escena

Fuente: La Nación
15/06/2024 12:00

La reaparición de Kate Middleton: el detrás de escena del Trooping the Colour y el tierno baile del príncipe Luis

LONDRES.- Kate, la princesa de Gales, hizo el sábado su primera aparición pública desde que hace cinco meses una intervención quirúrgica revelara la presencia de un cáncer, en el tradicional Trooping the Colour, el evento real que reúne a multitudes para celebrar simbólicamente el cumpleaños del rey Carlos III.Kate, vestida con un traje blanco con detalles en negro de la diseñadora Jenny Packham y un sombrero de ala ancha de Philip Treacy, paseó en carruaje con sus tres hijos antes del tradicional desfile militar anual cerca del Palacio de Buckingham. La multitud que se agolpaba en las calles saludó y vitoreó al paso de la princesa de Gales.Así llegaban Kate y sus hijosSu marido, el príncipe heredero Guillermo, vestido con uniforme militar, asistió a caballo a la ceremonia, en la que tropas ataviadas con galas ceremoniales desfilan ante el rey con la bandera de su regimiento, o "color". El despliegue de marchas de precisión y música marcial tiene su origen en los días en que la bandera de un regimiento era un punto de reunión esencial en la niebla de la batalla.Carlos, quien también está recibiendo tratamiento contra un tipo de cáncer no especificado, viajó en carruaje con la reina Camilla, en lugar de a caballo, como lo hizo el año pasado, debido a su tratamiento. El rey inspeccionó a las tropas desde un estrado en el patio de armas, saludando al paso de los regimientos de élite de la Guardia de a Pie.La princesa observó la ceremonia con los niños desde la ventana de un edificio con vistas a Horse Guards Parade, un desfile ceremonial en el centro de Londres. Su hijo menor, Luis, de 6 años, bostezó ampliamente en un momento del acto, pero en general observó atentamente.Prince Louis steals the show with huge yawn at Trooping the Colour - 'He's messing with things'https://t.co/XznADfIWLi pic.twitter.com/yJH3EFBvWu— OK! Magazine (@OK_Magazine) June 15, 2024Para cerrar el tradicional evento, la familia real se reunió en el mítico balcón del Palacio de Buckingham para observar junto a las multitudes congregadas afuera un sobrevuelo de aviones militares. Luis -quien a su corta edad ya es conocido por sus divertidas gesticulaciones- volvió a ser el centro de atención también en ese momento, por un tierno baile que hizo para acompañar la música.Kate Middleton en el cumpleaños del ReyMás tarde, el príncipe y la princesa de Gales publicaron en su cuenta de X un emotivo video del detrás de escena de la reaparición de Kate, en la que se la ve, por ejemplo, acariciándole la cabeza a su hija Charlotte (9 años) mientras esperaban el carruaje, junto a Luis y Jorge (10), segundo en la línea de sucesión."Todo listo para el cumpleaños del Rey", dice el texto que acompaña el video de 21 segundos.All set for The King's Birthday Parade! pic.twitter.com/jbangtZvA3— The Prince and Princess of Wales (@KensingtonRoyal) June 15, 2024Enormes multitudes se congregan cada junio para ver el desfile conocido como Trooping the Colour, que empieza con una procesión que involucra caballos, músicos y cientos de soldados vestidos con un uniforme de gala que salen del Palacio de Buckingham.Kate, de 42 años, se ha sometido a quimioterapia preventiva desde que fue diagnosticada con cáncer a principios de año, algo que ella comunicó en marzo después de fuertes especulaciones sobre su salud.En un inusual mensaje personal escrito el viernes en sus redes sociales, la princesa dijo que estaba progresando bien pero que "no estaba fuera de peligro". Agregó que deseaba asistir al desfile del sábado y que esperaba participar en algunos compromisos públicos durante el verano boreal.Kate pasó dos semanas en el hospital en enero tras someterse a una operación abdominal, y dos meses después anunció en un mensaje de video que las pruebas habían revelado la presencia de cáncer."Estoy haciendo grandes progresos, pero como cualquiera que pase por la quimioterapia sabrá, hay días buenos y días malos", decía el comunicado de Kate.Su oficina, el palacio de Kensington, se ha negado a dar detalles sobre el tipo de cáncer o sobre su tratamiento, aparte de decir que la quimioterapia preventiva había comenzado en febrero.Su enfermedad ha coincidido con la de Carlos, de 75 años, que también se ha sometido a un tratamiento contra el cáncer. El rey se reincorporó a la vida pública en abril, y se ha mantenido ocupado, aunque se están limitando los compromisos de su agenda para minimizar los riesgos para su recuperación.Agencias AP y Reuters

Fuente: La Nación
14/06/2024 01:00

Lamentable escena, palos en la rueda, enfermo mental

Los textos destinados a esta sección no deben exceder las 15 líneas o los 1100 caracteres. Debe constar el nombre del remitente, firma, domicilio, teléfono y número de documento. Por razones de espacio y de estilo, LA NACION podrá seleccionar el material y editarlo. Los mensajes deben enviarse a: cartas@lanacion.com.ar o a la dirección: Av. Del Libertador 101, Vicente López (B1638BEA)Lamentable escena Hemos asistido, una vez más, al denigrante espectáculo de una jauría tratando de imponer por la fuerza y la violencia su forma de vida. Parecen no saber que dentro del Congreso están sus representantes discutiendo las leyes del país, aunque vimos a alguna senadora pretendiendo que si no se permite a las hordas irrumpir en el recinto se les viola el derecho de expresión (claro, ella existe porque existe la horda). He ahí, palmariamente, la expresión más acabada de lo que significa no tener ideas que discutir, sino el hecho de pretender perpetuarse en el poder y medrar con él. Daniel López QuesadaDNI 4.546.451Palos en la ruedaMientras sus fanáticos incendiaban autos y provocaban disturbios, varios senadores kirchneristas se levantaron de la sesión y fueron a la plaza para alentar el caos. Era el pretexto para sabotear el tratamiento de la Ley Bases, que es el instrumento que necesita el presidente Milei para poder gobernar. Sin líderes ni proyectos, los militantes de Cristina no pueden soportar la pérdida del poder y están haciendo lo único que saben hacer: poner palos en la rueda del progreso. Afortunadamente, una mayoría integrada por ciudadanos hartos de ser conducidos por una mezcla explosiva de ineptos y corruptos votamos a una fuerza que tiene el coraje y la lucidez necesaria para revertir una decadencia que se prolongó por décadas. Ocurrió en el balotaje del año pasado y es el verdadero milagro argentino. Luis E. Luchía-PuigLuisluchiapuig@gmail.com"Enfermo mental" La senadora por Tierra del Fuego Cristina López tildó a nuestro presidente de "enfermo mental" que no estaba apto para el cargo. Desconozco si la senadora es psiquiatra, pero le sugiero que analice el estado mental de muchos de sus colegas, los cuales cobran 8 millones de pesos por mes, para que nos informe si están aptos psíquicamente para ocupar una banca en el Senado.Esteban Daniel Lezama dr.elezama@gmail.comFuerzas de seguridad El miércoles fuimos testigos de una gesta para la historia. Las fuerzas de seguridad defendieron la democracia. No a un líder político, y tampoco a su partido. Defendieron la democracia, y, por extensión, a la república. Con estrategia, sacrificio, valor y determinación. Cada gesto, cada paso, ajenos al cansancio que la lucha trae con el tiempo, repitiendo un mantra sagrado: no pasarán, no pasarán. Y aquellos no lo hicieron, porque estos no los dejaron. Hasta que alguien dijo: "Basta, la sesión terminó". Gracias a cada uno y a todos. Aníbal E. Tufró DNI 10.548.620Presidencia de la UCR El senador Lousteau, presidente del Comité Nacional de la UCR, votó en contra de la aprobación de la Ley Bases, en consonancia con sus compañeros kirchneristas, mientras que la totalidad de sus correligionarios lo hizo favorablemente. Con el mayor de los respetos, ¿habiéndose doblado y no roto, no tendrá que renunciar a dicha presidencia? Roberto A. Meneghinidr.meneghini@hotmail.comSalud en crisisEl sistema de salud argentino sufre una dramática, silenciosa e hipócrita crisis. Dramática por la pérdida de vidas que ocasiona. Silenciosa porque un pequeño porcentaje de la población está enferma y, por lo tanto, la mayoría sana no percibe el descalabro. Hipócrita porque los actores la ocultan. Los pagadores insisten en pagar honorarios ridículos que no cubren los costos de la asistencia. Los prestadores no existen más, o dan turnos a cuatro meses, o cobran un copago, o sobreprestan en forma indiscriminada. Los afiliados a obras sociales y prepagas, sorprendidos, reclaman por un servicio "que ya pagaron" y que no reciben en tiempo y forma. Los medicamentos tienen precios astronómicos y fuera de toda lógica. En una visión telescópica, los países de altos ingresos invierten 13% promedio de sus ingresos per cápita en salud, alrededor de US$6448,55 por habitante y por año; la Argentina invierte el 7,65% o el equivalente a US$1044,77 por habitante y por año (Banco Mundial). Es ilusorio pretender el mismo servicio pagando seis veces menos. Nuestro desafío es hacer rendir cada centavo del gasto para obtener el mejor resultado. No hay lugar para coberturas de fantasía ni para 500 estructuras administrativas que no mejoran la salud, sino que la entorpecen. Alejandro MalbránDNI 11.266.408FangioRespecto del artículo en la sección Deportes del 12/6/2024 en el que se menciona que, según el criterio del piloto Verstappen, Juan Manuel Fangio estaría quinto entre los mejores conductores de F1 de la historia, quiero señalar un récord de este último aún no superado y casi no mencionado: es el único que ganó un campeonato mundial de conductores corriendo con dos marcas distintas en un mismo año (1954). En esa época las fábricas pagaban un sueldo a sus pilotos y debido a que Mercedes-Benz tendría sus autos listos para la tercera carrera del calendario de ese año (Gran Premio de Francia, circuito de Reims), le ofreció o bien cobrar su sueldo sin competir durante las dos primeras competencias o bien hacerlo libremente corriendo con otras marcas sin percibir estipendio alguno. Fangio eligió esta segunda opción y participó en las dos primeras carreras del año con Maserati, ganando en los grandes premios de Buenos Aires y Bélgica, y a partir de la tercera con Mercedes-Benz, también venciendo en Reims, dándole a esa marca la primera victoria en F1. Otra época, otros valores.Rodolfo Blaquier blaquierrodolfo@gmail.comGuarangoEl 12 de junio se publicó una carta en la que se hacía mención al calificativo "guarango", que expresó José Ortega y Gasset en su libro La rebelión de las masas. Se le atribuía al escritor haber utilizado ese término con los significados que natural y vulgarmente todos utilizamos. Pero, en esa oportunidad, el español lo utilizó con un significado distinto. Por ejemplo, que los argentinos cantamos victoria antes de tiempo, que somos triunfalistas, etcétera. Me pareció que valía la pena la aclaración.Guillermo Alfredo Terrera DNI 5.082.938

Fuente: Infobae
13/06/2024 20:20

Los protagonistas de Bridgerton revelaron que rompieron un mueble durante su escena de sexo

La nueva temporada de la serie de Netflix, trae consigo el romance tan esperado entre Colin y Penélope

Fuente: La Nación
13/06/2024 14:00

Fin del misterio: encontraron ADN de la sospechosa en la escena del crimen y en las uñas de la víctima

Se terminó el misterio. Un peritaje científico confirmó la hipótesis del Ministerio Público Fiscal de que Rosalía Soledad Paniagua fue la homicida de Eduardo Wolfenson Band, el ingeniero asfixiado en su casa del country La Delfina, en Pilar, crimen ocurrido el 22 de febrero pasado.Así lo informaron a LA NACION calificadas fuentes judiciales. En las últimas horas, el fiscal de Pilar Germán Camafreita Steffich, a cargo de la investigación, recibió el informe sobre el análisis de las muestras de ADN halladas en la escena del crimen y se confirmó que el patrón genético hallado debajo de las uñas de la víctima es compatible con el de Paniagua.También se determinó que los tres cabellos encontrados en la habitación donde mataron a Wolfenson Band corresponden a la empleada doméstica detenida con prisión preventiva acusada de "robo calificado por el uso de arma utilizada de forma impropia en concurso real con homicidio criminis causae".Wolfenson Band fue estrangulado con un elemento fino en una de las habitaciones de la planta alta de su casa del lote 397 del barrio privado situado en Presidente Perón 1351, en la localidad de Derqui, en Pilar. Su cuerpo fue hallado poco después de las 16.20 del viernes 23 de febrero pasado. Cuando fue descubierto, el cadáver estaba "boca arriba, contra un rincón y con la cabeza debajo de un radiador". Presentaba golpes en la cara, más precisamente en una ceja, la frente y hasta un corte en un pómulo, un fuerte impacto en la nariz y un corte interior producto de otro golpe en la boca, con una lesión en la parte interna de una de las mejillas. El crimen habría ocurrido 24 horas antes.La última persona que vio con vida al ingeniero fue Paniagua. Una de las claves para imputarla y ordenar su captura fue la activación del teléfono celular de la víctima en la estación de Derqui, donde la sospechosa tomó el tren para ir a su casa de Williams Morris, en el partido de Hurligham."A las pruebas tecnológicas que permitieron la detención de Paniagua ahora se sumó una prueba irrefutable, que es el peritaje genético que confirmó la existencia de ADN de la sospechosa en la escena del crimen y debajo de las uñas de los dedos meñique y mayor de la mano derecha de la víctima", sostuvo una fuente judicial.Las pruebas del robo abundan en el expediente: Paniagua no solo se llevó el teléfono marca Motorola de la víctima, también se apropió de un parlante con conexión bluetooth, auriculares y una menorá, el candelabro de bronce de siete velas símbolo del judaísmo, que vendió el mismo día del crimen en un negocio de San Martín dedicado a la compra de metales.Según el expediente judicial, al que tuvo acceso LA NACION, la pareja de Paniagua, Miguel Ángel Villasboa, "en presencia de un testigo, dijo que el 22 de febrero pasado, a las 16, luego de buscar a Rosalía por la estación de trenes de Williams Morris y que ella le dijera que tenía un 'candelabro para vender' fueron en su auto hasta San Martín, donde en un negocio, después de pesar el metal, se lo compraron por 6000 pesos".Los detectives policiales lograron ubicar al empleado de la casa de compra de metales que atendió a Villasboa, que recordó la "operación" y, al ser exhibida una foto del memorá de la víctima, lo reconoció. Pero sostuvo que ya no lo tenían en el local porque una vez por semana se llevan todos "los metales". Además, en la casa de Paniagua, el 24 de marzo pasado, en el allanamiento donde fue detenida la sospechosa, se secuestró un parlante bluetooth marca Thonet & Vander rojo, que fue reconocido por Graciela Orlandi, la pareja de la víctima, como el que había sido sustraído de su casa. La sospecha negó ser la asesina y haber robado "el botín". Dijo que el autor del crimen era una persona de nombre Félix, que mantenía una relación con Wolfenson Band. Sostuvo que ese jueves 22 de febrero fue golpeada por el supuesto asesino y que perdió el conocimiento. Agregó además que cuando despertó estaba maniatada y con una cinta en la boca en la planta baja, entre el lavadero y la cocina. "Paniagua sostuvo que, por el golpe, sangró. Pero los peritos que trabajaron en la escena del crimen confirmaron que no se levantaron rastros de manchas hemáticas donde la sospechosa dijo haber estado maniatada", indicó una de las fuentes del caso. La empleada doméstica también afirmó que, cuando recuperó el conocimiento, el supuesto homicida le lavó la cara y le espetó: "Paraguaya de mierda. ¿Cuánto querés? Llevate el teléfono celular, el candelabro, el parlante y los auriculares". ¿Qué pasó con el teléfono celular del ingeniero? El aparato móvil marca Motorola de la víctima, clave para identificar a la sindicada asesina a partir del trabajo de análisis hecho por la Unidad Fiscal Especializada en Investigaciones de Ciberdelito (Ufeic) del Departamento Judicial de San Isidro, conducida por el fiscal Alejandro Musso, nunca apareció. En su declaración indagatoria, Paniagua sostuvo: "Antes de salir del barrio, saqué el teléfono del señor para prenderlo, no podía prenderlo, pensaba que me iban a revisar en la guardia, pero pasé, no me revisaron. Solo anotaron que me fui. Saqué el teléfono para prenderlo, pero no podía, tenía el patrón [la clave de seguridad]. Tenía miedo, no sabía si sacarle el chip o no". Según su relato, tras tomar el colectivo 228F y llegar a la estación de trenes Derqui, volvió a tomar contacto con el aparato. "Crucé la calle y paré a una chica y le pregunté si tenía algo para abrir el teléfono, sacar esto [el chip]", recordó. La secuencia quedó filmada por una cámara de seguridad. Los detectives policiales y judiciales consideraron que, en realidad, Paniagua intentó vender el celular. Pero como no pudieron ubicar a la testigo, la hipótesis nunca se pudo confirmar. Solo quedó la versión de la empleada doméstica. Una vez en el andén, cuando se sentó, dijo que quiso revisar el teléfono del "señor", pero no pudo. "Le saqué el chip, lo logré. Lo dejé en la estación", afirmó. Pero para los investigadores fue otra mentira. "Paniagua dijo haber arrojado el chip de la víctima en el andén, pero al observar las secuencias fílmicas no se advierte dicho accionar. Sumado a que el sábado 24 de febrero a la 1.20 se activó la línea telefónica del ingeniero asesinado", explicó el fiscal Camafreita Steffich en el dictamen donde solicitó la prisión preventiva En ese momento, el aparato móvil estaba en poder de la acusada, como ella mismo lo reconoció. Paniagua sostuvo que se descartó del teléfono el domingo 25 a la noche. Fue cuando miraba, junto con su pareja, las noticias por TV. Villasboa le señaló el celular y le preguntó si era el de su "patrón". Ella no respondió. Se levantó y lo rompió. Después lo tiró a la basura y sacó la bolsa de residuos a la calle, a la esquina de su casa, según su versión.

