disco

Fuente: La Nación
22/10/2021 22:18

Duran Duran celebra cuatro décadas de la salida de su primer disco con un nuevo álbum

La leyenda que aparece en letras blancas sobre fondo negro en el trailer del vídeo de "Anniversary" (una de las flamantes canciones de Future Past, el nuevo disco de Duran Duran) dice: "No dejes que tus ojos te engañen. Esta fiesta está llena de gente que nunca antes habías visto". Y la aclaración viene a cuento de que durante los tres minutos cincuenta que dura el video de "Anniversary" se podrá ver un desfile de famosos (desde Elton John y la Reina Isabel hasta el 007 Daniel Craig, Lady Gaga y Billie Eilish), aunque, en realidad, son actores personificados. Incluso se ve a los Duran Duran reales y a dobles interpretándolos tal como lucían cuarenta años atrás. Porque Future Past es, de algún modo, una manera de autoevocarse y autocelebrarse.En 2021 se cumplen cuatro décadas del lanzamiento del primer álbum del grupo. La manera como Simon Le Bon y compañía pensaron celebrarlo fue con un nuevo álbum que recoge, en parte, la estética de la new wave de los primeros años de la década del ochenta y vindica el synthpop con el que se han hecho famosos. No es un detalle menor que los coproductores de Future Past fueran, junto a los Duran Duran, los DJ Giorgio Moroder (una eminencia de la música disco) y el británico Erol Alkan (especialista en remixes y mash-ups). Tampoco será casual que desde la salida del álbum el tema más escuchado en plataformas digitales sea "More Joy!", con inconfundible influencia Moroder y, con uno de los cuatro feat. de la producción, en este caso se trata de la banda japonesa Chai. Future Past tiene de pasado al sonido Duran Duran y de futuro a una nueva generación que aceptó la invitación a participar del disco: Tove Lo, Ivorian Doll y Chai. Como excepción de este grupo sub 33 aparece el veterano Mike Garson, que aporta su piano en el último track, "Falling", por lejos la mejor pieza del álbum."Fue un gran honor para mí unirme a estas leyendas -dijo Tove Lo-. Cantar con la voz de Simon fue bastante surrealista. También soy una gran admiradora de Erol Alkan, ¡así que estaba muy emocionada de saber que estaba produciendo la canción! Es ese tipo de canción emocional que sigue construyendo desesperación y energía, por lo que quieres bailar y llorar al mismo tiempo. ¡Mi tipo favorito!", dijo sobre el track que compartieron, "Give It All Up".La devolución de gentilezas no se hizo esperar. "'Give It All Up' fue escrito en el estudio Flood, en Londres, con [el músico de Blur] Graham Coxon en la guitarra y Erol Alkan en la silla de productor. De todas las canciones del nuevo álbum, es la más influenciada por la música alternativa de baile minimalista -explicó el bajista John Taylor-. Acerca de esta canción, un amigo mío comentó: 'Suena como futuro pasado'. Y de ahí el título del álbum. Tove se subió a bordo después de pensar que habíamos dejado la canción, pero le encantó y quiso participar. ¿Quién se podría resistir? Y todos sentimos sin lugar a dudas que llevó la canción a un nuevo nivel, aportando una perspectiva de ida y vuelta que ofrece una comprensión más profunda de la letra. Realmente se trata de compromiso, con las ideas y con otras personas, y lo difícil que puede ser a veces honrarlos a ambos simultáneamente".Sobre el nombre del disco, Nick Rhodes explicó: "El título reconoce nuestra historia, pero también apunta hacia donde nos dirigimos ahora. Es bueno mirar al pasado para encontrar cosas que puedan funcionar en el futuro. Todas las formas de arte, ciertamente la música, siguen un camino natural de evolución. El viaje ha sido increíble para nosotros. Reconocemos todas las cosas fantásticas que hay, pero decimos: 'Hay mucho más por venir'".Los Duran Duran pusieron de esto y de aquello. Desde "Invisible" que abre la producción con un inconfundible funk al estilo Prince, hasta el toque Moroder de "Beautiful Lies". Del Duran Duran de pura cepa llamado "All of You" hasta la guitarra con Chorus de "Wing", un tema que coralmente es muy típico de la banda.En el lanzamiento del álbum, Nick Rhodes habló de los colaboradores del disco Erol Alkan, Giorgio Moroder y Graham Coxon: "Todos aportaron algo especial. Erol tiene una energía increíble con su mezcla de dance e indie. Graham estuvo con nosotros en cada paso del camino. Fue emocionante tener sangre nueva en la habitación. Incluso como el recién llegado a nuestro círculo de escritores, se adaptó muy rápidamente y aceptó el desafío de intentar hacer algo creativo y diferente".Duran Duran (Angela Barkan/)"Y Giorgio inventó la música electrónica dance", agregó Roger Taylor. "Somos grandes admiradores, pero nunca tuvimos la oportunidad de trabajar juntos. Conocimos a Giorgio en una cena de GQ, cuando nos entregó un premio. Nick se mantuvo en contacto con él y finalmente en este álbum todo se juntó, y he aquí, Giorgio llegó llevando un pequeño estuche con él, que tiene su teclado, conectado a una Mac. ¡Era como un médico! Era tan afilado como una tachuela y rebosante de creatividad. Realmente nos dirigió en el estudio. Estábamos asombrados".Para ellos, una fiesta dentro y fuera del estudio. Y si de fiesta se trata, hay que ver el video de "Anniversary", que trae consigo la fantasía de las celebraciones de la mansión Playboy, pero en este caso, producida en el Belvoir Castle de Leicestershire, con todos esos famosos... de mentira.

Fuente: La Nación
22/10/2021 13:18

Cómo suena 'Siervo', el último disco de Palo Pandolfo

Track 1 - "Doble Corazón": Suena un ritmo marcial con la guitarra marcando el tiempo. "No tengo casaâ?¦, toda mi vida en una flor". Palo Pandolfo rapea, habla de "la luz naranja, de la sanación". Tiene un eco confesional a "Sangre", aquella canción bandera de Los Visitantes pero llevada a 2021 con una carga emocional que casi asfixia.Track 2 - "Párpados": Acompañado por Fito Páez. El rosarino la escuchó y quedó fascinado. "Sale a reptar por América", canta Palo y la explosión pop también puede ser acústica.Track 3 - "Ovni": Suena Lulo en violoncelo, y Palo flota en una melodía que habla sobre la Luna y la libertad. La canción se revela en varias melodías y las cuerdas acarician al cantor místico. "Ovni" tranquilamente puede dialogar y competir con "Desarma y sangra", de Charly García.Palo Pandolfo: las transformaciones de un poeta fértilPalo Pandolfo (Leo Vaca/)Track 4 - "El alma partida": Tiene una clave rítmica del afro-pop y fue el primer adelanto de Siervo, tal vez el mejor reflejo sin oportunismo ni golpes bajos del daño y el dolor en tiempos pandémicos. Aquí Palo adelantaba la sonoridad del disco, acústico. "Nació a partir de retomar la frase de un poema que escribí hace un tiempo", dijo el músico.Track 5 - "La idea": Suena como a un tema perdido de Paul McCartney, etapa Wings. Pura cadencia y dulzura. Palo toca todos los instrumentos, guitarra, batería y percusión. "Acá va a cantar Mora Navarro", dice Belvis.Track 6 - "El viento": Un motivo folclórico con aires de chacarera y toques psicodélicos. Palo enumera todo lo que se llevó el vendaval, la tristeza de la letra no gana la pelea porque el groove domina a la canción. Aún falta agregar la voz de Sofía Viola y un arpa de voz a cargo de Daniel Melingo.Track 7 - "Endemoniado": "Ando siniestrándome, cosas que no quiero hacer", canta Palo y luego dice "me elevo y no puedo ver, no quiero ver". Suena despojado y la canción es una de las mejores baladas confesionales que haya escrito Pandolfo.Track 8 - "Tu amor": La idea de Belvis es retomar la primera versión del tema, sin guitarras eléctricas ni voces invitadas. Volver al espíritu Tanguito que tenía originalmente, con el tambor prestado a The Meters.Cómo se hizo "Tu amor", la última canción que lanzó Palo Pandolfo antes de su muerteTrack 9 - "Fe": Suena a Ritual criollo. Es una de las primeras canciones que nacieron de la alianza Belvis-Pandolfo. Todavía le falta una mezcla, aunque la letra tiene algo de suave himno combativo: "La fe es una estrella", dice.Track 10 - "Madrigal": "La compuso en una de las clases con el Performer, cuando llegué a la casa me dijo: 'Hice un réquiem para un pibe que murió en Moreno'", dice Belvis. La canción sigue la línea de "Barro tal vez" e incluye el sonido de unos grillos como aquella grabación de Luis Alberto Spinetta en Parque Leloir. "Son tomas de cinco minutos de grabaciones de grillos. Él me decía que eran los mismos grillos, 40 años después. Fue de las cosas que cuando murió dije: '¡No me dio el audio de los grillos!'. Y busco nuestro chat con Palo, y decía: 'Van los grillos'. Fue lo último que tuvo que hacer y lo hizo".Track 11 - "Humo al aire". Por una cuestión mística, Palo quería que fuesen 11 temas y la carga se percibe en la letra, llena de mensajes no tan ocultos: "Como pavo real floto en cadencias atmosféricas". Se escucha una armónica a cargo del padre de Don Cornelio. "Me contó que era armoniquista en los 80, pero que en aquella época era mal visto en el ambiente punk y dejó de tocar", dice Belvis.

Fuente: Clarín
22/10/2021 12:48

Cómo es "Siervo", el disco póstumo de Palo Pandolfo

Se editó este viernes 22 de octubre, y el artista, que murió en forma repentina, lo tenía casi terminado.

Fuente: Perfil
22/10/2021 09:18

Carca llega a La Usina para anticipar su próximo disco

Antes de que se termine octubre, el precioso recinto boquense recibirá al multi-instrumentista que construyó su carrera a base de autenticidad y virtuosismo. Leer más

Fuente: Página 12
22/10/2021 08:31

Del disco okupa de Santiago Motorizado a NHL 22 con motor Frostbite

Discos amigos, psicodelia pop, juegos educativos, horror argento, surf con leds, rastas en zancos, covers y arte en galerías.

Fuente: La Nación
22/10/2021 07:18

Después de nueve años, Caetano Veloso tiene un nuevo disco: "Nunca pensé en no grabar más"

Caetano Veloso sigue siendo un artista a los 78 años. Esto significa que sigue haciéndose preguntas. Meu coco, el flamante disco que estrena hoy y que representa el primero en nueve años con canciones nuevas, tiene algunas respuestas, pero, sobre todo, preguntas que son necesarias para la vitalidad del artista. Las preguntas que debe hacerse un músico para desafiarse y dar pasos adelante, para interpelar a su audiencia. Para cultivar la duda, dentro y fuera de su "coco". En el portugués "brasileiro" coco representa lo mismo que en el castellano argentino. El coco refiere a la cabeza y especialmente, a los mundos que cada una lleva dentro. En la de Caetano, entre tantas otras cosas, hay un puñado de bellas canciones, muy diferentes entre sí, pero que alcanzan, juntas, un trabajo homogéneo. En varios de esos tracks sorprende. La incertidumbre frente a la tecnología y, especialmente, internet. La idiosincrasia brasileña. La sutil mirada política. El ejercicio musical presente en refinados trabajos rítmicos. Y otras cosas que en este último tiempo rondaron el "coco" de Caetano.La mirada hacia su propia vida también está presente. Para la película Narciso em Férias (ese documental presentado en el Festival de Venecia en 2020, basado en los 54 días que Caetano estuvo preso en su país, a fines de 1968) el cantautor debió hacer un minucioso trabajo de revisión, dentro de su mente y de su alma. Seguramente también lo hace cuando comparte en redes una fotografía de su padre, y nota cuánto se le parece. ¿Cuánto puede haber de su historia en este disco? "Mucho", responde de manera lacónica, como puntapié de un ida y vuelta de preguntas y respuestas vía email en donde la reflexión sin prisa, profunda, está en cada pensamiento.-¿En los últimos nueve años pensó en algún momento que no volvería a grabar o simplemente creyó que un nuevo álbum sería posible cuando nacieran las canciones adecuadas?-Nunca pensé en no grabar más. Incluso grabé cosas esparcidas en estos nueve años. Lo que sí pienso muchas veces es que ya he escrito tantas canciones que es como si fuera una muestra de irresponsabilidad crítica. Pero quería y quiero hacer algo que justifique todo lo que vengo haciendo hace décadas. Así que todavía busco. Y en el verano de 2019 sentí ganas de componer y grabar. La pandemia simplemente me hizo postergar.-¿La mayoría de las canciones fueron escritas en 2020? ¿La pandemia de Covid-19 y la obligación de estar aislado le permitió terminar el álbum?- Primero lo retardó. Después decidí grabar en el pequeño estudio que hay aquí en mi casa. Las canciones son mayoritariamente pre-pandémicas.-¿Cuánto del apoyo familiar necesita hoy para hacer música? Sus hijos participaron de distintas maneras en este álbum y en una canción se refiere a su nieto.- Hasta los 28 años tenía la certeza de que nunca tendría hijos. También Dedé, mi primera mujer, estaba convencida de ello. Como si fuera un reloj biológico, entre los 28 y los 29 empecé a sentir la necesidad de generar a alguien. Los nenes, que eran una cosa que me enojaba, empezaron a encantarme. Yo estaba en el exilio, en Londres. Mi mujer no lo podía creer. Cuando volvimos a Brasil y estábamos viviendo en Bahía, ella concordó conmigo y nació Moreno. Eso fue la cosa más importante de mi vida adulta. Después de la larga gira nacional e internacional con Moreno, Zeca y Tom, período de profunda felicidad para mí, quise dejarlos libres para que hicieran lo que tienen que hacer por si mismos. Pero en "Meu Coco", los tres cantan el nombre Zabé (nombre popular de la princesa Isabel, que abolió la esclavitud) conmigo. Tom toca guitarra en "Autoacalanto", canción que escribí sobre su hijo. Y Moreno toca toda la percusión de candomblé de "Gilgal".El arte de tapa de Meu Coco, nuevo álbum de Caetano Veloso-¿Cuánto pudo influir la actualidad de Brasil en este álbum? Tal vez esta pregunta surge luego de escuchar canciones como "Não Vou Deixar" o "Pardo" .-Me alegra que se note el sentido político de "Não Vou Deixar". Yo repetía la frase frente a la televisión la noche que se contaban los votos para la elección presidencial. El hijo de un amigo dijo: "¡El abuelo está nervioso!". "Pardo" nació del uso que hoy se hace de la palabra. Mi padre era mulato. Mi madre parecía una indiana de piel clara y pelo negro. En un documento suyo estaba escrito "Color: parda". Y ella se reía de eso. La cantante Céu me pidió una canción para su disco de 2019 y yo pensé en algo sexual con un hombre negro. Y el yo lírico de la canción se auto-caracteriza como pardo.-A propósito de temas como «Anjos tronchos», ¿Cuál es la principal crítica o reflexión que se puede hacer sobre el avance tecnológico, internet y las redes sociales? ¿Su condición de efímero?- No creí que pudiera escribir una canción sobre ese asunto. Empecé con los ángeles "tronchos", pronto me acordé del ángel "torcido" del poeta Carlos Drummond de Andrade, pero, como no tengo conmigo un smartphone ni miro redes sociales, pensaba no encontrar lo que decir sobre esos ángeles torcidos del Valle del Silicio¨[Silicon Valley]. Poco a poco fui llegando a versos densos. Me acordé de lo que pasó con la Primavera Árabe. Llegué casi a la idea de meta verso en la escena en que se hace amor pantalla-a-pantalla, sin la piel. Y terminé celebrando a los poetas concretos y Billie Eilish.-En una entrevista con un diario español dijo que hoy se veía más a la izquierda de lo que podía estar años atrás. Algunas veces nuestras posiciones políticas se intensifican por el contexto que viven nuestros países. ¿Cuánto pudo influir el actual gobierno de Bolsonaro en su posición definida como "más a la izquierda"?-Bueno, a la izquierda de Bolsonaro yo estaba muy intensa y claramente, y eso era antes de verme a la izquierda de mí mismo. El cambio se dio por una crítica al liberalismo que trajo nueva perspectiva a mi visión histórica del mundo como lo conocemos. Fue el encuentro con la obra de Domenico Losurdo, que se dio porque leí el prefacio de un libro sobre África, escrito por el joven influenciador marxista Jones Manoel. Yo era más inocentemente liberal antes de leer los libros de Losurdo.Caetano Veloso (Aline Fonseca /)-Enzo Gabriel fue el nombre más elegido en Brasil en 2018 y 2019 para los recién nacidos. Su idea de pensar en esto desde una canción fue muy original. Al mismo tiempo, hay múltiples lecturas sobre este fenómeno. Moda, masificación, un deseo aspiracional (según las clases sociales). ¿Llegó a alguna conclusión o sigue investigando?-Sigo meditando y quiero investigar más. Desde cuando -y por qué- gente pobre y negra dio a sus hijos de generaciones anteriores a la mía (pero también a contemporáneos míos y a niños más jóvenes que yo) nombres de presidentes estadounidenses como Jefferson, Jackson, Washington. Hombres que fueros los padres fundadores de la primera democracia moderna pero que tenían esclavos negros.

Fuente: La Nación
21/10/2021 21:18

Rumbo Tumba, el disco de Facundo Salgado que une el folclore con la electrónica

Nació y creció en Campana escuchando música punk, pero acaba de editar un disco de folclore acústico y apuntes electrónicos inspirado por la belleza del río Paraná. La combinación parece extraña, pero cobra sentido cuando Facundo Salgado cuenta su historia. "Empecé tocando el bajo en la época de la escuela secundaria. En bandas de punk rock y hardcore. Escuchábamos mucho Fun People, Ramones, 2 Minutosâ?¦ A los 20 empecé a viajar por América del Sur: estaba estudiando Sociología en la UBA, me cebé mucho con la historia social latinoamericana y finalmente encontré un canal de expresión artística por ese lado".En aquellos años, Facundo buscó contagiarles a algunos amigos su entusiasmo para armar un proyecto folclórico, pero no hubo caso: "Estaban a puro punk y hardcore. Entonces me puse a grabar demos yo solo, con una portaestudio Tascam con casete. Eso fue en 2006â?¦ Ya tenía casi los mismos instrumentos que uso ahora: charango, cajón, semillas, algunos vientos y un bajo. Arranqué sin presiones, no era más que un juego privado. Ya en 2011, después de investigar mucho, pude comprarme una loopera. Y ahí nació Rumbo Tumba, que no tiene nada que ver con el punk en términos musicales, pero sí por el contenido de las letras y la parte ideológica, el famoso «hacelo vos mismo» que me marcó y está muy presente en mi oficio de músico autogestivo e independiente".Con Rumbo Tumba, Salgado ya lleva editados un EP -Cable Tierra (2015)- y dos discos -Madera Sur (2018) y el flamante Río Adentro, del que primero adelantó tres singles este año: "Cañaveral", "Monte" y "Fuego"-. El nuevo álbum tendrá una presentación oficial el 6 de noviembre a las 20 en Roseti Espacio (Gallo 760), en una velada que, además, incluirá la exhibición de un cortometraje y una muestra de fotos sobre el río Paraná de Matías Barutta.Tapa de Río Adentro."Matías fue clave en mi relación con el Paraná. Fue él, que ahora está a cargo de toda la parte visual del proyecto, quien logró interesarme en el río, que pasa por Campana, el lugar donde vivo, pero está un poco desaprovechado porque la costa está copada por grandes fábricas. Es una zona industrial, entonces la gente ni se acerca. Pero Matías fue desde chiquito un pibe de río: remaba, navegaba, así que lo conoce muy bien. Y él me enseñó y me enseña las magias del Paraná, me contagió el amor por el río".Salgado encontró en la costa de Campana lo que él describe como un "paraíso natural" y es la sensación placentera de ese hallazgo un poco inesperado lo que pretende transmitir a través de los siete tracks de Río Adentro, un disco muy personal, pero con el aporte valioso de algunos invitados: Luiz Gabriel Lopes, un cantautor brasileño; El Búho, un productor de música electrónica de Inglaterra, y Eva de Marce, una cantante francomexicana.En escena, Salgado suele convertirse en un hombre orquesta que aprovecha la tecnología para pintar todos los matices de su música. "Más que música electrónica, lo que incorporé son unas cuantas herramientas digitales. Todos los sonidos son orgánicos, puro instrumento acústico que voy loopeando. Grabo y mezclo en tiempo real varios instrumentos con una tecnología específica que me permite hacerlo en vivo", explica. Con ese plan sonoro consigue traducir poéticamente la fascinación por el Paraná, cuyo paisaje parece vibrar en cada tema de Río Adentro.

Fuente: Clarín
21/10/2021 18:48

Una ex "La Voz Argentina" y Pol-ka presenta el disco que compuso y produjo por Zoom durante la pandemia

Rocío Cravero está de gira nacional. Este jueves a las 21 actúa en Temperley, gratis.

Fuente: Clarín
17/10/2021 09:00

Diane Warren: la que escribió canciones para todos y ahora tiene dos Beatles en su primer disco

Compuso para artistas desde Aerosmith a Ricky Martin. Y se decidió a mostrar su propia voz.

Fuente: Página 12
17/10/2021 00:01

Carca: nuevo disco y show en la Usina del Arte

Doce años después de su último disco de canciones nuevas, Carca se prepara para un nuevo lanzamiento que aún no tiene título, pero que ya presenta en vivo. Desde su irrupción en los 90, el lugar que ocupa en el rock argentino se desmarca siempre de cualquier defnición tajante: claro, estará siempre asociado a Daniel Melero y Babasónicos, pero rescató el blues argentino, el glam, reivindicó a Juanse cuando nadie lo hacía y a Calamaro cuando no pasaba por su mejor momento. Clásico y moderno, hipnótico y carismático, prepara un gran concierto de regreso el viernes 29 en La Usina del Arte; el disco, por su parte, tiene colaboraciones de Javier Martínez, Julieta Venegas, Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, la armoniquista Ximena Monzón, Alambre González, Daniel Melero, Pablo Hadida, Graciela Borges y la familia completa de los Babasónicos. Un mapa que sólo él puede recorrer.

Fuente: La Nación
15/10/2021 07:18

Santiago Motorizado lanza su primer disco solista, con canciones que compuso para la serie Okupas

Siempre la realidad se antepone a los planes. Como todos, salvo quizás los conspiradores profesionales y de oficio dedicados a elucubrar especulaciones ominosas, Santiago Motorizado no imaginaba que una pandemia iba a poner en pausa la carrera en notorio ascenso de El Mató a un Policía Motorizado -un nuevo disco en ciernes en cuya elaboración se podía haber empezado a trabajar, shows en Argentina, América Latina y Europa suspendidos-. Tampoco que Bruno Stagnaro iba a proponerle rehacer la banda sonora de Okupas, la gran serie estrenada en octubre de 2000, cuando la Argentina una vez más tenía todos los boletos comprados para irse al descenso, y que ahora reapareció retocada en Netflix.Esos dos hechos fortuitos e inesperados -uno problemático, el otro feliz y, al margen del azar, también resultado lógico de la capacidad para generar empatía de la banda que lidera- cambiaron por completo algunas ideas alrededor de las cuales Santiago venía trabajando. Entre ellas la de un disco solista que reuniría las canciones que más usualmente toca en vivo en su faceta solista. Temas como "El gomoso", "Hamilton" o "Amor en el cine", que ya eran pequeños hits entre el creciente grupo de seguidores de su aventura musical en solitario y no aparecen en el primer disco firmado por Santiago Motorizado.Este debut, en cambio, viene con diecinueve tracks que fueron cocinados con Okupas en mente y quedó diseñado como una carta de presentación diferente: un repertorio heterogéneo que incluye cumbia, folklore, power pop y hasta algún experimento transformado en homenaje explícito a unos héroes entrañables y casi secretos del dance punk y el funk minimalista ("Liquid Liquid"), con una lista de invitados sobria y elegante: las voces de Vicentico, Daniel Melingo, Jorge Serrano, Ani Cartolano de Las Ligas Menores y Nina Suárez Bléfari, Nico Landa (guitarra), Tomás Carnelli (guitarra), Alejandro Tula (bombo legüero), Javier Acevedo (acordeón), Sergio Rotman (saxo), Javier Macías (percusiones en las cumbias), Guillermo Ruiz Díaz (baterista del El Mató) y hasta dos familiares: papá Felipe y Facundo, uno de los hermanos de Santiago, que se sumaron a los coros del emotivo tema "Un día no vas a estar".Santiago Motorizado (DIEGO SPIVACOW / AFV/)Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro", el álbum que fue entonces hijo de una serie de circunstancias difíciles de prever hace no tanto tiempo, ya está en plataformas de streaming y será presentado en vivo con un show a toda orquesta en el Teatro Coliseo, el 29 de octubre. Una apuesta fuerte para la que no faltará respaldo de amigos: Santiago intentará que la mayor parte de los que lo acompañaron en el disco suban a escena. Para que sea una celebración completa.En el dialecto de El Mató, hace rato que concierto es sinónimo de celebración. Así lo entiende y lo comunica la banda, así lo asumen y disfrutan sus fans. En este caso se trata de una fiesta especial. El nombre del disco y la hermosa portada que creó Santiago aluden de forma directa a la historia de la serie para la cual trabajó componiendo música a lo largo de casi dos años y también develan el interés del autor por la dinámica y los rituales de la amistad, un valor que siempre ha cuidado y que está en primer plano en estas canciones. Esa será la energía rectora en la esperada noche del Coliseo.-Para tu primer disco solista tenías unas cuantas canciones que venías trabajando desde hace años pero al final terminaron saliendo otras mucho más nuevas. ¿Qué pasará con esos temas que solías tocar en vivo hasta que la pandemia obligó a parar todo?-Las de este disco efectivamente son todas canciones hechas en 2020, durante el proceso de musicalización de Okupas. Fueron surgiendo de acuerdo a lo que pedía cada escena. Bruno Stagnaro, el director de la serie, tuvo que cambiar la música original y entonces me pidió usar canciones de El Mató en siete escenas concretas. No me pidió que las volvamos a grabar, esa fue una idea nuestra. Después me contó que tenía que hacer reemplazos de música en otras cuarenta y cinco escenas, entonces les propuse componer especialmente para esa necesidad. Me apoyé en la música original que tenían, intenté mantener el mismo espíritu en cada caso. La heterogeneidad del disco tiene que ver con la heterogeneidad de la banda sonora original de Okupas. Hay rock, folklore, cumbia y después cosas muy puntuales: música electrónica para una escena en un boliche, alguna salsa para la previa de la noche en ese boliche, una canción de Sandro para un pasaje en un kiosco, un tangoâ?¦ Hasta hicimos un cover de "Libros Sapienciales", de Vox Dei, que quedó afuera.-Y con respecto a las canciones que solés tocar en vivo...-Primero se filtraron en YouTube. Están las versiones de las maquetas, con guitarra y voz. Yo las tenía en la computadora, se las pasaba a algunos amigos y al final alguien las recopiló, no sé bien cómo, y las subió. No me gustó mucho porque la idea era grabarlas bien, pero igual se generó algo con esos temas medio desnudos que estuvo bueno. Entonces los empecé a grabar en Romaphonic, en diciembre de 2016, en un hueco que se hizo en la actividad de El Mató. Un mes más tarde me fui con la banda a grabar La síntesis O'Konor a Estados Unidos. -¿Qué significó ese disco para la banda?-Cambió la vida del grupo, todo se volvió muy intenso, no hubo espacio para continuar con mi disco solista. Después llegó la pandemia y pensé que era un buen momento para retomarlo, pero me puse a escuchar lo que había grabado y no me convenció. No era un problema con las canciones, sino con la forma en la que había encarado la producción. Decidí volver a grabarlas, pero apareció lo de Okupas, que tuvo la prioridad durante casi un año. Y en febrero de este año finalmente grabé de cero esos temas con Pipe (107 Faunos) y Tom (Bestia Bebé). En realidad grabamos las baterías, los bajos y algunas guitarras acústicas. Son veinticinco canciones, más o menos. Pero ahora estoy enfocado en el disco de Okupas. Espero que no pase mucho tiempo para editar ese material que quedó a medio terminar, pero tampoco tengo tanto apuro. No lo voy a encarar hasta que vuelva a conectar con esos temas. Son los riesgos de dejar proyectos por la mitad...Santiago Motorizado (DIEGO SPIVACOW / AFV/)¿Cómo se hace para lograr un estilo y un sonido propios con un repertorio nacido por encargo y tan diverso en términos genéricos?-Las canciones que todavía no edité ya tenían un sonido porque las toqué mucho en vivo. Lo que me interesa es hacer un recorrido diferente al que hago con El Mató. Obviamente, hay puntos de contacto porque soy el compositor de los dos proyectos. Pero también hay diferencias: las letras que hago como solista tienen más humor, y la música no tiene la misma impronta que la de El Mató.-Solés cambiar bastante de acompañantes en esos conciertos como solista. ¿Eso no dificulta la elaboración de un sonido?-Puede conspirar un poco, sí. Pero me divierte ir rotando a los amigos que dan una mano. Todos tienen otros proyectos, así que es difícil comprometerlos más. Me gusta que alguien vaya a dos shows diferentes y pueda ver versiones distintas de las mismas canciones. No estoy obsesionado con encontrar "un sonido". Aquello que me hizo ruido cuando escuché la primera grabación de mis canciones solistas tiene que ver con la producción. Grabamos todos juntos, como si fuera una sesión en vivo, y no me gustaba mucho mi guitarra, sobre todo. Ahora queremos hacer una grabación más de laboratorio, con cada instrumento por separado.El Mató a un Policía Motorizado estuvo en stand by un buen tiempo, pero ya se prepara para encender motores de nuevo. La banda acaba de editar Unas vacaciones raras, las siete reversiones de los temas que eligió Bruno Stagnaro para Okupas más un inédito hecho especialmente para la serie, titulado "La otra ciudad". Aunque no hay nada confirmado, es probable que haya un show en Buenos Aires antes de fin de año. "Queremos volver a tocar en condiciones parecidas a las habituales antes de la pandemia: que la gente pueda bailar, moverse, sin burbujas, cintas ni sillas- explica Santiago-. La experiencia de El Mató en vivo no funciona así. Teníamos la posibilidad de esperar, un lujo que no todas las bandas argentinas pueden darse, y ahora de a poco estamos programando fechas para el año que viene en Uruguay, Chile, México, el Primavera Sound en España. Tenemos también invitaciones para Colombia y Estados Unidos".-Ya tienen algunos bosquejos de canciones nuevas para el próximo disco. La síntesis O'Konor, como decías antes, fue una bisagra en la carrera de la banda. ¿Cómo será lo que se viene?-Seguramente la base será el sonido que dejó La síntesis O'Konor. Después, en la recorrida con la banda, cuando trabajamos las canciones, pasa lo que pasa. Es cuestión de juntarnos y ver las ideas que trae cada uno. Esa parte del trabajo es muy divertida y siempre estamos abiertos a que pase cualquier cosa. Eso quedó muy claro con el último disco: hay momentos musicales que son radicalmente diferentes a lo que veníamos haciendo.-Tus letras suelen apoyarse en la intimidad. Sin embargo a vos te interesa la política, lo que normalmente llamamos "la realidad". ¿Por qué todo eso aparece poco en tus canciones?-Me interesa la realidad, pero lo que me parece difícil es reflejarlo bien en las canciones. Quiero decir: hablar de eso y transformarlo en arte. En la vida cotidiana no me resulta difícil hablar de política, al contrario, me apasiona. Pero transformarlo en poesía me resulta complicado por ahora. Eso sale o no sale, no puedo forzarlo. Está bien explorar para ver qué pasa, pero hasta un punto, ¿no? Tenés que transmitir naturalidad, frescura... Igualmente, aunque no aparezcan explícitos, esos sentidos están. Hace un tiempo me escribió la madre de una chica que escucha a El Mató para contarme que su hija pensaba que una canción, "La noche eterna", hablaba de algo específico. Me puso contento porque hasta dónde sé era la única persona que lo entendió así y no estaba equivocada. Pero es un asunto que no me preocupa mucho. Sí me parece importante dejar siempre un espacio para que el receptor ponga su propia experiencia en juego cuando escucha la canción. Eso sí es fundamental para mí.-No tenés una actividad tan intensa como otros colegas, pero usás redes sociales. ¿Cómo lo vas manejando? Hoy decir algo ambiguo o que se preste para más de una interpretación puede provocar un pequeño escándalo.-Les presto bastante atención a las redes sociales. El Mató tiene una community manager, pero como estuvimos mucho tiempo sin tocar, yo me metí un poco más para subir alguna foto vieja, para hacer cosas destinadas a mantener vivas esas vías de comunicación con los demás. Son un mal necesario, al fin y al cabo. Yo viví las dos etapas como músico: el mundo previo a la aparición de las redes sociales, cuando íbamos a pegar afiches con engrudo en la noche platense, una actividad divertida pero bastante trabajosa, y ahora este mundo súper virtual en el que podés comunicar todo desde tu casa. Para organizarte y promocionar fechas, es mejor y más cómodo. Pero claro que tengo muy presente todo el lado B de las redes sociales, toda la basura que generan. ¿Cómo te rebelás contra algo tan omnipresente? Rebelarse sería vivir offline. En ese caso tratar de que tu música llegue a más gente sería como tirar una botella al mar. Pero sí es cierto que me deprimen mucho algunas cosas que pasan en las redes sociales. El día que cierren Twitter voy a hacer una fiesta.-¿Estás atento a las discusiones que hay en torno al alcance de estas nuevas tecnologías entonces?-Sí, me interesa lo que está pasando con Facebook, con todas las cosas que se empiezan a discutir, con cierto delay para mi gusto, pero mejor tarde que nunca. Vamos a ver si se regula, si cambia algo. Está bueno que exista la discusión. Estamos en un momento crítico porque es un fenómeno muy poderoso que hay que desarticular antes de que sea demasiado tarde. Lo más deprimente en el caso de los artistas es que desde el que empezó hoy con la música hasta Justin Bieber, un consagrado que es número uno en Spotify, todos hacen las mismas cosas, la misma operación de filmar el desayuno, el almuerzo, el paseo, la cena. Se sigue a rajatabla la lógica de un algoritmo elemental, es como una especie de dictadura. Un músico tuvo siempre sus canciones y lo que estaba alrededor de ellas. Eso es lo que importaba. Hoy es todo un gran lugar común digital.-Hablemos de alguien que hizo lo mejor de su carrera cuando todo esto de lo que hablás no existía. Cumple 70 años, es una buena oportunidad para decir algo sobre Charly García.-Charly es un grande de la música argentina, sobre todo porque tuvo siempre una propuesta que llegó y llega a mucha gente, pero manteniendo un gran cuidado artístico y conceptual, algo muy puro y a la vez muy de vanguardia. Charly respetó mucho ese camino y a la vez sonó un montón en la radio, es un artista muy popular. Casos así son cada vez menos frecuentes y suelen reconocerse con retraso. En el presente se celebra el hit, lo más fácil. Además de la gran música de sus discos icónicos de los años 80, las declaraciones que hizo y su particular forma de ser también rompieron los moldes. Eso es muy inspirador, se extrañan los artistas así.-Siempre hay que tener cuidado con las trampas de la nostalgia, de todos maneras. Hoy se hace buena música también, ¿o no?-Creo que muchas de las cosas más geniales que suceden dependen demasiado de que un equipo de productores esté trabajando antes de grabar un disco para dejar todo bien ajustado. Salen cosas brillantes, claro, pero parece haber quedado atrás la época en la que el propio músico era el encargado de su obra. Era un proceso más común que el músico buscara diferenciarse, hacer sus pequeños movimientos de vanguardia, innovar, ir en busca de lo diferente, sin que haya cinco productores metiendo mano. Y Charly representa muy bien esa época que yo al menos añoro.Santiago Motorizado, fanático del Lobo platense y de Maradona (DIEGO SPIVACOW / AFV/)-Más ídolos: ya eras fan de Diego Maradona, ¿pero qué te pasó con su paso por Gimnasia, el club del que sos hincha?-Fue una experiencia que obviamente le sumó mucho a lo que ya sentía por Diego. El primer Mundial que vi con conciencia fue el del 94, con toda la épica del regreso. Fue como una película de Spielberg. Hay algo de esa potencia de Maradona como personaje que te marca. Que haya ido a Gimnasia fue un plus. Y su muerte temprana también fue un plus para aferrarse a ese cariño. No solo murió Maradona, sino un fútbol que era más amateur, menos robótico que el de hoy. Es verdad que ahora se juega a un nivel superior por la precisión en velocidad que tienen los futbolistas, pero yo extraño otras cosas del fútbol que también le daban belleza, gracia, diversión.-Como futbolista encontraste un compañero aplicado como Vicentico. Al margen de lo que viven y comparten en la cancha cuando juegan, ¿hablan del oficio de la música?-Yo me siento muy identificado con la manera en la que él vive la música: con mucha pasión, pero relajado. Eso también es inspirador para mí. Saber que hay alguien que se maneja así por más que esté en otro plano, porque Vicentico es muy famoso, muy reconocido internacionalmente, y eso es más complejo de llevar, repercute mucho en tu día a día. El rock argentino ha sido siempre muy solemne. Y él le escapa a eso. Ya lo notaba cuando escuchaba sus entrevistas, o cuando leía su poesía. Conocerlo me confirmó eso. Es alguien que sabe reírse de sí mismo y no por indolente, todo lo contrario: es una persona que ama la música con una gran intensidad pero que logra vivirlo sin solemnidad. La solemnidad es un peligro, puede destruir todo.-Con matices, Vicentico, Ricardo Mollo, el Indio Solari han mantenido a lo largo de sus carreras una relación controlada con la prensa. ¿Los ves como buenos ejemplos para seguir?-Vicentico, Mollo y el Indio tienen la ventaja de no necesitar mucho de la prensa. Y también son artistas que crecieron en otro contexto que el mío. Hoy hay muchos más medios que hace unos años. Muchísimos más. Sobre todo con imagen. A mí me perturba la radio audiovisual. No me gusta que haya cámaras en una radio, le quita la magia al medio. Nosotros hicimos pocas cosas en televisión, y fue una elección pensada. Esquivamos esos lugares todo lo que pudimos porque no nos copa mucho ese mundo. Me acuerdo de que la primera vez que hicimos una gira en México tuvimos que hacer una rueda de prensa interminable. Estuve por llorar del cansancio que me produjo. Es angustiante tener que repetir lo mismo durante todo un día. Terminé con una falta de energía en el pecho tremenda. Casi invento un sentimiento nuevo: llorar por dar entrevistas (risas). Hace años las cosas eran muy distintas: hacías los dos diarios principales, un par de radios y listo. Algunos de estos artistas de los que estamos hablando eligieron no hacer ni siquiera eso y les funcionó. Es algo para tener en cuenta, en todo caso.-Hace unos años, siguiendo con las apelaciones al pasado, si alguien llegaba a la Argentina y preguntaba por una banda nueva, diferente, era altamente probable que aparezca en la conversación El Mató a un Policía Motorizado. Hoy ya están en otro lugar, acumularon años de carrera, crecieron en convocatoria, fueron nominados para premios que otorga la industria. ¿Vos te sentís cómodo en ese lugar?-Es algo inevitable. Sucede que las bandas tienen un punto específico, un momento preciso en el que son novedosas, de vanguardia, un secreto a voces que está emergiendo y a punto de generar una explosión, digamos. Bueno, ese momento dura muy poco. Dura muy poco para cualquiera, ¿eh? Después el recorrido es otro. Todas las etapas están buenas. Y es conveniente tener presente que hay que ir a ver a las bandas cuando están arrancando, cuando tocan en lugares pequeños, cuando escuchás un comentario de alguien que dice que hay que ver algo porque está bueno. Ese es un momento único de una banda. En las últimas celebraciones de El Mató estuvo lleno de gente, mucho más que en aquellos momentos de ebullición loca y mágica de hace unos años. Yo lo disfruto más ahora, pero eso es algo muy personal. Sí nos corresponde estar con el cerebro y la energía puestos en ese lugar de vanguardia como objetivo. Posiblemente ya no generes esa emoción relacionada con el misterio y la magia del momento de la explosión, pero sí podés proponerte como artista estar atento, generar pequeñas revoluciones dentro de tu obra. Un buen ejemplo de eso es Babasónicos, que tuvo su momento mágico ya lejano, el momento en el que aparecieron en escena, después hubo una época de popularidad muy potente y ahora, más allá de que ya son un clásico del rock nacional, siguen en constante búsqueda de renovarse. Eso le da mucho aire a un proyecto artístico. Es la actitud que debés tener con tu obra. Ese momento mágico del que hablo no les sucede necesariamente a todos los artistas, pero no importa. Siempre están las canciones que hiciste. La potencia que pueden tener, más allá del prestigio y el reconocimiento que acumulen.

