia, Italia y Alemania.En 2013, la orquesta juvenil del instituto se embarcó en su primera gira estadounidense, presentándose en el Centro Kennedy y agotando el Carnegie Hall. Entre los miembros de la orquesta se encontraba una niña que no mucho antes estuvo vendiendo chicle en las calles de Kabul. En 2015 se creó una orquesta de mujeres llamada Zohra, que lleva el nombre de una diosa de la música en la literatura persa.En 2014, Sarmast asistía a un concierto en el auditorio de una escuela secundaria dirigida por franceses en Kabul cuando estalló una bomba enorme. Perdió parcialmente la audición en un oído y desde entonces se ha sometido a numerosas cirugías para eliminar la metralla de la parte posterior de su cabeza. Los talibanes se atribuyeron la responsabilidad del ataque suicida y lo acusaron en un comunicado de corromper a la juventud afgana.Eso sólo incrementó su determinación, y Sarmast continuó dividiendo su tiempo entre dirigir la escuela en Kabul y Australia, donde vive su familia.Hoy le duele cuando piensa en las melodías que una vez resonaban en los pasillos de la escuela y en las vidas de niños y niñas que han dado un giro drásticamente."Estamos todos destrozados porque mis niños, ellos habían estado soñando. Tenían grandes sueños de estar en el escenario más grande del mundo", dijo Sarmast. "Todos mis estudiantes soñaban con un Afganistán pacífico, pero ese Afganistán pacífico se está desvaneciendo".Aun así, se aferra a la esperanza y cree que los jóvenes afganos resistirán. También cuenta con la comunidad artística internacional para luchar por el derecho de los afganos a la música."Todavía tengo la esperanza de que a mis niños se les permita regresar a la escuela y continuar y disfrutar aprendiendo y tocando música", dijo.
Música de casamiento
No hay nada que me divierta más que la música de los casamientos. Reconozco que no tengo buen oído y estoy segura de que si me llegaran a leer los fans de Rolling Stone pensarían que soy una tilinga, pero me encanta la música cachengue y me mata este nuevo grupo Agapornis que remixea lentos bien melosos ( la versión de Adele me copa ). Repito: no tengo oído musical y a Martín le pone de muy mal humor cuando me pongo a cantar a los gritos algún "hitazo" en el auto. Pero disfruto de bailar con él y mis amigas estos temas de ayer y de hoy que más allá de sus letras básicas, se te "pegan" y te llevan bien arriba. Siempre fue así y así será en mi fiesta (o al menos eso espero).El casamiento de mi única amiga que se casó fue en diciembre y el dj fue Repila . Así que cuando llegó el momento de contratar la música los llamé a ellos para tener una entrevista.Quedamos para ir a las 19 (después del trabajo de ambos) y nos encontramos con Martín en una esquina a mitad de camino para llegar juntos.La reunión fue buenísima. Más allá de la buena onda de los chicos y de lo que nos ofrecían, en un momento me abstraje de la acción y me di cuenta de lo que estábamos viviendo. Nos vi a los dos súper compenetrados hablando de lo que queríamos para nuestra fiesta, la música que nos gustaba, los temas que no podían faltar. Fue el primer momento desde que había arrancado la organización en el que sentí que los dos nos habíamos subido al mismo barco y remábamos entusiasmados para el mismo lado.Las preguntas fueron miles (casi todas mías).-Si te digo que no pongas ni una marcha, ¿me vas a hacer caso? -Nosotros vamos a hacer lo que ustedes nos digan, pero te recomiendo que pongas un poco de todo. Igual si no querés marcha pesada podemos buscar la alternativa con las marchas de moda, tipo David Guetta -me respondieron.-Nosotros no queremos pista, ni damero, ni nada de eso...¿puede ser? -La pista sobre el piso está buena para delimitar el espacio de baile, pero ustedes deciden. Igual, no tienen un salón tan grande en el que sea necesario delimitar la pista entonces no es indispensable.-¿Nos pueden armar la canción de entrada que queramos? ¿Ustedes pueden remixar cualquier tema? -Sí, podemos mezclar más de un tema o remixar uno en particular. Eso lo armamos juntos 3 o 4 semanas antes del casamiento.No paraba... y al final Martín, que ya estaba quemado, pedía disculpas por lo pesada que me estaba poniendo. Todos se reían y contestaban pacientemente. Nadie negaba que yo estaba pesada pero no me importaba porque para mí la música es el gran ingrediente de la fiesta y no puede fallar. Cuando terminó la reunión, agotados, nos fuimos a comer a uno de nuestros restaurantes favoritos (justo estaba a la vuelta). Comimos una botana (variedad de comida mexicana) en Taco's Box. Brindamos con margarita y seguimos hablando del casamiento. Al principio estábamos un poco monotemáticos. Ahora intentamos mechar otros temas porque sino nos la pasamos hablando de lo mismo.¿Cómo imaginan la música en sus casamientos? ¿Les gusta la onda cachengue/ochentoso/reggaeton o van más por la marcha y el house? ¿Ya tienen dj? ¿Alguno para recomendar?Mery Bride merybride@gmail.comPD: ¡Gracias a Sebas Hulton, Loli y los chicos de Repila que me tuvieron muchísima paciencia desde la primera entrevista!
Truco para añadir música a sus historias de WhatsApp solo con ayuda de Spotify
Los internautas encontraron una forma de usar los recursos que ofrece el celular para lograr que las historias de WhatsApp salgan con música
Jairo festejó sus 50 años con la música, a un mes de la muerte de su esposa: un rito profundo y conmovedor
El trovador, junto a un público incondicional, transformó el repaso de su carrera en una celebración de la vida, el amor y el reencuentro.
Indignado, Iván de Pineda abandonó el estudio de Pasapalabra: "Apagá todo, cortá la música"
Pasapalabra (Telefe) continúa siendo un éxito de la mano de Iván de Pineda. Cada programa cuenta con figuras invitadas y nuevos participantes que logran cautivar a la audiencia, tanto en su emisión televisiva como en las redes sociales. Esta semana, una situación que se vivió al aire causó revuelo luego de que el conductor abandonara el estudio en plena transmisión.Uno de los juegos favoritos del ciclo es la famosa "pista musical". La premisa es simple: el presentador brinda una serie de pistas que incluyen un corte de audio de una canción y el primer participante que responde correctamente gana.La Voz Argentina: Lali Espósito sorprendió al revelar una íntima fantasía en pleno programaEl pasado 18 de agosto, uno de los temas que sonaron fue el de Akira (1988), la película de ciencia ficción japonesa de la cual Iván de Pineda confesó ser fanático.Connie Ballarini logró adivinar y cantar la canción a todo pulmón, provocando la euforia del conductor. "¡Viste! ¡Viste! Gracias a Mariano y a Nico por haber puesto a Akira aquí en una de las pistas", indicó, agradeciéndole a su producción."Akira, el que le gusta el manga y el ciberpunk... Akira la rompe", recomendó. En ese momento, Cae, quien escuchaba atentamente en un costado, interrumpió para hacer un chiste: "Yo siempre quise ver series animadas japonesas pero no me animé".Sin entender el juego de palabras, De Pineda preguntó: "¿Por qué no te animaste?". Enseguida, los gestos del cantante delataron la broma y el conductor comprendió que había quedado en offside. Abel Pintos estalló de risa en vivo por una frase de Jey Mammon sobre Gerardo RomanoAl darse cuenta, miró a cámara y comenzó a despedirse. "Apagamos el estudio, todo, eh. Apagá, apagá todo. Salinas, apagá todo. Claudio, cortá la música. Chau, chau. Chau, chicos, chau", expresó mientras que, en efecto, el equipo detrás de cámara cumplía con sus indicaciones."No te enojes. No me invitan más ahora", pidio Cae. "Volvé, no hay otro como vos", le rogó Anita Martínez. Unos segundos más tarde, el conductor volvió y se sentó en su lugar. Mirando a su invitado con una sonrisa cómplice, remató: "Muy bien, muy bien. Cae, animate, no seas tonto".
