música

Ángela Aguilar se ilusiona con boda religiosa en 2026 y Nodal promete "un chin.. de música"

La pareja más mediática del regional mexicano celebró el cumpleaños 27 del cantante con tres días de festejos en Zacatecas

Música para Volar y un viaje sensorial a 30 años del Unplugged de Soda Stereo

La agrupación celebra la música del trío con un show que recupera el sonido de ese concierto y lo complementa con fragmentos seleccionados de las películas de Stanley Kubrick. Todo un evento para fanáticos viejos y nuevos que podrán disfrutarlo en febrero en el ND Teatro. Leer más

La industria de la música hará sentido homenaje a Yeison Jiménez: "Vamos a despedir al viejo como se merece"

El impacto por la pérdida del artista se vio reflejado en las muestras de afecto de colegas y amigos

Otro cantante de música popular tuvo un accidente en la misma pista que Yeison Jiménez: sufrió un "pinchazo"

El aeropuerto Juan José Rondón de Paipa, escenario de dos episodios que marcaron la vida de dos referentes de la música popular colombiana

Sebastián Ayala tuvo un accidente de tránsito: el cantante de música popular mostró que su carro quedó destrozado

En una historia de Instagram, el artista de música popular contó cuál fue el susto que pasó en las carreteras de Colombia y cuál es su estado de salud

Un muerto en festival de música electrónica en Tulum

Un ataque armado registrado en las inmediaciones de un evento masivo en Quintana Roo activó un operativo de seguridad y una investigación por homicidio

Además de la música popular, Yeison Jiménez también se le midió a cantar otros géneros musicales: desde La Etnnia hasta Diomedes Díaz

El artista caldense, que falleció en un accidente aéreo en Boyacá, compartió en varias ocasiones su gusto por otros estilos musicales diferentes al género en el que fue reconocido en Colombia

La noche en la que Beethoven estrenó la 9° Sinfonía y convirtió la música en un himno universal de fraternidad

Aislado por la pérdida del oído, atravesado por la inestabilidad política de su tiempo y marcado por conflictos íntimos, el compositor alemán llevó al límite la forma sinfónica

Yeison Jiménez mostró admiración por México y su música

En entrevistas el cantante colombiano siempre destacó la hermandad cultural que tienen ambos países

Equipo de Yeison Jiménez despide al artista: "se va físicamente, pero su legado se queda en la música y en el corazón de su gente"

La organización expresó solidaridad con las familias de los fallecidos y agradeció a seguidores, colegas y medios por sus mensajes de apoyo, destacando la trayectoria del artista y la necesidad de respetar la privacidad durante el duelo

Las canciones icónicas de Yeison Jiménez: unieron generaciones en torno a la música popular

La tragedia ocurrió cuando la aeronave en la que viajaba el artista, junto a cinco personas de su equipo y el piloto, se estrelló entre Paipa y Duitama, truncando así una carrera marcada por logros internacionales y legado musical

Murió Yeison Jiménez: Los premios y distinciones que ganó el cantante de música popular

El siniestro se registró en la vereda Romita, sobre la vía entre Paipa y Duitama, en Boyacá. Ninguno de los tripulantes sobrevivió

Murió Yeison Jiménez: trayectoria y vida del cantautor que marcó la historia de la música popular en Colombia

El artista, reconocido por su trayectoria en el género popular y su influencia en Colombia y otros países, murió en un siniestro aéreo ocurrido entre Paipa y Duitama, donde viajaba a bordo de una aeronave privada con otros cinco ocupantes

Desfiles, música y un gran ambiente de hermandad en el día grande de Pingüinos

'Música de Película' presenta un emotivo recorrido por bandas sonoras icónicas como 'Rocky', 'Superman' y 'El Padrino'

El concierto presentará bandas sonoras recordadas del cine y la televisión, con una orquesta de cámara y coros en vivo. Renzo Dalí lidera una propuesta sensorial que une generaciones a través de las melodías más recordadas del séptimo arte y la pantalla chica.

Disputas millonarias, acusaciones de plagio y choques por IA: así se vive la batalla legal de la música en 2026

Grandes figuras del espectáculo, sellos discográficos y nuevas tecnologías se ven envueltos en procesos judiciales que desafían las reglas tradicionales de la industria, abriendo interrogantes sobre el futuro creativo y financiero del sector musical global

Parlantes resistentes al agua: los mejores para escuchar música en la pileta o llevar de vacaciones

Cuentan con una protección especial y se conectan al celular por Bluetooth. Todos los precios, modelo por modelo.

Sereno de Lince fue golpeado por un parqueador tras pedirle que bajara la música y no tomara alcohol en la calle

La agresión se produjo cuando el trabajador municipal intentó dispersar a un grupo que alteraba el orden en la vía pública, lo que llevó a la fuga del responsable y a la apertura de una denuncia formal

León Gieco y Mercedes Sosa: cómo suenan las reediciones de dos grandes artistas de la música popular argentina

La canción "Solo le pido a Dios" es muy fácil de reconocer porque su autor, León Gieco, liga cuatro notas con un rasgueo en el comienzo del tema, de un modo muy característico de su estilo. Por eso apenas arranca uno sabe que se trata de aquella canción emblemática de la Argentina y de la música popular latinoamericana. Lo mismo sucede cuando comienza a sonar la armónica. No hay manera de equivocarse al momento de escucharla. Nadie podrá dudar de qué canción se trata.También es curioso cuando los intérpretes se adueñan de canciones que no les pertenecen, por puro acto de fe en ellas (además del talento que tienen para interpretarlas). ¿Cuántas veces se escuchó decir: "esa canción de Mercedes Sosa"? A veces pasa, sin detenernos a pensar en que ninguna de esas canciones que cantaba fueron escritas por ella.A finales de 2025 se publicó una grabación de Mercedes Sosa, de 1980, y se reeditó un álbum de León Gieco que mucho hablan de todo esto.La versión original de "Solo le pido a Dios" no es como la que estamos acostumbrados a escuchar. Pero es igualmente bella. Salió publicada en 4° LP, álbum que Gieco lanzó en 1979. Es el primer tema del álbum. Solo se escucha su voz, su guitarra y un bandoneón. Se nota que no fue una reunión demasiado estudiada. Sí, se nota que el bandoneonista seguramente se encontró con la canción el mismo día que fue grabada y puso allí su magia. Los archivos dicen que ese músico era nada menos que Dino Saluzzi. El fueye del gran Dino generó un diálogo, primero con la guitarra, luego con la voz, y finalmente dibujó el motivo que luego Gieco adaptó a su armónica, tiempo después.4° LP es uno de esos discos editados hace más de cuatro décadas por Music Hall que fueron rescatados por el Instituto Nacional de Música (Inamu). En este caso, a través del sello DBN, se relanza en vinilo remasterizado por Gustavo Gauvry y con fotografías inéditas de Rubén Andón, restauración del arte de tapa de Pali Muñoz y la curaduría de Bernabé Cantlon y del propio Gieco. La cuarta producción de León trajo, en ese último año de la década del setenta, una mirada muy personal, por varios motivos. Por un lado, su espíritu rockero quedaba atravesado de una manera mucho más evidente por la música folclórica argentina. Por otro, una temática que terminaba de tallar su perfil de cantautor. Si lo quisiéramos analizar desde estos tiempos (aún con todos los yerros que eso conlleva), veríamos que se trata de un disco contado en primera persona pero que, lejos de ser es un paseo por el ego artístico, rescata la vida de diversos personajes. El hombre que le implora a Dios que la Argentina y Chile no entren en guerra (no lo dice con esas palabras, pero ese fue su contexto de época). La incertidumbre de pensar en otro hombre que no tiene con quién (y quizás tampoco porqué) brindar en una Navidad. El ser humano desclasado (los que tengan edad suficiente entenderán la palabra "croto"). El despojo del inmigrante. También habla de "ojos que tienen miedo", de "continentes en silencio", "del grito de los perdedores, que es sordo y mudo". "Dejate atravesar por la realidad y que ella grite en tu cabeza. Porque es muy malo dejar pasar por un costado a la historia ésta". Para aquellos años, esa frase era toda una provocación. Porque en la lectura lineal de ese tiempo de la Argentina, los versos eran entendidos como "canción de protesta".Claro que había otra manera de entenderla. La respuesta estaba a miles de kilómetros de allí. En 1980, cuando Mercedes Sosa llevaba un par de años de exilio en Europa, participó en un especial de televisión en el que le hicieron una breve entrevista y luego ofreció un repertorio exquisito, solo acompañada por su bombo y por la guitarra de Nicolás "Colacho" Brizuela. Canto obras de Atahualpa Yupanqui, Violeta Parra, María Elena Walsh y César Isella, entre otros. Terminó siendo un concierto didáctico, porque hizo una introducción antes de cada canción, para ponerla en su contexto, y porque la intimidad de esa actuación puso de manifiesto todos los matices que se podían encontrar en su voz, en la medianía de su historia artística. Una Mercedes Sosa de 45 años que, además de conservar la frescura de sus años de juventud, cuando se hizo famosa en los escenarios del folklore argentino, también comenzaba a mostrar la calidez en el registro más bajo de su cuerda. Lo significativo de la actuación fue que todo aquello que dijo (y no solo lo que cantó) tuvo su importancia. "Es difícil defender esta canción porque es una canción solidaria con el problema del hombre, pero, además, de profundo amor. Me niego a etiquetarla como mera canción de protesta. Tiene la profundidad que habla del pueblo, representa a mi gente. No puede ser sometida. Y si en algún caso es prohibida pero está en el corazón del pueblo, no puede ser olvidada, nunca más.""Canción con todos", "Serenata para la tierra de uno", "Como la cigarra", "Antiguo dueño de las flechas", "Gracias a la vida" y "Chacarera de las piedras" son algunas de aquella decena que cantó a modo de síntesis de su perfil artístico, ese que había comenzado a forjar ya desde principios de los sesenta, con sus primeros álbumes y su participación en la gestación del Manifiesto del Nuevo Cancionero.Aquella actuación no es un hallazgo; circula en plataformas como Youtube desde hace mucho tiempo. El propósito de quienes preservan su legado (sus nietos Araceli y Agustín Matus, desde la Fundación Mercedes Sosa) no fue presentarlo como una novedad sino ponerlo en el marco que merece. Es decir, dentro de la discografía oficial de la cantora. "Cuando falleció la abuela creamos la fundación, que estaba inicialmente más enfocada como centro cultural -cuenta Agustín Matus-. Con los años comenzamos a hacernos más responsables del legado, del acervo físico, de lo discográfico. A partir de 2020 comenzamos a tener el control que no teníamos de cosas que estaban en Youtube, por ejemplo. Porque nuestra idea es poner en orden todo el material, con la mejor calidad. En algunos casos no fue hecho con discográficas como Sony o Universal. Te podés encontrar con materiales que fueron pirateados o explotados por terceros".Con este trabajo en particular primero se hizo un lanzamiento de 2022 y luego, gracias a la participación Conrado Silvela, en diciembre último fue relanzado con un minucioso trabajo de remasterización y con un arte de tapa que refleja el contexto en el que fue hecha aquella grabación. De este modo, se convierte en un disco "oficial" del catálogo y termina siendo preservado por el testimonio que representa. Como se dijo, artístico, en primer lugar, pero también como síntesis de lo que venía realizando Mercedes Sosa, puesto en el contexto de su época y del presente de la cantora en ese tiempo."Sintetiza su tiempo en un repertorio determinante, combativo y poético. Y, como ella decía, en un momento que tuvo que aprender a pararse frente a otro tipo de público", completa su nieto.

Café Tacvba pide eliminar su música de Spotify: la IA es uno de los motivos

Rubén Albarrán, líder de la banda, también acusa a la app de prácticas financieras incompatibles con los valores de la agrupación

Con música de Miranda, la Policía de Córdoba lanzó un nuevo spot con recomendaciones

El original video difundido en las redes sociales menciona algunos consejos para disfrutar de la temporada de verano en Córdoba. Leer más

El festival Retina de música y cine salta en su novena edición a Madrid y Barcelona

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Christian Nodal revela su opinión sobre la música de Juan Gabriel tras ver el documental

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Café Tacvba exige a disqueras a retirar toda su música de Spotify y llama a boicot

La agrupación busca que su decisión sea entendida como una forma de resistencia

Con sonrisas y lágrimas, Song Sung Blue es un gran tributo a la música de Neil Diamond

Song Sung Blue: sueño inquebrantable (Song Sung Blue, Estados Unidos/2025). Dirección y guion: Craig Brewer. Fotografía: Amy Vincent. Música: Scott Bomar. Edición: Billy Fox. Elenco: Hugh Jackman, Kate Hudson, Ella Anderson, Hudson Hensley, King Princess, Michael Imperioli, Jim Belushi. Duración: 131 minutos. Distribuidora: UIP. Calificación: apta para todo público. Nuestra opinión: muy buena. El primer acierto (hay unos cuantos más) de Song Sung Blue es haber mantenido para el estreno en la Argentina el título original, obviamente extraído de una de las canciones más populares de Neil Diamond, una de las tres figuras estelares de este relato rebosante de sonrisas y lágrimas. El creador de "Sweet Caroline" no aparece en un solo fotograma, pero su extraordinario talento como eterno creador de hits aparece presente en todo momento marcando el pulso de la vida de los dos verdaderos protagonistas: Mike y Claire Sardina, Lightning y Thunder, la modesta pareja de Milwaukee que tuvo en los años 80 y 90 su pequeño momento de fama honrando el repertorio de Diamond a través de una "experiencia musical" completa. Queda claro que es imposible traducir de manera exacta "Song Sung Blue", una canción en apariencia triste que en el fondo encierra un mensaje alegre y optimista, tal como lo cuenta desde el principio mismo de la historia Mike (Hugh Jackman), mecánico de profesión, alcohólico recuperado e imitador profesional de cantantes famosos. De entrada vemos cómo un golpe de suerte termina alejando a Mike de la sombra de Elvis (que siempre tuvo imitadores de sobra) para acercarlo al mucho menos frecuentado Diamond. En ese mismo momento conoce a la mujer de su vida, Claire (Kate Hudson), una peluquera divorciada y madre de dos hijos que integra la troupe de solistas y bandas tributo homenajeando a Patsy Cline, una de las heroínas trágicas de la historia del country. La química entre ambos es inmediata y muy apreciable durante toda la película. Un predicador de baresLa muy precisa puesta en escena de Craig Brewer construye toda la historia a partir de esa revelación. Retrata a Mike como un creyente que de a poco va asumiendo como si fuera un predicador de bares y karaokes las grandes canciones del corazón con espíritu gospel compuestas por Diamond. Con un optimismo a toda prueba y su carisma de gran estrella, Jackman se adueña del personaje de la mejor manera. Disfrutamos al verlo elegir a Diamond (o, mejor dicho, a su música) como eterno acompañante de un camino hacia adelante que se propone superar todas las adversidades, rubricado en cada nuevo festejo de cumpleaños con la sobriedad. Desde su espléndida voz de barítono, el actor australiano se adapta a la perfección al mejor repertorio de Diamond, que arranca siempre con el himno "Soolaimon". A su lado, Hudson entrega por lejos el mejor papel de su carrera. Su interpretación también resume los propósitos de esta película, que retoma una tradición clásica del cine estadounidense últimamente bastante descuidada: la crónica de las vidas de personas comunes y corrientes, con hábitos que ciertas miradas prejuiciosas podrían considerar vulgares y una vida llena de desgarramientos familiares y quiebres afectivos. Pero al mismo tiempo estos seres son capaces en todo momento de sostener el optimismo, sobrellevar las rupturas y creer en un destino más feliz del que les toca. Es imposible no experimentar desde la butaca una identificación emocional con los personajes desde un lugar de genuina empatía, acompañando sus logros y conmoviéndonos con sus desgracias siempre desde un lugar de emotividad sin manipulaciones o golpes de miserabilismo. En el retrato de los hijos de los dos protagonistas se sostiene con mucha convicción esta postura. Solo podríamos reprocharle a Brewer haberse tomado quizás más tiempo del necesario para contar esta aventura. Song Sung Blue reivindica a Diamond, un artista demasiado ligero para los rockeros (hay una afirmación muy divertida al respecto en la trama) y demasiado profundo para el mundo pop. Y también es toda una gran declaración en defensa de las bandas tributo. La mejor escena del film, en la que talla fuerte nada menos que Eddie Vedder, lo deja bien a la vista.

