leyenda

Lionel Messi contra Lamine Yamal: el primer duelo entre la leyenda y el futuro será en la Finalissima

El partido entre Argentina y España se confirmó este jueves y se disputará el 27 de marzo, en Qatar.Entre los dos cracks hay muchas diferencias, además de la edad, pero también puntos en común.

Milo J en Vélez: un show maratónico donde no se privó de nada, "sos de la gente, sos una leyenda", le dijo Nicki Nicole

La vida era más corta. Recital de Milo J. Invitados: Cuti y Roberto Carabajal, Soledad, Nicki Nicole, Tini, Yami Safdie, AKRIILA, Paula Prieto, Ysy A, Bhavi y Radamel, entre otros. Funciones: jueves 18 y viernes 19, Estadio Vélez Sarsfield. Nuestra opinión: Bueno.Para Milo J mucho parece poco. Quizá de ese modo se entienda que un show de presentación de un nuevo álbum y un repaso de su carrera dure dos hora cincuenta minutos, tenga un repertorio de 44 canciones, una lista de invitados de lo más frondosa, puestas en escena que transcurre como un relato paralelo al desarrollo de una canción, recursos escenográficos, como la recreación de un camposanto sobre la tribuna oeste de estadio, baile de drones para simular estrellas, arneses y vuelos que llevan al anfitrión de la fiesta a una de las torres de iluminación de la cancha. Hay más: árboles quemados en escena (de utilería, por supuesto), cintas de aeropuerto sobre una larga pasarela, tarimas que lo pasean por toda la estructura del escenario y una presencia con la que se interpela; una que aparece y desaparece, a veces como un alter ego, otras como un supay que busca sangre donde la hay. Folcore y trap, sincretismo religioso, evocación pagana."Me estoy manifestando", dice en "Bajo de la Piel", rodeado del repiqueteo de bombos. Es el primero de los temas de este show que sirve de presentación de su último álbum, La vida era más corta. Se está manifestando, sí. Y vaya que lo hace. Porque Milo no se guardará nada en estas dos presentaciones que programó para el 18 y 19 de diciembre, en el Estadio de Vélez.Casi se podría decir que son tres shows en uno. Por un lado, un recital en donde la novedad del nuevo álbum es la excusa para encontrarse con el público y la tracción que generan sus canciones hacen de su comunicación con la gente un círculo virtuoso. Porque la mayoría de los que saltan y hacen pogo en el campo, también son capaces de canturrear una chacarera o un aire de zamba, y responder con igual naturalidad a todo lo que Milo J propone. Hasta llama la atención en una generación centennial que haya algunos (muchos en realidad) que le den un descanso al celular para poder disfrutar del show sin intermediarios. Una verdadera curiosidad es el hecho de que, a menos que se haya producido un agotamiento masivo de baterías, entre muchos celulares en alto hay una nutrida audiencia que se deja llevar por las canciones.Otro show fue el que se vivió como una galería de feat. Porque, en ese sentido, el protagonista no se priva de ningún dueto. Desde la voz de la eterna Mercedes Sosa, en la "Canción del jangadero" (que aparece en el último disco de Milo), hasta muchos otros convocados a la gala: Cuti y Roberto Carabajal, Soledad, Nicki Nicole, Tini, Yami Safdie, AKRIILA, Paula Prieto, Ysy A. Bhavi, Radamel y la murga uruguaya Agarrate Catalina (que tiene mucha presencia en este espectáculo), entre otros nombres de una larga lista."Sos de la gente, sos una leyenda", le dijo Nicki Nicole cuando llegó su turno de subir a cantar "Dispara", aquel hit que grabaron juntos hace un par de años. Y probablemente toda esta producción y su grandilocuencia tengan ver con esa frase y con este presente de Milo J. Sueña a lo grande (por eso consigue que Silvio Rodríguez grabe en su disco), el público lo abraza a lo grande y los números de sus audiencias en las plataformas crecen a lo grande.El "tercer show" es el más complicado de llevar adelante porque representa el desafío de contar una historia (o más de una) como un relato paralelo a lo que ocurre en las canciones. Por momentos, puede funcionar como los videoclips. Tantas veces nos encontramos con una historia que está contada en los tres minutos de una canción y, luego, se puede hacer otra lectura de ese tema a partir de la historia (cuando la hay) que se cuenta en el clip. @tumusicahoy NO SE LO QUIERE PERDER NADIE ð?¤¯ @PETER LANZANIð?¤? interpreta "No soy eterno" en el show de @Milojota en Vélez ð?«°ð??»ð?«°ð??» #tmh #miloj #peterlanzani #tumusicahoy â?¬ No soy Eterno - Bizarrap & Milo j La vida era mas corta pero mejor que una larga con carencia de sentido. Esa es una de las ideas que maneja esa presencia interpretada por Peter Lanzani, que parece estar allí para arrasar con todo lo que se le cruce por delante, aunque termine siendo víctima de sus actos. El actor conoce muy bien su metier y lo demuestra en este espectáculo. Incluso, hay buenas ideas, como la de trabajar con una maqueta en escena que aparece magnificada en las pantallas. Pero que el multitasking sea un definitivo signo de estos tiempos no significa que siempre resulte efectivo. En ocasiones cuesta llevarlo adelante. Sobre todo cuando Milo J suma nuevas situaciones. A cambio se pude ofrecer una máxima que es signo de todos los tiempos en el mundo del arte: Menos es más. Para este caso, como ejemplo sirve un bloque de canciones cuyas letras se llevaron el protagonismo: "MAI", que sigue siendo mejor que cualquier desafío escénico, "Una bala" o "Penas de antaño". También sucede con "Niño" ese que, en el primer concierto, vino emoción incluida. Le costó cantar, sentando en el piso del escenario, con las piernas cruzada y la cabeza baja, escondida entre sus manos. El poder sigue estando en la canción, y aquí se fundamenta porque Milo J es un juglar de la existencia. En la abundancia no se encuentran las mayores virtudes de su trabajo. Por supuesto que está bien que corra riesgos, que experimente, que acierte y que se equivoque. Es parte del oficio.

La leyenda de la "chica camello": la joven que dejó el circo por amor y cómo sobrevivió a la muerte de su pequeña hija

Ella Harper nació con un problema en sus piernas. Cómo fueron sus inicios en las carpas de Nueva York y cuál era la reacción del público cuando se subía al escenario

Conmoción en el deporte: en una tragedia aérea murió una leyenda del automovilismo con su esposa e hijos

Conmoción. Dolor. Impacto. Imágenes que hicieron recordar a aquel 26 de enero de 2020 de cuando una de las leyendas de la NBA, Kobe Bryant, sufría un accidente aéreo fatal en un helicóptero acompañado de su hija adolescente Gianna.Otra vez el deporte estadounidense sufre una noticia devastadora. También un accidente aéreo. El hecho se produjo en Carolina del Norte, donde una figura de prestigio del automovilismo, Greg Biffle, perdió la vida junto con su esposa y sus dos hijos, de tan sólo 14 y 5 años.Biffle era un personaje singular y muy querido y valorado por la sociedad estadounidense. Fue catalogado como héroe cuando utilizó su helicóptero privado para entregar suministros y salvar innumerables vidas atrapadas durante el huracán Helene, en septiembre de 2024.En el avión ejecutivo (un Cessna C550) viajaban seis personas y el accidente se produjo en el momento del aterrizaje en el Aeropuerto Regional de Statesvilla, en el estado de Carolina del Norte. En un primer momento no había certeza de que Biffle y su familia estuvieran a bordo de la aeronave, pero Garrett Mitchell, un viejo amigo de Biffle, le confirmó a People la desgracia. "Desafortunadamente, puedo confirmar que Greg Biffle, su esposa Cristina, su hija Emma, y su hijo Ryder estaban en ese avión... Porque iban de camino a pasar la tarde con nosotros. Estamos devastados. Siento mucho compartir esto", escribió Mitchell en su cuenta oficial de Facebook.Biffer, oriundo de Vancouver, Wsahington, estaba por cumplir 56 años (el 23 de diciembre). En la categoría NASCAR, una de las más atractivas del automovilismo, el piloto había obtenido 19 victorias y logró 92 top 5. Fue subcampeón de la categoría en 2005, tercero en 2008 y quinto en 2012.ð??¨ BREAKING: A private jet owned by NASCAR Driver and humanitarian Greg Biffle has reportedly crashed and exploded in Statesville, NCUnconfirmed reports from local media that Greg and his family were on boardPLEASE pray that's not the case. Biffle has touched so many livesð???ð??»â?¦ pic.twitter.com/Wrb7AkqElF— Nick Sortor (@nicksortor) December 18, 2025Noticia en desarrollo

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Del surf a las grandes ligas del cine. Tiene 39 años, es hijo de una leyenda y asegura: "Mi padre no me dio un centavo"

Hijo del mítico Clint Eastwood (95) y Jacelyn Reeves (73), Scott (39) nació en Carmel, California, pero su infancia transcurrió entre la serenidad de la costa californiana y la energía salvaje de Hawái. "Viví pescando, buceando, surfeandoâ?¦ Tuve una infancia sencilla y feliz", confesó en una entrevista con Route Magazine. Aquellos años, lejos del glamour de Hollywood, marcaron su carácter aventurero y deportivo y su amor por la naturaleza. A los 17, decidió mudarse con su padre, un cambio que no fue fácil. "Viví con mi mamá hasta que se pudrió todoâ?¦ y luego me vine con mi padre y también lo hice enojar", recordó con humor. Sin embargo, detrás de esa relación exigente había una profunda admiración. "Él es mi héroe", dijo una vez. Con el tiempo, Scott entendió que el apellido Eastwood no era un pasaporte al éxito, sino una responsabilidad. "Mi padre no me dio un centavo. Me hizo ganarme todo", declaró a Woman's World. Y en otra entrevista agregó: "Papá es muy a la antiguaâ?¦ Me enseñó integridad: ser puntual, trabajar y esforzarme". Antes de conquistar la gran pantalla, Scott se abrió camino en el modelaje con campañas para firmas internacionales como Ralph Lauren, ediciones como GQ Australia y su cara y su cuerpo trabajado protagonizaron en 2015 la campaña del perfume Davidoff Cool Water. Su salto al cine llegó con papeles en Flags of Our Fathers y Gran Torino (ambas dirigidas por Clint), pero siempre bajo una premisa clara que su padre le repetía: "Si hay alguien mejor que vos, no vas a conseguir el papel". También protagonizó el film La ola perfecta, donde pudo combinar grandes amores: el cine y el surf. VARIOS ROMANCES Y UNA TRAGEDIA En lo personal, Scott prefiere la discreción, aunque su vida amorosa dio que hablar. Se lo vinculó con la actriz y cantante Jana Kramer, la modelo y actriz Charlotte McKinney y con Ana de Armas cuando trabajaron juntos en la película Overdrive (2017). Pero también vivió una tragedia que lo marcó a fuego: la muerte de Jewel Brangman, en septiembre de 2014, su novia en aquel entonces, en un accidente automovilístico causado por un airbag defectuoso. "Fue una de las llamadas más duras que recibí en mi vida", confesó con dolor. SUS OTRAS PASIONES Fuera del set, Scott es un hombre al que le gusta el golf, la pesca, pilotear helicópteros y practicar pickleball. "El océano es donde más me siento en casa", confesó a GQ, recordando su pasado hawaiano. Además, impulsa su marca Made Here, que no es sólo moda, sino también un homenaje a la gente que fabrica cosas con sus manos en Estados Unidos y apoya iniciativas sociales, destinando parte de sus ganancias a programas que fomentan el empleo en la industria textil estadounidense. Hoy, Scott se consolida como mucho más que el "hijo deâ?¦". Con su carisma, su espíritu libre y su compromiso con la autenticidad, hace de las suyas. Como él mismo se lo resumió al New York Post: "No se trata de ser Clint Eastwood, se trata de ser Scott Eastwood y encontrar mi propio camino".

El brutal nocaut del argentino Kevin Vallejos sobre Giga Chikadze, una leyenda de UFC

Esperó mucho tiempo para tener una noche como la que vivió en Nevada, en los Estados Unidos. Sabía que necesitaba generar un impacto concreto y lo logró: el argentino Kevin Vallejos se convirtió en protagonista de UFC Vegas 112 al lograr un nocaut brutal sobre Giga Chikadze, en la pelea coestelar del octágono de UFC Apex. Es que con esta victoria rompió la racha de nocauts consecutivos su rival e ingresó por primera vez entre los primeros 15 del mundo en la categoría pluma. No se trató de un combate sencillo para Vallejos, ya que enfrente tuvo a uno de los peleadores más experimentados del circuito. Sin embargo, en el segundo round, encontró un golpe certero sobre el georgiano, que no pudo soportar un golpe de puño giratorio que dio de pleno sobre el rostro de Chikadze. El marplatense aprovechó que su rival perdió el equilibrio y se lanzó sobre el georgiano conectando codazos mientras su oponente se encontraba aturdido sobre la lona.Kevin Vallejos with the SPINNING BACKFIST pic.twitter.com/NjlsCxLiTO— Spinnin Backfist (@SpinninBackfist) December 14, 2025Ese brutal KO de Vallejos frenó una racha de Chikadze de siete triunfos por nocaut y que consolidó el récord del argentino con tres victorias en la organización. "Giga Chikadze es una leyenda, realmente es un peleador muy bueno con una racha de 7 victorias. La verdad es que es una leyenda y un guerrero de la vida", dijo el pelador argentino ante el público en el octágono.Esta definición le permitió a Vallejos quedaron en el centro de las miradas de los principales organizadores de la velada, que consideró que su desempeño se trató de la "Actuación de la Noche". Eso le permitió al argentino quedarse con uno de los bonos más buscados por los luchadores: 50.000 dólares por su impactante nocaut ante el georgiano. Vallejos tiene 24 años, que cuenta con muchas presentaciones en las artes marciales mixtas, apenas tiene tres en UFC. En las 17 presentaciones previas en el mundo MMA, el argentino acumuló 16 victorias y 1 derrota. Desde que inició en una jaula formalmente en el 2018, Vallejos pasó por distintos organismos de Artes Marciales Mixtas (MMA) pero el gran salto lo dio durante todo su camino profesional en el Samurai Fight House. Entre fines de 2023 e inicios del 2024 se impuso ante el estadounidense Cam Teague con una actuación implacable y se ganó el contrato con la UFC. A partir de ahí, Vallejos tuvo un gran debut al vencer a Seungwoo Choi por nocaut en el primer round y luego se impuso por decisión unánime ante el estadounidense Danny Silva. "Hay muchísimos peleadores que llevan muchísimo más tiempo y ni siquiera tienen la oportunidad de acercarse a un top. Que yo haya hecho dos peleas y ya esté peleando con ellos es una locura. Estoy agradecido. Ya tengo hasta mi segundo contrato. Más que agradecido", dijo Vallejos. View this post on Instagram Tras la pelea, el Chino dejó en claro su próximo objetivo. Quiere volver al octágono en Miami, en el evento programado para abril, una cartelera de alto impacto que suele reunir a una multitud latina y captar la atención global."Nada de esto se hace solo. En esta foto están los que me acompañan en el rincón, pero la verdad es que el equipo es mucho más grande. Gracias a mi familia, a mis entrenadores, a mis compañeros de entrenamiento, a los que confían en mí desde el primer día y a los que empujan desde lejos con un mensaje, una palabra o una buena energía. Cada apoyo cuenta. Cada uno es parte de este camino. Seguimos juntos", escribió Vallejos en un posteo en su cuenta de Instagram. View this post on Instagram

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El gran actor, que ganó un Oscar con película "La historia oficial" (1985), protagonizó decenas de obras y películas que hicieron historia en el cine nacional. Su muerte se produjo en España, donde residía desde 1975 cuando fue amenazado de muerte por la Triple A. Leer más

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El "Robin Hood argentino". La leyenda del bandido que apuró la creación de la Gendarmería Nacional y su misterioso final