TV y música. De los videoclips a los reality shows: hitos y debacle de MTV
"No me interesa la televisión. Es un concepto aburrido", dice un joven sentado en la playa, con anteojos de sol y actitud canchera. Podría ser un adolescente de 2021, pero es uno de principios de los 80, retratado en el documental I Want My MTV.Ese desinterés por un medio que apelaba a los gustos de la generación de sus padres y a lo que se consideraba el público familiar estaba a punto de cambiar en 1981, con el desembarco de MTV, una señal de televisión por cable que proponía una programación centrada en videos musicales de bandas de rock.En sus 40 años de existencia (salió al aire en agosto de ese año), MTV estuvo al frente de dos revoluciones que se expandieron desde la televisión hasta alcanzar a toda la cultura popular y marcaron a dos generaciones distintas: la Gen X y los millennials (Y). Primero lo hizo con la idea original de emitir solo videos musicales, un formato con el que algunos artistas habían experimentado, pero que no era parte del mainstream. La explosión de los videoclips cambió la forma en la que el público se relaciona con los artistas y la manera en la que estos se dan a conocer, inaugurando una era en la que construir una estética propia resulta tan importante como la música que interpretan o componen. La industria discográfica vio modificadas sus prioridades y herramientas de marketing a partir de MTV.MTV cumple 40 años: el día que la música cambió para siempreTras poco más de una década de éxito, la crisis de los videos musicales y el recambio generacional condujeron a una transformación del canal. Así fue como MTV inició su segunda revolución: los reality shows. Con el estreno de The Real World y luego con otros programas similares, la señal masificó este formato que se convirtió en el imperante en la televisión en la década del 2000. Seguramente, las Kardashian no existirían si no fuera por MTV.Todo comenzó con una idea innovadora y un presupuesto modesto para afrontar la creación de un canal, cortesía de un joint venture entre Warner Media y American Express. Michael Nesmith, integrante del grupo The Monkees, que conocía bien las posibilidades de la unión de la música y la televisión, creó un programa de videos musicales, Pop Clips, pero no pudo vendérselo a ningún canal. Hasta que le llevó el piloto a John Lack, un ejecutivo de la Warner Amex Satélite Entertainment Company, a quien la idea de "radio en video" le pareció atractiva e hizo un prueba emitiendo Pop Clips en Nickelodeon, el canal infantil de cable de la compañía. Fue un éxito y, a partir de entonces, Lack lideró la creación de MTV junto con Bob Pittman, a quien había reclutado de la radio, en 1979, para trabajar en el incipiente sistema de televisión por cable, cuyo concepto central era tener señales especializadas.La presentación oficial, con imágenes del alunizaje; el canal cambió las herramientas de marketing de la industria discográfica (captura tv/)La medianoche del 1° de agosto de 1981 se vio el nacimiento de MTV, con una presentación con imágenes del alunizaje (que podían utilizarse sin pagar derechos) y luego la emisión de "Video Killed the Radio Star", de The Buggles. La elección de una canción con un título provocativo ("El video mató a la estrella de la radio") sugería una confianza casi delirante en el proyecto, como si quienes estaban a cargo de él adivinaran las transformaciones que la llegada de MTV provocaría en los artistas y en la industria musical. Sin embargo, los pioneros tuvieron que luchar contra el escepticismo y las dificultades para comprender el concepto de un canal de 24 horas de música. Sobre todo, se enfrentaron a ciertas limitaciones del cable, que recién comenzaba su expansión, con apenas algunos canales como el citado Nickelodeon, CNN y HBO.La comercialización de la señal costó mucho al principio. El plan de negocios era brillante: obtener programación gratis, ya que los artistas y las discográficas eran las que producían los videos, y vender publicidad. Pero había obstáculos que superar. Por un lado, la cantidad de videos no era suficiente para llenar todo un día de programación (tenían que repetirlos con demasiada frecuencia); por otro, no lograban conseguir anunciantes. El problema central para vender publicidad era que MTV no llegaba a una cantidad de público suficiente como para atraer a las marcas. Durante el primer año vendieron 500 mil dólares en publicidad y perdieron 50 millones de dólares, según consigna Ron Tannenbaum en una nota de Vanity Fair.Con un ultimátum de Warner Amex y dos millones de dólares que les dieron, Pittman apeló a sus contactos en el mundo de la música y encaró un intento desesperado en marzo de 1982: una campaña con músicos famosos. Mick Jagger, Pete Townshend y David Bowie, entre otros, se prestaron para decirles a los televidentes que exigieran a los operadores de cable la inclusión de la señal en la grilla, con una frase que se hizo famosa: "I Want My MTV" (Quiero mi MTV).La clase post MTV: conocé a la nueva generación de directores de videoclips"Eso trajo televidentes, lo cual llevó a más publicidad y videos nuevos de las compañías discográficas que estaban dispuestas a pagar la factura, porque la emisión en MTV garantizaba ventas de los discos -explica Tannenbaum, especialista en la historia del canal, en su nota en Vanity Fair-. El timing de la señal fue afortunado; 1984 fue uno de los mejores años en la historia de la música pop y casi cada hit tenía su video. Los presupuestos se dispararon (el rubro cocaína solía estar escondido como una factura de catering escrita a mano), la calidad de la producción mejoró y aparecieron los clichés: naves espaciales, motos, bandas posando en callejones con paredes de ladrillo, referencias a Mad Max y tantos, tantos, tantos enanos. Los videos difundieron por todo el país ideas no-normativas sobre el sexo, el género y el maquillaje de ojos, dándoles consuelo a los adolescentes gay, trans o inclinados al arte, que no se veían representados en otros canales".Así comenzaba una época dorada para los videos musicales. Según distintos entrevistados del documental I Want My MTV, en esa época inicial de la señal, los grupos británicos, como Duran Duran o Eurythmics, producían más videos y con mayor experimentación que los norteamericanos (el Reino Unido tenía cierta tradición de música en TV con el longevo ciclo Top of the Pops). Pero cuando el canal comenzó a tener mayor visibilidad y la relación rotación del video-venta de discos quedó confirmada, artistas y discográficas estadounidenses quisieron ser parte del fenómeno. Los videos se volvieron cada vez más creativos en su estética, con grandes ejemplos que utilizaron la animación como "Sledgehammer", de Peter Gabriel, realizado con técnica stop-motion en plastilina; o "Take on Me", de A-Ha, que combinaba animación con acción en vivo.Pero lo que iba a terminar de establecer a MTV fue el resultado de una polémica: la escasa presencia de artistas negros en su programación. Hubo un ida y vuelta de acusaciones, incluidas denuncias de Rick James y un cuestionamiento de David Bowie al aire en una entrevista en el propio canal; los ejecutivos decían que programaban solo rock y por eso no entraban los artistas de soul o R&B (aunque no era tan así). El tema se resolvió cuando MTV aceptó financiar parte del video de "Thriller", de Michael Jackson (oficialmente pagó por los derechos del making-of, ya que tenían una política estricta de no pagar por los videos). Protagonizado por el cantante, con la narración del legendario Vincent Price y dirigido por John Landis, el video era un divertido homenaje al cine de terror y una vidriera perfecta para convertir a Jackson en el rey del pop. "Thriller" fue un fenómeno que subió el valor de MTV y marcó la importancia de los videos en la carrera del cantante.MTV financió parte del video de "Thriller", de Michael Jackson, en tiempos polémicos por la poca inclusión de artistas negros (captura tv/)Madonna también fue coronada simbólicamente como reina del pop en la pantalla de MTV. Su presentación en la primera edición de los MTV Video Music Awards, en 1984, vestida de novia y cantando "Like a Virgin", con su estilo sexy y desenfadado, la propulsó inmediatamente al estrellato. Pocos artistas supieron aprovechar las posibilidades de la exposición que permitía MTV como Madonna: sus videos estaban pensados para generar polémica, como "Like a Prayer" o "Erotica", y para presentar al público cada una de sus nuevas encarnaciones (en sus looks y en sus ligeros cambios de estilo musical).La primera crisisPara principios de los 90, MTV ya no era una novedad y algunas de sus características propias, como el espíritu de rebeldía e innovaciones estéticas, fueron copiadas por otros. Sin embargo, eso no era lo más amenazante para el canal comprado en 1985 por Viacom.Es cierto: los videos se volvieron menos arriesgados y creativos por el férreo control que las discográficas ejercían sobre su producción. Esa necesidad de control surgía de la importancia que la emisión de videos en MTV tenía como herramienta de marketing y también por los presupuestos siderales con los que trabajaban, que pasaron de decenas de miles de dólares en los 80 a cientos de miles y hasta un millón en los 90. "Las discográficas se volvieron dependientes de MTV, absolutamente -dice el reconocido productor musical Rick Rubin, en el libro I Want My MTV: The Uncensored Story of the Music Video Revolution-. Toda su campaña de marketing era hacer un video caro, como si el hecho de que fuera caro resolviera el problema de no tener una gran idea detrás. Así que se hacían estas cosas caras y mediocres para que las emitieran por MTV y MTV se empezó a alejar. Causó una gran confusión. Es como que MTV cambió todo cuando llegó y cambió todo cuando se fue".Kurt Cobain en MTV Unplugged (Frank Micelotta Archive/)Pero existían otros problemas, como los cambios en los gustos de los jóvenes, que la señal debía resolver para continuar ocupando el lugar central en la cultura pop que supo conseguir. "MTV sabía que necesitaba cambiar el contenido que producía para este nuevo público joven, los millennials, y entonces el canal invirtió en un extenso estudio de mercado para descubrir lo que esta nueva demográfica podría desear. Uno de los descubrimientos clave fue que querían ser parte del contenido mediático que consumían", explica Amanda Ann Klein, en su libro Millennials Killed the Video Star (Los millenials mataron a la estrella del video).A fines de los 80 y principios de los 90, MTV seguía centrándose en los videos, presentados por VJ (video jockeys), que también hacían entrevistas a músicos. Además, se sumaron programas como Yo! MTV Raps, fundamental para llevar el hip hop a la pantalla; los especiales MTV Unplugged, con bandas tocando sus hits en versiones acústicas; y House of Style, sobre el universo de la moda, conducido por la supermodelo Cindy Crawford.La idea de incursionar en programas no guionados, que requieren un presupuesto menor que la ficción, sembró la semilla de la nueva revolución televisiva que encabezó MTV. La historia de los reality shows en los Estados Unidos puede remontarse a 1973 con An American Family, pero The Real World popularizó el formato, desde su estreno en 1992. El programa, creado por Mary-Ellis Bunim y Jonathan Murray, juntó a un grupo de jóvenes de orígenes diversos para que vivieran en una casa durante varios meses, mientras las cámaras registran sus interacciones y discusiones sobre temas candentes. El éxito de The Real World fue el puntapié para programas de otros canales que definieron a la TV del nuevo siglo, como Gran Hermano (originalmente creado en los Países Bajos en 1999) y Keeping Up With The Kardashians.El mismo año en el que The Real World inició la transformación de MTV de canal de música a reality shows, la señal se expandió a América latina (ya lo había hecho a Europa y luego llegaría a Asia). MTV latino comenzó como lo había hecho el canal madre, dedicado a los videos musicales presentados por VJ y replicó el éxito y el impacto en los adolescentes de la época (los Unplugged con artistas latinos fueron muy populares).Los videos siguieron teniendo su lugar predominante en MTV durante el resto de los 90, contribuyendo a la popularidad del grunge/rock alternativo (Nirvana, Pearl Jam, Smashing Pumpkins) y el hip hop. Hacia fines de la década, fueron clave en lanzar las carreras de los nuevos jóvenes del pop, como Britney Spears, Christina Aguilera, los Backstreet Boys y NSYNC; además de revivir las de estrellas del pasado como Cher y Tom Jones. En paralelo, The Real World siguió con varias temporadas (son 33 hasta el presente) y se fueron sumando más reality shows como Road Rules; series animadas como Beavis y Butt-Head y Daria; y otro tipo de programas, como el popular ciclo sobre la música de moda Total Request Live.A fines de los 90, fue clave en catapultar las carreras de nuevas figuras del pop, como Britney Spears (captura tv/)Los reality demostraron satisfacer las demandas de los jóvenes, que ahora tenían su propia MTV. Para 2000 ya casi no había lugar para la música en el canal, que fue copado por programas como: Jackass; Cribs -que mostraba las fastuosas casas de músicos y deportistas-; The Osbournes -centrada en la familia de Ozzy Osbourne-; Punk'd, un ciclo de cámara oculta conducido por Ashton Kutcher; el juego de citas Next; Jersey Shore; Catfish, dedicado a revelar la verdad sobre relaciones por internet, o 16 and pregnant y Teen Mom, sobre madres adolescentes, por nombrar algunos de los más populares."Fueron tan atractivos para