Willie Nelson celebra la vida y la música a los 92 años: "Todavía me sorprendo de poder cantar"

El legendario Willie Nelson repasa su increíble recorrido, desde su infancia rural hasta sus recientes colaboraciones, y revela cómo la gratitud, la familia y la música lo mantienen activo y optimista a pesar del paso del tiempo

Sergio Pujol: "Me interesaba saber qué nos dice la música sobre la historia"

El autor indaga, contextualiza, desarma y vuelve a armar el largo recorrido tanguero vinculado con lo social. "Quería conectar vidas y obras con tiempos históricos", señala.

Piqué ignoró a sus fans y ellas respondieron con la música de su ex: "Esta va por ti, Shakira"

Las jóvenes fueron criticadas por gran cantidad de internautas que no aprobaron su acción, aunque miles las apoyaron

En vigor: la nueva regla que limita el volumen de la música en bares y restaurantes de Carolina del Norte

A partir del 1° de enero de 2026, las fiestas ruidosas tienen límites más estrictos en Carolina del Norte. Una nueva normativa aprobada en la ciudad de Raleigh regula el volumen de la música en bares y restaurantes. Quienes no la cumplan podrán recibir multas y sanciones severas.Qué dice la nueva regla que limita el volumen en bares y restaurante de Carolina del NorteSegún informó The News and Observer, el Ayuntamiento de Raleigh aprobó en octubre de 2025 una ordenanza que fija límites concretos de decibeles para bares y restaurantes, dejando atrás el criterio anterior basado en la "persona razonable".La normativa aplica exclusivamente a establecimientos comerciales y varía según la zona y el horario, con el objetivo de reducir el ruido durante la noche y la madrugada, especialmente en áreas residenciales.Zonas con límites especiales de ruidoUno de los puntos clave de la nueva regla es que no toda la ciudad tendrá los mismos límites.Glenwood South, el principal distrito de vida nocturna de Raleigh, tendrá límites de decibeles más altos que otras zonas.En el resto de la ciudad, los comercios podrán solicitar permisos especiales para operar con un mayor nivel de sonido.Cuántos decibeles están permitidosEstos son los límites establecidos por la nueva normativa:Glenwood South (viernes y sábado):Hasta 92 decibeles de sonido graveDe 10.00 hs a medianocheGlenwood South (domingo a jueves):Entre 75 y 80 decibelesDe 22.00 a 0.00 hsResto de la ciudad:70 a 75 decibeles de domingo a jueves, de 10.00 a 22.00 hsViernes y sábado, el límite se extiende hasta las 23.00 hsLocales con permisos especiales:Hasta 80 u 88 decibelesDomingo a jueves de 10.00 a 22.00 hsViernes y sábado hasta las 23.00 hsHabitantes pueden enviar quejas por ruido excesivoPara garantizar el cumplimiento de la norma, la ciudad habilitó la plataforma Ask Raleigh, donde los residentes pueden denunciar ruidos excesivos provenientes de bares y restaurantes.Las quejas se envían directamente a la policía local, que puede acudir al lugar para verificar la situación.Según informaron las autoridades:Las primeras infracciones recibirán advertencias formales.Tras tres o más faltas, los negocios pueden ser multados con hasta US$1500.Una cuarta infracción puede derivar en la prohibición de usar equipos de sonido exteriores por al menos 18 meses.Nuevas normas de tránsito en Carolina del Norte en 2026Desde el primer día de 2026, entraron en vigor nuevas normas de tránsito en Carolina del Norte. En especial, prohíbe la inmovilización (booting) de tractocamiones y otros vehículos comerciales. Al mismo tiempo impone nuevas medidas para proteger a trabajadores, endurecer sanciones por accidentes graves y regular desde la conducción imprudente hasta el uso de dispositivos contra vehículos.La normativa SB 311 modifica varias reglas como:Conducción imprudente: si una conducción temeraria causa lesiones graves, el responsable será acusado de una falta de Clase 1.Carreras callejeras ilegales: si una competencia de velocidad no autorizada en la vía pública causa lesiones graves o muerte, los responsables podrán enfrentar penas de clase H o clase G, según la gravedad. Además, la licencia de conducir se revocará por períodos prolongados.Obligaciones por accidentes: ante un choque con lesiones graves o muerte, el conductor deberá detenerse, brindar información, prestar asistencia y permanecer en la escena hasta que la autoridad lo autorice a retirarse; la omisión podrá conllevar penas de crimen grave.

Tras 30 años de carrera, Ana Bárbara anuncia su retiro de la música este 2026: "Lo necesita mi alma"

La intérprete de "Bandido" eligió el espectacular evento "Feliz 2026" para compartir que tomará un descanso, buscando reconectar con su familia tras un año lleno de éxitos

Actriz de 'Betty la fea' se lanzó a la música popular y reconoció que su hija fue un apoyo fundamental

Marcela Posada reconoció que siempre buscó el apoyo de sus parejas, pero tenía que su hija crecer y avanzar en sus estudios universitarios en producción de videos para darle el impulso necesario

George Martin, el pionero del sonido que tradujo la experiencia del LSD en música y es considerado el Quinto Beatle

El orquestador y productor George Martin -quien este sábado e de enero cumpliría 100 años- alcanzó en su vida títulos como el de Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE). Pero sin bien pudo disfrutar desde 1996 (y hasta su muerte, en 2016) de esta distinción tan arraigada a las tradiciones inglesas que le llegó de las propias manos de la Reina de Inglaterra, no hubo mejor título para él que el de ser considerado popularmente como "el Quinto Beatle".Lo más curioso de este título es que nadie podría definirlo con exactitud, ya que no era un músico que subía al escenario con John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison, ni ofició de reemplazo de alguno de ellos. Pero sin dudas, The Beatles no hubieran sonado del mismo modo si él no hubiera estado en el estudio de grabación cada vez que el cuarteto se encerraba a grabar un nuevo disco. No puede ser considerado solo como un hombre al que le encargaban arreglos musicales y le pagaban por cada página que escribía, o solo como el productor que trabaja para congeniar voluntades y deseos en un estudio de grabación, ni solo como un ingeniero de sonido que intentaba la mejor mezcla de pistas para editar un disco. Tal vez haya sido todo eso junto, y allí resida el éxito de Sir George."Ve todo escucha todo y quédate con lo mejor", dijo un sabio hace cientos de años atrás. Eso fue lo que mejor supo hacer George Martin. Y si bien su influencia fue grande y definitoria para encontrar el sonido distintivo de muchas canciones escritas por The Beatles (sobre todo su habilidad para imponer una idea), supo escuchar y potenciar el talento que tenía frente a sus ojos. El día que Harrison apareció con toda su fascinación por la música de la India, lejos de disuadirlo y volver a traerlo a los terrenos de la música occidental, lo sentó en el estudio a tocar el sitar y cantar "Love You To", y le dio la atmósfera de una tabla hindú que la canción necesitaba. Pero, sobre todo, logró que aquello no sonara chocante para los oídos occidentales, sino todo lo contrario.Esta es una de las claves del trabajo de Martin: dejar experimental, lanzarse él mismo a la experimentación, pero sin traspasar límites que convirtieran esa creación en un producto limitado para un gueto. Psicodelia y consumo¿Cómo es posible traducir toda la experiencia LSD y la psicodelia de aquellos años sesenta en canciones de consumo masivo? De manera deliberada o no, Martin encontró el modo. Enseñarles a los músicos que al otro lado de la sala con micrófonos y paneles acústicos donde grababan había una "pecera" con otros "instrumentos" a los que podían echar mano (cintas, efectos, consolas) también fue uno de sus aciertos. Y así fue que arribó a sonoridades como la del tema "Tomorrow Never Knows".Otra de las claves del trabajo de Martin es una estética, muy inglesa, que ayudó a forjar y que se extendió con el paso de las décadas y de los estilos musicales. La pared sonora para la música pop es una herramienta que viene de la música académica, específicamente del sonido sinfónico. En la definición más tradicional del término, por orquesta sinfónica es aquella agrupación que reúne cuatro familias de instrumentos: cuerdas de arco, percusión, vientos de metal, vientos de madera. Y Sir George fue un absoluto fanático de lo que se puede conseguir con este sonido. Hay citas textuales que terminaron siendo casi declaraciones de principios. "La orquesta clásica puede estar amenazada por la tecnología, pero ninguna magia electrónica o informática podrá igualar la calidez, el arte y el genio puro de los mejores músicos. Los saludo y los apoyo incondicionalmente", dijo en una de sus charlas con la BBC. También es bien recordado por los que conocen su historia con la música la anécdota de su primer encuentro con una orquesta. "Recuerdo perfectamente la primera vez que escuché una orquesta sinfónica. Era apenas un adolescente cuando Sir Adrian Boult trajo la Orquesta Sinfónica de la BBC a mi colegio para un concierto público. Fue absolutamente mágico. Al oír sonidos tan gloriosos, me costaba conectarlos con noventa hombres y mujeres soplando instrumentos de metal y madera o rascando cuerdas con arcos de crin de caballo. No podía creer lo que oía. Así comenzó una historia de amor con la orquesta que durará toda la vida, y todavía sigo enganchado". ORIGINAL)">Pero si volvemos a la premisa de que hay que escuchar y ver todo para luego quedarse con lo mejor se puede explicar el hecho de que para clásicos como "Yesterday", George Martin no propusiera la orquestación de una sinfónica completa sino optara por un cuarteto de cuerdas. No necesitaba el orgánico completo porque, para él, otro tipo de formato relacionado con la historia de la música clásica podía ser mucho más apropiado. De cualquier modo ¿está escrito con los procedimientos habituales de un cuarteto de cuerdas? No necesariamente. Parecen más como voces extirpadas de una orquesta que fueron puestas al servicio de la voz y la guitarra de McCartney, únicos elementos que hasta la aparición de estos arcos, sonaban bien para el tema. La cuerda sigue a la voz como si fuera su sombra. De hecho, si se piensa a "Yesterday" como una pieza de cámara, se la contempla como una expresión de seis instrumentos con roles bien definidos. La cuerda es una sombra pero, también, la respuesta. Este es apenas un ejemplo de muchas curiosidades que aparecen en el inventario de aportes de Martin. En "Eleanor Rigby" también hay un cuarteto, esta vez como único acompañamiento. Un ostinato predominante y la sensación de que aquello que podría sonar en una orquesta queda sintetizado en un pequeño conjunto de cuerdas.El crecimiento musical de The Beatles -pensemos solo en aquel cuarteto de "Love me Do", o "I Wanna Hold Your Hand" y en el que, pocos años después, publicaba temas como "I Am The Walrus"- fue elegantemente acompañado por Martin.Un lenguaje aptoTuvo la inteligencia o el tacto (o ambas cualidades) parar poner lo que hoy llamaríamos "valor agregado" (disculpas a The Beatles y a Martin si el término suena desangelado). No invadió sus creaciones y se adueño de ellas. Supo decorarlas, supo encontrar lo mejor de cada una, supo traducir, como ya se dijo, la experimentación, a un lenguaje apto para esa juventud ávida de novedades. "I Am The Walrus" (con su leve overdrive rockero), "She's Leaving Home" (en clave de los musicales del teatro), "For No One" (con el detalle de un corno francés) o "Strawberry Fields Forever" (plagada de elementos). En esta última se justica la teoría de que Martin influyó pero no invadió a The Beatles. Porque más que haya una gran fanfarria que va mutando con el paso de los minutos de "Strawberry..." siempre reconoceremos a este clásico por una frase: "Let me take you down /Cause I'm going to/ Strawberry fields"Nadie dice que pudo ser fácil. De hecho, cuando The Beatles bajaron la persiana de su producción musical (cuando ya llevaban un par de años sin giras de conciertos), el ego no le permitió a algunos de ellos reconocer el aporte de Martin. Lennon primero lo minimizó. Pero con el paso de los años, y de enojos que se fueron yendo, reconoció el valor de su trabajo. Dentro de la leyenda también se cuenta que no habría sido fácil convencer a McCartney del arreglo que Martin le proponía para "Yesterday". La canción, probablemente, fuera era igual de buena. Quizá, lo que supo conseguir George Martin fue una mejor manera de contarla. Porque no hay que olvidar que, ya entrada la segunda mitad de la década del sesenta, el rock and roll (con su fórmula básica, como se lo conoció en los cincuenta) había quedado totalmente aggiornado. Y la experimentación era un arma que se ponía en juego de una escena musical que no comenzaba ni terminaba con The Beatles. Por aquel tiempo nacía la Van der Graaf Generator de Peter Hammill y luego otras bandas del llamado rock progresivo. Pero no alcanzaron la misma popularidad, ni siquiera aquellas que fuero consideradas "supergrupos".Martin no solo fue creativo al momento de aportar ideas a los Fab Four, también fue un notable hacedor de éxitos. Entre sus trabajos con The Beatles y en composiciones para bandas de sonido logró que 30 canciones llegaran al primer puesto de los rankings británicos y 23 a las listas Billboard de los Estados Unidos.