Ilegales, matreros, rebeldes, los ladrones argentinos más famosos del siglo XX, además de llevar a cuestas esos adjetivos, también lograron la "canonización" en el imaginario popular. Antonio Mamerto Gil -mejor conocido hoy como el Gauchito Gil-, Juan Bautista Bairoletto, Isidro Velázquez y más, Robin Hoods argentinos, según quién lo mire. Segundo David Peralta, o Mate Cosido, formó parte de esa lista para nada taxativa. Los "bandoleros sociales" emergieron, sobre todo, de las comunidades campesinas, cuenta el historiador Gustavo Álvarez en el libro Mate Cosido, el bandido de los pobres. Estos, dentro de los parámetros de convivencia de la sociedad, eran vistos por la gente como justicieros, paladines o vengadores. El apodo no suena tan ajeno en la cultura nacional: León Gieco sacó, en 2001, el álbum Bandidos rurales, y en su primer tema homónimo, se refiere, entre otros, a él: "El día 3 de marzo lo dan por bien nacido / Segundo David Peralta, alias Mate Cocido / también fuera de la ley, también fuera de la ley".Mate CosidoLos datos son ciertos. La canción la escribió junto con el historiador Hugo Chumbita, quien en su texto "Alias Mate Cosido", publicado en la revista Todo es Historia en 1991, analiza en profundidad la vida de Peralta. Nació el 3 de marzo de 1897 en Monteros, provincia de Tucumán. Se dice que era un chico culto, que cursó la escuela primaria, que leía. Después empezó a trabajar de encuadernador en una imprenta, como su papá. Pero era joven cuando arrancaron los problemas con la policía. La hipótesis principal es que fue por una mujer. La primera vez que lo detuvieron tenía 21 años. Era octubre de 1918. Lo acusaron de robo y lo sentenciaron a seis meses de prisión en suspenso. Con esto empezó una seguidilla de persecuciones. Hostigamiento, sostienen otros. De hecho, las fuerzas lo catalogaron como "LC": Ladrón Conocido. A partir de ahí, arrancó una vida nómade que lo llevó a moverse de provincia en provincia, a escapar. Fue a Córdoba, Santiago del Estero, Corrientes, Chaco. Tuvo varios nombres también: Manuel Bertolatti, Julio Oviedo, Julio del Prado, pero el seudónimo de Mate Cosido nunca lo abandonó. Se dijo, entre todo lo que se dijo, que lo empezaron a llamar así por una cicatriz en la cabeza. Chumbita se basó en documentos del Servicio Histórico de Gendarmería Nacional (SHGN) para obtener datos precisos de Peralta. Entre otros, el informe cuenta que fue ese acoso de la policía, en cada provincia, lo que impulsó a que se fuera a Chaco en 1926, aunque también hay una versión que sostiene que se fugó por intervenir en una huelga. Ese año fue detenido y sentenciado a cinco años de prisión.Salió en 1931 y volvió a su provincia. Pero la policía seguía tras él: cada vez que había algún robo, y dado sus antecedentes, ponían una orden de detención sobre su cabeza. La mamá, cansada de ese asedio, le pedía que rehiciera su vida. Él mismo se refirió a esta etapa en una carta que envió al periódico Ahora, el 29 de marzo de 1940: "Muchas veces intenté rehacer mi vida y volver al camino que un día me descarrilé. ¡Vano intento! Caerá en un craso error y pecará de utopista aquel que crea que es posible realizarlo donde la policía conozca sus antecedentes, lo primero que hacen es quererlo conquistar como delator, si no acepta vienen las persecuciones".Por esto, volvió a mudarse a Chaco. Se juntó con Antonio Rossi, el "Calabrés" y con Eusebio Zamacola. Juntos conformaban un grupo que, como Jesse James, fue famoso a nivel nacional por atracar los trenes de pasajeros. Tras la muerte de Rossi, en 1935, empezaron los asaltos a las grandes compañías extranjeras.En su carta, el bandido agregaba: "No soy un delincuente nato [...]. Soy una fabricación por las injusticias sociales que siendo muy joven ya comprendí, y por las persecuciones gratuitas de un policía inmoral y sin escrúpulos". En el documental Mate Cosido, el bandolero fantasma, de la cineasta Michelina Oviedo, el propio hijo sostiene: "Tengo la idea hoy, que conozco la carta que mi padre le mandó a la revista Ahora, que él fue empujado a esa vida que llevó con su apodo". Robos a grandes empresasChumbita cita un análisis político que hizo el historiador Eric Hobsbawm en 1972, "Social Bandits: Reply" ("Bandidos sociales: respuesta"). En este detalla el testimonio de uno de los policías que en esa época solía perseguir a Mate Cosido, el sargento José Ávalos. Este dijo, en una entrevista de 1968, que Peralta siempre "fue moderado en el uso de la violencia, ayudó generosamente y nunca robó a los 'buenos argentinos', sino solo a 'los cobradores de Bunge y la Clayton', es decir, compañías extranjeras". Fernando Zamacola, hijo de Eusebio, cuenta en el documental citado que pronto los bandidos empezaron a apuntar a las grandes cerealeras, como Dreyfus y Cía., Bunge & Born, La Forestal, firmas que cataloga como "odiadas" por los campesinos. Los bandoleros se transformaban, rápidamente, en "justicieros", "vengadores de los pobres".Uno de los grandes robos que llevaron a cabo en banda fue a La Forestal, una empresa que pertenecía a una corporación inglesa establecida en Chaco en 1904, que se había apropiado de varias hectáreas para la extracción de tanino. Según Chumbita, hubo varias huelgas de jornaleros, la mayoría aborígenes de la provincia, lo que equivalía a mano de obra barata. Muchos fueron reprimidos. Por eso, cuando el grupo atacó a esta empresa, los pobladores y obreros no dudaron en refugiarlos. A cambio, los bandidos repartían entre ellos parte del botín a modo de propina. De ahí que hoy se lo catalogue como el "Robin Hood argentino". En 1935 interceptaron un auto en el que viajaba un pagador de Bunge & Born. Le robaron 6000 pesos, pero la policía no pudo atraparlos. Más tarde, en 1936, hicieron lo mismo con un pagador de Clayton & Cía., al que le robaron 12.000 pesos. Ese mismo año entraron a una oficina de Louis Dreyfus y se llevaron 45.000 de la caja fuerte. A este "método" le sumaron el secuestro de personas. Fue entonces cuando la suerte del bandido empezó a flaquear. En 1937, Peralta conoció a Bairoletto en Buenos Aires. No sé sabe bien cómo fue que se cruzaron, y hay diferentes versiones de ese momento. Sí se sabe que enseguida se llevaron bien, y Bairoletto decidió, más adelante, ir a Chaco para unirse a Mate Cosido. El 30 de marzo de 1938, asaltaron juntos al gerente de Quebrachales Fusionados, perteneciente a La Forestal. Lo interceptaron en la ruta y se quedaron con 13.000 pesos. Más adelante quisieron atacar a la compañía, pero la policía los esperaba en el edificio -se cree que alguien los había vendido- y el plan se frustró. La Gendarmería NacionalEn este contexto empezó a circular en el Congreso un proyecto de ley para crear la Gendarmería Nacional. Con esto se pretendía, sobre todo, "acabar con el bandidaje chaqueño", según Chumbita. Las fuerzas de Chaco habían presentado un documento en el que denunciaban "la impunidad de 'varias bandas de gente de mal vivir, que actúan desde hace tiempo' creando un clima de inseguridad para las personas y para 'muchos millones de pesos invertidos en industrias activas, comerciales y dedicadas a la explotación forestal, ganadera y agrícola'". El 28 julio de ese año se creó formalmente la Gendarmería y con esta, la Inspección Norte en el Chaco, que se instaló en esa provincia en 1939. Peralta fue el puntapié necesario y casi fundacional de estas fuerzas de seguridad. De hecho, como continúa explicando el historiador, se armó una Sección Especial, a cargo de Guillermo Solveyra Casares, que tenía el objetivo principal de encontrar a Mate Cosido. Ofrecieron una recompensa por el bandido, que estaba enterado y se refirió a esto en la misma carta citada: "Estoy enterado de la oferta de dos mil pesos que la Gendarmería promete por mi captura, pobre recurso de fracasados, eso es lo mismo que hacer confesión de incompetencia, lástima que mi detención haya sido cotizada tan a bajo precio, yo creía que a estas horas mi vida valía mucho más. Mis amigos chaqueños se ríen de la oferta y yo confiado duermo a veces en sus hogares [...]".Siguió activo un tiempo más. Daría su último golpe con el secuestro de un estanciero, Jacinto Barzón, por el cual exigió 50.000 pesos. Iba a ser una especie de intercambio: la familia debía arrojar el dinero desde un tren. Ahí empezaron los problemas.Julio Centurión, que en ese entonces era compañero de hazañas de Peralta, se había quedado custodiando a Barzón, quien aprovechó para convencerlo de entregarse. Y Centurión lo hizo, se entregó manso, sin pelear. Fue el principio del fin para Mate Cosido...La Gendarmería preparó dos emboscadas. La principal, en ese tren que llevaría el dinero. Armaron un paquete falso. Lo arrojaron desde el tren y, cuando Peralta se acercó a buscarlo, empezaron a tirotear. Lo hirieron en la cadera y, cuenta Chumbita, tuvo suerte: habían preparado también una ametralladora en un vagón abierto, pero el mecanismo se trabó y no disparó. A la vez, previendo que volvería al rancho donde tenían secuestrado a Barzón, intentaron atraparlo ahí, pero Mate Cosido lo advirtió y pudo escaparse antes de que lo vieran. Escenas de un western latinoamericano. Una historia sin finalDe la vida de Mate Cosido se conoce el principio y el desarrollo, pero no el final. Después de esas emboscadas, nunca más hubo noticias de él, que se fugó y dejó a su concubina Ramona y a su hijo Mario en Roque Sáenz Peña. Pero en la carta a Ahora escribió: "Poco a poco he llegado a la situación en que me debato. Hoy vivo en plena selva y ella con sus asperezas no ha conseguido absorberme del todo; [...]. El comandante de Gendarmería en el Chaco, capitán Leopoldo Moreno, manifestó que prácticamente estoy abatido. La contestación la dejo trunca, para que el futuro establezca quién tiene razón; y aunque logre eliminarme, no será ninguna gloria para él".Por momentos circulaba la teoría de que se había escapado a Paraguay, pero jamás lo encontraron. Peralta ni siquiera se puso en contacto con su familia desde entonces. Lo dieron por muerto. Dijeron que lo mataron en una partida de truco. Después reaparecía, según los vecinos, en distintas zonas. Después hubo quienes aseguraron que se había escondido en el monte con los campesinos. Incluso, en una versión, se habría convertido en un "cacique" del peronismo en Santa Fe bajo otra identidad. Ramona, que en realidad se llama Genoveva, habló por primera vez en el documental de Oviedo: "Yo pienso que no apareció más por protegernos a nosotros [ella y su hijo], pero no porque quiso abandonarnos. Pienso que quería mucho a su hijo y a mí, y no habrá querido que nos molesten". Mario Fernández Román, su hijo, era muy chiquito cuando no vio más a su papá. Tiene un recuerdo que también cuenta en ese video: "Tenía dos años. Estábamos en la galería de la casa que se llamó La Leonera, en Córdoba. Mi mamá, tendiendo las camas; yo, haciendo travesuras de niño; y mi padre, sentado en un sillón en la galería. De pronto sé que hice una travesura a mi madre, que estaba tendiendo la cama, y ella intentó pegarme. La primera reacción de mi padre fue protegerme. Ese es el recuerdo que tengo, el único, pero feliz de tenerlo conmigo".Genoveva se refiere a ese cariño, ese amor de padre y pareja que Peralta podía mostrar. Y de su propio amor hacia él: "Yo me enamoré de él. Y mucho me enamoré. Para mí era lindo, muy bueno. [...] Estuve con él hasta que me mandó a Córdoba. Hizo sembrar ajo, alfalfa. Yo creo que me quería mucho. Y a su hijo lo adoraba".

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Día de San Nicolás: la historia detrás del santo que inspiró la leyenda de Santa Claus y la tradición de los regalos en EE.UU.

La Navidad es una de las fiestas más coloridas e importantes en Estados Unidos y en otras partes del mundo. En ella, se espera la llegada de Santa Claus, la figura más representativa de la época en el país norteamericano. Su origen se remonta a la historia de San Nicolás, cuya festividad es conmemorada por la iglesia católica durante los primeros días de diciembre de cada año.San Nicolás, el santo que dio origen a la tradición de Santa ClausEl Día de San Nicolás se celebra cada 6 de diciembre, justo al inicio del tiempo de Adviento, de acuerdo con Almanac.Este santo fue un obispo que fue reconocido por sus buenas obras, aunque destacaban más sus acciones en ayuda de los niños y de los más necesitados.Muchos fueron testigos de su generosidad, aunque la mayoría de sus donaciones las realizó de manera anónima. San Nicolás fue declarado santo en el siglo XIX, y los creyentes católicos en Europa comenzaron a celebrar su día el 6 de diciembre con tradiciones que incluían dar pequeños obsequios, o compartir dulces y chocolates.La tradición que más se asocia con Santa Claus es que el también llamado Día de Sinterklaas, por su pronunciación holandesa, los niños colocaban sus zapatos llenos de heno o zanahorias, como alimento para el caballo del Santo, quien les dejaría un obsequio a cambio.Con el tiempo, esta leyenda se transformó y llegó a Estados Unidos y a otros países del mundo, por lo que muchos historiados consideran a San Nicolás como el origen de Santa Claus.Quién fue San NicolásNicolás de Bari fue un obispo nacido en una familia acomodada de la antigua ciudad de Patara, que hoy forma parte de lo que es Turquía, de acuerdo con National Geographic. Tras quedar huérfano a una edad temprana, este hombre se enfocó en su educación católica, y también se dedicó al cuidado de los pobres, los enfermos y los más necesitados.Los historiadores dicen que San Nicolás acostumbraba dejar bolsas de oro en las ventanas de las familias que más lo necesitaban, y era muy querido por su comportamiento generoso.Su historia de caridad y beneficencia local inspiró la tradición de dar regalos en Navidad y su imagen fue mezclada con diferentes figuras de la mitología europea para dar origen a la leyenda de Papá Noel.Otras figuras que dieron vida a Santa ClausAunque San Nicolás es la figura religiosa más asociada con la Navidad y los obsequios, en la mitología nórdica, era el Dios Odín quien surcaba los cielos en su carroza cada 21 de diciembre, al igual que Papá Noel en su trineo cargado por renos, según National Geographic.En otra historia antigua, se dice que la representación pagana de la temporada navideña era un hombre de mayor edad, con una larga barba blanca, y que recibía nombres similares a Papá Noel, ya que nöel significa Navidad en francés.En Europa, surgió un personaje basado en San Nicolás que fue nombrado Mikulás, se trataba de un anciano que se vestía de obispo y en la vigilia del 6 de diciembre daba obsequios a los niños en una bota colocada en la ventana de las casas.La tradición de Santa Claus en Estados UnidosEn el país norteamericano, la tradición dice que la noche del 24 de diciembre Santa Claus viaja en su trineo de renos por todo el mundo y entrega regalos a los niños que se portaron bien durante el año, de acuerdo con EF.Muchos menores de edad estadounidenses acostumbran hacer cartas dirigidas a Papá Noel para pedirle regalos antes de Navidad y dejarlas debajo del árbol junto con galletas y zanahorias para sus renos.

El lado oscuro de The Witcher, la serie furor que esconde siglos de sangre, exilio y leyenda

La popular saga cuenta con referencias directas a guerras, persecuciones y traumas que marcaron la historia de Europa Central, y revela cómo la fantasía puede reflejar cicatrices reales más allá de monstruos y magia

Tiene 13 años, es hija de una leyenda de la música a nivel mundial y rompió con el anonimato para debutar como actriz

Durante años, Robbie Williams y Ayda Field lograron lo que pocas celebridades pueden hacer: mantener a sus cuatro hijos completamente lejos del ojo público. Desde que se casaron en 2010, el cantante británico y la actriz acordaron que la privacidad sería su regla de oro, en especial para Theodora 'Teddy' Rose, su primogénita, hoy de 13 años.En una entrevista a The Sun años atrás, Ayda explicó los motivos que los llevaron a resguardar al máximo a los menores. "Nunca mostramos sus caras, es muy importante para nosotros. Estamos muy orgullosos y queremos compartir absolutamente todo, pero hay una ley en este país que dice que no pueden poner fotos de niños en los periódicos a menos que sus padres publiquen sus caras", argumentó la actriz. Sin embargo, esa etapa llegó a su fin y no por una decisión de las estrellas, sino a pedido de su propia hija. En un giro inesperado, Teddy dio su primer paso en el mundo del espectáculo y debutó como actriz en la comedia Una Navidad diferente, protagonizada por Kiefer Sutherland, Rebel Wilson y Derek Jacobi. Su aparición fue una sorpresa mundial y marcó el fin del anonimato que sus padres preservaron durante más de una década.La que reveló la noticia fue su propia madre al compartir en su cuenta de Instagram fotos de la alfombra roja. Allí se vio por primera vez el rostro de Teddy, radiante y emocionada por su participación en el filme, estrenado el 28 de noviembre, donde interpreta a la hija del personaje de Rebel Wilson.Rápidamente, la publicación se llenó de comentarios de personas de todo el mundo que admiraron la belleza de la niña y buscaron los rasgos parecidos a sus padres. "Me encanta todo sobre esto, su vestido, su cara radiante, que ella trajo a un amigo como apoyo, y tú y Rob apoyándola. Se siente como si hubiera sido ayer cuando nació (para todos nosotros, acéptalo) y aquí está crecida hasta su hermosa yo de 13 años", escribió una usuaria; a lo que otro sumó: "Ella ya es una absoluta estrella".La reacción de Robbie Williams no tardó en llegar. El músico habló sobre el gran paso de su hija en una entrevista al diario inglés The Independent: "Es muy extraño exponer públicamente a tu hija después de tantos años, pero solo quiero que la gente vea lo que yo veo todos los días: lo amable, compasiva y empática que es. Estoy superorgulloso de ella, esto es la guinda del pastel", declaró. Y entre risas agregó: "A ver qué pasa ahora que tiene que volver al colegioâ?¦".Aunque este es el primer proyecto profesional de Teddy, sus padres siempre supieron que tenía un talento especial. En 2022, con solo 10 años, Ayda compartió un video donde se la veía tocar el piano y cantar para Robbie, lo que demostraba una soltura artística que anticipaba lo que vendría. A su vez, cuando surgieron los primeros rumores que indicaban que la pequeña se encontraba en el set de la película, en febrero de 2025, una persona cercana a la familia Williams le había anticipado al diario The Sun: "Teddy nació para ser una estrella; después de todo, sus padres son artistas de primera. Sin embargo, Robbie y Ayda quisieron mantenerla alejada del foco de atención durante el mayor tiempo posible (ocultando su rostro en las redes sociales), por lo que todo esto está impulsado en gran medida por Teddy, que ha querido estar en el escenario desde que tenía la edad suficiente para hablar". Teddy Williams tocando el piano en su niñez "Es un papel pequeño, pero obviamente es superemocionante y todos están muy orgullosos de ella. Es una chica absolutamente encantadora dentro y fuera de la pantalla, y se adaptó perfectamente a la vida en el set", detalló sobre cómo fue el proceso actoral de la adolescente para esta cinta. Pero su primera aparición pública, aunque muchos no lo recordaban, fue el 12 de octubre de 2018, cuando formó parte del cortejo de pajes y damitas en la boda de la princesa Eugenia de York en el castillo de Windsor. Robbie y Ayda son íntimos amigos de la hija del príncipe Andrés y Sarah Ferguson, y por eso la niña ocupó un rol especial en aquel evento real.

Llegó como migrante con "una sola moneda" y creó una leyenda: el triste adiós a Marra's en Filadelfia

El restaurante italiano Marra's cerró sus puertas el domingo 30 de noviembre después de 98 años de actividad. El cierre ocurrió un día antes de concretarse la venta del edificio ubicado en 1734 E. Passyunk Ave., en South Philadelphia.El motivo por el que cerró la icónica pizzeríaEl motivo real del cierre fue explicado por Mario D'Adamo Jr., nieto de los fundadores Salvatore y Chiarina Marra, y hermano del copropietario Robert D'Adamo. En diálogo con Inquirer, afirmó: "El mayor asesino fue el estacionamiento. Los restaurantes pequeños pueden sobrevivir; los grandes, no."D'Adamo Jr. explicó que la falta de espacios de estacionamiento para atender la demanda de un local de 160 asientos provocó una pérdida grave y sostenida de clientela. Esa limitación operativa hizo inviable continuar. La familia mantuvo la propiedad en venta durante varios años, sin lograr revertir el impacto de ese problema estructural.Un comedor que recibió a Sinatra, Travolta y otras figurasEl sitio oficial de Marra's destaca que el restaurante recibió a Frank Sinatra, John Travolta, Conan O'Brien y muchas otras figuras destacadas que llegaron atraídas por la cocina italiana y por el "Original Brick Oven", una estructura diseñada por el fundador del local con ladrillos del Monte Vesubio. Según la página, ese horno producía un sabor que motivaba a los visitantes de distintas ciudades a viajar hasta South Philadelphia para probarlo.La misma fuente relata que la historia del local supera las nueve décadas y comenzó en 1920, cuando la pareja de migrantes napolitanos formada por Salvatore y Chiarina Marra llegó a EE.UU.Él arribó con "una única moneda y un sueño" orientado a mejorar el futuro de su familia. Ese impulso inicial derivó en la creación de uno de los restaurantes italianos más antiguos y reconocidos del país. Con el tiempo, la dirección del local quedó en manos de los nietos del matrimonio, quienes preservaban las recetas originales y mantenían la atención personalizada para los clientes que cruzaban la puerta.Un cierre que refleja un momento complejo para toda la industriaAunque Marra's enfrentó una causa específica que motivó su cierre, el sector gastronómico muestra señales de tensión que atraviesan al país. Según datos del Departamento de Agricultura de Estados Unidos (USDA, por sus siglas en inglés), comer afuera del hogar se volvió 3,8% más caro en mayo de 2025 respecto a 2024. Este incremento modificó hábitos de consumo y redujo la frecuencia de salidas a restaurantes. Un informe de Technomic informó que la industria proyecta US$478 mil millones en ingresos para 2025, un avance de apenas 2,8% frente a 2024, la menor variación anual en diez años, si se excluye el fuerte golpe que recibieron en 2020. El medio NRN identificó a tres categorías con los mayores niveles de dificultad:HamburguesasSándwichesPizzaAdemás, así como señala The Street, varias cadenas importantes cerraron locales o redujeron su tamaño en 2025:Bahama Breeze: cerró 15 locales en mayo.Joe's Crab Shack: pasó de casi 150 restaurantes a menos de 20.Bar Louie: solicitó bancarrota bajo Capítulo 11 en marzo.Patti Ann's: cerró en 2025.Denny's: continúa con cierres y reducciones.Hooters: se declaró en bancarrota en abril.