el público millennial por la forma en la que las redes sociales, parte central de su experiencia adolescente, moldeó su aproximación a la intimidad y la manera de actuar en público", dice Klein, en su libro Millennials Killed the Video Star."Más visual y materialista"MTV había recibido críticas en los 80 y 90, desde diversos sectores de la sociedad y por distintos motivos: por los contenidos sexuales de los videos; por inculcar valores materialistas a los jóvenes, y por tener una influencia que algunos consideraban perniciosa en la industria musical. Con el predominio de los reality shows, se sumó la queja del público de la Generación X porque ya no había música, y abundaron las acusaciones de contribuir a una cultura concentrada en la fama y la riqueza.El rapero 50 Cent mostró su mansión en MTV Cribs, un programa muy cuestionado por la ostentación de la riqueza (captura tv/)"MTV tiene mucho de qué hacerse cargo -dice Sinéad O'Connor en el libro I Want My MTV-. Cuando aparecieron los videos el negocio cambió y se volvió importante cómo lucías. Se volvió más visual y materialista. O sea, hago a MTV completamente responsable de la cultura del bling (exaltación y ostentación de la riqueza). Eso comenzó cuando hicieron ese programa Cribs. Ahora tenés a toda una generación de gente joven que creció creyendo que la fama y la riqueza material son lo que importa. No tenés a jóvenes diciendo: 'Quiero ser cantante'. Dicen: "Realmente quiero ser famoso". Crearon una cultura de gente que siente que no son nada al menos que vivan en una casa enorme y tengan siete autos".Al enfrentarse a una nueva crisis a partir de 2010, con un nuevo recambio generacional, ahora con los centennials o la Generación Z, MTV se volcó a la producción de contenido guionado, siguiendo la pista del éxito que estaban teniendo las series. Sin embargo, no consiguió volver a ser el faro de la cultura popular que había sido hasta entonces.En los últimos años, su apuesta fue volver a sus reality shows más exitosos, pero en formatos breves y trasladándose a donde están los jóvenes: internet y las redes sociales. Los videos musicales siguen siendo una pieza importante en la difusión de los artistas, pero ahora su consumo se concentra en YouTube, Vevo y plataformas similares."Si hemos fallado en algo en el pasado, fue en preocuparnos demasiado por una plataforma. Ya sea que estás viendo MTV en tu teléfono o en la TV tradicional, lo que importa es ser una marca de cultura juvenil más que una plataforma en particular", dice Chris McCarthy, presidente de MTV, en una entrevista con Forbes. Según esa revista, McCarthy llegó a la señal con el propósito de mejorar su rendimiento después de que, entre 2010 y 2016, los ratings bajaran 50 por ciento en el grupo de 18-49 años y las ganancias se redujeran un 17%.A la nueva generación, igual que al chico de los 80 entrevistado en la playa, no le interesa la televisión. MTV se despegó de la música que le dio su nombre para sobrevivir y lo logró; ahora lo intenta alejándose de la televisión, su apellido.
Música para ascensores
Nació en la década del 20 con los primeros elevadores y durante un tiempo su género fue conocido como "Música Muzac": una batería de sonidos amables, diseñados para "ser oídos pero no escuchados". El "Easy Listening" se trasladó luego a los rascacielos de Nueva York y más tarde a las fábricas, los comercios, los consultorios. Actualmente, la música ambiente o melodía corporativa es utilizada por gamers que desean compañía sonora sin sobresaltos. Además de bajar apps, como Uhmmm, pueden seguir diferentes cuentas de YouTube que proveen un cordial mix de Jazz, Lounge o Bossa Nova en www.youtube.com/watch?v=tYBD-_WwFmk, www.youtube.com/watch?v=xy_NKN75Jhw o www.youtube.com/watch?v=55TD9gnMt3Y, entre muchos otras.
"Estamos destruidos". La industria de la música da batalla con los primeros shows en vivo
Con la pandemia todavía golpeando a la Argentina y ante la esperanza de que la campaña de vacunación (cada vez más avanzada) sea un trampolín que nos devuelva a los abrazos y pogos compartidos, la industria de la música se levanta de la angustia para dar batalla. El temor por la vuelta de las restricciones o por un cambio repentino de las reglas del juego asusta a los trabajadores de este sector, quienes solían reunir multitudes en aquellos rincones creados para vibrar en una armonía hecha de canciones. Algunos lograron reinventarse al compás de las habilitaciones y otros no pudieron con el virus. En este contexto, hay dos verdades que resuenan: está claro que no resisten otro golpe, pero más evidente aún es la certeza de que se niegan a colgar los guantes y darse por vencidos.Termina el show. El público se va y lentamente todos los que lo hicieron posible se unen formando un círculo. No se tocan. No se puede. Pero la conexión esta vez va por otro lado. Tienen los ojos empañados. De golpe, como si se vistieran de orquesta y estuvieran todos coordinados, van dejando caer las lágrimas. Uno de ellos es el dueño de S Music, Alejandro Varela, quien aquella noche de noviembre de 2020 experimentó su primer concierto en vivo tras meses de aislamiento. "Trabajamos en oficina, pero el corazón nos late cuando estamos en un concierto. La música no contagia coronavirus, contagia emociones, dice.En lo más profundo de su alma soñaba con nunca más volver a vivir lo que había tenido que transitar desde que el Covid-19 aterrizó en la Argentina. Sin embargo, las restricciones fueron y vinieron siguiendo el pulso que marcaron los contagios, y esa sensación de "nuevo comienzo" se repitió una y otra vez.El escenario de aquel reencuentro fue la Ciudad Cultural Konex. Al conversar con LA NACION, la gerenta de Programación y Contenidos del lugar, Noel Yolis, frena un momento a contemplar todo lo que sucedió desde aquel momento hasta hoy. Según destaca, tuvieron varios "primeros shows" porque la secuencia se repitió en otras etapas: con las restricciones que se fueron anunciando, volvieron a cerrar y volvieron a abrir; por eso, resalta que la emoción de esa primera vuelta que vivieron a fines del año pasado se fue "diluyendo" con el tiempo."Venimos muy golpeados. Si bien es verdad que pareciera que ahora nos acercamos más a una normalización, o por lo menos a una etapa donde se va a poder volver a trabajar mejor, la realidad es que la sensación es que no se puede proyectar nada, que hay que ir adaptándose día a día a lo que sucede y que hay que repensar todo el tiempo los planes de agenda y programación porque las variables van a ir cambiando permanentemente. Muchas salas todavía no abrieron porque tienen que rearmar sus planes. El panorama es dinámico y nadie tiene certezas de cómo van a ser las cosas en el mediano plazo", plantea.Ante esta incertidumbre, Varela lanza la premisa más triste: "La industria