Robó una tienda de música en Nueva Jersey, pero se arrepintió y devolvió los instrumentos con una insólita explicación

Una persona robó dos mandolinas en una tienda de música ubicada en Nueva Jersey y provocó una intensa búsqueda en línea con dos videos del hecho. Arrepentido, regresó al local y devolvió los instrumentos, pero se excusó al sostener que "estaba ebrio" al momento de cometer el delito. El propietario no logró alcanzarlo en la huida, pero elevó una denuncia y las autoridades ahora lo buscan exhaustivamente.El ladrón que se arrepintió y devolvió los instrumentos robados a una tienda de música Hace poco menos de una semana, la tienda Lark Street Music publicó un video en el que se veía a un hombre que observaba instrumentos. Al notar distraídos a los vendedores, guardó repentinamente dos mandolinas bajo su abrigo. "¡Cómo robar dos mandolinas a la vez! Estén atentos a este delincuente, a la Gibson F-12#A2985 y a una Weber Yellowstone #9360302. Este ladrón tiene acento montenegrino", decía la publicación.El robo de instrumentos musicales en una tienda de Nueva JerseyEl hecho sucedió el lunes 22 de diciembre, antes de Navidad. En las imágenes se puede ver que el ladrón, tras colocar los instrumentos debajo de su abrigo, salió de la tienda como si nada hubiera pasado. Las mandolinas sustraídas del local estaban valoradas en 3500 dólares y US$4250.En la publicación, el propietario de la tienda, Buzzy Levine, pidió ayuda para identificarlo. No obstante, no necesitó de nadie más que del propio ladrón, quien regresó al lugar arrepentido días después.El ladrón que regresó los instrumentos en Nueva JerseyEl viernes, Lark Street Music volvió a mostrar actividad en su cuenta de Facebook para publicar una nueva actualización sobre el hurto. En el texto, la tienda especificó que las dos mandolinas habían sido devueltas en dos bolsas de compra con una curiosa nota: "Lo siento. Estaba borracho. Feliz Navidad, eres un buen hombre"."Gracias a todos por difundir el clip del robo de las dos mandolinas. Hace una hora el ladrón abrió subrepticiamente la puerta principal y las devolvió en dos bolsas de compras", contó Levine.En diálogo con ABC News, extendió su versión del inusitado episodio. "Vi que alguien abría la puerta, se agachaba y se iba. Así que me acerqué a las bolsas de compra y allí estaban las dos mandolinas. No podía creerlo", indicó.A continuación, según su testimonio, corrió a la puerta y observó cómo escapaba. A pesar de que intentó seguirlo, el ladrón fue más rápido y logró huir. "Corría muy rápido y no dejaba de mirar atrás para ver si lo alcanzaba o si él ganaba terreno, y luego giró, y entonces lo perdí", relató.Qué pasará con el ladrón que robó una tienda de música y se arrepintióDespués del insólito desencuentro con el ladrón, Levine, quien es dueño de la tienda desde 1981, decidió llamar a la policía de Nueva Jersey. En la publicación, agradeció a las personas que difundieron el video del robo. "Sus reposteos y la presión definitivamente le hicieron darse cuenta de que las paredes se estaban cerrando", escribió, y para completar agregó: "Me siento como si estuviera en una película de televisión"."Sospecho que alguien, un amigo suyo o su madre, le dijo: 'Oye'", añadió en la entrevista, en alusión a los posibles motivos detrás de la devolución de los instrumentos robados.Christopher Kurschner, capitán de investigaciones del Departamento de Policía de Teaneck, declaró a ABC News que actualmente llevan a cabo una investigación sobre el crimen, pero hasta el momento no realizaron arrestos. El rostro del delincuente quedó registrado en la filmación de las cámaras de vigilancia.

Al Pacino sorprende al revelar su canción favorita: "Va más allá de la música"

Una confesión inesperada del protagonista de clásicos del cine revela el valor oculto que pueden tener las melodías en los momentos más significativos y brindó detalles sobre algunos aspectos de su trayectoria artística

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El nuevo venue premium abre la temporada con una propuesta integral que fusiona diseño de vanguardia, alta gastronomía y experiencias de diseño únicas.

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Madonna y su visión de los géneros musicales que la rodearon durante su carrera.Qué grupo describió Madonna como "música para hombres" y por qué lo dijo.

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Las tensiones y desencuentros entre grandes figuras generaron momentos inolvidables, con repercusiones que todavía resuenan en el imaginario colectivo. Cómo la rivalidad, la controversia y las personalidades fuertes pueden transformar para siempre el rumbo de un género

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Estudios recientes afirman que distintos aspectos vinculados con los ritmos influyen en la experiencia al manejar. Recomendaciones para quienes buscan mayor seguridad al conducir

Así recibió la Ciudad de México el Año Nuevo 2026 con música electrónica en Paseo de la Reforma

Miles de personas se reunieron en Paseo de la Reforma para dar la bienvenida al año 2026 con música y baile

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El amor más disonante, el exilio y la salud frágil que transformaron el dolor de Frédéric Chopin en música eterna

En la obra de Frédéric Chopin, el sentimiento encontró en el piano una forma de expresión tan intensa que volvió innecesaria cualquier palabra. El músico polaco no solo compuso desde el virtuosismo, sino desde una pasión turbulenta marcada por su vínculo con la escritora George Sand, un encuentro que nació desde la necesidad y que transformó su etapa más compleja en un legado de melancolía inmortal. Hijo de un profesor de literatura francés y una aristócrata polaca, Frédéric Chopin nació en 1810 en Å»elazowa Wola, un pueblo al oeste de Varsovia, en Polonia. Como el único varón de cuatro hermanos, creció en el seno de una familia culta que le brindó una educación privilegiada. Desde muy joven tuvo acceso a lo mejor del arte, lo que moldeó de forma indudable su sensibilidad y el genio artístico que lo definiría. Su formación, combinada con un entorno refinado, cimentó las bases para convertirse en el símbolo máximo del Romanticismo musical.A los seis años ya dominaba el piano con una destreza prodigiosa; apenas un año después le daba vida a su composición debut, la "Polonesa en sol menor"; y a los ocho se presentó por primera vez ante el público. Su ascenso fue vertiginoso: cuando tenía 13, y luego de haber impresionado hasta al propio Zar Alejandro I, ingresó al Conservatorio de Varsovia, donde rápidamente fue catalogado por el compositor Józef Elsner, su mentor, como un auténtico genio musical.Mientras la situación en su país era cada vez más complicada, ya que por aquella época sucedía el levantamiento polaco contra el imperio ruso, consciente de que su talento necesitaba de nuevos horizontes y que solo podía florecer en Europa Occidental, decidió abandonar Varsovia y continuar su camino por Austria, Alemania e Inglaterra. Fue en Francia donde, con apenas 20 años, fijó su residencia definitiva para transformarse en el corazón del movimiento romántico y alcanzar la inmortalidad.Aquejado por una salud de cristal â??marcada desde su infancia por inflamaciones, pinchazos y alergiasâ?? y sumergido en la herida abierta del exilio, Chopin transformó su desolación en belleza. En esa atmósfera de nostalgia y lejanía familiar nacieron algunas de sus composiciones más memorables como el "Nocturno n.º 20 en do sostenido menor", el célebre "Op. 9 n.º 2", la desgarradora "Balada n.º 1" y, tras la caída de su patria, el "Estudio Revolucionario".Los primeros años lejos de casa no fueron nada sencillos. Sin embargo, su refinada educación, una red de vínculos estratégicos y un virtuosismo incomparable le abrieron las puertas de los salones más exclusivos de París. Allí, el joven polaco no tardó en convertirse en el maestro de piano predilecto de la élite francesa, lo que consolidó su lugar en el epicentro de la alta sociedad.Como dar conciertos en vivo lo incomodaba y su vocación estaba más ligada a la enseñanza, en sus últimos años de vida se dedicó a componer y trasmitir su conocimiento. Fue en este periodo de madurez cuando, tras varios romances que dejaron huella en su obra, cruzó su camino con Amantine Aurore Lucile Dupin, la audaz novelista conocida por el pseudónimo de George Sand. Juntos protagonizaron una historia de amor y desamor que desafió las convenciones de la época y expandió las fronteras de la sensibilidad artística, una trama tan poderosa que acabaría inmortalizada incluso en la gran pantalla.Aquel primer cruce de miradas tuvo lugar el 24 de octubre de 1836, en el salón de la condesa y escritora Marie d'Agoult. El encuentro, organizado por el gran compositor Franz Liszt â??amigo común de ambosâ??, estuvo lejos de ser el flechazo esperado. De hecho, la velada no solo careció de magia, sino que resultó ser un absoluto desencuentro.A pesar de que Sand â??seis años mayor que élâ?? llevaba tiempo cautivada por el talento del polaco, el primer impacto en Chopin fue de un rechazo tajante. No hubo magnetismo, sino una distancia que pareció definitiva durante años. El músico, perturbado por la singularidad de la autora, dejó escrita una impresión demoledora sobre aquella noche en su diario personal: "Hoy conocí a una gran celebridad, Madame Dudevant... Su apariencia no es agradable. De hecho, hay algo en ella que indudablemente me repele. ¡Qué persona más falta de atractivo! ¿Es realmente una mujer? Me inclino a dudarlo". Paradójicamente, ese desprecio inicial sería el preludio de una de las historias de amor más icónicas del Romanticismo del siglo XIX.Antes de que sus caminos volvieran a cruzarse, el compositor se comprometió con Maria WodziÅ?ska. El vínculo con la joven pintora polaca nueve años menor que él había nacido en la infancia y florecido años después, cuando se convirtió en su maestro durante una estancia en Polonia. Pero las promesas de matrimonio se rompieron pronto: en mayo de 1838, aquel romance de juventud era solo un recuerdo amargo que ya había dejado atrás.La ruptura de su compromiso no fue su decisión. Vino por un pedido de quien era el padre de María, que le dijo que solamente aceptaría la unión si su salud, sus hábitos y su fortuna mejoraban. Ante este ultimátum, tomó distancia, volvió a Francia y se conformó con un intercambio de cartas que sirvió de cuenta regresiva para un reencuentro que nunca sucedió. ¿El motivo? Aunque él aseguraba que su salud y sus hábitos habían cambiado, su agenda se tornó cada vez más afixiante y su estado se complicó tras pescar un severo cuadro gripal en el invierno de 1837 que se volvió crónico.Aquella separación lo sumergió en una profunda depresión, que fue alimentada por el estigma de su propia fragilidad. En ese momento, en el que se sentía rechazado por una salud que, de cierta manera, lo condenaba a la soledad, Chopin compuso la célebre "Marcha fúnebre", obra que trasmitió su desolación y que, tiempo después, se convirtió en el corazón palpitante de su monumental "Sonata n.º 2 en si bemol menor". Para el invierno de 1838, París era testigo del romance más singular del siglo. El tímido y frágil artista finalmente había caído rendido ante la fuerza disruptiva de George Sand, una mujer cuya personalidad desafiaba todas las convenciones de la época. Lejos del concepto idílico de romance, su unión fue un choque de temperamentos; una alianza compleja que dejó un eco eterno en sus creaciones y que, aún hoy, se palpita en cada partitura y en cada página que legaron.Al poco tiempo de empezar a salir, ella viajó con sus dos hijos a Mallorca, España, y él la acompañó con la esperanza de que el clima del lugar lo ayudara a mejorar su salud, algo que le recomendaron los médicos. Sin saberlo, ese viaje serviría para regalarle a la posteridad sus 24 Preludios, los cuales compuso en aquellos días que también anticiparon lo que su vínculo significaría para él. Sin embargo, el paisaje resultó ser un espejismo: aunque Chopin llegó a describir en su diario un entorno de ensueño â??"el cielo es como turquesa, el mar como esmeraldas"â??, la estadía pronto se transformó en un calvario de humedad, enfermedad y aislamiento social.Fue precisamente en el "Preludio de la gota de lluvia" donde quedó plasmada la angustia de aquellos días. El invierno mallorquín se tornó hostil y la humedad extrema del monasterio cartujo de Valldemossa, lugar en el que se tuvieron que refugiar, terminó por quebrar la frágil salud del músico. Al ritmo de su tos crónica, crecieron los rumores de tuberculosis y el rechazo de una sociedad profundamente conservadora. Para los lugareños, la imagen era intolerable: una mujer divorciada â??Sand se había separado legalmente del padre de sus hijos, Casimir Dudevant, en 1836â?? en convivencia sin estar casada con un hombre a quien ya consideraban un inválido.Tras 95 días de asfixia en Mallorca, la pareja abandonó la isla que, en lugar de cobijarlos, comenzó a distanciarlos. Lo que debió ser un idilio se transformó en una carga de dependencia física y emocional que George Sand â??quien se sentía exhausta y sobrepasadaâ?? retrataría con crudeza en su libro Un invierno en Mallorca. Derrotados por el clima y la hostilidad local, decidieron encontrar un nuevo equilibrio, por lo que dividieron sus días entre el bullicio de París y la serenidad de Nohant, la casa de campo de la escritora.Nunca llegaron a convivir oficialmente en Francia, pero si decidieron ser vecinos, hecho que terminó de convertir su vínculo en algo mucho más parecido a una amistad que a un amor pasional y que, finalmente, llevó a su separación en medio de tensiones e infidelidades. En 1846, George lanzó su obra más importante, Lucrezia Floriani, que relata un romance destructivo entre una actriz y un aristócrata con muchos paralelismos con su propia historia. El hecho que más ruido le hizo a Chopin fue que el protagonista era un príncipe enfermo que vivía al cuidado de su pareja, a quien tiranizaba, algo que lo enfureció, humilló y resintió.Ante el éxito de Sand, sintió que su dolor solo había alimentado la inspiración artística de ella y servido como combustible para su ambición literaria. El retrato del príncipe Karol lo había dejado vulnerable y ridiculizado ante su propio círculo social. Fue en ese entonces que los problemas se profundizaron, pero el detonante fue un hecho doméstico: el compositor decidió apoyar a Solange, la hija de la escritora, en su rebelión para casarse con el escultor Auguste Clésinger, un hombre catorce años mayor. Este gesto de lealtad hacia la joven fue interpretado por Sand como una traición amorosa; cegada por los celos y el orgullo, puso fin en 1847 a una relación de casi una década que ya no tenía retorno.El adiós definitivo de la autora quedó plasmado en una misiva cargada de reproches, donde redujo sus casi diez años de romance a una "amistad exclusiva" y acusó a Chopin de aliarse con su propia hija. La carta es un testimonio de la ruptura total de su comunicación: "Cuídala, ya que crees que es a ella a quien debes consagrarte (...) Adiós, amigo mío. Cúrate pronto de todos tus males (...) Agradeceré a Dios este extravagante desenlace de nueve años de amistad exclusiva. Dame de vez en cuando noticias tuyas. Es inútil volver sobre todo lo demás". Pero aquel adiós no fue solo una despedida, sino el inicio de un silencio que él cargaría hasta su muerte, apenas dos años después.Abrumado por un vacío que era tanto emocional como físico â??ya que había perdido el cuidado que Sand representabaâ??, Frédéric emprendió un extenuante viajó por Inglaterra y Escocia. Aquella travesía terminó por quebrar su ya frágil resistencia y precipitó su final. Antes del fatídico 17 de octubre de 1849, cuando la muerte lo alcanzó a los 39 años, el destino le concedió un último encuentro con George Sand. La autora recordaría aquel instante con amargura al escribir: "En marzo de 1848 volví a verlo por un momento y estreché su mano temblorosa y yerta. Quise hablarle, pero se escapó. A mi vez, podía decir que él ya no me amabaâ?¦". Se dice que, en sus últimos suspiros, ella intentó verlo, pero la hermana del compositor le prohibió la entrada, por lo que le quedó el sabor amargo de una posible y sicera despedida que nunca fue. Frédéric Chopin murió rodeado de amigos, pero lejos de la mujer que amó. Desde entonces, sus restos descansan en el cementerio de Père Lachaise, en París, pero su último deseo fue un acto de amor a su patria: pidió que su corazón fuera trasladado a Varsovia, para reposar por siempre en su amada Polonia, donde se encuentra hasta el día de hoy en la Iglesia de la Santa Cruz.