Bjorn Borg, la leyenda que se retiró a los 25 años: "Me arrepiento de haber abandonado el tenis"

El sueco Bjorn Borg, número 1 del circuito tenístico en 1977 y ganador de seis trofeos de Roland Garros y cinco de Wimbledon, se retiró muy joven, a los 25 años, sorprendiendo a todos en el mundo de las raquetas. Las adicciones a las drogas y el alcohol fueron las razones más importantes de su alejamiento del deporte. Famoso por su carácter reservado, casi gélido, guardó muchos secretos para sí durante años. Pero hoy, a los 69, decidió publicar su primera autobiografía oficial y se empezaron a desanudar muchas preguntas.Por lo pronto, Borg -gran amigo y rival de Guillermo Vilas- reconoció que haberse retirado del tenis tan joven fue un error. "Había perdido la motivación. No es que me arrepienta porque necesitaba estar perfecto a nivel mental para seguir y no lo estaba. De lo que me arrepiento es de haber abandonado al tenis. Fue una decisión estúpida porque tenía muchos amigos. Muchas veces me pregunté por qué lo hice. Escogí otra vida en lugar de mantener la que ya tenía y de eso sí que me arrepiento", expresó Borg, desde Estocolmo, en una entrevista con el diario Marca de España. El libro, que también fue publicado en español, por la editorial Alianza, se llama "Latidos".¿Por qué Borg decidió realizar ahora la obra? Lo explicó: "En los noventa, había tenido ofertas de editoriales inglesas y americanas. No estaba preparado. Seguían insistiendo, pero mi idea no cambiaba. A mi mujer Patricia le encanta leer y también escribir. Cuando escribía cualquier cosa siempre me la enseñaba para que le diera mi opinión. Fue entonces cuando un día cenando, hace tres años, le propuse la idea de que ella tenía que escribir mi autobiografía. Al día siguiente me dijo que estaba preparada. No hay nadie que me conozca más que ella. Hemos estado juntos 25 años. Sabe cómo es el Björn persona, lo que me gusta, lo que no... Conoce el mundo del tenis y a los jugadores. Ha estado conmigo en los torneos del Grand Slam... Todo empezó por aquí". Y apuntó: "Siempre quise contar el problema que tuve con las drogas y el cáncer de próstata. No era un impedimento porque mi mujer lo sabe y lo entiende todo. Quería abrirme al mundo. Tuve un periodo muy negro en mi vida durante años cuando dejé el tenis y quería contar la historia. Me siento muy contento del Borg persona en la actualidad". Borg contó que en septiembre de 2023 tenía que viajar a Vancouver para participar de la Laver Cup como capitán del equipo europeo, pero que su médico le prohibió que fuera porque los análisis habían salido mal. "Yo tenía una responsabilidad y fui a Canadá. Al volver a Estocolmo me fui directamente al hospital. Estaba tan enfermo que no me quedó otra que operarme en febrero del siguiente año -declaró-. Ahora estoy bien, pero tengo que hacerme controles porque las células del cáncer siempre pueden volver".Borg reconoció que, en su momento, se alejó del tenis profesional porque tenía que reencontrarse "después de entrar en el mundo de las drogas". Y detalló: "Puedo decir que tuve la fuerza mental suficiente, la misma que tenía como jugador. Nadie me ayudó excepto mis padres. Regresé momentáneamente a las canchas en Montecarlo y no porque quisiera volver sino porque quería vivir. Si no hubiera vuelto a jugar no estaría hablando ahora mismo porque no hubiera sobrevivido. Necesitaba tener otra vez un programa, un calendario que seguir. Estuve muchos años luchando solo y fue muy duro".El sueco, ganador de 66 títulos en total (el último, en 1981, en Ginebra), describió su vínculo con John McEnroe como de "amor y odio", pero hoy son "amigos". En el ranking del Big 3 coloca "primero a Djokovic" y "después Nadal y Federer, empatados". Opinó que Carlos Alcaraz y Jannik Sinner son "lo mejor que le podía pasar" al tenis. "No me pierdo ninguno de sus partidos en contra. Será interesante ver cómo se reparten los grandes títulos la próxima temporada", añadió.También le dedicó unas palabras a su hijo, Leo Borg, que es tenista profesional (22 años, 537° del ranking) y, lógicamente, tiene que cargar con el peso del apellido. "Él tiene su equipo con el que viaja y yo no quiero meterme. Si quiere sabe que estoy aquí aunque nunca viene a preguntar nada. Hace unos años, intenté darle un consejo y me contestó: 'papá no entiendes nada'. Yo sé que nota la presión de apellidarse Borg aunque no me lo diga".

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Una leyenda del tenis visitó La Bombonera y recibió un regalo de Juan Román Riquelme

Mientras se disputaba el encuentro entre Boca y Argentinos Juniors en La Bombonera, la cámara de la transmisión oficial enfocó, en primer plano, la figura de Victoria Azárenka, tenista bielorrusa que supo ser número 1 del mundo del ránking de la WTA. Vestida con una gorra para pasar por desapercibida, la tenista, quien ganó dos ediciones consecutivas del Australia Open en 2012 y 2013, recibió el agasajo de Juan Román Riquelme, presidente de Boca, quien visitó el palco donde estaba la bielorrusa y le obsequió una camiseta titular del equipo con la dorsal número 10 y su nombre de pila.Conmovida por la distinción que recibió en pleno partido, Azárenka agradeció la visita de Riquelme al palco y subió un video a su cuenta de Instagram. "Hola, La Bombonera", destacó la deportista quien, actualmente, se encuentra en el puesto 133 del ránking de la WTA a sus 36 años."Espectadora de lujo. Victoria Azárenka, ex N°1 y estrella del tenis mundial, en La Bombonera junto a Juan Román Riquelme", escribió la cuenta oficial de Boca Juniors, quien agradeció la visita de una de las leyendas del tenis femenino.Durante el último mes, La Bombonera fue un sitio turístico para la visita de muchísimas celebridades tales como Jhonny Deep, Noel Gallagher, Dua Lipa, la Rosalía, Trueno, Marco Antonio Solís, entre otros, quienes se dieron el gusto de ver, en vivo, un partido de Boca y vivieron una experiencia inolvidable.En el campo de juego, Boca, con un Leandro Paredes inspirado, le ganó por 1-0 a Argentinos Juniors y accedió así a la siguiente fase del playoff. El tanto de Ayrton Costa, a los cuatro minutos de juego, le dio un aventón necesario a los dirigidos por Claudio Úbeda para imponerse a un rival de jerarquía. Con el pase a las semifinales, el Xeneize aguarda por el encuentro entre Racing y Tigre, a disputarse este lunes a las 21.30, para conocer cuál será su próximo rival.

Murió Nicola Pietrangeli, leyenda del tenis, a los 92 años

Nicola Pietrangeli, el primer tenista italiano en ganar un Grand Slam y el capitán que llevó a Italia a conquistar la Copa Davis en 1976, falleció este lunes a los 92 años. Así lo confirmó la Federación Italiana de Tenis y Pádel (FITP): "El tenis italiano llora a su ídolo". Meses atrás, el exdeportista había declarado: "Vencí al cáncer, pero no a la vejez".Pietrangeli fue ganador de Roland Garros por partida doble, en 1959 y 1960, y ostenta el récord de ser quien más partidos disputó en Copa Davis, con un total de 164. Hasta 2023, año en el que comenzó el reinado de Italia en la Davis con tres victorias seguidas, la única 'Ensaladera' era la que había conseguido el equipo liderado por el referente.Considerado una leyenda del tenis italiano, ganador también en dos ocasiones del torneo de Roma, levantó durante su carrera un total de 48 títulos, entre ellos una medalla en los IV Juegos del Mediterráneo en los que superó en la final de Nápoles 1963 al español Manolo Santana."El tenis italiano pierde a su mayor símbolo y yo pierdo a un amigo. Pietrangeli no solo fue un campeón: fue el primero en enseñarnos lo que significaba ganar de verdad, dentro y fuera de la cancha. Fue el punto de partida de todo lo que fue nuestro tenis. Con él, aprendimos que nosotros también podíamos competir con el mundo, que soñar en grande ya no era solo algo azaroso", expresó Angelo Binaghi, presidente de la FITP, según reportaron los medios italianos.Noticia en desarrollo

El vaquero que inspiró a John Wayne y salvó al Longhorn: la leyenda de Milby Butler

A comienzos del siglo XX, el trabajo silencioso de un ranchero tejano evitó la desaparición de uno de los grandes símbolos del sur de Estados Unidos, dejó una huella en la ganadería regional e incluso inspiró la imagen del vaquero que Hollywood inmortalizó

"Afortunado". Es el nieto de una leyenda de la música, pero tras probar suerte con su banda, hoy brilla como modelo y actor

Heredero de una de las dinastías más influyentes de la música, Levi Dylan nació el 22 de abril de 1994 en Los Ángeles. Nieto del legendario Bob Dylan e hijo de Jakob Dylan, líder de la banda The Wallflowers, creció en un universo donde la música era el idioma. Su madre, Paige Dylan, actriz y guionista, completó un entorno artístico que marcó su infancia. "Me siento afortunado de haber nacido en una familia tan destacada", confesó Levi en una entrevista. DEL ROCK A LA PASARELA Y LA PANTALLA GRANDE Aunque la música parecía su destino natural, Levi decidió explorar otros rumbos. Tras una breve incursión como bajista en la banda Dreamers Dose -"Éramos buenos", le dijo a la revista Interview en 2017-, el grupo se disolvió y él optó por dejar atrás la idea de vivir de la música. "Todavía me encanta tocar, pero es muy difícil ganarse la vida", admitió. Ese giro lo llevó a convertirse en uno de los modelos más buscados del momento. Su debut en la pasarela fue para Dolce & Gabbana en la Semana de la Moda de Milán, y desde entonces posó para revistas como Esquire, GQ Italia y Vogue. También se convirtió en la cara de la fragancia 1 Million Nation de Paco Rabanne, donde compartió escena con Joey Bada$$ y Dree Hemingway, y junto a Beyoncé en una campaña para Levi's. Además del modelaje, incursionó en la actuación con películas como 12 Mighty Orphans (2021), junto a Luke Wilson y Martin Sheen, y Find Your Friends (2025). Levi también cultiva su faceta artística a través de la pintura, una pasión que lo mantiene conectado con la creatividad, pero que lleva adelante como hobby. UN CORAZÓN OCUPADO En el plano sentimental, Levi está de novio con la modelo e influencer Meredith Mickelson, con quien reparte su vida entre Los Ángeles y las arenas de Venice Beach. Antes estuvo con la fotógrafa Alana O'Herlihy, a quien se le atribuye haberlo introducido en el mundo de la moda, y Gabriella Leigh Bechtel, con quien compartió tres años hasta su ruptura, en agosto de 2023.

Quién fue Matthias Klostermayr, el Robin Hood bávaro que desafió a la nobleza y se volvió leyenda

Su historia, atravesada por la pobreza, la lucha contra la nobleza y el apoyo campesino, lo transformó en símbolo de resistencia y referencia para leyendas, obras teatrales y celebraciones presentes en la cultura bávara

Cuando un militar parisino se convirtió en leyenda argentina: cicatrices, elogios de enemigos y una muerte en una carga suicida

Carlos Luis Federico de Brandsen fue un militar francés que brilló en el ejército de Napoleón. Caído el emperador, fue tentado a probar fortuna en el Río de la Plata, donde dejaría marcado a fuego su desempeño en el Ejército de los Andes y en la guerra contra el Brasil, enfrentamiento en el que perdió la vida

Lanús: apareció una bandera con la leyenda "Gracias Chiqui", pero la hinchada se manifestó en contra de Tapia

Hace menos de una semana, Lanús ganó la Copa Sudamericana ante Atlético Mineiro, pero este miércoles perdió ante Tigre por la mínima en los octavos de final del torneo Clausura. Sin embargo, el mal trago de la derrota quedó opacado por lo que se vio en las tribunas del Estadio Néstor Díaz Pérez que dejó expuesta una nueva grieta en el fútbol: estar a favor o en contra del presidente de la AFA, Claudio "Chiqui" Tapia.Tras un primer tiempo parejo, en la segunda mitad, Tigre se adelantó en el marcador con un gol de José David Romero a los 48â?². No obstante, en un ambiente que se sentía pesado desde el inicio, en una de las tribunas apareció colgada una llamativa bandera con la leyenda: "Gracias Chiqui por acompañarnos"."Chiqui Tapia botón", el canto de los hinchas de LanúsSe trata de un mensaje de apoyo al titular de la casa madre del fútbol local, que va en sintonía con la postura de la dirigencia granate. En especial, la de su presidente y diputado de la provincia de Buenos Aires por el Frente Renovador, Nicolás Russo.En los últimos días, desde que inició la polémica por la nueva estructura de copas ideada por AFA para 2026 y el trofeo otorgado a Rosario Central, Tapia quedó inmerso en una catarata de críticas, que se sumó a las denuncias por corrupción que salpican a aliados de su entorno más íntimo.Sin embargo, uno de los que salió a apoyarlo, fue Russo. El presidente de Lanús criticó la actitud de Estudiantes de darle la espalda a los jugadores de Central cuando se enfrentaron el fin de semana y aseguró que, pese a haber tenido discusiones con Tapia en el pasado, hoy apoya su presidencia dada la amistada que forjaron y que "la AFA está ordenada económicamente y administrativamente"."GRACIAS CHIQUI"La bandera que mostró la gente de Lanús en el segundo tiempo para el presidente de la AFA.Viví el Torneo Clausura 2025 por TNT Sports Premium y disfrutalo también en HBO Max ð??? #Suscribite https://t.co/rq6sQOrFik pic.twitter.com/bWj32JXDQ0— TNT Sports Argentina (@TNTSportsAR) November 27, 2025No obstante, pese a la bandera que se ató en las rejas de la tribuna, tras la derrota de Lanús, a través de la transmisión oficial del partido, se escucharon cánticos de la hinchada en la dirección opuesta. "Chiqui Tapia botón, Chiqui Tapia botón (...)", empezó a recitarse, a viva voz, por los hinchas lanusenses. El cantó se coló por los micrófonos de la transmisión y se viralizó en redes sociales.Algunos usuarios hicieron notar que la crítica de los hinchas no se correspondía con la bandera que apareció en el segundo tiempo, y advirtieron que la misma podría haber sido instalada por pedido de la dirigencia y no por decisión de los hinchas.La buena relación entre Tapia y Russo quedó de manifiesto este miércoles por la noche en la ceremonia de los Premios Alumni, que se llevó a cabo en el predio Lionel Messi de Ezeiza. Allí, luego de que Tapia ganara la distinción de platino y dijera que permanecerá en la AFA "mucho tiempo más", Nicolás Russo fue distinguido con el Alumni de oro, como reconocimiento a lo realizado en la última temporada. Cabe mencionar, que se trató de un galardón compartido con Diego Placente, entrenador del selección sub 21, y Ángel Di María, capitán de Rosario Central.

"Una huella muy profunda". Son hija y nieta de una leyenda del mundo del arte y le rinden un amoroso homenaje

En la escena del arte argentino contemporáneo, Ruth Benzacar es casi una divinidad: adorada por artistas, coleccionistas y curadores, la sola mención de su nombre provoca admiración, emoción y un respeto reverencial. Destacada galerista, pionera y visionaria, comenzó esta historia en 1965 en una casa del barrio de Caballito, y sentó las bases de un proyecto que, tras su muerte, en el año 2000, continuaron primero su hija, Orly Benzacar (69), y ahora también su nieta, Mora Bacal (42). Hoy, aquella apuesta alocada y vibrante, Ruth Benzacar Galería de Arte, cumple sesenta años y, en medio de los festejos (tan importante aniversario se celebra con muestra, documental y libro), su hija y su nieta -directora y codirectora de la galería, respectivamente- la evocan para ¡HOLA! Argentina entre recuerdos, anécdotas y risas, mientras van y vienen por la historia de este hito del arte local, de fuerte impronta familiar. "Pasaron veinticinco años desde que murió y sigue teniendo una presencia fuerte todavía. Dejó una huella muy profunda", dirá Orly durante la charla quien, con la ayuda de Mora, continuó, sostuvo y profesionalizó la tarea que había iniciado su madre. De todo eso y más charlaron en esta entrevista. -Cuando murió Ruth, ¿te sentiste en la obligación de seguir con la galería? Orly: Yo soy bióloga y trabajé diez años de bióloga y, cuando Ruth murió, ya hacía diez años que trabajaba con ella. Fue una decisión importante incorporarme a la galería y también fue una decisión importante continuar después de su muerte. No tenía obligación de seguir, pero tuve el deseo de hacerlo y de tomar el desafío, porque en ese momento la galería no estaba muy bien. Ruth murió en el 2000 y después vino el 2001: tuve que remar un par de temporales feos. -¿Qué fue lo que creías que tenías que mantener en términos de legado? Orly: Creo que nunca hubo una decisión muy racional de pensar esto. Lo que sí tuve claro es que quería que nuestra galería siguiera siendo una galería contemporánea y que siguiera siendo una galería que proyectara el arte argentino hacia el mundo. Estar comprometidos con la contemporaneidad genera una suerte de adrenalina que funciona como un motor. -La vara estaba altísima, ¿tuviste que dar examen? Orly: Sí, claro. De hecho, hubo situaciones complejas en ese sentido, como que al poquitísimo tiempo de muerta Ruth un cuerpo de artistas muy importantes, que eran como el pilar de la galería, se fueron. -No confiaban en lo que vos podías hacerâ?¦ -Claramente no. No fue el discurso en ese entonces, pero se fueron. Fue duro. Pero pasado poco tiempo agradecí eso, porque se me fue el enojo y pude darme cuenta de que era una oportunidad para refundar este proyecto con mi mirada, con mi estilo, con mi impronta. -¿Qué fue lo más difícil? Orly: Ruth establecía vínculos muy fuertes, tenía un don y un magnetismo tremendos, la gente la idolatraba, la adoraba, y yo no soy así. Mora: Es muy gracioso que todavía hoy escuchás a alguna gente hablando de Ruth y sentís que ellos cumplían un rol muy importante en su vida, y Ruth cumplía un rol muy importante en la vida de ellos. Era esa gente que se vuelve casi imprescindible. No sé si era así efectivamente, pero ella lo hacía sentir así. Toda esa generación de coleccionistas que empezaron con Ruth la veían como a una madre. -Qué difícil, Orly, vivir todo eso en medio de tu duelo porque, además de todo, se había muerto tu mamáâ?¦ -¡Obvio! Fue muy difícil. A veces siento que no sé cómo hice. Mora: Porque es parte de tu personalidad. Yo, conociendo mucho a mi mamá, te diría que tiene una personalidad que puede sobreponerse con muchísima altura a esos golpes. No la afectan como podrían afectar a otros. Ella va siempre para adelante. -¿Qué significa que la galería cumpla sesenta años? Mora: Para mí, los sesenta años fueron una excusa para poder comunicar hacia afuera algo que estaba sucediendo adentro de la galería desde hacía mucho tiempo, que tiene más que ver con un fortalecimiento institucional, con un replanteo de formas de trabajo. Desde la pandemia veníamos trabajando en qué modelo de galería queríamos ser, cómo queríamos trabajar, qué sistema necesitábamos para responder a las demandas del mercado y proyectar al futuro, y con lo de los sesenta años, pudimos contarlo. Orly: Todo eso sumado a la importancia de los sesenta años, porque se tributa el legado. Siempre mirando para adelante, reconociendo toda la historia, y viendo cómo sigue. Y rescatando esto de las tres generaciones de mujeres, de pasar una antorcha. -Tres generaciones de mujeres, ¿Benzacar es un matriarcado? Orly: Por ahora lo es, y medio que se dio así, no fue planeado. Obvio que cuando hay nietos uno se pregunta: "¿Quién será el que siga con esto?", y surgen fantasías al respecto. En mis fantasías hay varones y mujeres: yo tengo dos candidatos, uno y una. -¿Qué les dejó Ruth como mamá y como abuela? Mora: Para mí no era una abuela normal, porque las abuelas normales eran muy con servadoras y mi abuela estaba muy aggiornada, más que yo en un punto. Orly: Era cancherísimaâ?¦ ¡Pijamadas mixtas! En esa época no cualquiera hacía algo así. Mora: Era compinche y pícara. Igual, yo la recuerdo también como muy formal, que era algo de la época. Toda vestida de seda, superelegante, pero sí sabía lo que era canchero y me compraba a mí la ropa canchera. Además, me abría el diálogo a temas que las abuelas no solían tocar: drogas, sexo y rock and roll. Orly: Como mamá era más normal, dentro de lo atípica que era mi familia. Mora: Para nosotros lo normal es esto, para mis hijos lo normal es ir todos los fines de semana a un museo o a la inauguración de una muestra. ¿Me odian un poquito? Y síâ?¦ después quizás me lo agradezcan. Orly: Vivir así para nosotros es lo normal. La pijamada de los nietos es acá, en esta casa. Es lo que nos tocó y nos parece un privilegio haber crecido en esa vida. Yo me iba con mi mamá de la mano al Di Tella, era casi obligatorio. El Di Tella, la Galería del Esteâ?¦ Para mí ese era el mejor paseo. -¿De chica tenías conciencia del privilegio que era eso? Orly: No, en absoluto. De vuelta: para mí era lo normal. Mora: Mi casa era más normal que lo que fue la de la infancia de mi mamá, porque mi papá no deja de ser un químico que laburaba de químico y mi mamá fue bióloga durante diez años. Había obras y los sábados a la mañana yo iba con mi mamá a Florida 1000, y los fines de semana pasaba mucho tiempo en lo de mi abuela, incluso con mis amigos. Ella tiraba un millón de colchones en el living y en ese living había un Berni gigantesco. También tenía una mesa de comedor enorme, en la que nos recibía con un desayuno que era un verdadero banqueteâ?¦ Y a mis amigos les encantaba ir: a todos los marcó muchísimo tener como una cotidianeidad con esa casa y esas obras, muchos lo reconocen al día de hoy. -Manejan más de treinta artistas. ¿Cómo se hace con tanta gente? Mora: Hay momentos. Los artistas que tienen muestra durante ese año requieren más atención o más seguimiento, igual que los que tienen proyectos institucionales muy grandes. Hay artistas más demandantes que otros, hay personalidades, hay estilosâ?¦ -¿Funcionan un poco como psicólogas? Mora: Funcionamos como todo. Creo que tenemos un montón de roles, desde tramitarle la visa para el hijo porque necesita viajar, pasando por contener a un artista en crisis emocional porque lo dejó su pareja, hasta acompañar el proceso de una muestra, con los subibajas que puede generar. -Que la galería tenga el nombre y el prestigio que tiene, ¿hace que todos quieran estar? Mora: Un poco sí, pero yo rescato también que el medio creció mucho y hay competencia. Eso es sano. Durante muchos años fuimos la única galería de arte contemporáneo saliendo al mundo, y eso es medio un bajón y una responsabilidad enorme, porque no te permite mucho movimiento. Hoy, en la escena del arte de Miami, por ejemplo, somos entre dieciocho y veinte galerías argentinas presentes, y eso representa a la producción local con fuerza, altura y calidad. Está buenísimo no ser la única. -¿Cómo imaginan el futuro de la galería? Orly: Creo que más que imaginar, lo deseamos. Es difícil imaginarlo porque vivimos donde vivimos, cuesta proyectar. Mora: También yo siento que hacer mucha futurología puede generar desilusiones. ¿Qué sabés lo que va a pasar en el futuro? Estoy segura y contenta con la galería que tenemos hoy, y tengo la certeza de que construimos bases sólidas para proyectarnos veinte, cincuenta, cien años más. Hasta donde queramos, hasta donde se pueda llegar y nos dé satisfacción. -Mora, ¿cómo es trabajar con tu mamá? -Tengo la suerte de que mi vieja tuvo una buena experiencia con la suya. Y si hay algo que marcó el vínculo generacional tanto de Ruth con Orly como el de Orly conmigo es la generosidad y la apertura para escuchar nuevas voces. Mi mamá tiene flexibilidad, permite la escucha y el cambio. Es generosa, toma riesgos, y eso facilita un aggiornamiento constante. Esa misma flexibilidad es muy necesaria en nuestro proyecto de ser una galería de arte contemporáneo, es la única manera de seguir contemporáneos. Orly: Nosotras creemos que la galería mantiene la frescura de una galería de arte contemporáneo, con todo el peso de la historia y el legado, pero sigue siendo una galería fresca. -¿Cómo es la dinámica de la relación de ustedes en el trabajo? Mora: Nos escuchamos, no nos peleamos, fluye bien. Orly: Creo que nos complementamos bien, yo la escucho mucho a Mora. Hay respeto, escucha, amor. Mi mamá no me enseñó a mí a hacer una transición de señora grande a hija, porque se murió. Y yo creo que estoy más cerca de hacer esa transición hacia Mora. No me voy a retirar ni mucho menos, porque me encanta ir a la galería, me encanta estar, pero no tengo la misma energía. El tiempo va pasando y medio naturalmente lo estamos haciendo, lo aprenderemos a hacer. Mora: Por ahora venimos bien. Maquillaje y peinado: Nahuel Puentes para Sebastián Correa Estudio