está destruida". Y sus palabras calan hondo porque nadie quiere pronunciarlas. Como manager de Los Nocheros, expresidente de EMI en Sudamérica, exvicepresidente de Sony Music y vocal de la comisión directiva de la Asociación de Managers Argentinos (ACMMA), parte de ese conocimiento para enfatizar cuán importante es dimensionar todo lo que hay alrededor del sector: "No todos los que hacen música cantan canciones". Exacto. Algunos montan y dirigen escenarios.Para él, la clave es que se sienten todos los actores con el Estado para ver cómo ayudar a que la emergencia cultural no termine de explotar. "No puedo ni saber cómo vamos a estar dentro de un mes porque la realidad nos pegó un cachetazo, pero cuando pensamos que estábamos en lo peor aparecieron cosas como las pequeñas habilitaciones. Nunca llegó a ser trágico, pero tampoco salió el sol".El regreso de los showsLa actividad musical se pone lentamente en marcha. El teatro Gran Rex tiene shows programados hasta noviembre. Por ahora, la mayor oferta se concentra entre finales de este mes y principios de octubre. Allí estarán La Beriso (por estar agotadas las funciones del 20 al 22 del actual, se agregó una para el 26) y Trueno, que sumó una nueva función para el 29. A partir de septiembre, Las Pastillas del Abuelo (1, 2 y 3), Las Pelotas (4 y 5) y Mau y Ricky (7, 8 y 9), entre otros. En octubre, Miguel Mateos (el 9), para festejar 40 años de la edición de su primer disco con Zas y, en noviembre, Juanse (el 11).En tanto, el Estadio Obras ya tiene fechas programadas hasta noviembre. Entre los espectáculos que se harán en El templo del rock se encuentra un show de Damas Gratis (el 5 de septiembre), el festejo de los 35 años de Los Auténticos Decadentes (el 18 de septiembre) y la vuelta -después de estar casi dos años ausente en los escenarios porteños- de Ricardo Iorio (el 10 de octubre). Además, el 20 de noviembre tienen previsto hacer allí el Encuentro Rocanrol del País.El Teatro Opera ofrece dos nuevos shows de Ciro y los Persas (8 y 9 de septiembre) tras haberse agotado las entradas para las primeras cuatro funciones. También estarán ahí Sergio Galleguillo (2 de octubre), Valeria Lynch con Mariano Martínez (el 9), Ahyre (el 15), JAF (el 17) y Jairo, que festeja 50 años de carrera (el 22).El Luna Park recién tiene fechas a partir de finales de octubre (Luciano Pereyra agendó una docena de funciones). Y el Movistar Arena cuenta con shows de Axel (el 28 de este mes), L-Gante (el 25 de septiembre), Soledad (9 de octubre), Abel Pintos (del 14 al 17 de ese mes) y Los Tekis (el 22). El Teatro Coliseo presenta en su cartelera a Massacre (el 18 de septiembre), a Raly Barrionuevo (el 25), que presenta su disco 1972; a Santiago Motorizado (el 29) y al pianista Horacio Lavandera (el 30) con músicas de Gershwin y Piazzolla. La agenda de octubre comienza con Emmanuel Horvilleur (el 2).Sentados: la nueva norma en los lugares donde todo era baileEn este contexto, algunos salones vivieron meses asfixiantes. Se trata de los locales clase C (que funcionan como sala de conciertos y boliche), como Niceto Club y Groove, que por mucho tiempo no estuvieron habilitados para hacer espectáculos, pero hoy transitan un resurgimiento. Uno de los socios fundadores de Groove, Juan Gerónimo Antognozzi, detalla cuál es la realidad de estos salones. En la ciudad de Buenos Aires este tipo de club nocturno ya puede hacer shows, aunque siguiendo un "protocolo estricto": solo pueden hacerlo con personas sentadas, y siempre y cuando tengan el permiso del Ministerio de Cultura y la autorización de la Agencia Gubernamental de Control (AGC). Por el contrario, "tanto en la provincia de Buenos Aires como en el interior del país, estos locales siguen sin poder hacer shows, no así los centros culturales y teatros que sí tienen habilitada la actividad".La esencia de estos dos locales de Palermo era el baile; hoy su público debe permanecer sentado. Pese a ello, y esperanzados por el nuevo panorama, desde Niceto están planificando la agenda para volver a hacer espectáculos en su salón principal, pero aún sin fechas confirmadas. "Se está armando la vuelta para empezar a abrir de a poco", celebra Sofía Conti, encargada de prensa del lugar. "La buena noticia es que, con las nuevas normativas, un poquito estamos viendo 'la luz al final del túnel' porque tenemos la oportunidad de volvernos a encontrar con el público. Hay limitaciones, pero lo vamos a intentar", añade.En un intento por graficar lo vivido, describen lo que transitaron como una gran "pelea". En esa batalla, uno de sus grandes pilares fue Niceto Bar, que -ubicado en frente a la sala principal- les permitió hacer conciertos íntimos y mantener así, aunque en menor escala, al menos una parte de su oferta musical en pie. En ese sentido, la productora general, Sabina Conti, agrega: "Tememos cerrar, pero no nos vamos a rendir. Niceto Club se merece un mejor final o transformación". Y, entonces, esboza una reflexión sobre el futuro de la industria: "Sentimos que la normalidad o 'el viejo mundo' no será igual cuando pase la pandemia. Qué queda y qué se va es la gran incógnita".A pesar de que no es un local "clase C", La Trastienda Club vivió algo similar: esta sala estuvo activa solo cuatro de los últimos 16 meses. "El escenario de incertidumbre que atravesamos este último año y medio fue la mayor dificultad que nos tocó enfrentar. Sin tener claro el panorama ni el horizonte, solo pudimos poner el esfuerzo en resistir y sostenernos", explica el director del lugar, Mariano Uccello, quien ve en los avances de la vacunación un puente hacia una mayor apertura. "Ahora nos toca poner el foco en la reconstrucción de la dinámica del espectáculo en vivo, y en restablecer el vínculo entre las tres partes que participamos de esa relación: artistas, público y sala. Queremos volver a generar esa mística porque de eso se trata: de momentos únicos que tanto extrañamos y que queremos volver a disfrutar", se ilusiona.La Trastienda tiene programados varios shows para los próximos días, como los de Los Espíritus, el 28 y 29 de este mes, y Turf, el 3 de septiembre.Vacunar para revivir la músicaOtro rincón que comienza a divisar un horizonte de música y shows es el Luna Park, porque el Covid-19 no dejó a ninguna esquina exenta de crisis, ni siquiera a esta histórica sala. Su administrador general, Hernán Barrionuevo, indica a LA NACION que el último año fue "durísimo", en especial por la imprevisibilidad para programar las fechas dado que "nadie firma un contrato por las dudas". El 9 de marzo y por iniciativa de sus propietarios (el Arzobispado de Buenos Aires y los Salesianos de San Juan Bosco)-, el Palacio de los Deportes empezó a escribir una nueva página en su rica historia: cedieron gratuitamente el predio para que se monte allí un vacunatorio, que funcionó hasta comienzos de este mes. Lo mismo sucedió con el Movistar Arena, el espacio más nuevo que posee la música en vivo en la Ciudad.A lo largo de sus casi 90 años de historia, el Luna ha sido siempre el reflejo de la realidad argentina, por lo que era de esperar que en medio de la pandemia también tomara un rol protagónico. De hecho, según Barrionuevo, fue el segundo lugar (solo superado por La Rural) donde se vacunaron más personas.Barrionuevo subraya que el clima entre los empleados es de gran optimismo y que -en todo este tiempo- no despidieron a nadie, pero confiesa que, entre los mitos que engloban al Luna, "hay algunas cosas inventadas como, por ejemplo, la fortuna del lugar". En ese sentido, destaca que, con este escenario financiero, ahora deben "empezar a caminar nuevo, partiendo de -10â?