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Cecilia Roth: un homenaje a una vida dedicada al cine en los Premios Platino XI

En su mensaje de agradecimiento, Cecilia Roth denunció el poco interés que el gobierno argentino ha puesto en el cine y pidió ayuda a los medios de comunicación evitar el colapso de la industria

Cecilia Roth, entre la emoción y el enojo: "Se ha instalado la idea de que los que hacemos cine somos parásitos del Estado"

El recorte presupuestario en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) se convirtió en un tema ineludible este viernes por la mañana en la Riviera Maya mexicana. Horas antes de que los Premios Platino den inicio a su 11ª edición, Cecilia Roth brindó una breve pero contundente conferencia de prensa para diversos medios iberoamericanos y, al dar a conocer sus sensaciones frente el galardón que reconocerá su trayectoria durante la gala del sábado, no dudó en referirse a la crisis que atraviesa la industria en la Argentina."Me da una enorme alegría y una enorme emoción estar aquí con gente que hace audiovisual, con todos aquellos y aquellas que sabemos de lo difícil que es hacer cine, hacer series, estar en una pantalla, en una industria que cambia permanentemente como cambian los países. En este momento en la Argentina sí se está haciendo muy difícil hacer cine. La cultura general está en un punto casi de expulsión para todos los que nos dedicamos a esto, que somos enormes cantidades de familias", dijo la actriz argentina, de 67 años, durante la conferencia que brindó en el salón Diego I del hotel Xcaret Arte, de la que participó LA NACIÓN."Quiero que esto se sepa en Latinoamérica y en España; de alguna manera es un pedido de ayuda. Nuestro cine este año tiene una cantidad enorme de representantes, lo que da muestra de que es una industria que da beneficios y que despierta interés masivo en todos lados, no solo en la Argentina. Y este pedido de ayuda también es un llamado de atención: es posible que en los Platino 2025 no haya ningún representante de nuestro país, porque este año no se producirá ni una película en la Argentina", aseguró la protagonista de films como Un lugar en el mundo, Martín (Hache) y Una noche con Sabrina Love."Somos un eslabón de la cultura de nuestro propio país, y esos eslabones no se pueden cortar. Por eso estoy segura de que esto también pasará", continuó la actriz que, entre el humor y la coquetería, le rogó a los periodistas que hacían preguntas que la tutearan y no la trataran "de usted". Minutos más tarde, un incidente eléctrico -que ya se había producido en el inicio de la ceremonia- cortó parte de la iluminación y el micrófono de Roth, quien luego retomó la ronda de preguntas y respuestas sin perder en absoluto el hilo de su discurso."El problema es que vivimos en países muy vulnerables, muy frágiles. Hemos construido con mucho trabajo y muchísima lucha una industria que todavía no está instalada sólidamente, por lo que un viento fuerte, como el que está sucediendo ahora en la Argentina, puede voltear instituciones", indicó."El cine necesita del apoyo del Estado, y digo apoyo porque todo se devuelve; se ha instalado la idea de que todos los que hacemos cine o trabajamos dentro del ámbito de lo cultural somos parásitos del Estado. Creo nuestra lucha tiene que ser por modificar esas ideas, que resultan crueles e injustas (...). Nadie pide más de lo que merece, nadie le pide dinero al Estado", sumó, para luego denunciar el desmantelamiento de "el Incaa, la ENERC, el Festival de Mar del Plata" por parte de la gestión de Javier Milei.Este sábado, Roth recibirá el Platino a la Trayectoria, galardón que en el pasado recibieron figuras de la talla de Ricardo Darín, Carmen Maura, Antonio Banderas, Adriana Barraza y Benicio Del Toro. La ceremonia será transmitida en vivo por TNT y Max a partir de las 22, desde el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret.El chiste de Juan Antonio Bayona sobre MileiUna vez finalizada la conferencia de prensa, Axel Kuschevatzky -quien ofició de maestro de ceremonias- introdujo a los ganadores de los Platino del Público, auspiciados por una línea aérea española que es patrocinadora de los premios. La española Úrsula Corberó por El cuerpo en llamas fue distinguida como mejor interpretación femenina en serie o miniserie, y también la ficción de Netflix se quedó con el trofeo a mejor serie o miniserie. El argentino Santiago Korovsky, en tanto, se alzó con el galardón por su trabajo al frente de División Palermo. "Quiero agradecerle al Incaa, que nos dio el impulso a través de un concurso en el que presentamos un video de dos minutos para vender la serie. División Palermo sin el Incaa jamás hubiera llegado a Netflix. Y en estos tiempos raros que nos tocan vivir, reírse un poco y pensar las cosas con humor me parece más importante que nunca", dijo al momento de retirar su estatuilla. View this post on Instagram A post shared by Premios PLATINO (@premios_platino)En cine, Dolores Fonzi fue distinguida por su protagónico en su opera prima Blondi. La actriz, que se encontraba acompañada por su pareja, el director, Santiago Mitre, tampoco pudo obviar la crisis que atraviesa el Incaa, aunque tocó el tema de una manera más indirecta: "Aguante el cine argentino. No nos van a parar, no hay que rendirse nunca", dijo tras dar los agradecimientos correspondientes. View this post on Instagram A post shared by Premios PLATINO (@premios_platino)El actor uruguayo Enzo Vogrincic ganó el premio a mejor interpretación masculina en cine por La sociedad de la nieve, película que también se quedó con el Platino del público. Juan Antonio Bayona, su director, subió a recoger su premio, y en medio de su discurso, la base de la estatuilla cayó al piso. "Uy, se desarmó... Qué curiosa esta ceremonia, es un poquito... Yo creo que hay un asesor de Javier Milei a cargo del grupo electrógeno, por favor ya retírenlo de la sala", bromeó en referencia a los problemas técnicos que provocaron cortes de luz y de sonido en tres momentos de la conferencia de prensa.