Eliades Ochoa anuncia gira en México: fechas y ciudades para la leyenda de la música cubana en '¡Como Nunca! Tour'

El virtuoso de la música tradicional cubana, fundador del legendario Buenavista Social Club, ofrecerá presentaciones únicas en ciudades mexicanas

Maná hace historia en Los Ángeles y supera récord impuesto por Bruce Springsteen, leyenda del rock en EEUU

Fher Olvera, Alex González, Juan Calleros y Sergio Vallín fueron coronados simbólicamente como los "Kings of LA"

Es una leyenda del punk ruso, se exilió en la Argentina por oponerse a Putin y a la guerra contra Ucrania y ama el rock nacional

Dmitry Spirin es un referente del punk rock ruso. Por su música contestataria y sus fervientes críticas al gobierno, tuvo que abandonar su país y venir a la Argentina, donde encontró la escena rockera de sus sueños. Ya era un gran conocedor de las bandas de punk argentinas antes de venir acá y ahora sueña con traducir sus canciones al ruso.Dmitry es uno de los máximos exponentes del punk en Rusia, un género que explotó en los 90 tras la caída de la Unión Soviética. Su banda Tarakany! (¡Cucarachas!) estuvo al frente de un nuevo movimiento en el que los jóvenes, con mayores libertades individuales, salieron a festejar con un rock que hablaba de diversión, fiestas y alcohol. Sin embargo, con la llegada de Vladimir Putin al poder, ciertos derechos volvieron a sufrir restricciones y muchos músicos expresaron su descontento. Quienes se opusieron al Gobierno, como él, empezaron a ser víctimas de la censura. Él, solo por manifestar públicamente su apoyo a Alekséi Navalni, el mayor opositor al premier ruso, fue imputado penalmente y tuvo que mudarse a Hungría.Tras el comienzo de la guerra contra Ucrania, no tuvo otra alternativa que exiliarse fuera de Europa y eligió instalarse en la Argentina, atraído por la calidad de vida y la escena punk, de la que se declara fanático desde antes de conocer el país. "Bandas como Attaque 77 y Cadena Perpetua son muy buenas. Hay algo en las melodías de las canciones y en el idioma que, aunque no entienda una palabra, me llega al alma", cuenta a LA NACION en la primera entrevista que da a un medio argentino. Con su primer álbum solista recién editado -el antibelicista Guerra Caliente-, está armando una banda para poder mostrar su música al público local.-¿Cuándo empezaste a escribir canciones en contra de Putin?-Tarakany! era una banda de punk-pop. Empezamos en 1991, una época en la que Rusia estaba llena de expectativas, de diversión y de energía porque habían quedado atrás 70 años de comunismo y el país daba sus primeros pasos hacia una nueva vida, con normalidad e integrada al mundo. Para mi generación, los 90 estaban llenos de esperanza y nosotros hacíamos canciones felices sobre la adolescencia, las chicas y salir de fiesta. Así fue durante los primeros diez años, hasta que llegó una nueva era donde empezamos a expresar sentimientos más oscuros y tristes sobre temas como el nacionalismo y el racismo, y a manifestar nuestra oposición hacia Putin, que mostraba sus primeras señales de tiranía, atentando contra la libertad de expresión, cerrando canales de televisión y encarcelando a quienes estaba en contra de sus políticas. -¿Cómo afectó a la banda oponerse abiertamente al Gobierno?-El régimen de Putin es una dictadura a gran escala y muchas bandas de rock lo denunciamos a través de nuestras canciones, las portadas de nuestros discos, remeras, entrevistas y videoclips. En los últimos años, incluso antes de que comenzara la guerra contra Ucrania, esta tiranía empezó a perseguir gente e inició una cruzada contra nosotros. Nos pusieron en listas negras y cancelaron nuestros conciertos. Durante la pandemia, disfrazaron estas restricciones como medidas anti-Covid. Nos pasó que no nos dejen tocar en una ciudad que el día anterior o el posterior sí había tenido shows en vivo, pero para el nuestro no estaban las condiciones sanitarias necesarias para hacerlo. Luego me abrieron una causa contravencional por haber publicado un video apoyando a Navalni debido a que el gobierno ruso consideró que incitaba a la violencia bajo una de las tantas leyes que sancionó que restringen derechos civiles. Mi abogada me recomendó que abandonara Moscú, así que con mi esposa nos fuimos a nuestro segundo hogar en Budapest, la capital de Hungría. -¿Cómo te afectó la invasión a Ucrania?-En febrero de 2022 sabíamos que algo pasaba en la frontera. Cuando la guerra comenzó, Tarakany! llegó a su fin: sabía que nunca más iba a poder volver a Rusia. Mi posición antibélica allá se había vuelto un crimen. Para mí fue una situación absolutamente increíble. Yo no puedo estar en silencio. No podía imaginarme estar en mi país, tocando con mi banda y no decir ni una palabra sobre la tragedia más grande de mi vida y creo que de la vida de muchos rusos y, por supuesto, del pueblo ucraniano. Cuando cayó la Unión Soviética, dejamos de ser un imperio del mal para los demás. Mi generación nunca imaginó que nuestro propio país comenzaría una guerra, no con extraterrestres o una organización malvada, sino contra nuestros hermanos. Me sentí traicionado. Por eso me quedé en Europa.-Pero luego también tomaste la decisión de dejar Europa...-Muchos empezamos a sentir que nuestra nacionalidad era una vergüenza y nuestros pasaportes una carga. No queremos que millones de personas nos vean como partidarios pasivos de Putin o de la guerra, porque no podés explicarle a todo el mundo que no es así. No es que sentimos discriminación de la gente, pero las autoridades locales comenzaron a hacernos la vida más difícil en lo que se refería a visas y permisos de residencia. Los entiendo: somos ciudadanos de un país agresivo que inició la primera gran guerra en Europa desde el conflicto en los Balcanes. Además, Hungría está gobernada por Viktor Orbán, que es un pequeño dictador. Así que buscamos otro lugar en dónde reubicarnos que tuviera un buen nivel de vida, sea receptivo con los inmigrantes y que respondiera a nuestros valores de democracia, libertades y derechos humanos, todo lo que perdimos en Rusia.-Y eligieron a la Argentina...-Sí, encontramos que Argentina cumplía con todo eso. Vinimos a conocer el país en mayo de 2022 y fue amor a primera vista. Supimos exactamente que éste era el país para nosotros. Nos mudamos en noviembre de 2022 y ya llevamos tres años aquí, hasta adoptamos un perro callejero, pero todavía no hablo español, lo cual es vergonzoso. -¿Cómo fue empezar de nuevo con tu música en un país tan lejano?-Desde que estalló la guerra no tuve ganas de hacer música. Estaba muy deprimido para escribir, así que mi primer año y medio en Argentina fue de adaptación, pero no estuve involucrado en ningún proceso creativo. Más adelante, un amigo me propuso organizar shows de bandas rusas en Buenos Aires y logramos traer a una llamada Nogu Svelo!, radicada en los Estados Unidos. Su líder, Max Pokrovsky, que es como un hermano para mí y mi músico ruso favorito, nunca dejó de tocar y tras la invasión empezó a hacer canciones en contra del conflicto. En sus conciertos descubrí que un músico podía luchar tan solo con su micrófono y su guitarra y no parecer irrelevante ni estúpido. Me inspiró tanto que busqué una guitarra eléctrica en Facebook y la compré. La guardé por un tiempo y, cuando la volví a sacar meses después, me agarró una especie de fiebre creativa de la que surgieron muchas canciones sobre la guerra. Siento que estoy en una etapa que no es solo arte, sino una declaración política.-¿Así grabaste tu primer disco solista, Guerra Caliente?-Conocí a otro músico ruso en Argentina, Vladimir Skorokhodov, que me ayudó a grabar unos demos, que luego envié al exguitarrista de Tarakany!, que vive en Georgia, para que lo produjera y grabara parte de los instrumentos. Ahora aspiro a sumar a un baterista para tener una banda en Buenos Aires y poder tocar aquí. De hecho, ya estoy preparando mi segundo disco, que tendrá versiones de bandas antibélicas y opositoras a Putin que están en el underground ruso y que incluso intentan lanzarlas allí. Su voz todavía no es tan fuerte, así que me envían sus canciones para que yo, como antiguo miembro de un grupo famoso, pueda darles más visibilidad.-¿Conocías algo de rock argentino antes de venir a Argentina?-El rock norteamericano no es tan grande en Rusia. Es poca la gente allá que escucha esa música. Hace 10 o 15 años, en un foro de The Ramones alguien subió unos discos de punk rock argentinos y me parecieron muy buenos, de bandas como Attaque 77, Cadena Perpetua y Expulsados. Creo que es un crimen que estos grupos no sean conocidos a nivel mundial. Para mi tercer disco me gustaría traducir al ruso mis canciones de punk argentino favoritas para que mi pueblo sepa lo brillante que es la escena aquí.-¿Qué es lo que más te gusta de Argentina?-En Rusia, el rock occidental en su mayoría no es popular, mientras que acá veo a muchos con remeras de The Ramones, banda de la que soy fanático. En realidad, las únicas imágenes que había visto del país eran las de un concierto de ellos en Buenos Aires. No sé si hay un país en el mundo como Argentina en cuanto a su actitud hacia el rock y eso me hizo más feliz de lo que ya era. Inmediatamente comencé a armar mi colección de vinilos de rock argentino y a ir a conciertos. Una de mis bandas favoritas son los Ramonos, que tocan temas de The Ramones disfrazados de monos. Recuerdo que en mi segundo día aquí fui a ver a Richie Ramone y me sumergí en la cultura ramonera argentina y me sentí en casa, no en mi país, sino en mi ambiente. La gente era de mi edad, vestida igual que yo, muy relajada y le gustaba la misma música que a mí. Estaba en medio de la multitud y pensaba: "¡Gracias a Dios por estar en Argentina. Ésta es mi nueva vida!".Agradecimiento: Musgo Restaurante, Nicaragua 4758

Koke alcanza los 700 partidos y aumenta su leyenda en el Atlético de Madrid

El mediocampista del Atlético de Madrid Jorge Resurrección, más conocido como Koke, alcanzó este domingo en la victoria de los colchoneros ante el Getafe en el Coliseum la cifra de 700 partidos con el club rojiblanco, y se convirtió a sus 33 años en el primer jugador de la historia del Atlético de Madrid en lograr dicha cifra.El surgido de las inferiores sigue escribiendo páginas en la historia del Atlético de Madrid. En los más de 122 años de historia del club colchonero, ninguno de sus jugadores había alcanzado la cifra de 700 partidos oficiales vistiendo la camiseta rojiblanca hasta el pasado domingo. Y es que, en el Coliseum, además de la alegría por la quinta victoria consecutiva en Liga, Koke celebró el llegar a la emblemática cifra.ð??±ð??±ð??° ð??½ð??®ð??¿ð???ð??¶ð??±ð??¼ð???.Una ð??½ð??®ð???ð??¶ð??¼Ì?ð??» por unos colores.â?¤ï¸?ð?¤? #CapitánDeLeyenda pic.twitter.com/MgHG30AtVk— Atlético de Madrid (@Atleti) October 1, 2022A sus 33 años y con un contrato que expira en junio de 2026, Koke quiere seguir demostrando que tiene mucho fútbol que aportar al equipo de su vida. De hecho, esta temporada está siendo el séptimo jugador más utilizado por el Cholo Diego Simeone, acumulando 1.081 minutos entre todas las competiciones. Además, de los 17 partidos que disputó fue titular en 13 y dio tres asistencias.Un rendimiento sorprendente teniendo en cuenta el peso que había ido perdiendo en las últimas temporadas, en las que la irrupción de Pablo Barrios y la presencia de Rodrigo De Paul lo había empujado a un rol más secundario. De hecho, el curso pasado participó en 47 partidos, pero sólo en 28 fue titular, para acumular en total 2.798 minutos. Así, los de esta temporada suponen casi el 40% del total del curso pasado.Cuán afortunados somos de ser testigos de la historia. Cuán dichosos nuestros corazones por disfrutarte día a día â?¤ð?¤? pic.twitter.com/AU7Y4JBjmd— Atlético de Madrid (@Atleti) November 24, 2025Minutos que se ganó a base de buen juego. En comparación con la temporada pasada, Koke pasó de 88,7% de acierto en el pase a un 92,5%, del 77,4% en el último tercio al 86,2%, y de crear 0,65 ocasiones cada 90 minutos a 1,06. Además, acumula, de media, cada 90 minutos, más de dos progresiones de más de 10 metros con balón con respecto a la temporada pasada, pasando también de ganar el 40,7% de los duelos disputados al 56,6%.Y a este progreso se une esta simbólica cifra con el club de su vida. En total, 700 partidos separados a lo largo de 17 temporadas como jugador atlético, en las que defendió los colores del club madrileño hasta en siete competiciones -Liga, Copa del Rey, Supercopa de España, Champions League, Europa League, Supercopa de Europa y Mundial de Clubes-. Una cifra que sólo alcanzaron con un mismo club jugadores de la talla de Leo Messi, Xavi Hernández y Sergio Busquets, en el Barcelona, y Raúl González, Iker Casillas y Manolo Sanchís, en el Real Madrid.Además, Koke tiene también el honor de ser el jugador del Atlético de Madrid con más partidos en Primera División (497) y Champions League (106). A estos se suman 56 en la Copa del Rey, 29 en la Europa League, siete en la Supercopa de España, tres en el Mundial de Clubes y dos en la Supercopa de Europa. Encuentros en los que el madrileño consiguió marcar 48 tantos y repartir 121 pases de gol, según datos de Transfermarkt, lo que lo convirtieron en el máximo asistente de la historia del club.Una cuantía de partidos en los que el Atlético de Madrid vivió dos de las mejores décadas de su historia, y así lo reflejan los números del centrocampista. Koke consiguió con el club colchonero dos Ligas (2013-14 y 2020-21), dos Ligas Europa (2011-12 y 2017-18), dos Supercopas de Europa (2012 y 2018), una Copa del Rey (2012-13) y una Supercopa de España (2014). Además, ganó 415 partidos, empató 150 y perdió 134, lo que supone un porcentaje de derrotas de únicamente el 19 por ciento.700 partidos con el equipo de su vida.Orgullosos de ti, capitán. â?¤ï¸?ð?¤? pic.twitter.com/M4bljjIzHT— Atlético de Madrid (@Atleti) November 23, 2025Koke es también el jugador más utilizado desde que Diego Pablo Simeone se convirtió en entrenador del Atlético de Madrid, con 662 partidos. Pero además del técnico argentino, ha tenido como entrenadores a Abel Resino, que le hizo debutar, Quique Sánchez Flores y Gregorio Manzano.A título personal, en sus 700 partidos como rojiblanco, siendo la del Atlético de Madrid la única camiseta que vistió más allá de la de la Selección (70), el rival al que más veces enfrentó fue a Real Madrid (43), al que más veces le ganó es a Getafe (20), ante el que más veces perdió fue Barcelona (20) y Sevilla (7) al que más goles le marcó. Además, Luka Modric (36) fue ante el que más jugó y Carlo Ancelotti (26) el entrenador ante el que más se midió.DPA

"I'll be back", la frase que quiso evitar Arnold Schwarzenegger y se convirtió en leyenda en Terminator

La decisión de mantener la línea original en el guion, impulsada por James Cameron pese a las dudas del actor, convirtió aquellas simples palabras en un ícono del cine y la cultura popular

De qué murió Jimmy Cliff, leyenda del reggae

Este lunes 24 de noviembre se dio a conocer que Jimmy Cliff murió a los 81 años. Se trata de uno de los cantantes legendarios del reggae en Jamaica, reconocido por canciones como "Many Rivers to Cross", "Rebel In Me", "Vietnam" y "Reggae Night". La noticia fue confirmada por la familia del artista a través de un comunicado que se publicó en las redes sociales de Cliff.De qué murió Jimmy Cliff, leyenda del reggaeSegún indica el comunicado firmado por su mujer, Latifa Chambers, y sus hijos Lilty y Aken, Jimmy Cliff falleció por complicaciones médicas derivadas de un cuadro de neumonía.Noticia en desarrollo.