Fuente: La Nación
15/10/2021 04:18

Salió el primer adelanto del nuevo disco de Adele, "Easy On Me": una canción que viaja entre su divorcio y su nueva relación

Una secuencia en blanco y negro pretende retratar el ayer. Un minuto de silencio interrumpido por el viento y una llamada telefónica entrecortada por problemas con la señal. Tras esto, la protagonista se sube a un auto, pone un casette y empieza la música mientras ella deja atrás una casa. Entonces sí: la escena es completa, y Adele domina la imagen y el sonido. Lo que se escucha es "Easy on me", el primer adelanto de su nuevo disco, 30, que -según ella misma confirmó- se lanzará el viernes 19 de noviembre.El videoclip de este nuevo tema dialoga casi como un alterego del que ilustra al hit "Hello" (ambos fueron realizados por el director y editor Xavier Dolan, el productor ejecutivo Jannie McInnes, los productores Nancy Grant y Xavier Dolan, y el cinematógrafo André Turpin). En aquella ocasión, el video estaba grabado en sepia. Allí, Adele se bajaba de un auto, conversaba por teléfono con alguien sobre los problemas con la señal, llegaba a una casa, borraba las señales de abandono que habitan en el lugar, y se instalaba.Con la emoción de su voz como insignia, "Easy on me" muestra a Adele despidiendo esa casa -que ahora se pone "en venta"-, marcada por una desesperanza que se tiñe de colores sobre el final. En los versos, la artista de 33 años confiesa haber cambiado para priorizar a un otro y cuenta que "no tuvo la posibilidad de elegir lo que eligió hacer". Su voz cala tan hondo que canta acompañada solo por un piano.Todo parece indicar que la historia detrás de este tema está atravesada por su divorcio -en 2019- con Simon Konecki, con quien se casó en 2018 después de siete años de noviazgo y con quien tiene un hijo en común. "No era feliz, simplemente hacía las cosas porque tenía que hacerlas", contó Adele a la revista Vogue. Y añadió: "Ninguno de los dos hizo nada malo, no nos lastimamos ni nada por el estilo, solo quería que mi hijo me viera amando a alguien y siendo amada".Quizás esta nueva canción sea una especie de carta dirigida a ese "alguien", que ya tiene nombre: hace un mes, Adele confirmó que está en una relación con Rich Paul, el representante de LeBron James. En las líneas de este nuevo tema, la cantante parece contarle por lo que pasó, exponer su vulnerabilidad y, de alguna manera, pedirle que la cuide. View this post on Instagram A post shared by Adele (@adele)Sin embargo, la británica explicó que no es un álbum "de ruptura", sino que invita a la introspección. "Habla del divorcio de mí misma, de cómo necesitaba reacomodarme y estar bien", sostuvo al conversar con dicha revista.Además, en un posteo que compartió en sus redes sociales contó que, en los casi tres años que le llevó preparar este disco, intentó refugiarse en la rutina y en estas canciones para sentirse a salvo en medio de lo que define como la etapa más turbulenta de su vida. Según dijo, finalmente encontró la paz y -por eso- se sintió lista para sacar este proyecto a la luz.El video de "Easy on me" recolectó más de 8.670.000 visualizaciones en YouTube las primeras 5 horas.

Fuente: La Nación
13/10/2021 21:18

Adele reveló la portada y la fecha de lanzamiento de su nuevo disco

Luego de dar a conocer el nombre y la fecha de lanzamiento del primer single, "Easy on Me", que se podrá escuchar a partir del viernes, Adele finalmente mostró la portada de su cuarto disco, 30, y reveló el día del lanzamiento: viernes 19 de noviembre.En la tapa del álbum que llega seis años después del aclamado 25, vemos a la artista británica de perfil, luciendo una larga cabellera rubia, con un fondo azul verdoso. Asimismo, Adele compartió una reflexión en su cuenta de Instagram vinculada al proceso creativo de 30, que continúa con el patrón de la cantante de relacionar los títulos de sus trabajos con la edad que tenía cuando los compuso. View this post on Instagram A post shared by Adele (@adele)"Ciertamente no estaba ni cerca de dónde esperaba estar cuando comencé el álbum hace casi tres años. En realidad, todo lo contrario. Confío en la rutina y la constancia para sentirme segura, siempre lo he hecho. Sin embargo, allí estaba yo sabiendo, incluso voluntariamente, que me estaba arrojando a un laberinto de absoluto desorden y confusión interior", escribió la cantante de "Hello" en un extenso texto. "Aprendí muchas verdades sobre mí en el camino. Me despojé de muchas capas, pero también me envolví en otras nuevas. Siento que finalmente encontré mis sentimientos nuevamente. Me atrevería a decir que nunca me había sentido tan tranquila en mi vida", expresó Adkins.La confesión de Adele sobre su divorcio de Simon KoneckiAdele habló por primera vez de su divorcio de Simon Konecki: "No era feliz" (Kevin Mazur/)En una reciente entrevista con la revista Vogue, Adele se explayó, entre otros temas, sobre su divorcio en 2019 de Simon Konecki, con quien se casó en 2018 tras siete años de relación y un hijo en común, Angelo. "No era feliz, simplemente hacía las cosas porque tenía que hacerlas", declaró Adele. "Ninguno de los dos hizo nada malo, no nos lastimamos ni nada por el estilo, solo quería que mi hijo me viera amando a alguien y siendo amada", confesó la artista, y añadió que desde entonces está buscando "la verdadera felicidad". Asimismo, elogió a su exmarido, asegurando que le confía hasta su propia vida. "Elegí a la persona perfecta para tener a mi hijo, esa es una de las cosas de las que más orgullosa me siento", subrayó.Adele en la portada de la versión británica de VogueAdele contó que vive muy cerca de Konecki, con quien comparte la custodia de Angelo, y que organizan cenas familiares para ver películas. "No es un ex cualquiera, es el padre de mi hijo", remarcó. Respecto a su niño, de 9 años, la artista expresó que si bien necesitaba priorizar su felicidad, el divorcio afectó profundamente a Angelo. "Era infeliz, pero si puedo encontrar la felicidad y si él logra verme feliz, entonces ahí podré perdonarme definitivamente por eso", reflexionó. "Una vez Angelo me preguntó si realmente lo estaba viendo, y en ese momento me quebré. Entonces empecé a compartirle lo que pasaba", sumó la artista, quien comenzó terapia a raíz de la separación. "Lo hice para sentarme con la Adele de siete años, para hablar sobre mi papá, que era algo que estaba evitando", dijo la cantante en referencia al complejo vínculo que tuvo con su padre, Marc Evans, quien la abandonó cuando tenía dos años, y quien falleció este año de cáncer.Adele, en pareja con el agente Rich PaulEn cuanto a la temática de 30, Adele aseguró que no es un álbum "de ruptura" como sus predecesores sino de introspección, como bien remarca en el texto que publicó en sus redes este miércoles. "Habla del divorcio de mí misma, de cómo necesitaba reacomodarme y estar bien, porque la culpa también le puedo tener yo", expresó, y confirmó estar en pareja con Rich Paul, el agente de LeBron James, con quien se sacó su primera selfie oficial para Instagram el pasado 19 de septiembre.

Fuente: La Nación
13/10/2021 13:00

Primer disco de polvo en un joven super-Júpiter que puede formar lunas

Un equipo dirigido por astrónomos de la Universidad de Leiden ha caracterizado por primera vez un disco de polvo que rodea a un joven super-Júpiter, que es un planeta gigante o una enana marrón.Utilizaron las llamadas observaciones de imágenes directas en longitudes de onda del infrarrojo medio. Detectaron emisiones del disco y especulan que se pueden haber formado lunas. Los investigadores publicarán sus hallazgos en The Astronomical Journal.Los astrónomos esperaban que los gigantes gaseosos jóvenes y las enanas marrones tuvieran un disco de polvo a su alrededor que puede formar lunas, similar a la formación de planetas en un disco alrededor de una estrella joven. Existe, por ejemplo, evidencia de un sistema de anillos gigantes que se descubrió en las variaciones de brillo de una estrella cuando los anillos pasaban por delante. Ahora, por primera vez, los investigadores han examinado en detalle la radiación térmica de un disco de gas y polvo alrededor de un super-Júpiter masivo.Se trata del planeta gigante, o enana marrón, llamado GQ Lupi B. El objeto se encuentra en la constelación meridional de Lupus, a unos 500 años luz de la Tierra. GQ Lupi B es mucho más pesado que Júpiter y tiene una órbita más de 20 veces más ancha alrededor de su estrella principal que la que tiene Júpiter alrededor de nuestro sol.El origen de este tipo de objetos es un misterio. No está claro si GQ Lupi B se formó a través de una ruta similar a un planeta o una estrella. GQ Lupi B fue descubierto en 2004 cuando se tomó una fotografía de alto contraste de la estrella GQ Lupi. Desde entonces, astrónomos de todo el mundo han estado investigando la atmósfera y el movimiento orbital de este super-Júpiter.En el estudio reciente, los astrónomos utilizaron los instrumentos NACO y MUSE. Estos están vinculados al Very Large Telescope del Observatorio Europeo Austral en Chile. Usando la cámara infrarroja NACO, los astrónomos observaron luz infrarroja proveniente del disco de polvo. A partir de esto, determinaron que el disco es mucho más frío que la atmósfera caliente de GQ Lupi B. Los investigadores sugieren que la baja temperatura indica una cavidad central en el disco. Sospechan que el polvo pudo haber sido arrastrado aquí por la formación de lunas. Pero también podría ser que el disco esté influenciado por un campo magnético de GQ Lupi B.Usando MUSE, un espectrógrafo estable que opera en la parte visual del espectro de luz, los investigadores midieron la llamada radiación H-alfa. Esto indica que GQ Lupi B sigue creciendo, gracias al suministro de gas de su propio disco y posiblemente también del disco de la estrella alrededor de la cual orbita este super-Júpiter.En el futuro, los investigadores esperan examinar el disco de GQ Lupi B con más detalle. "El telescopio espacial James Webb se lanzará pronto y ofrece oportunidades interesantes", dice en un comunicado el líder de la investigación Tomas Stolker, de la Universidad de Leiden. "Webb puede tomar espectros en longitudes de onda del infrarrojo medio. Eso es un gran desafío desde la Tierra. Al hacerlo, podríamos aprender mucho más sobre los procesos físicos y químicos en el disco de GQ Lupi B que pueden permitir la formación de lunas".Con el descubrimiento de nuevos exoplanetas, no siempre está claro si el objeto es un planeta o una enana marrón. Esto es especialmente difícil de determinar para objetos observados directamente como GQ Lupi B porque sus masas a menudo son inciertas. Es por eso que los investigadores tienden a mantener la mente abierta y hablar de "un planeta gigante o una enana marrón" al mismo tiempo. Y es por eso que la B en GQ Lupi B a veces se escribe con mayúscula (porque es una enana marrón) y otras con minúscula (porque es un planeta).

Fuente: La Nación
13/10/2021 11:00

Tattoo You, el disco hecho con descartes que salvó a los Rolling Stones e impuso una tregua en la pelea entre Mick Jagger y Keith Richards

Entonces, el tatuaje en la cara ¿no es una invención del trap? Para construir a Queequeg, el arponero caníbal de Moby Dick, Herman Melville utilizó un retrato grabado en madera durante el año 1830. Allí, el líder maorí Te PÄ?hi Kupe miraba de soslayo a su artista y lucía con orgullo las líneas laberínticas marcadas sobre su rostro. Un siglo y medio después, el fotógrafo Hubert Kretzschmar recibió a los Rolling Stones en su estudio del West Broadway de Nueva York. Les pidió que se sacaran sus camisas y, de la cintura escapular hacia arriba, los fotografió en estricto blanco y negro. Aunque el disco nuevo se llamaba Tattoo (misteriosamente, el "you" se añadió a último momento), no estaban dispuestos a tatuarse para la tapa. ¿O para qué diablos le pagaban a un ilustrador? Sobre su escritorio, Christian Piper ya tenía las fotos y el retrato Te PÄ?hi Kupe como referencia. Sus modelos posaban serios y desafiantes. Aunque estaban por sacar uno de los mejores discos de su carrera, Mick Jagger y Keith Richards no estaban precisamente de luna de miel."Durante aquella época había empezado a fluir entre Mick y yo una corriente amarga", dice el guitarrista, en sus memorias. "Surgió de un modo bastante inesperado y para mí fue una conmoción. La cosa venía de los tiempos en que yo dejé la heroína. Escribí una canción titulada 'All About You', que se incluyó en Emotional Rescue en 1980 y en la que yo cantaba, cosa rara por aquel entonces. La gente a la que le da por analizar las letras de las canciones suele interpretarla como un tema para despedirme de Anita [Pallemberg, su pareja hasta entonces]. Las canciones nunca tratan de una sola cosa, pero si esa canción es sobre algo concreto, seguramente es más sobre Mick. Había algunos dardos apuntando en esa dirección. Por aquel entonces yo me sentía profundamente herido. Me di cuenta de que Mick había aprovechado algunos aspectos de mi adicción: como mínimo, eso había permitido que yo no interfiriera en los asuntos del día a día"."Michelle", la historia de la "loca cancioncita" con la que Paul McCartney simulaba ser francés en las fiestas parisinasAgradecido y dispuesto a relevarlo de la carga, Richards se encontró con Jagger aferrado al timón de la banda. Cero ganas de soltarlo. Después de años y años de tomar las decisiones en soledad, el cantante le había encontrado el gustito. ¿Quién puede culparlo? La tripulación, por lo demás, estaba absolutamente dispersa y disminuida. En el núcleo indivisible de los Stones, Jagger y Richards se disputaban tácitamente el poder. Charlie Watts era el mejor baterista del planeta, pero no tenía pasta como mediador. Ronnie Wood, por su lado, estaba fuera de combate. A ver: realmente se te tiene que haber escapado la tortuga para que Keith Richards entre de noche a tu casa solo para rescatarte.Apostado en Mandeville Canyon, Wood había comenzado un empinadísimo descenso al séptimo círculo del infierno. Su casa era una procesión permanente de aduladores, garroneros y meros adictos que, desparramados al tuntún en los diferentes ambientes, pululaban alrededor del Rolling Stone caído en desgracia. Con los planes de un disco y una gira por delante, Keith irrumpió en el baño y encontró a Ronnie con el teléfono y un par de yonquis sentados en la bañera. Decidido a medir los alcances del descenso, Keith se sentó en el inodoro y se puso a hacer lo suyo. ¿Todo bien, Ronnie? Nadie le dio bola.Mientras Richards intentaba poner en vereda a su socio, Chris Kimsey se acercó a la banda con una idea muy oportuna. Ya que no estaban en la mejor forma para ponerse a componer canciones nuevas, por qué no arremangarse y ponerse a revisar la bóveda. Kimsey no se estaba tirando a la pileta así nomás. Sabía de lo que hablaba. Como ingeniero de grabación, había participado de la grabación de Sticky Fingers (1971), Some Girls (1978) y Emotional Rescue (1980). "Me pasé tres meses revisando las cintas de los últimos cuatro, cinco álbumes y encontré cosas que habían sido olvidadas o rechazadas en ese momento", recuerda Kimsey. "Después se las presenté a la banda: 'escuchen, chicos, tienen todas estas cosas geniales guardadas en las latas y es un material excelente. Hagamos algo con esto'".Mick Jagger y Ronnie Wood en Rotterdam, en 1982 (Gie Knaeps/)Todos la damos por sentado. Sin embargo, aunque usted no lo crea, hubo un tiempo en el que no existía una canción llamada "Start Me Up". Existía una suerte de reggae (mejor aún, de rocksteady) llamado "Never Stop", abandonado durante las sesiones de Some Girls con una letra medio garabateada en lápiz. Nada especial. En algún punto, sin embargo, la canción comenzó a despegarse de su síncopa jamaiquina y se radicalizó sobre el riff. En lugar de sumar cosas, la banda operó por sustracción y encontró los silencios adentro de la canción. Cuando se quisieron acordar, estaban tocando "Start Me Up" tal y cual la conocemos. En ese sentido, si algo demuestra Tattoo You, es que una canción está lejos de ser solamente letra y música. Es, en gran medida, su arreglo."También tuve que escribir versos y melodías", dice Jagger. "Muchos de esos temas no tenían nada. Por eso se descartaban: porque estaban incompletos. Eran solo fragmentos". La pista principal de "Waiting on a Friend", por ejemplo, tenía casi una década y solo un puñado de líneas cantadas en falsete. Entre ellas, aquello de "esperar a un amigo". Incluso, como estaba compuesta y probada durante los días de Goats Head Soup, la guitarra de Mick Taylor se llevaba buena parte de los honores pero nada del crédito. Taylor no comía vidrio. Eventualmente, mandaría su correspondiente carta documento.La sensual "Slave" venía arrastrándose desde los días de Black and Blue y, además del piano de Billy Preston y la percusión de Ollie E. Brown, tenía un invitado de lujo como el gran Pete Townshend. Como sugiere su filo punkie, tanto "Hang Fire" como "Black Limousine" fueron rescatadas de Some Girls y al menos cuatro canciones salieron de los out-takes de Emotional Rescue: "No Use in Crying", "Neighbours", "Heaven" y "Little T&A". Todo jamón del medio. Cabe preguntarse entonces cómo es que, con tantos de sus descartes, se puede hacer un disco aún mejor que el propio Emotional Rescue. La respuesta está soplando en el vientMick Jagger, Ronnie Wood y Keith Richards en Nueva Jersey, en 1981 (Gary Gershoff/)o.Durante dos períodos bien delimitados (desde octubre a noviembre de 1980; desde abril a junio de 1981), Jagger se paseó por varios estudios neoyorquinos para registrar las voces definitivas y algunas tomas adicionales. Mención especial, por supuesto, para la participación de Sonny Rollins. El coloso del hard-bop metió sus partes de saxo en "Slave" y "Waiting on a Friend" y levantó la vara hasta una cumbre pocas veces visitada: el encuentro entre la mejor banda de rock & roll y uno de los mejores jazzmen de su tiempo. Así, como el Kamikaze de Luis Alberto Spinetta, Tattoo You no solo encontró su forma en la sala de montaje: también su contenido. Los recortes abandonados en el piso armaron un cuadro, pero el disco no suena como un collage. Todo lo contrario. Es como una sola pieza de mármol. Las líneas trazadas en la cara de Jagger, en ese sentido, revelan el otro lado de la trama. El modus operandi. Así estamos, parecen decir. Así lo hicimos, aunque ustedes no lo puedan ver.Con el diario del lunes, el video de "Waiting on a Friend" puede leerse como una tregua. Keith camina como un vampiro por el East Village y se encuentra a Mick en las escalinatas de un edificio (el mismo que aparece en la tapa de Physical Graffiti, de Led Zeppelin). Ahí también está Peter Tosh, que tiene toda la onda. Mick y Keith se dan un abrazo y, antes de arrancar para el bar St. Marks, cantan el leit motiv del tema chasqueando los dedos: "No estoy esperando a una dama / solo estoy esperando a un amigo". La escena es un poco forzada, divertida y, a su modo, a su particularísimo modo, profundamente emotiva. Ustedes saben. Hace unos días, los Rolling Stones volvieron a tocar después de la pandemia. Promediando el concierto, dieron un paso al frente y evocaron a Charlie Watts: "Lo extrañamos arriba y abajo del escenario". Jagger, que nunca pierde la compostura, sonaba quebrado. Keith lo agarró de la mano y ya no lo soltó. Ahora, parecía decirle, nuestro amigo espera del otro lado.

Fuente: Clarín
09/10/2021 13:11

Ricardo Arjona, agudo y confesional: con Yo me vi (Autorretrato), inaugura el lanzamiento de su nuevo disco, Negro

Con un manifiesto personal, el cantautor guatemalteco abre el juego a la segunda parte de su proyecto iniciado con Blanco.

Fuente: Página 12
08/10/2021 00:01

Niké Rallis presenta su disco

Fuente: Página 12
02/10/2021 05:01

"Mi tango norteño", el primer disco de la pianista y compositora Noelia Díaz

"Mis tangos están inspirados en mis cerros, en mis montañas, en mis cactus, en el olor a tierra, en el olor a campo".

Fuente: Perfil
01/10/2021 09:00

Los 70 de Charly: Ciudad y Nación preparan el mes de festejos y García su nuevo disco

El músico argentino llega a las siete décadas y en distintos ámbitos de planean los festejos de su cumpleaños que será el próximo 23 de octubre. Leer más

Fuente: Clarín
30/09/2021 13:37

Perdieron en La Voz Argentina, armaron un trío y estrenan disco en un show con público

Federico Gómez, Alejandro Dueñas y Matías Flores ahora son The FAM. Los tres viven en el Sur del GBA pero se conocieron en el reality. Tienen miles de seguidores y este viernes tocan en Temperley.

