El conjuro 4: últimos ritos (The Conjuring: Last Rites, Reino Unido-EE.UU./ 2025). Dirección: Michael Chaves. Guion: Ian Goldberg, Richard Naing, David Leslie Johnson-McGoldrick. Fotografía: Eli Born. Edición: Elliot Greenberg, Gregory Plotkin. Elenco: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Mia Tomlinson, Ben Hardy, Steve Coulter. Calificación: Apta para mayores de 13 años. Distribuidora: Warner. Duración: 135 minutos. Nuestra opinión: buena.Con El conjuro 4: últimos ritos, la saga cinematográfica de los Warren llega a su fin. Este cierre de la tetralogía, que tiene a los investigadores paranormales Lorraine y Ed Warren como protagonistas, mantiene algunas de los características particulares que hicieron de El conjuro un fenómeno del cine de terror del siglo XXI. Sin embargo, el film no alcanza la sofisticación visual y narrativa de las dos primeras entregas.La explicación más evidente para este deslucimiento de las últimas dos películas de la serie tiene que ver con el cambio de director. James Wan ya había generado un impacto en el panorama del cine de terror con El juego del miedo y La noche del demonio cuando dirigió El conjuro. El film, inspirado en la historia real del matrimonio Warren y sus investigaciones paranormales, marcó un regreso, temático y estético, a un tipo de películas del género que fueron furor en la década del 70, como El exorcista y La profecía.El éxito derivó en una secuela, en la que Wan demostró su capacidad para conjurar esas referencias de la historia del cine, en una película con una puesta en escena sofisticada, que expresaba una historia que tenía tanto de drama familiar como de terror sobrenatural. Como en los mejores ejemplos del género, el clima de terror, el suspenso y hasta los golpes de efecto para generar sustos, convivían y se potenciaban con un relato anclado en la humanidad y las relaciones familiares.Hay un intento de seguir por esa senda en El conjuro 4: Últimos ritos, pero se produce un desequilibrio entre los elementos, que la hace quedarse a mitad de camino. Michael Chaves, quien relevó a Wan en la tercera película y dirigió algunos de los spin-off menos inspirados del universo de El conjuro, construye algunas escenas de terror potentes y con cierto ingenio, pero quedan esparcidas entre un entretejido de dos historias familiares, que se estira demasiado y va perdiendo fuerza.En el film, los Warren se involucran en un último caso para ayudar a la familia Smurl, cuyo hogar se ve amenazado por una presencia sobrenatural, que se manifiesta a través de un espejo antiguo. Ed y Lorraine, interpretados por los magníficos Patrick Wilson y Vera Farmiga, cuentan con la colaboración de su hija Judy (Mia Tomlinson), ya adulta, quien tiene una conexión con lo paranormal desde chica. No es la primera vez que se encuentran con ese espejo y lo que sea que está detrás, y su historia familiar se va revelando, al mismo tiempo que se desarrolla la terrorífica situación en la casa de los Smurl.Delinear bien a los personajes y sus mundos particulares es fundamental en una película de terror, que necesita que el público esté involucrado con ellos, para que el efecto del horror sea mayor. Esa búsqueda está en El conjuro 4: últimos ritos, pero termina siendo contraproducente por disgregarse.Algunos de los elementos que fueron exitosos en las dos primeras películas, en esta cuarta entrega se vuelven en contra. No solo pasa con la atención al detalle de los personajes y sus ambientes, que funcionaron a la perfección antes y no fueron bien manejados en este nuevo film, sino también con la utilización de varios lugares comunes del cine de terror.Desde las muñecas malditas hasta los sótanos y áticos embrujados, El conjuro jugó, en sus primeras dos entregas, a darle nueva vida a los clichés y probar que podían volver a ser parte de una narración que se tomaba al terror en serio. En esta última película de la saga, su acumulación ya no tiene el mismo efecto, sino que se asemeja a la repetición de una receta.