Fuente: La Nación
13/06/2024 12:00

Desnudos, una casa vacía y la escena más esperada de Bridgerton: el encuentro íntimo de Colin y Penélope

Como todo seguidor de series sabe a veces cuando por fin se consigue ver en pantalla lo que se estuvo esperando por varias temporadas, el resultado puede ser más una decepción que un triunfo. Desde que la ficción televisiva existe, la incógnita y el suspenso por lo que vendrá suelen ser narrativamente mucho más satisfactorio que la concreción de la fantasía anticipada. Y si hay una serie que elevó las expectativas de sus espectadores a alturas épicas es Bridgerton cuya tercera temporada se completará hoy con el estreno de sus cuatro últimos episodios. Después de años de esperar por el romance entre Colin Bridgerton y Penelope Featherington, los personajes que interpretan Luke Newton y Nicola Coghlan, los fanáticos de Polin, como ellos mismos los bautizaron, tuvieron su recompensa cuando vieron la comentada escena del carruaje en el cuarto capítulo de la primera parte de la temporada disponible en Netflix, desde el 16 de mayo.Las reacciones en las redes de los seguidores del dúo emocionados hasta las lágrimas con la confesión del soltero más codiciado del Londres de la Regencia y su encuentro amoroso y sensual con Penelope, quien lo ama en secreto desde la infancia, confirmaron el fervor que despiertan los personajes. Por eso, la anticipación sobre qué sucederá con el romance creció a niveles extraordinarios en las últimas semanas, con especial interés en el esperadísimo encuentro íntimo de la pareja. Fiel al estilo y tono que establecieron las dos primeras temporadas del programa adaptado de las novelas de Julia Quinn, los espectadores sabían al ver el cuarto capítulo y la secuencia en el carruaje que la consumación del enamoramiento estaba a la vuelta de la esquina.En su caso, el momento en cuestión ocurre en el quinto episodio de la temporada y la precede una de las escenas más significativas para el lazo entre los personajes: mientras el mundo celebra el compromiso entre ellos, la madre de Penelope, con una malicia que la actriz Polly Walker lleva perfeccionando desde el comienzo de la serie, cuestiona las intenciones de Colin y azuza las inseguridades de la joven respecto a los sentimientos que su amado tiene por ella. El posible malentendido se resuelve pronto cuando la pareja visita el que será su futuro hogar y la pasión, finalmente, se desata."A menudo me preguntan si las escenas de sexo son horribles de filmar y lo cierto es que desde que se utilizan coordinadores de intimidad en los sets ya no lo son. En este caso tuvimos todo el control de la situación. Hubo muchas charlas con la producción sobre el primer encuentro de la pareja y cómo sería. Cuán intensa queríamos que fuera", explicó Coughlan hace pocos días a la revista People. El resultado de esas conversaciones resultó en una secuencia que ella dice se siente anclada en la realidad de dos personas que no intentan ocultar sus nervios o cierta incomodidad. "No se convierten en amantes experimentados en el momento en que están solos, su intimidad se desarrolla de una manera hermosa y real y creo que eso es lo que lo hace más emocionante", contó la actriz que también lleva muchos meses bromeando con algunos de los detalles del detrás de cámara de la grabación de estas escenas en las que ambos protagonistas aparecen desnudos."Ese día de rodaje rompimos un mueble", recordaban entre risas los actores durante la promoción de la nueva temporada, una extensa gira mundial en la que también revelaron que se sintieron tan cómodos con la desnudez propia y la del otro, a la que habían acordado previamente, que ni siquiera pensaron en cubrirse entre una toma y otra. "Nos pasamos toda la tarde bajo la manta", decía Newton sobre aquella inolvidable jornada que produjo la escena más esperada de la serie que todos los espectadores tendrán disponible desde hoy en la plataforma. Todos menos Beatrice y Martin Coughlan, los padres de la actriz."La gente cree que estoy bromeando cuando digo esto, pero es la pura verdad: en mi contrato figura, expresamente, que la producción se comprometió a hacer una edición apta para todo público de esa escena para que mi familia pueda verla. Crecí en un hogar irlandés católico tradicional y no hay forma de que les muestre la secuencia del modo en que quedó en la serie", decía la intérprete entre risas para incentivar un poco más, aunque no haga falta, la imaginación del público.

Fuente: Página 12
13/06/2024 00:01

Las resonancias inconscientes en escena

Fuente: Infobae
11/06/2024 22:51

Hombre fue brutalmente torturado y asesinado en Soledad: delincuentes dejaron un letrero en la escena del crimen

De acuerdo con medios locales, el joven de 25 años no presentaba anotaciones judiciales y no tenía vínculos con estructuras criminales

Fuente: La Nación
11/06/2024 18:36

Cuántos autos mueve Toyota por día y cómo es el detrás de escena para exportarlos

Todos los días, desde la planta que Toyota tiene en Zárate parten cerca de 800 unidades de las Hilux, SW4 y Hiace, los tres vehículos que la automotriz japonesa produce en la Argentina. De lo producido en la terminal, el 80% se destina a la exportación, abasteciendo a 22 países de la región, y el porcentaje restante se comercializa fronteras adentro, por lo que debe llegar a todos los concesionarios oficiales de la Argentina.Cuánto cuestan las pick ups en junio 2024: de la más barata a la más caraA esos movimientos hay que sumarle los autos que la automotriz vende en el país, pero que se producen en el exterior. Así como los Corolla, Corolla Cross y Yaris se fabrican en Brasil, los camiones Hino y los modelos Lexus son de origen japonés. En conjunto con los de producción nacional, la automotriz mueve diariamente cerca de 1000 vehículos, en una tarea de logística poco conocida."Nos enfrentamos a muchos desafíos de manera constante", explica Julián Benedetti Basone, jefe de Logística de Vehículos de Toyota Argentina. El contexto internacional juega un papel fundamental en la entrega de unidades. Según comenta el responsable del área en un comunicado de prensa, en los últimos años se han enfrentado a congestiones portuarias, fronteras interrumpidas, una pandemia, guerras en Medio Oriente, el cierre del Canal de Suez y hasta demoras en la llegada de embarcaciones asiáticas."Tenemos que tener la capacidad de adaptarnos rápidamente a todo", señala. Y es que entregar autos a Aruba, Bahamas, Belize, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Curaçao, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Haití, Honduras, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, República Dominicana, St. Marteen, Uruguay y Venezuela no es tarea sencilla, más cuando hay que combinar transportes terrestres y marítimos.Para poner la tarea en números: el 50% de las exportaciones que salen desde Zárate se hacen por tierra, en camiones, y la otra mitad por vía marítima. La operatoria total, que incluye tareas de exportación e importación, implica el movimiento de 10 barcos y 300 camiones todos los días. Por otro lado, en el equipo de logística local trabajan 16 personas en el área administrativa y más de 60 en operaciones.De Zárate al interior y a América Latina: cómo mueve Toyota lo que fabrica en la ArgentinaLa planta productiva de Zárate está ubicada en el cruce de las rutas nacionales 9 y 12, dos accesos de crucial importancia para el movimiento de mercadería. La primera, que comienza siendo Autopista Panamericana, es una de las principales arterias del país y conecta Buenos Aires, Santa Fe, Córdoba, el norte argentino y Bolivia. La segunda, inicia en el puente Zárate-Brazo Largo y conecta a Buenos Aires con la Mesopotamia, Uruguay, Paraguay y Brasil.Además, la terminal se ubica a 9 kilómetros del Río Paraná, donde está el que supo ser el primer puerto privado de la Argentina y "el primero de América Latina diseñado exclusivamente para el movimiento de vehículos". Fue construido en 1996 y opera bajo el ala del Grupo Murchison, un socio de la automotriz. "La terminal es el nexo entre las operaciones de exportación e importación de Toyota", comenta Cristian Ratti, jefe de Operaciones de Buque de la Terminal Zárate.Pero además de la logística de traslado, el equipo de Toyota tiene una tarea regulatoria importante. Las oficinas regionales de América Latina se trasladaron a la Argentina recién en 2019 (hasta ese momento operaban desde Japón) y se creó la división de Toyota Sales and Service Division (TSSD) para Latinoamérica. Y ese equipo debe estudiar y analizar 22 mercados en términos de abastecimiento, regulatorios y demás."Desde el inicio de nuestras operaciones, llevamos más de 11 millones de vehículos operados. Tenemos bajo nuestra responsabilidad vehículos de calidad global, por lo cual nuestra operación también tiene que serlo", cierra Ratti.

Fuente: Infobae
10/06/2024 22:32

Margarita Reyes contó cuál fue el peor beso que tuvo que dar en una escena: "Se quitó la caja de dientes"

La actriz detalló cómo suelen ser los besos entre los actores y cuándo estas directrices se rompen

Fuente: Infobae
08/06/2024 19:07

Luke Newton, de "Bridgerton", reveló detalles de la escena de sexo que grabó con Nicola Coughlan

Esta secuencia estará incluida en los próximos episodios que se estrenarán el 13 de junio

Fuente: Infobae
06/06/2024 16:21

Zharick León habló de "explotación y abuso" en sus inicios en la televisión: "Un compañero actor se sobrepasó en una escena"

La actriz que le da vida a la nueva antagonista de la telenovela 'Yo soy Betty, la fea' recordó el duro camino que enfrentó para abrirse paso como actriz y la realidad que se vive detrás de las cámaras

Fuente: Infobae
06/06/2024 16:18

La reina Camila y Brigitte Macron protagonizan una incómoda escena por el gesto nada protocolario de la primera dama

Los reyes de Inglaterra se encuentran en Francia para conmemorar el 80º aniversario del desembarco de Normandía

Fuente: La Nación
06/06/2024 01:00

Roland Garros 2004: el detrás de escena de un suceso único que nadie podía entender en París