Fuente: La Nación
30/09/2021 11:00

Cómo es Certified Lover Boy, el nuevo disco de Drake, el rapero que ama ser amado

Artista: Drake. Álbum: Certified Lover Boy. Canciones: "Champagne Poetry", "Papi's Home", "Girls Want Girls" (featuring Lil Baby), "In the Bible" (featuring Lil Durk and Giveon), "Love All" (featuring Jay-Z), "Fair Trade" (featuring Travis Scott), "Way 2 Sexy" (featuring Future and Young Thug), "TSU", "N 2 Deep" (featuring Future), "Pipe Down", "Yebba's Heartbreak" (with Yebba), "No Friends in the Industry", "Knife Talk" (featuring 21 Savage and Project Pat), "7AM on Bridle Path", "Race My Mind", "Fountains" (featuring Tems), "Get Along Better" (featuring Ty Dolla Sign), "You Only Live Twice" (featuring Lil Wayne and Rick Ross), "IMY2â?³ (featuring Kid Cudi), "Fucking Fans", "The Remorse". Calificación: RegularNadie podría culpar a Drake por su necesidad de ser amado. Ni tampoco de cantarle al amor, ese gran ideal que atraviesa gran parte de las producciones artísticas y culturales de Occidente desde hace siglos. La cuestión, en todo caso, pasará por ver cómo el arte juega con ese concepto y esa ansiedad. Y para el rapero canadiense todo parece definirse por la voracidad y la sobreexposición de sus emociones, conquistas e intensidades. Así, Certified Lover Boy, su sexto disco de estudio y cuyo título traducido al español sería "Amante certificado", prueba lo que ya a esta altura es una verdad de Perogrullo: Drake ama amar y ser amado.El comienzo lo deja bastante claro. "Champagne Poetry" (Champagnepapi es el arroba de su usuario en Instagram) parte de un sampleo a un sampleo: la versión de Masego a "Michelle", de The Beatles, con el sentido "I love you" del estribillo manipulado digitalmente. Si lo primero que se lo escucha en el disco es un "Te amo", lo que rapea encima es menos claro. Los sitios encargados de subir letras todavía discuten si lo que dice es "I been hot since the birth of my son" o "I been high since the birth of my son". ¿Desde que nació su hijo Drake ha estado caliente o drogado? Tal vez las dos, o tal vez ninguna.Pero incluso el nacimiento de su hijo Adonis (2017) ya es una temática vetusta. El beef con Pusha T y el respectivo pedido de respeto por la privacidad del niño por parte de Drake en Scorpion (2018) es tema resuelto y de poco interés para las dinámicas del hip hop: ya pasó. Sin embargo, la portada de Certified Lover Boy vuelve incluso sobre lo mismo: el emoji de embarazada variado y repetido 12 veces como un díptico warholiano para tiempos de WhatsApp. En "Papi's Home", el segundo tema del disco, no solo se completa el arroba y se incorpora un góspel de fondo (más un pintoresquismo que una búsqueda espiritual), también se reinicide en la idea de su paternidad y de sus dotes como amante (en ese sentido, no parece haber mucha diferencia de dinámica entre este "Papi está en casa" y aquel "Llegó tu papi", de los cordobeses Sabroso).En los temas siguientes, Drake presenta un batallón de invitados: Lil Baby en "Girls Want Girls", Lil Durk y Giveon en "In The Bible", Jay-Z en "Love All", Travis Scott en "Fair Trade" y Future y Young Thug en "Way 2 Sexy". Una buena selección que funciona como una limpieza de su nombre en la escena (Drake es, en algún punto, el rapero que los raperos aman odiar). Pero nada supera el carácter de testimonial. Aferrado a su rapeo característico, con la voz casi susurrada (mumble rap) y texturas apagadas, como si todo fuera en escala de grises, Drake entrega (otra vez) un disco extenso sin demasiadas novedades. 21 canciones y 86 minutos, una extensión propia de su forma de copar el mercado: que el álbum se disperse en playlist de todo tipo y así invadir los rankings con voracidad total. Que se sepa que el mundo lo ama.El básquet, su otro amor, también tiene lugar en el disco con referencias varias. En "7am on Bridle Path", el nombre que aparece es el de Giannis Antetokounmpo, el MVP de las últimas finales y flamante campeón de la NBA. Para el rapero, que es uno de los dueños de los Toronto Raptors, siempre se trata de abrazar al campeón. Incluso allí, sentado en primera fila, sus gestos con los rivales recuerdan a los de Spike Lee en sus rencillas con Reggie Miller en las históricas noches de Knicks vs Pacers en el Madison Square Garden a mediados de los 90. ¿La diferencia entre uno y otro? La sobreactuación del cantante vs la gracia del director de cine. En la misma canción, una nueva referencia a Pusha T y un verso en español tan haragán como burdo y simplón: "Papi chulo, grippin' culo".21 Savage, Ty Dolla $ign y Kid Cudi también hacen sus apariciones, ya en la segunda mitad de Certified Lover Boy. Pero es Lil Wayne quien se destaca con su flow intenso que contiene la respiración hasta el último segundo en el sprint final de "You Only Live Twice". A partir de ahí, Drake baja la velocidad, se carga de autotune y bases de trap bien lento para mostrar su lado más contemplativo en "Fucking Fans", el gran momento R&B del disco. El cierre con "The Remorse", comandado por un piano, vuelve a poner en evidencia el amor por su hijo ("Mi hijo es la única cosa de la que odio estar lejos") y carga contra Kanye West con amor-odio. La nostalgia por los años en los que fueron cercanos por un lado, la competencia y el desprecio actuales por el otro.De alguna manera u otra, Drake siempre se las arregló para tocar una fibra íntima a nivel masivo. Entre su pose de sex symbol y su exposición continua, sus canciones (y sus discos, casi como obras cerradas en sí mismas) le llegan al gran público de manera innegable. Hay algo en la reincidencia en esa temática universal que es el amor y la amabilidad de sus producciones que lo erigieron como una figura única en la escena. Una suerte de rapero con la docilidad de un cantante melódico y el carisma de una estrella pop. Que la palabra "Love" se repita hasta el hartazgo en su nuevo disco no debería ser motivo de crítica (¿por qué habría de estar mal cantarle al amor?). Lo que sí le juega en contra es la falta de matices, variantes, climas y sorpresas. Nada de lo que se escucha en Certified Lover Boy es nuevo ni siquiera dentro de su propia obra. El amor según Drake parece ser el mismo emoji con distinto color.Jazz en Palermo con Valentino Jazz Bazar, Deborah Dixon y otrosContinúa el ciclo de jazz en vivo en Aldo's Palermo (Arévalo 2032) con presentaciones del Mariano Loiácono Trío (viernes 1 a las 18), Delfina Oliver (sábado 2) y Jorge Navarro con Arturo Puertas (domingo 3). Para el resto del mes están programados shows de Valentino Jazz Bazar (viernes 8), el Dixon Soul Quartet de Deborah Dixon (viernes 15 y 22) y Tito Losavio y Gringui Herrera (domingo 24), entre otros artistas.Restauran y publican videos de Luis Alberto SpinettaA modo de celebración de la obra del Flaco, la discográfica Universal Argentina restauró digitalmente y subió a YouTube una serie de clips de sus canciones. El primero fue el de "La montaña", del disco Pelusón of Milk (1991), y luego se publicaron los de "Tonta luz", de Silver Sorgo (2001); "Agua de la miseria", de Para los árboles (2003), "Buenos Aires, alma de piedra", del EP Camalotus (2004) y varios más que ya están disponibles en la plataforma de streaming.Guns N' Roses anuncia su primer EP con Slash y Duff en casi 30 añosHard Skool EP se llamará el primer lanzamiento con material inédito del grupo con Axl Rose, Slash y Duff McKagan en sus filas en 28 años. Se tratará de una colección de cuatro canciones con los estrenos "Hard Skool" y "Absurd" (que ya están disponibles en digital) y versiones en vivo de "Don't Cry" y "You're Crazy". El EP se publicará y se pondrá a la venta en formato CD y cassette el 25 de febrero de 2022.Pink Floyd relanza A Momentary Lapse of Reason y publica un demo como adelantoEl grupo británico reedita su disco de 1987 y a modo de anticipo dio a conocer una versión demo de la canción "Yet Another Movie" que será incluida como bonus track. El álbum -primero sin Roger Waters en la banda- se editará en vinilo, CD y DVD el próximo 29 de octubre en formato Remixed and Updated, con mejoras en la calidad de audio y temas inéditos. También tendrá canciones en 360 Reality Audio, un formato de sonido inmersivo omnidireccional.

Fuente: La Nación
29/09/2021 21:00

David Bowie: la historia de Toy, el disco perdido que se editará 20 años después de su realización

La vida de David Bowie después de Bowie tiene que ver, sobre todo, con la música que dejó; tanto la que se reedita como aquella desconocida o apenas conocida que surge de diferentes arcones. Esta vez sale de la caja fuerte de un sello discográfico, Virgin. Se trata de la versión oficial de Toy, un álbum que el Duque Blanco grabó en 2001 pero que, en medio de su desvinculación de aquella discográfica quedó archivado. En 2011 se conocieron las grabaciones pero hoy tienen una publicación oficial, a propósito del lanzamiento de David Bowie 5. Brilliant Adventure (1992-2001). Será el último de una serie de cajas que recorren la carrera del legendario artista. El 26 de noviembre será la fecha de edición de Brilliant Adventure..., en formato de caja de 11 CD y set de vinilo de 18 piezas. Y Toy se conocerá recién el 7 de enero de 2022, un día antes de otro aniversario del nacimiento de Bowie.El estreno más esperado. ¿Cuál es el mejor James Bond de la historia?En Brilliant Adventures habrá versiones en vinilo de los álbumes de Bowie Black Tie White Noise, The Buddha Of Suburbia, 1. Outside, Earthling y Hours... . Y junto con Toy se publicará un LP de singles que no fueron parte de álbumes, lados B y un libro.La idea original era publicar Toy en 2001, con algunas canciones nuevas más versiones de temas poco conocidos que Bowie había lanzado en la década del sesenta. Durante una charla con fans, ese año Bowie comentó: "Veo que EMI / Virgin parecen tener muchos conflictos de programación este año, lo cual ha dejado mucho material en un segundo plano. Toy está terminado y listo para salir y haré un anuncio tan pronto como tenga una fecha muy real. Mientras tanto, ya comencé a escribir y grabar para otro álbum", aseguró.Pero aquello nunca sucedió. Algunos temas se conocieron como lados B. Lo que trascendió en 2011 fue un supuesto repertorio que sería parte de ese trabajo, aunque con algunos temas agregados. Los nuevos eran "Uncle Floyd", "Afraid" y "Toy (Your Turn to Drive)" que acompañarían a versiones de títulos como You've Got a Habit of Leaving.Mark Plati, coproductor de Toy, dijo: "Estoy feliz de poder finalmente decir que ahora nos pertenece a todos. Toy es como un momento en el tiempo capturado en un ámbar de alegría, fuego y energía. Es el sonido de gente feliz de tocar música. David revisó y reexaminó su trabajo de décadas anteriores a través del prisma de la experiencia y de una nueva perspectiva, un paralelo que no se me escapa cuando lo reviso veinte años después".Según informó el portal especializado NME, la noticia del nuevo lanzamiento llega justo después de que los herederos de David Bowie firmaran un nuevo acuerdo con Warner Music Group que permitirá a esta compañía la supervisión del catálogo completo de álbumes. Warner Music anteriormente tenía los derechos mundiales de la música que fue lanzada entre 1968 y 1999, después de que adquirió Parlophone Label Group, en 2013. Este nuevo acuerdo de licencia con los herederos significa que también tiene los derechos del catálogo de música del artista entre 2000 y 2016. Hasta el disco que publicó dos días antes de su muerte, en coincidencia con el festejo de su cumpleaños número 69. Blackstar fue el vigésimo quinto álbum de estudio de su carrera. Los álbumes de Bowie Heathen, Reality, The Next Day y Blackstar se encuentran entre las producciones que fueron lanzadas por Sony Music y que entrarán en el grupo de Warner Music en 2023. Habrá que esperar al 7 de enero para ver la repercusión que pueda tener Toy, entre fans y otros curiosos.

Fuente: Página 12
26/09/2021 00:01

Leandro "Negro" Falótico presenta su disco "Boleros"

Comenzó su carrera como cantante de tangos, con un disco que homenajeaba a Homero y Virgilio Expósito. Pero Leandro Falótico, o sencillamente "el Negro", se considera un cantante de amplio espectto y por eso, ahora, acaba de lanzar Boleros, un disco con clásicos del género como "La puerta", "Usted", "Contigo en la distancia", "La media vuelta" o el formidable "Amnesia", de Chico Novarro, que abre el álbum.

Fuente: La Nación
24/09/2021 17:18

A 30 años de Nevermind, el disco de Nirvana: cuál era la canción favorita de Kurt Cobain

Aunque todavía huele a espíritu adolescente, este 24 de septiembre se cumplen 30 años del lanzamiento de Nevermind, el disco de Nirvana que llevó a la banda a los primeros lugares de la escena musical en la década de los 90 y convirtió al líder del grupo, Kurt Cobain, en uno de los compositores más influyentes de su generación. El guitarrista, acompañado de Chris Novoselic en bajo y Dave Grohl en la batería, firmó las 12 canciones (más un track oculto) que siguen siendo hasta hoy un repertorio ineludible del rock, y entre las que Cobain también eligió una favorita.Kurt Cobain: la casa en la que vivió durante su infancia abrirá al público en los próximos mesesAunque el single que explotó en todo el mundo fue "Smells Like Teen Spirit", cuyo video filmado en un lúgubre gimnasio escolar con porristas y estudiantes descontrolados fue reproducido hasta el hartazgo por MTV y tiene 1347 millones de vistas en Youtube, no era la canción favorita de Cobain, que hasta dudó grabarla en las primeras sesiones para el álbum.En cambio, como recuerda la revista Rolling Stone, su favorita de Nevermind era "Drain You", el octavo tema del disco: "Creo que hay muchas otras canciones escritas por mí que son tan buenas [como 'Smells Like Teen Spirit']", dijo en una entrevista de 1993. "Como 'Drain You'. Me encanta la letra, y nunca me canso de tocarla. Tal vez si fuera tan grande como 'Teen Spirit' no me gustaría tanto"."Drain You" fue compuesta por Cobain en los estudios Sound City del barrio de Van Nuys, Los Ángeles, donde se hizo la grabación definitiva de Nevermind, a diferencia de varias de las otras canciones del disco (como "Lithium", "Polly" y "Breed", entre otras) que venían de antes e incluso habían sido tocadas en vivo en shows previos. En una entrevista posterior, el músico dijo: "Si fuera inteligente, me habría guardado las canciones de Nevermind para publicar en un período de 15 años".Aunque Cobain nunca fue específico sobre a quién apuntaban la letra de "Drain You", una canción de amor que comienza inmediatamente después del primer acorde de quintas con la frase "un bebé le dice a otro 'tengo suerte de conocerte'", el tema fue compuesto poco después de que apareciera en su vida Courtney Love, la cantante del grupo Hole con la que se casó en Waikiki, Hawái, en febrero de 1992, cinco meses después del lanzamiento del álbum y con quien tuvo a su única hija, Frances Bean Cobain.A 27 años de la muerte de Kurt Cobain, la historia del gran hit de NirvanaEl éxito de NevermindEl disco tuvo todo para ser icónico: una tapa controvertida con un bebé desnudo nadando hacia un billete engarzado en un anzuelo -Spencer Elden, el fotografiado, recientemente demandó al grupo por pornografía infantil-, un sonido potente y fresco que desplazó a Dangerous de Michael Jackson del número 1 del ranking Billboard y vendió más de 30 millones de copias hasta hoy.Pero al grabarlo, Nirvana no era más que una promesa. La banda había vendido 35.000 copias de Bleach, su primer álbum, y estrenaba su contrato con la importante discográfica DCG, propiedad del magnate David Geffen. Habían cobrado un adelanto de 287.000 dólares y reservado el estudio Sound City, uno de los más frecuentados en los años 70 por el que habían pasado artistas como Elton John o los Fleetwood Mac, pero que en ese mayo de 1991 no estaba en su mejor momento.Los miembros de Nirvana Krist Novoselic, Dave Grohl y Kurt Cobain, de izquierda a derecha, posan tras ser galardonados en los Premios MTV, el 2 de septiembre de 1993 en Universal City, California (AP Foto/Mark J. Terrill, Archivo)Al núcleo de la banda, formado por Novoselic y Cobain, que se conocían desde su adolescencia en Aberdeen, Washington, se había sumado Dave Grohl, el baterista que redefinió el sonido de Nirvana y que hoy se mantiene en la primera línea de la escena musical como líder de Foo Fighters.Dave Grohl contó que junto a otros dos exintegrantes de Nirvana grabaron "música realmente genial" en el último tiempoEl productor fue Butch Vig, quien confesó que cuando escuchó el primer ensayo de "Smells Like Teen Spirit" se excitó tanto que empezó a transpirar y a dar vueltas por el estudio, algo parecido a lo que le pasó y sigue pasando a los millones de oyentes que hasta el día de hoy, 30 años después, siguen escuchando Nevermind, Nirvana, y las palabras de Kurt Cobain.

Fuente: Página 12
23/09/2021 02:15

Vidaleras con nuevo disco

Las artistas salteñas presentarán su trabajo más reciente con una serie de conciertos. Actuarán en Buenos Aires, Mendoza y Tilcara. Además "jugarán de locales" en El Teatrino.

Fuente: La Nación
21/09/2021 14:18

"NattiVidad": Natti Natasha renace con bebé y nuevo disco

MIAMI (AP) â?? Natti Natasha se siente plena y realizada. En mayo cumplió con su ansiado sueño de ser mamá y este viernes, apenas cuatro meses después, dará a luz a su segundo hijo: un nuevo álbum al que llamó "NattiVidad"."Estuve embarazada doble, que fue trabajando en este proyecto y también con mi bebé, y en el renacer de una Natalia Gutiérrez nueva", expresó la cantante dominicana de 34 años en una entrevista reciente con The Associated Press. "Hay un antes y un después y yo siento que este año ha sido eso para mí, de cambios".Natti Natasha empezó a trabajar en este, su segundo álbum de estudio después de "IlumiNATTI" de 2019, antes de saber que estaba embarazada. Se sentía feliz y agradecida a Dios por sus éxitos, pero cada vez que pensaba cuál era su propósito llegaba a la misma conclusión: tener una familia, algo que por entonces parecía imposible."Ese era mi deseo" desde hacía años, recordó la cantante de éxitos como "Sin pijama" con Becky G y "Criminal" con Ozuna. Y en medio del proceso de grabación, se enteró de que iba a poder realizarlo a pesar de que por mucho tiempo los médicos le habían alertado que no podría tener hijos."Fueron muchas emociones encontradas", dijo la artista de música urbana sobre el momento en que supo que sería madre. Pero se sentía feliz y completa porque sabía que ahora tenía una razón de ser, y llena de energía para terminar con su álbum."'NattiVidad' de por vida va a ser una de las experiencias más lindas que yo he vivido en mi vida", expresó vía Zoom días antes de su participación del martes en una conferencia de la Semana de la Música Latina de Billboard. "Completa la realidad".El álbum de 16 canciones, cuyo título juega con su nombre y el de su hija Vida Isabelle, incluye los exitosos sencillos "Noches en Miami", "Ram Pam Pam", también con Becky G, y "Antes que salga el sol" con Prince Royce.Entre otras colaboraciones trae "Que mal te fue Remix", junto a J Quiles y Miky Woodz; "Las Nenas", con Cazzu, Farina y La Duraca; e "Imposible amor" con Maluma, esta última con un video musical filmado en Miami en agosto y que se estrena el jueves, el día antes del lanzamiento del disco.A lo largo de su carrera Natti Natasha ha cantado con numerosos artistas que también incluyen a Pitbull y Daddy Yankee ("No lo trates") y BadBunny ("Amantes de una noche"). Además de seguir el camino de las colaboraciones, la estrella de la música urbana incluye en el álbum ritmos como el hip hop, el dance urbano, el dancehall, la bachata, el R&B; y la balada."Siempre voy a explorar, me gusta retarme", dijo en referencia a otros géneros musicales. "Es importante que nosotras sigamos expandiendo nuestros horizontes y nuestros caminos".Por medio de su trabajo, Natti Natasha no sólo busca entretener a sus fans sino llevar un mensaje de empoderamiento a las mujeres, que sepan que todo es posible pese a las adversidades.Su mensaje para todas las chicas es: "Que nada te puede parar, que no importa lo que diga la sociedad, siempre y cuando tú tengas un sueño, tú quieras lograrlo, lo puedes hacer con mucha fe, con mucha disciplina y obviamente con mucho trabajo"."Siento que 'NattiVidad' es ese otro paso diciéndole a la gente, al mundo, estoy aquí y con toda la disciplina del mundo y el amor no voy a parar", concluyó.

Fuente: Página 12
19/09/2021 00:25

Peter Hammill lanzó un disco de versiones

En más de 50 años de trayectoria, el legendario músico inglés Peter Hammill nunca había hecho un disco de versiones. Ahora acaba de sorprender con In Translation, un álbum de canciones traducidas que respeta y enaltece la esencia de las diez composiciones elegidas. Los creadores versionados son sorprendentes: desde Luigi Tenco hasta Oscar Hammerstein, pasando por Fabricio de André, Gustav Mahler y el mismísimo Astor Piazzolla con "Balada para mi muerte". Las traducciones al inglés, además, las hizo todas el propio Hammill. Son canciones que en mayor o menor medida hablan de confusión, pérdida, y de una especie de futuro imaginado o esperado; canciones elegidas y grabadas en plena pandemia con una gran sutileza emotiva.

Fuente: La Nación
17/09/2021 22:00

Pedro Aznar anunció que trabaja en la remasterización del disco debut de Serú Girán

Pedro Aznar contó que comenzó a trabajar en la remasterización del primer álbum de Serú Girán. Con un video que publicó en el canal de YouTube oficial de la banda, el músico mostró un pequeño adelanto del trabajo que lleva adelante con el disco debut del grupo, lanzado en 1978. Los Violadores: la historia detrás de 'Y ahora qué pasa, eh?'Pedro Aznar Charly Lebon en el Teatro ColónSeru Giran"Está empezando a sonar hermoso", anunció Aznar, que hizo sonar una parte de "El mendigo en el andén" remasterizada. "Mañana ya se suma el ingeniero Ariel Lavigna con quien también estuvimos trabajando en la remasterización de La grasa de las capitales, 40° aniversario, que ya tuvieron la oportunidad de escuchar". Según explicó Aznar, el trabajo será similar al que se hizo con el segundo disco de la banda que integró junto a Charly García, David Lebón y Oscar Moro. "Vamos a hacer el mismo concepto: partimos de las cintas originales, las transferimos a audio digital de alta resolución y vamos a restaurar el sonido y a ponerlo en valor al día de hoy", sostuvo.La discografía de Palo Pandolfo: de Don Cornelio a La Hermandad, canciones de amor, delirio y muerteAdemás del tratamiento de audio, el músico anticipó que el relanzamiento del disco incluirá "un trabajo exhaustivo de restauración de toda la gráfica del álbum con fotos originales tomadas en 1978 por José Luis Pederneiras, con algunas tomas inéditas". Según contó Aznar en el mismo video, la remasterización de Serú Girán será lanzada en CD, en audio digital de alta resolución y en formato vinilo. "Va a ser un trabajo delicioso de tener", señaló.

Fuente: La Nación
16/09/2021 12:00

Música. Un disco que nos transporta a Joni Mitchell y Carole King

Como muchas de sus contemporáneas, Claire Cottrill pasó de grabar canciones pop en su dormitorio a ocupar un espacio importante en medios de comunicación y en las omnipresentes redes sociales en un lapso de tiempo muy breve. Nacida hace 23 años en Atlanta, Claire empezó a ser Clairo después de aprender a tocar la guitarra con tutoriales de internet y de publicar canciones propias en plataformas como Bandcamp y SoundCloud. También creó un canal de YouTube para subir covers de temas que le gustaban y algunos cortometrajes. Pero esta época plagada de historias de suceso a partir de la iniciativa personal es también la era de los haters, que no tardaron en acusarla de utilizar la influencia de su padre (un ejecutivo de marketing responsable de un programa especial de apoyo a músicos jóvenes de la compañía Converse) para darle impulso a su carrera. Puro espamento: los dos discos de Clairo -Immunity (2019) y el flamante Sling (2021)- no fueron publicados por una poderosa multinacional, sino por Fader, un sello indie cuyo catálogo se nutre de artistas como Matt & Kim, Yuna y Neon Indian, ninguno de escala masiva.Lo que importa del caso no son las supuestas estrategias familiares entonces, sino la música. Y Clairo ha demostrado en dos discos de características bien diferentes que tiene mucho para decir. Si en el debut -producido por el ex-Vampire Weekend Rostam Batmanglij- las confesiones personales y los dilemas de la sexualidad adolescente flotaban en un ambiente dominado por las pinceladas electrónicas, en Sling el trabajo de orfebrería sonora de Jack Antonoff (socio perfecto de figuras como St. Vincent, Taylor Swift y Lana del Rey) apunta a la evocación de la gran tradición del folk de los años 70 en una clave orquestal muy ambiciosa, con piano, contrabajo, lap steel, Wurlitzer y clavinet. La angustia persiste, como queda claro leyendo algunas de las declaraciones de Clairo en una entrevista a la edición norteamericana de la revista Rolling Stone: "Estuve colgando de un hilo, hoy puedo decirlo con total honestidad. Muy cerca de perder realmente los cabales y de no querer estar más aquí. No veía una razón para seguir". Lo que notoriamente ha cambiado -y que podría caracterizarse con justicia como evolución- es el estilo interpretativo. Una utilización renovada del vibrato dota de mucha más intensidad a estos relatos que recrean la melancolía profunda del blues y tienden puentes con la obra de dos predecesoras enormes (Joni Mitchell y Carole King) y de un antihéroe trágico (Elliott Smith), cuyo fantasma sobrevuela "Blouse", el corte del nuevo disco más reproducido en plataformas de streaming.La fragilidad que Clairo exhibe en sus canciones contrasta con su seguridad en escena.Y lo mejor es la gama de posibilidades que empiezan a revelarse en su producción musical: más allá de la indudable hondura emocional de sus baladas -un ejemplo acabado es "Just for Today", una sincera valoración de la ayuda de los demás cuando estamos al borde del colapso-, en Sling también reluce "Amoeba", adhesivo uptempo con un clavicordio teñido del color del funk que funciona como vidriera de lo que podría tener más desarrollo en el futuro. En todo caso, Clairo ya ha dejado de ser una promesa. Si maneja su carrera con templanza e inteligencia, tiene la chance de ponerse a la altura de sus reverenciadas referentes.

Fuente: La Nación
14/09/2021 16:00

Iron Maiden vuelve a brillar con un disco a la altura de su leyenda

Artista: Iron Maiden. Álbum: Senjutsu. Temas: "Senjutsu", "Stratego", "The Writing On The Wall", "Lost In A Lost World", "Days Of Future Past ", "The Time Machine", "Darkest Hour", "Death Of The Celts", "The Parchment", "Hell On Earth". Edición: Parlophone. Nuestra opinión: muy bueno.Cerca de cumplir nada menos que medio siglo de trayectoria, Iron Maiden se mantiene en plena forma. Sus integrantes ya pasaron largamente los 60 años (el baterista, Nico McBrain, está al borde de los 70) y han superado más de un inconveniente (Bruce Dickinson, el emblemático cantante de la banda inglesa, se sobrepuso a un cáncer de garganta). Uno de los secretos de esa vigencia tiene que ver con la sagacidad del grupo para acomodar su música a sus auténticas posibilidades: sin perder la potencia que es característica fundamental de su receta, Maiden se ha inclinado en los últimos años por una versión más progresiva que encaja perfecto con su presente. Sus temas se volvieron más intrincados y sugestivos, son el reflejo cabal de un proyecto artístico que ha renunciado a vivir de sus viejos laureles (una actitud muy corriente en el heavy metal) para continuar un recorrido de investigación sonora cuyos resultados son admirables.A esta altura, una de las fortalezas de esta sociedad de veteranos venerables es una sabiduría notoria que se ha consolidado con el paso de los años, entendida como forma adecuada de relacionarse ya no solo con sus fans y la industria, sino también con el mundo. Senjutsu, el título de este disco extenso (80 minutos), súper elaborado y apasionante, puede traducirse como "la técnica del ermitaño", consistente en utilizar en beneficio propio la energía que proviene de la naturaleza, la estrategia clave para un ninja. La referencia al popular manga de la serie Naruto -que vendió más de 230 millones de copias en todo el mundo- no es para nada casual: el adolescente que lo protagoniza lleva un demonio en su interior y enfrenta una serie interminable de peligros que podrían asimilarse perfectamente a las crueldades prosaicas de la guerra que aparecen con recurrencia en las letras de los temas del álbum, igual que la fascinación por el folklore celta encapsulada en los diez minutos de "Deaths of the Celts", una prueba nítida de la admiración de Steve Harris, bajista y compositor de una parte sustancial del repertorio, por el imaginario que tanto cultivó Jehtro Tull.En términos estrictamente musicales, Maiden se ha vuelto una banda atrevida y excéntrica, muy aficionada a desafiar las expectativas de su propia legión de seguidores para establecer de esa forma un vínculo estimulante con ella, en lugar de responder con lugares comunes que cristalicen la dinámica de esa relación. Algunos patrones permanecen -el ya legendario "galope" sostenido desde la base de bajo y batería que reluce en "Stratego", donde también Dickinson exige la voz para acercarse a los agudos dramáticos de antaño-, pero también hay espacio para la audaz exploración de "The Writing On The Wall" (uno de los singles de adelanto y hoy por hoy el track más escuchado del disco en Spotify), singular traducción del country, el blues y la música prototípica del spaghetti western en clave pesada. Se trata de un pasaje de saludable ligereza en el marco del disco más denso de la banda desde A Matter of Life and Death (2003), el regreso al Maiden old school que enderezó el rumbo del proyecto luego del leve traspié de Brave New World, afectado por una sobreproducción que melló un poco su clásico poder de fuego. Senjutsu, es tan patente como lo subraya la excelente recepción del disco, tiene energía pero también mucha sutileza. Revela que el mejor camino para no transformarse en un dinosaurio es esquivar la rutina, salir como sea y cuanto antes de la famosa "zona de confort".

Fuente: La Nación
14/09/2021 11:00

Para J Balvin, "es hora" de que lo conozcamos por su nombre: cómo es José, su nuevo disco

"Estoy listo para que el mundo conozca a José, que es la persona que soy. Es hora que me conozcan por mi nombre", asegura José Álvaro Osorio Balvín, conocido mundialmente como J Balvin. No es casualidad que su último álbum, que acaba de presentar el 10 de septiembre, lleve como título su primer nombre. José, así a secas, un fiel manifiesto del momento personal que atraviesa y de lo que quiere mostrarle a su gente."Al final es José quien creó a J Balvin, pero en los último años J Balvin ocupó más tiempo que José", dice reflexivo desde Nueva York, en una conversación mano a mano con LA NACION, videollamada mediante.Balvin, o José es uno de los artistas más escuchados en el mundo. Tan solo en Spotify tiene más de 58 millones de oyentes mensuales, ubicándose en el puesto número 8 del top 10 mundial dentro de la plataforma. Su popularidad traspasó el mundo de la música y se convirtió en marca, lanzando productos personalizados junto a Nike, Fortnite, Hasbro y Miller, entre otras empresas. Su noveno álbum, que tiene nada menos que 24 canciones, llega para seguir demostrando el poder arrasador del niño de Medellín, el cual logró conquistar a la gente con su música.-¿Qué es lo que tiene de especial este nuevo álbum que decidiste ponerle tu verdadero nombre como título?-José es un álbum muy personal, en donde demuestro quien soy. Hay partes y canciones que tienen experiencias de mi vida y lo que siento, también hay temas que hablan sobre las cosas que he tenido que pasar para estar donde estoy. Además tiene una diversidad musical muy grande.-¿Hay alguna de esas 24 canciones que te defina especialmente?-"7 de mayo" sin duda alguna es la que más me define. Es una historia de vida y superación. La hice porque creo que era el momento de que supieran por todo lo que tuve que pasar para estar donde estoy. Algunos temas ya los habían escuchado, pero entre los 18 que no habían salido, está lo mejor.-En José hay colaboraciones con Dua Lipa, María Becerra, Khalid y Karol G, entre muchos otros. ¿Cómo nacen estos feats? ¿Los elegiste por algo en especial?-Hay algunos que surgen cuando hay amistad. Khalid y yo somos amigos, con Skrillex también; los chicos que participaron en el remix de "El Poblado" también somos todos amigos. Hay muchos artistas que participaron de este disco, como Dua Lipa, Zion y Lenon, Mike Towers, Feid, Sech, Yandel... hay un poco de todo. Algunos son amigos y otros llegan porque me gusta lo que hacen, pero eso sí, tiene que haber un respeto mutuo que creo que es lo más importante. Después pude grabar con María Becerra, que fue espectacular. Ella es una gran mujer, muy humilde y eso es lo que más me gustó, su parte humana. El talento pues obviamente sobra, pero la persona que es, es increíble, es una niña muy buena.-Tu anterior álbum, Colores, salió justo cuando comenzaba la pandemia y no pudiste presentarlo como querías ¿Cómo te sentís hoy lanzando un nuevo trabajo en este contexto?-Siento que el lanzamiento de José es muy diferente, porque por lo menos ya se puede salir y no todo es tan virtual. La energía es diferente, a pesar de que todavía seguimos en pandemia. Cuando salió Colores era un momento en donde todo estaba muy oscuro, por lo que me alegra haber brindado colores en una circunstancia así.-Este año además de sacar el álbum estrenaste un documental en donde dejás ver un lado más íntimo de tu vida ¿Cómo viviste ese lanzamiento? ¿Fue difícil dejar entrar las cámaras a tu vida?-¡Bonito! Fue muy bonito ver que la gente conectó con la forma mía de ser, sin actuar, tal cual como soy. No fue difícil abrir las puertas porque en el documental no hay nada de mi intimidad, se muestra mucho pero, la verdad, no tanto.Un poco de JoséJ Balvin (VIVIIMAGE/)J Balvin es consiente de la popularidad que tien, y por esa responsabilidad que conlleva el reconocimiento masivo, trata de ser lo más sincero posible con su público. En los últimos años, el colombiano no tuvo problemas a la hora de reconocer abiertamente su batalla contra la depresión y revelar cómo la meditación lo ayudó a estar mejor. "Hemos salvado muchas vidas, sin ninguna duda", dice cuando se le consulta si cree que fue positivo abrirse a hablar sobre salud mental.-¿Qué música escucha José?-Escucho muchas cosas, no se si tanto música pero si monólogos, como los de Facundo Cabral. Me gusta mucho "Gracias a la vida" (Violeta Parra), de Mercedes Sosa. Me gusta mucho el rap, me encanta el reggaeton, escucho salsa... voy cambiando, es bastante variado lo que escucho. Actualmente tengo como referencia a Jay Z, pero hay varias personas que me inspiran mucho. Hay cientos de personas que no son famosas y que me inspiran. View this post on Instagram A post shared by J Balvin (@jbalvin)-Estás dentro de los 10 artistas más escuchados en al menos 14 países ¿Qué se siente haber logrado eso?-Es muy bonito ver que hay una conexión realmente global y que estamos haciendo bandera con lo latino. Es muy gratificante.-Tu ciudad natal, Medellín, es hoy una de las cunas de la música urbana ¿Qué magia tiene la ciudad que hace que nazcan tantos talentos?-Creo que es una de las ciudades que más consumen reggaetón, aunque creo que siguen saliendo muchos más artistas de Puerto Rico. En Argentina también hay muy buenos artistas urbanos que están comenzando a aparecer. Siento que en Medellín, el hecho de que haya referentes de allí con un lugar privilegiado dentro de la industria musical, permite que los que vienen no vean ese sueño como algo imposible, sino como algo que puede volverse una realidad. Antes teníamos que remarla un poco más, y fue mucho más duro para los que vinieron antes que nosotros, pero es parte del proceso.-Más allá de Medellín, la música colombiana pisa fuerte en el mundo. ¿Por qué crees que pasa esto?-Creo que es una cuestión de amor, sabor y un poquitico de suerte.-En este momento, Colombia atraviesa un momento turbulento a nivel social y político, y en ese contexto se te ha pedido muchas veces que expreses tu opinión, incluso recibiendo críticas por eso ¿Cómo lo vivís?-Es difícil porque hablo y está mal, y si no hablo también está mal. Entonces: si callas, mal; si hablas, mal; si hablas rápido, hablas muy rápido y si hablas tarde, es muy tarde. Uno hace lo que puede, según su papel y su rol, igual siempre va a haber alguien al que no le guste. Temas como política y religión siempre llevan a problemas.-¿Sentís mucha presión cuando pasan este tipo de cosas y se te pide que hables y te expreses?-Sí, claro, porque es tan triste la sociedad que tiene que pedirle a los artistas que salven a su país. Hay que tener cuidado con los gobernantes que elegimos a la hora de votar. Si la sociedad se pudiese controlar a sí misma ni gobernantes necesitaríamos, seríamos mejores nosotros solos.Balvin, la marca-Tu imagen también se convirtió en una marca, ¿qué sentís cuando te ofrecen participar en proyectos como Fornite, o sacar un juguete de Transformers con Hasbro?-Es brutal porque es lo que yo quiero, ser una marca y hacer empresa por fuera de la música. Tener mis propios Jordan junto a Nike, o el skin de Fornite. Hay muchos movimientos que han sumado a la cultura que son muy bonitos. Me involucro mucho de manera personal en estos proyectos. Si no estoy ahí no funcionan, porque tienen que tener mi ADN. View this post on Instagram A post shared by J Balvin (@jbalvin)-Tus shows también suelen ser algo único ¿Estás esperando con ansias la gira 2022?-Totalmente. Con el José Tour 2022 quiero hacer algo nunca antes visto, hacer algo que marque la historia.-¿Hay algún lugar en donde aún no hayas cantado que te gustaría ir?-China, que no he ido nunca. Fui a Japón, a Tokio y un par de ciudades más, pero a China no. A la India tampoco y me gustaría.Imagen de la portada del nuevo álbum de J Balvin, José, lanzado el viernes 10 de septiembre-¿Qué sentiste al volver a los escenarios después de la pandemia?-Fue como un sueño. De repente te vuelves fan de tus fans y no ves la hora de llegar a ellos. Se sienten los nervios como la primera vez. Siempre ese cosquilleo que te hace sentir que todo está super.-Has hecho muchas cosas a lo largo de tu vida y de tu carrera ¿hay algo que todavía tengas pendiente?-Muchas cosas, porque en la vida no todo es trabajo. Hay lugares por conocer, cafés por tomar, conversaciones, gente que conocer, ver crecer personas que amo, saltar en paracaídas desde diferentes lugares del mundo. Hay muchas cosas para hacer más allá de la música. En realidad me faltan millones de experiencias.