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Sony presenta los televisores Bravia 7, 8 y 9, junto con los altavoces Bravia Theatre, para llevar el cine al hogar

Sony ha presentado sus nuevos televisores Bravia, con los modelos 7, 8 y 9, destacando este último por su tecnología Mini LED y su capacidad para ofrecer una gran luminosidad de imagen, negros profundos, contraste superior y colores naturales, todo ello junto con sus nuevos productos de audio para el hogar Bravia Theatre, para llevar la experiencia sonora del cine al hogar.Con el aumento de los servicios en streaming, con los que actualmente se puede visualizar prácticamente cualquier contenido cinematográfico desde el hogar, la compañía japonesa ha compartido su intención de renovar la marca Bravia como un conjunto de dispositivos ideados para la visualización de películas y para "enriquecer la mejor experiencia del cine en casa", aunando televisores, barras de sonido y otras tecnologías de audio en casa.En este sentido, Sony ha presentado sus nuevos televisores Bravia 7, 8 y 9, con los que asegura aumentar "aún más" la sensación de realidad de los contenidos cinematográficos y ofrece una mejor calidad de imagen y sonido en el hogar, para visualizar contenidos "tal y como los concibió el cineasta".Tal y como ha detallado la tecnológica en un comunicado, como denominador común todos los nuevos televisores van equipados con el procesador XR de Sony, que cuenta con un sistema de reconocimiento de escena capaz de detectar y analizar los datos con "gran precisión". De esta forma, consigue optimizar las imágenes con el "máximo realismo posible". En concreto, la compañía ha subrayado los nuevos modelos de televisores Bravia 9, con un panel QLED Mini LED, resolución 4K Ultra HD y versiones en 75 y 85 pulgadas.Esta serie destaca por su tecnología de gran iluminación máxima, entre otras cosas, gracias a su tecnología Mini LED. Así, ofrece el mayor brillo posible en estos televisores, junto con un preciso control de la retroiluminación, con lo que garantiza que todas las zonas de la pantalla estén correctamente iluminadas y, por tanto, permite descubrir "incluso los más pequeños detalles" en cada escena. De hecho, la compañía ha señalado que en estos televisores han logrado hasta aproximadamente un 50 por ciento más de brillo que con el modelo X95L de 2023.Siguiendo esta línea, los televisores Bravia 9, incluyen la tecnología Backlight Master Drive. Se trata de un sistema que, según ha explicado Sony, utiliza un algoritmo de atenuación local único. Con ello, se logra controlar con precisión los miles de LEDs que componen el panel del televisor para ofrecer un contraste auténtico y, de esta forma, preservar el detalle de las sombras en las escenas oscuras y complejas. Esta tecnología también está presente en la serie Bravia 7.Continuando con los modelos Bravia 9, también disponen de las tecnologías X-Anti Reflection y X-Wide Angle. Con la primera, el televisor muestra imágenes más nítidas y con menos reflejos y destellos, de manera que se evitan molestias provocadas por el sol o la iluminación de una lámpara. Por su parte, X-Wide Angle, mantiene el aspecto de las imágenes en pantalla igual de natural tanto si se visualizan desde los lados como en el centro.En cuanto a la calidad de sonido, los televisores Bravia 9 integran la función Acoustic Multi-Audio+. Con esta tecnología, tal y como lo ha subrayado la compañía, se han convertido en los primeros televisores "del mundo" con altavoz 'tweeter' de haz superior y otro de marco en los laterales, lo que garantiza un sonido envolvente de cine.Qué tienen los Bravia 7 Y 8En cuanto a los televisores Bravia 7 y 8, Sony ha presentado la serie Bravia 8 con tecnología OLED en las versiones de 55 y 77 pulgadas. Por su parte, la serie Bravia 7 QLED, también dispone de un panel Mini LED y se ha lanzado en las versiones de 55, 75 y 85 pulgadas.Asimismo, en lo relacionado con la reproducción del contenido en streaming, todos los nuevos modelos cuentan con el modo Studio Calibrated. Además del modo calibrado de Netflix y de Sony Pictures Core, los televisores podrán utilizar el modo calibrado de Prime Video, una opción disponible desde la plataforma Amazon con la que el contenido se reproducirá con la calibración concreta que los creadores habían concebido.Con ello, Sony pretende que los usuarios puedan lograr una experiencia de visualización "a través de la visión del creador de cada serie y película". Además de todo ello, los televisores Bravia son compatibles tanto con las certificaciones de Dolby Vision como de Dolby Atmos.Igualmente, los nuevos televisores también disponen de la tecnología Voice Zoom 3 de Sony, que reconoce los diálogos de las escenas a través de algoritmos de Inteligencia Artificial (IA) y amplifica o reduce el volumen de forma automática para que todas las conversaciones suenen en el tono adecuado.Sonido cinematográfico con Bravia TheatreAdemás de sus nuevos televisores, Sony también ha presentado su nueva línea de productos de audio en casa Bravia Theatre, con la que trata de ofrecer el mismo audio inmersivo de las salas de cine en los hogares.Así, Sony ha presentado Bravia Theatre U, un nuevo altavoz estilo 'neckband' -que se coloca alrededor del cuello-, que proporciona un sonido inmersivo personal. Como ha explicado la compañía, permite experimentar un gran volumen sin tener que estar pendiente de las personas a tu alrededor. Es decir, cada espectador puede disfrutar de un sonido "nítido y envolvente" con la libertad de ajustar el volumen al nivel deseado.Por otra parte, la firma japonesa ha lanzado las nuevas barras de sonido Bravia Theatre Bar 8 y 9, además de Theatre Quad, un sistema de cuatro altavoces planos colocados en formato vertical.Igualmente, la compañía ha destacado que, los nuevos lanzamientos Bravia Theatre Bar 8 y 9, son capaces de crear un sonido envolvente en todo el espacio gracias a la tecnología 360 Spatial Sound Mapping. Este sistema permite crear múltiples altavoces virtuales en zonas en las que no hay altavoces físicos, como, por ejemplo, en el techo. De esta forma, se genera un sonido con un amplio campo sonoro que rodea al espectador desde todas las direcciones, sin necesidad de disponer de más altavoces.Siguiendo esta línea, con la tecnología Campo sonoro optimizado, los productos Bravia Theatre ajustan y afinan de forma automática cada altavoz en función de la distribución de la habitación.Igualmente, el sistema de sincronización de centro acústico integra el sistema de audio, como una barra de sonido Bravia Theatre Bar, con el televisor. De esta forma el sonido coincide exactamente con la acción de la pantalla.Con todo ello, los ajustes para la tecnología Voice Zoom 3, la sincronización de centro acústico, los productos de audio Bravia Theatre y otras funciones de los televisores pueden controlarse desde la aplicación Bravia Connect (anteriormente aplicación Home Entertainment Connect) sin mostrar la barra de menú en la pantalla del televisor mientras se está viendo una película.Los usuarios ya pueden reservar estos nuevos televisores de Sony en Europa desde 2999 euros en el caso del modelo Bravia 7, desde 2.699 euros (Bravia 8)y desde 4.599 euros para la versión más avanzada, Bravia 9.Por su parte, la Bravia Theatre Bar 9 también se puede reservar por 1.399 euros, el modelo Bravia Theatre Bar 8 por 999 euros. Igualmente el altavoz Bravia Theatre Quad se podrá comprar por 2.700 euros y el altavoz portátil Bravia Theatre U (299 euros).