Hay que entender qué significa Roland Garros para dimensionar el gigante valor de un hito que hoy celebra su vigésimo aniversario. Hay que comprender el encanto de ese enclave situado en el sudoeste de París para el tenis argentino. Hay que sumergirse en las hazañas de Guillermo Vilas, dueño, hasta la aparición de Rafael Nadal, del récord de mayor partidos jugados y ganados en el Bois de Boulogne, para vislumbrar la génesis de este suceso inolvidable que culminó el 6 de junio de 2004, con la perenne consagración de Gastón Gaudio sobre Guillermo Coria en la que hasta hoy es la única final entre tenistas de nuestro país en un Grand Slam.Roland Garros es un certamen en el que un tenista argentino se siente como en casa. Será por ese estilo tomado a la perfección tanto en la arquitectura porteña como en la geografía de Palermo. Será por los tan familiares gajos de polvo de ladrillo. Será por esa seducción en la que el charme de sus pasillos, los sombreros panamá, la elegancia de la gente y hasta los distintivos artículos de merchandising lo diferencia del formalismo acartonado de Wimbledon, el bullicio descontrolado del US Open y el "take it easy" de Australia. Roland Garros es una meca a la que se quiere asistir y siempre se añora conquistar.Gaudio y Coria escribieron el epílogo de un torneo que fue cien por ciento argentino, aún más allá de esa definición electrizante en la que sobraron risas, llantos, rivalidades, tensiones y enconos. Porque nunca, hasta esa quincena, cuatro tenistas argentinos -David Nalbandian completó el terceto en el cuadro masculino y Paola Suárez, en el femenino- habían sido semifinalistas de una de las cuatro pruebas más importantes del circuito. Y porque en esos quince días de clima de Mundial -permítase la comparación más allá de las diferencias con el fútbol- el tenis argentino consiguió enmudecer, asombrar y escribir una leyenda sin igual.Ese Roland Garros cambió muchos destinos deportivos. El de Gaudio, un talentoso campeón inesperado, cuarto jugador en la historia del torneo en ganarlo sin estar preclasificado detrás de Marcel Bernard (1946), Mats Wilander (1982) y Gustavo Kuerten (1997); el de Coria, candidato de todos, tercero en el ranking mundial en ese entonces, con una sola derrota sobre polvo de ladrillo en doce meses y una marca, hasta ese día, de 19 victorias consecutivas ante compatriotas. El de Nalbandian, habitual protagonista en los grandes torneos, y el de Suárez, igualando en singles los hitos de Raquel Giscafré, Gabriela Sabatini y Clarisa Fernández y sumando allí un tercer título en dobles al honor de haber sido la primera jugadora de nuestro país en alcanzar el número uno en un ranking profesional.Y a las de ellos, otras actuaciones no menos importantes: Juan Ignacio Chela logró los cuartos de final y Gisela Dulko, en la primera semana, derrotó a dos leyendas: Martina Navratilova y Conchita Martínez. Hasta un juvenil llamado Juan Martín del Potro, con 15 años, disputó la prueba de juniors y fue sparring de Coria.Pero dejemos los números y las hazañas de lado para adentrarnos aún más en este Roland Garros único e irrepetible. La Legión, esa camada de jugadores integrada por unos quince jugadores nacidos entre 1977 y 1982, de formación disímil, algunos con apoyo oficial (Coria y Nalbandian) y el resto con esfuerzos familiares y de mecenas, se encontraba en el punto justo de maduración. La primera señal llegó en 2000, cuando Franco Squillari se transformó en el primero del lote argentino en alcanzar las semifinales en el Bois de Boulogne tras 18 años. Aspirar a volver a tener un campeón allí era solo una cuestión de tiempo.Durante ese lapso hasta la cita de 2004, los argentinos, entre lo más saliente, fueron serios rivales de la Armada Española, recuperaron la máxima categoría en la Copa Davis, se posicionaron en el ranking de la ATP, volvieron a participar en un Masters, lograron por primera vez completar las semifinales de un Masters 1000 (Hamburgo) con neta presencia argentina (Coria, Gaudio, Nalbandian y Agustín Calleri) y alcanzaron, también por primera vez, una final de Wimbledon (Nalbandian).Pero de igual modo tenían sus bemoles: rendimientos en la Copa Davis -un estigma recién superado en 2016, con otra generación- que no traducían la calidad y los resultados que se veían en el circuito, junto con otros escándalos, como la carta que, semanas antes de este cimbronazo, en Montecarlo, firmaron todos para pedirle a la AAT la renuncia de Gustavo Luza y la asunción de Alberto Mancini como capitán.En el medio, un grupo de trotamundos, habitualmente desordenado, que deambulaba por el mundo y se conocía a la perfección. Que alternaba la contratación de entrenadores entre sí, muchas veces por disputas económicas o por la dificultad de apostar a un trabajo de largo plazo cuando los resultados no eran los esperados.Coria arribó a París con 22 años. Nacido en Rufino y criado en Venado Tuerto, fue bautizado como Guillermo por la admiración que Oscar, su padre, un meticuloso y obsesivo profesor de tenis, tenía por Vilas. A la hora de jugar era inteligencia en estado puro. Velocidad y astucia eran la alquimia de una magia, reflejada en su apodo, que escondía el dolor oculto por una suspensión por doping y un segundo caso que lo tuvo en vilo durante un par de años y del que fue absuelto en el transcurso de 2003. A ello le adosaba una inestabilidad para mantener coaches: Luza, Mariano Monachesi, Franco Davin, Alberto Mancini y Fabián Blengino lo condujeron entre 1999 y 2004. Coria era partidario de una vida aislada, alejada del resto de los integrantes de la Legión.Gaudio, con 25 años, vecino de Temperley, simbolizaba al deportista de talento natural que sufría vaivenes anímicos por su obsesión por la perfección. Pudo haber sido rugbier, pero siguió los pasos de su hermano mayor y se inclinó por el tenis. Maravillaba con la elegancia y el estilo de su revés a una mano como sorprendía por el desandar por laberintos o lagunas propias de su carácter. Mejor relacionado con el resto de la Legión, afrontó, en su camino hacia el profesionalismo, los avatares de una economía familiar que cambió a partir de un problema de salud de su padre. Las ayudas de Vilas, para entrenarse en el Racket, y de Hernán Gumy, quien, en 1998, le dio una mano económicamente, le permitieron insertarse en el circuito. También tuvo varios entrenadores: Gabriel Mena, Horacio de la Peña, Jorge Gerosi, Javier Frana, Eduardo Infantino y Tony Pena. Había logrado cierta estabilidad en 2002, con la compañía de Martín Jaite, pero encontró la tranquilidad cuando Davin, después de finalizar su vínculo con Coria, empezó a manejarlo por sugerencia de Pena.Era un secreto a voces que la gran oportunidad para los legionarios estaba en ese Roland Garros. El campeón vigente, Juan Carlos Ferrero, hoy entrenador de Carlos Alcaraz, defensor del título y número uno del mundo, llegó a París sobre la hora, lesionado en sus costillas y después de haber sido invitado a la boda del príncipe Felipe de Borbón (hoy rey Felipe VI) y la por entonces colega Letizia Ortiz; los medios de su país, después de un dominio abrumador desde 1993, veían lejana una nueva conquista de la Armada: "Con tonada bonaerense", tituló su crónica de apertura el recordado Domingo Pérez, en el monárquico periódico ABC.Fue suficiente conocer el main draw para saber que los planetas estaban alineados con ascendente en el Río de la Plata. En el arranque, el choque entre Gaudio y Guillermo Cañas. El peor y el mejor partido para los dos. Se conocían desde chicos. Y ambos sabían que el ganador del duelo se pondría las prendas de candidato. Las tribunas abarrotadas de la cancha 6 fueron testigo de un partido que duró dos días (suspendido por falta de luz), con simpatizantes destacados e integrantes de la prensa argentina (más allá de la deportiva), como Bartolomé Mitre, ex director de LA NACION, Ricardo Kirschbaum, Eduardo van der Kooy, editores de Clarín, -los tres solían hacer una escala en Roland Garros antes de asistir al Congreso de la World Association of Newspapers- y Víctor Hugo Morales, asiduo concurrente en esos tiempos a los grandes torneos. El tenis se palpitaba desde bien temprano en el Bar de la Presse, del segundo piso de la sala de prensa, en un balcón orientado con vistas al pulmón verde de la Ciudad Luz y en el que el café con pain au chocolat era el mejor de París.Llegó el primer fin de semana. El vendaval argentino se llevó todo puesto. Las piezas avanzaban en los cuadros, mientras las miradas de la prensa europea y norteamericana estaban atónitas ante el resplandor de esta era dorada."Me alegra, son bravos en polvo de ladrillo, pero su presencia en las semifinales no creo que atraiga en los Estados Unidos", repetía el histórico periodista estadounidense Bud Collins. "Necesito que alguien me explique este suceso dentro de un país en el que ocurren otras cosas", comentaba el italiano Gianni Clerici. "Sobre un aire de tango", titulaba el diario L'Equipe. "Una invasión argentina en Paris", el Corriere della Sera, y "Tres argentinos hacen historia en París", expresaba The New York Times. El sector que ocupaba la prensa argentina en el court central empezó a abarrotarse de colegas que querían saber más de una Legión que había dejado al Bois de Boulogne sin Kuerten, Hewitt, Moya y Corretjaâ?¦ ¿Cuál era el secreto?Por otra parte, Vilas, el padre del tenis argentino, siempre acompañado por su mujer, Phiang Phathu, apelaba inteligentemente a la diplomacia: "No tengo un favorito: que gane el mejor. Todos estos chicos son amigos míos. Hagan historia con ellos, no quiero estar en el medio ahora", al tiempo que comenzaba a especularse si sería el encargado de entregarle la Copa de los Mosqueteros al ganador.Cuando Gaudio, de crecimiento ascendente, selló su pase a la final ante Nalbandian y Coria, tras perder el primer set en el torneo y recuperarse tras las zozobras en el segundo, venció al británico Tim Henman, el morbo, definitivamente, le empezó a ganar al tenis. Dos estilos de vida y dos maneras de ser ampliamente diferentes debían chocar por ser el segundo argentino en ser campeón de Grand Slam.Nueve meses antes, Gaudio había sufrido uno de los golpes más duros de su vida en Málaga, representando a la Argentina por la Copa Davis, en la semifinal ante España. "No tiene fortaleza mental", afirmó Enrique Morea, entonces presidente de la AAT, luego de su derrota ante Ferrero. No podía salir a caminar por Buenos Aires. Lo tildaban de fracasadoâ?¦ El cambio comenzó con una titánica tarea a cargo Pablo Pécora, el psicólogo con el que empezó a trabajar en diciembre de 2003.Enfrente tenía a Coria. Según Gaudio, junto con Nalbandian, un galáctico, en alusión al famoso equipo de Real Madrid ("Yo soy el Valencia", replicaba). Sin embargo, Coria era su gran adversario desde 2001, luego de dos partidos picantes, uno en Viña del Mar y otro en Buenos Aires, durante la gira sudamericana de la ATP. Una rivalidad que se potenció luego de una pelea de ambos en el vestuario tras la semifinal de Hamburgo 2003, en la que, según cuentan algunos, el mismísimo Boris Becker tuvo que intermediar para evitar que el escándalo llegara aún más lejos.Las 48 horas que separaron las semifinales del partido decisivo duraron una eternidad. Producciones fotográficas, infinitos pedidos de acreditaciones no concedidos, los llamados incesantes de las radios desde Buenos Aires (las salidas de Gaudio en el programa Cuál es de Rock&Pop, con Mario Pergolini, eran una cábala), sumados al incesante deambular de los famosos. Los rugbiers Agustín Pichot, Juan Martín Hernández e Ignacio Corleto, el modelo Iván de Pineda, el peluquero Roberto Giordano, la modelo Sofía Zámolo y el entonces embajador argentino en París, Juan Archibaldo Lanús, anfitrión del clásico agasajo con empanadas y vino en la residencia de la Avenue Foch.Un cable de alta tensión unía París con Buenos Aires. Producciones especiales en la Plaza de los Mosqueteros con los protagonistas a pedido de los enviados argentinos para una cobertura que se tradujo en cinco suplementos deportivos sucesivos desde la mitad de la segunda semana, a los que se agregaban las transmisiones en vivo, a toda hora, para las radios y la televisión y los permanentes despachos de las agencias de noticias. Y también, los pedidos de auxilio de los canales franceses para aportar testimonios en los estudios montados en el estadio Philippe-Chatrier. Las tapas del Quotidien, el clásico programa diario del torneo, dedicadas a los argentinos. Sin olvidar, las anécdotas del pionero Juan José Moro, el único periodista presente que había visto el triunfo de Vilas en 1977â?¦ Todavía no nos dominaban las redes sociales y el WhatsApp.Llegó la gran final. Un cielo celeste y blanco, propio de los Borbones, la casa de origen francés reinante en España y que le da el color a la bandera argentina, le puso el marco ideal a ese día soñado. Davin, un astuto estratega (años después repitió los éxitos con Del Potro) rompió el férreo esquema establecido antes del torneo para sorprender a Gaudio: uno de sus mejores amigos, Martín Cetra, tuvo el honor de sumarse al equipo que completaba el preparador físico Fernando Aguirre y el manager Olindo Giacobelli. Ni siquiera sus padres pudieron viajar a verlo. Por otra parte, Blengino, en el salón VIP hacía lo imposible para conseguir de urgencia lugares para los familiares de Coria que habían arribado sobre la hora desde Venado Tuerto.Y para la prensa argentina, otra novedad: la organización les brindó a los enviados de los principales medios del país de los finalistas una ubicación preferencial en la primera fila de la Tribuna A, en la exclusiva cabecera de la Avenue Porte d'Auteuil, contigua a los boxes que ocupaban los allegados. Esta vez, los alejados pupitres de la primera bandeja lateral, detrás de la silla del umpire, eran para los famosos cronistas del resto del mundo.Lo mejor de la cinematográfica finalRoland Garros 2004.En 24 minutos de duelo, Coria ganaba 6-0; 36 minutos después, se adueñaba del segundo set (6-3). ¿Se repetiría el score con el que Vilas le ganó a Brian Gottfried en 1977 (6-0 en el tercero)? El tercer capítulo fue más parejo y eso sacó del hastío a los espectadores franceses quienes, antes del inicio del octavo game (4-3 el marcador en favor de Coria), hicieron la ola en las tribunas durante dos minutos. Gaudio tiró la raqueta al piso y los aplaudió, al tiempo que Coria, si bien saludó, quedó sorprendido. El reloj anímico cambió el rumbo de las cosas. Gaudio, el que minutos antes gritaba que se quería ir, entró definitivamente en el partido.Las alarmas sonaron tras el segundo juego del cuarto set (1-1). Calambres en la pierna izquierda de Coria requirieron de asistencia médica. Su madre, Graciela, a puro instinto -nadie mejor que ella para saber qué ocurría-, se tomó la cabeza, en un gesto que fue mezcla de preocupación y consternación. Coria, casi arrastrándose, cedió el cuarto parcial. Todo empezaba otra vez.A corazón abierto, del silencio al bullicio, de la explosión al drama. El court central de Roland Garros era una caldera en la cual ambos se cedían los saques. Dos pesos pesados tirando manotazos. En el undécimo game, Coria tuvo dos match-points, que desperdició con sendos drives paralelos que se fueron anchos. La final se le escurría de las manos. La presa que estaba atrapada se lo terminaría devorando. En el momento más importante de su carrera, el que más había esperado, todo se diluía, al tiempo que Gaudio, tras 3h31m, con un revés cruzado, culminaba la mejor obra de su vida.Pero nada concluyó ahí. Siguió en la conferencia de prensa con transmisión en vivo y en directo. El llanto desconsolado de Coria, toda la furia contenida y las broncas acumuladas estallaron al responderle al periodista Manuel Poyán, de Eurosport. Dijo que durante el tercer set empezó a revivir los malos recuerdos y el encono por lo vivido en los procesos que derivaron en la sanción por doping. Faltaban años, aún, para ganarle el juicio al laboratorio que le entregó las pastillas contaminadas. La mente, en algunas situaciones, es indomable. Mucho más cuando el alma está astillada.Gaudio, el nuevo rey de París, recibió el trofeo de manos de Vilas y de John McEnroe, a quien le agradeció el consejo que le brindó en el vestuario antes de salir a jugar: "Relajate y disfutá, porque todo pasa muy rápido y puede ser la única oportunidad de jugar una final como esta". La vida de Gaudio se había transformado para siempre, al igual que la de Coria. París estaba a sus pies. El Arco del Triunfo para la foto eterna. Regresó a la Argentina con su equipo en el vuelo 416 de Air France, abrazado a la Copa. Parte de la prensa y los padres de Coria iban en el mismo avión. Buenos Aires lo esperaba para un desfile que duró meses. Tal vez como lo había soñado, pero como pocas veces creído. Gaudio ya era un mosquetero y Roland Garros su escudo nobiliario. Transcurrieron veinte años. No habrá nada igual para los argentinos en ese lugar que sienten como propio. Sí para el Abierto de Francia, por un fenómeno llamado Rafael Nadal. Pero eso forma parte de otra profusa historia.(*) Cubrió Roland Garros 2004 para LA NACION.