Murió Jimmy Cliff, leyenda del reggae e icono cultural

El músico y actor jamaicano, autor de clásicos como "You Can Get It If You Really Want" e "I Can See Clearly Now", murió a los 81 años. Su influencia marcó a generaciones y ayudó a expandir el reggae en el mundo. Leer más

Murió la leyenda del reggae Jimmy Cliff, a los 81 años

Jimmy Cliff, una de las grandes figuras del reggae jamaiquino, murió a los 81 años por complicaciones médicas derivadas de un cuadro de neumonía, según anunció hoy su mujer, Latifa Chambers, a través de sus redes sociales."Con profunda tristeza les comparto que mi esposo, Jimmy Cliff, falleció a causa de una convulsión seguida de una neumonía. Estoy agradecida por su familia, amigos, colegas artistas y compañeros de trabajo que lo acompañaron en su camino. A todos sus fans alrededor del mundo, sepan que su apoyo fue su fortaleza a lo largo de toda su carrera. Él realmente valoraba a cada uno de ustedes por todo su cariño", expresó Chambers en una publicación que realizó en la cuenta de Instagram oficial del artista."También quiero agradecer al Dr. Couceyro y a todo el personal médico, que han sido extremadamente solidarios y de gran ayuda durante este proceso tan difícil", añadió."Jimmy, mi amor, que descanses en paz. Voy a seguir tus deseos. Espero que puedan respetar nuestra privacidad en estos momentos tan duros. Más información será brindada más adelante. Nos vemos, Leyenda", concluye el comunicado firmado por su mujer y sus hijos Lilty y Aken.Noticia en desarrollo

Guillermo Rossini, leyenda del humor peruano, falleció a los 93 años

La partida del célebre imitador conmueve a la comunidad artística y a generaciones de seguidores en el Perú

Este es el motivo por el cual la leyenda del skate Tony Hawk volvió a Medellín y encendió de nuevo la escena en el país

La visita del "Birdman" volvió a sacudir la escena del skate en Medellín: rodó con aficionados, compartió con la comunidad y aprovechó su estadía para un tratamiento médico

Día de la Flor Nacional: cuál es la leyenda del ceibo

El Día de la Flor Nacional se celebra el 22 de noviembre en la Argentina. El objetivo de esta fecha es destacar el ceibo, que es un símbolo patrio. Durante la jornada, se recuerda la declaración de esta insignia, que brinda mayor valor a su figura y proteger esta especie autóctona del país. Junto a la bandera, el himno y el escudo nacional, es uno de los cuatro símbolos patrios argentinos.¿Cómo se eligió la flor nacional argentina?Fue en 1910 cuando comenzó el debate acerca de este símbolo patrio. Los biólogos, botánicos y naturistas argentinos Ángel Gallardo, Cristóbal Hicken, Eduardo Holmberg, Juan Domínguez y Miguel Lillo enviaron una solicitud al Gobierno, que proponía designar una flor como patrimonio de la nación. A pesar de esta propuesta, no se llegó a un acuerdo sobre qué especie floral era la indicada.En 1928, la Revista Nacional de la Industria Lechera y Ganadera realizó una encuesta para que el público eligiera una flor nacional. El cuestionario tuvo una gran repercusión para la época y contó con la participación de 8000 personas de todo el país. La iniciativa dio como ganadora a la magnolia grandiflora, más conocida como magnolia. La especie proviene principalmente de Asia y fue extendiéndose a diferentes continentes, hasta llegar al país.Sin embargo, dos años más tarde, el biólogo, paleontólogo y oceanógrafo argentino, Martín Doello Jurado, objetó la idea de utilizar una especie floral no autóctona para representar al país. El entonces director del Museo de la Historia Natural declaró que era importante que la flor nacional tuviera sus orígenes en Argentina para lograr mayor representatividad.Fue así que el Diario La Razón llevó a cabo una nueva encuesta para determinar una nueva flor que cumpla con estos requisitos. La respuesta de la sociedad fue masiva: más de 20.000 personas participaron del cuestionario. En sus resultados, se coronó al ceibo como la flor nacional.En 1941, el Ministerio de Agricultura de la Nación ordenó conformar una Comisión Nacional, orientada con el fin de establecer los requisitos para declarar a esta especie como símbolo patrio. Al año siguiente, el 22 de diciembre de 1942 se emitió el decreto nº 13.847, que proclamaba de manera oficial al ceibo como flor nacional argentina. En 2008 el Gobierno de la Nación decidió otorgar un día para celebrar esta insignia patria.La leyenda del ceiboSegún Cancillería Argentina, la tradición oral cuenta que en la ribera del Río Paraná vivía una joven indígena llamada Anahí, quien era conocida por su hermosa voz. En las tardes veraniegas deleitaba a su tribu guaraní con canciones inspiradas en sus dioses y el amor a la tierra. Un día llegaron unos invasores, que destacaban por su piel blanca. Eran atrevidos y aguerridos, y arrasaron las tribus y les arrebataron las tierras, los ídolos y su libertad a los indígenas. Fue así que Anahí fue llevada cautiva junto con otros indígenas, algo que le causó mucha angustia y pasó días llorando. Una noche, el centinela que los vigilaba se quedó dormido y la joven aprovechó la oportunidad para escaparse. Sin embargo, el guardia despertó repentinamente y ella, para lograr su objetivo, hundió un puñal en su pecho y huyó rápidamente a la selva.El grito del carcelero, quien falleció por la herida, despertó a los otros españoles, que salieron en una persecución para encontrar a Anahí. Al rato la joven fue alcanzada por los conquistadores. Estos, en venganza por la muerte del guardián, le impusieron como castigo la muerte en la hoguera. La ataron a un árbol e iniciaron el fuego, que pareció no querer quemarla. La indígena, sin murmurar palabra, sufrió en silencio con su cabeza inclinada hacia un costado. Y cuando el fuego comenzó a subir, Anahí se fue convirtiendo en árbol milagrosamente.Al amanecer los soldados se encontraron ante el espectáculo de un hermoso árbol de verdes hojas relucientes y flores rojas aterciopeladas en todo su esplendor, como símbolo de valentía y fortaleza ante el sufrimiento.

El misterio y la leyenda detrás del Coloso de Rodas, la maravilla griega que asombró al mundo antiguo

El destino de esta gigantesca figura dedicada a Helios quedó sellado tras 66 años en pie, cuando un devastador sismo destruyó la legendaria obra cuyo tamaño y construcción aún fascinan a la arqueología moderna

Murió Todd Snider a los 59 años: el adiós a la leyenda del alt-country y la música americana

Todd Snider, con más de 16 álbumes que fusionaron alt-country, folk y blues, dejó un impacto indeleble en la música americana.Su sello discográfico y allegados lo recuerdan como un "poeta del mundo" con humor devastador.

Sigue la cacería humana de la NYPD por robarle a Tom Brady US$10.000 dólares, ¿el botín robado de la leyenda de la NFL? Tarjetas de Pokemón

El Departamento de Policía de Nueva York emitió un aviso de búsqueda. Un sospechoso se encuentra fugitivo.

Un estudio revela que la momia de Tutankamón habría sido decapitada y resurge la leyenda de la "maldición del faraón"

Un análisis histórico detallado expone que los arqueólogos que abrieron la tumba del joven rey egipcio en 1925 decapitaron y desmembraron su cuerpo para retirarlo del sarcófago. Leer más

George Dalaras,"la leyenda griega" en Buenos Aires

En su tercera visita a la Argentina, el cantante, compositor y multiinstrumentista recorrerá un estilo hecho de géneros tradicionales de su país, como el rebetiko y el laïkó, pero también el rock y la canción latinoamericana.

Novak Djokovic le ganó a Lorenzo Musetti y agiganta la leyenda, en un espectáculo de otra era

Novak Djokovic tiene 38 años y es, probablemente, el más grande tenista de todos los tiempos. Quinto en el mundo en la actualidad, se impuso en 24 títulos de Grand Slam y sigue dando batalla, por el maravilloso acto de seguir compitiendo, muchas veces, contra sí mismo. También, en el flamante ATP 250 de Atenas, de su propiedad.Lorenzo Musetti es uno de los representantes de la renovada camada de tenistas italianos, que mezclan la prepotencia de la actualidad con la magia del pasado. Jannik Sinner es el número uno, el joven de 23 años nacido en la Toscana es uno de los mejores intérpretes. En el puesto número 9, ganó dos trofeos en su carrera.¡¡¡LA CABRA LO HIZO OTRA VEZ!!! ¡NOVAK DJOKOVIC LO DIO VUELTA Y ES EL CAMPEÓN DE #ATENAS! ð???ð???ð??º Mirá #Atenas en el Plan Premium de #DisneyPlus. pic.twitter.com/ASKxbFNaBn— ESPN Tenis (@ESPNtenis) November 8, 2025Djokovic alcanza el título número 101, el primero en cancha dura desde las ATP Finals de 2023, supera a Federer como el jugador con más títulos en esa superficie en la Era Abierta (con 71). Con 38 años y 5 meses, se convierte en el jugador de mayor edad en ganar un título ATP desde Ken Rosewall, con 43 años en Hong Kong en 1977."Fue una tremenda batalla, como tres horas. Fue muy duro, muy físico. Esta es mi casa, amo a todos", comentó la leyenda, luego del enorme triunfo por 4-6, 6-3 y 7-5. La cita fue por la final de un torneo sin historia ni prestigio, pero que brinda dividendos incuestionables. Para el serbio, ganar en su segunda casa representa todo un desafío. Una muestra de que sigue vivo. Para el italiano, era mantenerse en carrera rumbo al ATP World Tour Finals, el final de fiesta del tenis profesional de varones. No pudo ser.Fue, más allá del resultado, un partidazo. Una de esas obras inespereradas, que hacen recordar algunas huellas del tenis de los años 80, 90. Peloteos interminables con estilo, viajes a la red, muñecas bravas y calientes. Y la ovación compartida del público hizo el resto.¡NO SE PUEDE CREER LO DE ESTOS DOS! ð??¥ð??º Mirá #Atenas en el Plan Premium de #DisneyPlus. pic.twitter.com/YYE4GigOd3— ESPN Tenis (@ESPNtenis) November 8, 2025Durante el segundo parcial, se vivió lo mejor del espectáculo. La leyenda estaba 4-6, 4-3 y 40-30, el servicio a cargo del italiano. Allí se vivió un peloteo mágico, pleno de recursos y vaivenes, que acabó con una suerte de palomita de volea del serbio, sentado y riéndose, luego recostado con la cara mirando al techo del estadio. Y cómplice de la mejor ovación de la noche.Le costaba respirar, verdaderamente. Se levantó, siempre sonriente, y levantó los brazos, como para que los aplausos (también compartidos hacia su rival) fueron más intensos.¡¡NOVAK DJOKOVIC Y EL PUNTO DE TODOS LOS TIEMPOS!! ð???ð??º Mirá #Atenas en el Plan Premium de #DisneyPlus. pic.twitter.com/OGdo7fcX7a— ESPN Tenis (@ESPNtenis) November 8, 2025Más tarde (entre varios intercambios mágicos), se produjo otra obra maestra. Iba el serbio 3-2 y 40-30 en el tercero, cuando el italiano lo invitó a la red. Otra vez, el peloteo levantó al estadio, pero esta vez el afortunado fue Musetti, que provocó otra reacción juvenil de Djokovic, ahora arrojado hacia la derecha, pero con la pelota chocando en la red. Otra muestra del juego-espectáculo de otros tiempos.Hasta que el serbio, con el saque, acepta la devolución errónea de su digno adversario, la pelota viaja desviada y el gran campeón se arroja sobre el cemento. Grita, gesticula, eleva los brazos, hasta se rompe la camiseta, como si fuera El Increíble Hulk. Saluda a todos, se ríe con sus padres, siempre presentes. ¡Es el campeón!

El arte perdido de Pablo Escobar: obras falsas, herencias y una leyenda que no muere

Traidores del arte. Podcast de Claribel Terré Morell/ Episodio XXV. Obras falsas atribuidas a Picasso, Basquiat y De Chirico fueron confiscadas en Estepona, España, como parte de una supuesta herencia del capo narco. El hallazgo reaviva el mito de la colección de arte del capo colombiano, valuada en su tiempo en 1.500 millones de dólares.

Retrocultura Activa | La leyenda sangrienta de Ninja Scroll: animación adulta en su máximo filo

Violencia poética, deseo prohibido y leyenda urbana: Ninja Scroll sigue siendo el arma más afilada del anime adulto que marcó a una generación

"Era un rebelde": diez minutos con la leyenda del rock que ama a Maradona y cuestiona a Milei

"Prefiero ir al camarín", dice Bobby Gillespie, el escocés de 63 años que desde hace 43 lidera la banda de rock Primal Scream. La entrevista previa se demoró bastante, ya son las 8 PM y en menos de una hora debe salir al escenario para tocar frente a las miles de personas que llenaron Mandarine Park aquel domingo del festival Music Wins 2025. "Tenés diez minutos", me advierte el jefe de prensa.Gillespie se aleja del espacio asignado para las entrevistas y avanza por un pasillo hasta llegar a su vestidor. Lleva pantalón de cuero y un saco de smoking azul con solapas negras. A simple vista, luce igual de esbelto y pelilargo que a los 20 años. Me invita a sentarme mientras picotea de un bowl lleno de frutos secos. Enseguida, el tipo que grabó una docena de álbumes, vendió dos millones de copias de Screamadelica y cuya fusión de psicodelia y música electrónica influenció a bandas como Oasis, LCD Soundsystem y Tame Impala, me ofrece unas castañas de cajú. Acepto, tímidamente."No tengo grandes expectativas. Solo espero que hagamos un buen show y que la gente la pase bien", reconoce sobre su inminente presentación, la primera en Buenos Aires tras ocho años. Para él, este regreso porteño está atravesado por una fecha agridulce: el 30 de octubre hubiera sido el cumpleaños número 65 de Diego Armando Maradona, uno de sus máximos ídolos. Gillespie, que viene de una familia de izquierda -su padre fue político y gremialista- considera al Diez un "héroe de la clase trabajadora". "Nunca se olvidó de dónde venía. Siempre estuvo conectado con su origen, con la gente humilde. Tenía un sentido moral muy profundo. Era un rebelde, no podía ser controlado. Sí, tuvo problemas, mujeres, drogasâ?¦ pero es tragedia y épica shakesperiana a la vez", sostiene.¿Puede alguien ocupar el lugar que dejó Maradona? "Éric Cantona, Éric Cantona, Éric Cantona", repite, un eco de aprobación. El exfutbolista francés, que brilló en el Manchester United y el Olympique de Marsella, se convirtió en uno de los defensores más activos de la causa palestina, que Gillespie también apoya. "Durante toda esta guerra en Gaza, Eric escribió canciones sobre lo que pasa. Yo grabé una con él. Habla del tema en público", detalla.Gillespie cree que es deber de los artistas denunciar las injusticias que presencian. "Músicos, pintores, poetas: tenemos que documentar la condición humana, ser testigos de nuestra época. Cuando sacamos Screamadelica en el 91 sentíamos que queríamos cambiar la cultura. No sé si logramos mucho. Tal vez cambiamos algunas actitudes sociales. Yo siempre fui andrógino, de izquierda. Veníamos del punk y entendíamos la música como vehículo político". Más tarde, en pleno recital, ondeará una bandera palestina que le alcanzó alguien del público.CAPSULA PS03280848Y agrega: "En los 90, con el britpop, apareció algo más conservador y eso se fue perdiendo. No sé cuánto se puede transformar el mundo desde una banda, pero sí podemos ofrecer una plataforma para ayudar a los más vulnerables". En ese momento entra su mánager: no queda más tiempo. Hay prueba de vestuario. Cuarenta minutos después, Gillespie sube al escenario con un traje blanco ceñido. Tras una explosiva versión de "Don't Fight It, Feel It", pide perdón al público por no visitar el país desde 2018: "Argentinaâ?¦ pasó mucho tiempo. Culpen a los managers, al virus, a los gobiernos, al tarado de la motosierra".

Miedo, pistas fallidas y un ADN desconocido: así creció la leyenda del Monstruo de Florencia

Entre 1968 y 1985, una serie de asesinatos brutales desafió a la policía y la justicia italiana. Décadas de investigaciones infructuosas, sospechosos señalados y cambios en la vida cotidiana de la Toscana alimentaron la incógnita que aún permanece vigente

Puno, la ciudad entre el lago Titicaca y la leyenda inca, cumple 357 años de fundación: su historia, riqueza y cultura ancestral

Puno es testimonio vivo del encuentro de múltiples culturas. Ciudad emblemática del Perú, mantiene una fuerte identidad e influencia en la región andina, reflejando la riqueza histórica y cultural del país.

Falleció Daniel Willington, una leyenda del fútbol nacional

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"Tanto tiempo perdido". Es actriz y nieta de una leyenda del espectáculo y, de grande, pudo recomponer el vínculo con su padre

En el universo de las nuevas estrellas de Hollywood, pocas figuras brillan con la intensidad de Katie Cassidy (38). Nieta del legendario Jack Cassidy y heredera de una dinastía artística que marcó generaciones, Katie supo construir su propio camino, con talento, determinación y una elegancia que cautiva tanto dentro como fuera de la pantalla. UNA HISTORIA FAMILIAR CON LUCES Y SOMBRAS Katie nació el 25 de noviembre de 1986 en Los Ángeles, hija del icónico David Cassidy -estrella de la serie éxito de los 70, La familia Partridge- y la modelo Sherry Williams. Aunque David fue una figura pública adorada por millones, la relación con su hija fue compleja. Criada principalmente por su madre y su padrastro, Richard Benedon, Katie no conoció a su padre biológico hasta sus 9 años. A pesar de los altibajos, ambos lograron construir una relación afectuosa en la adultez, aunque marcada por la distancia emocional y los desafíos personales de David, incluyendo su lucha contra el alcoholismo. Cassidy murió en 2017 y, tiempo después, la actriz reveló cuáles habían sido las últimas palabras que había tenido con ella: "Tanto tiempo perdido". EL LEGADO DE SU ABUELO Jack Cassidy fue una figura emblemática del teatro musical y la televisión estadounidense. Ganador de un Tony y nominado a varios Emmy, dejó una huella imborrable en Broadway y en series como Columbo y He & She. Aunque Katie nunca lo conoció (él murió en 1976), su influencia artística se percibe en la pasión que ella demuestra por la actuación. La actriz debutó en televisión en 2003 y rápidamente se convirtió en un rostro habitual en la pantalla. Su papel como Kelli Presley en Black Christmas (2006) la posicionó como una scream queen moderna. Luego llegaron roles en Supernatural, Melrose Place y Gossip Girl, donde interpretó a la sofisticada y enigmática Juliet Sharp. Pero fue en Arrow, la exitosa serie del universo DC, con la que alcanzó su consagración como Black Canary. Su interpretación evolucionó hasta convertirse en Black Siren, una versión más oscura del personaje. Incluso, dirigió un episodio de la serie.EL AMOR EN TIEMPOS DE CINE En 2023, durante el rodaje de A Royal Christmas Crush para Hallmark Channel, Katie conoció al actor canadiense Stephen Huszar. Lo que comenzó como una química de ficción se transformó en una historia de amor real. En sus redes sociales, Katie lo llama "mi para siempre", mien - tras Stephen la describe como "el amor de mi vida". La pareja, que vive envuelta en rumores de una posible boda, convive y disfruta de una relación sólida y de admiración mutua.

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El auto que nació en la antesala de la Segunda Guerra y terminó dando origen a una leyenda

En el convulsionado mapa europeo de 1938, Alemania e Italia buscaban mostrar al mundo la fortaleza de su alianza. El despliegue no solo sería armamentístico y simbólico, sino que debían mostrar un avasallante poderío en todos los aspectos, incluidos los motores. La idea era organizar una carrera que uniera Berlín y Roma en una muestra de modernidad tecnológica a través de las recién construidas autopistas entre ambos países. Para ello, Frederick Porsche recibió el encargo de desarrollar un vehículo especial, ligero, veloz y simbólico: el Type 64, un prototipo que nacería como herramienta de propaganda y terminaría siendo una importante pieza de colección entre historiadores y fanáticos del motor.Los autos más exclusivos del mundo y de los que Ferrari solo hizo uno de cada unoLa carrera debía representar algo más que una competencia: era un gesto político. El régimen de Adolf Hitler quería exhibir la potencia industrial y Benito Mussolini veía en esa alianza un espejo de su propio proyecto. La distancia entre las dos capitales â??más de 1500 kilómetrosâ?? sería el escenario perfecto para la "nueva era" de movilidad europea.Fue en ese contexto cuando Porsche, entonces ingeniero al frente del proyecto del "auto del pueblo" (el KdF-Wagen, base del futuro Volkswagen Beetle), recibió el desafío de diseñar una versión deportiva con el mismo corazón mecánico pero una carrocería aerodinámica y de competición. El resultado sería un pequeño coupé de aluminio, con un motor bóxer de apenas 1000 cc pero capaz de superar los 150 km/h gracias a su perfil afilado y su bajo peso.Del Type 64, también conocido como Type 60 K10, se construyeron apenas tres unidades en 1939. Tenía líneas curvas, ruedas carenadas y una silueta con gran aerodinámica para la época. Era, en esencia, un modelo de competición, pensado para una carrera que uniría simbólicamente a dos regímenes totalitarios.Pero la historia tuvo otro destino. El 1º de septiembre de 1939, Alemania invadió Polonia y comenzó la guerra. La carrera Berlín-Roma fue cancelada antes de celebrarse. Los tres autos quedaron en manos del equipo de desarrollo, ocultos en talleres o usados por ingenieros. Con el paso de los años, solo uno se logró conservar completo y con él una prueba más de una época oscura para la humanidad. Tras la guerra, la familia Porsche recuperó uno de los chasis del Type 64. Fue restaurado y ese vehículo se convertiría en el antecedente directo del primer modelo de la marca que hoy lleva su apellido. De hecho, algunos historiadores coinciden en que el Type 64 es el "eslabón perdido" entre el Volkswagen original y el primer deportivo de la posguerra, el 356.En los años posteriores, el prototipo sobreviviente cambió de manos varias veces, fue exhibido en museos y décadas después, alcanzó cifras millonarias en subastas (la última fallida). Sin lugar a dudas, la tensión entre origen y legado le da al Type 64 una esencia difícil de replicar en otros modelos. Su peso histórico lo vuelve mucho más valioso que por una mera cuestión mecánica o influencia sobre la industria, ya que se trata del recordatorio de una época en la que el poder de turno también quiso expresarse a través de la velocidad.