Fuente: Infobae

02/09/2025 08:06

Para los que superaron la barrera de los cuarenta y largos, el Circo de Moscú es una marca que, inmediatamente, remite a un clásico del entretenimiento en Buenos Aires e instalada en el inconsciente colectivo de varias generaciones que disfrutaron del magnífico arte de sus artistas a partir de una tradición ancestral y fundante en el ejercicio de las artes escénicas.La realizadora audiovisual y guionista Saula Benavente fue en busca de esa usanza, recuperando una atmósfera, un tiempo y una historia a través de su documental Una vez, un circo, una magnífica pieza cinematográfica con imágenes de archivo de gran valor y testimonios de protagonistas de primera mano en torno a lo que, en realidad, se llamaba Circo Estatal Ruso. "El circo me remite a mi primera infancia, por eso encontré en ese mundo algo que me interesaba contar. Además, mis antepasados eran de carromato. De hecho, el abuelo de mi papá fue un payaso muy importante de apellido Padín", argumenta Benavente, quien, además de sus genuinos méritos artísticos, posee una atrapante historia de vida, nada usual, por cierto. Una vez, un circo tuvo un paso muy reconocido por el Bafici y lleva tres semanas exhibiéndose en el imprescindible cine Gaumont, además de ofrecerse en cartelera de otras salas Espacio INCAA del país.La directora recibe a LA NACION en su casa de Palermo, pletórica de vegetación y acompañada por unos cuantos gatos, dos perros y nueve tortugas. Un oasis natural en medio de la ciudad. A poco de comenzar la charla, la conversación se interrumpe porque suena una alarma que le recuerda a Benavente que debe llamar por teléfono a su pareja, el actor Luis Brandoni, quien se encuentra en su casa durmiendo la siesta. "Tengo que despertarlo para que vaya al teatro", aclara esta mujer de apellido ilustre, hija del notable pintor, escenógrafo y vestuarista Saulo Benavente y de la reconocida escenógrafa Graciela Galán. Además, su tía fue la recordada actriz Mónica Galán. "Gracias, mi amor", se escucha decir a "Beto" Brandoni desde el otro lado de la línea. Ahora sí, momento de charlar largo y tendido con Saula Benavente, entre mates y café, y bajo la atenta mirada de Sarmiento, un perrito de lo más cariñoso que se empecina en reclamar mimos y que, desde ya, logra su cometido.Respiró arte desde siempre, criada en Paraguay y Reconquista, en un edificio donde, en cada piso, vivía una parte de la familia. Hoy, sigue inhalando estéticas, poéticas y pensamientos en torno a la creación. Incluso, desde su rol en la comisión que selecciona los proyectos ganadores del programa Mecenazgo, que se entrega en la ciudad de Buenos Aires y es sumamente valioso para el incentivo de la actividad artística. Había una vezâ?¦"La llegada del Circo en 1966 fue un acto de inconsciencia de mi padre y los dos socios que convenció", explica la hija, orgullosa de la obra y las proezas de su progenitor que murió cuando ella tan solo contaba con diez años. "Él había viajado a Rusia como miembro del Instituto Internacional de Teatro y, en Moscú, le 'chanchereó' a la ministra de cultura de ese momento y la sedujo para que se pudiera traer a la compañía a Buenos Aires". -Todo un desafío económico. -Era una época donde algunos artistas y productores se aventuraban, hoy todos somos más cautelosos. Hicieron una cooperativa, les pidieron guita a los bancos y hasta puso plata gente del Partido Comunista. La primera visita del Circo al país fue un éxito, lo cual hizo que, rápidamente, se transformara en un negocio. La semilla del film dirigido por Benavente se remite a algunos años atrás, cuando Carlos Garaycochea, productor de la película junto con la compañía El Borde, le escribió comentándole sobre su archivo en torno al Circo de Moscú, ya que su padre, hermano del humorista Carlos Garaycochea, lo había producido en la década del ochenta. Por otra