Fuente: La Nación
05/06/2024 13:00

Así fue el detrás de escena de la grabación de Lionel Messi y Will Smith para promocionar Bad Boys 4

Campeón del mundo, empresario y ahora también actor de Hollywood. La carrera de Lionel Messi dio un giro de 180 grados cuando desembarcó en Miami. Personas de todo el mundo viajan solo para verlo jugar con la camiseta de Inter Miami. Incluso en la tribuna del Chase Stadium ya se pudo advertir la presencia de Serena Williams, Kim Kardashian y LeBron James. Otro de los que fue a uno de sus partidos fue Will Smith y aparentemente tuvieron tal buena onda que el futbolista aceptó participar de un spot para promocionar la próxima película del actor, Bad Boys 4. Luego de que el video promocional revolucionara las redes sociales, ahora compartieron imágenes del detrás de escena de la grabación y los fans ya piden "un Oscar para Leo" y no precisamente para DiCaprio.Leo Messi con Will SmithHace un par de semanas las redes sociales se hicieron eco de un video que sorprendió a más de uno. En las imágenes se pudo ver a Will Smith y Martin Lawrence en un patio pensando en cómo patear la pelota de fútbol. Pero, inesperadamente, en la escena irrumpió el mismísimo Lionel Messi, quien les ganó de mano y le pegó a la pelota. "Pateando con los chicos", escribió el protagonista de Hombres de negro en el posteo. Si bien a algunos les pareció extraña esta reunión, muchos lo vieron como un guiño a Bad Boys 4, la película que los actores estrenarán próximamente.Y efectivamente a Leo Messi lo convocaron para promocionar el lanzamiento. Esto quedó demostrado a partir de un video promocional de la película en el que apareció el futbolista y, para sorpresa de todos, dijo unas palabras en inglés: "¿Bad Boys?". Esto fue suficiente para que los fanáticos estallaran de emoción.Pero ahora, en redes sociales se compartieron imágenes del detrás de escena de la "clase de futbol" que el último ganador del Balón de Oro le dio a los actores. La secuencia se grabó en el jardín de una casa y había varias personas observando y también grabando. En el video se pudo ver a Smith y Lawrence en posición, mientras una mujer del equipo le daba instrucciones a Leo sobre cómo debía pararse.Tras el "3,2,1â?³, los actores arrancaron con la escena y luego apareció Messi para dar su estocada final. Tras patear la pelota y finalizar la escena, todos se echaron a reír. Las imágenes causaron sensación y los fanáticos ya pidieron por un galardón para el futbolista. "Leo merece un Oscar a mejor actor" y "Oscar para Messi", fueron algunos de los comentarios que aparecieron en X.Así se grabó una escena de acción de Bad Boys 4Por otro lado, en la previa del estreno internacional de la cinta dirigida por Adil El Arbi y Bilall Fallah también compartieron otro video del backstage que sorprendió a más de uno. Se trató de un fragmento en el que se pudo ver como Will Smith grababa una escena de acción donde utilizaba un arma. El actor tenía la cámara aferrada al cuerpo e iba rotándola para captar los diferentes momentos. "Esta es una de las imágenes más increíbles de detrás de escena que vi en mucho tiempo"; "Me encantó esta técnica"; "Me sentí como si estuviera en el set", comentaron los fans en la publicación que hizo la cuenta de Instagram de la película.Bad Boys: hasta la muerte es la cuarta entrega de la franquicia que se estrenó en 1995. Esta nueva parte contará nuevamente con los roles protagónicos de Will Smith y Martin Lawrence y además también estarán Vanessa Hudgens, Paola Núñez y Alexander Ludwig. En cuanto al estreno del film, Bad Boys 4 llega a los cines de la Argentina el jueves 6 de junio.

Fuente: Clarín
05/06/2024 11:00

El detrás de escena de Messi con Will Smith y Martin Lawrence en la promo de Bad Boys

El astro argentino empieza a amigarse cada vez más con las cámaras y saca a relucir su faceta de actor.Junto a Jimmy Butler, fue parte del último tráiler promocional de la pelicula Bas Boys 4.Además, grabó un video extra donde se lo ve a él solo junto a los actores protagonistas de la saga.

Fuente: La Nación
04/06/2024 13:00

El actor que hizo de Fredy en Yo soy Betty, la fea reveló cuál fue la escena que más lo hizo sufrir

Julio César Herrera es recordado por interpretar a Fredy Stewart Contreras, en una de las producciones más exitosas que ha tenido el país, como lo fue Yo soy Betty, la fea. Con su caminado como Cantinflas, comentarios graciosos y gestos divertidos, este personaje se ganó el cariño de de todos los televidentes que siguieron de cerca la afamada telenovela.Para Julio César, quien le dio vida a esta figura, para él fue todo un reto asumir este papel, ya que, era el primer personaje de reparto importante que hacía en su carrera y nunca se imaginó que la novela tendría todo el impacto que tuvo y sigue teniendo, ya que gracias a esta, el actor se ganó el corazón de muchas personas en Colombia y en el mundo.A unos días que comience la continuación de Yo soy Betty, la fea, la historia continúa, algunos actores hablaron acerca de algunas escenas que marcaron su trayectoria y su vida en general, ya que muchos iniciaban en el mundo de la actuación y contaban con muy poco experiencia, por eso las recuerdan con mucho cariño.Así fue el caso Julio César Herrera que en una conversación que tuvo con la actriz Natalia Ramirez en su canal de YouTube (hay que recordar que ella interpretó a Marcela en la telenovela), él no dudó en recordar cuál fue la escena más complicada que le tocó realizar y todo por culpa de los nervios.El actor santandereano, no dudo en afirmar que la toma más difícil durante la grabación fue cuando Fredy acompañó a Beatriz a llevar unos documentos al club en el que se encontraba Don Armando, practicando sus habilidades para la equitación."La escena que no me gustó, no por mala, lo que pasa es que sufrí mucho. Fue en exteriores. La hicimos en agosto de 1999. Era esa escena en la que Freddy tenía que llevar a Betty a llevar unos papeles a Don Armando", afirmó Herrera.Para Julio César, el hecho de manejar una motocicleta y llevar a su colega Ana María Orozco, quien hacía de Betty y los importantes documentos, le representaron un momento de estrés, teniendo en cuenta que no quería quedar mal en este importante papel que le habían dado."La primera vez se me cayó la moto, la segunda vez los papeles, era un desastre, estaba sudando horrible. Era la primera escena que hacía en un papel importante que me daban (...) era un papel que me había ganado", agregó en el diálogo con su colega.La conversación no terminó allí, ya que también recordó que por culpa de esta escena, fue objeto de críticas por parte de uno de los técnicos de la producción, quien le llegó a decir: "No sé para qué contratan jóvenes que no tienen experiencia para trabajar en televisión". "La escena salió muy bien, pero para mí no es un recuerdo tan grato", finalizó. Por Wendys Loraine Pitre Ariza

Fuente: Infobae
02/06/2024 08:07

Sterling K. Brown relató cómo fue rodar una escena de tortura sin efectos para la película "Atlas"

El actor asombró al equipo de producción y al elenco. "¡Eso fue real, todo!", afirmó Jennifer Lopez, la protagonista del filme de Netflix

Fuente: La Nación
02/06/2024 01:18

Maria Schneider y El último tango en París: la escena humillante que no estaba en el guion, el vínculo con Brando y la censura

Jessica Palud tenía apenas 19 años cuando consiguió el trabajo como asistente de dirección en Los soñadores, la película de Bernardo Bertolucci. Pero su mente no podía dejar de pensar en otra película del premiado cineasta italiano: El último tango en París. La joven asistente de dirección no podía sacarse de la cabeza algo que no la dejaba dormir: la historia de abuso que había sufrido Maria Schneider en el set de la película con Marlon Brando."Fue una de las primeras mujeres en hablar sobre los problemas en el rodaje, pero nadie la escuchó", dice la cineasta, que estrenó en Cannes una película que retrata la humillación que sufrió la actriz y la marcó de por vida, con una escena en la que su personaje es víctima de una violación anal."Cuando me contaron que esa escena no estaba en el guion, estallé furiosa. Tiré todo. Nadie puede forzar a otra persona para hacer algo que no está escrito, pero yo no lo sabía, era muy joven. Me lo dijeron minutos antes de filmarlo. Marlon (Brando) me dijo que no me preocupara, que solo era una película, pero aunque lo que hizo no fue real, yo estaba llorando, me sentía humillada, me sentía violada por él y por Bertolucci. Ninguno de los dos me consoló o pidió disculpas", relató Schneider en 2007.Marlon Brando usó manteca como lubricante, sin avisarle a su compañera. El director de El último emperador, Bertolucci, reconoció que la idea de la manteca como lubricante se les ocurrió a los dos mientras desayunaban: "Vimos una baguette con un poco de manteca. Con Marlon nos miramos y, sin decir nada, nos dimos cuenta de lo que íbamos a hacer. Fue horrible lo que hice, porque no le avisé nada a Maria. No quería que actuara, quería que sintiera la furia y la humillación".Cuando la confesión de Bertolucci se hizo viral, el cineasta se desdijo explicando que fue un "malentendido ridículo": "Es falso que no le informamos a Maria de antemano". "Es un gordo sudoroso y manipulador", respondió la actriz.Son los testimonios de ella los que recorren la película que Palud estrenó en el festival de Cannes. "No quise hacer una historia que narrara toda la vida de Maria, solo quise enfocarme en el antes y después de El último tango en París. Mostrar las consecuencias de esa escena. Es una película construida con elipsis, donde experimentamos los momentos más intensos de su vida".La elegida para encarnar a Maria Schneider fue Anamaria Vartolomei. "Mi objetivo era mantenerme fiel a la historia que quería contar. Para eso, tenemos que creer en la actriz que interpreta a Maria".El último tango en París fue un éxito cuando se estrenó, aunque estuvo rodeada por las controversias. En Italia fue censurada por obscena. "Me hizo enloquecer", reveló Schneider sobre la recepción que tuvo la película. "No me gustan la insinuación y las imágenes sucias que la gente empezó a tener sobre mí".Maria, la película, "es una fábula sobre la inocencia y la falta de poder de una joven con talento que es abusada en nombre del arte", remarcó la crítica de Variety sobre Maria. "También es un retrato de las consecuencias agonizantes de ese maltrato". En la vida real, la actriz francesa se hizo adicta a las drogas e intentó suicidarse en varias ocasiones.Schneider, una vida de dolor y adiccionesEl año en el que se estrenó El pasajero, la película de Michaelangelo Antonioni que coprotagonizó junto a Jack Nicholson, Schneider se internó de manera voluntaria en un hospital psiquiátrico de Roma. Ese año, cuando tenía que promocionar su nueva película, Maria Schneider le dio una entrevista al mítico crítico de cine Roger Ebert, en donde habló sobre El último tango en París.Consultada por el éxito de la polémica película que había encandilado a la crítica, respondió: "Se debe a Brando, es un actor maravilloso con el que pude trabajar cuando todavía estaba empezando mi carrera. Los actores siempre quieren tener ventaja en todas las escenas para salir favorecidos, pero él me dio a mí la ventaja y el material con el que trabajar. Era maravilloso cuando improvisábamos".Sobre Bertolucci, en esa misma entrevista, dijo: "Es un gran director. Pero Marlon era el que traía sandwiches y vino para el equipo y se preocupaba de todo; no Bertolucci, el director que se jactaba de ser miembro del Partido Comunista de Italia. Trabajábamos como perros todo el día, más horas de las que correspondía. Dos personas terminaron con úlceras estomacales". En la película de Palud, Matt Dillon interpreta al actor de Nido de ratas, y Giuseppe Maggio le da vida a Bertolucci.Cuando la fama llegó para la joven, empezó a presentarse como una sex symbol promiscua. "Decía cosas escandalosas pensando que era divertido. Que salía con hombres, con mujeresâ?¦ Lo tomé como un chiste. Pero ya no creo que sea gracioso". Schneider se enamoró de Joan Townsend, la fotógrafa por la que se internó en un hospital psiquiátrico. "Tenía que hacerle compañía".Las críticas feministas, divididas por El último tango en ParísPara la crítica de cine Pauline Kael, El último tango en París es "una película sobre la cual se seguirá debatiendo mientras exista el cine. Es un avance cinematográfico con una energía hipnótica, erótica y primitiva, comparable con lo que hizo La consagración de la primavera para la música. Altera el rostro de una forma del arte". Kael no fue la única que celebró El último tango en París. Cineastas como Robert Altman y Martin Scorsese elogiaron la película: "Ver el trabajo de Marlon Brando en esa película es como ver la más pura poesía imaginable".Aunque a Maria Schneider se la muestra desnuda en El último Tango en París, no ocurre lo mismo con Brando. "Mostrarlo a él desnudo hubiera sido como mostrarme a mí desnudo", dijo Bertolucci. La representación del cuerpo femenino fue objeto de controversia para las críticas de cine feministas, cuyas opiniones estuvieron divididas por la película. La Organización Nacional de Mujeres de Nueva York denunció que era una herramienta que promovía la dominación masculina. Algunas críticas señalaron que el relato está narrado desde el punto de vista del hombre, Paul.Schneider no fue la única que se sintió violada filmando El último tango en París. "Marlon también. El tenía 48 años ¡y era Marlon Brando!". Terminado el rodaje, Brando no le dirigió la palabra al director durante más de 15 años". Brando y Schneider mantuvieron la amistad hasta sus últimos días, pero la actriz nunca perdonó al director. "Siento culpa, pero no me arrepiento", confesó Bertolucci luego de la muerte de Schneider, en 2011â?³.A pesar de todas las controversias, El último tango en París recibió 2 nominaciones al Oscar: una para el director, Bertolucci, y otra para Brando. Maria Schneider quedó desplazada de los premios y reconocimientos. Su historia resurgió en 2007 y volvió a ser el foco de atención una década más tarde cuando el movimiento Me Too empezó a destapar la institucionalización de los abusos en la industria del cine.Cuando Maria Schneider filmó El último tango en París tenía la misma edad que Palud cuando trabajó en Los soñadores: 19 años. Esta es la primera vez que el cine representa la historia de Maria, más que un sueño, una pesadilla.

Fuente: Infobae
01/06/2024 11:08

Se revelaron imágenes de los momentos en el que el feminicida de Natalia Vásquez intentó huir de la escena del crimen

La mujer fue víctima de feminicidio por parte de su excompañero quien la agredió en la vía pública, un día después del asesinato de Stefany Barranco Oquendo, quien fue apuñalada por su pareja en un centro comercial de Bogotá

Fuente: Perfil
01/06/2024 02:36

Un clásico de la comedia a escena

La pieza basada en el film protagonizado por Jack Black llega al Teatro Gran Rex, con Agustín "Soy Rada" Aristarán en el rol principal. La obra se estrena el 20 de junio y viene de ser un suceso en todo el mundo. Leer más

Fuente: Infobae
31/05/2024 00:27

Julio César Herrera reveló la odisea que vivió en grabación de escena de 'Yo soy Betty la Fea': "Sufrí mucho"

El santandereano recordó que su papel de 'Freddy' en la exitosa novela fue el más "importante" que le asignaron en sus inicios como actor

Fuente: Infobae
29/05/2024 16:12

Jorge Enrique Abello habló de la escena de 'Yo soy Betty, la fea' que pidió censurar: "Me arrepiento"

El actor que le da vida a 'Don Armando' en la icónica serie reveló cuál es el momento de la producción que ahora le produce incomodidad. "No lo hicimos por 'machistas', pensamos como comediantes"

Fuente: Ámbito
29/05/2024 13:36

Monk: "Imagino la música como la escena de una película"

El notable saxofonista y compositor presenta su octavo álbum, "Cosmofónico", con composiciones propias entre el jazz y el tango, el miércoles 12 de junio en BeBop.

Fuente: Clarín
29/05/2024 12:36

Increíble escena en Yellowstone: un bisonte descansa junto a un géiser en erupción

Visitantes del Parque Yellowstone pudieron filmar una situación que pocas veces se ve en el lugar.Los bisontes son animales tranquilos pero se vuelven peligrosos si se sienten amenazados por el hombre.