Fuente: La Nación
13/09/2021 15:00

Pollo al disco con morrones y papas

La cocina al disco es tan diversa como versátil. Una de las características principales del disco es que se cocina todo en la misma sartén: proteínas, vegetales, guarniciones y salsas. Es perfecta cuando hay que hacer preparaciones para muchas personas, para cocinar al aire libre o para principiantes. Como dice el chef Javier González León, @javixchef, autor de esta receta: además de ser muy simple, cualquier persona puede preparar este pollo al disco con morrones y papas sin temor a que salga mal. Tiempo de preparación: 2 horas. Tiempo de cocción: 1 hora.Pollo, 2 enterosCebolla, 5Morrón rojo, 3Morrón verde, 3Ajo, 6 dientesVino blanco, 1 botellaPimentón ahumado, 4 cucharadasComino molido, 2 cucharadasPapas, 8Romero, 2 ramasAceite de oliva, cantidad necesariaSal, a gustoPimienta, a gustoColoca rel disco sobre las brasas y caliéntalo bien antes de colocar los ingredientes. mientras tanto corta los pollos en 8 piezas cada uno y salar.Echar aceite de oliva en el disco o sartén cuando esté bien caliente y coloca las piezas de pollo, cocinalas hasta dorar bien por ambas caras.Retirar el pollo del fuego y agrega las cebollas y los morrones cortados en tiras gruesas, de 1 dedo de grosor aproximadamente. Cocinar las verduras hasta que la cebolla transparente y agrega el ajo cortado en rodadas gruesas.Devolver el pollo dorado al disco y revuelve bien para que todos los sabores se mezclen.Agregar el romero, el vino blanco, el comino y el pimentón ahumado y revuelve bien para que todo se mezcle. Si es necesario, añadir un poco de agua para cubrir apenas el pollo.Dejar cocinar por unos 40 a 60 minutos o hasta que el pollo quede suave. Cortar las papas en cubos grandes y agregalos.Seguir cocinando hasta que las papas estén suaves. Sazonar con sal y pimienta al gusto.Tips para cocinar el pollo y otras carnes al discoEste plato de pollo con morrones y papas también se puede hacer en casa con una sartén de bordes altos, o una olla que reemplace al disco.Para obtener una salsa más espesa y roja, aeste pollo al disco con morrones y papas se le pueden agregar algunos tomates.El plato de pollo al disco con morrones y papas debe quedar con bastante líquido, por eso se le puede ir agregando agua al disco a medida que se va reduce el fondo de cocción.

Fuente: La Nación
11/09/2021 15:00

Gustavo Cordera vuelve al ruedo con un disco en forma de tríptico

El cantante Gustavo Cordera acaba de publicar un EP de cuatro temas que será la primera parte de una serie de tres entregas que terminarán formando un álbum de doce canciones. Cuerpo (Libres parte 1) es el nombre de este primer lanzamiento (continuará con Mente y Alma). Está integrado por cuatro temas conectados por la palabra "baile": "El baile de la libertad", "El baile del error", "El baile de los bichos" y "El baile del esclavo". El estreno, que viene acompañado de un videoclip, sirve de antesala para el show que dará el próximo 2 de octubre, en el Teatro Gran Rex.Los intocables: la serie que enfureció a la mafia e indignó al mismísimo Frank Sinatra"El baile de la libertad" es el primer single que se desprende con un vídeo. Un tema para mover los pies sin moverse del lugar. Pero, al mismo tiempo, para parar la oreja: "Por eso es que te pido que te rebeles. La vida es una fiesta clandestina. Estar bien es lo peor para los que dicen que nos cuidan", entona cordera. Al promediar el tema, aparece una gran sección instrumental que le da pie a la historia del video, para que ese plano corto que muestra a un Cordera despojado (ni siquiera lleva puesta una remera) le dé lugar a gente que, desde diferentes lugares, llega, se junta y baila con el protagonista de la canción.Desde su sello discográfico, su primer corte de difusión se lee de esta manera: "Este nuevo material de Gustavo Cordera profundiza sobre su mirada crítica de la época desde una propuesta de liberación afectiva. Haciendo foco en la desnudez como símbolo de lo esencial y la visión del marco de la naturaleza, como el espacio donde estar y a dónde llegar, propone que el encuentro sea la razón y no el temor. El baile un estado y la serena sonrisa un camino permanente aún en tiempos de confusión y dolor colectivo"."El baile del error" puede ofrecer las más variadas lecturas, especialmente desde que hace cinco años, una frase le cambió la vida, durante una conferencia de prensa ofrecida como ejercicio en la escuela de periodismo TEA Arte. Seguramente por eso, la connotación que se le pueda dar a sus palabras no escapará del oído de nadie, a lo autorreferencial. "Tan nutritivo es errar, tan saludable es perder, por eso el que siempre gana, se pierde". Y en la segunda parte agrega: "En este juego se gana o se aprende", entre otras reflexiones.En el momento del tercer track queda claro que el hilo conductor que conecta a los cuatro temas no es la palabra ]"baile" en sí sino una determinación sonora del EP que surge a partir de este término. Todos los temas son pachangueros, aunque el sentimiento que prime en cada uno pueda correrse a veces de lo festivo. "El baile de los bichos" es una pieza bien Cordera. Responde a su esquema compositivo, musical y sintáctico.Para el cuarto track, "El baile del esclavo", se reservó el pulso de la música electrónica y una paleta sonora más sintetizada que en los anteriores. Aquí habla de "cancelaciones", del "desfile obediente de la manada global" y de la "burbuja sonriente y de la boca con bozal". "Si lo único que queda es vivir de caridad yo prefiero morir por mi libertad", sentencia.A fines del último año realizó un show en streaming, días después de que se conociera la noticia de que había sido sobreseído del delito de "incitación a la violencia colectiva" por haber asegurado en aquella charla en la escuela TEA Arte que "hay mujeres que necesitan ser violadas para tener sexo".Gustavo Cordera, en una escena de su último videoclip (Captura de pantalla/)Durante una charla con LA NACION, decía: "Fue un cachetazo que me ordenó, me abrió los ojos, me demandó atención, me corrigió (...) Soy una persona que se equivoca constantemente, puedo decirte algo que no te guste y con el tiempo darme cuenta de que me equivoqué y decirte: 'Me equivoqué'. Me voy a seguir equivocando porque soy un ser humano, soy imperfecto, soy una persona que se está completando y tengo la humildad de darme cuenta que sé muy poco. (...) La parte de ingenuidad mía es muy peligrosa para mí y puede ser divertida para los demás. A ese Cordera le voy a decir que intente no ser tan ingenuo en el mundo que vivimos. Tengo que aprender a intercambiar ideas con la gente que se lo merece, a buscar el momento para decir las cosas, a darme cuenta de que las ideologías y defender una postura es innecesario para un artista. Somos canales y transmitimos cosas todo el tiempo y no nos tenemos que alinear ni defender ideas que no son nuestras. También aprender a advertir con quién estás porque hoy con los celulares, con la persecución constante, es necesario cuidarse".

Fuente: Clarín
11/09/2021 13:01

J Balvin después de la depresión: con disco (y avión) nuevo, homenaje a Metallica y un hijo con sangre argentina

El cantante colombiano, que fue papá en junio pasado, acaba de publicar José, que incluye su colaboración con María Becerra.

Fuente: La Nación
07/09/2021 10:18

Manuel Vilas: "Un disco de los Stones y la fenomenología de Hegel son la misma cosa"

BARCELONA.- En marzo de 2020, Manuel Vilas (Barbastro, 59 años) se confinó en su piso de Madrid y envió a Salvador, un profesor retirado, a una cabaña en la sierra. Hizo que se obsesionara con El Quijote y con Montserrat, la dependienta de la tienda de comestibles a la que empezó a acudir a diario. Salvador no podía hacer otra cosa allí arriba que comprar café, fruta, verduras frescas, pan, carne, cruasanes. Como Vilas en su piso de Madrid. Eso y lavarse las manos, ver el noticiero, y decirse que la historia no había muerto, que no habían muerto los acontecimientos de carácter planetario como se creía. Porque había llegado el virus, ¿y quería eso decir que el dinero iba a perder todo el sentido? "Cada vez entiendo más la novela como una indagación filosófica", dice Vilas."¡Parecen catedráticos de filosofía, los personajes!", se dice, entre risas. Habla de Los besos (Planeta), su última novela, rodeado de un montón de libretas, ante su mesa de trabajo. Habla, en realidad, de Salvador y Montserrat, la pareja protagonista, que vive "un amor huracanado, brutal, tremendo, como el que se cree que solo puede vivirse a los 23 años, o a los 24, pero que puede vivirse en cualquier momento". La diferencia, dice Vilas, entre ese amor "de madurez" y el de juventud es que es consciente de su propio fin. "En realidad, es consciente de la oxidación de erotismo. El erotismo va a oxidarse como se oxidan los coches o los zapatos. Salvador lo sabe, sabe que esa pasión acabará desgastándose y no quiere que eso ocurra", dice Vilas.Tatiana Goransky: tabúes, sexo y feminismoQué demonios es la vida, se preguntan, mientras tanto. Y leen El Quijote. Lo lee Salvador, y gracias a él, inventa una ficción, "una fantasía", para que esa pasión tarde en oxidarse. Se convierte en una especie de Alonso Quijano no enamorado de Dulcinea, sino de una tal Altisidora, a la que entrega ofrendas, productos que sustrae a otros tenderos. Montserrat se deja llevar a ese otro mundo, "ese país de dos únicos ciudadanos" que construyen, "porque eso es el amor, el amor de pareja, un país de dos únicos ciudadanos", dice Vilas. Al hacerlo, se aleja de la pandemia. "Los enamorados no ven el telediario", sentencia en un momento dado el narrador. Un narrador, por cierto, "poco fiable", porque "tiene fugas de memoria", y todo ocurre, en realidad, en su cabeza.El éxito mundial de Ordesa, y su salto a Planeta con Alegría, secuela y a la vez novela de duelo por aquella, la novela que había resucitado a sus padres, "pesa", admite el escritor. "Como hijo de la clase media baja lo último que quieres es decepcionar a alguien. Pienso en mi padre, es lo último que haría", dice. Ha pasado el verano en Cabo de Gata. Un día colgó una foto en Instagram que le censuraron por no llevar camiseta. ¿Se ha vuelto el mundo un campo de minas? "Sí, un poco", dice. ¿Y condiciona eso su manera de escribir? "No, en absoluto. Yo no puedo escribir de otra manera. Es imposible". No le afectan las críticas, ni siquiera cuando las firman respetados críticos. "Como dice el narrador de la novela, Don Quijote no huía de la realidad, huía de España", sentencia."Hay intelectuales españoles que aún distinguen entre la cultura popular y la alta cultura. Para mí, un disco de los Rolling Stones y La fenomenología del espíritu de Hegel son la misma cosa. Para ellos, no. Por eso creen que lo que hacemos son poses extravagantes. Pero era esa igualación entre la alta cultura y la cultura popular lo que por fin se hizo efectivo. Parece que hay quien se resiste. Los que hemos hecho esa mezcla, de Rolling con Hegel, lo tenemos mal, porque nuestro argumentario no se entiende", expone. Lo que, por otro lado, tiene su lógica, añade, porque "en España llegamos tarde a la modernidad desde el siglo XVIII". Lo que peor lleva es lo del sentido del humor. "Si eres un país de segunda y pierdes el humor, no te queda nada", dice.Además de amplificar el erotismo, porque "vivir es un acto erótico", dice, la novela fotografía el pasado más reciente, y trata de explicarse la pandemia. Aquello que ha podido o pretendido llevarse. "El virus ha derribado la solidez de la civilización que teníamos y nos ha devuelto al fango bíblico. A nivel psicológico, colectivamente, la principal consecuencia es que no vamos a poder volver a fiarnos mucho de la civilización. La retirada de Estados Unidos de Afganistán tiene mucho de melancolía pospandemia. Aceptamos existencias más etéreas. Se han cansado de ser la policía del mundo. Han dicho: 'Ya tenemos bastante con lo nuestro'. La Unión Europea también es melancólica. Hay en ella nacionalidades cansadas y escépticas. Por eso también se van", asegura."La pandemia fue un disolvente. Disolvió la realidad. He de confesar que me afectó muchísimo la pérdida de libertades. Y eso que era un pacto por la salud. No quiero pensar lo que debieron ser los totalitarismos. Cuando el Estado se metía en la vida de la gente porque sí. Kafka ya hablaba de ello en 1920. Decía: 'No existe la vida del individuo, existe la colectividad. Durante tres meses y a bajo voltaje, eso fue lo que sentimos. Que no existíamos como individuos", dice. Y luego está el asunto del capitalismo, objeto siempre de estudio en su obra como elemento cómico. Algo que, durante la pandemia, se volvió aún más evidente. "No servía de nada tener un Ferrari, era más importante tener una mascarilla, ¿cómo es eso de absurdo?", se pregunta.Considera un fracaso "del capitalismo nacional" que no haya habido dinero para pagar a Messi. "Cada español podría haber soltado 10 euros y Messi se hubiera quedado. Pero no lo hemos hecho. La pobreza es colectiva. Hay algo melancólico ahí también, y cómico", insiste. Siguiendo con la idea de la forma en que el virus lo ha cambiado todo, Vilas se pregunta cuánto van a durar los países. Se lo pregunta el narrador también. "Creo que no más de 300 o 400 años. En el futuro habrá una organización de la humanidad al completo. La naturaleza se muere de risa ante la fantasía de las nacionalidades. ¿Acaso distingue el virus entre un español o un alemán?", dice. Imagina incluso una República española, consecuencia del virus. Imagina a Felipe VI esperando al autobús. "Si desaparecen los privilegios, puede desaparecer todo", añade

Fuente: La Nación
07/09/2021 08:18

Gilda: Soledad, Rocío Igarzábal y Natalie Pérez hablan del disco que la homenajea a 25 años de su muerte

Editada por Leader Music, con un atractivo y colorido diseño a cargo del talentoso artista gráfico George Manta y con Lito Vitale como responsable de la dirección musical, Gilda 25 años devuelve al presente reconocidas composiciones de la popular intérprete de música tropical, como "Fuiste", "No me arrepiento de este amor" y "Corazón valiente", entre otras, envueltas por las jugadas, refrescantes y a la vez respetuosas relecturas de Soledad, Brenda Asnícar, Natalie Pérez, Chita, Zoe Gotusso, Rocío Igarzábal, Feli Colina, Emme, An Espil y el dúo India Marte.Sumando todo su talento y su experiencia al tema "Se me ha perdido un corazón", Soledad Pastorutti confiesa que su primer contacto con la música de Gilda se dio a los 15 años a través de un álbum de grandes éxitos que no dejaba de escuchar nunca. "Si no me hubiesen invitado a participar de este disco, la verdad es que iba a pedir que lo hiciesen. Para mí es súper importante; Gilda es mi inspiración; me siento identificada con ella porque a mí me pasó algo parecido pero dentro del folklore. Es crecer con la música en un momento de la sociedad y el mundo muy diferente para las mujeres, en donde aún no estaba instalada la posibilidad de que nosotras podamos tener igualdad de condiciones en un mundo de hombres y no era tan fácil, todo era más pasito a pasito (como dice una de sus canciones). Para mí es un honor estar en este disco. Me encanta la música de Gilda, siempre canté sus canciones y por suerte hoy, en este mundo donde las cabezas están más abiertas, los géneros se fusionan con la música de raíz, porque para mí la cumbia es música de raíz. A mi me llega de una manera muy especial", reconoce La Sole.Gilda: a 25 años de la muerte de la maestra que se animó a cambiar su destino"Me hubiese encantado cantar con vos""Si pudiera decirle algo a Gilda, le diría: 'Me hubiese encantado cantar con vos. Espero que te guste la versión que hice de 'Noches vacías'. A pesar de que no pude conocerla, siento que de alguna forma es tan cercana a mí, a mi historia y seguramente a la de muchas mujeres. Es como una amiga; seguramente hubiéramos sido amigas. Me hubiese encantado conocerte. Gracias Gilda por tu música y tu alegría. Sé que desde algún lugar del cielo vos elegiste a cada una de estas mujeres que va a representarte en estos veinticinco años. Te extrañamos, te quiero por siempre y muchas gracias", expresa emocionada Natalie Pérez.Rocío Igarzábal, encargada de ponerle voz a "No es mi despedida", señala: "Para mí es muy valioso estar en este disco y formar parte de este grupo de mujeres con proyectos y búsquedas distintas. No podía ser de otra manera que Gilda una a tantas mujeres en un mismo disco; mujeres con mucha trayectoria, mujeres jóvenes, mujeres que están empezando. Esta diversidad de artistas hace que sea aún mas interesante la propuesta. Por mi parte es un honor y algo muy emocionante. Cuando tuve que grabar la canción me dio como un escalofrío, como una sensación de poder conectar con ella a través de sus letras y poder poner un poco de mi esencia en esa versión. A pesar de haber pasado 25 años, Gilda sigue siendo un ejemplo a través de sus notas y su manera de pensar. Ella siempre habló de cuestiones sociales que hoy en día están muy vigentes, problemáticas que todavía tenemos que seguir trabajando. Por eso, en ese sentido es una gran referente y ejemplo para poder seguir evolucionando. Y a la vez, con su música creo que trae algo muy especial y hasta diría mágico, porque cualquier persona que escucha Gilda viaja en el tiempo hacia su juventud, algún momento que celebró la vida, con amigos, familia, una fiesta o un momento especial y eso creo que es lo más lindo que tiene".Disponible en las principales plataformas digitales, el canal oficial de Gilda en Youtube y en la comunidad CumbiaTube, Gilda 25 años se completa con los temas "Corazón valiente" (Chita), "Fuiste" (Brenda Asnícar junto a Emme), "Volverte a ver" (Zoe Gotusso), "No me arrepiento de este amor" (Feli Colina), "Paisaje" (An Espil) y "La puerta" (India Marte).Tras perder la vida junto a su madre, su hija y parte de su equipo de colaboradores en un trágico accidente ocurrido en el kilómetro 129 de la ruta nacional 12, en Entre Ríos, en 1996 (y en donde hoy se erige su santuario), la ya popular figura de la carismática Myriam Alejandra Bianchi, nombre verdadero de Gilda, se transformó en un auténtico mito y leyenda no sólo de la cumbia y la movida tropical sino también de la música popular argentina.Oriunda de Villa Devoto y criada en una familia humilde y trabajadora, dejó atrás su carrera de educación inicial para cumplir su sueño de cantar y cambiar así tanto su vida como la de miles de personas a través de melodías que trascendieron el tradicional circuito de bailantas y fiestas populares. Hoy, su música permanece vigente por peso propio y ahora se acerca a las nuevas generaciones gracias a este conjunto de artistas de diferentes estilos y tendencias reunidas en torno al proyecto Gilda 25 años. Sin dudas, una excelente manera de perpetuar su legado.

Fuente: Página 12
06/09/2021 16:30

Un disco tributo a Gilda busca otras miradas para sus canciones

En el álbum cantan Soledad, Zoe Gotusso, Feli Colina, An Espil, India Marte, Rocío Igarzábal, Emme, Brenda Asnicar y Natalie Pérez.

Fuente: La Nación
02/09/2021 18:36

Todos los anuncios de ABBA: cuándo sale el nuevo disco, el estreno de "Still Have Faith in You" y cómo será el show holográfico

"Gracias por esperar: el viaje está por comenzar", dice el mensaje en la web ABBA Voyage que lleva la firma de Agnetha, Björn, Benny y Anni-Frid ("Frida"). A casi cuarenta años de su disolución, ABBA, el cuarteto sueco más famoso del mundo está de regreso. Por supuesto que siendo cuatro septuagenarios no van a comportarse como veinteañeros, pero prometen un nuevo álbum, que se conocerá en noviembre y un show holográfico que se estrenará en el otoño (del hemisferio sur) de 2022. El venue es un espacio especialmente diseñado para este fin.La Voz Argentina: cómo son las semifinales, qué pasa el viernes y cuándo termina"Únase a nosotros para un concierto de 40 años de proceso. Un concierto que combina lo viejo y lo nuevo, lo joven y lo no tan joven. Un concierto que nos ha vuelto a reunir a los cuatro", se puede leer en la página web, mientras de fondo aparecen los perfiles de Benny y Agnetha y los rostros de frente de Björn y Frida, como si observaran a los lectores. Se los ve jóvenes, en parte reales, en parte como sujetos de una película de androides de última generación. En definitiva, como los "abba-tars" que subirán el próximo año al escenario del Queen Elizabeth Olympic Park, de Londres.Diseño: cómo quedará terminado en 2022 el venue para ABBA VoyageEl texto promocional sigue: "ABBA Voyage es el concierto largamente esperado de uno de los hechos pop más importantes de todos los tiempos. Vea a los avatares de ABBA acompañados por una banda en vivo de diez músicos. Ningún regreso estaría completo sin música nueva. Voyage es el nombre del álbum de diez canciones que se presentará el 5 de noviembre de este año.Desde hace un par de años ya vienen dando vuelta los nombres de dos temas nuevos que finalmente ABBA puso a disposición de sus fans ("Still Have Faith in You" y "Don't Shut Me Down") y que sintetizan, de algún modo, el espíritu de este regreso. Desde su disolución, más allá de las reediciones de sus discos y los compilados, los cuatro integrantes recibieron muchas ofertas para volver a subir a los escenarios juntos. Nunca aceptaron hasta que en 2016 comenzó a tomar forma el proyecto que ahora logran concretar. De hecho, para finales de 2019 hubo rumores del retorno, pero la pandemia postergó todos los planes.ABBA. Voyage. Nuevo álbum.Para el público inglés (o para todos aquellos que puedan llegar a Londres, en el segundo trimestre del año que viene), las entradas para el ABBA Voyage estarán a la venta desde el próximo martes. Lo mismo para el disco: quienes quieran hacer una reserva (pre-orden) podrán realizarla desde la web de ABBA, a partir del próximo sábado.Björn, Benny, Agnetha y Frida grabaron nuevas canciones"Todavía tengo fe en ti" es la traducción del single ( "Still Have Faith in You") que anticipa la salida del disco. Y resume, justamente, la concreción de este proyecto."Todavía tengo fe en ti. Ya lo veo. A través de todos estos años en los que la fe sigue viva, de alguna manera. Había una unión de corazón y mente. Los gustos de los cuales son raros y tan difíciles de encontrar, ¿Lo tengo en mí? Creo que están ahí. Porque sé que escucho una canción agridulce. En los recuerdos que compartimos todavía tengo fe en ti. Y diré, realmente, que nunca pensé que me sentiría así. Pero me recuerdo a mí mismo. De quiénes somos. Cuán inconcebible es llegar tan lejos ¿Lo tengo en mí? Creo que está ahí. Porque sé que escucho una canción agridulce. Está en los recuerdos que compartimos, los tenemos en nosotros. Ha llegado un nuevo espíritu. La alegría y el dolor. Tenemos una historia. Y sobrevivió. Y nos necesitamos unos a otros como luchadores en un ring. Estamos en esto juntos. Pasión y coraje. Es todo. Todavía tengo fe en ti. Eso sobresale por encima de las locuras que hicimos. Todo se reduce al amor ¿Lo tengo en mí? Creo que está ahí. Porque sé que escucho una canción agridulce".Björn y Benny antes de la entrevista en Live Streaming y (de fondo) el venue que se está construyendo para presentar en 2022 ABBA VoyageEn este jueves de estrenos, los compositores del grupo, Björn Ulvaeus y Benny Andersson, ofrecieron una entrevista en live streaming que se puede ver en YouTube. Hablaron del regreso, del proyecto y de la grabación del disco. Hubo una previa que mostró pantallas en distintas partes del mundo (Londres, Berlín, Estocolmo, Viena, Rio de Janeiro) desde donde muchos fans pudieron ver la entrevista, que tuvo como anfitriona a la presentadora de radio y televisión británica Zoë Ball.Frida a los 75, llena de sensores, para la producción de los avatares de ABBABenny (74) y Björn (76) llevan bien los años que tienen. Ni aparentan la edad que acusan. "La primera de estas canciones, 'Still Have Faith in You' -decía Björn- cuando escuché la música de Benny supe que hablaba de nosotros. Es difícil de imaginar que somos aquello que fuimos. Ser amigos, disfrutar de la compañía del otro. Y una lealtad total. ¿Quién puede experimentar eso? Nadie". Y sobre el show, Benny dijo: "A los que verán en el show es a nosotros. Será un espectáculo de una hora y media aproximadamente, con grandes éxitos, con otras canciones que no fueron grandes éxitos pero que nos gustan y con temas nuevos. Pasaron cuarenta años; en realidad 38 o 39, pero pero cuando volvimos a grabar sentimos como si ese tiempo no hubiera pasado. Cada uno en el estudio, cada uno en su rol. Fue increíble".10 cosas de ABBA que no todo el mundo conoce: entre millones, éxitos, celos y el aporte de un argentinoEl video mostró la producción del espectáculo holográfico en el que cada uno debió tocar y cantar dentro de un set de filmación, que luego será transformado en un avatar. Los productores tomaron como modelo de referencia a los cuatro ABBA de 1979, usaron sensores para el cuerpo de cada integrante y decenas de cámaras. ¿Y el resto de las nuevas canciones? "Creo que son buenas -dijo Benny-. Creo que hicimos lo mejor que pudimos... para nuestra edad", bromeó.El ABBA-tar de Frida, para el espectáculo que se estrenará en 2022La versión ABBA Voyage de Agnetha, que se estrenará en 2022

Fuente: La Nación
02/09/2021 10:36

María Becerra se empodera en Animal, su primer disco

Artista: María Becerra. Álbum: Animal. Canciones: "Animal", "A solas", "Cerquita de ti", "Acaramelao", "Cazame", "Mi debilidad", "Wow Wow", "Hace rato", "Hipnotiza", "No eres tu soy yo" y "Episodios". Edición: 300 Entertainment. Nuestra opinión: bueno.Bombardear incesantemente las plataformas digitales con una canción tras otra parece ser la estrategia, y muy eficaz por cierto, adoptada por la gran mayoría de los jóvenes artistas de la música urbana que han tomado por asalto el interés y la atención de las nuevas generaciones. Cuando un tema alcanza millones de reproducciones en apenas días (o inclusive horas), automáticamente irrumpe otro que lo desbanca y así sucesivamente como en una enloquecida carrera que no conoce límites ni barreras. Sin embargo, de un tiempo a esta parte (y como si se tratara de un efecto "freno de mano") no pocos nombres de este ascendente e imparable fenómeno han comenzado a replantearse sus métodos y su planificación optando por el concepto de obra integral, es decir de acceder al público a través del tradicional y más trabajado formato de álbum que permite a la vez apreciar sus propuestas de un modo más global y completo. Y en ese sentido, María Becerra no es la excepción.Tras adelantar varios singles de notable repercusión y convertirse en la primera cantante argentina en superar los 24 millones de oyentes mensuales en Spotify, la ex youtuber oriunda de Quilmes presenta Animal, su flamante álbum debut. Producido por Big One, Subelo Neo y Tatool, este primer trabajo discográfico conjuga pop urbano, reggaetón, R&B, trap y sones latinos, territorios en donde la voz de María Becerra se desempeña con comodidad y soltura mediante una lírica directa, sencilla y sin necesidad de metáforas.Con la participación de Cazzu, el viaje comienza bien arriba de la mano de "Animal", un encendido canto al empoderamiento femenino que, sin dudas, emerge como el motor que engloba e impulsa a cada una de las once canciones del disco. Entre otras cuestiones, los temas de Becerra hablan de amor, desamor y de irse de fiesta para olvidar las penas. No obstante, cada una de las mujeres que protagonizan sus historias no se quedan en la tristeza, el lamento o el desconsuelo; más bien toman siempre la iniciativa, adoptando una postura frontal y decidida. A veces, lo hace apelando a los tiempos medios, reposados y melódicos de "Cerquita de ti", la sentida "Mi debilidad", "No eres tu soy yo" (a dúo con Danny Ocean) y "Episodios". Y en otras, deja fluir todo su flow y energía bailable, como lo demuestra en "A solas", "Cázame" (junto a Tiago PZK) y "Wow Wow", el más reciente y explosivo corte de difusión en el que, acompañada por Becky G, afirma que no depende ni necesita de un hombre para sentirse bien, arribando al lugar del festejo con una sentencia firme: "Aquí llegó la lady con todas sus babies".Aún sin demasiadas innovaciones y conservando tanto las señas particulares como los clichés típicos del género urbano, Animal asoma igualmente como un álbum variado, ecléctico y cuyo as de espadas descansa en "Acaramelao", una atractiva y lograda combinación de trap y salsa con un guiño cómplice a "Yo no sé mañana", la popular creación de Luis Enrique. Un aceptable primer escalón discográfico para una María Becerra con mucho camino por recorrer.Duran Duran festeja sus 40 años con tema nuevoLa banda británica estrenó su single "Anniversary", con motivo de celebrar sus primeras cuatro décadas en la música y como adelanto de su próximo disco, Future Past, que sale el 22 de octubre. El álbum tiene al mítico Giorgio Moroder entre sus productores y cuenta con invitados como Graham Coxon de Blur, Mark Ronson y Tove Lo, entre otros. Asimismo, el grupo se prepara para presentarse en el evento benéfico internacional Global Citizen Live el 25 de septiembre y para encabezar el festival Austin City Limits el 3 y el 10 de octubre.Axel Fiks lanza su disco debutDespués de tres singles lanzados a modo de adelanto ("Vengan a casa hoy", "Goma" y Vereda"), el cantante y compositor publica Amante moderno, su primer larga duración. Con 23 años, Fiks circula desde hace tiempo en la nueva escena musical con canciones como "Chica Acuario" (en colaboración con Goyo de Bándalos Chinos), "Ojitos de MD" y el beat que hizo para la Bzrp Music Session, Vol. 3 con Paco Amoroso. Ahora debuta en formato álbum con este trabajo que recorre "todos los sentimientos que atraviesa cotidianamente el artista".Se estrena documental sobre Velvet UndergroundEl director Todd Haynes, a quienes conocimos en filmes con temática musical como Velvet Goldmine o la particular biopic de Bob Dylan I'm Not There, dio a conocer el primer trailer de su documental The Velvet Underground, sobre el legendario grupo liderado por Lou Reed. La película incluye entrevistas con los miembros sobrevivientes y allegados al grupo, imágenes de shows nunca vistas y material de archivo. También se edita la banda de sonido, un compilado de 16 tracks con rarezas y tomas en vivo.Tweety González colabora con Lisandro AristimuñoTras décadas trabajando en sociedad con otros artistas (fue tecladista de Soda Stereo y produjo varios discos de Fito Páez, entre otros), González inició este año su carrera solista. Hace algunas semanas publicó "Jazzypop", su single debut, y ahora vuelve con "Una pregunta más", canción que firma junto a Lisandro Aristimuño y cuyo video se estrena esta semana. El tema combina una base electrónica con la voz cálida del cantautor patagónico.