parte, el empresario había sido uno de los responsables de importar al país el material fílmico del director ruso Nikita Mijalkov. "'Quiero hacer algo con todo el material', me dijo. Trabajamos un año por videoconferencia, ya que eran los tiempos de la pandemia, dándole forma al proyecto", recuerda la directora. Sumándose a ese acervo de Garaycochea, Saula Benavente aportó lo suyo, ya que su padre, junto con otros socios, había sido el primer productor que trajo a la compañía rusa a Buenos Aires en el año 1966. "Mi papá, que falleció en 1982, lo produjo hasta la década del setenta". View this post on Instagram A post shared by Una vez, un circo. Un film de Saula Benavente (@unavezuncirco)"Es el espectáculo más antiguo del mundo, que puede rastrearse desde tiempos remotos en los rituales de los cinco continentes porque la unión de la danza en sentido amplio, palabra y música que caracteriza a los ritos, está en el origen del circo", sostuvo la siempre precisa investigadora Beatriz Seibel en su libro Historia del circo (Ediciones Del Sol). Indudablemente, el circo es uno de los lenguajes escénicos con mayor peso específico e injerencia dentro del campo de lo escénico. -¿Existe actualmente la compañía?-En Rusia aún existe el Circo Estatal, con unos edificios espectaculares. Para la película entrevistamos a muchos de los artistas de aquellos tiempos en los que visitaban Argentina. Los artistas soviéticos cruzaron por primera vez la Cortina de Hierro para presentarse en un país latinoamericano, en tiempos de la Guerra Fría. La compañía gozaba de un enorme nivel artístico hasta que, con la irrupción de la Perestroika y el fin del Estado Soviético, el circo se vio afectado. "Mi película trata sobre el circo soviético, qué impronta tuvo y cómo cae junto con la URSS". Conmueve ver en el documental aquellas funciones llevadas a cabo en el Luna Park porteño. Familias enteras colmando las plateas y tribunas y un espectáculo que contemplaba la presencia de animales en vivo, hoy algo que no rige en nuestro país. View this post on Instagram A post shared by Una vez, un circo. Un film de Saula Benavente (@unavezuncirco)El vínculo de Benavente con la cultura rusa la llevó a balbucear el idioma, algo que facilitó su tarea documental sobre el circo. "No era el propósito de la película, pero no se puede hablar del Circo de Moscú sin hablar sobre lo que iba pasando en la URSS. El utilero de Argentina me contaba que se podían dar cuenta de la situación social y política del país por cómo se manejaban los artistas, qué productos compraban en nuestro país, qué necesidades tenían. En los 70, buscaban pasear e ir a museos; pero, en la década siguiente, eran más consumistas de ropa, jeans, maquillajes; las mujeres compraban pantys y esmaltes de uñas para vender allá", explica la directora.Una familia-¿Cómo es llamarse Saula Benavente?-Estoy acostumbrada. -Me imagino.-De chica me quería llamar Cristina de la Torre y trabajar en un banco para poner sellos. Hoy en día me gusta mi nombre. Cuando comencé a estudiar cine, cada vez que un profesor me preguntaba cómo me llamaba, venía indefectiblemente "sos la hija de Saulo", eso me daba mucho pudor. Hoy me puedo jactar de no haber utilizado mi nombre ni de haber pedido un favor por ser quién fue mi padre. Me da orgullo llamarme como me llamo y que no fue algo snob, sino que tiene una razón. En plan de denominaciones "exóticas", su hijo se llama Baldonero: "Porque me gustan los nombres antiguos". Hace un cuarto de siglo, Benavente formó pareja con Gerardo Rotblat, percusionista de la banda Los Fabulosos Cadillacs, fallecido en 2008. Fruto de esa relación nació Baldomero, hoy un joven de poco más de veinte años y a punto de recibirse de psicólogo. Así como su madre siente empatía por la cultura rusa, su hijo es un cultor de la idiosincrasia japonesa. "La muerte de Gerardo me destrozó porque no sólo era un dolor mío, sino que también atravesaba a mi hijo de cinco años, fue la muerte que más me afectó". En cambio, reconoce que construyó su propia vida marcada por la ausencia de Saulo Benavente: "Falleció cuando yo tenía diez años, con lo cual, mi vida fue siempre sin mi papá. Se repitió la historia con mi hijo, que tampoco tuvo al suyo, nos tocó esas desgracias y construimos sin esa parte. A veces, decimos 'qué mierd... que nos pasó esto', pero pudimos salir adelante, no son 'ausencias presentes'".