Fuente: Perfil
27/05/2024 18:00

Desaparecer o desdibujarse de la escena: la disyuntiva política que atraviesa el PRO

Ante la falta de recambio a la hora de cambiar ministros que tiene la Libertad Avanza, el PRO suele ser un gran apuntado para encontrar aliados. Leer más

Fuente: La Nación
25/05/2024 10:00

Una escena mitológica, un pedido oficial y tres desnudos: la historia de una escultora elogiada y censurada

Un encargo oficial, una escena mitológica y tres desnudos fueron suficientes para que la carrera completa de la escultora Lola Mora (1867-1936) fuera puesta en tela de juicio. A pesar de su extensa trayectoria, que incluía trabajos en nuestro país y en Europa, la artista fue atacada de forma despiadada por los sectores más conservadores de la sociedad argentina de principios del siglo XX.¿El motivo? Dolores Candelaria Mora Vega, conocida posteriormente como Lola Mora, realizó junto a sus colaboradores una obra que fue tildada de "indecorosa". Se trata de la Fuente Monumental Las Nereidas, cuyo emplazamiento original era la Plaza de Mayo, frente a la Catedral Metropolitana de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.El arquitecto que reproduce edificios históricos, desde el Kavanagh hasta al Congreso, con minúsculo realismoEste conjunto escultórico realizado en mármol de Carrara representa el nacimiento de la diosa Venus, que es asistida y sostenida por dos criaturas mitológicas, las Nereidas, quienes dan nombre a la obra. "Estas ninfas del océano, hijas del dios del mar, Nereo, representan en la mitología griega, además de belleza y seducción, cierta compasión por los navegantes y la humanidad. Completan la fuente tres tritones montados en sus caballos, que emergen del agua", detallan desde el Ministerio de Cultura de la Nación.Nacida en la provincia de Tucumán en 1867, Lola Mora era una mujer que siempre se atrevía a dar un paso más y sabía aprovechar las oportunidades que se le presentaban. Comenzó a tomar clases de pintura y dibujo en su provincia, en 1887, con el artista italiano Santiago Falcucci. Su formación, sumada a su habilidad y desenfado a la hora de presentarse, le abrió una posibilidad poco común para las mujeres artistas de su época: fue contratada para retratar a distintas personalidades de la aristocracia tucumana.Gracias a esos contactos, Lola Mora comenzó a hacerse un nombre más allá de las fronteras de la provincia y a recibir un sinnúmero de encargos. En 1894 realizó su primera muestra, en la que exhibió varios de los retratos que había pintado hasta el momento. Aprovechando la atención que había recibido por parte del público y la prensa, solicitó una beca para continuar sus estudios en Roma, cuna del arte clásico.Poco después, cuando la beca le fue otorgada, emprendió viaje al Viejo Continente. Logró que el pintor Francesco Paolo Michetti, quien no aceptaba mujeres en su taller, la tomara como discípula y, gracias a él, conoció al escultor Giulio Monteverde, su gran maestro. El artista era considerado en su momento como "el nuevo Miguel Ángel", y fue él quien la convenció de que tenía grandes aptitudes para dedicarse a la escultura. En ese taller, Lola Mora cambió para siempre el pincel por el cincel y el martillo.Mientras su talento y la carrera crecían, también aumentaban, a pasos agigantados, los rumores y prejuicios sobre su vida personal. La artista fue criticada por la ropa que usaba para trabajar (bombacha de campo y camisa) y por ser aceptada en mesas en las que solo se podían sentar hombres. Sus decisiones amorosas eran parte de las habladurías, por ejemplo, la de casarse con Luis Hernández Otero, un hombre 17 años menor que ella. Además, las malas lenguas aseguraban que la escultora habría sido amante del ex presidente Julio Argentino Roca, su principal benefactor.Los estudios de Lola Mora sobre arte antiguo y neoclásico la llevaron a profundizar en la anatomía del cuerpo humano, conocimientos que acabó por plasmar en la fuente de las Nereidas. "En un principio, la fuente tenía como destino la Plaza de Mayo. El emplazamiento propuesto suscitó un acalorado debate, especialmente por la sensualidad de los desnudos que, por aquel entonces, era motivo de discusión moral. Descartada la ubicación en la plaza porteña, se propusieron el Parque Patricios y el Parque Colón. Este segundo lugar finalmente resultó elegido", explica el investigador Nicolás Gutiérrez en Legado, la revista del Archivo General de la Nación.Las crónicas de la época destacan la poca presencia femenina en la fiesta inaugural de la obra, que se realizó el 21 de mayo de 1903, y el ojo crítico con el que muchos miraban los desnudos de las estatuas. El malestar por la presencia de estas figuras fue en aumento y, según señala Gutiérrez: "Los sectores más tradicionales de la sociedad comenzaron a protestar por la sensualidad de los desnudos de la fuente. Las despedidas de soltero solían finalizar con un chapuzón entre tritones y caballos encabritados y las madres preferían que sus hijos miraran hacia otro lado al pasar por el lugar"."Por tales motivos -agrega-, quince años después de la inauguración, la Municipalidad de Buenos Aires decretó su traslado. Esto condenaría al ostracismo a la majestuosa creación de la tucumana". Actualmente, la fuente está ubicada en Costanera Sur (Av. Dr. Tristán Achával Rodríguez 1401) y, desde 1997, es considerada Bien de Interés Histórico Artístico Nacional.Al enterarse del cambio de locación de su obra, Lola Mora escribió una carta pública en la que expresó su decepción por lo sucedido: "No pretendo descender al terreno de la polémica. Tampoco intento entrar en discusión con ese enemigo invisible y poderoso que es la maledicencia, pero lamento profundamente el espíritu de cierta gente, que la impureza y el sensualismo hayan primado sobre el placer estético de contemplar un desnudo humano, la más maravillosa arquitectura que haya podido crear Dios".Continuando con su descargo, la artista añadió: "Cada uno ve en una obra de arte lo que de antemano está en su espíritu. El ángel o el demonio están siempre combatiendo en la mirada del hombre. Yo no he cruzado el océano con el objeto de ofender el pudor de mi pueblo. Lamento profundamente lo que está ocurriendo, pero no advierto en estas expresiones de repudio llamémoslo de alguna manera la voz pura y noble de este pueblo y esa es la que me interesaría oír. De él espero el postrer fallo".Mientras la escultora libraba esta batalla, también comenzó a ser criticada por un grupo de mujeres anarquistas. Ellas no hacían referencia a los desnudos de la fuente, sino que cuestionaban el vínculo que Lola Mora había entablado con ciertos políticos a los que ellas consideraban "conservadores", como Bartolomé Mitre y Julio Argentino Roca, y con ciertos personajes de la realeza italiana, como Elena de Montenegro y Margarita de Saboya.A través de un comunicado en el diario La Protesta, ellas habían escrito de forma lapidaria: "Para nosotras, Lola Mora ha muerto. Para los que vieron en ella, cuando desafió con su magnífica fuente, hipócritas rubores de la burguesía bonaerense, una rebelada contra los convencionalismos, Lola Mora también ha muerto".Desilusionadas con la escultora, estas mujeres añadieron: "No podemos llorarla, la náusea hace esconder las lágrimas. Es una seducida. El destello de las monedas la arrastrará a un falso culto. (â?¦) Y ha muerto porque ha querido hacer vida de opulencias, de falsos brillos (â?¦) ¡Lola Mora ha muerto! Pobre artista".Si bien las críticas fueron moneda corriente en la vida de la escultora, ella también mantuvo lazos de amistad con algunas mujeres que no dudaron en ayudarla en algunos de sus momentos más difíciles. Una de ellas fue la educadora Catalina Jiménez de Ayala, quien se ofreció a prestarle dinero para que pudiera acabar la escultura de Juan Bautista Alberdi, otra de sus obras más importantes.En 1900, el gobernador de Tucumán Próspero Mena designó una comisión que se encargaría de contactar a la artista, que en ese momento se encontraba en Roma, para invitarla a realizar esta obra. Lola Mora aceptó el encargo y en 1904, cuando ya llevaba cuatro años de trabajo, los pagos por parte de la gobernación comenzaron a espaciarse y luego a retacear. Molesta y preocupada con lo que sucedía, decidió contactarse con el diario El Orden, donde publicaron algunos artículos en los que describían lo que pasaba y destacaban el prestigio que la artista había obtenido durante sus últimos años en Europa.Con ánimos de ayudar a destrabar esta injusta situación hizo su aparición Jiménez de Ayala que, además de ser amiga de la escultora, fue una pieza clave de la escena cultural tucumana de la época. A través de una carta difundida también en el diario El Orden, ofreció prestarle dinero de su propio bolsillo a la artista para que terminara la obra. Sin rodeos, la educadora propuso de forma pública: "Querida Lola Mora, me dicen que te encuentras con dificultades para que te paguen el importe de las obras de arte que dejas terminadas en esta ciudad"."De mis pequeños ahorros tengo el gusto de ofrecerte la suma de un mil pesos, que están a tu disposición hasta que puedas conseguir el pago de tu trabajo o hasta que tú quieras. Con cariño, te saluda tu amiga Catalina Jiménez de Ayala". Dicha carta hizo que otros diarios de la época, como El Diario de Buenos Aires y La Provincia, también salieran a denunciar la situación.¿Quién fue esta mujer que tuvo la audacia de desafiar al gobierno de turno? Jiménez de Ayala era directora de la Escuela Normal de Maestras de Tucumán, un cargo que ocupó durante más de treinta años. También se destacó por ser la profesora más joven del establecimiento al frente de la clase de Pedagogía e Instrucción Moral y Cívica desde su creación, en 1888. Con las ideas claras, la educadora se convirtió en la única representante de su provincia en participar del Primer Congreso Femenino Internacional de la República Argentina, organizado por la Asociación de Universitarias Argentinas en mayo de 1910, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.A pesar de las buenas intenciones de su amiga y, tal vez con miedo a sufrir algún tipo de represalia, Lola Mora decidió escribir otra carta pública en la que aclaró que su relación con el gobierno tucumano se encontraba en buenos términos. De todas maneras, convencida del valor artístico y de mercado de sus obras, la escultora aprovechó para defender el cachet que esperaba cobrar y aclaró que se trataba de un precio justo."No podría nadie concebir, por ignorante que fuere, que un monumento como el del Sr. Alberdi pueda costar sólo 30 mil pesos. Si no se considera el desprendimiento personal y artístico del autor, cuando tenemos ejemplos tan cerca, como ser la pequeña estatua de la tumba del Sr. Ignacio Colombres, hecha por un artista argentino también y que apenas empezaba, sin ser conocido, que costó 12 mil pesos (â?¦) El monumento del Sr. Hileret cuesta 48 mil pesos, los calcos de bronce de la estatua de San Martín sin ningún mérito artístico ni técnico cuestan a la provincia de Santa Fe 42 mil pesos sin contar los fabulosos precios que han pagado en Buenos Aires por las estatuas de Sarmiento, Belgrano, etc. etc. (â?¦) No me quejo del gobierno ni de nadie porque conozco mi situación. Tengo la más alta satisfacción de haber contribuido a los progresos de mi país como he podido. Es decir, con el trabajo de dos años y medio (en la escultura de Alberdi)".La vida de Lola Mora fue diferente a la del promedio de las mujeres de su época. El día en que murió, el 7 de junio de 1936, la prensa se inundó de mensajes para despedirla. Uno de ellos rezaba: "El decidirse por el arte ya había significado una proeza (â?¦) Mujer y escultora parecían términos excluyentes. (Finalmente), los prejuicios cedieron, sobrepujados por la evidencia de su obra".Arriesgada, libre, valiente y creativa, la escultora logró hacerse su lugar en una disciplina dominada mayormente por hombres y se convirtió en una de las artistas más renombradas del país. De hecho, cada 17 de noviembre se celebra en la Argentina el Día del Escultor y las Artes Plásticas en conmemoración de su nacimiento.

Fuente: Ámbito
23/05/2024 10:36

Faltó a trabajar, su jefe lo fue a buscar y se encontró con una extraña escena

El trágico episodio ocurrió en Córdoba y el joven tenía 24 años. Cuál es la principal hipótesis que maneja la Policía.

Fuente: Infobae
22/05/2024 13:21

Pitbull reaccionó al furor de su canción en una escena de sexo de "Bridgerton"

Trece años después de su lanzamiento original, la canción "Give Me Everything" ha resurgido en las redes sociales tras aparecer en la tercera temporada de la serie

Fuente: Clarín
21/05/2024 18:18

El Ensamble Arthaus lleva a escena una obra compuesta bajo los efectos del LSD

Se trata de Professor Bad Trip, la creación más conocida y difícil del compositor italiano Fausto Romitelli (1963-2004).

Fuente: La Nación
18/05/2024 18:18

El origen: las griegas, cuatro primeras damas de la escena que despliegan su encanto con textos clásicos