Fuente: La Nación
02/09/2021 09:36

Sting presentó su nueva canción, "If It's Love" y anunció la salida de un nuevo disco

Tiene la fama, podría echarse a dormir. Pero sigue haciendo discos. El cantante Sting estrenará el 19 de noviembre próximo su nuevo álbum, The Bridge, con una lista de canciones que hoy dio a conocer y el adelanto de una de ellas, "If It's Love". Con este primer corte de difusión, el músico inglés puso primera y comenzó a transitar el camino hasta llegar al álbum completo. Seguramente habrá otros estrenos previos al lanzamiento. Habrá que esperar.Netflix: los estrenos de series en septiembre de 2021"Ciertamente no soy el primer compositor en equiparar enamorarse o desenamorarse con una enfermedad incurable, ni seré el último", dice Sting. "'If It's Love' es mi adición a ese canon donde los tropos metafóricos de los síntomas, el diagnóstico y la absoluta incapacidad son lo suficientemente familiares como para hacernos sonreír con tristeza", asegura.Según su compañía discográfica, "The Bridge muestra la prolífica y diversa destreza de Sting para la composición, con este nuevo conjunto de canciones que representan estilos y géneros explorados a lo largo de su inigualable carrera. Fue escrito en un año de pandemia global y encuentra a Sting rumiando sobre la pérdida personal, la separación, la disrupción, el encierro y la extraordinaria agitación social y política. Al explorar una multitud de conceptos y temas, un puente (bridge) representa el vínculo duradero y en constante evolución entre ideas, culturas, continentes e incluso las orillas de un río. También es una ruta hacia el pasado, y así fue como Sting se encontró considerando la música y los lugares que han formado sus propios cimientos y que, de hecho, están incrustados en su mismo ADN".Y en cuanto a "If It's Love", reseña: "La melodía pop alegre y contagiosa exhibe su innegable don para la melodía. Con su voz característica, y adoptando un enfoque diferente a una canción de amor directa, Sting compara la contemplación de sus sentimientos románticos con llamar al médico sobre sus síntomas".En castellano, el tema dice así: "Salté de la cama esta mañana, con una sonrisa en mi rostro. Todavía está ahí mientras me afeito. Pero la razón es difícil para mí de rastrear. Me preparo un desayuno. Tomo un café mientras reflexiono ¿De dónde podría haber venido esta sonrisa? Es un músculo que rara vez uso. / Llamar al médico con mis síntomas ¿Debería pasarme todo el día en la cama? ¿Me puedes explicar qué me pasa? Y eso es lo que dijo mi médico: Si es amor, no tiene estación; si es amor, no hay cura, si es amor, no verá la razón. Y de esto puedes estar seguro de que si es amor, debes rendirte. (...)"Sting. Cantante. Músico.Para los amantes de los detalles técnicos, The Bridge fue escrito y grabado durante el último año en aislamiento junto a los músicos de confianza de Sting. Algunos en su estudio, otros de manera remota. Ellos son Dominic Miller (guitarra), Josh Freese (batería), Branford Marsalis (saxo), Manu Katché (batería), Martin Kierszenbaum y Fred Renaudin (teclados), Melissa Musique, Gene Noble, Jo Lawry y Laila Biali (coros). También hay pistas y claves para ir palpitando el estreno. Se dice que las influencias de The Bridge son vastas, desde lidiar con los orígenes turbios de las baladas folclóricas en la "Colección de canciones folclóricas inglesas" de Cecil Sharp, hasta J. Robert Oppenheimer; o desde la historia romana de Northumbria hasta Santo Tomás.Todas las canciones fueron producidas por Sting y Martin Kierszenbaum, excepto "Loving You", donde al dúo se le suma el aporte de Maya Jane Coles. El álbum fue mezclado por Robert Orton, diseñado por Donal Hodgson y Tony Lake y masterizado por Gene Grimaldi en Oasis Mastering. Y aquí va la lista completa de canciones: "Rushing Water", "If It's Love", "The Book of Numbers", "Loving You", "Harmony Road", "For Her Love", "The Hills on the Border", "Captain Bateman", "The Bells of St. Thomas", "The Bridge", "Waters of Tyne" (Deluxe bonus track), "Captain Bateman's Basement", (Deluxe bonus track), "(Sittin' on) The Dock of the Bay" (Deluxe bonus track solo en edición japonesa) y "I Guess the Lord Must Be in New York City".

Fuente: Clarín
01/09/2021 04:00

Crónica del hermoso disco que Fito Páez nunca hubiera querido hacer

Dos semanas después de que asesinaran a las mujeres que lo criaron, el cantante estrenó "Ciudad de pobres corazones".

Fuente: La Nación
31/08/2021 08:18

50 años después, el gran disco de George Harrison volvió a los primeros puestos del ranking

Medio siglo después, All Things Must Pass, el álbum triple con el que George Harrison extremó la huella de un estilo propio que podía ser alternativo al cancionero modélico de John Lennon y Paul McCartney volvió al chart de Billboard y se acomodó en el puesto 7 del ranking a partir de un blitzkrieg -guerra relámpago- de reediciones que van desde una nueva mezcla que suma demos y primeras versiones en streaming, vinilo y CD a versiones de lujo como la Uber Deluxe Set que incluye 70 tracks en todos los formatos y calidades (Blu-Ray y sonido 5.1), más dos libros y réplicas del mismo Harrison y los gnomos de la icónica tapa. Todo en una lujosa caja de madera por la que hay que abonar 999,98 dólares (97.411 pesos a la cotización oficial). Demasiado tal vez para un disco triple cuya experiencia sensorial, al mismo tiempo, no tiene precio. Las reediciones de All Thing Must Pass marcan el regreso del Beatle místico al top ten desde 1988, cuando el álbum Cloud Nine, propulsado por el hit "Got My Mind Set On You", entró en el puesto 8. El álbum Dark Horse (1975) había rankeado número 4 en enero de 1975 y el triple All Thing Must Pass en su versión original había sido número 1 entre el 2 de enero y el 13 de febrero de 1971, para permanecer entre los diez más vendidos hasta el 27 de marzo de ese mismo año.En noviembre se cumplirán veinte años de la muerte de Harrison, un artista cuya obra cumbre, entre lo mejor que los ex Beatles hicieron como solistas, devenida una especie de coffee table book al estilo Taschen, no solo afirma el fetichismo de los objetos en una era en que la música circula como data sino la posibilidad de que con el tiempo la música pop sea apreciada con una perspectiva de arte alto. De pronto, aquel vinilo triple que en Argentina se editó como Todo Debe Suceder en una caja negra con los tres discos protegidos por sendos sobres blancos es contemporáneo de Billie Eilish (en el número 1 con Happier Than Ever), Olivia Rodrigo, Dua Lipa y los raperos Nas, Kid Laroi, Doja Cat, Lil Baby y Polo G. Tapa del vinilo de All Things Must PassEn 1971, cuando All Thing Must Pass ocupó por ultima vez el top ten, el universo musical le era mucho menos ajeno que este aunque tenía una coincidencia: Janis Joplin estaba en el número uno con Pearl, su álbum póstumo, como ahora le toca a la Eilish. El omnipresente hip hop no existía (sí estaban los futuros samples en las bases de James Brown) pero, sin embargo, en ese 1971 pródigo en discos modélicos (Hunky Dory, Led Zeppelin IV, Imagine, What's Going On, Exiles on Main Street, Mediterráneo, Caetano Veloso, La Biblia, entre otros) Isaac Hayes incluía dos tracks con el nombre de "Ike's Rap" en el álbum Black Moses. En ese top ten del que All Thing Must Pass se despedía tras casi cuatro meses de permanencia solo había lugar para un artista afroamericano: Jimi Hendrix con The Cry of Love, otro álbum póstumo en el tercer puesto. El resto se repartía entre Abraxas de Santana (6), Tumbleweed Connection de Elton John (8), Chicago III de Chicago (3), el suceso de la película Love Story con su banda de sonido (2) y el disco homónimo de Andy Williams (7), otra película hecha disco como Jesuchrist Superstar (5) y, en el número 10, Barbra Sreisand con Stoney End. Las canciones lánguidas, otoñales, de All Thing Must Pass forman parte de esa atmósfera de principios de los 70 pero a la vez su sonido, la producción meticulosa del extravagante Phil Spector (condenado a 19 años de cárcel por el homicidio de Lana Clarkson hasta su muerte en enero pasado) consiguió que atravesaran el contexto. En All Thing Must Pass, tanto Harrison como Spector parecieran haber subido juntos el Everest. La calidad y calidez de las canciones quedan envueltas, antes que en una pared, en una suerte de friso mural de sonido donde los instrumentos se entremezclan y fluyen, fundidos, hacia un unísono conmocionante. Tal la concepción wagneriana del rock and roll (eso que suena en "Wah-Wah": ¿Wah-Wahgner?) que animaba la destreza de Spector en el estudio de grabación. La colaboración entre Harrison y Spector había empezado durante el trabajo para el álbum Get Back que terminaría siendo Let it Be. En esas sesiones, el día de su cumpleaños 26, George grabó los demos de cuatro canciones: "Something", "Old Brown Shoe" y "All Things Must Pass". "Something" es una pieza central de Abbey Road (que hasta el popfóbico Sinatra versionó como una balada de jazz), "Old Brown Shoe" fue a parar a la recopilación Hey Jude y "All Thing Must Pass" (grabada en esa toma como material beatle todavía) sería el germen del que Harrison consideró su primer disco solista (y el primer álbum triple de un artista pop) aunque antes hubiera editado los experimentales Wonderwall Music y Electronic Music, compuesto a partir del uso del novedoso sintetizador moog. Por cierto que ninguna de la música que acompaña en el chart de 2021 a este álbum medular para quienes se iniciaron en la cultura rock en los 70 tiene puntos de contacto con su música, hecha bajo el paradigma del grupo eléctrico. La contemporaneidad de All Thing Must Pass es, en todo caso, conceptual: si hay algo que distingue a toda la música nueva que rodea la rentrée del triple es el lugar que tiene la producción, ya inescindible de la composición en el hip hop o el estilo de las nuevas divas como Eilish o Dua Lipa. Fuera de eso, es un señalamiento de lo trascendente: lo que Harrison plasmó con "My Sweet Lord" (más allá de la historia del plagio) no fue solo un hit soleado sino la definitiva confluencia de la nueva espiritualidad, de saberes ancestrales ajenos al iluminismo, y la cultura pop como fenómeno saliente de la posguerra. Es curioso cómo llegó a la forma definitiva en esta transacción (que también puede leerse en términos de la caída del Imperio Británico) desde el exotismo al hit: Desde Revolver (1966), Harrison había impulsado el uso de instrumentos de la música india como el sitar y la tambura en el ensamble pop de Los Beatles. Canciones como "Love You To" o "Within You Without You" no eran sino formas como el raga o las invocaciones mántricas cantadas en inglés. "My Sweet Lord" es, en cambio, una canción pop de tres acordes cuyo coro atraviesa el cristianismo, el judaísmo, y las creencias védicas logrando que millones de adolescentes de todo el mundo terminasen cantando en sánscrito sin entender una sola palabra de lo que decían. Tal como esa introducción donde las guitarras acústicas parecen replicarse como en un juego óptico de Julio Le Parc, el triple de Harrison compacta toda su experiencia previa con The Beatles además de la escena en la que consiguió independizarse estableciendo alianzas con Eric Clapton (Pattie Boyd incluida) y, sobre todo, Bob Dylan, con quien compuso "I'd Have You Anytime" (la apertura del primer vinilo) y de quien versionó "If Not For You" (en el lado B del segundo). Esa colaboración marcó también un sensibilidad que va de América ("Sister Golden Hair", 1975) a Wilco ("You and I", 2009).Dhani Harrison, el hijo de George, supervisó la remezcla de la obra cumbre de su padre (Josh Giroux/)La remezcla supervisada por Dhani Harrison, que ya se había hecho en 2014, puede iluminar algún que otro detalle, sacarle lustre a una guitarra rítmica confundida en la argamasa de Spector. Nada más. Los libros, aún las ilustraciones de Klaus Voormann que tocó el bajo en el disco en un dream team en el que sumaban Clapton, el amigo Ringo Starr, Billy Preston y Bobby Keys, pueden quedar bien en la mesa ratona, hojearse como un objeto suntuario. Los gnomos de la tapa: simpáticos. Sin embargo no hay con qué subirle el precio a la sensación que sigue causando el álbum tal como fue grabado. Es la experiencia de un sentimiento único, inefable, al que identificamos con la melancolía acaso por pereza o porque todavía no se inventó una palabra para nombrar lo que trasunta esa voz ligeramente apagada entreverada con una guitarra que llora y sonríe al mismo tiempo y dice que "todo debe suceder". Volver al top 10 en un mundo completamente distinto, por ejemplo. Bienvenido de nuevo, George.

Fuente: La Nación
30/08/2021 02:18

Palo Pandolfo: sus últimos días y el disco que alcanzó a terminar y se editará en octubre

El canillita del puesto de diarios de la avenida Díaz Vélez lo reconoce con la mirada. "¡Uy! Pasó Palo Pandolfo", le dice el pibe a su interlocutor, del otro lado del celular. Se llama Federico y es su primer día de trabajo. Al instante siente el alboroto en la cuadra, corta la llamada y va a ver qué pasa. Palo está tendido en la vereda frente a la sucursal del Banco Francés. La primera asistencia la recibe de un policía, que repite el procedimiento de RCP sin lograr ninguna reacción. En el banco hay tres enfermeros del Hospital Durand, salen disparados hacia la calle. Tampoco pueden hacer nada. La ambulancia del Durand llega unos minutos después y la escena no tiene solución. Palo había salido a caminar por Parque Centenario, no llevaba documentos, solo tenía la llave del lugar en donde estaba parando por esos días. Casi sin pensarlo, Federico empieza a enviar mensajes contando lo sucedido. La noticia corre rápido, enloquecida, sin saber aún el desenlace. "Alguien anónimo, a través de un fan, me manda un mensaje diciendo que Palo se había caído en la calle", cuenta El Ruso (Germán Alperowicz), manager de Pandolfo. "Coincidía con que dos horas antes me había dicho que iba a caminar al parque. Yo vivo en Florida (Vicente López) y empiezo a buscar gente que esté por el lugar. Llamo a Luis Emilio, el sobrino de Palo, que vive cerca de ahí, y es él quién lo termina reconociendo". Fulminante. El corazón de Roberto Andrés Pandolfo se detuvo pasadas las 14:30 del jueves 22 de julio. Tenía 56 años y asumía el oficio de escribir y cantar canciones en donde cualquiera puede mirarse.El cantor federal fue su última invención, tocar y tocar en donde sea. "Agregamos una nueva función x entradas agotadas! Centro Cultural Morán â?? domingo 8/8 â?? 8 pm! Blas Bizzio synth-bass, caja rítmica, guitarra eléctrica, Eu guitarras acústicas, bombo, pandereta, o sea dos chabones muchos sonidos!", dice el último tuit de Palo fechado el fatídico jueves de julio. "Esa mañana hablé dos veces con él, una charla de 27 minutos a las 11:30 y otra de dos minutos a las 12:45. Palo estaba bien, hablamos de muchas cosas. Del Morán, de la gira por Mendoza y San Juan para fines de agosto y de dos fechas más en el Morán para septiembre. Después nos guardábamos. Queríamos armar un show en la calle Corrientes para presentar el disco nuevo", dice El Ruso.Palo Pandolfo falleció el 22 de julio de 2021, pocos días después de terminar de grabar 'Siervo', su último álbum (Malu Campello/)En cuatro años de trabajo intensivo, Germán Alperowicz sumó a la función de mánager el nivel de aliado, una hermandad de a dos con el fin de mejorar la llegada de uno de los músicos más talentosos del rock argentino. A mediados de 2017, Alejandro Varela, director de la compañía S-Music, sello en donde Palo Pandolfo editó sus últimos discos de estudio, Esto es un abrazo (2013) y Transformación (2016), le propone a Germán trabajar como nuevo manager de Palo. "En junio de ese año, La Hermandad presenta Transformación en el teatro Gran Rivadavia. Voy a ese show a ver cómo era todo en torno a Palo, a adentrarme en su mundo. Luego comenzaron las charlas en su casa".El primer show de Germán como manager de Palo fue en Lomas de Zamora, pero no se realizó por un corte de luz en toda la zona sur. En 2019 juntos organizaron 79 recitales, un récord para Palo. "Él estaba luchando por su reconocimiento, por lo que hoy ven todos y todas. Yo no soy fan ortodoxo de Pandolfo, ni de Don Cornelio ni de Los Visitantes. Era más del lado de Los Caballeros de La Quema, Las Pelotas, Los Piojos", dice el productor musical que también es sonidista y mánager de la banda Andando Descalzo. "Tengo mucho rock independiente y conozco la escena. Pero desde que empecé a laburar con Palo y me presentaba como su manager siempre me respondían. Nunca nadie me habló mal de él. Jamás. Me ayudó a entender cómo funcionaba la escena. Me presentaba como 'mi socio'. Siempre estaba agradecido de que lo acompañara. Ayer Varela me dijo 'yo no te puse a trabajar con Palo, él te eligió'".Durante la pandemia, Palo vivió en la casa de su hermana, Laura. "Ella le dejó su casa, se fue a Mar del Plata porque había sido abuela. Cuando volvió prefirió que Palo no estuviera entrando y saliendo por una cuestión sanitaria. Necesitaba una casa y no teníamos la liquidez para alquilar algo", cuenta Germán. El músico atravesaba una larga separación de Verónica Palmieri, artista plástica y madre de sus dos hijos más chicos, Francesca (16) y Vito (11). El círculo familiar de Pandolfo lo completa Anahí (19), la hija concebida por Palo y su ex pareja Karina Cohen (integrante de Los Visitantes)."Cuando arrancó el verano por suerte salíamos a tocar todos los fines de semana. A veces se quedaba en su casa con sus hijos en Paso del Rey. Estaba ahí en una convivencia no muy feliz. Después empezó a rebotar en algunos lugares: en lo del tío, en Paternal un mes, y en Amapola, un centro de música donde estuvo los últimos dos meses. Ahí tenía un cuarto, un estudio y abajo se daban clases de piano y música. El lugar se lo prestó su profesora de canto, Sandra Antín".Curtido en el under porteño de la segunda mitad de los 80, Palo sobrevivió al desbande y a los excesos de Don Cornelio, el grupo oriundo de Flores que dejó un disco debut brillante (Don Cornelio y la Zona) y un segundo opus (Patria o muerte) tan jugado como incomprendido en su momento. Al frente de Los Visitantes amplió su lenguaje artístico en donde tango, folclore y hardcore convivían sin conflictos. De nuevo un comienzo inspiradísimo para dejar dos obras que podrían explicar el estado de ánimo en una era de vacío ideológico y esperanzas nimias para la patria joven que padeció el menemismo. El nuevo siglo lo encontró en un viaje solista autogestivo, similar a las fábricas recuperadas por sus obreros en donde solía tocar. Pero la crisis de 2001 arrasó con todo y también se lo llevó puesto."Tocábamos todos los fines de semana, que era algo que él había construido luego de la separación de Los Visitantes. Después de lanzar su disco A través de los sueños (2001) queda en la quiebra y agarra su guitarra y sale a tocar. Ahí arranca ese Palo Pandolfo que con el tiempo se autoproclama El Cantautor Federal. Me gustaba esa idea. Se la festejaba. Era una propuesta. Una nueva etapa de Palo muy humanista. Quizá siempre lo fue, pero quizás antes tenía algunos momentos de desorden, de salirse de esa humanidad", cuenta el manager el proceso compartido de encarar acciones artísticas durante los últimos años.La actividad solista de Palo desde 2000 contó con bandas de apoyo como La Fuerza Suave y La Hermandad, formaciones móviles para shows con producciones capaces de solventar los gastos de un grupo. "Yo era muy crítico y él me lo permitía. Cuando se desbordaba en algún sentido, mi misión era decirle: '¡Che, boludo, mirá que esto no está tan bueno!'", dice Germán, quien produjo el ambicioso proyecto El vuelo del dragón (2018), una plataforma audiovisual que Palo definía como "un testimonio violento y visceral" de sus canciones al frente de Don Cornelio, Los Visitantes y de su etapa solista más reciente junto a La Hermandad. Grabado en el teatro Margarita Xirgu, la presentación funcionó como el registro de una autobiografía musical dividida en tres temporadas, que durante nueve meses fue lanzando nuevos clips de las canciones en todas las plataformas digitales."La figura de El Cantor Federal nace a fines del macrismo", dice El Ruso. "El 2018 fue más dulce porque estábamos presentando El vuelo del dragón. En 2019 salimos a recorrer el país con Palo y Alito Spina (bajista de La Hermandad). Íbamos por ocho lucas, por 20, por 12. Fue salir los tres con la Suran de Palo. Encontramos a gente como nosotros recibiéndolo a Palo con mucho amor. Durmiendo en casas, hoteles, hosterías, en donde sea. Todos los que nos recibían querían que él estuviese ahí, que compartiese la mesa, que durmiera en la habitación de la madre, de la tía. Ahí comienza a surgir el formato para el nuevo disco".En los días iniciales de la pandemia, Pandolfo fue uno de los primeros artistas argentinos en realizar un show pago vía streaming. El 8 de abril de 2020 se presentó desde el living de su casa y empezó a mostrar un formato electroacústico. Solo con su guitarra, algunos instrumentos de percusión y una loopera usada como sequencer forman las herramientas para crear una atmósfera íntima que determina las líneas de Siervo, el nuevo disco de Palo."Siervo con s", le dijo Palo a El Ruso. "Ese va a ser el nombre del disco". El sentido de estar para el otro, de sumar gente para un proyecto mucho más amplio. No era una idea naif, significaba parte de un proyecto que hasta incluía la fundación de un partido político. "En los viajes íbamos conociendo gente que tiene conceptos muy distintos a los de este sistema capitalista que destruye la Tierra. Palo decía que si uniésemos a todas las personas que nos reciben en el país, nuestro partido tendría muchas chances. Era como nuestro juego", cuenta el mánager. Palo era el diseñador del espíritu de un partido ecohumanista. Todo estaba escrito a mano en uno de sus cuadernos. El borrador incluía un estatuto. "Lo que más lo trababa era cómo íbamos a trabajar la seguridad. Porque era un tema difícil. No sabía qué hacer. En eso necesitaba ayuda. El partido está y hablábamos de eso en todo el país. Y dijimos lo hacemos y en todos lados juntamos firmas".Palo hablaba de sus ideas políticas, pero no mostraba las bases escritas del partido que quería fundar. "Hasta que, bueno, tuve que ir por todas sus cosas. En el estudio en donde vivió estos meses, Amapola, estaba la computadora prendida, estaban los cuadernos. Estaba todo. Ahí pude ver los cuadernos por primera vez. Muchas ideas sobre soberanía alimentaria, el concepto humanista y ecológico estaba clarísimo", dice Germán. Palo nunca escondió su adhesión al actual gobierno, pero tenía serias diferencias en algunos temas como la minería a cielo abierto. El 10 de diciembre de 2019, Palo y La Hermandad participaron de los festejos por la asunción del presidente Alberto Fernández. "Palo era amante del proyecto de Néstor (Kirchner) y Cristina (Fernández de Kirchner)", señala el manager. "Tuvimos un momento épico con La Hermandad, en el balcón de la Rosada, salimos a mirar la masa justo cuando estaban Los Caballeros de La Quema cantando 'Avanti Morocha'. Eran 150.000 personas saltando al mismo tiempo. Estábamos en éxtasis total".La razón espiritual que explica la personalidad artística de Palo Pandolfo no es un delirio rockero ni una pose a favor de la sensibilidad extrema. Viene de su casa natal, un entrenamiento que el músico definió como "lenguaje materno". "Mi mamá llegó a ser directora espiritual de la Escuela Científica Basilio: alcanzó el nivel de médium parlante. Dejaba su espíritu al costado y a través suyo otro espíritu se podía comunicar. Para mi viejo, que era un militante socialista, mi vieja era una fanática, una loca. Yo era el único que le daba bola", dijo Palo a Rolling Stone en septiembre de 2003. "Si bien nunca llegué a ir a la escuela Basilio, siempre me identifiqué con sus prácticas: ellos laburaban el concepto del sexto sentido, la reencarnación, la intuición. Te enseñan a reconocer tu espíritu, que funciona como una unidad que atraviesa el tiempo y el espacio, y que encarna acá para purificarse"."Tengo el recuerdo de mi vieja diciendo: 'Cómo canta Palo'", señala Juan Belvis en la casa de la familia Vitale en el corazón de San Telmo. Su mamá, Liliana Vitale, adora a Palo y Palo sentía lo mismo por ella. Siervo se grabó en la casona de techos altos y espacios repletos de historia de la música popular argentina. Juan trabajó en la producción, pero por sobre todo es el impulsor del proyecto que puso al cantor en otro ámbito de resonancia y, aunque aún cueste creerlo, es uno de los artífices para que el disco póstumo de Palo vea la luz en octubre. "La idea es lanzarlo el 22, el día del Derecho a la Identidad, en homenaje a la lucha de Abuelas de Plaza de Mayo", dice Alperowicz.Para Liliana Vitale la voz de Palo es un canal, un volcán. "Porque todo eso que explotaba en él era como un magma. Ahora, liberar una cosa tan fogosa, tan grosa, y esa risa de fondo o ese llanto de fondo que tenía, es algo muy fuerte. Su ser era consciente de pertenecerle a esa sustancia que lo atravesaba. Él tenía muy clara su condición mediúmnica", dice la cantante sin olvidar el plano espiritual de Pandolfo, para muchos cercano a lo chamánico. "Lo habitaba constantemente sin volverse loco, lo administraba bastante bien. Nunca menospreció esa ebullición. Liberar algo liviano es fácil, liberar eso es lo que lo va a hacer eterno". Se podría escribir un tratado en base a la voz de Palo Pandolfo y a su expresividad, una puesta en marcha que utilizaba todo su sistema nervioso central a la hora de cantar."Otra cosa importante â??dice Vitaleâ?? era su relación con el ying y el yang de su propia voz. Por lo general, se pueden escuchar polarizaciones: el falsete, en la voz de cabeza, o el anclaje en la garganta y en el pecho. Palo estaba viajando por todos lados con la libertad de usar una sustancia que mezcla ambas condiciones. Tenía muy claro eso de habitar lo ying, la voz de niño, la voz de la infancia es la voz libre, y tenía un peso en la palabra espectacular sin que eso lo hundiera para nada".Juan Belvis, en cambio, llegó al planeta Pandolfo mucho después que su madre. "Entre 2006 y 2007, gracias a Estefanía, mi ex mujer y madre de mi hija, recibí un seminario intensivo, ella tenía todos los discos", dice el guitarrista, tecladista y productor que con su grupo 8 continúa la línea de vanguardia musical de los fabulosos M.I.A. (Músicos Independientes Asociados): su papá, Nono Belvis, fue uno de los motores del proyecto colectivo fundado por los abuelos de Juan, Donvi Vitale y Esther Soto. El contacto directo con Palo surgió gracias a El Club de Grabación, una idea inspirada en el proyecto "record club" creado por Beck Hansen, basado en elegir, junto a músicos y amigos, un disco y versionarlo íntegramente en una sesión de estudio maratónica de un día. El disco elegido fue el debut homónimo de Don Cornelio y la Zona. "Casi no mostrábamos lo que hacíamos con El Club de Grabación porque no queríamos que se generara la noción de estar sacando provecho de algo ajeno. Cuando Palo se enteró y vino a la proyección de la grabación no lo podía creer".Palo se enamoró del proyecto y hasta puso su voz en otra sesión del club dedicada a Miguel Abuelo Et Nada. La fraternidad quedó sellada cuando varios músicos del Club de Grabación lo acompañaron a un concierto en La Plata. "En el camarín surgió la charla sobre la posibilidad de hacer un disco de guitarra y voz. Me respondió que ese tipo de disco lo quería hacer a los 60. 'Hagámoslo ahora', le dije. Esto sucedió en diciembre de 2013".Encuentros casuales, algún mail respondido con un delay importante, acercaron a las partes a empezar a planear un proyecto compartido. "Después del mail en que me dice que sí, que pasó un tiempo, luego lo veo en un programa de TV y en un momento larga: 'Lo tengo apalabrado a Juan Belvis, que me va a producir el disco'". El primer encuentro fue en la casa de Paso del Rey. "Llegué y estaba con la compu, sonaba Cornelius. Le digo 'Cornelius' y responde: 'Ah, ¿conocés?'. Y pensé: 'Ya está'. Había complicidad". Palo quería grabar en vivo como si fuera un juglar moderno junto a su bombo, una pandereta y su loopera.El proceso de intercambios y descubrimientos mutuos arrancó a fines de 2018. "Por mi lado, no quería que haya una estética que me confunda, me interesaba que apareciera su impronta más originaria. Siento que después no terminaba siendo tan él en sus discos", dice Belvis y recuerda esa etapa con mucho cariño y admiración. "Como él era tan docto en conocimientos, cuando yo le remarcaba algo desde un lugar más abstracto, él iba a un lugar mucho más rico y original".Palo Pandolfo y Santiago Motorizado grabaron juntos "Tu amor" (Malu Campello/)Palo utilizaba para grabarse una aplicación que viene en la Mac, no usaba multitracks y, según Belvis, odiaba el Pro Tools, algo que los unía en el momento de tachar una plataforma de grabación. "Yo uso el Digital Performer, le comenté que era más intuitivo. El Pro Tools es más para ingenieros, es frío. Le ofrecí darle clases y me dijo que sí. Estaba medio separándose y empezaba a venir a la casa de un amigo, cerca del Abasto. Ahí le enseñé a grabar en el Digital Performer. En cada clase lo veía y pensaba que no lo iba a lograr". Juan reconoce que pedagógicamente no era muy bueno, pero con Palo tuvo más paciencia: "Sentí la misión de ayudarlo".En febrero del año pasado, antes de la pandemia, Belvis quería empezar a grabar en el estudio de su tío, Lito Vitale. "Empezamos a grabar e hizo dos o tres sesiones y quedaron dos temas. El día en que Alberto hizo el anuncio de la primera cuarentena, él me llevó en el auto, yo vivía en Chacarita, y me dijo: 'No creo que nos vayamos a ver pronto'. Después me llamaba cuando tenía problemas con el Performer, hicimos varias videollamadas y fue mejorando. Para fines de 2020 me mudé, me separé. A muchos la cuarentena nos hizo mierda. Me contacta y me manda temas como 'El alma partida' y algunos otros. Estaba grabando increíble, varios tracks de percusión, todo genial, tenía sus demos enriquecidos".Palo pasó de la etapa de aprendizaje a disfrute plenamente de una gloriosa autarquía artística. Aún Belvis no puede entender que el músico nunca trabajó con un equipo de grabación más personal: "Me lo imagino haciendo muchos discos de esa forma, porque él no paraba de componer. Me mandaba canciones, una mejor que la otra, y le dije que mandara las sesiones del Performer así yo empezaba a editar un poco y a ordenar. Cuando le decía eso, él se emocionaba y preguntaba: '¿Esto va a sonar?'. En 'El alma partida' hay varias cosas que suenan del demo original, no podía creer que quedara algo que había grabado en su casa. Se emocionaba con esta noción. Así fue el proceso".La última vez que se vieron fue durante la filmación del video de "Tu amor", en la casa de San Telmo de los Vitale. Además de Palo y Santi Motorizado, aparecen Juan Belvis, Lulo Vitale â??hijo de Litoâ?? y Juan Giménez Kuj, el equipo completo que participa en Siervo. Solo falta agregar algunas voces de invitados como Fito Páez y Sofía Viola. "Lo único que me dijo ese día fue: 'Doble corazón' abre el disco'", dice el productor. "Lo loco es que él grabó todo de más. Guitarras, voces, todo de sobra. Se fue tranquilo, hizo todo lo que había que hacer. Deja un último disco de apertura. Muy inspirador. En otro plano. Lo escuchás y te inspira a seguir algo que él dejó ahí. Un disco muy distinto. Es increíbleâ?¦ Psicodélico, electroacústico como él quería".La foto de tapa de Siervo muestra a Palo de perfil en plena oscuridad, sólo un haz de luz como una especie de aura recorre las líneas que dibujan su cabeza y uno de sus hombros. La imagen está viva y genera un impacto a primera vista. "Hay un disco del que éramos fans y me recuerda a la foto del disco de Palo. Nicolás Jaar. Un chileno que hace música electrónica, muy original". El disco de Jaar se llama Cenizas (2020) y es un precioso ejercicio de música experimental repleta de silencios, atmósferas y una misteriosa aridez ambient. La tapa tiene una lejana reminiscencia a la foto de Siervo. "A Jaar lo escuchamos mucho en su auto. Solía sonar cuando hablábamos de lo que atraviesa el disco, de la idea de lo doble. Él era muy fan de Twin Peaks, de la última temporada, la tercera; dadaísmo cinematográfico". Palo le decía que se sentía viviendo en Twin Peaks. "Tenés que verla, es inexplicable si no la viste. Pero lo entiendo perfecto. A mí siempre me atravesó. Me hablaba de lo doble. 'Doble corazón', 'El alma partida', esta cuestión partida, de los dos pedazos, atraviesa todo el disco; y de Siervo viene la encarnación en el otro. La duplicación mística".Belvis pone play para escuchar el disco, de punta a punta.Track 1 - "Doble Corazón": Suena un ritmo marcial con la guitarra marcando el tiempo. "No tengo casaâ?¦, toda mi vida en una flor". Palo rapea, habla de "la luz naranja, de la sanación". Tiene un eco confesional a "Sangre", aquella canción bandera de Los Visitantes pero llevada a 2021 con una carga emocional que casi asfixia.Track 2 - "Párpados": Es la canción reservada a Fito Páez, todavía falta agregar su voz. El rosarino la escuchó y quedó fascinado. "Sale a reptar por América", canta Palo y la explosión pop también puede ser acústica.Track 3 - "Ovni": Suena Lulo en violoncelo, y Palo flota en una melodía que habla sobre la Luna y la libertad. La canción se revela en varias melodías y las cuerdas acarician al cantor místico. "Ovni" tranquilamente puede dialogar y competir con "Desarma y sangra", de Charly García.Track 4 - "El alma partida": Tiene una clave rítmica del afro-pop y fue el primer adelanto de Siervo, tal vez el mejor reflejo sin oportunismo ni golpes bajos del daño y el dolor en tiempos pandémicos. Aquí Palo adelantaba la sonoridad del disco, acústico. "Nació a partir de retomar la frase de un poema que escribí hace un tiempo", dijo el músico.Track 5 - "La idea": Suena como a un tema perdido de Paul McCartney, etapa Wings. Pura cadencia y dulzura. Palo toca todos los instrumentos, guitarra, batería y percusión. "Acá va a cantar Mora Navarro", dice Belvis.Track 6 - "El viento": Un motivo folclórico con aires de chacarera y toques psicodélicos. Palo enumera todo lo que se llevó el vendaval, la tristeza de la letra no gana la pelea porque el groove domina a la canción. Aún falta agregar la voz de Sofía Viola y un arpa de voz a cargo de Daniel Melingo.Track 7 - "Endemoniado": "Ando siniestrándome, cosas que no quiero hacer", canta Palo y luego dice "me elevo y no puedo ver, no quiero ver". Suena despojado y la canción es una de las mejores baladas confesionales que haya escrito Pandolfo.Track 8 - "Tu amor": La idea de Belvis es retomar la primera versión del tema, sin guitarras eléctricas ni voces invitadas. Volver al espíritu Tanguito que tenía originalmente, con el tambor prestado a The Meters.Track 9 - "Fe": Suena a Ritual criollo. Es una de las primeras canciones que nacieron de la alianza Belvis-Pandolfo. Todavía le falta una mezcla, aunque la letra tiene algo de suave himno combativo: "La fe es una estrella", dice.Track 10 - "Madrigal": "La compuso en una de las clases con el Performer, cuando llegué a la casa me dijo: 'Hice un réquiem para un pibe que murió en Moreno'", dice Belvis. La canción sigue la línea de "Barro tal vez" e incluye el sonido de unos grillos como aquella grabación de Luis Alberto Spinetta en Parque Leloir. "Son tomas de cinco minutos de grabaciones de grillos. Él me decía que eran los mismos grillos, 40 años después. Fue de las cosas que cuando murió dije: '¡No me dio el audio de los grillos!'. Y busco nuestro chat con Palo, y decía: 'Van los grillos'. Fue lo último que tuvo que hacer y lo hizo".Track 11 - "Humo al aire". Por una cuestión mística, Palo quería que fuesen 11 temas y la carga se percibe en la letra, llena de mensajes no tan ocultos: "Como pavo real floto en cadencias atmosféricas". Se escucha una armónica a cargo del padre de Don Cornelio. "Me contó que era armoniquista en los 80, pero que en aquella época era mal visto en el ambiente punk y dejó de tocar", dice Belvis.La escucha termina en el estudio Los Elefantes, que ocupa una de las habitaciones principales de la casa de los Vitale. Juan sigue explicando amablemente que faltan detalles y otros retoques, pero lo más notable es que el disco todavía flota en el aire y la escucha es lo más perecido a una sesión espiritista. La voz de Palo estuvo presente por un buen rato y ahora esas letras y melodías empiezan a sonar más fuerte. Para Juan, Palo hizo "un diseño profundísimo de su muerte y ya estaba empezando a entender el ciclo". La última letra de su último disco se llama "Humo al aire" y la letra dice: "Vuelvo al polvo".