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256 millones de archivos: copiaron todo el catálogo de música de Spotify y lo están subiendo a internet

Spotify está investigando un caso de acceso no autorizado que se ha saldado con la extracción de metadatos públicos y el acceso a "algunos archivos de audio", atribuido por el grupo de "archivistas" Anna's Archive, que asegura haber extraído aproximadamente el 99,6 por ciento de las canciones de la plataforma.Anna's Archive es una organización que actúa como una biblioteca digital de código abierto y sin ánimo de lucro, cuyas intervenciones se llevan a cabo como una forma de centralizar y ofrecer acceso gratuito a libros, artículos académicos u otro tipo de documentos, algunos de ellos sujetos a derechos de autor.86 millones de cancionesEn este sentido, Anna's Archive ha asegurado haber llevado a cabo una copia de prácticamente todo el contenido de Spotify, concretamente archivando metadatos de 256 millones de pistas y archivos de audio de 186 millones de canciones, lo que representa el 99,6 por ciento del contenido reproducido de la plataforma de streaming.Así lo ha compartido la organización en un comunicado en su blog, donde ha detallado que el archivo completo del contenido extraído ocupa menos de 300 TB y que se está distribuyendo mediante "torrents masivos", que agrupan el contenido según su popularidad, en base a las métricas de Spotify.En este sentido, Anna's Archive lo ha definido como el "primer archivo de preservación de música del mundo que es completamente abierto", ya que cualquier persona podrá descargarlo en sus dispositivos, como parte de su "misión" de preservar el conocimiento y la cultura.Además, la organización ha especificado que, de esta forma, se garantiza la preservación de toda la música, incluida la de artistas menos conocidos que recoge la plataforma, y no solo las canciones o composiciones de los artistas más populares. A pesar de que Spotify "no tiene toda la música del mundo", ha afirmado que "es un gran comienzo". No obstante, se ha detallado que cualquier material publicado después de julio de este año puede no estar incluido.Cómo capturaron todo el contenidoPara ello, desde Anna's Archive identificaron una forma de extraer información de Spotify a gran escala mediante 'scraping'. Esto es, una técnica que usa software y bots para extraer datos de sitios web de forma automatizada, convirtiéndola en información estructurada.Sin embargo, se ha de tener en cuenta que las canciones publicadas en Spotify están sujetas a pautas estrictas de derechos de autor correspondientes a sellos discográficos, los propios artistas y la plataforma.Por tanto, se trata de una extracción de archivos y posterior distribución ilegal, que va en contra de las condiciones de servicio de Spotify y la legislación de derechos de autor.En este marco, Spotify ha compartido en declaraciones a Android Authority que están llevando a cabo una investigación sobre un acceso no autorizado, en el que se ha identificado que "un tercero extrajo metadatos públicos empleó tácticas ilícitas para evadir la Gestión de Derechos Digitales (DRM) y acceder a algunos archivos de audio de la plataforma".Así, aunque la compañía no ha confirmado la magnitud de la extracción de datos, confirma la filtración y el acceso no autorizado, por lo que continuarán investigando lo sucedido de cara a, previsiblemente, tomar posibles acciones legales.

Dillom en Vélez: disconformidad y música para sobrevolar estadios

Con un convoy de invitados que incluyó a Lali, Juanse, Quentin y Muerejoven, el cantante y compositor que funge como signo de la época dio su show más grande a la fecha y sigue su camino propio.

Música para tres

El libro es el diario de ese periplo en scooter en medio de la nieve infinita, el frío mortal. Leer más

"'Allbarone' es música para bailar a mi manera"

Junto al productor Paul Epworth, el cantante compuso canciones inspiradas en la música dance con letras que considera "autocríticas".

Milo J cerró en Vélez dos noches históricas para la música popular, uniendo folklore con hip-hop en un desfile de grandes figuras

El artista de 19 años agotó dos estadios en la noche de jueves y viernes.Contó con Duki, Tini, Bizarrap, Cuti y Roberto Carabajal, la Sole, la murga Agarrate Catalina y más.

Indecopi ha multado a siete hoteles con S/914 mil 208 por reproducir música sin pagar derechos de autor en 2025

Con la última multa al hotel del antiguo aeropuerto Jorge Chávez, la más grande este año, Indecopi va multando con casi un millón de soles por esta infracción

Costa Bonita: el balneario que nació del sueño de dos aviadores y fue inspiración de un emblemático grupo de música

Pocos kilómetros al norte de Necochea hay un rincón de la costa que nació de un flechazo: un piloto bajó de su avión, miró el mar y la playa, y sintió que ese paisaje merecía un futuro. "¡Esto es una costa bonita!", resume el arquitecto y escritor necochense Néstor Jorge Freitas. Con los años, el lugar atrajo a hippies y artistas, y hasta dejó su huella en canciones de una banda emblemática del rock argentino. También, a su alrededor crecieron historias más oscuras: hubo quienes lo vincularon al nazismo. Esta es la historia de Costa Bonita.-Néstor, para empezar, ¿cómo surge Costa Bonita?-La historia de Costa Bonita está íntimamente vinculada al mundo de la aviación. Estamos hablando de fines de los años 40. Durante el primer peronismo se unificaron las aerolíneas y nació Aerolíneas Argentinas. En ese contexto, dos hombres vinculados a la aeronáutica, Müller y Mario Corte, salieron a "ablandar" motores, como se decía entonces: los motores a pistón necesitaban horas de uso para aflojar los aros. En uno de esos vuelos decidieron bajar por esta zona de la costa, vieron una playa y dijeron: "Esto es una costa bonita". El lugar los impactó, especialmente a Corte que decidió comprar las tierras. Ahí empieza todo.Corte le compró varias hectáreas de tierras frente al mar a la familia Gil: ese fue el puntapié inicial de lo que más tarde sería el balneario Costa Bonita. Para anunciar su hallazgo, colocó un cartel sobre la ruta 88, a la altura del camino de acceso, que prometía sin vuelta: "La fabulosa Costa Bonita". Después empezó a lotear el lugar, y casi de inmediato construyó una hostería con un nombre a la medida del paisaje: "Canción del mar".-Sin embargo, sobre Costa Bonita circulan muchas leyendasâ?¦-Sí, hay bastante mito. Algunos dicen que se construyó una hostería para vigilar y proteger submarinos alemanes, otros hablan de jerarcas nazis escondidos ahí. Eso es históricamente imposible: la Alemania nazi cae en mayo de 1945 y Costa Bonita todavía no existía. Pero las leyendas también construyen realidad y forman parte de la historia simbólica del lugar.-¿Cuál fue el proyecto original de los fundadores?-Ellos soñaban en grande. No pensaban en un par de casitas de veraneo: construyeron edificios importantes, departamentos y también un hotel, lo que hoy conocemos como la hostería. La idea era que Costa Bonita se transformara en una ciudad, en un área fuerte, con identidad propia. Como cualquier padre que mira a su hijo y sueña lo mejor para él.-¿Los fundadores llegaron a vivir allí?-Corte no, pero Müller sí. Cuando se jubiló se mudó a Costa Bonita, él fue uno de los grandes luchadores del lugar. Amó ese lugar hasta el final. No se preocupaba solo por los problemas básicos, como el agua, sino que siempre pensó en grande. Son de esos hombres que se mueren amando un lugar y luchando por él. Eso no es poca cosa.-¿Hubo una época dorada del balneario?-Sí, claramente. Yo la ubico alrededor de 1960. Coincide con la época dorada de la clase media argentina, cuando el salario alcanzaba, cuando muchas parejas podían construir con el sueldo sobrante, especialmente cuando la mujer se incorporó al trabajo. Eso impulsó muchísimo el turismo y el desarrollo de lugares como Costa Bonita.-En Costa Bonita llaman la atención tres edificios emblemáticos del lugar, como grandes bloques, y también la hostería. ¿Siguen abiertos?-Los edificios aparecieron hacia mediados de los años 60. Y la hostería fue, durante mucho tiempo, una marca del lugar: en los años 90 estaba en pleno funcionamiento, era hermosa, muy concurrida. Después cerró, aunque no tengo la fecha exacta, y hoy está abandonada. En cambio, los edificios de departamentos siguen funcionando, de clase media, sencillos pero sólidos. En los veranos va gente porque hay un circuito turístico que conecta Quequén, Bahía de los Vientos, Arenas Verdes y Costa Bonita. -¿Por qué Costa Bonita no llegó a consolidarse como otros balnearios?-Por varias razones. Una muy concreta fue la construcción del puerto de Necochea: las escolleras acumulan arena de un lado y de otro lado la chupan. Necochea ganó playas enormes, muy extensas, y Costa Bonita empezó a perderlas. El mar comenzó a avanzar, a erosionar la costa. Donde antes había arena, hoy hay piedras. Lógicamente la gente empezó a ir a Necochea, que además tenía todo el equipamiento. A eso se sumó la falta de una planificación, un armado y trazado de calles caótico. También la ausencia de una política turística en bloque.Durante la última dictadura militar, a finales de los años 70, el gobierno de la provincia de Buenos Aires redefinió los límites entre los partidos de Lobería y Necochea. Por el Decreto-ley 9327/1979, a partir del 1 de julio de 1979, las áreas urbanas de Quequén dejaron de pertenecer a Lobería y pasaron a Necochea, con el argumento de su mayor integración con esa ciudad y la distancia respecto de la cabecera loberense. Luego, el Decreto-ley 9710/1981 extendió el cambio incorporando a Necochea una fracción rural de la circunscripción de Quequén; en reconstrucciones institucionales posteriores, esa zona se vincula con el sector costero donde están Costa Bonita y Bahía de los Vientos.-¿Influyó también el movimiento cultural de los años 70?-Muchísimo. En los años 70 llegaron grupos hippies que se instalaron en toda la costa atlántica, y Costa Bonita no fue la excepción. Algunos le dieron identidad cultural al lugar, otros se fueron con el tiempo. En ese contexto apareció el grupo Arco Iris, una liderada por Gustavo Santaolalla. Muchos artistas frecuentaban la zona y eso formó parte de una etapa muy particular del balneario.Arco Iris fue uno de los grupos pioneros del rock argentino de fines de los años 60. Su música combinó el rock con raíces folklóricas, climas psicodélicos y una marcada búsqueda espiritual. En sus inicios lo integraron Gustavo Santaolalla, Ara Tokatlian, Guillermo Bordarampé y Horacio Gianello, y luego se sumó Danays "Dana" Wynnycka. Entre quienes siguen de cerca la historia del grupo circula la idea de que su canción más popular, "Mañana campestre", nació en Costa Bonita y que el tema "Dunas" evoca de manera directa a ese rincón costero.-¿Ese cambio cultural también influyó en su falta de consolidación?-Sí. El hippismo argentino como fenómeno terminó en los años 80 y a la par, muchos de los fundadores y referentes del movimiento dejaron de frecuentar las playas. Eso debilitó el proyecto original.Además de su vinculo con la música, Costa Bonita guarda, entre la playa y los médanos, un sitio especial: la Gruta de la Virgen de Lourdes (patrona de los enfermos) y su pequeña capilla. Cuenta la historia que la gruta fue levantada por una mujer que atravesaba una grave enfermedad. En un viaje a la Gruta de Lourdes, en Francia, le prometió a la Virgen que, si sanaba, construiría una gruta en Costa Bonita. Hoy, es un punto de referencia del lugar, escenario de celebraciones y procesiones, y durante el verano la capilla suele abrir sus puertas para las misas de los domingos.-Para cerrar, Néstor, cuando mira la historia de Costa Bonita, ¿qué siente?-Siento que es una historia de sueños grandes, de hombres que pensaron más allá de lo individual. Costa Bonita no fracasó por falta de amor, sino por causas que superaron a quienes la imaginaron. Yo creo mucho en el aprendizaje que deja el fracaso. Esta es una patria hermosa, con historias hermosas, aunque a veces no sepamos cuidarlas como se merecen.

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Cada 19 de diciembre se recuerda al movimiento emo, una subcultura nacida de la música y la sensibilidad juvenil que trascendió estilos para convertirse en una forma de expresión generacional

Un despliegue de música sacra latinoamericana en un homenaje al Papa Francisco

Se llevó a cabo en la Basílica de Nuestra Señora de la Merced, con entrada libre y gratuitaParticiparon el crítico Santiago Giordano, el Coro Nacional de Música Argentina y el Ensamble Interamericano Contemporáneo, con dirección musical de Federico Ciancio.