Dramaturgia: Valeria Groisman. Dirección: Belén Pasqualini. Intérpretes: Vicky Buchino, Edda Bustamante, María Rosa Fugazot y Graciela Pal. Dirección musical: Fernando Albinarrate. Sala: Argentina, CCK (Sarmiento 151). Funciones: miércoles 22 y 29, a las 20 hs. Duración: 60 minutos. Nuestra opinión: buena.Cuatro grandes actrices-cantantes-vedettes consagradas le prestan sus voces y sus cuerpos a algunas de las heroínas de la tragedia griega. Edda Bustamante, es Medea; Vicky Buchino dice textos de Lisístrata; María Rosa Fugazot hace de Antígona y Graciela Pal, de Helena, la que fue secuestrada y desató la Guerra de Troya.Junto con ellas, Fernando Albinarrate en piano, acompaña, le pone música incidental a los comentarios, recitados y cantos de estas "Primeras damas" de la escena que se mueven, lógico, con la experiencia de años acumulados, por el escenario, como si estuvieran en un living de cualquier casa, reunidas alrededor de una mesa, ensayando los textos de una nueva pieza teatral. Ese es el muy acertado formato que la directora Belén Pasqualini les propuso a estas muy queridas intérpretes, que despiertan en el público algunas sonrisas con lo que dicen y hacen en escena y que pueden llegar a discutir por el papel que les tocó en suerte, o porque no están de acuerdo con lo qué de ellas, las mujeres, dicen estos textos, firmados por Eurípides, Aristófanes y Sófocles en el 411 A.C.La propuesta de Valeria Groisman, la dramaturga, de una muy sólida trama y entrelazada con conocimiento del Universo griego, tiene la virtud de señalar y destacar que, ya en aquellos años, estas heroínas, a las que todos estos autores mencionados le pusieron voz, demostraban que ayer como hoy el mundo vive continuas etapas cíclicas, que se repiten. La que acá se destaca es la Guerra y de ella se habla, pero también en sus variaciones; uno y otro texto hacen referencia al feminismo, al papel que siempre asumieron las mujeres -y es bueno destacarlo- las que a través de los años y las más diversas ocasiones fueron quienes provocaron un cambio de timón o grandes cambios respecto de las arrebatadas leyes o dictámenes propuestos por los caballeros. Así, el público escucha con gran avidez y atención que Lisístrata fue la que levantó las banderas de reunir a las griegas y proponerles prescindir del sexo para que los caballeros desistieran de abandonar sus hogares y tomar las armas. Como es de suponer muchas no estaban de acuerdo, pero la mayoría se impuso. O cuando en el espectáculo se destaca que antes de los mencionados autores del 411 A.C., una poeta, Safo, ya se había referido en sus escritos al sexo fluido, la homosexualidad y el feminismo.La humanidad tiene una débil memoria, o los cambios generacionales provocan que cada uno quiera hacer su experiencia, o acaso los intereses comerciales, económicos y de otras índoles de unos y otros hacen que los países se enfrenten por sus tierras. Esto y muchísimo más es comentado, destacado, recitado, por este equipo inmerso en una dinámica escénica en la que caben las proyecciones, que, por ejemplo, le recuerdan a Edda Bustamante, cuando en el 86 protagonizó el film de Emilio Vieyra Correccional de mujeres, en la que hacía de una mujer que mató a su marido. Edda, apelando a un toque de melodrama y hablando a través de su personaje de Medea, explica que la mujer de Jasón, no cometió un "crimen pasional", ni tampoco Eurípides es un misógino por imaginar ese crimen. "El mito de Medea es la línea conductora de lo que hacemos las mujeres cuando un tipo nos engaña: lo despojamos de todo lo que más le interesa", explica la actriz, de acuerdo con la interpretación que la autora Valeria Groisman destacó sobre aquel hecho.Ver, escuchar y deleitarse viendo interpretar a estos personajes de la tragedia griega a estas actrices es reencontrarse con imágenes de un álbum de recuerdos, de papeles que han hecho en tantos otros musicales, piezas de teatro, o programas de televisión. Así disfrutar de María Rosa Fugazot en escena trae las imágenes de su inolvidable Mama Morton en el musical Chicago; Graciela Pal y Vicky Bucchino nos remiten a sus voces en el musical El diluvio que viene, o la telenovela Nano, o ver en escena a Edda Bustamante viene a la memoria las melodías rockeras de Attaque 77 y su tema dedicado a la actriz, al que titularon Caminando por el microcentro.Cabe destacar que el único caballero en escena, testigo privilegiado de este show con aires de comedia y también de melodrama, Fernando Albinarrate, está muy atento a poner los acordes más adecuados en piano, para acompañar al cuarteto, que alzan sus voces como en Lisistrata, de Aristófanes, para que cesen las guerras en el mundo. Aunque es bueno decir que ese no es el único mensaje, hay otros escondidos en esta propuesta, que habrá que verla para descubrirlos. Todavía les quedan dos funciones más hay y es bueno aprovecharlas.

Fuente: Clarín
12/05/2024 21:00

Murió la protagonista de la escena más recordada y temida de "Tiburón"

Tenía 77 años y vivía junto a su marido en California.La película de Steven Spielberg fue uno de los grandes éxitos de taquilla de la década del 70.

Fuente: Infobae
10/05/2024 08:19

Cómo es la puesta en escena de 'Zorra', la canción que representa a España en Eurovisión 2024

Juan Sebastián e Israel Reyes son quienes están detrás de esta actuación

Fuente: Infobae
09/05/2024 00:12

Bambie Thug, la 'bruja' que representa a Irlanda en Eurovisión: puesta en escena 'made in Spain' y apoyo a la comunidad trans

La cantante opta a pisar el escenario de Malmö con 'Doomsday blue', un tema con una llamativa escenografía fruto del trabajo del alicantino Sergio Jaén

Fuente: Infobae
08/05/2024 08:25

El actor Matt Smith cuenta la escena de 'La casa del dragón' que le hizo sangrar: "Era como ballet con espadas"

Mientras la serie se prepara para acometer su segunda temporada, el actor que da vida a Daemon Targaryen ha desvelado los entresijos del rodaje

Fuente: Clarín
07/05/2024 15:18

Una protagonista de Bebé reno habló de una escena eliminada de la serie: ¿Qué se iba a ver?

"Yo la interpreté", confirmó Nava Mau en una entrevista.La miniserie sigue en el top de Netflix (este artículo contiene spoilers de la trama).

Fuente: La Nación
07/05/2024 07:00

Luces de la ciudad: el carácter irascible de Chaplin, el actor despedido, la florista rebelde y la escena que se repitió 342 veces

En el año 1928, Charles Chaplin quedó fascinado con una historia que le contaron. Un payaso pierde la vista debido a un accidente en el circo y, cuando sale del hospital días después, un médico le recomienda que le oculte la ceguera a su hija, una niña débil y enfermiza, hasta que esta sea capaz de superar el trauma. Por ese motivo, los constantes porrazos y caídas que sufrirá el padre serán interpretados como parte de una comedia por la hija, ignorante del verdadero drama del que resulta testigo. Esa anécdota apócrifa que permaneció en la mente del genial comediante durante días fue al principio desestimada como materia prima de su próxima película porque acababa de filmar El circo (1928), donde payasos y rutinas de golpes y porrazos ya habían sido parte del repertorio. ¿Con qué continuar entonces? Chaplin le siguió dando vueltas al asunto. La condición de la ceguera pasó del payaso a una joven florista que confundía a un vagabundo benefactor con un excéntrico y piadoso millonario. Lógicamente ese vagabundo de bastón y bombín no era otro que el mismísimo Charlot, su personaje emblemático.Para terminar de darle forma al guion de lo que finalmente sería Luces de la ciudad, el actor y director inglés, que por entonces ya era una personalidad importante del cine, le agregó una trama secundaria. Según explica en sus memorias y recoge en el libro Charles Chaplin Esteve Riambau: "Me rondaba desde hacía tiempo una idea para una película. Enfrascados en una discusión sobre la estabilidad de la conciencia humana, dos miembros de un club exclusivo deciden realizar un experimento. Buscan a un vagabundo dormido en un malecón, lo llevan a un regio departamento, allí le prodigan vino, mujeres y canciones, y cuando se desploma borracho lo regresan nuevamente al lugar donde lo encontraron. Cuando el vagabundo se despierta cree que todo lo vivido no ha sido más que un sueño". Riambau cree que esta idea de Chaplin se remonta a un personaje que había interpretado en 1905 en la obra Jim, The Romance Of A Cockney en la que daba vida a un aristócrata amnésico. Ciertas o no, de esas varias inspiraciones que se articularon en un guion surgió el germen de Luces de una ciudad, la película que implicó un rodaje extenso y conflictivo, además de concretarse en un momento del cine en el que se avecinaban vientos de cambio.La llegada del sonoro y las primeras tensionesEn octubre de 1927 se había estrenado El cantante de jazz con Al Jolson cantando a su madre, y la industria de Hollywood se convencía de que el futuro estaba en las talkies, las películas habladas. Hasta entonces el cine era silente, con intertítulos y música, pero el sonido sincrónico era toda una novedad. ¿Perduraría como parte del lenguaje cinematográfico o se perdería entre tantos inventos dejados en el olvido? Chaplin se mostraba escéptico y declaró por entonces al Motion Pictures Herald: "Detesto las talkies. Vinieron a estropear el arte más antiguo del mundo, el arte de la pantomima. Aniquilan la gran belleza del silencio. Tiran abajo el edificio actual del cine, destruyen la corriente que lleva a los actores a la popularidad y a los amigos del cine hacia la belleza. La belleza plástica sigue siendo lo que más importa en la pantalla. El cine es un arte pictórico". Esa declaración de principios lo condujo a una decisión crucial: si quería sobrevivir, el personaje de Charlot no debía hablar. Por ello el rodaje de Luces de la ciudad, que había comenzado en mayo de 1928, fue interrumpido a los pocos meses para dar la discusión frente a sus socios de la United Artists que eran partidarios de incorporar el sonido; la voluntad de Chaplin se impuso y la película permanecería silente.Sin embargo, el receso en la filmación se postergó más de lo previsto. En agosto de ese 1928 falleció la madre del director (trasladada desde Londres a una casa californiana) y ese hecho lo sumergió en una profunda melancolía. A ello se sumó una severa infección intestinal que volvió a suspender el rodaje durante varias semanas ya entrado el año 1929. Cada regreso al set agudizaba la propensión de Chaplin a los ensayos prolongados y las repeticiones de tomas, y la constante improvisación que iba ajustando el guion terminó por caldear el ambiente entre el equipo. Según afirma Riambau, "resultaba difícil, para actores y técnicos, soportar el talante irascible de un artista que exigía un alto precio a cambio de una genialidad escasamente compartida con sus colaboradores". Esto se relaciona con el hecho de que Chaplin siempre reivindicó la autoría personal, a contramano de la creación colectiva del sistema de estudios vigente en Hollywood, y en tanto concentraba los roles de actor, productor, director y guionista, descreía de las adaptaciones literarias y de los guiones ajenos. El resto de sus colaboradores se dividían entre quienes lo seguían película a película, acostumbrados a su exigencia, y quienes maldecían por lo bajo sus ínfulas divinas.Henry Bergman y Albert Austin, incorporados desde los inicios de la carrera de Chaplin en el cine, funcionaron no solo como actores secundarios en Luces de la ciudad, sino que también oficiaban de asistentes de dirección, junto al infaltable Rollie Totheroh como director de fotografía. Pero el resto de los actores no veía con buenos ojos los caprichos de Chaplin que ya habían extendido el rodaje durante más de dos años. El australiano Henry Clive, que interpretaba al millonario borracho con el que es confundido Charlot, se negó a repetir por enésima vez la escena en la que cae al agua porque le había ocasionado un severo resfrío. Entonces Chaplin no tuvo contemplaciones: lo echó de la película y lo reemplazó por Harry Myers, quien debió repetir todas las escenas en las que aparecía el millonario y que ya habían sido filmadas. Según recordaba Robert Parish -el niño que interpreta a uno de los vendedores de diarios- en una entrevista de 1991, "Chaplin daba indicaciones precisas a todos los que estaban en el set, le mostraba a cada actor cómo debía interpretar su papel, incluso el de la chica ciega, hasta volver a ponerse en la piel del vagabundo. Creo que hubiera interpretado a todos los personajes si hubiera podido".Las disputas con Virginia CherrillLa elección de Virginia Cherrill como intérprete de la florista ciega fue una anomalía en el ecosistema de Charles Chaplin. La descubrió sentada a su lado entre el público de una pelea de boxeo y la convocó para una prueba de cámara. Pese a que Cherrill no tenía experiencia alguna en la actuación -había llegado a Hollywood por su amistad con la actriz Sue Carol, pero había declinado trabajar con las célebres Ziegfeld Follies -, Chaplin la eligió por la naturalidad con la que podía interpretar la ceguera, sin poner los ojos en blanco o forzar ningún histrionismo. Sin embargo, el entusiasmo del director se fue disipando apenas comenzó el rodaje. Ella llegaba tarde con frecuencia y se quejaba de las numerosas tomas de cada escena. La escena en la que la florista regala una flor al vagabundo, confundiéndolo con el millonario, se repitió 342 veces. Chaplin no quedaba convencido del resultado y el desgaste en la relación con Cherrill fue llegando al límite.Sin embargo, la gota que colmó el vaso llegó con la filmación de la escena final en la que Cherrill, cuyo personaje ya había recuperado la vista, debía reconocer al vagabundo al tocar su rostro. Apenas comenzadas las primeras tomas, la actriz advirtió que no podía quedarse demasiado tiempo porque tenía turno en la peluquería y a la noche debía asistir a una fiesta. Chaplin se enfureció y la expulsó del set; inmediatamente comenzó a realizar pruebas a otra actrices para reemplazarla. Primero a Marian Marsh (entonces filmaba Ángeles del infierno, de Howard Hughes), luego a Georgia Hale, quien ya había reemplazado a Lita Grey -casada en ese momento con el propio Chaplin, pese a lo cual no vaciló en sustituirla- en La quimera del oro (1925). Hale filmó la escena final bajo las indicaciones del director pero su actuación no terminó de convencerlo; el trabajo de Cherrill era claramente superior, pese a no ser mejor actriz, y así lo confirmaron todos los colaboradores que le dieron su opinión. Quizás los consejos tenían cierto interés, sobre todo los de sus socios en la United Artists, quienes veían un severo inconveniente en tener que filmar las escenas nuevamente tras dos largos años de trabajo.Según afirma uno de los biógrafos de Chaplin, David Robinson, el factor que fue decisivo en la tensión entre el director y su actriz fue que por primera vez en su larga trayectoria no había un interés romántico que lo uniera a su primera figura (Cherrill bromeaba diciendo que ella tenía 20 años en ese momento y a Chaplin le gustaban las chicas más jóvenes). De alguna manera, sustituir a la primera actriz era la salida a esa incomodidad pero cuando repasó las pruebas de cámara de Georgia Hale -incluidas en el documental Chaplin desconocido (1983)- se confirma que la decisión profesional prevaleció sobre la predilección amorosa. El único momento de verdadera algarabía que los incluyó a ambos ocurrió durante la filmación de la pelea de boxeo. "El rodaje de la escena del boxeo resultó la única vida social que tuvimos en el estudio", recordaba Cherrill. "Charlie [Chaplin] debe haber tenido más de cien extras presentes y animó a sus amigos de Los Ángeles a que vinieran a verlo. A todos les encantaba el boxeo en Hollywood en aquellos días. Y Charlie era muy divertido en el ring. Se convirtió en una especie de fiesta". Uno de los más ilustres visitantes del rodaje fue el futuro primer ministro británico, Sir Winston Churchill, y para su recibimiento Chaplin hizo un alto en la filmación y participó en un corto documental junto al mandatario.La música y el estrenoEl rótulo inicial de Luces de la ciudad la presenta como "una comedia romántica en pantomima". La palabra final era el remate que sellaba la posición del director respecto al sonoro. Y su ironía se confirmaba en la primera escena de la película, cuando vemos la inauguración oficial de una estatua en una plaza pública, rodeada de autoridades de la ciudad, y el alcalde se prepara para pronunciar su discurso mientras se descubre el monumento: sus palabras resuenan como un balbuceo ininteligible. Para Esteve Riambau, son "sonidos cacofónicos que anticipan lo que después empleará, por boca de Charlot en Tiempos modernos o en el discurso de Hinkel en El gran dictador. La palabra como algo inútil y el sonido como aquello que perturba al arte". Esos sonidos fueron grabados por el propio Chaplin, mediante un instrumento de viento de caña, y fue la primera vez que su voz apareció en una película. "Luces de la ciudad no es del todo una película muda -diría el cineasta español Víctor Erice en un artículo de El País de 1989-, y no solo porque incorpora partitura musical y banda sonora de efectos, sino porque en ella lo sonoro parece enunciado, implicado en la imagen, y es cómplice de algunos de sus logros más genuinos".Por primera vez Chaplin escribió y dirigió la banda de sonido de su película, y para algunos especialistas en su filmografía como Theodore Huff, es la partitura más sobresaliente de toda su obra. No obstante, no es toda original, sino que el leitmotiv de la florista proviene de la canción "La violetera", de José Padilla, melodía que Chaplin conocía gracias a la gira por los Estados Unidos realizada en los años 20 por la cantante española Raquel Meller.Una vez terminado el rodaje, que se extendió a lo largo de tres años, desde comienzos de 1928 hasta comienzos de 1931, pese a que la película se filmó en un total de 180 días (el resto fueron recesos y postergaciones), Luces de la ciudad debió estrenarse en un contexto adverso: era una película silente en un tiempo en el que el sonoro ya se había instalado como norma. Pese a que las proyecciones de prueba anunciaban un posible fracaso, el estreno en Los Ángeles terminó en una ovación. Cuando se prendieron las luces, Chaplin pudo ver a Albert Einstein lagrimeando en la platea. En el estreno en Inglaterra tendría otro invitado de honor: George Bernard Shaw. Para directores como Orson Welles, Stanley Kubrick y Andrei Tarkovski, Luces de la ciudad se convertiría en la película favorita de sus vidas.La importante inversión de casi dos millones de dólares que supuso el presupuesto y las controversias durante el rodaje quedaron saldadas con el impresionante triunfo en taquilla: se convirtió en la película más exitosa de 1931 en Estados Unidos. La fe de Charles Chaplin en la poderosa magia del arte visual permanecería todavía en Tiempos modernos, estrenada en 1936 y -pese a la breve canción del final que resulta también un guiño a las limitaciones del lenguaje- concebida bajo las coordenadas silentes. "Chaplin representa una de las posiciones límites en el cine -diría el actor Robert Parrish a Bertrand Tavernier en una entrevista publicada en 1993-. Considera que la creación no puede ser obra más que de una sola persona, él mismo". Adelantado a la política de autor que dominaría el cine en la segunda mitad del siglo XX, Charles Chaplin hizo de su propio cuerpo, su mirada e intuición, el pincel de un pintor, el instrumento de un músico, la pluma de un escritor. Un artista completo, un genio irrepetible.