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La Santé: la cárcel donde Sarkozy cumplirá su condena fue el escenario de una fuga que hizo leyenda

26 de mayo de 1986. Michel Vaujour cumplía condena por intento de homicidio y robo a mano armada en la prisión de La Santé, en el sur de París. Ese día se convirtiría en el protagonista de una fuga de leyenda. Y desde entonces sería conocido como "el rey de la fuga". Su historia, mezcla de crónica policial y romance, inspiró un libro y una película.A media mañana, cerca de las 10:45, un Alouette II blanco, matrícula F-GEFE, sobrevuela el techo de La Santé. Ignorando los avisos de atención, por radio, que notificaban que lo hacía demasiado bajo, al ras de los tejados, quedó suspendido sobre la tercera división penal. En el patio, los reclusos y guardias miraban al cielo desconcertados, nadie comprendía lo que estaba sucediendo.En segundos, el piloto dejó caer una soga. De la sombra de una chimenea asomaron Michel Vaujour y Pierre Hernández, compañeros del mismo pabellón. Habían llegado al techo haciendo correr la amenaza de que llevaban "granadas". La advertencia alcanzó para que nadie se acercara y pudieran avanzar. "¿A dónde podrían ir si no era hacia las puertas?", pensaron los guardias. Nadie imaginó lo que sucedería. Horas después se sabría que aquellas "granadas" eran frutas pintadas de verde y negro, un viejo truco de Vaujour para intimidar sin sumar agravantes por armasâ?¦ y que, en ese techo, estaba su verdadera salida.En el techo, con un movimiento rápido Vaujour se aferró al patín del tren de aterrizaje y subió al helicóptero. Hernández, en cambio se arrepintió y decidió quedarse en el tejado con sus brazos en alto. Se rindió. En segundos, la aeronave desapareció.Minutos después, la policía encontró el Alouette II en la cancha de fútbol de la Cité Universitaire abandonado. Ya no había nadie. Las autoridades recorrieron la zona con perros, tomaron huellas y buscaron rastros. Sin embargo, la pista decisiva no salió del laboratorio.Mientras los investigadores estaban trabajando en la escena apareció el dueño de la aeronave para recuperarla. El helicóptero pertenecía a una de las pocas agencias parisinas que los alquilaban por horas. Los investigadores pidieron la descripción del hombre que lo había retirado. "¿Hombre? Era una mujer", dijo sorprendido el dueño.Con la descripción en mano ya no hubo dudas: quien iba al mando del helicóptero era Nadine Rigon, la esposa de Michael. Fue entonces cuando la trama dio un giro y la fuga se convirtió en una historia de amor."Algo audaz"Nadine Rigon tenía 26 años cuando conoció a Michel, en 1980, por intermedio de su hermano. Dos años después, mientras él estaba preso, se casaron en la cárcel. Contra todo pronóstico formaron una familia: tuvieron dos hijos que nacieron mientras Michel estaba tras las rejas.Sin embargo, la historia de Michel comenzó mucho antes. Tuvo una infancia difícil: sus padres lo abandonaron cuando era chico y lo crió una tía que murió de cáncer cuando él tenía ocho años. Lo que empezó como travesuras derivó en delitos: a los dieciocho lo detuvieron por robar un auto y empezaron sus entradas y salidas de prisión. Pero Michel nunca entraba a una cárcel pensando en cumplir su condena; desde el primer minuto, pensaba en cómo fugarse. Y más de una vez lo logró.Su condena en La Santé parecía la última escala. Era una prisión de máxima seguridad y allí debía cumplir 18 años tras las rejas. Todos en el lugar estaban advertidos de sus intenciones, cada guardia lo tenía fichado. Pero a él, poco le importó. Probó planes delirantes, uno tras otro, todos frustrados. Y la respuesta siempre era la misma: terminaba en aislamiento, en una celda oscura y solitaria que no hacía más que aumentar su deseo de libertad.A mediados de 1985, Nadine tomó su decisión. Con la identidad falsa de "Elena Rigon", empezó a tomar clases de vuelo. Sus instructores la recuerdan como una mujer callada y aplicada, a tal punto que tuvo una de las mejores calificaciones de su grupo. Siguió sumando horas de vuelo, dos o tres veces por semana, alquilaba un helicóptero para paseos de una hora. Mientras aprendía a volar, Nadine no dejaba de visitar a su marido en la prisión. En cada paquete que le llevaba escondía papelitos -cartas en miniatura- donde le contaba el plan de escape escrito en letra diminuta. En la última visita le comunicó de esa forma, la fecha y la hora del gran día. Años después, ella misma calificaría sin rodeos que: había "hecho algo audaz, nunca visto". La búsquedaTras la fuga, la policía cercó la casa de la madre de Nadine, quien tenía a su cargo el cuidado de los hijos de la pareja. Después de dos o tres días sin señales allanaron el lugar: encontraron a la abuela mirando la novela de la tarde. No había rastro de Nadine ni Michel, tampoco de los niños. Ya los habían sacado sin que nadie se diera cuenta.A la par, la búsqueda se extendió por toda Francia, pero sin resultados: la pareja se había esfumado. Aun así, la historia de Nadine y Michel salía en todos los diarios y revistas: desde "la mujer que aprendió a volar por amor" a "la fuga más romántica" era el tenor de los titulares. En ese clima, Nadine empezó a leerse como una mezcla improbable de Bonnie (con su Clyde) y Amelia Earhart, pionera de la aviación.Pero Michel no tardó en volver a las andadas. Cuatro meses después de aquella legendaria fuga, el 29 de septiembre de 1986 fue herido con un disparo en la cabeza durante un robo y fue detenido junto a sus cómplices. En el hospital lo identificaron por las huellas y tatuajes. Al día siguiente atraparon a Nadine: no se resistió, solo pidió que sus hijos regresaran con su abuela. Ella estaba embarazada nuevamente. Fue juzgada y condenada por su responsabilidad en la fuga. Sobre la pena, las fuentes difieren: algunas señalan 18 meses y otras hablan de 2 años; en ambos casos cumplió pocos meses efectivos y salió para dar a luz.Michel fue operado y sobrevivió, con secuelas: quedó hemipléjico, pero logró recuperar movilidad con el tiempo, en la cárcel. El amor, en cambio, no resistió: la pareja Vaujour se disolvió años después. Michel se volvió a casar con Jamila Hamidi, una abogada que conoció en prisión. Pasó 27 años encarcelado, varios de ellos en aislamiento, hasta que en 2003 recuperó la libertad.En 1989 Nadine contó su versión de la historia en el libro La Fille de l'air, que fue llevado al cine en 1992. Después del caso Vaujour, las cárceles francesas reforzaron su seguridad: redes sobre patios y canchas, mástiles y obstáculos para impedir la aproximación de aeronaves y restricciones más duras para el sobrevuelo y el uso de drones en torno a los penales.

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El Mago de Oz: secretos, misterios e infinitos rumores de una película que se convirtió en leyenda

A 86 años de su estreno, El mago de Oz -film que se convirtió en uno de los musicales más famosos de toda la historia y en una de las películas esenciales para el cine como forma de expresión artística- regresa este jueves a las salas argentinas con una versión remasterizada. El largometraje de 1939 no solo marcó el despegue de la carrera de Judy Garland, sino que también fue la piedra inaugural de la unidad de producción de Arthur Freed en la Metro Goldwyn Mayer, uno de los más grandes estudios de la era clásica. Fue el primer musical en colores, la película de los Munchkins y el camino amarillo, la fábula infantil que marcó la vida de varias generaciones, la que homenajearon Pink Floyd y Michael Jackson. Pero su historia tiene muchos misterios e inesperadas aristas, secretos e infinitos rumores que se pueden repasar una y otra vez sin nunca cansarnos, como no nos cansamos en todo este tiempo ni de su magia ni de sus canciones.El trailer de la versión remasterizada de El Mago de OzEl comienzo del camino amarilloFue Arthur Freed quien convenció a Louis B. Mayer, el mandamás de la MGM, de adquirir los derechos del famoso libro para niños de Lyman Frank Baum, El maravilloso mago de Oz. Como cuenta Ronald Bergan en su libro Glamorous Musicals, Freed había nacido en Carolina del Norte, en 1894, había trabajado como promotor para una firma de discos, incursionado como letrista en el vaudeville junto a los hermanos Marx, hasta que fue contratado como compositor de canciones cuando el sonido llegó al cine. En la MGM quería convertirse en productor, y el proyecto de adaptar la famosa novela de Baum fue la oportunidad. Si bien Mervyn LeRoy estaba a cargo de supervisar la producción -y quien aparece acreditado en la película-, Freed fue el artífice detrás de los 65 sets de filmación -29 de ellos aptos para el registro del sonido-, de los cientos de actores enanos que cantaban y bailaban en Munchinkland, de los efectos especiales para crear una Oz en Technicolor y una Kansas de tonalidades sepia y suave melancolía.Y también fue Freed quien sugirió el nombre de Judy Garland como la protagonista de esa historia, pese a que ya era un poco mayor para representar a una niña y tuvo que esconder su figura detrás de estrechas fajas y un recargado maquillaje. La actriz ideal para Mayer y LeRoy era Shirley Temple, la estrella de los rulos dorados, la niña prodigio de la escena a contrato con la Fox que nunca se decidió a prestarla. Así, con apenas una aparición fulgurante en Melodías de Broadway, de 1938 -en la que interpretaba una canción para su ídolo Clark Gable-, Garland, con 16 años, se convirtió en Dorothy Gale, la audaz viajera de la cabaña voladora, desde la granja de sus tíos en esa opaca ciudad de realidad a la tierra mágica de Oz, con su ciudad Esmeralda y sus zapatillas color rubí.Las canciones y la danza de directoresEl mago de Oz es un claro ejemplo de película de estudio. En realidad fue, junto a Lo que el viento se llevó, la que selló el estilo MGM en ese 1939, la que condensó la ambición de esa factoría en términos de producción, con sus fastuosos escenarios, sus imponentes decorados, su extravagante vestuario diseñado por el célebre modisto Adrian. Todo lo que la serie de Melodías de Broadway (que fueron varias a lo largo de la década del 30) había ofrecido al musical en nombre de la MGM, ahora se completaba con el color y la conquista de un público que no tenía límites, ese que le disputaban a Disney luego del triunfo de Blancanieves y los siete enanitos. La MGM estaba dispuesta a subirse a la cima de Hollywood, a convertir su propia identidad en la garantía de éxito de sus películas. Por ello los directores eran solo un eslabón bajo la égida de productores que guiaban el hacer y confirmaban el estilo de la casa del rugiente león.Los primeros rollos los dirigió Richard Thorpe, quien vistió a Garland con una peluca rubia y le pintó unos simpáticos cachetes colorados; luego fue George Cukor quien en solo unos días se desembarazó de esos ridículos artificios para modelar a una Dorothy natural, cuyos más temidos fantasmas emergían de su vida cotidiana. La llegada de Victor Fleming, el soldado del estudio, fue para seguir los pasos del plan de rodaje y, luego de su partida para "salvar" Lo que el viento se llevó de la ira de Clark Gable, fue King Vidor quien filmó todas las escenas de Kansas, las de la granja y el tornado, con el pequeño Toto siempre en peligro.Fue en esa mundana vida rural que Freed imaginó una canción que funcionara como puente entre ambos mundos, aquellos que solo separaba la extensión del arco iris. "Over The Rainbow", compuesta por E.Y. Harburg y Harold Arlen y convertida en un himno por Judy Garland, fue defendida con uñas y dientes por Freed cuando Mayer y Fleming querían eliminarla del montaje final porque creían que era deprimente y demoraba demasiado la acción. Se convirtió entonces, y casi de manera fortuita, en el alma de la película, en cuyos versos se cifraban los deseos de un mundo nuevo, teñido de colores y fantasías. El mago de Oz logró convertir esa historia de infancia, esa travesía a lo largo del camino amarillo, en una aventura de sueños rotos, en un retrato de los miedos de una época que celebraban el regreso a casa. Y todas las canciones que entonaban Dorothy y sus amigos, esas que irrumpían sin coartada dentro de la representación, que no necesitaban escenarios ni telones de fondo, se integraban al relato como parte de su vértigo hacia una conquista que ya era irrenunciable.Los avatares del rodajeVictor Fleming dijo que fueron los obstáculos los que hicieron de El mago de Oz una mejor película. Cuando él llegó al set, luego de los despidos de Thorpe y Cukor, Mervyn LeRoy ya estaba convencido de que completar el rodaje iba a ser un gigantesco dolor de cabeza. "El set más grande de los previstos será Munchkinland", escribió Cedric Gibbons, el jefe del departamento de arte en un memo durante la preproducción. Construido en Culver City, dentro de los terrenos de la MGM, el set que albergó a la simpática tierra de los Munchkins tardó más de un mes en terminarse. Cada pequeño detalle llevaba tiempo y paciencia, como también ocurrió con el campo de amapolas encantado en el que trabajaron veinte hombres durante una semana entera para pegar las 40 mil amapolas de alambre en el suelo. Para crear los escalofriantes alaridos del Bosque Encantado, el responsable del sonido tuvo que viajar a la isla Santa Catalina, ubicada en el Pacífico, y registrar los sonidos de las aves del lugar que se convertirían en los ecos diabólicos que persiguen a Dorothy en su viaje por Oz.Todos los trajes para la troupe de artistas de vodevil que interpretaban a los Munchkins fueron hechos a medida, al igual que los uniformes cubiertos de pieles que llevaban los soldados de la bruja malvada. Se utilizaron plumas de cóndores, águilas y buitres para dar forma a las alas de los terroríficos monos voladores, y centenares de zapatos se tiñeron de verde para los habitantes de la Ciudad Esmeralda. Si bien las zapatillas encantadas que describe Baum en su libro eran plateadas, para que se luzcan en el Technicolor de la película el vestuarista Adrian decidió coserles una gasa rosada con lentejuelas rojas, cobertura capaz de generar el distintivo brillo en la imagen. El traje de Jack Haley, el hombre de hojalata, pesaba más de veinte kilos y no podía doblarse, por lo que el actor pasaba sus horas de descanso apenas recostado sobre una tabla inclinada. El traje del león era tan caluroso que Bert Larh sufría mareos durante todo el día, además de lidiar con la prótesis facial del hocico que solo le permitía tomar líquidos usando un sorbete.Además, la filmación estuvo plagada de accidentes. Primero Buddy Ebsen -el primer hombre de hojalata antes de ser reemplazado por Haley- debió abandonar la producción por una severa intoxicación con aluminio debido al maquillaje plateado que recubría su rostro; Margaret Hamilton, la malvada Bruja del Oeste, sufrió quemaduras en la mano derecha y se le borraron las cejas debido al fuego de uno de los trucos de magia; Garland padeció las constantes reprimendas de Fleming -bofetadas incluidas- por sus reiteradas risas en el rodaje, y fue obligada a tomar medicación para mantenerse despierta durante las largas horas de filmación, lo cual la inició en una adicción que le duraría toda la vida.Toda una hazaña fue la incorporación de la compañía de varieté integrada por 30 enanos -a la que sumaron 94 nuevos integrantes-, o personas pequeñas, como los llamaba su agente, Leo Singer. Por las irregularidades en el manejo del contrato, y las restricciones de la producción de la película -los que superaban determinada altura eran rechazados-, cierta animosidad se fue gestando en el interior del grupo. Para despejar tensiones y sortear las extensas jornadas de rodaje, Singer organizó fiestas y borracheras conjuntas que solían terminar con desmadres y llamados a la policía. Al recibir constantes quejas por parte del hotel donde estaban alojados en Culver City, el productor Mervyn LeRoy declaró en sus memorias que en más de una ocasión se preguntó si "esas pequeñas personas también tenían 'pequeñas inhibiciones', que iban acorde con su estatura". Garland declaró tiempo después que uno de los Munchkins la invitó a salir y que, ante su negativa y quizás preocupado por la minoría de edad de la joven estrella, el entusiasta actor insistió que trajera a su madre.El estreno de la películaComo cuenta Horatia Harrod en un extenso artículo en The Telegraph, desde la madrugada del día del estreno "largas filas comenzaron a formarse en las puertas del Teatro Capitol de Nueva York. A las 8:30, cuando el sol ya había salido y la boletería estaba abierta, había más de 15 mil personas acordonadas a lo largo de la 8° Avenida. A medida que avanzaba el día, la agitada multitud siguió entrando en el enorme teatro hasta sumar más de 30 mil espectadores cuando las puertas del Capitol finalmente se cerraron". La campaña de promoción de la película fue una aventura aparte para la MGM: trasladó una y otra vez a Judy Garland desde Nueva York a Los Ángeles para sucesivas presentaciones, la hizo actuar con números musicales en vivo, varios en compañía de quien sería su partenaire en la siguiente etapa de su carrera: Mickey Rooney. Finalmente, además de jornadas extenuantes y la consagración como intérprete del hit "Over the Rainbow", la gira de estreno culminó con la ceremonia de la estampa de las manos de Garland en la vereda del Teatro Chino de Hollywood.Pero la campaña de marketing de la MGM no concluyó con el paseo de su protagonista, sino que el mundo de Oz fue uno de los primeros en originar un profuso y ecléctico merchandising. A cada cine a lo largo de los Estados Unidos llegaba, con la copia de la película, un manual sobre cómo atraer al público, cómo disponer los carteles y exhibir las atracciones. Se instalaban réplicas del vestido de Dorothy, de los zapatos rojos, se fabricaron jabones como los de Ciudad Esmeralda, se imprimieron revistas con la historia de la película, se pagaron anuncios en radios y diarios de amplia tirada. El presupuesto de la película había ascendido a tres millones de dólares en total, a lo que se sumó casi otro millón invertido en las giras de promoción y en la delirante publicidad. Pero, a diferencia de lo que sucedió ese mismo año con Lo que el viento se llevó, que sí arrasó con todos los récords de público, El mago de Oz se fue desinflando con el correr de los días. Resultó ser un éxito, pero no un "fenómeno" como el estudio esperaba.Sin embargo, para un género recién nacido como el musical cinematográfico sí representó una gesta de vanguardia. Hasta entonces los musicales se restringían a poner en escena historias de backstage, adheridas a escenarios y a situaciones como ensayos o demostraciones, filmados en un elegante blanco y negro. El mago de Oz demostró que el musical podía combinarse con el color, que era un territorio de sueño y fantasía, que las canciones y los bailes podían irrumpir sin aviso alguno, como expresión de los sentimientos y las emociones de los personajes. La historia no se estancaba cuando todos cantaban y bailaban sino que progresaba a través de esas instancias de imaginación, se desplegaba en un espacio único que solo el cine podía convertir en la esencia de su representación.Y para Arthur Freed fue la confirmación de su talento, y su rol en la producción convenció a Louis B. Mayer de ponerlo al frente de una de las unidades más importantes de creación de musicales en la MGM. Fue el responsable de películas como La rueda de la fortuna, Cantando bajo la lluvia, Boda real, Brindis al amor, Brigadoon y Un americano en París. Y para El mago de Oz la revancha llegaría con el nacimiento de la televisión. Paradójicamente, ese pequeño aparato en blanco y negro le dio a la película filmada en un estridente Technicolor un extraordinario renacimiento. En 1956, cuando la CBS la emitió por primera vez, casi 45 millones de personas la vieron alrededor del mundo. En sus siguientes exhibiciones fue conquistando a nuevas generaciones y se convirtió en un fenómeno de culto que dio origen a rarezas como el Ozfest que se celebra cada año en Kansas.El mago de Oz, que nació de la imaginería de un cuento infantil y las conquistas técnicas del musical clásico, logró convertirse en estos 86 años en uno de los hitos del cine de todos los tiempos, cuya magia guarda siempre los secretos allí donde termina el arco iris.