-A partir de la diferencia de edad entre ustedes, ¿considerás que tu pareja con Luis Brandoni se gestó, inconscientemente, para reparar la ausencia de una figura paterna?-Para nada, nunca me interesaron los hombres mayores, mi relación con Brandoni es una excepción en mi vida. -¿Cómo se dio?-Fue cuando acompañé a mi madre al cumpleaños número 80 de Claudio Segovia (creador de la compañía Tango Argentino). Cuando llegamos, mi silla la había ocupado Soledad Silveyra. En ese momento, desde otra mesa escucho que alguien dice "por favor, que se siente acá". Era la voz de "Beto". En esa mesa también estaban Marilú Marini y Ana María Picchio. -¿Lo conocías?-Al pasar. Luego de eso nos vimos un par de veces, compartimos algunas comidas.-¿Te atrajo?-Soy curiosa y él es muy encantador. Debo reconocer que, al principio, me costó lo de la edad, sobre todo por el "qué dirán" de la gente. Al principio, me preocupaba que en la calle pudieran pensar que se trataba de un vínculo "sugar daddy", pero, rápidamente me di cuenta que yo no contaba con los atributos físicos para que se supusiera eso. Cuando comenzó la relación, Saula Benavente contaba con 40 años y Luis Brandoni había cumplido los 73. -¿Quién tomó la iniciativa?-Él. Me acuerdo que le comentaba a mi tía Mónica (Galán) que me había invitado a salir Brandoni y que no sabía qué hacer. -¿Qué te respondía?-"Salí, andá, aprovechá".-¿Qué dijo tu madre Graciela Galán?-Al principio, se lo oculté, porque, incluso, ellos habían trabajado juntos. Uno cree que es re canchero, pero tuve que vencer muchos prejuicios, hasta que entendí que no me tenía que importar lo que opinara el resto del mundo. -¿Cómo es el vínculo con las hijas de Luis Brandoni?-Me llevó muy bien con las chicas. -¿Así fue siempre?-Fue una construcción, pero, como ellas ya eran mujeres adultas no tuvimos que organizar una familia ensamblada. Todo fluyó rápidamente. -¿Tenés trato con Martha Bianchi, la exesposa de Brandoni?-Por supuesto, hemos compartido muchas cenas familiares. -¿Todos juntos?-Claro, todo es normal, no hay nada raro. "Beto" y Martha tienen dos hijas, nietos, estuvieron juntos muchos años. Hemos pasado fiestas con todos ellos, mi mamá y mi hijo. Yo fui criada en lo que hoy se dice que es una familia "disfuncional", muy moderna para su momento. -¿Por qué?-Mis padres nunca se casaron, mi madre tuvo otras parejas. A mis primos y a mí casi que nos criaron mis abuelos, porque mis viejos trabajaban todo el día. No formo parte de una "generación de cristal". Vivíamos todos en un mismo edificio, a metros de las tiendas Harrods. En el primer piso estaban mis abuelos, en el segundo se habían instalado Lorenzo Quinteros y Tina Serrano, el tercero lo ocupábamos mi mamá y yo y la cúpula era de Mónica, mi tía hippie. -¿Tomás dimensión de quién fue Saulo Benavente para la cultura argentina?-Sí, cada vez que digo mi nombre aparecer algo bueno, jamás escuché una crítica hacia mi papá, todos se refieren con admiración y cariño hacia él, aunque, las nuevas generaciones que estudian arte, cine o teatro desconocen quién fue. -Una falencia grave. -Tiene que ver con la formación que hoy reciben los profesionales, con el poco valor que se le da a la obra de gente destacada y a la historia, por eso, haber hecho el documental sobre el Circo de Moscú lo siento como una necesaria preservación del patrimonio.