El desesperado pedido del director de cine Mariano Cohn: "Que los médicos que hicieron eso a mi hermano hablen"

El cineasta declaró en el juicio contra ocho profesionales del hospital municipal de San Isidro por la muerte de Alejandro Cohn.También lo hizo su padre, que relató la secuencia en la que le comunicaron que su hijo tenía muerte cerebral.

Eleanor Coppola: la mujer que captó las imágenes del cine en guerra

La esposa de Francis Ford Coppola inmortalizó en un libro y en un documental la filmación caótica de Apocalypse Now.Diario de una filmación es un diario íntimo único sobre uno de los rodajes más costosos y complejos de la historia del cine.

La distópica 'Civil war' y la terrorífica 'Abigail', al asalto de la cartelera de cine

Bafici: el festival de cine independiente de Buenos Aires inauguró su cuarto de siglo en medio de los reclamos de representantes de la cultura

Al tiempo en que en el hall central del Teatro General San Martín se daba por inaugurada este miércoles por la noche la 25a.edición del Festival internacional de cine independiente de Buenos Aires (Bafici), sobre la vereda de la avenida Corrientes a la altura de las puertas de entrada se llevaba a cabo una protesta en defensa de la cultura nacional y el Instituto nacional de cine y artes visuales (Incaa), en el marco del proceso de reestructuración a cargo de su nuevo presidente, Carlos Pirovano. Tras el reclamo que llevaron a cabo los representantes del sindicato de trabajadores del estado frente al edificio del Incaa por la tarde, el nuevo escenario de los reclamos buscaron darle mayor visibilidad a la problemática que afecta al sector.Con panfletos pegados en las puertas del teatro en los que se leían las consignas "despidos + fin del fomento=censura"; "fuera Pirovano del Incaa" y "+ cine, + cultura, + ciencia, + educación", y al grito de "el Incaa no se vende" los integrantes de la asociación Unidos por la cultura compartían el espacio con los espectadores que hacían fila para ingresar a la sala Martín Coronado para ver una función de la obra Cyrano y los invitados a la ceremonia de apertura de la muestra cinematográfica. Entre ellos estuvo la actriz Mirta Busnelli quién se unió a los reclamos tanto fuera como dentro de la sala municipal. Intramuros, la intérprete leyó un texto en defensa de la industria audiovisual cine como representante del equipo de la película School privada Alfonsina Storni, de Lucía Seles, film elegido para abrir el festival. Antes, Gabriela Ricardes, actual ministra de cultura de la ciudad, y Javier Porta Fouz, director del festival, habían destacado la continuidad del Bafici y el hecho de haber podido organizarlo en su habitual fecha del mes de abril."El recientemente designado presidente del Incaa, Carlos Pirovano, ha demostrado total desprecio por el sector. La entidad se encuentra en una parálisis casi terminal que solo redunda en el despido de trabajadores, en el aniquilamiento de los mecanismos de recaudación y en la desaparición del fondo de fomento", leyó la actriz, un texto que completaron otros miembros del equipo. "Estas acciones se sostienen con campañas comunicativas que falseando la historia, cimientan la ignorancia e impulsan el resentimiento social. Las razones para movilizarse en contra de quienes fomentan la cultura del agravio están a la vista pero no son las razones las que resisten son los cuerpos, somos nosotros y nosotras, cuidemos el Bafici, cuidemos el festival de Mar del Plata, cuidemos la Enerc, cuidemos muestras instituciones, cuidemos el Incaa, cuidemos nuestro cine. Esto es una convocatoria a la resistencia y a la organización activa", concluyeron los integrantes de la producción elegida para dar comienzo a los diez días en los que la ciudad de Buenos Aires aloja al cine más innovador que se realiza en todo el mundo, una celebración del arte audiovisual que este año comenzó bajo el signo de los reclamos que probablemente la acompañen hasta el final.

"Abigail": slasher y cine de vampiros

La dupla construye un relato de encierro y pavor creciente, aunque en un primer momento la cosa parezca ir por un lado mucho más realista.

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El undécimo álbum de la artista estadounidense disecciona sus seis años de relación junto al actor británico Joe Alwyn. La artífice de 'The Eras Tour' alegó que nunca había necesitado tanto a la música como en su nuevo disco, que incluye una mención a la musa de las 'flappers'

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Rin Tin Tin, el pastor alemán que se convirtió en una estrella de cine en la década de 1920

Puede que el nombre Rin Tin Tin te sea familiar; su origen se remonta a la primera mitad del siglo XX, en pleno contexto de la Primera Guerra Mundial. Por aquellos años, los perros se utilizaban en diversas campañas con el fin de servir de guías para los soldados y hasta para ubicar heridos en medio del campo de batalla. Durante la ocupación de Alemania en Francia nació este can de raza pastor alemán que sobrevivió a un bombardeo sobre la comuna de Fleury, en Lorena. Gracias al rescate por parte de un militar del ejército estadounidense, su vida cambió por completo y, en 1922, inició su carrera cinematográfica en los estudios de Hollywood que lo llevó a tener su propia estrella de la fama.El oficial Lee Duncan, que se había enlistado en el ejército en 1917 para hacerle frente al avance alemán sobre el país galo, halló, durante un procedimiento rutinario en suelo enemigo devastado, un criadero de pastores alemanes, en el que solo una madre y sus cinco cachorros, de cinco días de nacimiento, habían sobrevivido a las explosiones.El 15 de septiembre de 1918, ante la pena por el estado de estos animales, el conjunto estadounidense se repartió los perros a su cuidado y Duncan adoptó a dos hermanos, uno macho y otra hembra, los cuales bautizó: Rin Tin Tin y Nannette. Desde ese instante, la fidelidad de los tres se volvió inquebrantable, y tras una serie de papeleos, el oficial logró llevarse a sus mascotas a los Estados Unidos.Lamentablemente, Nannette no sobrevivió al traslado, pero su hermano sí. Con el paso de los años, Duncan notó que su perro tenía una alta capacidad de aprendizaje, algo que resultó nuevo para él y para la comunidad norteamericana, ya que esa raza era desconocida. Debido a ello y gracias a diferentes entrenamientos, hizo participar a "Rinty" en diferentes competencias.Al notar que obtenía éxito en cada una de sus pruebas, lo presentó en diferentes audiciones en Hollywood, con el fin de que interpretara algún papel B. Así fue que en 1922 dio su primer paso hacia el cine con The Man From Hell's River, una historia del género western en la que interpretó a un lobo.El éxito fue arrollador y el público, tanto adulto como infantil, se enamoró de inmediato del pastor alemán; incluso, salvó a la compañía Warner Bros de la bancarrota. En los años venideros, se lo consideró para trabajar junto a humanos debido a su agilidad, inteligencia y disciplina.Cabe destacar que por ese entonces, todas las películas eran mudas, por lo que sus ladridos no llegaron a conocerse. El animal murió a los 13 años de edad, en 1932. No obstante, estuvo presente en varias producciones rememoradas de la Academia, como: My Dad (1922); The Lighthouse by the Sea (1923); Where the North Begins (1924); Hills of Kentucky (1927); The Lone Defender (1930); On the Border (1930); The Man Hunter (1930); Rough Waters (1930) y The Lightning Warrior (1931).Además, llegó a trabajar con grandes actores, como Lilian Gish y June Marlowe, y hasta consiguió una estrella en el camino de la fama de Hollywood. Su salario llegó a superar los 1.000 dólares por semana, a diferencia de sus compañeros que cobraban mucho menos.En la actualidad, los restos de Rin Tin Tin descansan en el primer cementerio de mascotas que se edificó en París, Francia, Chiens et Autres Animaux Domestiques. Para Lee Duncan fue imprescindible que estuviera en el país que lo vio nacer.Lo cierto es que el personaje caló alto en la sociedad estadounidense, al punto tal que, en la década de 1950, se estrenó la serie Las aventuras de Rin Tin Tin, que relataba la vida de Rusty, un niño huérfano, quien creció junto a su perro bajo el cuidado de un grupo de soldados en una caballería de los Estados Unidos. En ella se utilizaron otros perros, muchos de los cuales fueron entrenados por Duncan, quien se dedicó a este rubro hasta su muerte, en 1960. En la actualidad, aún se puede hallar la tira animada homónima y hasta películas en honor al pastor alemán.