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La banda chilena brindó una conferencia de prensa el 12 de diciembre en el Sheraton, antes de su show, habló del concepto de "renacer" que atraviesa su presente artístico y confirmó planes para 2026. Leer más

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Cómo funciona el algoritmo de recomendación de música de Spotify

¿Cómo se descubre música nueva? Antes había sobre todo amigos, tiendas de discos y radios. Ahora sigue habiendo amigos, alguna radio y plataformas musicales. El wrapped o resumen anual de Spotify es un momento ideal para ver qué novedades musicales han llegado a nuestros oídos. La Unión Europea financia un proyecto para "auditar el descubrimiento algorítmico de música" porque cree que puede haber sesgo y falta de transparencia en ese ejercicio.Spotify y el resto de plataformas parecen ahora las protagonistas únicas del mundo de la música, tanto para escuchar como para descubrir. Pero Lorenzo Porcaro, matemático, investigador de la Universidad La Sapienza de Roma y director del proyecto europeo para auditar algoritmos, cree que no es tan sencillo. Estas son sus principales explicaciones en una charla que mantuvo con EL PAÍS en el Festival Mozilla celebrado en Barcelona a principios de noviembre.1. Cómo descubrimos música realmenteDepende. Las redes son muy importantes para los jóvenes. "Usan muchísimo TikTok, YouTube, â?¦", dice Porcaro. "En las plataformas de streaming, aunque se vendan como el lugar donde descubrir música, al final pasa menos". La relación entre artista y audiencia en redes es clave hoy, añade el matemático: "Suben una canción nueva o dicen 'este viernes sale mi tema, ve a escucharlo en Spotify'".2. ¿Alguien decide qué escuchamos?Una vez dentro de Spotify, ¿nos incitan a escuchar algo? "Es difícil saberlo con certeza, porque desde fuera solo se ve el resultado final", dice Porcaro. En algunos casos, hay ejemplos que parecen lógicos, como que lleguen recomendaciones en función de la zona geográfica para grandes festivales musicales. "Dudo de que a alguien en EE.UU. le aparezcan canciones de San Remo o de Eurovisión. Saben que el mercado nacional es muy importante en algunos países. En Italia, por ejemplo, creo que el 90% de la música que se escucha es de artistas italianos. Es uno de los porcentajes más altos de Europa", añade.3. Por qué pensamos que hay conspiración sobre qué escuchamosEs posible que ocurran cosas que no conocemos ni controlamos, pero su impacto no es medible desde fuera. Por eso surgen teorías conspirativas. "Sin llegar a conspiraciones, parto de lo que sí sé", dice Porcaro. "Las majors [grandes compañías] son las más interesadas en promocionar cierta música, igual que pasaba con la radio: en la radio oyes lo comercial. También sabemos, porque es información pública, que las majors han invertido muchísimo en las plataformas".Pero que el algoritmo recomiende a artistas mayoritarios no significa que lo haga inducido por alguna gran empresa: "La lógica de recomendación es muy de rendimiento: si hay 50 personas en una sala y todos escuchan a Bad Bunny, si entra alguien nuevo y le recomiendo a Bad Bunny, ¿le va a gustar? No sé, pero si todos aquí lo escuchamos, ¿por qué no recomendarlo?", añade el matemático.Spotify acaba de anunciar los artistas más escuchados en España en 2025 (también está la lista para Argentina). Es imposible saber si es primero el gusto por estos artistas o si de algún modo las plataformas han inducido su escucha. "Ese es el mayor problema para mí de trabajar con estos sistemas: se sabe muy poco", dice Porcaro. El mercado de la industria musical está centralizado alrededor de las majors. "Detrás del streaming hay una historia muy larga que influye en cómo se ha difundido la música. Mientras que las redes sociales surgieron de la nada, como una tecnología nueva, la industria musical lleva años funcionando y tiene un peso enorme", dice Porcaro.4. Cómo influye el modo aleatorioEl modo aleatorio es una manera habitual de escuchar en plataformas: un algoritmo sencillo escoge canciones de una lista ya hecha. ¿Puede ser que ese modo premie discretamente a algunas canciones o que otras estén sobrerrepresentadas en listas populares?"Podría ser", dice Porcaro. "La aparición aleatoria no quiere decir que todas las canciones se recomienden una vez. Significa que no eliges tú. Hablando con gente, a muchos les llama la atención que 'el aleatorio no es aleatorio'. Ese para mí es el punto. La palabra 'conspiración' muchas veces se usa para tapar cosas que quizá sí existen. No sabemos qué pasa en ese momento en que a todos nos recomiendan algo, pero si mucha gente lo comenta, por algo será", añade.Ese es el centro de la investigación de Porcaro: "Intento apoyarme en las teorías que tiene la gente que no vienen de cosas técnicas ni de entender algoritmos, sino de experiencias vividas, que también tienen su peso".5. Esto es como la radio, pero personalizadaLas plataformas de streaming nacieron como un servicio donde, en teoría, estaba toda la música del mundo a precios bajos. "Pero al ir metiendo personalización y algoritmos, la experiencia de hoy se parece bastante a la radio de antes, solo que ajustada a tus gustos", dice Porcaro.¿Y cuál es la lógica de la radio? "Lo más reciente. En Spotify esto se nota muchísimo. La gente, cuando escucha música, quiere enterarse de lo nuevo, estar al día. Forma parte de cómo funciona la cultura musical. No creo que las plataformas estén inventando nada nuevo, refuerzan dinámicas que ya existían", añade.6. Qué debe hacer alguien que empiece en la industriaSi las plataformas no han cambiado tanto la industria, es probable que los artistas que empiecen tampoco deban variar mucho sus prácticas, cree Porcaro: "Cuando hablo con artistas emergentes, veo que estas plataformas venden la ilusión de que te puedes hacer famoso gracias al algoritmo. Antes, cuando empezabas, lo que tocaba era currarte tu ciudad, hacer bolos en los pueblos de alrededor. Así es como uno se convierte en artista, no porque hagas una canción viral y de repente sea un superhit".Las redes sí que han cambiado algo todo este juego y se han vuelto en parte imprescindibles: "Ahora es importante estar conectado con tus fans. Que eso sea bueno o malo ya es otro debate, pero como artista puedes ver lo que te gusta y cada uno decide si quiere hacerlo", explica Porcaro.7. Y qué no debe hacerHay una diferencia grande entre las redes y el streaming: "Para las plataformas eres un usuario más. Te dicen: 'Nos das tu música, nos das tus datos y quizá algún día te hagas famoso'. Me parece un juego más pasivo", dice.Es parte del juego del marketing en las plataformas, para quien los artistas también son usuarios: "Te abres el Spotify for Artists [una herramienta interna de Spotify para que los artistas vean sus estadísticas y decidan acciones], intentas entrar en una playlist y acabas jugando al juego que han montado. Al final los artistas también son usuarios de Spotify. Esto es precisamente lo que habría que desmontar un poco. No digo que no haya que usarlo, pero hay que hacerlo con conciencia y no caer en la ilusión de 'igual me hago famoso gracias a esto'", añade.8. Los grandes cambios no dependen de una plataformaEl streaming se ha vendido como la gran solución tras la piratería. "Se espera que de esa recuperación algo llegue también a los artistas, que sería lo justo", dice Porcaro. "El tema es la redistribución. Esta tecnología refleja las mismas dinámicas que las anteriores: quién aparece más. Lo que no se redistribuye es lo que resulta más problemático, no la tecnología en sí"."Soy optimista con la música", señala por último el matemático. "Porque muchas veces lo que acaba destacando nace de una subcultura que luego se convierte en más dominante. Y después vendrán otras, siempre hay. Es un mecanismo difícil de romper".

Votá tu canción favorita para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo

Con el tallo de una flor entre los dientes fue que salió a tocar Charly García en el Teatro Astengo de Rosario, una noche de 1976, mientras presentaba su disco La Máquina de Hacer Pájaros. Del otro lado del escenario, un niño de trece años conocido como Fito Páez, creía haber descubierto "qué era la libertad". Lo que ninguno de los dos sabía en ese momento, mientras Charly interpretaba el tema "Rock and Roll" con ambas patas subidas a su teclado, era que la carrera de ambos terminaría estrechamente entrenlazada con el tiempo. El primer encuentro entre el rosarino y García se dio años más tarde, tras bambalinas del Teatro Coliseo, en el marco de la presentación del disco "Actuar para vivir" de Baglietto y su trova. Más adelante, Charly reclutó a Fito para que forme parte, junto a los miembros del grupo GIT, de las grabaciones de Piano Bar; un punto de inflexión en la carrera de Páez, quien luego de esa grabación lanzaría su carrera solista con los discos Del 63 y Giros.Los próximos lanzamientos de Colecciones LA NACION incluirán discos tanto de Charly García y Serú Girán, como también de Fito Páez y otros artistas. Algunas canciones de esos álbumes serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. En esta ocasión, se tratará de los discos Clics Modernos, Peperina y Giros.Algunos ejemplares de los vinilos serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la selección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el martes 23 de diciembre a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el 26 de diciembre a las 12hs.Peperina (1981) es el cierre de la primera etapa de Serú Girán. En este disco, García, Aznar, Lebón y Moro; aplacan la euforia progresiva de los comienzos de la banda, y se centran en canciones más breves y tranquilas como "Salir de la melancolía" y "Cinema Verité". Podrá ser un guiño o casualidad, pero en el tema "Esperando nacer" de Peperina, cuando Fito Páez recién empezaba a darse a conocer al mundo, Lebón dijo "¿Qué esperas ahí al costado del camino? No escuchaste esta canción, todo el mundo te quiere ver"; pregunta a la que Fito pareciera contestar muchos años después, con los versos "Me gusta estar al lado del camino/fumando el humo mientras todo pasa" de su disco Abre.Luego de la disolución de Serú Girán, Charly emprendió su carrera como solista con Yendo de la cama al living (1982) y Clics modernos (1983). Este último, tan hitero como novedoso, estableció un nuevo hito en su obra; introduciendo a un público masivo las máquinas de ritmo como una alternativa o complemento a las tradicionales baterías analógicas.Otro concepto que atraviesa al disco, no tan protagonista como las máquinas rítmicas, pero sí presente en temas como "No soy un extraño", es el tango. La posta de teñir esa masa indefinida que era el rock en ese momento, con tintes de tango y folclore, la tomaría Fito Páez al año siguiente con su álbum Giros (1984). Este fue precedido por Piano Bar (disco de Charly donde se encargó de los teclados) y Del 63 (su debut como solista), también lanzados en 1984. Pero fue con Giros, que Fito dió inicio formal a su carrera consagratoria como participe del actual cancionero popular argentino. "11 y 6", "Yo vengo a ofrecer mi corazón" y "Cable a tierra" son algunos de los temas que pueden inscribirse en esta categoría.Los vinilos de Colecciones LA NACION son una oportunidad para recorrer algunos de los puntos más altos de la música argentina. Podés hacer click acá para ver la colección, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de nuevos sorteos de vinilos.

Del cuarteto a la orquesta: una noche para celebrar la música de cordobesa

La Banda Sinfónica Municipal se presentará este miércoles a las 21:00 en el Teatro Comedia con un concierto de entrada gratuita, que propone un recorrido por ritmos latinoamericanos y clásicos del cuarteto, con la participación especial de la solista Lore Jiménez. Leer más

Villa General Belgrano: ¿Cipayismo o multiculturalidad?, el Festival de Música Country que encendió el debate en redes sociales

El "VGB Country Festival" encendió una fuerte discusión en redes con posturas muy antagonistas. Mientras críticos tildan de "colonización cultural" por su iconografía estadounidense, la organización defiende su propuesta como un atractivo turístico que ha logrado una gran convocatoria en todo el país. Leer más

ULTRA Perú vuelve con su cuarta edición: fecha, lugar, entradas y más del evento de música electrónica

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Concierto de Navidad: el Museo Tamburini abre sus puertas para celebrar las fiestas con música en vivo

La propuesta se realizará este miércoles a las 19:30 con entrada libre y gratuita y reunirá a 42 voces en escena. La actividad forma parte de la campaña El Centro está de Fiesta, que busca revalorizar el casco céntrico con eventos culturales abiertos a la comunidad. Leer más

Kate Hudson sorprende con su nuevo álbum: "Siempre fui música, pero nunca tuve el coraje de hacer algo con ello"

En entrevista con The Guardian, la actriz y cantante relata cómo el proceso creativo de su álbum "Glorious" representa una etapa de auténtica libertad, conecta con sus raíces familiares y redefine su camino artístico fuera de los estereotipos de Hollywood

Córdoba celebra la Navidad con una agenda cultural llena de música y arte

Durante la semana del 15 al 21 de diciembre, los espacios culturales de la provincia ofrecen actividades especiales para celebrar el arte y el encuentro. La programación incluye conciertos, muestras, talleres y propuestas pensadas para compartir en familia. Leer más

Stewart Copeland, entre el polo argentino, las orquestas, la música de películas y The Police

El famoso músico une en vivo su faceta de baterista de rock y compositor de icónicas bandas de sonido.Toca este miércoles en el teatro Gran Rex.

Una casa de música con número propio

El sello que dirigen Luis y Mariano Suárez abre su catálogo con tres discos que recuperan material agotado o inédito, con la intención de crecer y sumar nuevos títulos.