Fuente: Infobae

02/05/2025 15:17

'The Quiet Son' gana el premio a la mejor película del 9º festival BCN Film Fest

Fuente: Clarín

30/04/2025 06:18

Misericordia es un film noir con sexo como no se veía en años

Es del director de "El desconocido del lago".Si no fuera francesa, se armaría un escándalo.

Fuente: Infobae

29/04/2025 07:02

El festival BCN Film Fest retoma la normalidad y habrá alfombra roja con Richard Gere

Fuente: Ámbito

18/04/2025 10:16

Ni papel aluminio ni film: cómo se debe guardar el queso para que siga fresco

Entre los alimentos y bebidas, el queso exige un cuidado especial. Existen otras opciones fuera de las convencionales para que duren más tiempo. Conocé más.

Fuente: Infobae

16/04/2025 09:03

Atlàntida Mallorca Film Fest alcanza su 15 edición consagrado y con "ambición expansiva"

Fuente: La Nación

14/04/2025 07:00

El norteamericano que inspiró el film "Sonido de Libertad" llegó al país para ayudar a buscar pedófilos

Conocé al hombre que vio casi 300 veces la misma película y rompió un récord Guinness: de qué film se trata y en cuánto tiempo lo logró

Un fanático del cine llevó su pasión al extremo y logró una marca histórica.Su desafío implicó una gran inversión de tiempo y dinero.