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La cartagenera interpretó a Patricia Teherán en la serie de televisión 'Las hermanitas Calle' en 2015, recibiendo numerosos elogios, además de consolidar su carrera como una de las actrices más destacadas del país

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Acompañados del actor Luis Brandoni y el cineasta Gastón Duprat, los familiares de Alejandro Cohn se hicieron presentes en el inicio del juicio oral contra los médicos acusados de mala praxis

Quién es Natalie Viscuso, la ejecutiva ligada a la industria del cine que espera un bebé de Henry Cavill

Henry Cavill sorprendió al mundo entero al revelar que está a punto de interpretar el papel más importante de su vida, el de papá junto a su pareja sentimental, Natalie Viscuso.El protagonista de Superman y su novia están esperando a su primer hijo juntos, tal y como se puede apreciar en las fotos y videos que se dieron a conocer en las redes sociales, en las que se puede ver a Natalie presumiendo su avanzado embarazo.En las imágenes, que ya se volvieron virales, se puede ver a la pareja saliendo de lo que parece ser un hotel tomados de la mano y, mientras caminan hacia una camioneta que ya los esperaba, ella revela su ya abultado vientre.Hasta el momento se desconocen todos los detalles al respecto del primogénito de Cavill; sin embargo, las fotos dejan entrever que Natalie se encontraría en el segundo trimestre de gestación.La noticia dejó asombrados a los usuarios y sobre todo a las fans de Cavill, quienes no tardaron en reaccionar a la próxima paternidad del actor con ingeniosos comentarios: "¿Cómo así que Henry Cavill va a ser papá y no es conmigo?"; "Déjenme sola, Henry Cavill va a ser papá"; "Dios tiene a sus favoritas"; "Henry Cavill va a ser papá y yo no estoy embarazada" y "No nos puedes hacer esto Henry Cavill".¿Quién es Natalie Viscuso?Si bien el británico mantiene su vida sentimental en privado, para nadie era un secreto que mantenía una relación, desde algunos años, con una guapa rubia; y es que en redes sociales suele compartir algunos de los momentos que pasan juntos, además de que hicieron algunas apariciones en eventos sociales y alfombras rojas.La afortunada, Natalie Viscuso, se desempeña como ejecutiva vinculada con la industria del cine y la televisión y actualmente es la vicepresidenta de la compañía Vertigo Entertainment.Estudió en la Universidad de California del Sur y es hija de un millonario promotor inmobiliario. Fue en abril de 2021 cuando el diario británico, Daily Mail destapó la relación al publicar una fotografía de ambos paseando por las calles y un día más tarde el propio Cavill oficializó el noviazgo al compartir una imagen de ambos, jugando ajedrez, en su perfil de Instagram.

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"¿Mi cine?: una invitación a ser centinelas contra la violencia"

Polifacética -autora, actriz y directora-, es la nueva cara del cine italiano: con la mirada fija en las prepotencias "normalizadas" contra las mujeres, "en las humillaciones, los gestos y las palabras", la realizadora alienta a combatir la violencia, "hombres y mujeres, juntos y de la mano". De visita en Buenos Aires, presentó C'e' ancora domani (Siempre habrá un mañana), su último film, un himno a la libertad con la "commedia all'italiana" como telón de fondo. Leer más