Murió María Teresa Corral, gran referente de la música infantil en la Argentina

"Ayer se fue mi viejita, María Teresa Corral. Hoy vuela alto, viaja en paz, con una vida tejida de amor y plenitud. Nos dejó un ejemplo y un camino donde los recuerdos crecen y se fortalecen en su obra dedicada a los niños. Productora independiente, compositora y cantante, dejó huellas en discos, programas de radio, libros y mucho más que dan testimonio de su legado. Se fue cantando un 'Gracias a la vida', que escuché con orgullo, de esa madre luchadora que seguirá siempre presente". Con estas palabras, el músico Sergio Dawi despidió a su madre. Y más allá de la fuerte emoción de su recuerdo, su breve relato se convierte, además, en una muestra de lo más objetiva del trabajo que ha realizado durante décadas María Teresa, una referente ineludible de la música infantil de la Argentina. View this post on Instagram Había nacido en 1931, en Buenos Aires. Era la menor de tres hermanos. Su madre era profesora de música. Aunque cuando María Teresa nació ya no se dedicaba la docencia, esa semillita había quedado en la casa familiar. Y habrá que echarle la culpa a su hijo Sergio Dawi por el hecho de que María Teresa se afirmara en la docencia enfocada a los más chicos. Cuando Sergio tenía cinco años se inauguró el departamento de educación para niños del Collegium Musicum. María Teresa no sólo llevaba a su hijo para formarse, también se convirtió en docente de la institución. "Poco después me entusiasmé y empecé a componer", reconoció en una entrevista para el Cuarto Encuentro de Música y Educación de Momusi Amba. Así nació Vamos a inventar canciones, el primero de varios discos que publicó. Y la cosa no quedó allí. Porque María Teresa se dio cuenta de que, interrumpir demasiado a sus alumnos era una manera de no dejar que ellos se expresaran; por eso debía encontrar, para ella, otra una manera de expresarse que, en definitiva, no debía ser el aula sino el escenario. "Creo que una cosa no contradecía a la otra. Es decir, lo que decía en mis talleres y lo que hacía en el tablado. Y los chicos, entonces, tuvieron en el aula su lugar para explayarse porque yo tenía ese otro lugar, para explayarme."Gracias a esos "tablados", que en general se montaban en plazas porteñas, conoció al director de Radio Municipal, que la convocó para hacer un programa que se llamó A parar la oreja. Con actores de renombreLos siguientes álbumes -Sin permiso sale el sol, ¿Y Mambrú?, El rondó de la gallina, Estás creciendo, La murga y el picaflor y Como las ramas al árbol- fueron el testimonio de toda esa composición que escribió durante varias décadas. Incluso, en algunas de esas producciones participaron actores de renombre, como Osvaldo Terranova y Hugo Arana. La noticia de su partida despertó el sentimiento de muchos que la conocieron dentro y fuera del ambiente musical. Un músico como Axel Krygier, de sólida trayectoria, escribió un mensaje para la familia de Corral que dice: "A mis 10 años grabé en el disco ¿Y Mambrú? con un coro, y tuve el gusto de conocerla en estudio de grabación. Y en casa, 'El jardín de los problemas' es emblema familiar".Buena parte de sus discos fueron editados por el sello que ella misma fundó, Cornamusa. Pero no fue una etiqueta solo para sus álbumes. Por allí salieron, también, producciones de los artistas más variados. De Bola de Nieve y Abel Carlevaro a Daniel Viglietti.El contexto de época también le dio a Corral la posibilidad de poner reflexión, en el cancionero infantil. Así fue que llevaron su firma temas como "Quiero crecer con mi país". Es aquel que dice: "Quiero saber un poco más, para crecer con mi país. Para ayudar a transformar la realidad de cada día. Entre el cielo y la tierra, mil preguntas; mientras el sol madura y el viento desparrama las semillas. (...) Al acero transformo y le doy vida. La madera en tus manos se humaniza. Pero hay que estar alerta con tanta maravilla; solo sabiendo, el hombre la domina".Cuando el siglo terminaba se embargó en un proyecto colectivo. Creó, junto a grupos y solistas como Los Musiqueros, Daniel Viola, Caracachumba y Sonsonando, el famoso MOMUSI (Movimiento de Música para Niños) que se convirtió en una de las plataformas más importantes para el desarrollo y la difusión de música para chicos."Entre lo que denomino experiencias comunitarias, unas de ellas fue Promin (Programa Materno Infantil y Nutrición). Fue un proyecto nacional para madres. A mi me contrataron durante dos años para la parte musical. Fue muy enriquecedor, porque siempre es un ida y vuelta. La canción era eje de muchas cosas en sus vidas. Si bien no era la época de Ni una menos, muchas se dieron cuenta de que no tenía lugar en la casa más que la cocina". Y sobre el surgimiento de Momusi, decía: "Fue una época muy linda, con grupos de excelencia. A partir de ese nivel aspiramos a crecer. Tuvimos, durante nueve años, un lugar en el Teatro San Martín; luego, el Ministerio de Educación de La Nación nos ofreció ciclos en el Interior del país. Latinoamérica corre con los estragos de los medios de comunicación que ignoran los valores musicales que deberían estar en las orejitas de los niños y de los adultos. Hay gente que cree que los chicos son solo castañuelas. Hay que penetrar ese muro poco noble del éxito que solo busca la plata, sin calidad humana. Ese que no mira el cielo", decía.

Una llamada y música navideña que no paró de sonar por más de un día: así fueron las últimas horas de Peter Greene antes de morir

El actor de 'Pulp Fiction' había hablado días antes con su mánager sobre una cirugía programada

Desde el son cubano al joropo de Venezuela: toda la música y expresiones latinas que ya son patrimonio de la Unesco

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), el organismo cultural de la ONU, agregó diez expresiones musicales al Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, desde el son cubano hasta el joropo de Venezuela. La designación tiene como objetivo salvaguardar la cultura para futuras generaciones y visibilizarla frente al resto del mundo.La música latina que ya es patrimonio de la UnescoDurante la 20ª sesión del Comité Intergubernamental, celebrada del 8 al 13 de diciembre en Nueva Delhi, India, la Unesco examinó 67 candidaturas y eligió 48 para el Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Dentro de todas estas expresiones culturales, incluyó a diez ritmos musicales y expresiones latinas, procedentes de distintos países.De acuerdo con la información recogida de su transmisión en vivo, las tradiciones latinas seleccionadas por el comité incluyen:Cuarteto, Argentina: con más de 80 años de historia, es un género musical bailable y enérgico que combina estilos musicales criollos locales con influencias de inmigrantes europeos. Es popular en los eventos musicales y en reuniones familiares, fiestas y eventos comunitarios. En sus inicios incluía instrumentos como piano, violín, acordeón y contrabajo, pero con el tiempo incorporó ritmos caribeños, percusiones afro-latinas e instrumentos de viento. Bram y sambai navideños, Belice: se realizan en la aldea de Gales Point Manatee, en la península de la Laguna Sur, durante el 25 y 26 de diciembre. El bram comienza con cantos y danzas de los participantes que se desplazan de casa en casa, acompañados por instrumentos fabricados localmente. La danza sambai se realiza por la noche, con los participantes bailando alrededor de una fogata. Se interpretan canciones tradicionales y modernas que abordan temas sociales.Fiesta de la Virgen de Guadalupe, Bolivia: el evento religioso y cultural se celebra cada año en Sucre. Comienza con el traslado de la imagen de la Virgen a la catedral de la ciudad y continúa con oraciones diarias, procesiones con velas, espectáculos musicales y celebraciones públicas.Circo de tradición familiar, Chile: los circos familiares recorren el país de manera itinerante y llevan su arte a ciudades, pueblos y localidades rurales. Confluyen acróbatas, payasos, funambulistas, malabaristas, magos y maestros de ceremonia, entre otros.Son, Cuba: es una práctica tradicional de música y danza que combina el canto, los instrumentos, el ritmo y el movimiento. Se interpreta en dúo o en grupo, mediante la mezcla de la improvisación con patrones estructurados. Incluye letras inspiradas en la vida cotidiana que se transmiten oralmente, y reúne influencias musicales africanas y europeas.Cofradía de Flores y Palmas, El Salvador: celebración tradicional que fusiona creencias indígenas con prácticas católicas. El evento coincide con el inicio de la temporada de lluvias y de las cosechas, y se caracteriza por una procesión de palmas decoradas con flores silvestres. La peregrinación va acompañada de danzas tradicionales, música, oraciones y la preparación de alimentos especiales.Representación de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo en Iztapalapa, México: tradición comunitaria que reúne a los residentes locales en una expresión de fe, identidad y cultura. Los portadores de la tradición interpretan pasajes bíblicos durante la Semana Santa, y el evento culmina el 3 de mayo con una ceremonia de bendición de la cruzConstrucción de quincha, Panamá: práctica tradicional que se encuentra comúnmente en zonas rurales y semiurbanas. Consiste en la construcción de viviendas con una mezcla de tierra arcillosa, heno y fibras naturales, además de madera y plantas. Se transmite de manera informal, especialmente durante eventos comunitarios conocidos como juntas de embarre.Sarawja, música y danza aymara de Moquegua, Perú: celebración anual que tiene lugar después de la Semana Santa católica y marca el final de la temporada de lluvias y el inicio de las cosechas. Incluye una representación de danza ritual realizada por grupos de bailarines organizados en círculos. Las mujeres visten trajes tradicionales de lana y giran rápidamente en círculos, mientras que los hombres acompañan sus movimientos silbando, zapateando y tocando instrumentos.Joropo, Venezuela: tradición festiva viva que surge del encuentro entre poblaciones indígenas, africanas y europeas. Combina música, poesía, canto y baile, y utiliza diversos instrumentos como el arpa, el cuatro, las maracas, el violín y el acordeón. Tiene una danza de pareja en la que un hombre y una mujer bailan a cierta distancia. Comienzan en posición de vals y siguen pasos y movimientos específicos.Qué es el Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UnescoEl organismo cultural de la ONU define como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad a un conjunto de "prácticas, conocimientos y expresiones que las comunidades reconocen como parte de su identidad cultural, junto con los objetos y espacios asociados".Esto es transmitido de generación en generación y se adapta con el tiempo, por lo que refuerza la identidad y el respeto por la diversidad cultural.La música, según la Unesco, desempeña un importante papel en los intercambios culturales y estimula la creatividad. No obstante, en la actualidad, muchas formas diversas se pueden homogeneizar con el fin de ofrecer un producto coherente.Por este motivo, la Unesco repara en que las medidas de salvaguardia de las artes tradicionales del espectáculo deberían centrarse principalmente en:La transmisión de los conocimientos y las técnicas.La utilización y fabricación de instrumentos.El fortalecimiento de los vínculos entre el maestro y el discípulo.El objetivo de la inclusión de la música y expresiones latinas En su sitio web oficial, la organización resalta que ante la creciente globalización, existe el riesgo de que "ciertos elementos del patrimonio cultural inmaterial puedan desaparecer sin ayuda".Para evitar esta desaparición de las tradiciones, la Unesco trabaja con las comunidades en la búsqueda de transformar las políticas públicas y salvaguardar las culturas vivas.En ese sentido, el Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad tiene el propósito de "asegurar una mejor protección de importantes patrimonios culturales en todo el mundo y aumentar la conciencia sobre su significado".

Muere Abraham Quintanilla, el padre que impulsó la leyenda de Selena y redefinió la música Tex-Mex

El padre de la reina del Tex-Mex muere a los 86 años, dejando una huella imborrable en la cultura popular mexicana

Fueron ícono de la música pop de los '80, pero una falla en pleno show los dejó al descubierto: la historia de Milli Vanilli

Un éxito construido sobre apariencias reveló los mecanismos ocultos de una industria capaz de fabricar ídolos mientras ocultaba a quienes realmente daban voz a sus hits

Tiempo, música, vivencias y caminos compartidos

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Nelson Castro: su dura infancia, la frase de sus padres que lo marcó y cómo la música guió su vida