Fuente: Infobae

12/03/2025 10:20

La semilla del fruto sagrado (Dane-ye anjir-e ma'abed, Irán/Alemania/Francia/2024). Guion y dirección: Mohammad Rasoulof. Fotografía: Pooyan Aghababaei. Edición: Andrew Bird. Música: Karzan Mahmood. Elenco: Misagh Zare, Soheila Golestani, Mahsa Rostami, Setareh Maleki, Niousha Akhshi. Calificación: Apta para mayores de 16 años. Distribuidora: Impacto Cine. Duración: 168 minutos. Nuestra opinión: buena.La cita en el inicio de La semilla del fruto sagrado deja en claro la metáfora que atraviesa toda la película. Un árbol cuyas semillas se esparcen en el excremento de las aves para depositarse en otros árboles que funcionan como huéspedes, a los que primero parasita y luego aniquila. El nombre de la planta, no inocentemente, es la Ficus Religiosa, también conocida como el "higo sagrado". Con esa carta de presentación, Mohammad Rasoulof filma su película en Alemania -después de haber ganado el Oso de Oro en Berlín con There Is No Evil (2020)-, donde ha debido exiliarse tras una condena a azotes y ocho años de cárcel en su Irán natal. Su historia es ficticia pero la realidad en la que se inscribe es verdadera; basta recordar las multitudinarias protestas de 2022 originadas por el asesinato de Mahsa Amini, detenida en Teherán por no cumplir las normas del régimen teocrático en el uso del velo. La escalada de violencia es el contexto de la película, cuyos acontecimientos asoman en los celulares de los personajes.Es difícil desprender a la película de su impronta de denuncia y de la necesidad del director de llamar la atención sobre las duras condiciones de sus compatriotas. Su recorrido en Occidente, los premios y celebraciones, no pueden aislarse del potente símbolo que representa y de cómo el arte encuentra como pocas veces el deber de su existencia. Pero más allá de todo aquello que la rodea, la pregunta siempre es si el valor coyuntural de una obra encuentra equilibrio con sus méritos artísticos. Y eso es algo que el cine iraní siempre habilita, en tanto muchos de sus artistas -como el emblemático Jafar Panahi- han debido practicar su oficio en el marco de hostigamientos y limitaciones del poder de turno. La semilla del fruto sagrado es una película signada por su tiempo, por la valentía de su director, pero también por esa compleja "necesidad" del arte de ser agente transformador de un estado de cosas.La historia es la de una familia como microcosmos de una nación. Imán (Misagh Zare) ha sido nombrado investigador del Tribunal de la Guardia Revolucionaria, puesto que supone la antesala de un ascenso a juez de instrucción. Tiene una esposa y dos hijas; la primera, Najmeh (Soheila Golestani), celebra la posibilidad de una vivienda oficial y una paga más importante, las dos jóvenes, Rezvan (Mahsa Rostami) y Sana (Setareh Maleki), ignoran la actividad del padre y asisten a un agasajo marcado por el secretismo alrededor de sus motivos. Las protestas estudiantiles escalan en Teherán y repercuten en la familia: Imán debe interrogar a los detenidos, aún en contra de sus principios morales; sus hijas comienzan a percibir que el régimen no es todo lo que predica en medios oficiales y en la palabra de sus funcionarios. Najmeh se debate entre la lealtad al marido y su condición de mujer, ciudadana y madre, posiciones en pugna en un clima de creciente sospecha que atraviesa a la sociedad y se filtra puertas adentro de su casa.Hay una escena que contiene lo mejor de la película. El único momento en el que percibimos que el cine puede hacerlo mejor que cualquier alegato. Imán está almorzando con un compañero del tribunal y expresa sus reparos por verse obligado a firmar una acusación del fiscal sin el tiempo necesario para la investigación. Antes de llevarse la comida a la boca, su interlocutor lo reprende: "No le gustás al jefe, quería a uno de los suyos para el puesto. Estará atento a tu primer paso en falso". En ese instante, Imán levanta el tenedor, tose apenas y la comida se desliza sobre su camisa impecable. Su cuerpo lo ha traicionado. Rápidamente limpia los restos con una servilleta, pero una mancha persiste, rebelde, en su atuendo inmaculado. Un recuerdo de esa duda, un testimonio del miedo a la protesta de su conciencia.La escena está al comienzo de la película, como un acercamiento sutil a una tragedia irrepresentable, pero lo que sigue oscila entre el trazado de un mapa efectivo de las tensiones que atraviesan un entorno doméstico cada vez más claustrofóbico y un derrotero algo más subrayado, derivado luego en un thriller forzado y efectista. Todos los actores dan lo mejor de sí, hay secuencias elocuentes (como el interrogatorio a manos de un "colega" al que Imán somete a su familia), pero cierta retórica insistente (la música que invita al lamento) y el exabrupto del final, cargado de simbolismos innecesarios y de un peligro impuesto por el guion, erosionan los méritos de un valioso recorrido por lo real y por sus dolorosas representaciones.