Fuente: La Nación
26/08/2021 21:18

¿Paso en falso? Cómo es Solar Power, el nuevo disco de Lorde

Artista: Lorde. Álbum: Solar Power. Temas: "The Path", "Solar Power", "California", "Stoned at the Nail Salon", "Fallen Fruit", "Secrets from a Girl (Who's Seen it All)", "The Man With the Axe", "Dominoes", "Big Star", "Leader of a New Regime", "Mood Ring", Oceanic Feeling". Edición: EMI Records. Nuestra opinión: bueno.En un par de semanas aparecieron dos de los discos más esperados de este año. Primero fue Billie Eilish quien se plantó a la altura de las circunstancias con Happier Than Ever. Y ahora es Lorde la que hace frente a las enormes expectativas que despertó Solar Power en los meses previos a su lanzamiento con un álbum que muestra algunas nuevas facetas dentro de su estilo ya bien reconocible, pero que en el balance completo suena algo disperso y en más de un pasaje ciertamente monótono."No soy una activista del ambientalismo, soy una estrella del pop", declaró hace unos días la neozelandesa para curarse en salud ante la andanada de consultas de la prensa sobre uno de los asuntos que aborda con más insistencia en este nuevo repertorio. Solar Power es el resultado inmediato de un viaje a la Antártida que Ella Marija Lani Yelich-O'Connor (tal su nombre real) emprendió para desintoxicarse de los flashes que tanto la perturban (un tópico muy repetido por las jóvenes estrellas de esta época) y las poluciones propias de la vida en las grandes ciudades, incluyendo el asedio de los ya clásicos haters de las redes sociales e incluso de las demandas excesivas de algunos de sus propios fans. Ahí está, por caso, "Leader of a New Regime", un manual ligero para huir eficazmente cuando llegue el apocalipsis.Pero no se trata de un disco de recetas para vivir mejor, como Lorde se encarga de aclarar taxativamente en más de un pasaje de Solar Power y ha remarcado en más de una entrevista: ella no es una sanadora ni una terapeuta alternativa dedicada a calmar dolores ajenos, sino más bien una superstar transitando el pedregoso camino de la fama mientras se consolida como adulta.Cerca de los 25 años (los cumplirá el próximo 7 de noviembre), Lorde ya tiene una carrera que ocupó la mitad de su vida: con apenas 12 firmó su primer contrato discográfico con Universal después de que su primer manager, Scott MacLachlan, la descubriera en un concurso de talentos de su escuela donde interpretó una convincente versión de "Warwick Avenue" de Duffy.Primero llegó el boom de "Royals", un tema de su primer LP, Pure Heroine, que llegó a la cima del Billboard Hot 100 -algo que una adolescente no conseguía desde que Tiffany llegara hasta ahí en 1987 con "I Think We're Alone Now"-, un disco muy venerado con el que además se autopostuló como candidata para liderar a la gente de su generación alérgica al lujo de la aristocracia y finalmente se afirmó como la nueva heroína planetaria del romanticismo trágico. Luego vino el cambio de piel de Melodrama (2017), llevado a cabo con la guía del productor de moda -Jack Antonoff, socio clave de Lana del Rey, St. Vincent, Clairo y su amiga Taylor Swift-: un disco cargado de sintetizadores que evocó el house de los 80 y las disco songs de la década siguiente donde además desplegó un hilo argumental muy concreto: el desamor y las preocupaciones de una buena parte de la generación Z (sobre todo, la del Primer Mundo), agobiada por la trabajosa búsqueda de su lugar en el universo, la problemática medular de una de las series del momento, Euphoria, donde obviamente suena Lorde.Y con Antonoff continuó el camino para hacerse cargo del gran desafío de cumplir con la predicción generosa y al mismo tiempo comprometedora de David Bowie ("Lorde es el futuro de la música") y justificar los mimos de otros consagrados: Arcade Fire hizo una versión de "Green Light" en la BBC Radio 1 y tanto Ed Sheeran como Bruce Springsteen sorprendieron con sus covers de "Royals".Lorde y Antonoff imaginaron y edificaron codo a codo el sonido de Solar Power, donde la angustia juvenil y los dolores de la ruptura amorosa le dejaron lugar a un febril deseo de comunión con la naturaleza expresado en una clave sonora diferente: las referencias más palpables son ahora el folk de los 60 y los 70 y el pop de radiofórmula de finales de los 90 (All Saints, Natalie Imbruglia, incluso algunas de las esquirlas de las Spice Girls). Pero no todos los tracks tienen el brillo del single de adelanto (el que de hecho lleva el mismo nombre que el disco), un compost muy logrado de aquel ritmo entrecortado y pegadizo de "Faith" (gran hit de Wham! de finales de los 80) y el espíritu lisérgico de Screamadelica (Primal Scream), potenciado por los coros celestiales de dos colegas de su misma generación, Clairo (23 años) y Phoebe Bridges (27).Sobre todo en la segunda mitad del disco, algunas de las flamantes melodías acid folk de esta Lorde renovada parecen extrañar el ritmo contagioso que propulsaba a sus mejores canciones. Cuando Antonoff apela abiertamente a la economía de recursos, da la impresión de estar frente a una especie de reproducción aguada de Chelsea Girls, sin el misterio, la sugestión ni la profundidad de la mítica Nico. Distinto es cuando aparece el beat, como en "Mood Ring", cuyo groove centelleante le calza mucho mejor a esta Lorde que crece en público y modera las consecuencias de esa aventura estresante bajando los decibeles con un poco de cannabis y buen humor: en el video de "Solar Power" aparece fumando con un original bong en la playa, y en "Stoned at the Nail Salon" enhebra una serie de fantasías narcóticas en el bizarro contexto de un salón de belleza, dibujando prácticamente los mismos contornos de la melodía lacrimógena de "Hope Is a Dangerous Thing for a Woman Like Me To Have - But I Have It", de Lana Del Rey, otra aplicada estudiosa del canon de Laurel Canyon que, como revelan el documental Echo in the Canyon, producido por Jakob Dylan que puede verse en Apple TV, o el notable libro de Barney Hoskyns, Hotel California, otra vez está muy en boga.Los Espíritus, de estrenoSancocho Stereo Capítulo 4: Días de Blues se llama la colección de canciones que acaba publicar la banda liderada por Maxi Prietto. Dos temas originales ("Mugre" y "Ayudas") y un cover de "Jeremías Pies de Plomo" de Vox Dei en compañía de Carca -más una presentación del Ruso Verea- conforman este EP que será presentado en un doblete en vivo en La Trastienda, el sábado 28 y domingo 29 de agosto.Johnny Rotten perdió el juicio contra sus compañeros de Sex PistolsLa justicia británica le dio la razón al guitarrista Steve Jones y al baterista Paul Cook en la demanda que le habían entablado al cantante porque éste se negaba a autorizar el uso de sus canciones en la serie biográfica Pistol, que está dirigiendo Danny Boyle. El grupo tenía un acuerdo que establecía que esas decisiones se tomaban por mayoría pero Lydon se negaba a dar su autorización y decía que la situación era "la mierda más irrespetuosa por la que hubiera pasado".Vuelven los lunes de La Bomba de Tiempo al KonexTras quince años seguidos empezando cada semana a puro trance y baile colectivo en el reducto del barrio de Abasto, el grupo de percusión se vio obligado a interrumpir aquella costumbre por la pandemia. Ahora, cuando los shows presenciales empiezan a asomar nuevamente, los tambores vuelven a sonar: ya están a la venta las entradas para las presentaciones del 6, 13 y 20 de septiembre. Siempre con los cuidados del caso: tapabocas, toma de temperatura y burbujas con distanciamiento.Turf vuelve a La Trastienda (gentileza Personal Fest/)Turf toca en La TrastiendaMientras se encuentran en el tramo final de la grabación de su próximo disco (sucesor de Odisea de 2017), la banda de Joaquín Levinton regresa a los escenarios: el próximo 3 de septiembre repasarán sus (muchos) hits en el tablado de La Trastienda. Desde el inicio de la pandemia el grupo había hecho algunas presentaciones menores y un concierto en el AutoShow de Tortuguitas en diciembre del año pasado.

Fuente: La Nación
26/08/2021 16:18

Vuelve Virus: la banda regresa con gira despedida y disco tributo de la nueva generación de artistas

A cuarenta años de la salida de Wadu-Wadu, su álbum debut, la influencia de Virus aun resuena aquí, allá y en todas partes. En el rock y el pop argentino, por supuesto, pero también en Chile, en Perú, en Colombia y en México, países que en la década del 80 recibieron con locura y pasión a un grupo que rompía moldes a cada paso.Depeche Mode: un libro recorre la historia de la banda a través de sus mejores fotosDe ahí que no suene extraño el proyecto Virus: un viaje de placer, una serie de tres EP en la que una nueva generación de músicos reinterpreta las canciones de la banda: de Joaquín Vitola (Indios) a Javiera Mena y de Bruno Albano (Banda de Turistas) a Moreno Veloso. Pero el asunto no quedará solo en este tributo, del que participan también tres fundadores de Virus (Marcelo y Julio Moura y Mario Serra grabaron junto a Vitola la versión de "Hay que salir del agujero interior", primer corte del primer EP que acaba de llegar a las plataformas digitales), sino que el plan completo llega con una grata sorpresa para los seguidores de la banda: una futura gira "regreso-despedida", que apunta a reconquistar con su música toda América latina el próximo año. "En cierto sentido va a ser como una revancha de la gira que no pudimos hacer en 1987, cuando Federico se enfermó y tuvimos que dejar de lado la idea de expandir nuestra música por América latina", contó Julio Moura en la presentación de este nuevo "viaje de placer".La vuelta de Virus a los escenarios, con el regreso del baterista Mario Serra a sus filas luego de veinte años, viene planéandose desde principios de 2020, cuando la banda firmó contrato con PopArt (la misma productora que armó la última gira de Soda Stereo), pero la pandemia hizo lo suyo y el regreso se frenó. "Esperemos que ahora sí podamos hacer esa gira que teníamos programada justo cuando Federico se enfermó. Teníamos los pasajes, las camisetas hechas, todo. Porque en Sudamérica éramos furor en los 80, pero la idea era ir a México e inclusive teníamos fechas en los Estados Unidos", asegura Serra."Va a ser una gran producción y vamos a pasar temas de todos los tiempos de Virus. Hacía mucho tiempo que no tocábamos juntos como Virus, pero tenemos muchas ganas de hacer este espectáculo, pensado como la historia de esta banda. Van a participar algunos cantantes jóvenes de distintos países, aunque todavía está por verse. Lo que sí te puedo asegurar es que va a ser una producción de primera", adelanta el baterista que, casualmente, por estos días fue noticia por haber recuperado dos canciones de Las Violetas, el grupo que compartía con Federico Moura antes de Virus y que no tenía material editado.Nadie impresionaba a Charlie Watts, ni siquiera los Stones"Era un DAT con algunas canciones que estaba desaparecido y que conseguí gracias a mi hermano Ricardo, que también tocaba en Las Violetas. Todo igual hay que agradecerle a un sello suizo, Zorn Records, que me insistió y me insistió para poder recuperar esos temas, que finalmente los van a editar el mes próximo en vinilo, con esos dos temas que ya están en las plataformas digitales. Es una grabación bastante pro para la época, 1978-1979, grabada en 24 canales. Tenía algunas fallas pero junto al ingeniero Cana San Martín, pudimos reconstruir algunas partes y quedó muy bien. El otro día lo pasaron por la radio y me dio una impresión tremenda, porque me imaginé a Federico y a mí, en esa época, que lo que más queríamos era que nos pasaran en la radio".

Fuente: La Nación
25/08/2021 08:36

30 años después: el niño de la tapa del disco Nevermind de Nirvana demandó a la banda por pornografía infantil

Spencer Elden hoy tiene 30 años y es conocido por haber sido el bebé de la tapa del emblemático disco de Nirvana, Nevermind. Hoy, luego de recrear esa portada en varias oportunidades ya de adulto, decidió demandar a los integrantes de la banda, ya disuelta, por pornografía infantil.En la imagen del álbum se lo ve de bebé, desnudo, flotando en el agua, sonriente y detrás de un billete de dólar. Elden, quien ahora es un artista radicado en Los Ángeles, demandó a los músicos Dave Grohl y Krist Novoselic, quienes junto a Kurt Cobain, que se suicidó en 1994, formaban una de las bandas de rock y grunge icónicas de los 90. Otro de los demandados es el baterista Chad Channing, quien había abandonado la formación antes de la edición del disco.Ranking QS: qué universidad argentina está entre los 10 mejores de América Latina"Los acusados promocionaron pornografía infantil de Spencer de manera intencional y comercial e hicieron uso de la impactante naturaleza de su imagen para promocionarse a sí mismos y a su música a costa de Spencer", se detalla en la denuncia presentada en un juzgado de la ciudad de California, según el medio Variety.En la presentación judicial también son demandados Kirk Weddle, el fotógrafo de la portada de Nevermind; y Courtney Love, viuda de Cobain, como heredera del patrimonio del músico.La chicana de Patricia Bullrich a Alberto Fernández por la compra de las vacunas de PfizerElden pide ser indemnizado por "los daños que ha sufrido y seguirá sufriendo de por vida" debido a su participación en la tapa del disco.En 2016, por los 25 años del trabajo discográfico (uno de los más reconocidos de Nirvana), se convino una nueva producción fotográfica. El encargado de tomar la imagen fue nuevamente Chapple. "Le dije al fotógrafo, 'hagámoslo desnudo'. Pero él pensó que sería raro", había contado entonces Elden al diario New York Post.En 2016, Elden posó nuevamente para el aniversario 25 del disco de NirvanaLa recreación de la imagen de la tapa se hizo pero con su protagonista vestido con un traje de baño. En poco tiempo la foto se viralizó en las redes sociales.En esa oportunidad, Elden dijo a la prensa que nunca conoció a ninguno de los miembros la banda y que ellos tampoco estuvieron presentes en la producción de fotos que se hizo en 1991. Además, confesó: "El aniversario significa algo para mí. Es extraño porque hice esto durante cinco minutos, cuando tenía cuatro meses, y se convirtió en una imagen realmente icónica".

Fuente: Página 12
24/08/2021 00:01

El disco de un rapero

Fuente: La Nación
22/08/2021 14:36

En su nuevo disco, Lorde busca serenidad en tiempos de ansiedad

Nada agudiza una crisis de un cuarto de vida como una catástrofe climática global y una pandemia, por lo que la de Lorde llega justo a tiempo. Con Solar Power, ella está en el centro de todo: cansada por la fama de la adolescencia y el capitalismo, preocupada por el estado de la tierra y afligida por la pérdida de su amada perra Pearl.Britney Spears: el padre abandonará la tutela de la cantantePara abatir la corriente burbujeante de dolor y estrés, se escapa al resort junto a la playa en su mente. Es el amanecer de una nueva Lorde â??¿nos atrevemos a decir, en su era de Margaritaville?â??, tratando de canalizar su escalofrío interior hacia resultados mezclados. La canción del título abrió el ciclo de disco de Lorde, una porción de pop comercial luminosa a la Jack Johnson que abrazó algunas de las exuberantes armonías de sus dos discos anteriores, pero que se alejó de la oscuridad subyacente.El resto de Solar Power tiene el mismo enfoque en mente: Clairo y Phoebe Bridgers completan las voces desde el fondo en una mezcla de cortes acústicos al estilo Laurel Canyon y baladas serenas. Como promete en "Oceanic Feeling", su "lápiz labial negro-cereza está acumulando polvo en un cajón/ Ya no lo necesito". Lorde pasa gran parte del álbum mudando de piel. Los teléfonos se tiran al agua. Se despide de "todas las botellas, todos los modelos" y "los niños en fila para la nueva Supreme".Solar Power, tercer disco de LordeLa música que amaba cuando tenía dieciséis años se queda en Nueva Zelanda, probablemente acumulando polvo junto al lápiz labial. Incluso la relación con su propia música es tensa: "Pensé que era un genio/ Pero ahora tengo 22 años, y estoy empezando a sentir que todo lo que sé hacer es ponerme un traje y quitármelo/ Con mi puñado de melodías que son tan dolorosas de tocar", admite en "The Man With the Axe". Su influencia ha dejado una marca indeleble en personas como Olivia Rodrigo e incluso Billie EIlish, quienes saben sobre lo exigente que puede ser la celebridad antes de cumplir los veinte.Liz Phair habla del lanzamiento de 'Soberish', su regreso tras once años sin grabarHoy en día escuchamos una versión de Lorde en todas partes, pero la propia Lorde no puede escuchar nada de eso con todas esas conchas marinas pegadas a sus oídos. Ella está descubriendo su vida en tiempo real, analizando quién es y quién podría ser a través de su música. ¿Y se ha encontrado la iluminación? No, profesa, pero lo está intentando.Este artículo fue publicado originalmente en Rolling Stone Estados Unidos.

Fuente: La Nación
20/08/2021 11:36

Ricardo Arjona anunció la salida de Negro, su nuevo disco: "Estoy volviéndome loco"

Ricardo Arjona presentó Negro, su nuevo disco. Con distintos posteos en sus redes sociales, el cantante lanzó el álbum que sucede a Blanco y, de esta manera, completó una obra conjunta: Blanco y Negro. El próximo octubre, el guatemalteco planea publicar un libro y, además, anunciar una gira internacional. Ahora, en su cuenta de Instagram, compartió un conmovedor video para contar sus novedades: "Estoy volviéndome loco otra vez. Es una buena señal, supongo que de eso se trata, supongo que eso es lo que tengo que hacer, o para lo que vine", expresó.La inesperada respuesta de Pampita cuando le hicieron elegir entre Messi e Icardi para "una noche de amor"La cuarentena no detuvo la actividad del artista. El mes pasado, Arjona publicó un concierto vía streaming (a través de Paramount+) que bautizó Hecho a la Antigua y se convirtió en "lo más visto de la historia de Iberoamérica", tal cual se anunció en un comunicado de prensa oficial. Es que la producción en la que estuvo acompañado de 30 músicos e iluminado por cinco mil velas fue vista por más de 150 mil personas alrededor del mundo."14 canciones inéditas", escribió en sus redes sociales para revelar la salida de Negro. "Lo que fue y en lo que se convirtió. Tenía que escribir lo que pasó", añadió. Con estas palabras, el cantautor difundió un video que lo muestra caminando por una playa y adentro de su estudio de grabación. "Ahí afuera se venden viajes de 13 minutos al espacio, yo llevo dos años volando en el mío", dice su voz en off. "Este espacio que no tiene color tampoco perdona como el tiempo, cuando creí que estaba todo listo, una pandemia detuvo el tiempo. Hoy no podría entregar el proyecto que terminé hace mas de dos años sin contarles todo lo que pasó por esta cabeza durante estos tiempos raros", suma.Luego, en el clip, el cantante se refiere a sus nuevos temas y a todo lo que vivió durante la cuarentena por el Covid-19. "Siete canciones aparecieron y algo me dice que la historia del disco Negro estaba escrita para no salir como como lo iba a hacer, hoy Negro es el disco que fue, pero habrá que agregarle los fantasmas que acecharon los últimos años", sostiene. "Estoy volviéndome loco otra vez. Es una buena señal, supongo que de eso se trata, supongo que eso es lo que tengo que hacer, o para lo que vine. De no ser así, ¡qué manera de perder el tiempo, de esperar que los días se hagan de noche!".Facundo Conte cortó en seco a Silvina Escudero y generó una situación incómoda al aireEl exitoso show vía streaming de Ricardo ArjonaEl cantante eligió su ciudad natal, Antigua Guatemala, para filmar Hecho a la Antigua, el show iluminado por velas que recreó un ambiente romántico y que demandó el trabajo de más de 80 personas (entre músicos, ingenieros, técnicos y producción). "Este año ingrato que pasó nos alejó de sentirnos, pero sé que vamos a contradecirlo de la mejor manera con este concierto que quisimos hacer de la manera más íntima y más emocional posible, esta es nuestra forma de acercarnos a ustedes. Yo podría contarles 150 autobiografías mías, 149 serían mentira y una estaría bastante cerca de la verdad. Lo cierto es que pasaron muchas cosas, pero más que contárselo decidí cantárseloâ?¦", manifestó durante el show. Como parte del espectáculo, Arjona entonó todos sus clásicos como "Te conozco", "Historia de taxi" y "Asignatura pendiente"; además, interpretó canciones de su penúltimo disco, Blanco.

Fuente: La Nación
19/08/2021 08:18

Raly Barrionuevo reconstruye su historia con un excelente disco de folklore

Artista: Raly Barrionuevo. Álbum: 1972. Temas: "Amémonos", "Zamba de la añoranza", "La Ene Ene", "A unos ojos", "Si yo fuera río", "Calle angosta" , "La de los angelitos", "Vallecito", "Al jardín de mi madre", "Febrero en San Luis", "Achalay mi mama", "Y dicen que no te quiero", "Patio de la casa vieja", "Alfonsina y el mar". Edición: Disco Trashumante. Nuestra opinión: excelente.Las historias íntimas a veces tienen más interés en las audiencias que aquellas públicas que son capaces de cambiar la historia de un pueblo. Con eso también se puede decir que la historia de un álbum puede parecer tanto o más importante (podrá tener más likes) que el disco en sí (aunque no tenga la pretensión de cambiar el curso de la humanidad). El álbum 1972 de Raly Barrionuevo lleva consigo una historia, que es la del propio artista, en relación con sus padres (especialmente con un padre ausente) y con la música de su infancia. Pero, ojo, también (o, sobre todo) es un gran álbum.Para aquellos que se quedan con las historias digamos que 1972 es el año en que Raly nació. Raúl Barrionuevo, criado en la localidad de Frías, en el Oeste de Santiago del Estero que linda con Catamarca. Hijo de Olga del Carmen Toledo y Segundo Rosario Barrionuevo. Ellos son el retrato de una madre valiente y un padre "abandonador" que Raly unió con cinta scotch, en una vieja foto rota, justamente, para reconstruir la historia y desarrollar el relato. Con las 15 canciones de este álbum el cantor volvió a ese Santiago del Estero de los bordes fronterizos, a buscar su infancia con la banda de sonido de esos días de principios y de finales de la década del setenta, y a abrazar a su madre, que no está desde 2013, y a su padre, con quien se conectó (porque lo fue a buscar) después de varias décadas. Y lo encontró en la música más que en la palabra. Hasta aquí la historia, una a la que la audiencia le podrá poner todos los adjetivos que quiera (y los likes). De hecho, Barrionuevo no reniega de eso; todo lo contrario, se valió de esa historia para armar el cancionero de 1972 y darle ese justo contexto, casi como una carta de presentación del álbum.Claro que el valor artístico del disco no es ese. Volvamos otra vez sobre el asunto. La historia es su contexto. Las canciones (muchas muy tradicionales y conocidas) tienen peso propio en las versiones de Raly. Entendido así, como repertorio dentro de un catálogo discográfico que tiene cerca de una decena de producciones de estudio, se pude descontextualizar y recontextualizar en el oído de cada uno.1972 tiene un link con Radio AM, álbum que Barrionuevo editó en 2009 y en el que versionó clásicos del folklore argentino. Este va en esa senda, con parte de aquel plantel de músicos (Elvira Cevallos al piano, Daniel Barrionuevo en bombo y Luis Chazarreta y Carlos García en guitarras y guitarrón) más algunos invitados especiales (Ramón Navarro, Daniel Altamirano y Néstor Basurto). ¿Podría sonar como un segundo volumen de aquél? En parte sí, pero si solo se circunscribiera a ese fin antológico carecería de novedad. Y lo central de este disco es que la novedad es el modo como Raly interpreta cada pieza. Es absolutamente tradicional y en parte canónico, pero al mismo tiempo actual. Barrionuevo además de ser un gran compositor de la música popular de raíz folklórica, desde mediados de la década del noventa es un gran intérprete de este tiempo. Por eso 1972 es un disco absolutamente clásico, que pudo haber sido grabado (por repertorio y arreglos) hace treinta años, pero la voz de Raly lo pone de manera unívoca en este siglo. Clara, expresiva y sin los engolamientos, los fiatos exagerados y los floreos histriónicos de muchos otros cantores, la garganta de Raly es contundente.Arte de tapa de 1972, el nuevo disco de Raly Barrionuevo"Cantar estas canciones es regresar a la niñez tan descalzo como entonces", escribía para el disco Radio AM; del mismo modo, 1972 es un viaje para cerrar una historia personal de infancia, pero quien sólo hurga en el sonido y en la palabra de lo que suena en los parlantes. Es un disco exquisito con distintas paletas sonoras. La de las chacareras y gatos ("De los Angelitos", "De mis pagos", "Si yo fuera río"), la de las zambas ("Alfonsina y el mar", "Patio de la casa vieja"), la de la estética sonora de la región cuyana que está magníficamente representada en temas como el clásico "Calle angosta", "Vallecito" y "Febrero en San Luis", o en lo que se conoció como ese canto criollo que se hermanó con el tango, con gemas como "Y dicen que no te quiero" y el vals "A unos ojos".Si Raly consigue tan buenas versiones se debe, en parte, a que hay alguien que lo potencia: Luis Chazarreta. Convertido por talento y larga experiencia en uno de los grandes guitarristas del folklore argentino, Luis tiene, por momentos, con su guitarra y su guitarrón, el mismo lucimiento que la voz de Raly. Juntos representan una sociedad virtuosa, que se convierte, con esa materia prima que son las canciones, en los pilares de este álbum.Wos estrenó "Mirá mamá""Mirá mamá, estoy arriba y te juro que no hay nada más que la vida", dice la letra de "Mirá mamá", el nuevo single que el rapero dio a conocer esta semana. En un tono íntimo e introvertido, la canción reflexiona sobre los vínculos reales y los efectos de la fama. El tema es un nuevo adelanto de su próximo álbum, Oscuro éxtasis, sucesor del exitoso Caravana, que cosechó cuatro Premios Gardel y una nominación a los Latin Grammy.Simon Gallup se fue de The CureDuro golpe para los amantes del dark: el bajista anunció en sus redes que deja la banda que integraba desde 1979 (con un breve impasse entre el 82 y el 85). "Con el corazón un poco apesadumbrado, ya no soy miembro de The Cure. Buena suerte a todos ellos", reza el escueto anuncio que subió a sus redes. Consultado por un seguidor sobre los motivos de su partida, respondió: "Estoy bien... simplemente me cansé de la traición".Conociendo Rusia anuncia dos Gran Rex para noviembreLa banda liderada por Mateo Sujatovich llega a la calle Corrientes: el 23 y 24 de noviembre tocará en el teatro Gran Rex, donde repasará sus dos discos, Conociendo Rusia y Cabildo y Juramento y adelantará temas del próximo, que saldrá antes de fin de año. El grupo viene de una gira por España, donde agotó cuatro de ocho fechas, y se prepara para ofrecer una seguidilla de seis conciertos en Uruguay.Cazzu llega a Netflix con El reino"Sobre mi tumba" es la canción que la artista grabó para la serie que se estrenó en la plataforma de streaming el pasado viernes 13. Con la producción de Nico Cotton (también encargado de la música original), la canción se escucha en la apertura de cada capítulo de la tira dirigida por Marcelo Piñeyro, escrita por Claudia Piñeiro y protagonizada por el Chino DariÌ?n, Nancy DuplaÌ?a, JoaquiÌ?n Furriel, Peter Lanzani, Mercedes MoraÌ?n, Diego Peretti y gran elenco.