Nelson Castro abre las puertas de su departamento y rápidamente se divisa el piano histórico que es una suerte de continuación física del médico, periodista y músico. "Me interesa cumplir con los objetivos que me planteo", sostiene cuando se le hace notar su diversidad de quehaceres. No cabe duda de su versatilidad y de un extremo compromiso sobre todo aquello que decide abordar. Nelson Castro íntimoEse ímpetu lo trae desde el vamos. De cuna. Nació hace 70 años y su primer terruño fue la localidad de San Martín. Una grave enfermedad, el estímulo de sus padres y una inquebrantable fe religiosa lo llevaron a cumplir -siempre con excelencia- cada una de las metas que se propuso. "Pasen, siéntanse como en su casa", recibe, mientras invita con algo para tomar. "El silencio de este lugar no lo podría encontrar en otro lado", rompe el hielo ante los elogios del espacio. No miente. A pesar de tratarse de un piso en pleno barrio de Recoleta, ni siquiera la quietud es interrumpida por los aviones que se divisan despegar no demasiado lejos. En su misma torre reside otra ilustre, la actriz Thelma Biral, "una vecina fantástica, muy querida por todos". Nelson Castro resulta un ser cercano. Establecer la charla es hacerlo con alguien de mucha afabilidad, extremadamente cortés y de un decir elegante hasta el paroxismo. Vestido con saco, camisa y corbata de tonos pasteles, recuerda a algún caballero andante de los que todavía se ven dando vueltas por esa zona distinguida de la ciudad. "Me gusta salir a caminar por el barrio, elijo distintos barcitos para tomarme mi café". Vínculo inequívoco y directo con la gente. -Nelson, ¿charlamos?-De lo que quieras. Se abre al juego. Conoce de qué se trata. Ha hecho de la palabra dicha y escrita su modo de entender, decodificar el mundo. Como también lo hace con la música. Si su trascendencia mediática se dio en el campo de la comunicación -hoy conduce Telenoche (eltrece) y Vamos Rivadavia (Radio Rivadavia)-, su afición por la ejecución de piano también lo llevó a lograr reconocimiento, incluso como director orquestal, un rol que dialoga y es consecuencia de su pasión por el estudio de las partituras -actualmente solo abocado al repertorio clásico-, y por la composición de piezas propias, cuyos acordes pudo conocer LA NACION en una suerte de concierto intimista en esa planta alta rodeada de enormes ventanales que permiten divisar Buenos Aires en un radio de ciento ochenta grados. En su carácter de director orquestal, el 29 de noviembre pasado, Castro surcó los poco más de cien kilómetros que separan su domicilio en Recoleta de la ciudad de Chascomús para ponerse al frente de la Orquesta Sinfónica Juvenil Alberto Ginastera, una de las 11 formaciones de la Orquesta-Escuela de Chascomús, creada por Valeria Atela en 1998. El periodista, al frente de la agrupación, dirigió, batuta en mano, el "Cuarto Movimiento" de la "Quinta Sinfonía" de (Ludwig van) Beethoven. "Tocar una nota equivocada, es insignificante. Tocar sin pasión, es inexcusable", sostuvo, alguna vez este genio atormentado, compositor de más de un centenar de opus, fallecido en Viena en 1827. A Nelson Castro, pasión le sobra, pero también es un minucioso preciosista de la técnica, un ocupado estudioso que apela al rigor como búsqueda de la excelencia posible. Será por eso que su vínculo con SOIJAr (Sistema de Orquesta Infantiles y Juveniles de Argentina) se dio naturalmente. No sería irrespetuoso afirmar que el piano cobra en su living tanto protagonismo como su morador que también habla a través de las partituras. Otro modo de decir. Decirse ante el mundo. Mundo propioDebajo del piano reposa una planta cuyas hojas verdes lucen tan lustrosas como la superficie del instrumento de grandes proporciones. No se trata de un exotismo, ni de un capricho de ambientación. "Debido a la loza radiante, la madera se reseca, entonces la planta debajo le confiere humedad y la conserva en buen estado, sin afectar, por supuesto, la afinación". El living -de paredes y techo con tratamiento acústico "para no molestar a los vecinos cuando toco el piano"- se encuentra despojado. Un televisor de unas cuantas pulgadas, junto con dos grandes sillones, no logran relegar el protagonismo del piano. En el comedor, integrado al living en "L" una gran mesa permite albergar a unos cuantos comensales, pero se intuye que Castro debe ser un hombre muy abocado a su trabajo y a su pasión por la música, un recoleto poco adepto a los cambios de horario, las cenas trasnochadas y el bullicio. Riguroso. -¿Qué hay detrás de un buen concertista?-En primer lugar, debe tener talento, algo que no tengo. Busca despegarse de su rol. Acaso como quien vive con pudor pisar esos terrenos que supo conocer habitados por enormes y admirados maestros. No es falsa modestia, se trata de pudor. "Metodología, pasión y estudio". En esa sagrada trinidad descansa parte del secreto de su metier. "Insume muchas horas de estudio, cuatro, ocho, diez, es una vida de enormes sacrificios". -Lo percibo muy metódico. -Efectivamente, no podría hacer todas las cosas que hago sino tuviera metodología. -El método implica esfuerzo.-Cuando estoy en el canal o en la radio, mi mente está puesta en eso que estoy haciendo. Cuando llego a mi casa, me concentro en la música sin distracción. -Entiendo que la música se convierte en un gran oasis frente a la vorágine informativa. -Cuando toco, antes de ir al noticiero, me pasa algo mágico.-¿Qué le sucede?-Me desenchufo y, cuando termino, aparece algo que, quizás, estaba dudoso; encuentro el camino y se lo planteo al equipo del canal.Aquel lugarNació en la localidad de San Martín y, cuando había cumplido los cinco años, sus padres (Elsa y Nelson) mudaron a la familia al barrio capitalino de Villa Urquiza, donde vivió hasta no hace mucho tiempo atrás. Su padre, carpintero de oficio, lo marcó en muchos aspectos, incluso en el musical: "Había tocado el bombardino en la banda municipal de su pueblo natal, en el sur de Córdoba". A pesar que la familia residía en otro lugar, Castro estudió desde los diez hasta los 15 años en un destacado conservatorio de San Martín. "Cuando comencé el colegio secundario, tuve que cambiar de horario en el conservatorio, cursando en el turno de la tarde-noche, donde iban chicos más grandes que tocaban muy bien. Eso me abrió a un repertorio que no conocía y me introdujo a la música clásica, ahí nació mi pasión, se despertó algo que no se terminó nunca".Sin embargo, la medicina y el periodismo le ganaron, en principio, a la vocación musical. Se recibió de médico en la Universidad de Buenos Aires con notable promedio -Diploma de Honor- que le permitió ejercer hasta entrada la década del noventa como un destacado profesional. En simultáneo se formó como periodista en el Instituto Grafotécnico y el Círculo de Periodistas Deportivos, la rama de la comunicación donde comenzó a despuntar esta pasión que, varios años después, lo consagró como uno de los más serios y éticos profesionales del análisis político. -¿Qué decían sus padres cuando iban despertando en usted las diversas vocaciones?-Confiaron en mí, algo que les agradezco mucho. Siempre me dijeron "si lo querés hacer, lo vas a hacer". En 1978 finalizó su colegio secundario, totalmente recuperado de aquella enfermedad bacteriana que lo había aquejado y que lo sometió a un sinnúmero de intervenciones quirúrgicas hasta sus 14 años. Era un niño cuando su vida corrió peligro, pero aquello lo marcó favorablemente, germinando en él un espíritu resiliente, tenaz. View this post on Instagram -Jamás hubo en usted dudas vocacionales. -Jamás. Estudiar medicina era lo clásico y seguir periodismo era poco menos que una excentricidad, pero mis padres confiaron en mí, fue un estímulo enorme, los recuerdo con tanto cariño.-Ese estímulo resultó esencial para su despertar a la vida y a una vida realizada.-Mis padres eran gente sencilla, Mi padre era carpintero y mi madre se desempeñaba como ama de casa, pero siempre me estimularon. -Así como el piano, la carpintería también tiene un sonido muy propio. -Siempre le reproché a mi padre no haberme enseñado el oficio. Mi hermano Daniel, en cambio, es un gran carpintero. En su familia también estimularon su fe cristiana, la convicción religiosa que lo acompaña hasta hoy. "La música es un regalo de la vida", sostuvo alguna vez. Acaso esa ofrenda lo estrecha con su profunda fe. "La música es un arte sublime, divino. Una melodía genera un montón de reacciones, que van de la mano de cada uno y son inescrutables". Si la música puede entenderse como una manifestación de la divinidad, aprovechó sus coberturas periodísticas, a propósito de la guerra desatada en Ucrania y del conflicto en Israel, para esparcir arte. Allí, en medio de sus salidas al aire micrófono en mano, se dio tiempo para la ejecución musical. Una bendición para esas personas que atravesaban, y atraviesan, la tragedia de la guerra. "Son esas experiencias que le agradecés a la vida y a la música. Me preguntás por eso y se me produce la piel de gallina. Tuvieron una repercusión mundial que me impactó. Digo una frase que no me pertenece 'donde reina la música vive la paz'".En 2022, en la estación de trenes de Lviv, en Ucrania, ejecutó el piano para los refugiados, corridos por el ataque ruso. El reloj marcaba las 14.03 en el frente del edificio Art Nouveau y, en medio del dolor, no faltó quien acompañara sus acordes con el baile. "Era la frontera entre Polonia y Ucrania. Un muchacho tenía un piano transportable. Le pedí si me permitía tocarlo y lo hice durante una hora. La gente se comenzó a agolpar, lloraban, fue impactante. Magdalena Ruíz Guiñazú me envió un mensaje a través de Joaquín Morales Solá donde me comentaba que lloraba mirando las imágenes: 'Me llega al alma, esto es la paz', me dijo". -Hubo una segunda experiencia en la trinchera de guerra en Ucrania. -Después toqué en una casa donde había caído una bomba y la gente había muerto. Estaba el piano totalmente destruido, con la partitura que estaban tocando en el momento en el que cayó la bomba y los mató. -¿Qué partitura era?-El "Preludio 20" de (Fréderic) Chopin. Fue impactante. La destrucción del instrumento apenas le permitió ejecutarlo, estremeciendo a quienes se encontraban allí. Tiempo después, Nelson Castro visitó Israel, ya en tiempos del conflicto con Palestina. El periodista ingresó a un kibutz y, como un mensaje del destino, se topó con un piano "que no sonaba desde el 7 de octubre". Allí también, a través de su interpretación, bregó por la paz. View this post on Instagram Cuando se llevaron a cabo las exequias del Papa Francisco, también se sentó en el taburete y ejecutó las teclas y blancas. Allí, en Roma, la pieza escogida fue "Eran los ocho de la mañana", de su autoría. "Tuvo que ver con la inspiración de ese momento". La interpreta para LA NACION y conmueve. Mágicamente, un haz de luz solar ingresa furibundo por el amplio ventanal y todo parece un milagro.-¿Todo lo que se propone, lo logra?-Se lo agradezco a Dios todos los días. Le agradezco a Dios ser lo que quise ser, es un regalo de Dios y de la vida. Todos los días disfruto y agradezco. -¿Es muy creyente?-Sí. Cuando fui a la guerra me sentí protegido por Dios, fui seguro. No soy ningún valiente, no me siento superior a nadie que puede haber tenido miedo, pero sentí que Dios nos iba a proteger, como finalmente sucedió. A pesar que primero se desarrolló como intérprete, desde niño lo acompañó la vocación por la dirección de orquesta que hoy también conmueve a su audiencia: "Me surgió cuando vi, por primera vez, una orquesta sinfónica por televisión". Aquel programa era Selecciones del Reader's Digest y la orquesta en cuestión era la de Filadelfia, interpretando el "Segundo movimiento de la quinta sinfonía" de (Piotr Ilich) Chaikovski. Castro tararea sin pudores. Emula con su garganta aquello que fue epifanía. "Cuando escuché eso, tenía nueve años, y me dije 'esto es maravilloso'".Torcer adversidades-Vuelvo a su trabajo en SOIJAR, a la dirección de una orquesta de niños y jóvenes, y pienso en cuánto se puede hacer por la inclusión desde espacios como esos. -El deporte y el arte generan inclusión, sobre todo cuando se trata de actividades colectivas, como el fútbol o una orquesta. Además, exigen disciplina, rigurosidad. Los chicos mejoran su productividad escolar porque están motivados. View this post on Instagram "La base de SOIJAr es la escuela de Chascomús con Valeria Atela a la cabeza, una gran directora", reconoce el periodista, quien recuerda que conoció a la agrupación chascomunense en 2005, cuando se encontraba al frente del ciclo Lo que el viento no se llevó por la señal Canal A.-¿Cómo nace su vínculo con SOIJAR?-Me contactó Liliana Parodi (reconocida productora que ha estado al frente de diversas señales y holdings de medios), a quien conocía desde 1995, cuando hicimos CVN, y es a través de ella que comienzo a tomar idea de algo que nosotros seguimos con mucha atención desde 2004, cuando hicimos un documental, que fue medalla de oro en el Festival Internacional de Nueva York, con la Orquesta Infanto Juvenil de la Villa 31. También veníamos trabajando con el maestro Mario Benzecry y la Orquesta Libertador General San Martín, que tiene la misma lógica. Lo maravilloso de SOIJAr es que se expandió a todo el país."Los chicos tienen que tocar bien porque eso es inclusión. Si no tocaran bien, no habría inclusión", sostiene, acodado en su piano, donde una buena montaña de partituras descansa sobre la madera lustrosa junto a una batuta, signo inequívoco de su rol como director. -Entonces, para los niños y jóvenes no sólo se trata de la posibilidad de integrar una agrupación orquestal, sino que implica aprehender el compromiso de la exigencia en busca de los logros. -Los chicos tienen una calidad muy buena, cuando los escuché me impactaron. Ese es el valor, si no tocaran bien no habría inclusión. Es como sucede con el colegio, si el chico que termina el séptimo grado no sabe sumar o restar, esa institución no sirve. Algunos chicos serán músicos, otros no, pero salen personas con valores.Si de valores se trata, Nelson Castro reconoce que "la orquesta sinfónica tiene un valor formativo porque conviven setenta, ochenta o cien personas con pensamientos diferentes, pero todos forman parte de un común y saben que para que salga bien lo que hacen exige que cada uno haga bien su parte". -Muy aplicable a la vida. -Eso hace que cada uno se ponga contento cuando al otro le sale algo bien, porque hace que el conjunto se luzca. View this post on Instagram También abrir espacios de interpretación en torno a la música clásica es para Castro una proyección no menor: "Se puede escuchar en el (teatro) Colón o en Chascomús". -En ese sentido, usted también ha interpretado música popular. -La música se divide en buena o mala. La "Rapsodia bohemia" es una obra genial, como también lo son la (sinfonía) "Quinta" de (Ludwig van) Beethoven o la (sinfonía) "Quinta" de (Gustav) Mahler, pero son de distinta complejidad. Freddie Mercury no hubiera podido escribirlas, pero su obra también tiene su genio y su calidad. Eso es muy importante entenderlo. En mi caso, hoy no tengo el tiempo para abordar la música popular como quisiera. Antes que el piano cooptara su vida, la guitarra fue el instrumento que maridaba con la pasión del periodista con la música: "Toqué mucho a los clásicos españoles, como (Isaac) Albéniz y también a (Fréderic) Chopin y (Ludwig van) Beethoven y, entre los argentinos, a (Carlos) Guastavino y (Eduardo) Falú, con composiciones concertistas poco escuchadas". En plan de recordar ese acervo popular, también rememora aquel tiempo donde la ejecución de su instrumento de cuerdas lo llevó hacia el tango más disruptivo: "Con mi guitarra toqué mucho a (Astor) Piazzolla". -¿Cuáles fueron aquellas primeras partituras que ejecutó en piano?-... [Se acomoda en el butacón y sus dedos van en busca de las blancas y las negras que harán volar la imaginación del escucha con aquello compuesto por Chopin] Explica la utilización del metrónomo, indispensable en su rol de director de orquesta. Un antiguo ejemplar descansa sobre el piano. Lo pone en marcha en diversos "tempos" y mueve sus brazos, batuta en mano, demostrando cómo la técnica se traduce en sensibilidad corporal. Está dirigiendo, aún sin orquesta. Y la atmósfera se vuelve santificada. El silencio parece multiplicarse. Y hasta uno podría intuir los sonidos de una agrupación orquestal en plena faena. Nelson Castro se posesiona. Imbuido en los acordes internos. Y también en su fe. "Siento la presencia de Dios".