³. Y profundiza: "Después de 18 meses sin funciones, la situación económica del estadio como empresa no es buena. No estamos endeudados, pero estamos apretados".Sumado a esto, lamenta que, si bien podrían funcionar con un aforo del 50%, tienen una limitación de 2500 personas, cuando su capacidad es de 11 mil espectadores. Y revela: "No tengo temor de cerrar, pero es un peligro latente, aunque creo que lo voy a poder salvar".Lentamente, la cartelera del Luna vuelve a ser lo que era, con una oferta de shows que aumenta. Allí están los de J Mena, el 24 de septiembre; Asspera, el 9 de octubre y la serie de conciertos que Luciano Pereyra iniciará el 21 de octubre y que ya suma 12 funciones.El miedo a que suban las deudas y baje el telónLa sustentabilidad es el gran desafío de quienes dirigen los venues. Por eso, hay rincones como el Salón Pueyrredón que, al no poder convocar público por las restricciones, vieron sus deudas elevarse cada vez más y debieron tomar una cruda decisión: permanecieron más de un año cerrados. "Fue por el temor a acrecentar los gastos y no poder cubrirlos", cuenta su encargado, Gustavo Pueyrredón.Si bien cerrar definitivamente hubiera sido algo natural, dieron pelea y, en julio de 2021, reabrieron el lugar como sala de conciertos y teatro, ante la necesidad de volver al ruedo. Esa primera noche estuvo marcada por la cautela, dado que prefirieron "no hacer nada excepcional por lo acotado del aforo y para no generar expectativa": querían evitar tener que dejar gente afuera. Pero la prudencia no solo dominó la organización de aquel regreso, sino también sus sentimientos: "Fue lindo ver cómo se reutilizó, pero emocionalmente, lo vivimos con pinzas. Estamos viendo qué dificultades nos vamos encontrando para ver si tenemos la voluntad y las ganas de seguir, y si se puede sostener económicamente en esta 'nueva normalidad'".Para Varela, en el último tiempo, el universo de las canciones "solo se endeudó" porque es el sector más bastardeado de la cultura y, en ese contexto, sostiene que hoy los más perjudicados son quienes necesitan de los shows en vivo para trabajar (técnicos, personal de seguridad, cortadores de tickets y un largo etcétera). "Yo soy empresario: cuando me tocó ganar, gane y ahora me toca perder", resume. Y subraya: "Muchos cerraron y otros aún no sabemos si cerraron o no, porque todos creemos que van a abrir, aunque es muy difícil que puedan hacerlo. Lo que pasa es que vendemos un poco de fantasía y nos cuesta muchísimo asumir el estatus en el que estamos, pero llegó el momento. Tenemos que dejar de ser la industria que se pone los brillitos para salir".Esta crisis se refleja en el precio de las entradas y en que cada vez hay menos opciones de lugares donde realizar conciertos. ¿Se corre el riesgo de convertir la música en una industria de élite? "Siento que hoy ya lo somos. En función de los costos y las capacidades, los tickets no son caros, pero para el bolsillo de la gente son carísimos. Y en esa suba de precios no está reflejado todo lo que subió en costos la producción", dice Varela.Sobre este punto, Walter "El Tano" Cóccaro, programador del Caff (Club Atlético Fernández Fierro), añade: "Ya no se pueden poner precios populares, pero colaborar con la entrada en este momento es esencial. El poco aporte del Gobierno y la falta de políticas culturales están haciendo que desaparezcan los espacios. Nosotros, por ejemplo, estamos con una pandemia paralela, que es la del alquiler, y lo que nos resulta más difícil, además de manejar la ansiedad y la angustia, es juntar la plata para pagar estos gastos, los impuestos y los sueldos".En este contexto, y pese a los riegos que tiene esta decisión, emitieron un comunicado en el que anunciaron la suspensión temporal de su programación y esperan que, con el avance de la vacunación, "la primavera venga con aires buenos". Esta medida los pone en riesgo. De hecho, desde marzo de 2020, ven como una posibilidad que cierre este club "creado por músicos para músicos", aunque subraya: "Podrá cerrar el espacio físico, pero el nombre y el espíritu seguirán en la noche de Buenos Aires. No nos van a callar muy fácil. La resistencia garpa".La industria de la música, en númerosSi bien en un momento existieron ayudas estatales como el Programa de Asistencia de Emergencia al Trabajo y la Producción (ATP) o el Ingreso Familiar de Emergencia (IFE), no lograron revertir la crisis del sector porque hay una gran cantidad de empleados eventuales que solo aparecen si se hacen conciertos, por lo que la propia maquinaria musical debió asistirlos. Pero ya no tiene espalda para seguir haciéndolo por una sencilla razón que ya anticipó Andrés Calamaro: "No se puede vivir del amor".En una realidad donde la incertidumbre se volvió amo y señor, los rincones de la música ya no saben cómo pagar las cuentas para seguir sonando. Sin embargo, según afirma Varela -quien se define como un "militante de la música"-, no se trata de un problema que atañe a un gobierno en particular o que se puede atribuir cien por ciento a la pandemia, sino que lo que se vive trasciende a la coyuntura. Por eso, para él, la clave está en generar políticas culturales serias y sustentables a mediano y largo plazo. "Los presupuestos de cultura han sido destinados a hacer marketing de gestión, pero tu acervo cultural te define como país. Y en esto, la música es la industria boba porque es la única sin ningún tipo de fomento o incentivo estatal", opina."La cadena de valor de la industria involucra a nivel nacional casi a 500.000 personas", sostiene este especialista. Y puntualiza que un estimado del 60% sigue sin reincorporarse porque la reactivación que hubo en los últimos meses no los involucra. De hecho, a nivel nacional, están trabajando a un 10% de su capacidad porque la labor del artista es en la ruta y eso hoy es inviable. "No dan los números. Hoy hacemos shows para ocupar la cabeza más que para llenar los bolsillos".Entre todos los números, hay una cifra que marca a fuego a