Día Internacional del Beso: los diez momentos más ardientes del cine

El Día Internacional del Beso se celebra cada 13 de abril, en honor a este acto de cariño y su significado en el mundo. La fecha se inspiró en el beso más largo que ha sido registrado en la historia, que obtuvo un Récord Guinness por su duración.El beso más largo del mundoEn 2011, se llevó a cabo un concurso para conmemorar el Día de San Valentín en Pattaya, una ciudad de Tailandia. Nueve parejas disputaron esta competencia durante horas y sin ninguna interrupción. Los ganadores fueron Ekkachi y Laksana Tiranarat, un guardia de seguridad y su esposa. La pareja logró mantener una duración de 46 horas, 24 minutos y 9 segundos, lo que los consagró como autores del beso más largo de la historia.Dos años más tarde, extendieron su marca a 58 horas, 35 minutos y 58 segundos. Gracias a este hito, ingresaron en el libro Guinness de los récords.Para celebrar el Día Mundial del Beso, algunos de los más populares de la historia del cine.La dama y el vagabundoEsta película de Disney posee una de las escenas más tiernas y recordadas por el público. Se trata de un beso accidental, que se da de manera fortuita entre los protagonistas, al comer un plato de pastas en una cena romántica.TitanicEsta película cuenta con muchas escenas de besos, pero hay uno que quedó en la memoria de todos los espectadores. Este se da cuando Jack y Rose se encuentran en la cubierta del barco y observan el atardecer desde la proa.Star Wars Episodio V: El Imperio ContraatacaHarrison Ford y Carrie Fisher, protagonizan uno de los besos más recordados de la saga. Se trata de los personajes de Han Solo y la Princesa Leia, que demuestran su amor en una sala de máquinas cuando C-3PO los interrumpe.Secreto de la montañaJake Gyllenhaal y Heath Ledger protagonizan este largometraje que trata sobre un romance secreto entre los vaqueros. Uno de los besos más recordados se da cuando los personajes se reencuentran luego de años sin verse.El planeta de los simiosLa película de 1968 cuenta con una peculiar escena, en la cual el personaje interpretado por Charlton Heston besa a una simia tras decir: "Doctora, me gustaría darle un beso de despedida".Ghost: la sombra del amorEste largometraje cuenta con varias escenas apasionadas. Sin dudas, una de las más recordadas es cuando los personajes de Demi Moore y Patrick Swayze se besan mientras trabajan con un torno de cerámica.Ghost, escena de sexo - Fuente: YouTubeEl PadrinoEsta película demuestra que no todo beso es romántico. Este clásico del cine muestra a Al Pacino como un mafioso llamado Michael Corleone, besar repentinamente a su hermano Fredo y decirle al oído: "Sé que fuiste tú Fredo, me destrozaste el corazón." Se trata de una despedida o también llamado beso de la muerte.LightyearCuenta la historia de Buzz Lightyear y sus aventuras por sobrevivir a los ataques de Zurg. Se trata de la primera escena de Disney y Pixar, en presentar a dos mujeres como pareja que se besan.Lightyear, la nueva película de Disney Pixar se estrena entre la polémicaSpider ManEs una de las escenas más románticas de la historia de las películas de superhéroes. Tobey Maguire y Kirsten Dunst protagonizan un apasionado beso bajo la lluvia, luego de que Spider Man salvara a Mary Jane de un ataque.AladdínEn 1992 estrenó este largometraje con el doblaje del recordado Robin Williams. El protagonista lleva a Jazmín a pasear y al volver al palacio, gracias a un empujón de su alfombra mágica, Aladdin alcanza besar a la princesa, lo que da inicio a su amor.

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Una de las casas más emblemáticas del cine argentino estaría en venta y los fans enloquecieron

Una de las casas más emblemáticas del cine argentino estaría a la venta. Así lo comunicó en sus redes un usuario, fan del largometraje que está en el corazón de todos. Se trataría de la propiedad de Nora y Antonio, de Esperando la Carroza, la cual está en Versalles, Buenos Aires, y posee un valor cultural mucho más allá del que representa en calidad monetaria. Lo cierto es que, al tomar conciencia de esta noticia, decenas de usuarios reaccionaron con nostalgia y hasta incentivaron a una compra colectiva para protegerla del paso del tiempo (aunque, por lo que se ve, se mantiene en perfecto estado)."¿Sabían que está a la venta la casa de Nora y Antonio?", preguntó a sus seguidores el usuario Lucas Sulpizi, a la vez que indicó: "¿Y ahora qué hacemos? ¿Qué hacemos? No podemos disfrutar de esta paz". Junto a ello, subió un video en el que sumó imágenes de la locación en comparativa con la escena en la que los personajes, interpretados por Luis Brandoni y Betiana Blum, salen de allí en dirección a la casa de Elvira (China Zorrilla)."Muchos daríamos nuestro reino por esa casa (...) 340.000 dólares. ¿Juntamos entre todos?", manifestó el usuario. En tanto, la propiedad consta de cuatro habitaciones, tres baños, cochera para dos autos y posee 40 años de antigüedad.Además, el jardín, del que Nora hace referencia durante una de las escenas en la que le habla a Susana y a Jorge, al parecer "no es lo que se pintó" en la película y por este motivo se desató una ola de decepción entre los usuarios. "Una gran falluta"; "No es un jardín, es un patio. Hemos sido engañados"; "No se ve muy inspirador" y "Son unos mentirosos, no se los voy a permitir", fueron algunos de los comentarios que dejaron los fanáticos, apoyándose en frases emblemáticas de la película. Aseguran que venderían la casa de Esperando la CarrozaAcerca de la venta de la casa, que guarda tanto cariño por el público, al igual que la propiedad de Elvira y Sergio -que se convirtió en otro punto de referencia para los fans-, muchos de ellos expresaron: "¡Qué tragedia! ¿Por qué hacen eso? "; "Esa casa es soñada" y "¡Qué miseria!". De esta manera, a pocos minutos de ser posteado el video, cosechó más de 132.000 reproducciones y 300 comentarios.La película que dirigió Alejandro Doria hace 30 años pasó a la inmortalidad y hasta el día de hoy gran parte de sus frases icónicas fueron adaptadas al diccionario popular argentino. Incluso, escenas humorísticas pasaron a ser memes y otras se tomaron como referencias de época. Lo cierto es que la sátira de la realidad del país a mediados de los 80 supo representar a la perfección la identidad de la clase media, desde sus miserias hasta sus dolores y envidias.Así está la casa de Elvira y Sergio en la actualidadSegún reveló a LA NACION Susana, una vecina del barrio de Versalles que vive frente a la casa donde se filmó Esperando la Carroza, la casa de Elvira y Jorge sufrió cambios en su fachada. "La arreglaron toda. Está muy bien pintada y hasta le pusieron un mármol que recuerda la película", señaló. Hace tres años un grupo de fanáticos emprendió una campaña para restaurarla, ya que estaba venida a menos. Hoy el frente está de un blanco impecable, con una guarda verde y naranja; el paredón del frente, aquel celeste intenso de 1985, es blanco.A pesar de que no se diera a conocer el propietario actual de ella, el aspecto actual es muy similar al de la película, solo que se le cambiaron los colores y se refaccionaron aquellas cosas que el tiempo dañó. Con un jardín más arbolado y sin tanto bullicio por el funeral fallido de mamá Cora, sus cimientos permanecen a la espera del siguiente fan que desee tomarse una foto allí.