Sin vip y con música de los 90, las fiestas +35 piden pista

Natalia Brusca dejó a Mateo, su hijo de 12 años, al cuidado de sus abuelos y pidió un Uber. ¿El destino? Los años 90, aunque en la aplicación figuraba Moscú, ex Pachá, el boliche de la Costanera al que iba a bailar cuando estaba en la secundaria y se tomaba el 102 con un grupo de amigas. 30 años más tarde, el ritual se repite: va a encontrarse con varias de esas compañeras de colegio, que también dejaron a sus hijos a cargo de un adulto, para revivir aquella época que las marcó para toda la vida.Las fiestas de la nostalgia, las que ponen música de los 90 y principios de 2000 para bailar como si no existiera un mañana, las inclusivas que convocan a varias generaciones e incluso familias, porque aquí la edad que marca el DNI no importa siempre que sea más de 18, las que no tienen sector vip ni invitados especiales y las que no siguen tendencias musicales actuales como el trap o la cumbia RKT, son un boom que no para de crecer.En muchos casos, detrás de estos eventos masivos hay íconos de aquella época, como Tommy Muñoz -histórico DJ de Caix hoy al frente de L.A.T.M.-, Javier Zuker-residente de Nave Jungla, ahora organizador de Quitapenas-y B.B. Sanzo, conductor radial de la recordada Radio Z 95 y embajador local de las bandas extranjeras del momento, que se involucró con el evento Anclado en los 90. En otros casos, son organizadas por personas que buscan volver a bailar y emocionarse con los temas que atravesaron su adolescencia.L.A.T.M. +35 organizada por Tommy Muñoz, fue una de las primeras en surgir y también una de las más convocantes. El propio DJ cuenta que sintió una señal muy clara que lo impulsó a producirlas: "Después de una fiesta en la que puse música en Córdoba, donde me sorprendí porque todos tenían más de 30 y no paraban de bailar, volví a casa en el primer avión y en el diario papel lo primero que leí fue una nota sobre el boom de las fiestas +40 en todo el mundo -recuerda-. Ahí dije 'tengo que hacer algo' y subí una encuesta a mi Instagram preguntando si les divertía que hiciéramos una fiesta para los que no salían hacía mucho y el 99% me dijo que sí. Así empezó".La T. M. (por La Tommy Muñoz) es un éxito que sorprendió hasta al propio DJ: "Yo tenía fe en que a la gente iba a gustarle, pero nunca pensé que tanto -reconoce-. Lo que más me llama la atención es la energía con la que viene. La mayoría deja un rato a sus hijos al cuidado de un familiar y sale a disfrutar con o sin pareja, o con sus amigos. Es gente que tiene muchas ganas de divertirse. El público encontró en este espacio un lugar de pertenencia", resume.Además de la música bailable y bien hitera que va desde cumbia, reggaeton y latinos remixados hasta electrónica comercial, Muñoz sostiene que la locación es clave: "Para mí es importante que estas fiestas sean en lugares que te lleven a una vivencia, que te trasladen a un momento especial de tu vida. Por eso todas las que hicimos hasta ahora en Buenos Aires fueron en Moscú, ex Pachá, que fue un lugar muy recordado por todos los que vienen. Y también calculo que la gente confió en mí en el sentido de que iba a haber gente de su edad. En realidad yo digo que el +35 es conceptual; es un evento abierto a quien quiera divertirse, la idea es que el público sepa a dónde va, con quién se va a encontrar".Natalia Brusca asiste a estas fiestas casi desde el principio. Destaca no solo poder encontrarse con gente de su edad -está transitando los primeros años de sus 40- sino también volver al boliche donde iba a bailar cuando era adolescente: "En Pachá pasé los mejores momentos de mi juventud, me enamoré y desenamoré mil veces, me divertí, lloré y volver a pisar ese lugar no tiene precio. No salgo nunca, pero cada vez que hay una LA T.M., voy porque es revivir una época feliz", cuenta. Natalia Brusca asiste a estas fiestas casi desde el principio. Destaca no solo poder encontrarse con gente de su edad -está transitando los primeros años de sus 40- sino también volver al boliche donde iba a bailar cuando era adolescente: "En Pachá pasé los mejores momentos de mi juventud, me enamoré y desenamoré mil veces, me divertí, lloré y volver a pisar ese lugar no tiene precio. No salgo nunca, pero cada vez que hay una L.A.T.M., voy porque es revivir una época feliz", cuenta.Algo parecido describe Sabrina Di Claudio, la creadora, productora y host de la fiesta Forever 90s. Con 40 años, esta licenciada en Ciencias de la Comunicación asegura que aquellos años "quedaron marcados a fuego". Por eso mismo, ahora que transita su vida adulta, confiesa que siempre buscó volver, de alguna manera, a ese lugar. Y lo hace todos los meses con una fiesta temática que puede ser de Primavera, Halloween o de Egresados, como la última edición. Cada una cuenta una historia distinta y tiene un dress code definido.El debut fue en 2024, aunque Sabrina ya había organizado algunas antes de la pandemia. La primera del año pasado fue en el Centro Cultural Matienzo, con una capacidad para 600 personas. "Fue una sensación increíble. Agotamos esa primera edición y confirmamos que la gente necesitaba tanto como nosotros ese espacio de alegría y nostalgia -reflexiona-. A partir de ahí, todas las ediciones fueron sold out. El 2025 fue nuestro segundo año y dimos el salto a Vorterix, donde también agotamos todas las ediciones", cuenta Di Claudio, que define estos encuentros como "una experiencia noventosa, un viaje a la década desde todos los frentes. Una noche donde el público, la música, la emoción y los recuerdos, son los protagonistas".Ya en la recepción reciben a la gente con regalos retro; hay un stand de glitter y banners noventosos para fotos. Pero en la pista es donde ocurre la magia. "Hemos tenido íconos musicales argentinos de los 90, como Machito Ponce, Los Chakales y Roberto Edgar Volcán. Y las visuales, las coreografías y la escenografía hacen el resto. Es un verdadero viaje en el tiempo", dice la creadora de la movida.La cita siempre es un sábado al mes en Vorterix. La próxima -y última del año- será el 20 de diciembre con una temática particular: el Error Y2K, un potencial fallo informático que prometía romper todo el sistema y hacer colapsar el mundo al pasar de 1999 a 2000. Como siempre, habrá karaoke en equipos y los que cumplen en diciembre entrarán gratis hasta la 1.30 de la madrugada presentando DNI. De todas maneras, parte del concepto es poner entradas accesibles con un costo de $15.000 en venta anticipada.Otra de las fiestas que convocan a los que fueron jóvenes en los 90 y 2000 es La Re Fiesta, donde "está prohibida la música moderna". No se trata solo de un efectivo slogan marketinero: es, sobre todo, una declaración de principios. Su organizadora, Morena Escandell, cuenta que la propuesta nació de su propia necesidad de poder salir a bailar temas que marcaron su juventud.Nacida en 1990, Morena se encontró un día un mix noventoso y enseguida sintió que su cuerpo se apoderaba de una energía distinta. "'Me dije: '¿Cómo puede ser que no haya una fiesta donde pueda bailar esta música?' A medida que crecés, ya no buscás lugares en los que importe cómo te ves sino espacios amables, sin prejuicios. A la Re vienen personas de 18 a 70 años, incluso familias completas, aunque la mayoría tiene entre 25 y 40. Todos conviven en armonía gracias al clima relajado y horizontal que genera la fiesta. Por eso no hay VIP ni famosos invitados", describe.De espíritu nómade, la Re Fiesta es itinerante por naturaleza, por lo que cambia de locación todo el tiempo. La última se realizó el 7 de diciembre en el barrio de Colegiales, pero la gira continúa: "Se hace de forma regular en CABA, Zona Oeste, La Plata, Mar del Plata, Necochea, Miramar, Tandil, Rosario, Córdoba, Santa Fe, Mendoza, San Luis, y hace poco sumamos Paraná, Concordia, Olavarría, Neuquén y seguimos... Nos gusta pasear, conocer y además desafiarnos con nuevos lugares y equipos de trabajo todo el tiempo", cuenta Morena.Anclado en los 90 tuvo una única edición el 30 de agosto pasado y hay ganas de hacer otra en 2026. Uno de los que ofició de anfitrión fue BB Sanzo, histórico locutor de La Z95 y Energy [hoy acompaña a Santiago del Moro en La 100] que fue convocado por el organizador para formar parte del evento. "La gente se engancha con estas fiestas porque no hay muchas propuestas para los más grandes. Una vez que dejás de ser joven las opciones se reducen. Y además, la música de los 90 no se recicló. No hay algo que haya reemplazado lo que se escuchaba en aquella época", analiza Sanzo.En el Complejo C Art Media, con Gustavo Sosa manejando los hilos musicales, sonaron a todo volumen Erasure, Depeche Mode, INXS y los famosos one hit wonders de aquellos años. Además, hubo una banda tributo a Pet Shop Boys y Jazzy Mel, "el primer rapero argentino", se calzó otra vez la gorra para cantar "Fue Amor"."Esa música, además de ser bailable, era divertida. Hoy una radio musicalizada solo con música de discotecas y que aspire a ser la número uno, es imposible. Por eso la gente de 40 e incluso más joven que no le gusta la música de ahora, va a estas fiestas a escuchar esas bandas", analiza Sanzo.De hecho, en Quitapenas, organizada por el DJ más rockero de la escena local, Javier Zuker, y su socio Andrés Balaciano, dueño y chef del restaurante Loreto Garden, se mezclan en la pista jóvenes que gracias a sus padres o por una búsqueda personal, descubrieron la música de los 90 y 2000, y personas de 40, que quieren volver a experimentar la sensación de estar vivos.La atmósfera que se genera es especial y difícil de explicar. Los 200 o 300 fieles que van a cada una de las ediciones aseguran que hay que estar ahí para sentirla. Para los que buscan vivir la experiencia, queda la última Quitapenas del año el viernes 19 de diciembre en Lirondo, en el barrio Las Cañitas, con entradas a $20.000 porque las de preventa, más económicas, ya están agotadas.A la hora de explicar el éxito de esta movida, Sanzo ensaya una respuesta: "Creo que aquello que te impactó de adolescente deja una huella imborrable. Aún hoy hay gente de 40 y pico que me para en la calle y me dice 'tu voz es la voz de mi juventud'. Es muy lindo quedar asociado con eso porque en general es una época que la gente recuerda como una etapa muy linda de su vida. Por eso el éxito de estas fiestas no pasa solamente por la música: también está lo sentimental, la emoción. ¿Y quién no quiere volver a sentir eso?".

Arte, música y tradición en San Juan de Lurigancho este domingo en el Gran Festival Intercultural 2025

El próximo domingo 14 de diciembre, la explanada "La Bombonera" de San Juan de Lurigancho se convertirá en el epicentro del arte, la música y la identidad local con la primera edición del Gran Festival Intercultural SJL, una iniciativa que reunirá a la comunidad en torno a la cultura y la tradición.

Cómo elegir música libre de derechos y evitar problemas de monetización en YouTube

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Joe Kerry: de ser el favorito de Stranger Things a convertirse en una estrella de la música que llega a la Argentina

Cuando Steve Harrington apareció por primera vez en Stranger Things allá por 2016, todos pensaron que sería el "chico malo" de Hawkins. Carismático, engreído, rudo y dispuesto a todo para tomar lo que creía que le correspondía. Nada más lejos de lo que demostró ser realmente. Si bien los destellos de su personalidad se mantuvieron a lo largo de toda la serie, su humanidad, su ingenuidad y sobre todo su bondad lo posicionaron directamente como uno de los personajes favoritos de la serie. Incluso, varios fanáticos aseguran que si llegara a morir en el transcurso de la quinta y última temporada terminarán completamente devastados. Ese cariño traspasó la pantalla y se trasladó al actor que lo interpreta, Joseph "Joe" Kerry. Lo que tal vez muchos no sabían y quizás recién ahora se estén enterando es que lo suyo no es solo la actuación, sino que lleva una vida paralela -y extremadamente exitosa bajo el pseudónimo artístico de Djo- en la música. Una de sus canciones se volvió viral en TikTok, lanzó tres discos con los que recorrió el mundo y, como frutilla del postre, en 2026 se presentará en vivo en la Argentina.Cuando el joven de 33 años, nacido en Newburyport, Massachusetts, se unió a la serie de los hermanos Matt y Ross Duffer, tenía poca experiencia frente a las cámaras, pero sí una sólida formación. Se graduó de la Escuela de Teatro de la Universidad DePaul en Chicago e hizo pequeñas participaciones en las series Sirens, Chicago Fire, Empire y la película Henry Gamble's Birthday Party. Todo cambió cuando audicionó para Stranger Things. "¡Qué oportunidad!... Me sacaron del anonimato y me pusieron en esto que me catapultó al ojo público. Pero entonces, inmediatamente, me invadió una sensación de... ¡Madre mía! Extraño a mis amigos y mi sentido de comunidad. Me llevó algunos años, la verdad, lidiar con eso", reconoció en diálogo con The Guardian. Y es que, con 23 años, dejó su vida en Chicago para mudarse a Atlanta y rodar la serie.Si bien originalmente se probó para el personaje de Jonathan Byers -el cual finalmente quedó para Charlie Heaton- le dieron el de Harrington. Y para ser honestos, ¿hoy podrían imaginarse estos roles invertidos? Probablemente, la respuesta sea negativa.Este trabajo le significó el salto al estrellato. Las puertas se abrieron y el teléfono no paró de sonar. Le llegó la propuesta de protagonizar las películas Spree y Cómplice en Fuga (Marmalade), de trabajar en Free Guy: Tomando el control (Free Guy) con Ryan Reynolds, Jodie Comer y Taika Waititi, en Finalmente l'alba con Willem Dafoe, Lilly James y Rebecca Antonaci y de sumarse a la quinta temporada de la serie Fargo. Si bien no le fue mal, donde realmente puso toda su energía, tiempo e interés fue en la música. Tras abandonar la banda Post Animal debido a sus compromisos con Stranger Things y bajo el pseudónimo artístico Djo - el cual adoptó para diferenciarse del universo de la serie -, decidió volver a apostar por la música. Y lo bien que hizo. ¿Por qué? Porque se convirtió en una sensación. Lanzó los álbumes Twenty Twenty (2019), Decide (2022) y The Crux (2025). En el segundo está incluida la canción "End of Beginning", la cual supo escalar al tercer puesto del Top 50 de Spotify y se volvió viral en TikTok. "Es súper raro y muy intangible", reflexionó en diálogo con Nylon sobre el concepto de "volverse" viral. "Está justo al límite de lo que está pasando en la industria musical ahora mismo, donde la gente busca momentos virales. Y me topé con uno por casualidad, sin hacer nada. O sea, existe el miedo de que la gente te conozca por una cosa, pero yo ya soy conocido por una sola, así que no pasa nada. Hasta que tocamos en vivo hace poco en un festival itinerante por Australia y Nueva Zelanda llamado Laneway, y un par de miles de personas cantaron la canción. Ahí pensé: 'Bueno, ahora supongo que lo entiendo. Estamos al otro lado del mundo. Nunca estuve acá'", sostuvo.Pero, al contrario de lo que pensaba, la canción que lanzó en 2022 dio la vuelta al mundo. Se presentó en el festival Coachella, en el programa The Tonight Show con Jimmy Fallon (NBC) y este año recorrió Europa y los Estados Unidos con su gira Back On The World Tour 2025 junto a Post Animal. En 2026 llevará su música a Latinoamérica y llegará por primera vez a la Argentina. Djo es uno de los artistas que se presentará en el Lollapalooza Argentina 2026. Tocará el viernes 13 de marzo en el Hipódromo de San Isidro. Asimismo, esta semana se lo confirmó dentro de la lista de los sideshows del festival. Dará una presentación más íntima, pequeña y privada el miércoles 11 de marzo en el Teatro Vorterix (Avenida Federico Lacroze 3455). La preventa de entradas exclusiva para clientes Santander American Express comienza este miércoles 10 de diciembre. A partir de las 13, arranca la venta general con el resto de los medios de pago y a través de la plataforma Allaccess, donde también se pueden adquirir entradas para el festival. Ahora, mientras continúa enfocado en su música, Kerry está en la etapa de promoción de la quinta y última temporada de Stranger Things, un viaje que comenzó hace una década. Si bien la misma se rodó en 2024, el 26 de noviembre, cuando se estrenaron en Netflix los primeros cuatro episodios, comenzó oficialmente la despedida. "Cerrar un capítulo de diez años fue definitivamente un momento agridulce, pero estaba muy feliz con la forma en la que terminó para mí, personalmente", sostuvo durante la avant premiere en Los Angeles en conversaciones con Extra. Incluso aseguró que los fanáticos estarán felices con el desenlace. "Les va a gustar", afirmó convencido. Para comprobar sus palabras habrá que esperar al 25 de diciembre a las 22 (hora argentina), fecha en la que se estrenan el quinto, sexto y séptimo episodio, y al 31 de diciembre, cuando tendrá lugar el gran final.