la industria: el aforo, que hoy es nuevamente del 50%. Nicolás Daniluk, coordinador general de la Cámara de Clubes de Música en Vivo, suma que en la ciudad "solo se contempla la ventilación forzada con un caudal requerido de renovación de 40 metros cúbicos por persona por hora". ¿Qué quiere decir esto? Que solo el 37% de los espacios (es decir, aquellos lugares que pueden garantizar este requisito) pueden aspirar a ese límite del 50%. El resto deberá conformarse con menos.Hacer viajar a la música: una estrategia jazzera para sobrevivirAl reflexionar sobre esto, Daniluk plantea cuán importante sería "lograr que, con el crecimiento del plan vacunatorio, el público vuelva a sentirse cómodo en espacios cerrados". Y añade: "En los espacios abiertos la gente ya se siente más suelta, pero no todos tienen patios internos, terrazas o la posibilidad de instalar mesas y sillas en las veredas". Ante esta realidad, surgió otra forma de adaptarse al coronavirus: mudar las canciones.Si esa estrategia se tradujera en un estilo, sin dudas sería el jazz. Hace un tiempo, después de 7 u 8 meses de estar cerrados, uno de los locales más emblemáticos de este género, Thelonius, salió a la vereda para sacar la música a pasear, "más como una resistencia cultural que como una motivación económica", explica Lucas Cutaia, quien abrió este club junto a su hermano Ezequiel en la primavera de 2000. "Estamos luchándola, siempre positivos y buscándole la vuelta", afirma.En una etapa posterior fue utilizando un patio trasero que hay en el lugar; allí, respetando la distancia social, entraban como máximo unas 28 personas. Pero el frío complicó las cosas y los llevó a hacer los espectáculos adentro, donde -en aquel momento- las restricciones permitían un aforo del 30%. Entonces, en su afán por alcanzar la bendita sustentabilidad del negocio, comenzaron a hacer dos funciones, incluso a pesar de que la restricción horaria los llevaba a adelantar los horarios.Cutaia celebra que, si bien cada noche hacen un listado de todos los presentes por si hubiera que avisar de algún contagio, en ningún momento tuvieron que activar ese protocolo: "No tuvimos ningún caso de Covid positivo. Venimos ilesos. Tengo esperanza de que estemos saliendo, pero fue muy duro. Es muy fácil hablar de lo que se debería haber hecho, pero por el nivel de endeudamiento, llegamos a pensar en cerrar. Ahora ya vemos luz en el camino".Las puertas de Bebop, el mítico club de jazz, cerrado desde marzo de 2020 (Alejandro Guyot/)Mutar. Salir. Reinventarse. Ese parecería ser el remedio. El club de jazz Bebop también buscó sobrevivir con esta receta y optó por salir a la calle. Su director propietario, Aldo Graziani, dice a LA NACION que, antes de la pandemia, eran "el club que hacía más shows por año: 500". Sin embargo, en 2020 se complicó todo. En marzo cerraron y, desde entonces, las luces allí permanecen apagadas. Pese a esto, encontraron una forma de mantener el espíritu encendido al mover la marca y hacer "Bebop Sessions" en la terraza del restaurante Aldos, en Palermo. Su esperanza para recuperar "la vida de club" está centrada en la vacuna, pero el futuro aún es una gran incógnita: "Estamos viendo si Bebop seguirá en el mismo lugar, si mudarlo o si podremos volver a abrirlo", cuenta Graziani.En el fondo, el riesgo es perder la cultura y su legadoLa música refleja a la sociedad y es un elemento clave de su idiosincrasia. Por eso, al hablar de cultura nacional es imposible no detenerse unos minutos en el tango. En esta materia, uno de los emblemas es el mítico Centro Cultural Torquato Tasso, porque este espacio no solo se ofrece como escenario sino también como refugio para el tango de ayer y hoy. "Es un lugar muy sincero en cuanto a la programación. Ahí hay productos que tal vez no son mainstream, pero que tienen mucho que ver con el ADN porteño y nacional", explica el responsable de prensa, Rodrigo Sujodoles.Según advierte, "el problema de que cierren este tipo de lugares es que son más que solo una sala de música y se tarda muchos años en construir uno igual". Conscientes de lo que significaría que eso suceda, durante todos estos meses de pandemia, esta sala de San Telmo intentó buscar alternativas para sobrellevar la situación. Hoy ya están activos, con un aforo del 30%, e intentando enaltecer su propuesta, desde una programación "bien tanguera", aunque abierta también a otros géneros.A 10 minutos de este club está el Coliseo: "un nuevo teatro, más de un siglo de historia". Al recordar lo que vivieron desde que se decretó la cuarentena, Elisabetta Riva, la directora General y Artística del lugar, suelta la palabra más fuerte: "luto". Como si algo hubiera muerto en medio de tantas incógnitas. De todos modos, recuerda cómo esa sensación fue migrando hacia la resiliencia.Para ella, el camino hacia la vuelta será largo, "pero hay que arrancar", y sostiene que -para ello- es necesario que haya "mucho diálogo entre las partes para encontrar nuevos modelos de negocios porque, con los bajos aforos, no es fácil encontrar la sustentabilidad de la actividad".Riva celebra que, entre tanta angustia, este salón haya podido contribuir -con el ciclo "Coliseo online", que hicieron por streaming- a dejar un testimonio de la época (al fin y al cabo, ese es la esencia de la cultura); pero resalta que una de las cosas más tristes en estos tiempos es "ocuparse de que nadie sea abandonado por la pandemia porque el teatro, más que una empresa o un trabajo, es una elección de vida". Esta es una convicción con la que todo el sector parece estar contagiada, aunque acá no haya un PCR para confirmarlo.Streaming sí, streaming no, esa es la cuestiónSi bien los conciertos virtuales pueden resultar insulsos porque -entre otras cosas- se pierde la mística de recorrer estos rincones, está claro que peor es no tenerlos y apagar la música. Por eso, aunque para algunos es una solución artificial que no le sirve a nadie, otros le ponen un "10â?³ en su rol de suplente. Varela ve aquí una alternativa para los tiempos donde el frío marca el pulso. Según cree, vinieron para quedarse porque le permite al artista "llegar a lugares a los que no hubiera podido llegar".Para Verónica Fiorito, directora General del Centro Cultural Kirchner, es esencial "entender el lugar que ocupan los bienes culturales en una situación de crisis mundial como la actual". En sus palabras se ve un punto de unión con Varela, dado que ambos destacan que la virtualidad nació como un modo de adaptarse a lo que la realidad exigía, y permitió "romper límites geográficos" y ayudar a que las "expresiones artísticas puedan llegar a pantallas y medios electrónicos de cada ciudadano"."La relación entre el artista y su público es un lazo indestructible. Nuestro mayor objetivo es generar espacios donde confluyan, y alentar y fortalecer esas redes de unión para seguir cultivando una cultura más diversa e inclusiva", dice. Por eso, cree posible la permanencia de un sistema bimodal. "Lo virtual no reemplaza a lo presencial, sino que se complementan con un mismo fin: difundir nuestra diversidad cultural y su riqueza artística".Con el estallido del coronavirus, por largos meses se apagaron los micrófonos y la música dejó de ser un lugar de encuentro. Los barbijos conquistaron todo y los espacios que albergaban canciones apagaron la luz y se atrincheraron para aguantar. Todavía están golpeados, pero dan pelea en cada round y salen a la cancha. Como pueden. Como este virus permite.Son rincones que sonríen para la foto pero lloran a escondidas. Rincones que cierran. Rincones que dejaron de ser canción para ser recuerdo. Son rincones que resisten. Saben que no se puede vivir sin música.Edición: Sebastián Espósito