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Nacida el 17 de mayo de 1994 en Bolonia, Italia, Elettra Miura Lamborghini (su segundo nombre rinde homenaje al Lamborghini Miura, fabricado entre 1966 y 1972) no sólo lleva en su apellido el legado de una de las marcas icónicas del mundo automotriz, sino que supo construir una carrera en la música y la televisión. Nieta de Ferruccio Lamborghini, fundador de la compañía fabricante de autos de lujo y tractores, Elettra demostró que el carisma y la ambición también son parte de su ADN. ENTRE CABALLOS Y CÁMARAS Antes de conquistar los escenarios y la pantalla chica, Elettra se dedicaba a la equitación -su amor por los caballos sigue intacto-. Sin embargo, su personalidad vibrante y su estilo inconfundible la llevaron rápidamente al terreno del espectáculo. Su debut televisivo llegó en 2016 con el reality Super Shore y su presencia se multiplicó en programas del mismo estilo, como Gran Hermano VIP, Geordie Shore, Acapulco Shore y Ex on the Beach Italia, consolidando su fama internacional. En 2018, dio un giro a su carrera al lanzar su primer sencillo, "Pem Pem", que rápidamente se convirtió en un éxito en Italia y otros países europeos. Su estilo musical, una mezcla de reguetón y pop, la posicionó como una artista revelación. En 2020, participó en el prestigioso Festival de San Remo con el tema "Musica (E Il Resto Scompare)", pero su desempeño no cosechó buenos resultados. Su álbum Twerking Queen, lanzado en 2019, incluyó colaboraciones con artistas como Pitbull y Childsplay. Además, fue coach en The Voice of Italy. Elettra y el tema "Miaw Wau" que lanzó este añoUNA HISTORIA DE AMOR DIGNA DE CUENTO En el plano personal, Elettra encontró el amor en el reconocido DJ y productor holandés Afrojack (Nick van de Wall). Comenzaron su relación en 2018 y, tras dos años de noviazgo, se casaron en octubre de 2020 en una ceremonia de ensueño celebrada en la majestuosa Villa Balbiano, a orillas del Lago di Como, donde ella llevó tres vestidos de novia de alta costura. Hubo invitados famosos, como David Guetta. MÁS ALLÁ DEL APELLIDO Aunque su apellido abre puertas, la heredera Lamborghini demostró que su éxito también es fruto de su versatilidad. Empresaria (creó Mamatchy, una marca de ropa para madres e hijos, es propietaria de El Beauty, un spa de belleza y cirugía estética, y en 2019 logró registrar legalmente su nombre como marca comercial en Italia), cantante, influencer y defensora de la igualdad de género y los derechos LGBT+, Elettra es una mujer que brilla con luz propia. "No estoy acostumbrada a pensar en mi fortuna y no me gusta considerarme una multimillonaria", aseguró en una oportunidad.

Leyenda del fútbol colombiano permanece en UCI tras sufrir un infarto en Santa Marta, esto es lo que se sabe

El exjugador y entrenador, recordado por su paso en grandes equipos del país y la selección Colombia, fue intervenido de urgencia tras una obstrucción arterial

Adiós a un leyenda del cine: de qué murió Diane Keaton

La noticia fue confirmada por un portavoz de su familia, que solicitó respeto y privacidad en este difícil momento. Keaton alcanzó la fama mundial en la década de 1970 gracias a sus papeles en la saga de El Padrino y su estrecha colaboración con el director Woody Allen.

De ser el "Messi" del Mr. Olympia a arruinar su cuerpo y no poder caminar: la historia de Ronnie Coleman, la leyenda del culturismo

De servir como oficial de policía con una disciplina de hierro a dominar el escenario mundial del culturismo, la vida de Coleman es una epopeya de fuerza y declive.A pesar de haber vencido una sepsis y seguir entrenando, su salud se ha deteriorado gravemente.

A cuánto asciende la fortuna de LeBron James: leyenda absoluta de la NBA

LeBron James es considerado como uno de los mejores jugadores de la historia de National Basketball Association (NBA). Pero además, gracias a sus enormes contratos y acciones publicitarias, el alero de Los Angeles Lakers ostenta una cuantiosa fortuna que lo ubica entre los deportistas con mayor patrimonio del mundo.LeBron James: cuánto gana y cuántos millones acumula en contratos de la NBALeBron es el primer jugador activo de la NBA en convertirse en millonario: su patrimonio neto, de acuerdo a Forbes, asciende a 1300 millones de dólares. "The King" nació en Akron, Ohio, el 30 de diciembre de 1984. Tras una infancia complicada, firmó su primer contrato con el equipo de su ciudad en 2003.Con apenas 19 años, percibió un salario inicial de US$4 millones, que aumentó progresivamente con el paso de las temporadas. En 2007, renovó su vínculo por 13 millones anuales, al llegar a US$62 millones en ingresos totales antes de cumplir 25 años. Su impacto inmediato en la liga lo consolidó como la gran figura del equipo y una de las caras visibles de la NBA.Tras siete años en Cleveland, tomó la polémica decisión de incorporarse al Miami Heat, donde formó un trío estelar junto a Dwyane Wade y Chris Bosh. En esa etapa, sumó otros US$64 millones adicionales en primas y salarios. A los 30 años regresó a Cleveland, donde su salario ascendió a US$32 millones por temporada hasta 2017. Finalmente, firmó con Los Angeles Lakers, donde actualmente percibe US$52 millones anuales. En total, acumula US$581 millones en ingresos por contratos deportivos a lo largo de su carrera.Los acuerdos publicitarios y patrocinios que hicieron millonario a LeBron JamesDesde sus inicios supo capitalizar su imagen con acuerdos comerciales estratégicos. A sus 18 años, firmó su primer patrocinio con Nike. De acuerdo a Celebrity Net Worth, el acuerdo le pagó al basquetbolista US$90 millones durante siete años, es decir, US$12,8 millones anuales.Según Forbes, LeBron recaudó más de US$900 millones fuera de la cancha gracias a sus patrocinios e inversiones. Estas incluyeron desde participaciones en clubes de fútbol hasta incursiones en la industria de bebidas y medios de comunicación.La más conocida es su participación en el Liverpool FC, club de la Premier League. A través de Fenway Sports Group, invirtió un 2% en el equipo, lo que hoy equivale aproximadamente en US$80 millones, según Swing Completo.De esta manera, el oriundo de Ohio se coloca en la sexta posición de atletas mejores pagos en la lista de Forbes. LeBron aparece detrás de Cristiano Ronaldo, Stephen Curry, Tyson Fury, Dak Prescott y Lionel Messi. La impresionante carrera de LeBron James en la NBASu carrera en la NBA es una de las más sobresalientes en la historia del baloncesto. Desde su debut en 2003 con los Cleveland Cavaliers, el jugador nacido en Akron, Ohio, demostró un talento excepcional que lo llevó a ser considerado un fenómeno desde sus primeros partidos.A lo largo de su trayectoria, LeBron jugó para Cleveland Cavaliers, Miami Heat y Los Angeles Lakers, al conseguir cuatro campeonatos y cuatro premios al Jugador Más Valioso en ocasiones (MVP, por sus siglas en inglés).Su paso por Miami marcó una era dorada con dos títulos consecutivos (2012 y 2013), mientras que su regreso a Cleveland en 2016 culminó con una histórica victoria que rompió una sequía de más de 50 años para la ciudad. Con los Lakers, volvió a consagrarse campeón en 2020, al mostrar su vigencia.

Manu Ginóbili: El hijo que no fue contador y se convirtió en leyenda

Manu Ginóbili conoció el básquet de la mano de su papá y de sus hermanos mayores. Su mamá admite a carcajadas que vislumbraba otro futuro para su niño menor. Pero la tenacidad del crack pudo más.¿Cómo fue verlo triunfar? ¿Cómo aceptó que dejara la escuela y se fuera de casa? ¿Cómo se mantiene sencilla a pesar del éxito descomunal de su hijo?

Excombatientes kirchneristas desplegaron en las Islas Malvinas una bandera con la leyenda "Cristina libre"

Integrantes del Centro de Excombatientes de La Plata, identificado con el kirchnerismo, desplegó en las Islas Malvinas una bandera para pedir la liberación de Cristina Kirchner, que cumple la condena de seis años de prisión en su domicilio por fraude al Estado. La audaz iniciativa cosechó la "enérgica condena" de la Federación de Veteranos de Malvinas de la Provincia de Buenos Aires, que denunció la "politización y profanación" del territorio insular y del cementerio de Darwin, donde descansan los caídos en la guerra."Cristina libre", reza la consigna estampada en la bandera, sostenida por militantes del centro de excombatientes de La Plata, una agrupación integrada por unos 30 veteranos alineados con la expresidenta y con el intendente de la capital bonaerense, Julio Alak.En otra imagen se ve a unos 12 integrantes del centro platense con consignas críticas al presidente Javier Milei y la leyenda "No al acuerdo Mondino-Lammy", en relación al acta firmada en 2024 por la entonces canciller Diana Mondino y su par británico, David Lammy, para avanzar en políticas de acercamiento en materia de vuelos y cuestiones humanitarias.Antes de emprender el viaje a las islas, varios integrantes de la delegación del centro de excombatientes de La Plata visitaron en su domicilio a Cristina Kirchner, quien les entregó objetos para dejar en el archipiélago. Así lo reveló la propia expresidenta en un tuit: "Hace unos días, excombatientes que integran el Cecim La Plata me visitaron en San José 1111. Estaban a punto de viajar a Malvinas y querían llevar algunos objetos personales míos para dejar en las islas. Desde el fin de semana están allí, junto a nuestros caídos", publicó Cristina Kirchner el viernes pasado en X.El despliegue de la bandera con la leyenda de apoyo a la expresidenta fue rechazado por la Federación de Veteranos de Malvinas de la Provincia de Buenos Aires, que reúne al 80% de los 6000 excombatientes del territorio bonaerense."Sentimos la obligación moral e histórica de expresar el más rotundo repudio a la actitud y accionar político-partidario llevado adelante por integrantes del Centro de Excombatientes Islas Malvinas de La Plata durante su reciente visita a Puerto Argentino", expresó la entidad, que preside Guillermo de la Fuente."Este acto constituye una falta de respeto inconmensurable a la memoria, el sacrificio y el honor de nuestros héroes caídos, así como a todos los veteranos de guerra y sus familias", declararon los veteranos.Señalaron, además, que "las Islas Malvinas y, en particular, el cementerio de Darwin, son un santuario nacional, un lugar sagrado que excede cualquier bandera política, color partidario o coyuntura electoral. Es el solar de nuestros muertos y el símbolo innegociable de la unidad nacional en torno a la causa Malvinas".Consignas partidariasAl manifestarse en contra de "la politización del santuario", argumentaron que "introducir consignas partidarias en un espacio de esa magnitud profana su carácter sagrado y universal, buscando utilizar un emblema de la soberanía nacional para fines mezquinos y coyunturales de la política interna"."La causa Malvinas -prosiguió la entidad en un comunicado- nos une a todos los argentinos sin distinción. El honor de nuestros veteranos se construyó en el campo de batalla y no debe ser mancillado por diferencias políticas postguerra. La bandera que debe flamear en las Islas es la bandera argentina, símbolo de la soberanía y el recuerdo, y ninguna otra".La Federación de Veteranos de la provincia exigió a las agrupaciones de excombatientes la máxima responsabilidad y decoro en sus acciones, especialmente cuando representan a miles de argentinos en el territorio malvinense. "Las acciones individuales o grupales con fines partidistas no deben poner en riesgo el consenso nacional sobre el reclamo de soberanía", enfatizó la entidad.Al mismo tiempo, reafirmó su "compromiso con la memoria, la soberanía y la unidad de todos los veteranos", al tiempo que condenó "de manera enérgica cualquier intento de utilizar la gesta de Malvinas como plataforma para intereses ajenos a la causa nacional".

Plantas de leyenda: las nativas que guardan secretos de nuestra historia

Entre las especies autóctonas de nuestro país hay flores y árboles que no solo embellecen los espacios: guardan relatos, mitos y costumbres que los conecta con la memoria colectiva de sus pueblos. Cultivarlos es, en cierto modo, invitar a la historia a enraizarse en casa.El ceibo, con sus racimos encendidos, es un ejemplo perfecto. Declarada flor nacional en 1942, esta especie ribereña no solo tiñe de rojo las costas y plazas, sino que evoca la leyenda guaraní de Anahí, la joven cautiva que, al ser condenada a muerte, fue transformada por los dioses en un árbol de flores tan intensas como su resistencia. Borges lo menciona, Yupanqui lo canta, y en cada floración late un símbolo de identidad rioplatenseNo menos cultural es la yerba mate, el árbol siempreverde que nos regaló la selva misionera. Para los guaraníes, fue un obsequio divino: cuentan que la diosa de la luna descendió a la tierra y, en agradecimiento a la hospitalidad de una familia, dejó esta planta como símbolo de amistad y compañía. Hoy, siglos después, cada ronda de mate reitera ese gesto ancestral. Tener una planta de Ilex paraguariensis en maceta es un acto más poético que práctico, pero resume la idea de cultivar un rito cotidiano.En las ciudades, el palo borracho â??con su tronco espinoso y flores rosadas de estilo casi tropicalâ?? se ha convertido en parte del paisaje urbano. Pero detrás de esa estética exuberante hay un trasfondo que lo vincula con la fertilidad y la protección, atributos que le conferían los pueblos originarios. Hoy aparece en murales, esculturas y hasta en grafitis como emblema de la naturaleza que sobrevive entre el cemento.La pasionaria o mburucuyá, con sus flores barrocas y casi hipnóticas, condensa otra historia singular. Los jesuitas la interpretaron como un símbolo religioso: vieron en sus estructuras florales los clavos, la corona y la cruz de la Pasión de Cristo. Pero el nombre guaraní, mburucuyá, remite a lo misterioso y espiritual, a un puente entre el mundo natural y el sagrado. Además, sus frutos naranjas atraen aves y su follaje trepador convierte cualquier reja en escenario de biodiversidad.La trepadora que cubre pérgolas y muros con un espectáculo de color y perfume imposible de olvidar Más silencioso, pero igualmente cargado de memoria, el tacuaruzú, un bambú nativo del Chaco, ha sido durante siglos sostén material y cultural de comunidades enteras. Sus cañas sirvieron para levantar viviendas, fabricar instrumentos musicales y dar forma a artesanías que todavía hoy conservan valor ritual y económico. Mirarlo crecer es recordar que la cultura también se teje con fibras vegetales.En cada una de estas especies, lo ornamental convive con lo simbólicoIncorporar alguna de estas especies al jardín es mucho más que una decisión estética: habla de recuperar relatos que, de otro modo, quedarían relegados a los libros o a las tradiciones orales.Un ceibo en la vereda, un palo borracho en la esquina, una pasiflora trepando la reja o una planta de yerba en maceta son fragmentos vivos de un patrimonio compartido. Porque al final, un jardín puede ser hermoso, pero cuando florece la historia, también se vuelve inolvidable.

"Para estómagos cansados": la leyenda del primer restaurante de la historia

Se puede hacer con más o menos frecuencia, según la situación económica, pero concurrir a un restaurante y degustar alguno de los platos que se ofrecen allí parece ser una costumbre que ha existido siempre. Sin embargo, esto no es así. Alguna vez, allá lejos y hace tiempo, este tipo de recintos, tal como los conocemos hoy, no existían. Alguien debió inventar el primero. Es cierto que el hecho de comer fuera de casa se remonta a tiempos antiguos. En la Edad Media europea, por caso, los viajeros solían saciar su hambre en las posadas donde descansaban, o en las tabernas. Pero lo real es que en esos lugares no había mucha opción de elegir. Se comía lo que se servía, todos se amontonaban alrededor del mismo mesón en un horario determinado y la calidad de los platos, en general, dejaban mucho que desear. "Yo los restauraré"La leyenda más reproducida en el mundo, incluso por medios de comunicación de lo más prestigiosos, parece construida desde una gran confusión. Dice que el restaurante tal como lo conocemos hoy surgió en 1765. El cuento sostiene que un señor llamado Dossier Boulanger (que se puede traducir como "informe panadero") abrió un local en la calle Des Poulies de París, donde ofrecía más de un plato para comer, algunos sofisticados, y en mesas individuales.Se dice que este buen parisino había puesto en una de las paredes exteriores de su comercio un cartel que decía la siguiente frase con aires bíblicos, en latín: "Venite ad me vos qui stomacho laboratis et ego restaurado vos". Una traducción al español de ese letrero sería la siguiente: "Vengan a mí todos los de estómago cansado, que yo los restauraré". La restauración prometida venía en ese innovador recinto gastronómico en forma de sopas. En especial, había un caldo de carne, cebolla, hierbas y otras verduras muy sustancioso que, al parecer, restauraba tanto el estómago como el espíritu de los comensales.La palabra "restaurante", referida en principio a ese consomé reparador, se convirtió en un sinónimo de este tipo de lugares de comida que en pocos años comenzaron a multiplicarse en las callejuelas parisinas de fines del siglo XVIII. Otro nombre para el primer restauranteroOtros historiadores gastronómicos ubican al primer restaurante en la misma calle Des Poulies, con el mismo cartel en el exterior, pero afirman que el primer propietario de dicho lugar fue Mathurin Roze de Chantoiseau. Según la plataforma de divulgación The Conversation, fue este hombre, y no Boulanger, el primero en servir en mesas individuales, en ofrecer una carta y en abrir su local a todo hora, a diferencia de las posadas o tabernas que tenían bandas horarias para comer. Con los restaurantes, además, las comida se elegía a través de una carta o menú para disfrutar de distintas opciones. Muy diferente a lo que ocurría en los antiguos establecimientos, donde se comía para saciar una necesidad natural. Allí se servían platos toscos, en general, que no tenían ni remotamente por objeto deleitar el paladar. El esmero en los nuevos restaurantes también estaba puesto en ofrecer una buena vajilla, y utensilios agradables. Algo que en las posadas no ocurría: en estos lugares se solía compartir la misma bandeja para la comida y un mismo jarro, a modo de vaso, para varios comensales. Los primeros platosRebecca Spang, historiadora autora del libro La invención del restaurante; París y la moderna cultura gastronómica apunta en su obra algunos datos interesantes sobre aquellos platos que se servían en los primeros restaurantes. Además de las mencionadas sopas, añade la autora: "Los primeros 'restauradores' también se especializaban en platos que, en el siglo XVIII se consideraban fáciles de digerir, como los huevos duros, una especie de pastel de arroz y las pastas sin salsa, con mucha manteca". La investigadora gastronómica acota un dato llamativo: "Lo interesante de estos platos era su color claro, que entonces se creía que eran más ligeros y no tan pesados como el pan integral o la carne roja. Se creía que, en 'propiedades restauradoras', la apariencia era tan importante como los ingredientes de una comida". Spang dice también que fue el mismo Roze de Chantoiseau el que creó el primer plato que se convirtió en un éxito rotundo entre el público. Fue "ave en salsa de pollo", una delicia que justificaba con creces la visita al establecimiento de monsieur Chantoiseau. El pionero de los restaurantes gourmetDe acuerdo con la enciclopedia Larousse Gastronomique, una especie de Biblia de la cocina y los locales gastronómicos, el primer restaurante sofisticado o gourmet de París, por la variedad de su menú y la calidad de sus platos, fue creado por Antoine de Beauvilliers en 1782. Este hombre, que había sido mayordomo en jefe del Conde de Provenza, abrió su local en el distrito del Palacio Real, en la rue de Richelieu. Este establecimiento, que con el tiempo pasó a llamarse La Taverne de Londres, se destacaba por su lujo, ornato y porque allí se podían comer los mismos manjares que en Versalles acompañados por los vinos de una exquisita bodega. Otra versión del origen de este lujoso restaurante señala que, en realidad, Beauvilliers era un economista con ideas avanzadas, y que en realidad quería llevar a más personas del pueblo los platos que hasta entonces sólo degustaban los miembros de la nobleza. Como sea, a partir de la calidad de este primer local gourmet, se establecieron los puntos básicos que debería presentar un restaurante que se precie de tal: ambiente elegante, servicio amable, cocina superior y bodega selecta. La Revolución Francesa y la multiplicación de restaurantesAsí como la historia dice que Beauvilers abandonó por propia voluntad el hogar de nobleza en el que trabajaba, hubo otros cocineros que debieron hacer lo mismo, pero a la fuerza. Fue a partir del 14 de julio de 1789, cuando los avatares de la Revolución Francesa dejaron a los aristócratas galos sin cabeza o en el exilio, y a los empleados de sus cocinas, sin trabajo. Entonces, muchos de estos chefs decidieron abrir su propio local gastronómico, a los cuales a esa altura ya se los conocía como "restaurantes".De esta manera, las comidas que antes eran casi exclusividad de la sangre azul francesa se democratizaron, o al menos, pasaron a formar parte de las experiencias gastronómicas de la floreciente burguesía del país, que empezaba a gozar de los placeres antes reservados tan solo los estirados ambientes palaciegos. Décadas después de que se abriera aquel primer local que servía sopas "restauradoras", los restaurantes se habían multiplicado en París. Para 1834 existían casi 2000 establecimientos de este tipo en la capital de Francia. El concepto, además, estaba ya tan arraigado en la población que en el año 1835, la Academia Francesa incorporó la palabra restaurante a su diccionario con el significado con el que la conocemos actualmente. Hoy en día este es un término común en muchos lugares del globo que adoptaron tanto la palabra como la idea. En cada lugar tiene su adaptación idiomática. En la Argentina, por caso, se puede decir 'restaurant', como en francés, pero también se españolizó con 'restaurante' y hasta se argentinizó el término cuando se habla de ir a comer a un 'restorán'.