Fuente: Página 12
18/08/2021 22:10

De las tranzas de BB Asul al disco pospandémico de Jungle

Discos internacionales, peluches empastillados, bandejas con golosinas, drones open source, series de superhéroes y live sessions.

Fuente: Clarín
17/08/2021 06:02

Jason Mraz, un creador de hits entre el arte y el activismo: disco nuevo y una donación de 250 mil dólares

El cantante se rindió al ritmo poder del reggae, y dice que de ahora en más hará música "con un propósito".

Fuente: Página 12
17/08/2021 01:46

La artista jujeña Añawita lanzó su primer disco solista

El sábado presentó "Mis ancestras cantan", con 13 canciones que reivindican la participación de las mujeres en la historia independentista y en la propia vida de la cantante.

Fuente: La Nación
14/08/2021 11:00

Pil Trafa: "El primer disco de los Violadores lo grabé con toda la ira del mundo"

La modelo-refugiada iraní Negzzia, los terremotos, Monsanto, los celulares. Sobre todos esos temas y unos cuantos más Pil (Enrique Chalar en el DNI, Pil Trafa en los créditos de una docena de vinilos, casetes y CD) canta en su último disco, Carne, tierras y sangre. En la charla por teléfono, el menú incluso se amplía. Aparecen las batallas medievales, la cerveza jamaiquina, el rugby, el Aleph, la masamadre, el cine de Paul Thomas Anderson, el fútbol de los setenta y, cómo no, la pandemia y el punk-rock. Todo sin alterar un novedoso tono relajado, imposible de vislumbrar en los 80 y 90 detrás de las guitarras de "Represión" o incluso de "Vamos a arder a medianoche".Pil, la estampita clásica de los inicios del punk argentino, leyenda de las mil y una noches agitadas en el under porteño, es hoy, con 61 años, un conversador ameno e informado, además de cantautor con recursos. "La pasamos muy bien, tranquilos. Tuvimos mucha suerte en el trabajo, vivimos en una ciudad con grandes parques donde hacer gimnasia y lindas playas apenas a cuarenta kilómetros. Es bueno tener cerca el mar. Esas cosas se agradecen, son bendiciones", dice sobre su vida actual el por siempre ex cantante de Los Violadores y actual líder de Pilsen, su también eterna "nueva" banda, aunque la venga activando y desactivando desde 1992.Sin alejarse de los escenarios argentinos, Pil vive hace 20 años en Lima (Ailín Gómez Caraballo/)Lo cuenta por teléfono sentado en un sillón de su casa en San Borja, el barrio de clase media, media-alta, en Lima, Perú, donde se instaló ya hace veinte años. Allá vive con Claudia Huerta y su hijo, Ian, de 18. Claudia es productora de espectáculos y Pil, cuando su agenda musical lo permite, colabora con su agencia. El dato llama la atención porque a Chalar, en Argentina, no se lo da por exiliado; al contrario, mantuvo su casillero en el tablero del rock porteño durante las últimas décadas. Él lo explica así: "Es que siempre viajamos y pasamos mucho tiempo en Buenos Aires, mi carrera no dejó de estar allá. Nunca imaginé casarme. Pero sí me veía saliendo de Buenos Aires para tomar aire, para descargar las baterías y volver a cargarlas. Con el gobierno de De la Rúa, muchos músicos nos quedamos sin empleo. Un poco por la economía y otro porque venía gente nueva. Fueron años de correr, de sacar discos para no perder tu lugar, aunque quizás no tuvieras la mejor inspiración. Conocí a mi esposa en 1997. Nos quedamos un tiempo en Argentina, pero después nos vinimos acá por su trabajo".Causa o consecuencia, este presente apacible del hombre de Villa Urquiza que pogueaba en el ascensor se relaciona directamente con la grabación de Carne, tierras y sangre, el disco al que en estos días defiende como puede desde el aislamiento social en Lima. Hay que decirlo: es un trabajo con algunas de las mejores canciones que Pil firma desde hace mucho tiempo, un plan de producción independiente pero expansivo, y un rango de invitados tan amplio que va de León Gieco a XXL Irione. Y, además, sí, lo cocinó muy tranquilamente."El primer disco de los Violadores lo grabé con toda la ira del mundo. Así quedó: perfecto para ese momento. Este, en cambio, lo grabé con todo el relax. Me sentí muy cómodo. Quizás fue la grabación en la que más cómodo estuve. No había presión, todo fue serenidad. Lo hicimos en el estudio de Tommy. Cada jornada, terminábamos y nos premiábamos con tres o cuatro cervezas premium de un local vecino. Como quien le da un dulce a un niño que se portó bien".Tommy es Tomás Loiseau. Falleció en noviembre pasado, a los 43 años, poco después de terminar la mayor parte de Carne, tierras y sangre. Bajista de Pilsen y más reciente socio creativo de Pil (junto con el veterano guitarrista Tucán Barauskas), Tommy era un muy querido personaje en la escena punk rockera porteña, conocido por su banda histórica, Mamushkas. Hijo del humorista gráfico Caloi y hermano del dibujante Tute, falleció repentinamente al descompensarse durante el último tema de un show de Mamushkas en El Emergente. Poco antes había tocado a dúo con su hija, Luna, en el Club V. Su muerte de algún modo le confiere una dimensión aún más profunda a este disco de Pilsen."Estamos descorazonados. Cuando grabábamos, lo veía sentado en el estudio y, aunque estaba de espaldas, adivinaba su sonrisa. Estaba contento, y yo también", lo recuerda Pil, todavía en shock. "Fue una pérdida grandísima para el arte porque era un chico que estaba en su apogeo. El disco que venía grabando con Mamushkas era increíble. Quedó inédito mucho material de Pilsen con él, y es muy probable que lo saquemos a la luz. Sería un acto de justicia. Fueron siete años de relación musical intensa, viajamos por el setenta por ciento de la Argentina, teníamos un vínculo de familia".Ahora, Damián Chino Morales, viejo compadre de Tommy en Mamushkas, es el nuevo bajista de Pilsen. "Tomás estaba feliz de trabajar con Pil. Era fanático de los Violadores y venía desarrollándose y capacitándose como productor -dice Damián-. El de Pilsen y El dilema del erizo, el disco de Mamushkas que quedó inconcluso, son muestras de eso. Era un pibe extremadamente talentoso".Pil piensa Carneâ?¦ como "una lectura de la historia argentina, de cómo la oligarquía que dominó al país tanto tiempo destruyó pueblos originarios, persiguió opositores y terminó en algo tan terrible como Malvinas". En otras palabras, los blancos del repertorio Chalar desde precisamente 1982, año en que se superpusieron la guerra y la cocina del primer disco de los Violadores (editado recién en 1983). "Cuando escribí 'Represión' hablaba de fútbol, asado y vino, el mismo tríptico de este disco: asado-carne, vino-sangre y fútbol-tierra. No lo hice a propósito, me di cuenta bastante después de pensar el títuloâ?¦"Pil con Tommy Loiseau, bajista y productor de Pilsen, fallecido en noviembre pasado (Soledad Amarilla/)La playlist trae sorpresas. "Una Pilsen más" es un sanpatricio antifa más deudor de 2 Minutos y Mala Suerte que de los Violadores. También hay una síntesis del caso Negzzia, la modelo iraní que debió huir de su país tras posar desnuda ante la amenaza de una condena a azotes, solo para encontrarse con otros abusos en Estambul, Milán y París. "Lo leí en La Nación y pensé 'esta es una historia para un tema'. Medio Oriente la quería presa, Occidente la quería prostituir y terminó durmiendo en la calle", apunta Pil, que logró hacerle llegar la canción "Por las mil y una noche más", ella se lo agradeció emocionada y están en comunicación para que participe en un video. "Los hombres hemos sido canallas con las mujeres, es hora de que eso termine, estoy con la igualdad absoluta", proclama la voz de "Uno, dos, ultraviolento".Reflejos de las lecturas de un viejo punk, pero componedor, en Carneâ?¦ hay tracks inspirados tanto en "El Aleph" ("Un punto dentro de otro") como en La invención de Morel ("Marienbad"). Pero la canción más memorable es una relectura de un tema del único disco de Pil Trafa y los Violadores de la Ley: "Nonsanto", dedicada a la agromultinacional de la que la diferencia solo una consonante, con la voz y la armónica de León Gieco montadas sobre una armonía street punk a lo U.K. Subs/Angelic Upstarts. "Al principio León no encontraba la armónica en La sostenido que necesitaba para la canción. Hasta que nos dijo ¡la tengo!. Era la que usó para grabar 'Solo le pido a Dios' con Mercedes Sosa. Se me puso la piel de gallina".Otro feat inesperado es el del rapero XL Irione en "Así está el rock", una crítica al estado de las cosas en el universo de la música con guitarras eléctricas. "Qué asco verlo así, anestesiado", protesta, no tan lejos de lo que escupía en sus años de Pil Trafa. La historia detrás de escena es que la convocatoria al MC fue sugerencia del hijo de Pil, habitué de las riñas de gallo en los recreos de su cole limeño. "Escucha rap, no le interesan los Violadores ni el rock, hasta me grita si canto en la ducha, pero quedó muy contento cuando escuchó este tema. Me había dicho que debíamos hacerlo con Irione o Malajunta. Yo solo conocía lo clásico, Cypress Hill, Eminem, no mucho más. Digamos que ya tengo el disco rígido saturadísimo como para incorporar otra música. Pero el rap me parece muy interesante, creo que es el nuevo punk".Muchos de tu generación no opinan lo mismo...Lo último que haría es repetir lo que odiaba de adolescente: que dijeran que lo que me gustaba no era música. No te voy a decir que escuche trap o reggaetón, no los entiendo tanto, no me meto, pero en el rap hay una construcción social, se dicen cosas. El rock en Argentina no está diciendo nada. Está bien, el hip-hop tiene esa parte digitada por las empresas que arman las batallas de gallos, pero hay un buen contenido dentro del continente. Muchos chicos están rapeando en la calle y eso es tan bueno y contenedor como que existan clubes de barrio. Están aprendiendo historia, están desarrollando cultura.Otro destacado es "Wakon y la Pachamama", donde Juan Cruz Torres aporta el charango de su padre, el gran Jaime, y Micaela Chauque, siku y quena. El propio autor descoloca al confesar que el track fue un vehículo para exorcizar su temor a los terremotos en Lima. "No me gustan los temblores, no son gratos. Cuando llegué a Perú vivimos un tiempo con mi suegra y de alguna manera me contagió el miedo. Por mucho tiempo, en cuanto sentía el temblor, corría o largaba una puteada. Así que me pareció mejor hacer un tema para sacarme eso de encima".Así como no se acostumbró a la actividad sísmica, en veinte años Chalar nunca armó una nueva banda en Lima. "Podría juntar un grupo de músicos de acá y salir a tocar temas de los Violadores por todo el país. Sería fácil, me lo piden todo el tiempo. Pero nunca quise. Aceptarlo hubiera complicado después traer a los músicos argentinos con los que tocaba en cada momento. Y a mí me gusta presentarme en las mismas condiciones en las que produzco los discos. Me parece más honesto".No recrear a los Violadores tiene que ver también con el sabor "agridulce" que le dejó la última reunión de la formación clásica de la banda, junto a Stuka, el "Polaco" Robert Zelazek y Sergio Gramática, con varios shows entre 2016 y 2018. "Hubo conciertos buenos y otros no tanto. No me quedaron ganas de más Violadores, ya está. ¿Para qué insistir? No me importa la plata, no quiero tocar esos temas, si no ¿para qué grabo discos nuevos?", se pregunta. "No soy nostálgico -responde él mismo-. ¡Si Cemento era un chiquero! El camarín era una heladera y el escenario un horno. Solo en la juventud uno lo podía sobrellevar. He perdido el conocimiento en esos lugares. Pero, ojo, esas pésimas condiciones eran responsabilidad de los dueños y también del público. Los dueños no invertían. Los baños los rompía la gente".¿Cómo ves la ola revisionista de libros y documentales sobre punk?Vi el documental de Damned; el de Motörhead, que los ubico dentro del punk; todos los de The Clash, una banda que quedó herida por cortarse en un gran momento. West Way to the World me gustó mucho y The Future is Unwritten, el de Joe Strummer, es el mejor de todos porque llega hasta la etapa con los Mescaleros, una gran banda con dos álbumes excelentes. También leí las memorias de Johnny Rotten. Esperá que estoy mirando en la bibliotecaâ?¦ Acá están los libros de Greil Marcus y el de Jon Savage, que es buenísimo, porque arranca antes, desde el glam, el situacionismo y Malcolm McLaren. El punk era música de diseño bien ejecutada.Vos también publicaste tu libro sobre punkâ?¦Planeta me había ofrecido una autobiografía, pero me aburría contar mi vida. Soy lo más vago para sentarme a teclear así que les propuse escribirlo con Juan Carlos Kreimer. Él escribió Punk: la muerte joven, el libro fundamental para todos nosotros. No solo aceptaron, sino que tuvieron la cortesía de mandar a Juanca a Machu Picchu. Era diciembre y casi no había turistas, ni argentinos, ni ingleses, ni coreanos. Una situación paradisíaca. Ese Machu Picchu sin gente, para vos soloâ?¦ Bajo un arcoíris de punta a punta, en una pileta de aguas termales, con unas cervecitas y grabador en mano, nos pusimos a trabajar en Más allá del bien y del punk, donde metimos historia, conversaciones entre nosotros y también textos de otros invitados, como la música y activista punk Patricia Pietrafesa y el editor Leandro Donozo, de Gourmet Musical. Bastante más interesante que contar anécdotas mías, ¿no?¿Y todavía escuchás punk-rock?Prácticamente no. Algo de Sex Pistols, Clash, pero estoy de acuerdo con Lydon: al final, el punk era una porquería, no dio grandes discos. Buzzcocks, Damned, Dead Kennedys, Ramones, no tenés tantas grandes bandas. El punk propició el cambio, eso sí, que en los 80 generó una buena movida musical, el new romantic, Sisters of Mercy, Bauhaus; los peinados raros, como dijo Charly García. Pero sí hay algo importante del punk presente en mi trabajo: el "hazlo tú mismo". No tengo managerato (sic), no tengo un Pop Art. Me manejo con amigos. No quiero que me toquen las recaudaciones, hago todo solo, me ocupo del arte, de las fotos, de buscar discográfica y distribución. Después, en casa, soy una persona común que ayuda en la cocina y la limpieza mientras mi pibe hace la tarea.El disco de Pilsen estaba previsto para el año pasado. La muerte de Tommy Loiseau y, luego, la pandemia, postergaron los planes. Si bien ahora el trabajo sí fue editado en formato físico, las presentaciones en vivo siguen en suspenso. A pesar de todo, Pil se declara "procuarentena"."Acá se empezó a abrir, incluso abren los restaurantes, y en pocos días vuelven los vuelos y los buses -reporta Pil sobre la situación en la capital peruana-. El número de contagios y muertes sigue estable. Estamos esperando que se pueda ir al mar para disfrutarlo. Lástima que mi diariero, con todo esto, no está recibiendo la Desperta Ferro, una revista española que sigo sobre historia y batallas medievales. Hubo manifestaciones por el derecho al contagio y reclamando reabrir la economía. Pero yo estoy de acuerdo con la cuarentena larga, como la argentina. No es momento de salir a manifestar. Pueden matar a una persona. Los estuve buscando en las redes a los anticuarentena. No son muchos, pero sus ideas dan temor. Se cambian el nombre, porque el término neoliberal les da vergüenza. Atacan la cuarentena, la comparan con la dictadura; una locura. Yo viví la dictadura, y esto no lo es."Pil disfrutó a fondo los últimos meses de vida de la industria turística. Antes de la clausura indefinida por pandemia, viajó en familia a Jamaica. "Hicimos turismo en las playas de Montego Bay, pero aprovechamos para ver las bandas que pudimos. No sé ni cómo se llamaban, pero algunas me enloquecieron, puro dub. También compré discos de Tuff Gong. No es un lugar fácil: tenés mar, pero la ciudad es densa. Me recordó al tema de los Clash, "Safe European Home".La historia es que lo escribieron después de una mala experiencia en Jamaicaâ?¦Exacto. Yo no tuve problemas, salvo que saqué una foto de un árbol de Navidad y salió un tipo a decirme que le pagara. Tuve que mostrarle que él no aparecía en la foto y que no le iba a dar dinero. El problema de los Clash fue que no llevaron plata. Los Stones sí, entonces a ellos no les pasó nada.¿Pensás volver a Buenos Aires?Veremos qué trae la post pandemia. El trabajo de mi mujer, donde yo colaboro también, es la producción de espectáculos, desde bandas de rock hasta shows infantiles, que son bastante caros. Ha ido muy bien y ha ido mal. Ahora no sabemos cómo seguirá esto. Acá tenemos una vida relajada, vamos a un club, paseamos, hacemos masamadre, horneamos. Pero nuestro hijo está en quinto año y, sí, estamos pensando en volver a radicarnos en Argentina para que vaya a la UBA. La vida no es tan larga y a todos nos tiran un poco los sabores y los olores.¿El fútbol, también?Miraba mucho, pero ya no. Ni de acá ni argentino. Si me preguntás por el plantel de Colón, no tengo ni idea. Juego con mi hijo al FIFA 20 y no conozco a ningún jugador. Sé que en Barcelona juegan Messi y Suárez, el resto me perdí. Hay momentos en que te salís un poco y ya no conocés a nadie. Me gusta más el rugby, he ido a ver a Jaguares varias veces. Me parece un deporte en el que los jugadores no tienen el nombre atrás, es más colectivo. Lo que pasa es que en Argentina el rugby quedó muy golpeado por el asesinato de ese chico en Villa Gesell.Pensé que dirías que el rubgy es elitista...No, conozco gente de clase trabajadora que juega. El rugby es elitista solo en los clubes grandes. El problema es que los medios fogonean esto de que los rugbiers son máquinas de matar. Claro, si cinco pintores salen y cometen un asesinato no van a decir que lo hicieron porque son artistas. Sé que el rugby tiene esas tradiciones cuestionables y que los chicos están medio sobrecargados de hormonas, tipo Naranja Mecánica, pero no se debe generalizar. El rugby mantiene el espíritu amateur que el fútbol perdió hace tiempo. A mí, en todo caso, me gusta el fútbol de los años setenta, la estética, las camisetas, esos tipos barbudos y pelados que iban a ese ritmo cansino y pegaban bastante fuerte. Había malas prácticas, pero era un fútbol de pueblo. Hoy tenés que ser un súper profesional armado en el gimnasio para jugar. Como la Fórmula 1. Ya no es lo mismo. Antes, los pilotos fumaban, tomaban, se mataban. No es que quiera eso, pero... El profesionalismo está bien en algunos aspectos, pero en el camino se puede perder cierta gracia.

Fuente: La Nación
13/08/2021 12:00

Música. Zahara lanza su quinto disco, entre el feminismo y el pop

"Yo estaba ahí cuando todos bailaban / Mojaban el dedo, se creían eternos / Yo estaba en el baño aguantando la puerta con mi espalda / Mientras les besaba la lengua / Yo estaba ahí en las oficinas de Universal / Tragando sermones sobre mi gran potencial / Yo estaba ahí abrazada a la taza del váter / Yo era incapaz de soltarla y ellos de mirarme": el tono confesional domina el nuevo disco de Zahara, una artista española que todavía no ha pisado firme en Argentina, pero a la que vale la pena prestarle atención. Su quinto disco se llama Puta y es el mejor de su carrera, que ya tiene más de 10 años y parece haberse consolidado definitivamente con el impacto que produjo su tono confesional, del cual "Merichane", el tema citado más arriba, es símbolo y estandarte.La portada de Puta.María Zahara Gordillo Campos nació hace 37 años en Jaén, Úbeda. Es, además de cantante, productora y presentadora de televisión y escritora. Puta es, sin discusiones, su álbum más arriesgado y cuenta unas cuantas experiencias traumáticas que ha vivido con la evidente intención de exorcizarlas. Sus canciones están atravesadas por temas muy actuales: los reclamos y las reivindicaciones del feminismo, las neurosis y los recortes de derechos que provocó la crisis desatada por la pandemia del coronavirus y el cambio climático. Zahara es capaz de hablar en un lenguaje muy claro y directo y, al mismo tiempo, de incorporar una cita de Nietzsche en una canción pop.Tiene sus propias musas, todas mujeres a las que les dedicó un tema del disco y cuyos nombres aparecen en mayúsculas: MERICHANE, TAYLOR, SANSA, RAMONA y DOLORES. Mujeres que la inspiraron y la inspiran, pero que también han sufrido como ella abusos, desprecio o maltrato psicológico. El dolor y la rabia son sentimientos que tiñen el repertorio, pero el sonido electrónico que también lo caracteriza invita a mover el cuerpo en una discoteca imaginaria, cuya contraseña para ingresar al VIP es la palabra tristeza. La producción fue responsabilidad de Martí Perarnau, que logró un resultado milagroso con apenas dos sintetizadores y una computadora, el instrumental que se usó para darles forma a todos los tracks de Puta. View this post on Instagram A post shared by â?¢ zahara â?¢ (@zaharapop)En la mitad del disco aparece "berlin U5", otro desahogo de Zahara que funciona como verdadera bisagra: "Llévame a bailar / Como si aún fuera real / Como si fuéramos ese animal / Como si el mundo no se fuera a acabar / Como si el universo no tuviera un plan / Aunque quiera llorar, tú solo llévame a bailar", canta la española en esta canción parteaguas. "Quería un tema que limpiara, que sirviese de separador entre la primera parte del disco y la segunda", explica. "Estaba escuchando todo el día a Caroline Polachek, a Tove Lo, a Lorde, a Robyn, a Dua Lipa, a todas estas artistas enormes, y ese punto de «estoy en la pista de baile y quiero llorar» es lo que sentía yo. Quería bailar y quería llorar porque se nos ha ido a la mierda todo. Es una canción de su era, una canción pandémica y, en general, apocalíptica".Para el cierre, Zahara entrega "DOLORES", una copla preciosa y conmovedora dedicada a su abuela, que la muestra muy cómoda en una faceta diferente y reafirma su potencia como letrista: "Tú que tenías la voz de las mujeres perdidas / Y a la vez la voz de tu España querida". En Puta hay verdad, compromiso, angustia, dulzura, amor... Un cataclismo de sensaciones difícil de encontrar en el pop contemporáneo.

Fuente: La Nación
12/08/2021 16:00

Massacre regraba Aerial, un disco de culto

La enciclopedia que comprende a Massacre tiene un capítulo especial en 1998, cuando lanzó Aerial, una de sus obras más veneradas y malditas. Lejos de los lujos que se dan en la actualidad después del arrollador El Mamut (2008) y el ingreso definitivo al mainstream con Ringo (2011), en ese entonces la banda lanzaba uno de los discos que mejor definen el mote "de culto". Ese favorito, grabado para el extinto sello Sum, no superó su tirada inicial, aún siendo uno de sus logros más celebrados, y sus demos originales desaparecieron. Quince años después, decidieron entrar a los estudios de Vorterix y re grabar una vez más la lista de temas de un álbum inconseguible, pieza histórica del rock argentino de índole psicológico. La presentación será en el mismo lugar hoy viernes 26 y mañana sábado 27 a las 21."Cuando vi que vendían Aerial a cualquier precio en Mercado Libre me di cuenta que había que hacer algo", explica Walas acerca de la decisión. "También está la importancia artística de entrar al estudio y demostrar cómo suenan esas canciones ahora, con un toque más cálido y la mano de Alejandro Vázquez en la producción (N del R: que también produjo Ringo)", dice.La nueva versión de Aerial respeta los detalles de la original: el estilo a nivel vinilo, cuando el disco empieza se escucha el sonido de una persona poniendo la púa y en el medio se siente cómo cambia de lado. La Tori, manager y matriarca de Massacre, vuelve a prestar su voz para "Llena de fe", el tema homenaje a Marianne Faithfull. "En los agradecimientos del original dice 'Para la nueva generación', pensando en nuestros hijos y sobrinos. En ese momento mi sobrina Anastasia Falcón tenía un año, ahora grabó el violín para tres temas del disco nuevo. Una cosa hermosa", agrega Walas.¿Qué los motivó a regrabar Aerial? El hecho de que nunca hubo manera de re editarlo, las copias que andaban dando vueltas en su momento fueron las únicas que existieron. También está la necesidad artística de meternos en un estudio y mostrar cómo están sonando esos temas ahora.Es un disco que no se consigue y se re vende muy caro por Internet. Eso también tiene mucho que ver, el aspecto ideológico de evitar que lo vendan a 1600 pesos en Mercado Libre. No es Artaud, es un CD de los 90. Cuando vimos que los vendían a cualquier precio decidimos hacerlo de nuevo para que haya muchos y que si lo querés tener lo pagues 45 pesos y sino te lo bajes de Internet. A veces para divertirme entro a los foros de preguntas de tipos que lo venden y les pongo: "Loco, ¿no lo canjeás por un lingote de oro de 4 kilates". Aliento a que no se generen esas cosas de fanatismo. Me he enterado de pibes que han transado el primer single de vinilo de Massacre Palestina por una guitarra.A la hora de regrabar, ¿respetaron la obra original? Toda la cuestión conceptual y de forma es fiel al original. La escucha tipo vinilo o el orden de los temas, es todo igual. Los temas los venimos tocando en vivo y los fuimos mejorando a nivel estructural, pero lo simbólico lo respetamos.Es un disco absolutamente simbólico. Lo es... Por ejemplo, en el disco original grabaron tres ex integrantes de los Fabulosos Cadillacs: Daniel Lozano en trompeta, Fernando Alvareda en trombón y Toto Roblat, que en paz descanse, hizo las percusiones. Los vientos de la nueva versión estuvieron a cargo de Hugo Lobo, el actual integrante de los Fabulosos. Ciertos detalles los quisimos respetar.La Tori también vuelve a participar en esta re edición, aportando su voz al tema "Llena de fe", el homenaje que le hicieron a Marianne Faithfull. ¿Por qué eligieron ese personaje para una canción? La Tori y yo siempre admiramos a esas minas malditas del rock, las minas que escriben buenas canciones y son perimetrales a las estrellas, como Nico, Yoko Ono, Patti Smith y, en esta ocasión, Marianne Faithfull. Así como soy matriarcal en la vida soy matriarcal en el rock también, admiro a esas mujeres que protagonizaron la historia del rock: mi banda favorita de chico era Blondie. Siempre tiene que haber una antena femenina que transmita, sin esas mujeres no existiría el rock.Claro, ¿qué hubiera sido de Massacre sin la Tori? Estaríamos haciendo canciones muy buenas pero no estarían bien mostradas. Somos bárbaros como creativos, pero si no fuera por la Tori que pone lo ejecutivo estaríamos con el Tordo cantando en el baño.Muchos de los temas de Aerial hoy son hits que ganaron relevancia con el tiempo, sobre todos los que son de índole psicológica... Es un disco que tiene mucha psicología, por ejemplo "Laika se va" habla sobre la encapsulación, "Ana", de revisar el pasado, "Ella me sigue", plantearse la mentira, "Te arrepiento", una relación que salió mal... Ahora que lo pienso creo que todo Aerial habla de fracasos, ja. "Angélica", la canción que abre el disco, es la anécdota de un tipo que compra una casa y se da cuenta que hay un fantasma, recurre a los medios para echarlo y cuando se da cuenta que lo necesita y lo extraña, no vuelve. Cuando empezamos a vivir juntos con la Tori alquilamos una casita en Olivos que tenía dos dormitorios: uno para dormir y el otro para estampar remeras. Unos años más tarde, cuando nos mudamos, nos enteramos que la mujer que había vivido en esa casa murió ahí y se llamaba "Angélica". Todo eso me lo enteré después de haber lanzado Aerial, muy loco.El disco salió hace exactamente quince años cuando ni siquiera se imaginaban lo que iba a pasar con El Mamut y Ringo, ¿sos conciente de que trascendiste a otra generación de oyentes? Eso es de lo mejor que puedo pedir. Hace un tiempo el Papu, de los Kahunas, me dijo: "Ustedes van a ser como los Grateful Dead que hacen fechas donde concurren padres e hijos. Lo van a hacer en el parque Peralta Ramos de Mar de Plata y en vez de hipismo y LSD va a haber rampas de skate, mamás massacreras de mas de 40 años y chicos chiquitos disfrutando". Me enorgullece y me asusta pensar en eso. Cuando éramos chicos generamos un ghetto más cerrado y minoritario. Eso creció.Por Facundo Enrique SolerNotas relacionadasWalas: del fetichismo y el miedo a la muerte

Fuente: La Nación
10/08/2021 08:36

El primer gran paso musical de Juana Molina: el disco que encendió un oficio, que la llevó a Japón y que debió comprar para recuperar sus derechos