Fuente: La Nación
06/05/2024 16:00

"Escena trágica": un hombre encontró muertas a sus hijas de 3 años en la piscina de su casa en Arizona

Un padre hizo un trágico descubrimiento después de que sus hijas gemelas de tres años fueran encontradas ahogadas en su piscina. Valentina y Penélope Ruiz estuvieron bajo el agua durante un "período indeterminado" antes de que su padre llamara a los servicios de Emergencia.Eran alrededor de las 15:30 horas del jueves 2 de mayo, en Arizona, Estados Unidos. El padre, cuyo nombre no fue revelado, llamó rápidamente a los servicios de emergencia después de sacar a sus hijas sin vida de la piscina.Las dos menores fueron trasladados de urgencia al hospital, pero, luego, ambas fueron declaradas muertas poco tiempo después."La información preliminar sugiere que este incidente es consistente con un ahogamiento accidental", dijo la policía de Phoenix en un comunicado el viernes. "En este momento, los investigadores no han descubierto nada que parezca sospechoso", continuó.Según el capitán de bomberos de Phoenix, Rob McDade, el padre de las gemelas encontró a sus hijas en la piscina. Los bomberos tardaron menos de tres minutos en llegar a la casa y encontraron a miembros de la familia tratando desesperadamente de administrar RCP.Las fotografías aéreas de la casa de tres dormitorios muestran que la piscina no tenía valla. "Puedes imaginar cómo sería, lo agotador que sería", dijo McDade a la cadena local CBS 5 News. "Una escena tremendamente trágica", lamentó. La policía confirmó que el incidente no se considera sospechoso, pero la investigación sigue en curso.Medidas preventivas al momento de instalar una piscina en casaLas piletas deben tener un cerco perimetral de 1,30 mts. de alto como mínimo, con barrotes verticales (jamás horizontales para evitar el "efecto escalera") y separados por una distancia máxima de 10 centímetros.El cerco debe tener una puerta única con un mecanismo de apertura y cierre no accionable por niños pequeños.No dejar mesas, sillas o reposeras próximas al cerco que faciliten su escalamiento.Los bordes y el piso de la piscina deben ser de material antideslizante.Las escalinatas de acceso deben ser de poca pendiente y tener escalones anchos, rectos, con baranda al menos de un lado y piso antideslizante.Las piletas inflables o desarmables que no cuenten con cerco deben ser siempre vaciadas totalmente luego de su uso diario.Para uso nocturno, la piscina debe tener una iluminación aérea a giorno. Las luces en las paredes de la piscina jamás las reemplazan y requieren una instalación absolutamente hermética y eléctricamente segura.No dejar juguetes u objetos atractivos que floten en la piscina, pues llaman la atención de los más pequeños, que no tienen "noción del peligro"

Fuente: Clarín
05/05/2024 00:00

El detrás de escena del documental 'Por qué sangra Rosario'

La investigación revela las claves del mayor drama narco de la Argentina a partir del testimonio de los cuatro principales líderes.Estuvieron en la Feria los periodistas Virginia Messi y Federico Briem Stamm, junto al realizador Marcelo Ferreiro.

Fuente: La Nación
04/05/2024 01:00

De Rent a School of Rock: pese a la crisis, hay varios musicales listos para salir a escena y conquistar al público

Desde hace unas décadas, con sus altas y bajas, Buenos Aires se ha convertido en una de las capitales mundiales de los musicales. Cada vez más promisoria en cantidad y calidad, suele ofrecer ejemplos del género en pequeña, mediana y gran escala, orientados -para beneplácito de todos los públicos- tanto a la comedia como al drama.El año pasado, sin ir más lejos, la avenida Corrientes contó con dos títulos que atrajeron la atención de un público mayoritario: el familiar, por Matilda, en el Teatro Gran Rex, y el juvenil por Heathers, en el Teatro Opera Orbis. Sin desmerecer por eso, claro, la continuidad del arrollador éxito de Piaf, que se había reestrenado el año anterior en el Teatro Liceo -a 10 años de su desembarco en esa misma sala-, y que interesó desde un comienzo a la audiencia adulta. Y el eterno regreso de Drácula, que luego de una intensísima gira por el interior del país, recaló primero en el Movistar Arena y luego en el Luna Park.Esta temporada, pese a la crisis económica, la cartelera será aún más generosa en títulos y formatos, lo que reafirma la vocación de riesgo de los productores locales y la avidez non stop de los espectadores. Habrá grandes musicales importados de Broadway y del West End, propuestas nacionales más acotadas y mucho music hall.El primer gran musical llega este fin de semana al Teatro Opera. Se trata de Rent, el musical que marcó un antes y un después en el género (fenómeno sólo comparable al que había producido Hair a finales de los 60), cuando Jonathan Larson trasladó el argumento de la ópera La Bohème a la Nueva York de los 90, en la que los jóvenes bohemios vivían acechados por la falta de vivienda y la irrupción del SIDA. De este título ya se conoció una muy buena versión local en 2008, llevada a cabo en Ciudad Cultural Konex, que catapultó la carrera de Florencia Otero y posicionó la del exintegrante del grupo pop Mambrú, Germán Tripel, como los atribulados Mimí y Roger. Ahora quienes darán vida a la pareja protagónica son Ángela Torres y Pablo Turturiello.Para la actriz y cantante -nieta de Lolita Torres y sobrina de Diego Torres- este es su quinto musical (luego de haber participado en La novicia rebelde, Esperanza mía, Peter Pan, todos podemos volar y Simona en vivo), mientras que Turturiello fue protagonista de Footloose e integró los elencos de Lo quiero ya, Mr. Gardel y Heathers, y también del de una poco difundida versión de Rent para el streaming, de 2021. Con dirección de Fernando Dente, el musical se podrá ver -en principio- sólo los fines de semana, con funciones programadas hasta fines de julio.Luego será el turno de Mamma Mia!, que el 9 de mayo arribará al Teatro Coliseo tras haber realizado una exitosa temporada en Villa Carlos Paz y cosechado, ahí, ocho premios Carlos (incluido el Carlos de Oro). Con el mismo elenco del verano, encabezado por Florencia Peña, y dirección de Ricky Pashkus, la obra con música de ABBA hará funciones de miércoles a domingos. El público porteño ya conoció una buena versión del musical, en 2012, protagonizada por Marisol Otero; por lo tanto está familiarizado con la historia de Donna, una madre soltera que ante el inminente casamiento de su hija se encuentra con los tres posibles padres de su heredera; y también con el espíritu festivo de la propuesta (que incluye los hits del grupo sueco "Dancing Queen", "Money, Money, Money, Super Trouper", "Gimme! Gimme! Gimme!", "Voulez-Vous", "Waterloo" y obviamente el que da título al espectáculo, entre otros).Para Florencia Peña se trata de su décimo musical, siempre como protagonista, lo que la coloca -más allá de sus innegables dotes para la comedia, y también para el drama- en el podio de las artistas más experimentadas del género. En su haber se destacan títulos como Mamá es una estrella, Grease, El romance del Romeo y la Julieta, Revista Nacional, Casi Diva, Sweet Charity, Anything Goes y Cabaret.Completando el trío de grandes títulos y grandes producciones (que aspiran a repartirse el mayor público posible durante todo el invierno), el 20 de junio estrenará en el Teatro Gran Rex ¡finalmente! School of Rock. El musical de Andrew Lloyd Webber (autor de las partituras de Evita, Cats, El fantasma de la ópera y Sunset Boulevard) estuvo por desembarcar en la avenida Corrientes en 2020, protagonizado por Migue Granados y Julieta Nair Calvo, pero la pandemia del Covid se lo impidió. Ahora los elegidos son Agustín "Soy Rada" Aristarán (exultante tras su exitosa experiencia en Matilda, que además le granjeó todos los premios) y la cantante Angela Leiva, debutante en estas lides.De alguna manera este proyecto intenta repetir el formato del suceso del año pasado, que fue Matilda con 130 mil espectadores (a los que deben sumarse otros 10.000 cosechados este verano). Al igual que aquel espectáculo, este cuenta con una banda de chicos que son el alma y el propósito de la historia que relatan los autores Julian Fellowes (libro), Glenn Slater (letras) y el citado Webber (música), y que garantizan el vasto público familiar, claro está. Su director es el mismo -Ariel Del Mastro-, el team de productores también, con Carlos y Tomás Rottemberg a la cabeza; y el costo idéntico: más de un millón de dólares.La trama de School of Rock gira en torno a Dewey Finn, un guitarrista aspirante a estrella de rock que tras ser expulsado de su grupo (por su personalidad egocéntrica) se hace pasar por profesor y comienza a trabajar en una prestigiosa escuela privada. Cuando casualmente descubre que sus alumnos tienen verdadero talento para la música, decide inscribirse con ellos en una competición de bandas y así le otorga un real y completo sentido a su vida. El espectáculo comenzará con funciones de jueves a domingos y luego, durante las vacaciones de invierno, las extenderá a los martes y miércoles y realizará dos todos los días.Los tres musicales anteriormente mencionados cuentan con versiones cinematográficas, lo que los torna más identificables para el gran público. Rent fue llevado al cine en 2005, con prácticamente el mismo elenco de figuras ignotas que la estrenó en Broadway. Mamma Mia!, en cambio, fue protagonizada en 2008 por la gran Meryl Streep y se convirtió en un suceso de taquilla internacional. Y School of Rock fue dirigida en 2003 por el prestigioso cineasta Richard Linklater (el de la trilogía Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes del anochecer y la premiadísima Boyhood); estando su elenco encabezado por el popular actor Jack Black (el de Jumanji: en la selva, Kung Fu Panda, King Kong y Super Mario Bros).A estas importantes novedades deben sumarse dos títulos de peso que retornan a la cartelera: el hilarante musical noruego (adaptado por los catalanes del grupo Tricicle) Forever Young y el emotivo canadiense Come From Away, ambos multipremiados en pasadas entregas de los premios ACE y Hugo. El primero, con dirección de Daniel Casablanca, inicia así su décima segunda temporada, siempre en el Teatro Picadero, con el mismo elenco de los últimos años: Walter Canella, Christian Giménez, Melania Lenoir, Andrea Lovera, Hernán Matorra, Ivanna Rossi y Germán Tripel. Todos los lunes a las 20, desde el 6 de mayo. Cabe recordar que trata de un grupo de ancianos que, en 2050, pasan sus días parsimoniosamente en un geriátrico entre ejercicios de rehabilitación, medicinas y recuerdos difusos; hasta que un día -en ausencia de la enfermera- el espíritu del pop y el rock & roll que anida en sus pasados los toma por completo y deciden resistir el paso del tiempo con un arma infalible, la música, y volver a ser ellos mismos aunque sea por un rato.Por su parte, Come From Away retorna el 24 de mayo (con funciones de viernes a domingos) por tercera vez consecutiva al Teatro Maipo, donde vio la luz en 2022, con la dirección de Carla Calabrese y el elenco original: Melania Lenoir, Edgardo Moreira, Marisol Otero, Gabriela Bevacqua, Sebastián Holz, Agustín Pérez Costa y Patricio Witis, entre otros. El aclamado musical cuenta con libreto, música y letras de Irene Sankoff y David Hein y está basado en los sucesos reales ocurridos en la pequeña localidad canadiense de Gander, durante los días siguientes a los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, al quedar varados allí -por la suspensión del tráfico aéreo en EEUU- 38 aviones de líneas comerciales que transportaban cerca de 7000 pasajeros. Esta historia de solidaridad y esperanza en el género humano en medio de la tragedia se alzó en 2017 con numerosos premios en Broadway (Tony, Drama Desk, Drama League y Outer Critics) y luego otros tantos en el West End de Londres.Otros espectáculos que estrenan, regresan o continúan (y que comparten la característica de haber sido enteramente concebidos por autores y equipos creativos nacionales) son:-El Principito. Adaptación teatral del famoso libro de Antoine de Saint-Exupéry para toda la familia. Con protagónico de Juan Carlos Baglietto y participación de sus hijos Julián y Joaquín. En el Teatro Opera desde el 15 de junio.-Waterloo, Summer Night City. Una historia de amor y amistad narrada a través de los temas más icónicos de ABBA, que transcurre en una discoteca de los '80, durante la elección de la próxima anfitriona del lugar: la nueva Dancing Queen. A partir del 11 de junio a las 20:30 en Teatro Metropolitan.-Despeinada, el musical. Un viaje a los años 60 y a las canciones de Palito Ortega, Violeta Rivas, Juan y Juan, Donald y Sandro, con 25 artistas en escena. Los jueves a las 20:30, en el Teatro Regina.-Gwen. Un homenaje a la gran Gwen Verdon, la mujer y musa de Bob Fosse, una de las grandes figuras de Broadway de todos los tiempos y una eximia bailarina, que protagonizó las versiones originales de Sweet Charity y Chicago. Con Virginia Kaufmann y elenco. Los miércoles 8 y 15 de mayo, a las 22, Paseo La Plaza.-Dorian, el musical. Basado en la obra maestra de Oscar Wilde sobre la búsqueda de la juventud eterna, la pieza de Emmanuel Degracia, con música de Alejandro Dolina, cuenta con dirección del reconocido Sergio Lombardo. Los domingos, a las 20, en Teatro Multiescena, desde el 5 de mayo.-Rock para una abuela virgen. Es una alocada comedia que plantea el regreso a la vida de una mujer de 93 años, recién muerta, en busca de una segunda oportunidad para cumplir finalmente los sueños de la juventud. Todo al son de un buen rock, claro. En Teatro Multiescena, los jueves, a las 22:30.-Las olvidadas de Jack. Con dirección de la prestigiosa Corina Fiorillo y un elenco de grandes exponentes del género musical (Iride Mockert, Laura Silva, Alejandra Perluski, Belén Pascualini y Silvana Tomé), se centra en las mujeres que Jack El Destripador asesinó y que la historia no recuerda. Los lunes, a las 21, en Teatro Del Pueblo.-Tin Pan Alley. Un delicioso y excelso music hall ideado por Pablo Gorlero, que homenajea a la época dorada de Broadway (y también a la de Hollywood), con clásicos de los 30 de Cole Porter, Irving Berlin, Jerome Kern y Richard Rodgers y un seleccionado de las mejores voces del musical local. Los viernes, a las 20:30, en Cástor y Pólux.-Vestido de mujer. Exquisito espectáculo de Francisco Pesqueira (autor) y Emiliano Samar (director), con uno de los mejores elencos femeninos de la temporada. Basado en el libro homónimo de Pesqueira, sobre distintas mujeres de la historia, desde Alfonsina Storni hasta Cris Miró, pasando por Camila O'Gorman y Chavela Vargas. Desde el 12 de mayo, todos los domingos, a las 17, en Patio de Actores.-Proyecto Garland. Inspirada en la vida de Judy Garland, la obra indaga en las infancias, el trabajo infantil en las industrias culturales, la violencia de género y las adicciones. Con libro y dirección de Gerardo Grillea y actuación de Marina Munilla. Todos los domingos, a las 20, en Teatro NoAvestruz.-Un tango italiano. Un thriller musical anclado en la época de oro de la música ciudadana porteña (pero que también celebra los clásicos italianos de los 50), que debate a una ladrona y a un detective entre el amor y la justicia, la pasión y la ambición, la vida y la muerte. Con Rosana Laudani y Diego Bros, los jueves de mayo, a las 21.30, en Café La Humedad.-Fausto, tragedia musical. Una adaptación al teatro musical del clásico de Johann Wolfgang von Goethe, que se sumerge en un universo de pasión y muerte cuando su protagonista, sediento de conocimiento y poder, establece un pacto con el demonio Mefistófeles. Los miércoles, a las 21, en Itaca Complejo Teatral.-La Minoica, un absurdo musical mitológico. Aborda el mito de Teseo y el Minotauro, pero desde la perspectiva del humor y el absurdo, transponiendo su significado metafórico a la actualidad. Un espectáculo musical de Pablo Gorlero a la vieja usanza, sin micrófonos, en el que los actores interpretan múltiples personajes. Los miércoles de junio y julio, a las 21, en Teatro Picadilly.-Así nomás. Destacado por el New York Times como "el Rent de esta generación", este musical que proviene del Off Broadway se centra en cuatro jóvenes (dos mujeres y dos hombres) cercanos a la crisis de los 30, que se debaten entre pelear por un camino propio o aceptar lo que la vida les impone, tanto a nivel laboral como en un plano más íntimo. Los viernes, a las 20, en Teatro Border.Por último, no se puede ni se debe dejar de destacar la performance en boletería de Legalmente rubia, el musical de Broadway que abrió con todo la temporada de musicales en el Teatro Liceo y le augura al resto de los espectáculos del género un año a puro música y baile. Ubicado desde un comienzo en el ranking de los títulos más vistos de la temporada, la obra protagonizada por Laurita Fernández sigue sumando funciones y críticas favorables. Ni tampoco la aceptación a sala llena que produce todos los martes Avenida Q, en su única función semanal en el Teatro Maipo, en una versión con actores y títeres mucho más hilarante e irreverente que la de 2010, excelentemente dirigida por Melania Lenoir. También es muy notoria la continuidad del fenómeno Tootsie en el Teatro Lola Membrives. Si bien los productores de la versión local no lo definen como un musical (sino como una comedia a secas), está basado en el homónimo de Broadway, incluye buena parte de los cuadros musicales originales y su protagonista Nicolás Vázquez está a la altura de cada uno de ellos.