Qué es el triángulo estéreo y cómo influye en la manera en que ves cine en casa

La calidad del sonido en un sistema estéreo depende, en primera instancia, de la calidad de los altavoces y, en segunda, del uso que se haga de ellos y, por tanto, de su colocación en un espacio determinado. Su correcta disposición puede marcar la diferencia entre una experiencia auditiva promedio y una excepcional.Por ello, los expertos de Teufel, empresa berlinesa de sonido con más de 40 años de experiencia, han elaborado una guía con consejos prácticos y consideraciones para la colocación óptima de altavoces en diferentes configuraciones, desde sistemas estéreo básicos hasta sistemas de cine en casa avanzados con tecnología Dolby Atmos."La colocación adecuada de los altavoces es esencial para aprovechar al máximo cualquier sistema de sonido. Adaptándose a las dimensiones y características acústicas de cada hogar, se puede crear una experiencia auditiva envolvente y cautivadora para disfrutar de las películas, música y juegos favoritos como nunca antes", afirman los especialistas.El sistema básico: el triángulo estéreoEn un sistema estéreo básico, donde sólo hay dos altavoces principales, es fundamental crear un "triángulo estéreo" entre los altavoces y la zona de escucha. Esto es aplicable a todas las configuraciones multicanal con altavoces frontales.Consiste en que los dos altavoces directos principales y la posición del oyente formen un triángulo equilátero o isósceles, con los altavoces ligeramente inclinados hacia adentro a unos 60 grados. El área donde se superponen las líneas de visión entre los altavoces es conocida como el "punto dulce", donde se obtiene la mejor calidad de sonido.A este tipo de sistemas de sonido se le puede añadir un 'subwoofer', un elemento independiente a la configuración de altavoces que se elija, ya que las bajas frecuencias que emite son levemente captadas por nuestro oído. De todos modos, se ha de procurar que los graves se propaguen por la sala de manera adecuada. Por ello, es muy importante que el dispositivo no esté cubierto por armarios u otros muebles."Cuando los sonidos rebotan repetidamente pueden llegar a distorsionarse, creando lo que se llama 'modos de sala', que afectan negativamente a la calidad auditiva. Por este motivo es recomendable ubicar nuestro subwoofer centrado o en una posición ligeramente desplazada entre los altavoces principales y disfrutar así de un sonido más claro y balanceado.Configuración para el "cine en casa"En un sistema de cine en casa 5.1 que conste de seis altavoces (dos frontales, un central, dos traseros y un subwoofer), se deben seguir pautas específicas para garantizar una experiencia de sonido envolvente óptima: los altavoces frontales, que reproducen la música y efectos de sonido, deben colocarse a la misma distancia creando un triángulo con el punto de escucha. Lo ideal sería uno a cada lado de la pantalla, para potenciar aún más la experiencia auditiva, tanto con un sistema 5.1 como 7.1.En cuanto al altavoz central, lo mejor sería colocarlo en la parte inferior de la pantalla, para una reproducción precisa de los diálogos. Los graves proceden del 'subwoofer' y los altavoces traseros se sitúan detrás del área de escucha para crear un efecto envolvente inmersivo.Para completar la experiencia de sonido de cine en tu salón, existen altavoces traseros llamados dipolos, que llevan integrados en la base un tornillo para sujetar el soporte de pared, por lo que son mucho más prácticos y cómodos a la hora de instalarlos."Puedes girarlos en un ángulo de 45 grados, de manera que un lado emita sonido hacia la pared trasera y el otro hacia la pared lateral, siempre con al menos 10 centímetros de distancia entre sí, para crear un efecto sonoro envolvente perfecto. La distancia entre los altavoces traseros y la posición de escucha debe ser de al menos un metro", detallan los expertos de Teufel.El sistema perfecto para habitaciones ampliasPor su parte, los especialistas recomiendan sistemas más avanzados, como el 7.1, para salas que superen los 30m2. En estos casos, la ubicación de los dispositivos se vuelve aún más crucial, ya que traen consigo altavoces adicionales para una mayor inmersión. Además de los altavoces frontales, centrales y traseros, se incorporan dos altavoces adicionales detrás del área de escucha para una experiencia sonora aún más envolvente.Lo ideal es montar los dipolos a un lado de la posición del oyente, a una altura de 1,40 a 2,10 metros, de manera que irradian sonido hacia delante y hacia atrás, nunca directamente hacia la posición de escucha. Se debe prestar atención a la alineación y distancia de estos altavoces para lograr una simetría sonora.Teufel recomienda algunos de sus altavoces traseros, como sus altavoces EFFEKT 2, para la pared lateral junto al asiento del oyente, que seguirían las mismas instrucciones de colocación detalladas. También existe la posibilidad de configurar el sistema de sonido con cuatro altavoces de proyección directa en la zona trasera, en la misma disposición mencionada anteriormente.Dolby Atmos: un paso más allá del sonido envolventeEl sistema Dolby Atmos introduce una dimensión vertical al sonido envolvente, utilizando altavoces superiores para crear una experiencia auditiva tridimensional. En un Dolby Atmos, los altavoces superiores se instalan idealmente encima de los altavoces frontales para ofrecer un sonido que se mueve tanto horizontal como verticalmente alrededor del oyente.En este sistema el número de altavoces necesarios para lograr un sonido Atmos varía de 8 a 32 dispositivos, los cuales se pueden controlar de forma flexible. Es importante tener en cuenta que se requieren al menos dos altavoces superiores, aunque lo ideal serían cuatro. Es posible obtener la experiencia completa de sonido Dolby Atmos a través de altavoces como los Teufel Reflekt, que incorporan esta tecnología a un sistema de cine y amplían sus prestaciones añadiendo un sonido 3D que también viene desde arriba.

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La historia de Esperando la carroza, la obra de teatro que ganó popularidad gracias a su "fracaso" en cine y ahora llega a calle Corrientes