Tan escondida detrás de su propio pelo en la tapa de su disco Segundo pero, a la vez, tan imponente. Tan personal su voz como su música, su animación y dibujos ("El desconfiado") y, al mismo tiempo, tan universal como un balbuceo. ¿Infantilmente peligrosa o peligrosamente infantil?A Juana Molina no le gustan las comparaciones. Sobre todo porque, desde que se abocó a la música hace más de veinte años, sólo se buscó compararla: con otras artistas ("¿Björk rioplatense?"), con otras propuestas, con otras. Pero ese desdoblamiento con el que jugaba cuando era famosa por ser actriz (Juana y sus hermanas), ya no es tal. O, en todo caso, se trata de un caleidoscopio solo aparente, que conduce a una sola persona: ella."Ne me quitte pas": la historia de un "amor prohibido" del que Jacques Brel huyó en cuerpo pero le fue imposible sacar de su menteAcaba de reeditarse Segundo, claro está su segundo álbum (que data de 2000), y la información oficial lo explica: "emblemático primer éxito discográfico de Juana Molina, que presenta esta reedición especial, remasterizada desde las cintas originales y acompañada de un sorprendente libro contando los inicios de la carrera musical de Juana. Testimonios, dibujos originales, fotos inéditas y con numerosas anécdotas relatadas por Roque Di Pietro y ella misma". El lanzamiento es a través de su propio y flamante sello: Sonamos."Cuando yo lo hice no sabía que estaba haciendo un disco", comienza a explicar la hija de Chunchuna Villafañe y de Horacio Molina. Habla desde su casa, por videollamada y se la escucha demasiado familiar en su manera de pronunciar. Se la ve así de cercana en los gestos. Sin embargo, no deja de extrañarse la percepción sobre ella. Como sucede con su música, difícilmente catalogable, folktrónica, folk y electrónica con improntas tan impensadas en sus combinaciones como el dadaísmo, la gauchesca o el sin sentido. Y más.Juana está en su casa ubicada entre Pacheco y Benavídez, "un lugar bastante ruidoso, que se transformó en un paraíso cuando empezó la pandemia. El cielo cristalino y yo, que soy así, medio covachera, y me gusta. Me armé una palangana con unos fueguitos y estuve todo el invierno sentada mirando el afuera sin hacer nada", describe ella. Mientras ocurre la entrevista, una ventana da cuenta del paso del tiempo cuando deja de mostrarnos el paisaje detrás y las últimas luces del día se van. Está oscuro, de noche ahora. Adentro, ella prende una lámpara. Los recuerdos siguen, sobre sus grabaciones desenfrenadas en Los Ángeles a fines de la década del 90. "Grababa mucho, mucho, mucho todos los días. El momento más importante fue cuando descubrí que eso era irrepetible. Cuando me di cuenta de que eso iba a terminar siendo un disco me aterroricé, porque había cosas con poca calidad, pero al grabarlas otra vez no transmitían lo mismo. Había una verdad en esas grabaciones que ya estaba por ser revelada".-Algo similar sucedió con la tapa, la foto de Alejandro Ross que no pudieron replicar...-Exacto. Lo mismo. Alejandro estaba como loco porque no tenía la calidad fotográfica que pretendía para un trabajo suyo. Luego, yo tuve que firmar con un sello para tener esa tapa. Para mí era clave. Justamente se dio la coincidencia de que pasara lo mismo con la imagen y con el sonido del disco. Juana Molina en días de Segundo (Gentileza Juana Molina/)-En el booklet hablás del pánico escénico y de un show en Chicago en el que empezaste a perderlo. ¿Todavía hay vestigios de ese miedo?-Todavía hay. Muchas veces los lugares a donde llegás son difíciles. El público no es demostrativo. Cada vez tengo más confianza y estoy más segura de lo que hago, pero siempre hay algo que no depende de vos. Lo que fui aprendiendo es cómo lidiar con las adversidades que se van presentando. Cuando recién empezaba no lo podía resolver. Hace 6 años estaba en un lugar que era imposible por lo mal que sonaba pero había unas resonancias en el ambiente que hacían que yo pudiera seguir cantando. Y tomarlo en vez de ponerme en "no puedo tocar, esto no suena bien". Antes me daba mucha inseguridad que la gente pensara que yo pensaba que lo que estaba haciendo estaba bien. Yo quería que la gente supiera que yo sabía que todo eso estaba mal. ¿Para qué? Solo para pasar un mal momento al pedo. Ahora trato de no concentrarme en eso y veo de dónde me agarro para seguir. Y reconventir eso o, por lo menos, no ahogarme.Juana Molina dio la vuelta al mundo de la mano de Segundo -Cuando te pusiste a escribir compulsivamente para Segundo, ¿quedaron cosas afuera?-Sí, quedaron, pero no volví nunca a ellas. Por ejemplo, en Tres cosas no hay nada que haya sido de Segundo.-¿Ahora no te dieron ganas de volver a ese material?-No, porque hay canciones sobre las que me lleva tiempo darme cuenta de que en realidad no me gustan. Pienso que esos son los hits que me pierdo. A veces hay un tema que está buenísimo, que tiene un gancho, que tiene no sé qué. Y después me aburro de esa canción y no la edito. Una vez que me canso de una canción ya no hay manera de que me la banque aunque haya estado dos meses diciendo: "éste es el mejor tema del disco". Lo dejo afuera.-¿Tuviste esa exigencia de parte de un sello, de hacer un hit?-No, porque nunca tuve una relación de ese tipo. Salvo con Rara, ahí decidí estar en un lugar donde yo tenga el manejo de lo que hago.-¿Qué prima a la hora de componer? ¿Cómo recurrís a las intertextualidades, como las de la tradición más literaria u oral, que van del Martín Fierro al "Que llueva"?-Con el Martin Fierro todo empezó con una payada que hicimos medio en joda con Alejandro Franov. Empezamos un día con esa guitarra que yo estaba tocando, cantamos el Martín Fierro encima y devino en ese tema. Y con "Que llueva" estábamos en Cabo Polonio de vacaciones, yo le cantaba a mi hija y justo se me ocurrieron esos acordes del estribillo y estaba lloviendo a cántaros. Una cosa llevó a la otra. Nunca pienso en una idea y después la hago. Yo empiezo a tocar, se me ocurre una melodía y si tengo suerte aparecen algunas palabras. Cuando aparecen palabras, yo ya sé de qué va la letra, que la hago en función de lo que apareció inconscientemente. Pero nunca me propongo escribir una canción que hable de "esto", porque las letras siempre vienen muchísimo después. El disco esta completamente terminado: están todas las voces, los arreglos, las armonías, pero no están las letras.-¿Jamás empezarías un disco por las letras?-Yo no escribo. Sólo escribo prosa o cosas que pienso pero versos no, ni letras de canciones. Eso viene mucho después. Siempre escuché mucha música instrumental. Realmente no necesito las letras. También escuchaba temas en inglés, y en ese momento no sabía hablar inglés, eran letras que no querían decir nada. Y ahora que sí hablo, cuando las escucho digo: "¡ay! no me digas que significaba esta pelotudez". Como que la letra medio te condiciona.Un retrato de Juana Molina de 2001 (David Sisso/)-Tuviste que comprar tu propio disco para tener los derechos, ¿no?-Y... fue necesario, y no me voy a arrepentir jamás porque me daría mucha bronca que ese disco no fuera mío. Y creo que hay cosas que van mucho mas allá del dinero. Me pasó con el disco Segundo y, a partir de ahí, yo soy dueña de todos mis discos.-¿Qué destacás de la llegada que tuviste y tenés en Japón?-En el momento que yo llegué a Japón, solo habían llegado Mercedes Sosa y Ástor Piazzolla. Lo único que se había consumido (palabra que detesto), era eso. Y fue muy raro, muy repentino, muy veloz. Al disco lo descubrieron en 2001 y en 2002 ya estaba tocando en Japón. Era todo un suceso. Entonces Japón era un mundo que estaba cero occidentalizado. Y no había ni una calle, ni un subte, ni una comida, ni un menu, nada en otro idioma que no fuera japonés. Entonces no me quedaba otra que intentar hablarlo. La primera experiencia fue muy linda, me quedé tres semanas. Un calor infernal... toqué en lugares grandes y también en lugares para 15 personas. Con los años, todo se desbandó. La gente joven ya te habla en inglés, empezó ese poquito de "mala onda" o "mala educación". Eso no se veía antes, y no sé si es una reacción o una copia a nuestros modales horribles.

Fuente: La Nación
09/08/2021 10:36

Bobby Gillespie sobre 'Utopian Ashes': "No quería escribir otro disco de rock"

Bobby Gillespie (59), cantante escocés fundador de Primal Scream, y Jehnny Beth (36), cantante francesa del grupo Savages, se unieron para grabar el álbum Utopian Ashes, inspirado en duetos como los de Gram Parsons y Emmylou Harris o George Jones y Tammy Wynette, metiéndose con géneros como el soul, el country, el blues y el rock and roll. Pero lo cierto es que este cruce de almas y voces habrá que agradecérselo a gente como Iggy Pop, el grupo Suicide e incluso a los Massive Attack, artistas que entre 2013 y 2016 invitaron a Primal Scream y a Savages a distintos conciertos, e hicieron que Gillespie y Beth estrecharan una relación que hoy deviene en álbum."Cuando vi a Savages por primera vez en vivo en el Royal Festival Hall, como soportes de los Stooges, quedé muy impresionado. Ellas sonaban tan reales que se me erizó la piel. La manera en que se presentaban a sí mismas y las situaciones de la vida cotidiana de la que hablaban provocaron algo en mí", dice Gillespie desde su casa, con una biblioteca repleta de libros de moda de fondo (su esposa, Katy England, es una de las estilistas de moda más importantes del mundo), en esta zoomtrevista para ROLLING STONE. Luego llegó la invitación de Beth para cantar juntos "Dream Baby Dream", de Alan Vega, en el Barbican de Londres, en el último concierto de Suicide. "Jehnny se me acercó y me dijo de cantar algo juntos y fue muy divertido, caótico y loco. Al fin de cuentas, los shows de Suicide siempre fueron provocadores y confrontativos. Y creo que logramos eso, porque la audiencia realmente se enojó con nuestra performance".Tras un encuentro más durante el festival The Downs, en Bristol, en el que Beth se sumó a Primal Scream para cantar "Some Velvet Morning", grabada originalmente por Nancy Sinatra y Lee Hazlewood en 1967 e inmortalizada por el mismo Gillespie en el disco Evil Heat, de 2002, junto a Kate Moss, se convencieron de que debían hacer música juntos. Seis semanas más tarde, Gillespíe y Beth se juntaron en París para grabar los primeros demos de Utopian Ashes.'McCartney 3, 2, 1': cómo es la serie que demuestra que Paul McCartney es el mayor nerd de Los Beatles"Lo único que sabía era que no quería escribir otro disco de rock, con batería, piano, guitarra acústica; y tampoco quería hacer algo electrónico, porque en los últimos años había estado bastante con eso, con las baterías electrónicas y los loops", dice Gillespie. "Entonces nos propusimos grabar un disco como la gente grababa hacia fines de los 60 y en los 70. Y la música tenía que ser muy emocional, porque las letras iban en esa dirección, muy directas y sensibles".Con temas como "Remember We Were Lovers" (Recuerda cuando éramos amantes), "Your Hear Will Be Always Broken" (Tu corazón siempre estará roto) o "You Don't Know What Love Is" (Vos no sabés lo que es el amor), Gillespie y Beth construyeron una suerte de obra conceptual en torno a una pareja recién separada. "Mezclamos el álbum en diciembre de 2018, y no pudimos hacer nada por un par de años porque Jehnny se puso a trabajar en un disco solista. Pensamos en editarlo en 2020 pero luego llegó el Covid y no lo pudimos lanzar hasta ahora".Durante la pandemia, Gillespie dice que no estuvo haciendo masa madre, ni mirando series ni cocinando, sino que aprovechó el tiempo para escribir sus memorias, que se publicarán el 14 del mes próximo, a través de White Rabbit Books. "No quería hacer otras memorias de rock tradicional. Quería más bien contar sensaciones, discutir sobre educación, arte, cultura familiar, contar de dónde vengo, de una clase obrera de Glasgow, con sus respectivas tensiones familiares. Tratar de explicar cómo me convertí en una persona creativa viniendo de donde vine. Fue muy bueno para ejercitar el músculo de la memoria. Estoy muy orgulloso, fue todo un desafío para mí, y en cuanto a lo creativo hice algo que no había hecho nunca".Travis Barker: cómo se convirtió en la persona que más escuchan los nuevas estrellas del pop-punk¿Recordás en qué momento de tu vida quisiste convertirte en una estrella de rock?Cuando era adolescente todos estaban detrás de Marc Bolan. Lo había visto de chico por TV y me pareció maravilloso, pero parecía venir de otro planeta, era una verdadera estrella. Entonces, a los 16 o 17 años me volqué hacia el punk: los Sex Pistols, The Clash, The Jam, Siouxsie. Eran también estrellas, pero sus letras hablaban más de la vida de la clase trabajadora. El glam-rock era lujoso, pero era más un sueño. Cuando llegó el punk fue alucinante para mí. El punk y el post-punk realmente me inspiraron. La música, las actuaciones, lo que hacían Johnny Rotten lo podía hacer cualquiera en su imaginación. Todos ellos me inspiraron a meterme en la poesía cuando era adolescente, a escribir poesías que nunca le mostraba a nadie. Ahí fue el principio de pensar: Oh, Dios, puedo escribir estos poemas. Yo trabajaba en una fábrica y el poco dinero que ahorraba lo gastaba en discos o en entradas de conciertos de punk-rock. Ver que cualquiera podía subirse a un escenario me llevó a formar Primal Scream.Siempre estuviste muy interesado en el rol del rock and roll en la cultura. ¿Creés que hoy sigue siendo tan relevante?Creo que Iggy Pop y su cuerpo es rock and roll. Como Johnny y Jerry Lee Lewis, ellos encarnan el rock and roll. Pero en estos días, la mayoría de la música que escucho bajo la bandera de la música rock, no es rock and roll. Es solo rock. Porque el rock and roll se supone que te hace bailar. Vos podés bailar con los MC5, con los Stooges, con los Stones y con los New York Dolls. La mayoría de las bandas en estos días que tocan cualquier forma de rock no te hacen bailar. No tienen esa conexión. Iggy pop, Jerry Lee Lewis, MC5, New York Dolls, The Rolling Stones, todos son fans de la música negra. Primal Scream es una banda profundamente metida en el blues, el funk, y la música negra norteamericana. Hacemos bailar a la gente. Nosotros somos una banda de rock and roll como ninguna de estos tiempos. Creo que la mayoría de las bandas que pretenden hacer rock no son rock and roll. Tienen rock, pero les falta el roll, que es la parte de la música que te hace bailar.

Fuente: La Nación
07/08/2021 01:00

De Los Twist y los Redondos a lanzar un disco de jazz en España

Gonzalo Palacios es uno de los músicos más emblemáticos de la experiencia colectiva que posibilitó la aparición de esquirlas del under en las mesas de sonido de la industria discográfica. Como integrante de Los Twist irrumpió en la opacidad de los días finales de la dictadura y montado en su saxofón trazó un camino de esplendores: compartió escenarios urgentes con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Soda Stereo y Fricción, y fue parte de la banda que acompañó a Charly García y su demoledor cancionero de los primeros años 80. Décadas después, practica una gimnasia que lo desorienta un poco: la interacción con el público a través de las redes sociales. El Gonzo se siente expuesto a ese vértigo de la comunicación directa, síntoma de asistir a la descomposición del relato y, al mismo tiempo, del cuerpo. A propósito de su constatación resignada de que el intercambio del artista con el público cambió brutalmente, describe: "Esta relación tan íntima con la gente que de repente me sigue y también responde -y está bien que te responda-, es algo nuevo. Yo soy del vinilo, del casete, de la revista Pelo, de los suplementos culturales, de la radio y de sacar discos. Ahora, no sé qué personaje tengo que ser y lo aprendo sobre la marcha. No es lo mismo ser una persona anónima que ser una a la cual la gente asocia con determinadas circunstancias de su vida. Por mucho de los discos que he grabado y por otros en los que he participado, me voy dando cuenta de que hay cosas que han quedado instaladas en la mente del público. 'Uy, ¿y esto?' Me conectan de México o de Colombia diciendo tal y cual cosa de lo que grabé o me retrotraen a un momento de su vida. Tengo que enfrentarme a ello".Gonzo vive en la isla de Menorca desde hace unos veinte años. Trabaja como saxofonista residente en una discoteca ubicada en una cueva con vista al Mediterráneo. Además, lleva a cabo proyectos personales y de terceros en su estudio. "Si hace cuarenta años atrás venías del futuro y me decías 'vas a tocar en una discoteca' te daba una patada en el medio de la cara; pero una cosa es mi vida acá y otra cosa es lo que estoy haciendo más allá: virtualmente estoy más en Buenos Aires que en casa".Gonzo Palacios, el saxofonista de los 80: "Con Los Twist no estábamos preparados para el éxito"¿Cómo llegaste a vivir en Menorca?Yo vivía en Madrid y una vez vine a tocar. Antes estuve en Londres, me fui de Argentina en 1991. En Menorca, me enamoré de quien ahora es mi mujer. Tuvimos una relación a distancia durante tres años y terminé viniendo porque es un lugar maravilloso y me dieron un montón de trabajo. Venía todos los veranos y me quedaba. Es un lugar relativamente pequeño, en el que todos se conocen y corre el boca a boca. En la discoteca Cova d'en Xoroi se enteraron de que andaba dando vueltas por acá, me invitaron a tocar y luego me contrataron. Es un trabajo que yo hacía en Madrid. Por entonces la discoteca era más del estilo club, como le dicen acá. Pasaban house hasta las seis de las mañana, hora en que los tenían que echar. Con el tiempo el público cambió: el turismo fue una de las razones. Ese trabajo, más algunas producciones que hago en mi estudio, me dan para vivir tranquilo trabajando seis meses al año. Además de ser ideal, eso me da espacio para mi parte creativa."Todos Los Twist hicimos mucho más que La dicha en movimiento, pero ese disco fue más grande que nosotros mismos", dice Palacios sobre el álbum emblemático de la banda creada por Pipo Cipolatti y Daniel Melingo (Andy Cherniavsky/)Decías que estás trabajando a distancia. ¿Con qué?Retomé lo que se abortó a principios de 2020 a raíz de la pandemia: un disco en vivo que estoy grabando con la banda que se llama como yo, El Gonzo. Hicimos un concierto en Buenos Aires en noviembre de 2019 y grabamos el disco. Aunque sea a distancia seguimos grabando cosas, haciendo videos, revisando el material. Y estoy viviendo un proceso muy raro: después de estar veinte años desconectado empezó a conectarme el periodismo. Supongo que es el efecto de la falta de novedades; entonces, un tipo que ha tocado con la mitad de los músicos más importantes de la Argentina es, evidentemente, una fuente de información y anécdotas. Y están las redes socialesâ?¦¿Las descubriste hace poco?Sí. Primero me di una vuelta para ver cómo eran y me dio algo de aversión, no quise usarlas porque no tenía nada para comunicar. Luego entré por necesidad, las vías antiguas de difusión no tienen la misma llegada y la amplificación que te dan las redes es mucha. Descubrí que importa más la insistencia por crear contenidos que cuán bueno es lo que hacés. Ante esa demanda todos estamos publicando cosas. Los artistas reflexionamos bastante sobre estos temas, hay que reinventar qué hacemos y cómo a partir de dónde se va a emitir. Podés aceptarlo como un desafío: pelear contra algo nuevo o abandonar.Gonzo Palacios, el gran saxo del rock localEl tema son Los Twist, pero El Gonzo parece renuente a hablar de ese momento. Han pasado muchas cosas, señala con un tono que estruja la dimensión de los hechos. Se sabe: recordar tiene un precio que no se paga porque sí. Sin embargo, estamos en la víspera de una conversación verdadera. La prueba es que la velocidad de sus palabras emula el ritmo humano del pensamiento, es una singular ceremonia. El proyecto twist (torcido y retorcido) quizá no haya contemplado en sus orígenes la complejidad de la estética que lo sostuvo luego, su creatividad desbordada hacia una especie de situacionismo paródico que lo salvó de las explicaciones que fueran más allá del chascarrillo, la invocación del azar o las imposturas que los artistas populares eligieron crear para desandar una suerte de bailongo con contenido. La popularidad que tejieron Los Twist avanzó en una conexión nueva entre música y palabras, con el sentido revoleado a su suerte (La importada sale cara pero es la mejor, la de acá es barata pero no tiene sabor. ¡Salsa para vivir, salsa para ser feliz, feliz, feliz!), remontado en papel barrilete colorido y bajado al asfalto mental de las juventudes criadas en dictadura. La dichaâ?¦ vio la luz el 17 de octubre de 1983 (¡Mi general no se vaya, mi general ya se fue!) y abarca subjetividades políticas, relaciones entre generaciones, el pasaje con sombras de la dictadura picante a las ronchas de la democracia. Ah, y la producción de un señor llamado Charly García. Resultado final: ¡diez de diez en hits, un mega strike de fonola!¿La dicha en movimiento fue un disco disruptivo?Llamalo como quieras, disco bisagra, cambio de paradigma, pero las cosas a partir de ese momento no fueron iguales. No solo para nosotros, sino para todo el rock argentino. Ese disco mostró que el rock ya era más popular que todo lo que lo antecedió. Les abrió los ojos a todos. Virus, al que tanto le había costado ser reconocido, empezó a vender. Gracias al éxito de La dichaâ?¦ muchas bandas consiguieron contratos en compañías discográficas. Lo digo sin ninguna soberbia, ¿eh? Es un dato objetivo. Sin el éxito de ese álbum probablemente muchas hoy no existirían y las variables del espacio tiempo hubieran sido muy diferentes.El saxofonista y productor lanzará con su propio grupo -denominado El Gonzo-, un disco de jazz demorado por la pandemia. (gentileza Hugo Palacios/)¿Qué importancia tuvo para vos ese disco?Una importancia vital. Nada me gustó tanto como haber hecho ese disco. Toqué con todo el mundo por haber grabado La dichaâ?¦ Es cierto que había grabado con Charly, pero que fuera El Gonzo de Los Twist les gustaba más -señala con acento español y una pizca de porteñismo-. Al principio fue una señal que muy pronto se hizo evidente: todas las discográficas buscaban algo que se le pareciera. Era rock divertido, ¡maldito estigma! -exclama despertando de una pesadilla-. Era divertido, sí, pero no era lo más importante para definirlo como tal, como si fuese un estilo. Luego de ese disco grupos como Los Pericos o las Viudas e Hijas de Roque Enroll (¡en su compañía las llamaron Las Twist femeninas!) vendieron mucho más. En el mismo sentido puedo hablar del público. Un público nuevo que no necesariamente tenía ganas de escuchar música que en 1982 atrasaba cinco o seis años, con el cariño y respeto que les tengo a todos mis colegas. El periodismo de rock no iba más allá de Serú Giran. El hecho de que en nuestra música tuviera humor, parodia e imagen hizo la diferencia.Las discos tronaban, la gente iba a sus conciertos y gastaba los hits en la pista: "Jugando hulla hulla", "Pensé que se trataba de cieguitos", "25 estrellas de oro", "Ritmo colocado". Entre los pensamientos inesperados que surgían en la tibieza de esa incubadora, las naves distópicas de Los Twist traficaban un lenguaje que en la infancia de la democracia resultaba inaugural también para el rock, los bordes filosos de sus letras corrieron el alcance de la palabra desfachatez, vistas a la distancia parecen anticuerpos para defenderse en zonas de peligro.Recuerdo críticas e ironías sobre lo que hacían, ¿los medios desconfiaban de ustedes?Sí, pero no solo de nosotros. De Virus y de Los Encargados -el grupo de Daniel Melero- también. Dijeron unas cosas muy tremendas sobre nosotros, supongo que por el prejuicio de ver que lo hacíamos podría quitarles el lugar a otros. La apuesta era: ¿a ver cuándo se pinchan estos? Nosotros también éramos como éramos. Teníamos mecha corta y nos quemamos rápido.¿Cómo era la relación con el público?El público en ese entonces iba a los shows le gustaras o no. Si le gustabas, estaba todo bien; si no, se la pasaban incordiando. La monada pagaba la entrada solo para joderte. Teníamos un par de plomos que por suerte nos sacaban de esas situaciones. Nosotros éramos los cancheritos de Barrio Norte que no le pegábamos a nadie, pero como estábamos un poquito sacados alguna patada tirábamos. En el conurbano no era fácil, después de eso te esperaban a la salida.Volviendo a la música, ¿cuáles son para vos las mejores canciones de nuestro rock que incluyen un saxo?No soy muy amigo de los rankings, pero si tuviera que recomendar algo, más que temas me inclinaría por cualquier cosa que hayan tocado Bernardo Baraj o Pablo Rodríguez, de Los Auténticos Decadentes. Seguro, valen la pena.¿Qué te produjo la muerte de Willy Crook?Fue un mazazo. Si bien llevábamos veinte años sin vernos, había un enorme cariño y el recuerdo de muchos momentos maravillosos. Me deja un hueco en el pecho y un dolor que me cuesta compartir. Solo me limité a intercambiar abrazos con amigos en común.

Fuente: La Nación
06/08/2021 01:36

Cómo es Tengo una historia así, el disco de Sandro con canciones inéditas que sale hoy

"Estamos grabando acá. Necesitamos grabar esto que se llama: 'Tengo una historia así''. La voz de Sandro antes del inicio del tema define la esencia de este material compuesto por joyas incunables. Hoy, Sony Music lanza un nuevo álbum del gran prócer de la música popular argentina iniciando las celebraciones con vistas al 19 de agosto próximo, fecha en la que se conmemorará el aniversario número 76 de su natalicio.Detrás del telón: La historia de tres amigos, un cuadro blanco y una polémica que cruzó el océanoEl material, que también lleva por nombre Tengo una historia así, reúne once canciones encontradas en los archivos del músico, pero también es la posibilidad de escuchar su voz en la intimidad de su trabajo en su famosa mansión de la localidad de Banfield. Casetes y cintas originales revelan al Roberto Sánchez más auténtico, el que disfrutaba de la labor creativa y que se obsesionaba hasta encontrar la amalgama perfecta entre prosa y melodías. Solo así, en esa perfección obstinadamente buscada, sus creaciones salían a la luz pública.Tengo una historia así cuenta con once temas, uno de ellos cantado por Sandro en italianoAzares del destinoPor alguna razón, más librada a los caprichos de la suerte que a una razón lógica, "No te vayas todavía", otro de los títulos del disco, nunca fue grabado por el cantante, autor de la letra y de la música del tema. Es curioso, pero en uno de los fragmentos Sánchez escribió: "No te vayas todavía, porque aún no llega el díaâ?¦". Hoy, se pueden pensar esas ideas como una epifanía que confirma la permanente presencia del artista a través de la materialidad de su obra y de lo intangible de un aura posible. La canción es de neto corte romántico y expone a un intérprete con una coloratura de voz sólida."No te vayas todavía" es el corte que se presentó el 19 de agosto del año pasado, fecha en la que los fanáticos y las "nenas" del ídolo siempre reciben un regalo de parte de Olga Garaventa, la viuda de Roberto Sánchez que tiene una inmejorable relación con el público, y de Pablo Ferraudi, el hijo de Olga, que denodadamente trabaja para conservar el legado y bucear en los recónditos archivos donde siempre una joya aparece aletargada a la espera de ver la luz. Los periodistas Graciela Guiñazú (una de las personas que más sabe sobre Sandro) y Rodolfo Barone (un incansable colaborador del equipo) forman parte de ese dream team que trabaja sobre la obra del prócer y que permitió, junto con Sony Music, la edición del nuevo material.El disco cuenta, además, con el inédito "Eso que se hace de a dos", un título volcado hacia un sonido más rockeado, donde aparece la esencia de aquel Sandro primigenio, ese que alguna vez fue bautizado como el "Elvis argentino". Lo mismo sucede con "Hay mucha agitación", tema de Dave Williams, prologado por la voz de locutores presentándolo en vivo. "Mi lágrima número cien" ofrenda un sonido más festivo, aunque habla de un dolor de amor.El booklet del nuevo disco incluye fotografías nunca vistas del ídolo en la intimidad de su mansión de Banfield, donde grabó los bocetos de los temas que se incluyen en el materialEsenciaEl flamante material se completa con nueve temas grabados en versiones desconocidas, razón por la cual se convertirán en materiales muy valorados por los fans. Con tono diverso, pero bajo el ala estética de su creador, cada canción propone un universo personal. En ese sentido, "Yo te haré mujer" muestra a un Roberto Sánchez atento a las cuestiones de género y empoderando a la mujer cuando ambas cuestiones no estaban instaladas en la agenda y el debate social. "Sabes aprender, sin explicación, la forma sutil de hacer el amor. De seguir así, yo me entregaré, tú me enseñarás y yo aprenderé", concluye el concepto de una canción de vanguardia ideológica y con sonido abolerado.GénesisOlga Garaventa autorizó la realización de este disco, cuyo proceso de producción comenzó hace dos años cuando Jon Aguilera, ahijado artístico de Sandro e hijo de Rubén Aguilera, quien fuera representante del cantante, se unió a Nelson Pombal, productor de Palito Ortega y de Charly García, para llevar adelante el proceso de clasificación, restauración y digitalización de las grabaciones que Sandro había realizado de manera casera y que constituían un verdadero acervo. Ese legado, el músico se lo había confiado a Rubén Aguilera, hecho que motivó a que Jon se interesara por el material y pusiera en marcha el invalorable trabajo de recuperación.Olga Garaventa, viuda de Roberto Sánchez, y su hijo Pablo Ferraudi, trabajan sin descanso en busca de preservar el legado de Sandro (DIEGO SPIVACOW / AFV/)ProcedimientoLos once temas del disco fueron plasmados por Sandro en la intimidad de su residencia en el sur del Conurbano bonaerense. Nueve de ellos en formato casete de chromo estéreo en portaestudio y los dos títulos restantes fueron registrados en cinta abierta.Son pocos los privilegiados que pisaron la mansión de Banfield, infranqueable detrás del famoso paredón que da a la calle Berutti al 200. Sin embargo, los fanáticos la conocen a través de fotos y de las descripciones exhaustivas que hacía Roberto Sánchez, quien no salía con frecuencia y solía pasar semanas enteras sin pisar la calle. Por eso, para las "nenas" no es territorio extraño la biblioteca o Excalibur, su sala de grabación. Los temas de Tengo una historia así fueron registrados en esos espacios sagrados, templos paganos del arte.Las grabaciones en casetes fueron realizadas en la biblioteca, a través del home estudio que le regaló Rubén Aguilera, quien fuera su productor y arreglador a lo largo de una década. Las cintas se registraron en la sala de grabación profesional que montó en lo que era la casa de huéspedes, ubicada en el fondo de la mansión y que luego fue transformada en el piano bar.CuriosidadesAdemás de las inéditas "No te vayas todavía" y "Eso que se hace de a dos", el material reúne dos títulos muy particulares: "Tú que sabes del amor", grabada con el nombre de "Es mucho más mujer" en la edición para Estados Unidos del disco Vengo a ocupar mi lugar, y una versión de "La vida dura" cantada en italiano. "A dove vai, a dove vai", suena inmaculado en su voz.Además de "Hay mucha agitación", un segundo tema del compilado no es de autoría completa de Roberto Sánchez. Se trata de "Se te nota", título que estrenó en aquel recordado concierto que ofreció en el Madison Square Garden de Nueva York, donde Sánchez firmó junto con Armil, seudónimo de Oscar Anderle, su histórico manager.Treinta y seis artistas participaron del álbum, incluidos trece de los músicos que conformaron algunas de las agrupaciones que acompañaron al Gitano en distintos momentos de su carrera. Se trata de Bernardo Baraj (trabajaron juntos en tiempos de Black Combo), Rubén Aguilera, Américo Belloto, Ricardo Lew, Jorge Padín, Miguel Tallarita, José Luis Colzani, Oscar D'Auría, Mario Parmisano, Carlos Buono, Víctor Skorupski, Enrique Roizner y Jorge "el Oso" Bertinetti, quien falleció en julio de este año."Eso que se hace de a dos" es una de las grandes joyas del disco. Ese tema cuenta con la participación de Charly García y Pedro Aznar, generando una réplica de aquel ilustre encuentro en el "Rompan todo", incluido en el disco Tango 4, de García y Aznar, presentado en 1991.El material reúne distintos momentos de Sandro, lo cual convierte al trabajo en una búsqueda que ofrece una paleta de colores expandida. En el booklet que acompaña al disco se ofrecen imágenes inéditas de la intimidad del astro y los originales de las letras de algunas canciones que son un tesoro que los fanáticos valorarán. Muchos de esos borradores están atravesados por la letra manuscrita de Sandro, mientras que otros están ya pasados en limpio por el cantante, que firmaba indistintamente con su nombre personal o artístico.Desde hoy, los seguidores de Sandro podrán encontrarse con este trabajo, disponible en CD y en plataformas digitales, que engloba un concepto relevante: bucear en las interioridades de títulos inéditos y de algunas grabaciones domésticas del hombre que se convirtió en leyenda. De alguna manera, Tengo una historia así no es otra cosa que transitar las inspiradas zonas de la intimidad del prócer.

Fuente: Página 12
06/08/2021 00:01

Fénix, el último disco de la cantautora María Eva Albistur

Nueve canciones en formato electropop que invitan a mover el esqueleto conforman la obra de la instrumentista que supo tocar con Stevie Wonder, Sade, Elton Johnâ?¦ María Eva Albistur presenta una oda a la resiliencia que la devuelve a las bateas con tracks "alegres y bailables", en palabras de la artista.




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