Fuente: La Nación

25/02/2025 15:00

En fotos: Millie Bobby Brown impactó en la alfombra roja de su último film con un look que llamó la atención

Fuente: Infobae

24/02/2025 09:02

En opinión del joven actor y realizador Brady Corbet, la arquitectura no es muy diferente del cine independiente: enfrentan grandes proyectos, son parte del arte y deben lidiar con recursos escasos y dificultades materiales. Y ese espíritu está indudablemente en el centro de su film El brutalista que protagonizado por Adrien Brody, cuenta la historia de László Tóth, un arquitecto formado en la escuela de la Bauhaus, inmigrante judío que abandona Hungría en pos del sueño americano en 1947. Nominada a diez premios Oscar -mejor Película, mejor Director, mejor Actor, entre otros-, El brutalista llega a las salas de cine de Argentina el jueves 6 con toda la fuerza de un fresco épico que no deja de lado un interés genuino por documentar la historia sin sentimentalismos.

Fuente: Infobae

29/01/2025 11:16

Richard Gere presentará en el BCN Film Fest como productor un filme sobre el Dalai Lama

Fuente: Infobae

23/01/2025 08:17

El director francés Nicolas Philibert, Premio especial del Brain Film Fest 2025

Fuente: Clarín

23/01/2025 06:00

Grieta en el cine: los que aman y los que odian el film "Emilia Pérez"

La película de Jacques Audiard, que se verá en la Argentina desde el 23 de enero, viene levantando polvareda desde su estreno en Cannes y ha ganado recientemente el Globo de Oro a Mejor Película.Pero ¿es racista y transfóbica o una genialidad de esta época?El ensayista Daniel Link recoge el guante y le responde al escritor trans Paul Preciado, quien publicó un artículo sumamente crítico sobre el largometraje en los diarios Libération y El País.

Fuente: La Nación

23/01/2025 01:18

Emilia Pérez: entre la grandilocuencia y el exceso, un film que no deja al espectador indiferente

"Emilia Pérez" (idem, Francia/2024). Dirección y guion: Jacques Audiard. Fotografía: Virginie Montel. Edición: Simona Paggi. Música: Clement Ducol y canciones de Camille Dalmais (Camille). Elenco: Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Selena Gomez, Adriana Paz, Edgar Ramírez. Distribuidora: BF Distribution. Duración: 130 minutos. Nuestra opinión: buena.El francés Jacques Audiard pertenece a la generación de Claire Denis, Philippe Garrel y Patrice Leconte. Todos directores que, en diferentes momentos, dejaron una importante marca en el siempre vital cine francés. Audiard es el último de esta generación de más de setenta años que comenzó en la dirección a mediados de los noventa con su potente ópera-prima Mira a los hombres caer. Desde entonces se lo reconoce como un realizador singular, con obras vitales, enérgicas, que no escapan a la crudeza pero de una estilizada formulación visual y creativa. Su cine puede gustar o no pero no deja al espectador indiferente.Esa constante se repite, y podemos decir que en buena medida se exacerba, en su poderosa Emilia Pérez, una película dominada por la apuesta entre la grandilocuencia y el exceso, entre el deslumbramiento y el desconcierto y entre lo fascinante y lo absolutamente ridículo que plantea una narrativa siempre jugando con los límites del verosímil de la representación. Eso es la Emilia Pérez del título cuando el poderoso narcotraficante Juan "Manitas" del Monte decide que la mejor manera de desaparecer del mundo es dándose por muerto y cambiando de sexo. Eso sucede aún antes en la trama cuando la abogada Rita Mora Castro recibe al finalizar un proceso judicial por violencia de género un misterioso llamado que la cita en un puesto de diarios y donde espera mientras observa como los medios reflejan los casos de una violencia cotidiana caricaturizada en el sensacionalismo. Sin opciones, la abogada acepta trabajar para el poderoso narco sin saber que sus destinos volverán a cruzarse desde perspectivas muy distintas, después de unos años. Pero aunque el género pueda cambiarse hay marcas identitarias que prevalecen desde el pasado criminal y es entonces cuando Emilia Pérez decide, además de haber cambiado su identidad, modificar su horizonte de vida.La ágil cámara de Audiard mezclada con momentos de profunda sordidez recuerdan su mirada al ambiente carcelario de Un profeta, pero aquí el thriller es mezclado con un musical que trastoca el ámbito de la representación. Así los géneros cinematográficos se desvanecen entre el thriller, el drama y el musical para mostrar una historia sobre la identidad, la violencia y el perdón. Jugando con el límite, esos cruces no siempre son efectivos y el estereotipo de lo "mexicano" se hace presente desde una construcción demasiado superficial y eurocéntrica añadido a un contexto social donde la violencia narco es sintetizada con liviandad en aras de un musical también por demás extraño. Algo debe remarcarse de Emilia Pérez en el cine de hoy tan acostumbrado a las historias para plataformas y es su enorme apuesta creativa, en la que el realizador prefiere el peligro aún del paso en falso que el adocenamiento de las fórmulas conocidas.Audiard se demuestra fiel a sí mismo en su búsqueda original y abraza la cultura posmoderna de la cual, en contenido y forma, Emilia Pérez es fiel representante hasta en lo banal del tratamiento de temas contemporáneos muy graves. Desenvuelve muy buenas actuaciones de Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón, que contribuyen con acierto a la historia y, en cambio, con Selena Gomez cae presa del estereotipo que bordea constantemente a una narración en la cual el abismo del crimen es mediado por cuadros musicales de calidad dispar cantados por el propio elenco. Pero en sus errores, en sus aciertos y en su desmesura, lo inobjetable de Emilia Pérez es que nunca abandona el riesgo y la sensibilidad.