Alejado de la música, John Deacon, creador de grandes éxitos de Queen, cumple 70 años
El exbajista de Queen, John Deacon, cumple hoy 70 años. Retirado de la industria de la música desde 1997, la ex estrella de rock es el autor de varios de los grandes éxitos de la mítica banda liderada por Freddie Mercury. En su día, el artista recibió los saludos de dos viejos compañeros: Brian May y Roger Taylor.Mientras estos últimos continúan actuando como Queen, Deacon vive una vida tranquila en el suroeste de Londres, y el dúo no ha visto a John en años, aunque ambos quisieron desearle hoy un feliz cumpleaños para rememorar sus años dentro de la mítica banda. Para ello, recurrieron al espacio de las redes sociales.La nueva vida de Magali Moro en un paraíso azteca: "Era más complicado mudarme a la zona norte que venir a México"May publicó en su cuenta de Instagram un retrato de John tocando el bajo, imagen que responde a una pintura de Nenu Arts, y escribió: "¡Feliz cumpleaños, Deacy! Y gracias por este hermoso retrato de él". Por supuesto que el guitarrista no pudo arrobar a su excompañero, que no tiene cuenta -al menos pública- en la red social. View this post on Instagram A post shared by Brian Harold May (@brianmayforreal)Taylor eligió para la ocasión una foto en la que él y Deacon fueron retratados durante el apogeo de Queen y la compartió en sus historias de la misma red social. "Feliz cumpleaños, John", apuntó el baterista de 72 años.Deacon lideró el podio de los bajistas más famosos del mundo en los 80, tiempos en los que afirmaba: "Pensaba que iba a estar en una banda, cinco, diez años a lo sumo. No puedo pensar en un futuro sin el grupo, sería aburrido". El cuarto integrante de Queen, el último en entrar al grupo, el creador de éxitos de la banda, era una especie de arma secreta. Su bajo perfil, frente a las grandes personalidades de Mercury, May o Taylor, funcionaba como un elemento pacificador dentro de un grupo de egos tan creativos como explosivos.El saludo de Roger Taylor a John Deacon en su 70 cumpleañosSu forma de tocar el bajo, persistente en la construcción del groove y en su fraseo de las líneas melódicas, lo ubicó en el puesto 32 de los mejores bajistas de la historia del rock según la revista Rolling Stone.Su personalidad sin estridencias y su interés por la música pop sumó al grupo un equilibrio necesario al sonido general de la banda, que se paraba sobre el temperamento vocal de Freddie Mercury y la pared de sonido rockera que armaban Roger Taylor en la batería y Brian May en la guitarra.Deacon siempre fue el muchacho tímido de pocas palabras, que nació y creció en Leicestershire, ciudad de nobles y reyes donde está la tumba de Ricardo III. El destino parecía signado para este hijo de un corredor de seguros, quien lo incentivó en la música. Su muerte temprana cuando tenía once años, al igual que la de Freddie Mercury quien lo impulsó a componer canciones dentro de Queen, de alguna manera marcaron su vida y acentuaron su personalidad apocada.A pesar de su bajo perfil, Deacon resultó imprescindible en la trayectoria del legendario grupo y es el autor de hits como "Another One Bites the Dust", "You're My Best Friend", "I Want to Break Free", "Spread Your Wings" y la balada "Friends Will Be Friends", esta última en colaboración con Mercury, entre otras. También fue el creador de la famosa introducción de bajo del tema "Under Pressure".En 1997, Deacon se alejó definitivamente de los escenarios, los estudios de grabación y de sus excompañeros musicales. Brian May suele repetir que no tiene contacto con él desde hace más de una década. Por su parte, Roger Taylor aseguró tiempo atrás: "Está completamente retirado de cualquier tipo de contacto social. Creo que es un poco frágil y simplemente no quería saber nada sobre hablar con la gente en el negocio de la música, o lo que sea. Respetamos eso".Brian May confirmó que evalúan una secuela de Bohemian Rhapsody
Horror en el jardín de infantes: el profesor de música negó haber abusado de dos alumnas
En una extensa declaración indagatoria, de casi dos horas, el profesor de música acusado de haber abusado sexualmente de dos niñas de cuatro años que concurren a un jardín de infantes de la obra Don Orione, de Victoria, San Fernando, negó las imputaciones en su contra.Así lo pudo reconstruir LA NACION de calificadas fuentes judiciales. Después de la declaración indagatoria del sospechoso, la fiscal Bibiana Santella, funcionaria a cargo de la investigación, le solicitó al juez de Garantías de San Isidro Esteban Rossignoli convertir en detención la aprehensión del imputado. El magistrado deberá resolver durante las próximas horas.El profesor de música, de 41 años, está imputado de abuso sexual de un menor de 13 años (en dos oportunidades) agravado por haber sido cometido por la persona encargada de la guarda y la educación de las víctimas, para el que se prevé una pena de entre tres y diez años de cárcel. Los hechos investigados habría ocurrido en el Jardín de Infantes San José, perteneciente a la Obra Don Orione.La denuncia que dio origen a la investigación fue presentada el sábado pasado en la Comisaría de la Mujer de San Fernando, dependencia que funciona en la localidad de Virreyes, en el denominado Complejo Carolina Aló, en homenaje a la joven asesinada de 113 puñaladas por su novio, Fabián Tablado."Se presentaron dos madres de dos niñas que cursan la Sala Amarilla del Jardín de Infantes San José. Una de las mujeres hizo la denuncia y la otra declaró como testigo", sostuvo una fuente del caso.Según la denuncia, los abusos habrían ocurrido el lunes 9 de este mes. El profesor de música imputado concurre al establecimiento educativo los días lunes y viernes.Después de entrevistas a una de las víctimas, una psicóloga del Ministerio Público Fiscal determinó que la niña no está, por el momento, en condiciones de declarar en Cámara Gesell. La otra menor será entrevistada mañana.