El próximo fin de semana debuta Esperando la carroza en el porteño Teatro Broadway. No serán pocos los espectadores que imaginarán, a priori, una adaptación del film dirigido por Alejandro Doria, que estrenó el 6 de mayo de 1985. Sin embargo, la historia, rubricada por la pluma de Jacobo Langsner, nació originalmente como pieza teatral en 1962 y su derrotero -con varios elencos en su haber- no estuvo exento de críticas impiadosas, fracasos de boletería estruendosos y decenas de anécdotas. Esperando la carroza no nació para pasar inadvertida, aún cuando todo hacía pensar en lo contrario.Ahora, el experimentado director Ciro Zorzoli es el responsable de conducir los destinos de la nueva puesta en escena, que contará con los protagónicos de Campi, Paola Barrientos, Pablo Rago, Ana Katz, Sebastián Presta, Valeria Lois y Mariano Torre.A casi 40 años de proyectarse por primera vez, la famosa película -hoy un material de culto- resuena en el inconsciente colectivo gracias a frases memorables como "tres empanadas", "una pobreza digna", "¡Qué país!", "Ahí lo tenés al pelotudo" o "yo hago puchero, ella hace puchero, yo hago ravioles, ella hace ravioles", entre tantas otras que conforman un relato hilarante, de un humor mordaz que tensiona la identidad rioplatense y que esconde una enorme tragedia. El film, si bien se sostiene en lo escrito por Langsner, también le imprimió un rictus propio a la idea.¿Hace falta recordar el argumento? Todo comienza con una "accidente" doméstico y la decisión de la matriarca de la familia Musicardi de ausentarse momentáneamente para aliviar el día de uno de sus hijos y su nuera, con quienes convive en un ambiente de pobreza. La falta de información sobre el paradero de Mamá Cora, tal el nombre de la "abuela", desata una bataola familiar donde hijos, nueras y yernos exhiben las peores miserias y una catarata de reproches, hipocresías y esos "trapitos al sol" que alguna vez iban a germinar a la vista de todos.El éxito que nació del fracasoJacobo Langsner fue un prolífico dramaturgo nacido en 1927 en Rumania, pero que vivió desde niño en Uruguay, su otra patria. Se inició en el teatro independiente de Montevideo, trabajando con los entonces ignotos Concepción "China" Zorrilla y Juan Manuel Tenuta, entre otras jóvenes "promesas". Los transitados Locos de contento y Una margarita llamada Mercedes son algunos de los materiales que conforman su nutrida producción.El 12 de octubre de 1962, el autor dio a conocer, en el marco de la Comedia Nacional Uruguaya, Esperando la carroza, sin imaginar que la adversidad del debut le depararía, años después, múltiples satisfacciones. Aquella temporada, que se dio en la sala Verdi contó con la dirección de Sergio Otermin y se representó solo durante 27 noches.Luego de aquella primera función de la obra -que significó el debut de Langsner en la Comedia Nacional de su país- la crítica especializada fue implacable con el material que suscribe a la lógica del grotesco, tomando un ideario ya planteado por Armando Discépolo, impulsor del grotesco criollo rioplatense en la primera mitad del siglo pasado.En el diario El Día de Montevideo, la crítica fue impiadosa. "Increíble vulgaridad", "disparate irrespetuoso", "el autor abomina de las familias cristianas uruguayas" fueron algunas de las frases de aquel artículo. Sin embargo un académico, Mario Trajtenberg, fue más allá con su mirada y consideró a la pieza como "una farsa robusta y divertida como hace mucho no se ve".Luego de aquella fallida temporada, donde la incomprensión minó el destino del material, debieron transcurrir varios años hasta que, en 1974, se volviese a montar una versión escénica. La nueva apuesta se dio en el Teatro Circular de Montevideo con la dirección de Jorge Curi.Los tiempos habían cambiado, cierta evolución social hizo que la denuncia mordaz de la obra fuera digerida convirtiéndose en un éxito que estuvo siete años en cartel. Una revancha.Casi en simultáneo, en 1975 se estrenó, por primera vez, en un escenario de Buenos Aires. Con dirección de Villanueva Cosse, la pieza se montó en el Teatro del Centro y contó con las actuaciones de Juan Manuel Tenuta, Adela Gleijer, Arturo Bonín, Susana Kart y Lucrecia Capello, entre otros nombres. Gleijer y Tenuta son los padres de Andrea Tenuta, quien trabajó en la película, justamente haciendo de hija de los personajes interpretados por Juan Manuel Tenuta y de China Zorrilla.Cuatro años después de aquella versión escénica, la obra volvió a presentarse, pero en una puesta a cargo de Rubens Correa. Con todo, para el público masivo de Argentina, el material aún era desconocido.IncunableEn 1973, el texto llegó a la televisión abierta gracias a una iniciativa de Alejandro Romay, quien dio el visto bueno para que se representase dentro del ciclo Alta comedia. Aquella vez, el elenco estauvo integrado por grandes nombres, entre los que figuraban Alberto Argibay, Dora Baret, Alicia Berdaxagar, Raúl Rossi, Lita Soriano, Pepe Soriano, María de los Ángeles Medrano y la maestra de actores de origen austríaco Hedy Crilla, quien personificó a la anciana. China Zorrilla formó parte del elenco protagónico interpretando a Elvira, el mismo personaje que inmortalizaría en la película.Lo interesante de esta apuesta es que significó el primer acercamiento al material de parte del director Alejandro Doria. La presentación del programa estuvo a cargo de Silvio Soldán.En ATC (Argentina Televisora Color), hoy TV Pública, también se pudo ver una versión de la pieza, un incunable que fue dirigido por Antonio Gasalla, quien, al igual que en el film de Doria, interpretó a la anciana Cora. Gabriela Acher, Lidia Catalano, Roberto Carnaghi, Tina Serrano, Salo Pasik y Mónica Villa fueron algunos de sus protagonistas.Años después, y durante varias temporadas, Antonio Gasalla, una de las estrella protagónicas del film de Alejandro Doria, ya sin el nombre de Mamá Cora, le dio vida al personaje en el programa de Susana Giménez.Neorrealismo argentinoIndudablemente, la masividad de Esperando la carroza se dio se dio gracias a la película, convertida hoy en un clásico contemporáneo de nuestro cine e interpretada por Antonio Gasalla, China Zorrilla, Juan Manuel Tenuta, Luis Brandoni, Betiana Blum, Mónica Villa, Julio de Grazia, Andrea Tenuta, Enrique Pinti, Lidia Catalano, Cecilia Rossetto y Darío Grandinetti, cumpliendo con los roles principales.Cuando en 1985 se estrenó el film de Alejandro Doria, con algunas adaptaciones con respecto al libro original realizadas por Jacobo Langsner y el propio Doria, las críticas adversas fueron tan furibundas como aquellas que había recibido su estreno original en la Comedia Nacional Uruguaya.Fundamentalmente, los reparos de la crítica especializada hacían foco en los gritos atronadores de los personajes y en cierta lógica emparentada en el Neorrealismo Italiano o en cierto cine posterior vinculado a la estética de Federico Fellini. En tal caso, todo aquello debería haber funcionado como un elogio ya que, claramente, el material podría contener algunos tópicos de estas corrientes cinematográficas. Sin embargo, en aquel tiempo se leyeron y escucharon barbaridades en torno al film.Con todo, el guion ganó el Premio Argentores y el de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina (Premio Cóndor a la Mejor adaptación).Un rodaje históricoLa filmación de Esperando la carroza se llevó a cabo en el barrio de Versalles, en el Oeste de la ciudad de Buenos Aires. La casa donde transcurren la mayor parte de las escenas está ubicada en Echenagucía al 1200, donde una placa en su frente recuerda el rodaje y donde cada día suelen acercarse los fanáticos de la película para tomarse imágenes.Cuando Alejandro Doria pensó en Antonio Gasalla para interpretar a Mamá Cora, se inspiró en un personaje que el cómico ya realizaba en el teatro Maipo, pero su idea no terminaba de conformar a China Zorrilla. "No podés poner a un travesti en una película que habla sobre una familia tradicional de clase media", le había objetado la actriz. Sin embargo, el cineasta no tomó en cuenta el comentario y acertadamente le ofreció el papel al actor.La filmación se llevó a cabo en verano con temperaturas agobiantes, aunque el clima que reinaba entre los actores y técnicos era realmente festivo. Entre escena y escena, solían jugar a las cartas o tomar mate, aunque el director nunca perdía de vista sus objetivos. En una oportunidad, le pidió a China Zorrilla ensayar una escena, sin aclararle que estaría filmándola. Se trató nada menos que del pasaje donde el personaje de Elvira se lamenta con la frase "me cag... el loro", algo nacido azarosamente y que quedó impregnado en el film de manera definitiva. En cambio, otras escenas fueron descartadas por el director.Betiana Blum y Mónica Villa solían encontrarse antes del amanecer en la parada de la línea de colectivos 106 ubicada en la intersección de Córdoba y Pueyrredón, que las dejaba a pocas cuadras del rodaje. En una oportunidad, un hombre le preguntó por un rollo de papeles que Blum llevaba consigo. "Es el libro de una película que estamos rodando", respondió la actriz. Cuando el pasajero le consultó sobre el título, no tuvo mejor respuesta que afirmar "si se llama así, será un fracaso". Un visionario.Luego del estreno, un tanto adverso y con una media de espectadores por debajo de la esperada, el material lejos de quedar "cajoneado" fue tomando vida propia. De a poco, la gente fue "comprando" la historia, empoderándose de los personajes y acuñando una decena de frases memorables que conforman un argot imprescindible dentro de la cinematografía local.En 1987, la película fue exhibida en el ciclo Función privada (ATC), que conducían los críticos Carlos Morelli y Rómulo Berruti. Fue tal la medición de rating que tuvieron que repetirla a las pocas semanas. Sin dudas, fue un gran espaldarazo para el material que, a partir de ahí, se convirtió en una pieza legendaria de la cultura popular. Alguna vez, alguien escribió la comedia Por un fracaso, millonarios. Algo de eso sucedió aquí.Tal es la devoción que generó que hasta logró conformar una legión de seguidores muy bien organizados. El grupo Carroceros es una organización de fanáticos que gira en torno a la película y que dio origen a un documental, con ese mismo mote, dirigido por Denise Urfeig y Mariano Frigerio. View this post on Instagram A post shared by ï¼£ï½?ï½?ï½?ï½?ï½?ï½?ï½?ï½?ï½? (@carroceros_documental)En escenaMás allá de aquellas temporadas de teatro en los años s70, Esperando la carroza contó con otras versiones, algunas de ellas llevadas a cabo por estudiantes de teatro en el circuito independiente.Durante la temporada de verano 2016/17, se pudo ver en el Auditorium de Mar del Plata la realización del material con un elenco mixturado entre actores de Buenos Aires y de la ciudad balnearia, dirigidos por Leonor Manso. Gonzalo Urtizberea, Viviana Saccone, Ingrid Pelicori y Marcelo Mazzarello fueron de la partida junto a figuras locales como Andrés Zurita, Pula Calleja y Flor Demarchi. El papel de la anciana fue interpretado por Hilda Marcó, una notable actriz, leyenda del teatro marplatense. La música original estuvo a cargo del maestro Luis Reales, recientemente fallecido.El Teatro de la Ribera, dependiente del Complejo Teatral de Buenos Aires, ofreció su versión en el año 2000 con dirección de José María Paolantonio y un elenco integrado por Victoria Carreras, Ana María Casó, María José Gabin y Manuel Vicente, entre otros intérpretes.Pocos saben que hubo versiones en la televisión de Portugal (Querida mãe) y en el cine brasileño (A guerra dos Rocha). En nuestro país, un paso en falso fue la realización de la película Esperando la carroza 2, un material menor estrenado en 2009.El próximo 12 de abril, Esperando la carroza volverá a subir a escena, como sucedió aquella noche del 12 de octubre de 1962 en la Comedia Nacional Uruguaya. El director Ciro Zorzoli tiene en sus manos la responsabilidad de ser fiel a un texto brillante y mordaz y hacer despegar a su puesta del instalado inconsciente colectivo en torno al film de Alejandro Doria. Los fanáticos de parabienes, Mamá Cora, Elvira, Sergio, Antonio, Nora, Susana y Jorge volverán a hacer de las suyas.Para agendar: Esperando la carroza en el Teatro Broadway (Av. Corrientes 1155), desde el viernes 12 de abril