Fuente: La Nación

20/01/2025 03:36

El osito inglés Paddington vuelve a su Perú natal en un nuevo film

Machu Picchu y la docena de patrimonios mundiales del territorio, el exquisito ceviche, el pisco (aunque la paternidad se la adjudique también Chile), una laureada y prestigiosa gastronomía y el poderoso contenido cultural son algunos de los condimentos de la fama global del Perú.Y otro de los temas que le sirve de posicionamientoâ?¦ ¡es el osito Paddington! Sí, el entrañable y emblemático osezno de Gran Bretaña es peruano y ahora su origen se divulgará de forma palmaria con el estreno del film Paddington en Perú, que muestra su viaje junto a su familia londinense Brown a su tierra natal para saber directamente qué está pasando con su Tía Lucy, de su misma raza. Se trata de una comedia basada en un relato de fantasía con el aditamento de cuestiones como la unión familiar y el regreso a los orígenes.Porque debe quedar en claro -además-, que no es solo un personaje literario abstracto, fantasioso, ¡el oso de anteojos o antifaz existe! Es un mamífero omnívoro oriundo de los Andes de Sudamérica, que puede pesar entre 35 y 170 kilos y medir hasta 2 metros de alto. Muy valorado y querido, es ideal para esta saga que en este nuevo episodio tiene en su idioma original el título Paddington in Peru: Lost in The Jungle.Es decir, el perfil y la personalidad de Paddington sí es mérito de su autor inglés Michael Bond, quien ya ha escrito varios cuentos y el cine ya ha mostrado otras peripecias. El punto de partida fue la llegada del cachorro de plantígrado a la Paddington Station. Fue aquí donde lo recogió la bondadosa familia Brown que le dio un hogar, una confortable y amorosa vida.Y le pusieron el nombre de la terminal de trenes, que está ubicada dentro del municipio de Ciudad de Westminster y que es histórica por formar parte de la legendaria compañía Great Western Railway y sus sucesoras desde 1838, si bien lo que se aprecia actualmente data de 1854. Por otra parte, fue una de las primeras en tener anexo un servicio de subterráneo, en 1863. Desde entonces ha tenido algunos cambios estéticos, pero pocos.Por estas razones, el complejo de transporte tiene junto a una de sus escaleras mecánicas una estatua de bronce del animalito, con su clásico gorro y su valija; obra creada por el escultor Marcus Cornish e inaugurada en 2000. Los transeúntes y de sobremanera los niños, van acariciando (y sobando) su figura logrando que el metal adquiera un brillo permanente, sobre todo en su hocico y en el sombrero icónico.Como era de suponer, dentro de la estación británica hay una tienda Paddington Bear que está decorada con objetos del personaje, juguetes y otras prendas para niños y bebés. Del mismo modo que dedican actualmente un espacio para promocionar el flamante film.En el presente, al lanzamiento cinematográfico se sumó una campaña de marketing. Su figura se ha multiplicado en 23 lugares del Reino Unido por medio de esculturas coloridas, mostrándolo sentado en un banco de plaza y devorando su menú preferido: sándwich de mermelada. La gente sienta a sus niños al lado o a sus mascotas, hace fotos, selfies y el resto corre por cuenta de las redes sociales.Desde luego, así como existe un espacio londinense para Sherlock Holmes, Harry Potter o James Bond, también lo tiene este personaje, dado que parte del guión acontece en Londres. Se grabó en los andenes de Paddington, algunas escenas en los exteriores de la estación de metro de Marylebone y en el hogar de los Brown, que se encuentra en el número 30 de Chalcot Crescent, en Primrose Hill.Una de las piezas clave de la nacionalidad del protagonista es su pasaporte británico, donde figura que nació en Perú y lo exhibe ante las autoridades migratorias. A propósito del tema, una de las difusiones más masivas a escala internacional es el personaje encumbrado por el genial artista (de identidad no conocida) Banksy, quien aprovechó el amor de los ciudadanos del Reino Unido por un osito peruano para plasmar la crisis migratoria mundial. "Migration is not a crime", proclama la pieza de street art.La Ciudad Sagrada, la Tía Lucy y El DoradoA raíz de una carta desde Perú, el osito -junto con su familia- viajan a ese destino para buscar a la extraviada Tía Lucy, quien abandonó el "Hogar de Osos Jubilados" con rumbo desconocido, adentrándose en un sitio donde dicen que está el mítico El Dorado, tan imaginado por los conquistadores transoceánicos de antaño.A partir de esta motivación, pasan por Lima, donde el principal foco turístico es la Plaza de Armas o Plaza Mayor, escenario de la fundación del colonizador español (extremeño) Francisco Pizarro y que se ha caracterizado por ser el centro de los sucesos desde que no era más que un rectángulo seco con tiendas y comercios alrededor.En algún tiempo fue plaza de toros y hasta cadalso de los condenados por el terrible y fatídico Tribunal de la Santa Inquisición. Posteriormente, hacia 1651, se colocó la fuente de bronce que aún reluce, que fue precisamente junto a la cual el general San Martín proclamó la Independencia de España en 1821. Alrededor son espléndidas algunas construcciones, como el Palacio de Gobierno (o Casa Pizarro), de estilo barroco edificado en 1937 y que ocupa una manzana de largo.Asimismo, en el costado oriental, se destaca la Catedral, que empezó a levantarse en 1535 sobre el predio donde había antes un santuario inca y el palacio de un príncipe cusqueño. Incluso el mismísimo Pizarro puso la primera piedra y cuentan que -como acto de fe y humildad- cargó un madero para edificar el templo.Otra estructura sobresaliente adyacente es el Palacio Arzobispal, primer ejemplo del estilo arquitectónico neocolonial con portal neoplateresco y balcones de estilo neobarroco. Para su diseño se tomó como referencia el Palacio de Torre Tagle, donde se encuentra la Cancillería.Y la otra locación del film, la primordial, es Cusco, más específicamente: la majestuosa Machu Picchu. La más poderosa fortaleza del Imperio Incaico fue construida cerca de las nubes (a 2.430 msnm), desde donde se avizora serpenteante el río Urubamba.La ingeniosa ingeniería de piedras apiladas maravilla en la ciudadela transitada por vicuñas, llamas y alpacasâ?¦ y, ahora, por Paddington, en una persecución entre portales, terrazas, escaleras, muros y ventanas mezcladas entre el verde y las vistas panorámicas.Precisamente, para promover el país como locación a la industria del cine, la estatal agencia Promperú contribuyó coordinando con entidades públicas y privadas permisos de rodaje y uso de drones tanto en Lima como Cusco.Paddington en Perú, dirigida por Dougal Wilson, está protagonizada por reconocidos actores como Antonio Banderas, Olivia Colman y Hugh Bonneville, entre otros.Jamás el descubridor de estas ruinas incaicas en 1911, Hiram Bingham, habría imaginado las andanzas de un oso de anteojos, ciudadano inglés, filmado por un equipo de cineastas, productores, utileros, maquilladores, escenotécnicos, microfonistas, etcétera, etcétera, por ese espacio cuna de una civilización.Lo importante: contribuye a la divulgación de las riquezas turísticas peruanas y de este Patrimonio de la Humanidad que en la última edición de los World Travel Awards fue reconocido por sexta vez como "Mejor atracción turística del mundo".

Yahoo technorati Del.icio.us Digg Meneame