Fuente: La Nación
03/05/2024 21:00

Se mudó a Chicago y reveló la escena que la dejó en shock: "En Portland no se ven"

Jessica Kirshner es una joven de 26 años, diseñadora de interiores y oriunda de Oregon, que vivió primero en el Área de la Bahía, luego en Eugene y después en Portland, en EE.UU. En busca de mayor asequibilidad, oportunidades laborales, más vida social y una comunidad judía más grande, en 2023 se mudó a la ciudad de Chicago, en Illinois, y ahora asegura haber tomado "la decisión correcta".A menos de un año de haber llegado a la ciudad costera del lago Michigan, Jessica disfruta de su nuevo trabajo en una gran firma internacional, una dinámica diaria más animada, salidas con amigos y la arquitectura local. "Amo Chicago, estoy 100% segura de que tomé la decisión correcta y estoy más feliz que en Oregon", sostuvo para Business Insider.Chicago, una ciudad asequible, si se compara con otras"Quería vivir en una ciudad más grande pero aún asequible. Vivo a diez minutos del centro y me encanta", afirmó la diseñadora. Según reveló, allí el costo de un departamento de una habitación es similar al de uno de dos habitaciones en Portland.Aunque el costo de vida en Chicago es más alto que en Portland, "el salario es definitivamente mejor en Chicago, por lo que se iguala", aseguró Jessica. Una vez mudada, trabajó durante siete meses de forma remota con su anterior trabajo, pero alrededor de dos meses después consiguió un nuevo trabajo en la urbe más poblada de Illinois.Cómo es la vida social y cultural en Chicago"Me encanta lo animada que es Chicago durante el verano, con todo el mundo fuera de casa. El verano pasado fui a un espectáculo y todos estuvieron en el lago todo el día. Fue muy divertido observar a la gente pasar", contó la mujer al medio citado, quien destacó también la arquitectura de la ciudad. "Es genial caminar por los diferentes barrios y ver la diversidad de los edificios", detalló.Jessica sostiene que en Chicago nunca se aburre. Justo después de mudarse, se unió a una liga de kickball para conocer gente, ahora está tomando clases de costura porque quiere hacer su propia ropa y en breve comenzará a tomar clases de alemán. "No conocía a nadie, excepto a mi familia, pero hacer amigos ha sido fácil", aseguró, al tiempo que marcó que el trabajo y organizaciones como la Asociación Internacional del Diseño de Interiores (IIDA, por sus siglas en inglés) fueron útiles para esos fines. Además, destacó que su nuevo barrio está repleto de centros comerciales, tiendas, discotecas, bares y restaurantes, alrededor de su casa.Según Jessica, su peor experiencia desde que llegó fue cuando vio una rata. "No se ven ratas en las calles de Portland. Claramente, no he tenido ninguna experiencia realmente mala si eso es lo peor que me ha pasado hasta ahora", marcó. Aunque de todas formas, señaló algunas deficiencias de la ciudad próxima al lago Michigan. "La cultura ciclista es prácticamente inexistente", cerró.

Fuente: La Nación
03/05/2024 20:00

Transportaba abejas en una carretera de California, volcó el camión y causó terror: "Increíble escena"

Oficiales de la Patrulla de Caminos de California (CHP, por sus siglas en inglés) tuvieron que resolver una inusual situación, luego de que un camión que transportaba panales llenos de abejas volcara en medio de una autopista de la ciudad de Fresno. Como consecuencia del impacto, los insectos se liberaron y comenzaron a volar por toda la zona.Todo ocurrió durante la madrugada del último miércoles, cuando decenas de colmenas quedaron desparramadas sobre el asfalto, obstaculizando el paso del resto de vehículos. Tras recibir un llamado de alerta, miembros de la CHP se dirigieron allí de manera urgente para despejar el área y evitar que se produjeran nuevos accidentes.El personal acudió a la carretera con el equipamiento de protección necesario para mover los panales y devolvérselos a la empresa. En específico, utilizaron guantes y trajes especiales para evitar las picaduras de las abejas. Afortunadamente, todo sucedió durante la madrugada, por lo que el tráfico era mucho menor que el que suele haber durante el día.El peligro que implica la picadura de abejasEste accidente generó pánico entre las personas que pasaban por el lugar y los videos e imágenes no tardaron en volverse virales en las redes. Es que, más allá de lo llamativo de la situación, realmente representaba un peligro para las personas que se encontraban viajando por ese lugar. Incluso hay personas con alergias que, si son picados por abejas y no reciben atención médica de inmediato, pueden morir.Las probabilidades de consecuencias graves se multiplican al tratarse de un enjambre y no solo de una abeja particular. Es que, en caso de varias picaduras, la acumulación de veneno puede provocar una reacción tóxica. Las náuseas, el vómito, la diarrea y el dolor de cabeza, son algunos de los síntomas. Además, la zona afectada rápidamente se hinchará, tornará su color a rojo y comenzará a elevarse la temperatura de esa parte del cuerpo. Es por eso que la Patrulla de Carreteras de California tuvo que tomar todas las precauciones para el caso y anticiparse a la situación.El comunicado de la Patrulla Carretera de CaliforniaLas autoridades encargadas de mantener la seguridad en las rutas de California publicaron a través de sus redes sociales cómo había sido este particular accidente. "Increíble escena. De la noche a la mañana, cuando un camión que transportaba un cargamento de cajas BEE fue golpeado, dispersando miles de abejas zumbantes y sus panales por toda la autopista cerca de Selma", escribieron."Nuestros oficiales estuvieron atrapados en una situación difícil durante casi una hora con miles de abejas obreras enjambre", afirmaron y se despidieron con humor, tras haber vivido esta asombrosa situación: "¡Recuerda ser amable y cortés mientras zumbas hoy! Ayuda a que el viaje sea una experiencia más dulce"."¡Oh, espero que las abejas puedan encontrar a las reinas para volver a las colmenas!", les respondió una usuaria de Facebook. "Nunca hubiese imaginado que la patrulla de carreteras necesitaba entrenamiento para abejas", escribió otra persona entre risas. "Espero que las abejas se encuentren bien", deseó otro usuario.

Fuente: La Nación
03/05/2024 17:00

La señora que me parió: Hernán Casciari y su madre, Chichita, contraatacan en escena con un relato dramatizado

Autor: Hernán Casciari. Dirección: Hernán Casciari. Intérpretes: Hernán Casciari, Chichita Carabajal y Juan Carabajal. Sala: Paseo La Plaza (Avenida Corrientes 1660). Funciones: miércoles y jueves, 20 hs. Duración: 90 minutos. Nuestra opinión: buena.Lo primero que habría que decir es que quien conoce bien a Hernán Casciari sabe de antemano con qué se encontrará en este proyecto escénico que se exhibe como un proyecto teatral o una conferencia performativizada. Un escritor y emprendedor que ha hecho de la literatura un fenómeno que excede a la lectura contemplativa y solitaria para volverse uno colectivo, en el que lector y autor se encuentran para un extraño caso de lectura de la narrativa, pero con fuertes tintes teatrales que buscan "representar" parte de esa ficción. El juego queda explicitado desde los primeros minutos: una escenografía ante un gran telón teatral. En ella, una mesa, una jarra con agua y un cartel que anuncia el nombre y el oficio del conferencista. Pero luego de esa primera impresión aparecerá el gran cambio que el paso de la escena independiente a la mainstream, como el mismo Casciari lo nombra, permitió. Hay aquí ahora cierto lujo representacional: recrear el living de su casa familiar en un absoluto protagónico Mercedes, ya que todos los cuentos lo involucran como espacio, como paisaje y como entregador de personajes típicos de un pueblo bonaerense. Por supuesto que el juego entre la ficción y la realidad será indescifrable, nunca sabremos cuánto de todo lo que allí se cuenta es verdad y cuánto no, y honestamente poco importa. Porque aquí de lo que se trata es de un modo de narrar y fundamentalmente de comprender el humor, y de permitirse la risa ante ciertos acontecimientos históricos muy dolorosos de la Argentina (la infancia de Casciari transcurre entre el contexto dictatorial y la presidencia de Alfonsín).El gran salto poético de este proyecto está determinado por la presencia de la madre del escritor, la mítica Chichita. No es la primera vez que un artista utiliza a sus propios familiares, o a no actores, para llevar adelante la propuesta artística (lo ha hecho recientemente José María Muscari con toda su familia, o mucho tiempo atrás Vivi Tellas con su mamá y su tía), pero en este caso el plus está determinado porque Chichita, la madre, es ya un personaje de la escena teatral argentina, por el "uso" que su hijo ha hecho de ella en su propia narrativa y en la literatura dramática. Al final se recrea -gran momento de cierre- la historia de escritura de Más respeto que soy tu madre, uno de los últimos trabajos del gran Antonio Gasalla en el escenario, cuya autoría es del propio Casciari y con un personaje central inspirado en esa madre mercedina, originaria de San Isidro.A lo largo de hora y media de relato, lectura, representación dramatizada, el público encontrará la infancia de un niño en un pueblo del interior, los juegos con sus compañeros, las pequeñas maldades que bajo el formato de broma fueron moldeando una identidad, los sueños aspiracionales de mudanza a la gran ciudad, el consumo de drogas, en el medio de un contexto social y político complejo: con la dictadura primero y la presidencia de Alfonsín luego, a lo que se agrega el desempleo y la crisis económica de la familia, más la hiperinflación como contexto general. El hijo -Casciari- va construyendo una mirada sobre la familia y su propia historia ante la mirada pícara de una madre que sabe que tiene un punto de vista diferente, pero que siempre ha visto en ese hijo a un genio. Y no cabe duda de que cuando al final Casciari abandone el chiste y se permita la emoción, habrá un reconocimiento pleno de cuánto esa mirada materna influyó en la construcción de una identidad que sabe que lo puede todo gracias, en parte, a esa confianza generada por esa primera -y secreta- gran lectora.A través de fotos que se proyectan -de un modo no muy prolijo- el espectador podrá ir encontrándose con momentos del pasado, pero también con toda una iconografía que, a los de mayor edad, le permitirán hacer un viaje en el tiempo, hacia un mundo habitado por teléfonos estatales negros, pesados y a disco, o a la aparición del increíble teléfono inalámbrico, que permitirá complejizar la técnica de esas bromas telefónicas. El descubrimiento de la pornografía, las tardes en el pueblo, el valor del dinero, la pobreza, son todos temas que van surgiendo a medida que Casciari nos invita a su viaje espacial y temporal, viaje al que desde el principio mismo le tenía mucha confianza. Con la llegada a Buenos Aires del escritor y su amigo el texto llega a su fin, sabiendo que en ese momento (por el presente escénico en el que lo encontramos a Casciari) los sueños se han vuelto realidad y eso que proyectaban en buena medida hoy lo tiene plasmado, y esa casa imaginaria de Villa Urquiza en donde comienza una nueva etapa concluye sobre el escenario, pudiendo afirmarse en ese momento que finalmente nada salió mal, más bien todo lo contrario.

Fuente: Infobae
01/05/2024 12:14

"El caso Asunta": cómo se grabó la escena del asesinato y las dos teorías del crimen

Ramón Campos ofrece un relato multidimensional del caso de Asunta Basterra Porto, desafiando a los espectadores a desenredar la madeja de evidencias y conjeturas

Fuente: Infobae
01/05/2024 11:09

La inesperada respuesta de Drake a Kendrick Lamar: una escena de "10 cosas que odio de ti"

La pelea entre los raperos continúa y esta vez el autor de "Taylor Made Freestyle" hizo alusión a una escena que parece aludir a un par de versos de Lamar




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