Su padre fue una leyenda del cine que se fue demasiado pronto y ahora él se abre paso como actor con nombre propio

Cooper Hoffman no sabía que la última vez que vería con vida a su padre sería cuando lo dejara en su práctica de básquet. A los 10 años sufrió la peor pérdida que puede experimentar un niño. Tuvo que crecer sin su ídolo, aferrado a una imagen que conocía, a una que le reflejaba el mundo y a las más de 50 películas que lo tuvieron como protagonista. "Cuando experimentás la muerte a una temprana edad, creés que ya lo viviste todo en la vida, pero después no es así", admitió. Doce años después, le tocó interpretar una historia muy similar a la suya en la pantalla grande. Cuando leyó el guion de un joven que tras la muerte de su padre se inscribe en una letal competencia para encontrarle un nuevo rumbo a su vida, dijo que no y hasta saboteó su audición. Pero, luego supo y entendió que él, más que nadie, necesitaba obtener ese papel. El actor de 22 años acaba de estrenar una de las películas más esperadas del 2025, Camina o muere (The Long Walk), una adaptación de la primera obra de Stephen King y con el que mantiene, más vivo que nunca y con nombre propio, el legado de su padre, el gran Philip Seymour Hoffman.El 24 de febrero de 2012, Philip Seymour Hoffman llegó al Dolby Theatre de Los Ángeles con su cuarta nominación al Oscar por The Master. Si bien no pudo repetir el triunfo que obtuvo en 2006 por su magistral interpretación de Truman Capote en Capote de Bennet Miller, ese fue el menor de su problema. Toda su atención estaba puesta en su acompañante: Cooper Alexander, el mayor de sus tres hijos con la diseñadora de vestuario Mimi O'Donnell. Se rodearon de celebridades, festejaron y disfrutaron del after party. "Él me cuidaba y me vigilaba. En un momento de la noche, dije: 'No me gusta esto. Quiero irme. Es abrumador. Hay demasiada gente'. Simplemente, volvimos al hotel, jugamos a la Wii y comimos hamburguesas con queso, y Joaquin Phoenix vino y pasamos un rato con él. Y eso era todo lo que quería hacer", recordó Cooper Hoffman en una entrevista con Associated Press (AP) en 2022. Esa noche quedó completamente plasmada en su memoria, y sin saberlo sembró la semilla de lo que haría de su vida tan solo nueve años después.Por aquellos años, como era tan pequeño, desconocía el complicado momento que atravesaba su padre. En 2012 el actor de Mi novia Polly (Along Came Polly) recayó en las drogas, lo que le dificultó el vínculo con su esposa y sus hijos, por lo que se fue a vivir solo a un departamento en el barrio Greenwich Village, en Nueva York. Pasaron muchas cosas en sus últimas 24 horas de vida. Dejó a su primogénito en su práctica de básquet, pasó por un cajero y fue a un bar. Si bien no hay exactitudes de lo que aconteció esa noche en aquel departamento, el desenlace fue fatal.El 2 de febrero de 2014, Hoffman tenía que buscar a sus hijos de la casa de su exesposa pero nunca llegó. Como no respondía las llamadas, su entorno se preocupó y fueron a buscarlo a su departamento. Se encontraron con la peor imagen: el actor de 46 años estaba muerto en el baño con una jeringa en el brazo. Las autoridades confirmaron el descenso y se encontraron además con varias jeringas y bolsas de heroína. La autopsia determinó que murió de una intoxicación por una mezcla de heroína, cocaína, benzodiacepinas y anfetaminas. El funeral fue el 7 de febrero en la Iglesia de San Ignacio de Loyola en Manhattan y, entre los asistentes, estuvieron Meryl Streep, Cate Blanchett, Ethan Hawke, Joaquin Phoenix, Diane Keaton y Paul Thomas Anderson."Esta es una pérdida trágica y repentina. Estamos devastados", expresó su familia en un comunicado, según indicó la revista People. Por decisión de su padre, Cooper y sus hermanas Tallulah y Willa se criaron en Nueva York con su madre.Una profesión no buscada, un debut estelar y el reconocimiento internacionalContra todo pronóstico, Cooper Hoffman siempre tuvo una certeza: no quería, bajo ningún punto de vista, ser actor. Pensó en estudiar diseño de indumentaria en Londres, llegó a verse como arquitecto y hasta fantaseó con jugar para los Knicks, equipo del cual él y su padre siempre fueron fanáticos. El apellido siempre le pesó, y mucho: "Creo que nunca consideré esa posibilidad. Siempre me dio un poco de miedo entrar en ese terreno porque mi padre lo hacía muy bien". Pero todo cambió cuando le llegó la oportunidad de audicionar para Paul Thomas Anderson, director que trabajó con su padre en cinco películas incluidas Boogie Nights (1997) y The Master (2012), las favoritas de su filmografía. El clima amigable y cuidado, sumado a un atractivo guion, lo compraron desde la primera página.Licorice Pizza (disponible para ver en streaming a través de Amazon Prime Video) marcó el debut del joven Hoffman no solo como actor, sino también como protagonista. Sin ningún tipo de estudio ni formación previa, de un día para el otro pasó a liderar un largometraje del que también participaron Sean Penn, Bradley Cooper y Tom Waits, y que terminó con tres nominaciones al Oscar, incluída mejor película. Interpretó a Gary Valentine, un adolescente de 15 años de Valle de San Fernando, en Los Ángeles, durante la década del setenta, que se enamora perdidamente de Alana Haim (Alana Kane), una joven diez años mayor que él.En 2021 y con solo 18 años, se dio a conocer al mundo y demostró que heredó de su padre la sensibilidad y la naturalidad para trabajar delante de una cámara. En su debut recibió una nominación al Globo de Oro como mejor actor de comedia o musical y al Critics Choice por mejor actor joven."De una forma extraña, sentí casi como si me pusiera en los zapatos de mi padre. Realmente fue como si pensara: 'Quizás así es como él se sentía. Fue una extraña experiencia extracorpórea. Me sentí increíblemente cerca de mi padre durante todo el rodaje'", le dijo a AP sobre su trabajo en Licorice Pizza. Su talento nato hizo que los productores y los directores no le perdieran pisada. Tras su debut no paró: trabajó en Wildcat, dirigida por Ethan Hawke, Saturday Night: la noche que cambió la comedia (Saturday Night) de Jason Reitman, El maestro del crimen (Old Guy) con Christoph Waltz y Lucy Liu, y Poetic License de Maude Apatow. Asimismo, a principios de 2025 debutó en el Off Broadway con el revival de Curse of the Starving Class de Sam Shepard, dirigido por Scott Elliott.Pero, aunque una parte suya estaba feliz y contenta, había otra que sentía un vacío imposible de llenar. "La única persona con la que realmente quería hablar era mi papá. Es mi actor favorito, pero también es mi papá. Además, no está acá. Mucha gente idolatra a sus padres porque son excelentes padres. Otra cosa es idolatrar a tu padre porque amás su arte. Así que, aunque me encantaría que estuviera acá y hablar con él sobre actuación, también me aterrorizaría que viera mi trabajo y lo juzgara, aunque no creo que lo hiciera porque era una persona muy empática. Probablemente, con suerte, me guiaría en todo el proceso. Tengo que resolver esto por mi cuenta. Pero también me encantaría recibir sus consejos", se sinceró recientemente con GQ.Camina o muere: una experiencia extrema basada en el primer libro de Stephen King bajo las órdenes del último director de su padreA los 22 años, Hoffman acaba de estrenar su sexto largometraje. Este 25 de septiembre llegó a los cines argentinos Camina o muere, un thriller de Francis Lawrence, director de Soy Leyenda (I'm Leyend) y cuatro de las cinco películas de la franquicia de Los juegos del hambre (The Hunger Games). Está basada en La larga marcha, la primera novela que publicó Stephen King en 1979 bajo el seudónimo de Richard Bachman. Ambientada en un futuro distópico en los Estados Unidos, trata sobre un grupo de jóvenes que se inscribe en un concurso llamado La larga marcha en el que tendrán que caminar manteniendo el ritmo de cinco kilómetros por hora si no quieren recibir un disparo mortal.El protagonista es Raymond Garraty, un joven que, a pesar de la persuasión de su madre, se inscribe en el concurso para intentar buscar un nuevo propósito en la vida tras la muerte de su padre. Si bien es una historia de ficción, tocó cada una de las fibras sensibles del actor que lo interpreta, Cooper Hoffman. Una parte suya se negaba a involucrarse con estos sentimientos de angustia, tristeza y soledad, al punto tal que cuando fue a la audición, en vez de memorizar el guion lo leyó desde el celular. Sin embargo, rápidamente se dio cuenta de lo que había hecho y avergonzado consigo mismo, se disculpó con Lawrence, quien, paradójicamente, fue el último director que tuvo su padre. Seymour Hoffman murió en 2014 en medio de las grabaciones de Los juegos del hambre: sinsajo (The Hunger Games: Mockingjay), la última parte de la saga que fue dividida en dos películas.Entre el actor y el director hubo un entendimiento silencioso que dijo más que mil palabras. Cada uno sabía perfectamente lo que pensaba el otro. "Cuando tu trauma se expone al mundo, no hay forma de ocultarlo. Pienso: 'Mejor hablar de ello, o mejor plasmarlo en algo. Porque si sigo ocultándolo y huyendo de ello, no es justo para nadie que haya pasado por lo mismo'. Estoy acá para mostrar a esta persona y esta experiencia con la mayor honestidad posible, y espero que alguien más lo vea y diga: 'Me ve, me entiende'. Y esa es, en mi opinión, la única razón para hacer arte", sostuvo el intérprete.El rodaje fue una experiencia extenuante y completamente agotadora de 24 kilómetros a pie con 38 grados de sensación térmica. Además de la exigencia física, para su protagonista hubo algo aún más complejo: conectar con el personaje pero distanciándose de su propia historia. Uno de sus mayores temores era que la audiencia que estuviera al tanto de su linaje no pudiera separar a la persona del personaje. Su madre le dio un consejo vital que él compartió con Variety: "Recordá que sos suficiente. Lo más interesante son las cosas que vivís en la vida y cómo las percibís. Tenés que hacerlo también por los demás. Todos experimentamos pérdidas y desamores, creando y perdiendo amistades. Intenta hacerlo por todos los que pasaron por eso".Camina o muere recibió una muy buena recepción de parte de la crítica y el público. Debutó en el sitio especializado Rotten Tomatoes con una probación de la crítica del 88 por ciento y del 85 por ciento de parte del público. El largometraje, protagonizado por Hoffman, David Jonsson, Ben Wang, Mark Hamill, Garrett Wareing, Roman Griffin Davis y gran elenco, se encuentra disponible en las salas de cine argentinas. Tiene una duración de 108 minutos y es apta para mayores de 16 años.Pasado, presente y futuroA los 22 años, Cooper Hoffman es uno de los actores del momento, no solo por ser la viva imagen de su padre, con el cabello rojizo y todo, sino por su talento actoral, versatilidad y seguridad. Ya se confirmó que sus próximos proyectos son Artificial de Luca Guadagnino con Andrew Garfield, Monica Barbaro y Yura Borisov, The Trashers de Cooper Raiff junto a Olivia DeJonge y David Harbour, The Chaperones donde volverá a formar dupla con David Jonsson bajo la dirección de India Donaldson y I Want Sex de Gregg Araki junto a Olivia Wilde."Ahora mismo, por el momento, tengo muchas ganas de ser actor. Y lo estoy haciendo. Estoy feliz de tomar este camino y ver qué pasa. Y lo estoy disfrutando muchísimo. Es hermoso que me comparen con mi padre. Pero también espero que, por ser actor, la gente no me vea solo como su hijo. Espero que puedan diferenciarnos", reflexionó Hoffman y, sin dudas, va por buen camino.

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El santandereano indicó que tiene el mismo peinado desde que varias figuras de la selección Colombia en los 90 lo popularizaron

Internaron de urgencia a William Shatner, la leyenda de Star Trek

William Shatner fue internado de urgencia el miércoles pasado. El actor y conductor de 94 años, una de las leyendas de la exitosa serie Star Trek, fue trasladado al hospital de Los Ángeles, donde vive, como consecuencia de una emergencia médica. La noticia sobre el estado de salud de la estrella de Hollywood la dio a conocer el portal TMZ. Según informó el medio estadounidense, Shatner experimentó un problema con su nivel de azúcar en sangre mientras estaba en su casa. De inmediato pidió ayuda como medida de precaución.Tras el llamado del actor, una ambulancia del Departamento de Bomberos de Los Ángeles se acercó hasta su domicilio y lo trasladó hasta uno de los hospitales de la zona. TMZ confirmó luego que el ganador del Emmy se encuentra "bien". "Está descansando cómodamente", publicaron.Esta no es la primera vez que la salud del actor enciende las alarmas de su entorno y sus fans. El año pasado, el hombre que le dio vida al célebre capitán James T. Kirk reveló que pese a un primer pronóstico muy duro, había podido superar un melanoma en etapa 4. "Me dijeron que si el tratamiento que usaron conmigo no funcionaba, tenía cinco meses de vida", confió en marzo de 2024. Aunque Shatner nunca reveló cuándo recibió ese diagnóstico, sí contó que el médico que lo atendió se disculpó por el error. "Me dijo 'lo siento'... Estaba muy triste. Realmente si no funcionaba iba a morir", repasó.Un aventureroAdemás de su rol como conductor, Shatner cumplió su sueño de viajar al espacio en 2021. A los 90 años, se convirtió en la persona más longeva de la historia en emprender esa travesía, la cual realizó en la nave construida por la compañía Blue Origin de Jeff Bezos. Según informó la agencia AP por aquel entonces, Shatner y sus tres compañeros de viaje alcanzaron una altitud de 107 kilómetros sobre el desierto del oeste de Texas en la cápsula automatizada, y luego emprendieron el regreso en paracaídas de manera segura a la Tierra."Mi viaje al espacio hizo que yo tuviera un foco más afilado sobre algo que ya sabía hace muchos años. Yo había leído un libro hace 60 años que hacía referencia al calentamiento global. Y lo tomé muy en serio", contó. "Estamos matando a nuestra Tierra. Y esos momentos en el espacio hicieron que esto fuera todavía más dramático. Tenemos que terminar con el calentamiento global ahora mismo", sentenció en ese momento.El 2024 también fue un año movido para el actor: para celebrar su vida el canal History decidió armar una programación especial a su medida. Así nació Inexplicable, con William Shatner, un ciclo televisivo en el que, junto a científicos, historiadores y un gran número de especialistas y testigos de los misterios del mundo, el conductor indagó los enigmas de la humanidad.Los 60 años de Star TrekMientras se recupera del susto, Shatner se prepara para festejar los 60 años de Star Strek. La amplia gama de celebraciones "centradas en los fans" fue anunciada por la franquicia el 8 de septiembre pasado en su 59 aniversario, en el marco de lo que se conoce como el "Día de Star Trek"."El 60 aniversario celebra el 'Espacio para Todos', extendiendo una invitación abierta para celebrar el futuro al que aspira 'Star Trek': un futuro de esperanza, un futuro de exploración y un futuro donde nos atrevemos a ser valientes", rezaba el anuncio. La franquicia de ciencia ficción tuvo su inicio con la serie de televisión creada por Gene Roddenberry que debutó en 1966. Luego se convirtió en un fenómeno cultural multimillonario. Hoy en día los fans, conocidos como Trekkies, disfrutan de innumerables películas, programas derivados y videojuegos basados en la serie original. Ambientada en la Vía Láctea cientos de años en el futuro, la serie sigue a la tripulación de la nave estelar USS Enterprise. Su viaje los lleva a, "ir audazmente donde ningún hombre ha ido antes", como solía decir William Shatner en su papel del Capitán James T. Kirk al inicio de cada episodio.

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Murió Claudia Cardinale, leyenda del cine italiano, a los 87 años

La actriz franco-italiana Claudia Cardinale, referente del cine de los años 60, falleció este martes a los 87 años y en compañía de sus hijos en Nemours, cerca de París, donde vivía. "Nos deja el legado de una mujer libre y llena de inspiración tanto en su trayectoria de mujer como de artista", declaró a AFP su agente, Laurent Savry.Nacida el 15 de abril de 1938 en La Goulette (La Goleta), un puerto de Túnez bajo protectorado francés, fue hija de una familia de origen siciliano. Su destino cambió en 1957, cuando ganó un concurso que la distinguió como "la chica italiana más bella de Túnez". Ese premio le abrió las puertas de Roma y marcó el inicio de su carrera.En sus comienzos debió adaptarse al cine italiano, ya que se había criado hablando francés y siciliano. Durante varios de sus primeros trabajos fue doblada, hasta que logró imponer su propia voz grave y característica. Su consagración llegó en la década de 1960 con clásicos como Otto e mezzo (Ocho y medio, 1963) de Federico Fellini, Il Gattopardo (El Gatopardo, 1963) de Luchino Visconti y C'era una volta il West (Érase una vez en el Oeste, 1968) de Sergio Leone. También trabajó en producciones internacionales como The Pink Panther (La Pantera Rosa, 1963), donde compartió pantalla con Burt Lancaster, Alain Delon, Henry Fonda y Charles Bronson.Su filmografía abarcó más de 140 títulos, en los que se movió con naturalidad entre el drama, el cine de autor y producciones de gran público. Con una presencia magnética, Cardinale encarnó a mujeres fuertes y carismáticas que rompieron estereotipos en la pantalla. Más allá del cine europeo, también desarrolló trabajos en Hollywood y en Francia, consolidándose como una actriz de alcance global.En el terreno personal, mantuvo una vida relativamente discreta. Fue madre de dos hijos y, ya en la madurez, sumó a su trayectoria artística un fuerte compromiso social. En calidad de Embajadora de Buena Voluntad de la Unesco, apoyó la defensa de los derechos de las mujeres y de los pueblos indígenas.Lejos de retirarse por completo, Cardinale continuó activa durante los últimos años. En 2020 actuó en la serie suiza Bulle y en la película de Netflix Rogue City. Dos años más tarde participó en la producción tunecina L'Ã?le du pardon (La isla del perdón), presentada en el Festival de El Cairo, y recibió un homenaje en su ciudad natal.En 2023, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una retrospectiva de su obra y restauró varias de sus películas, mientras que también participó en el cortometraje Una Donna, La Cardinale, dirigido por Manuel Perrone.Con información de AFP y Reuters

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La actriz falleció a los 87 años tras una carrera que abarcó más de seis décadas.

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