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Hermanos, una historia de sangre. El documental con el que Carlos de Elía, un histórico periodista de investigación, debuta en cine

"Cuidá a mi hermano, es el único que tengo", recuerda haberle dicho Mariano Cohn al médico que estaba atendiendo a su hermano y así lo relata en el documental Hermanos, una historia de sangre, dirigido por Carlos de Elía, que estará disponible desde el próximo lunes en la oferta on demand de Flow y que luego se estrenará en la plataforma de streaming Max (el 23 de abril) y se emitirá por la señal TNT el 26, a las 22.Mariano Cohn es responsable, junto a Gastón Duprat, de películas premiadas como El vecino de al lado y Ciudadano ilustre y las series El encargado, Nada y Coppola: el representante, pero también es el hermano mayor de Alejandro, fallecido en 2015 en circunstancias dudosas en el hospital municipal de San Isidro. Y ese es el costado que explora el film al desarrollar su lucha para esclarecer la muerte trágica, prematura y cargada de preguntas de su hermano. Construido a partir del vínculo entre Mariano y Alejandro y la historia familiar retratada desde su infancia por la cámara de video del padre de ambos, ávido camarógrafo amateur como tantos otros que descubrían las bondades del VHS en los años ochenta, el documental incluye pero no se limita a las formas de la investigación periodística.Trailer del documental Hermanos, una historia de sangreEn cambio, aprovecha la familiaridad de los videos caseros para armar una narración que se apoya en los hechos y los testimonios de testigos y profesionales involucrados en el caso- cuyo juicio penal se comenzará el martes 16-, aunque sobre todo en la empatía que genera ver ese pasado feliz de los Cohn en contraste con un presente de tristeza y desolación impulsado por un duelo que no tendría que ser y que, a nueve años de los hechos, sigue sin explicación.La película que repasa lo ocurrido en aquel julio de 2015, pone en cámara a los testigos y a los expertos médicos y judiciales de manera clara y efectiva, un manejo de la historia al que contribuye la larga experiencia de De Elía en el periodismo de investigación y sus años como creador del canal de noticias TN y el director de noticias del Trece, aunque pronto se advierte que el documental intenta ir más allá de la acumulación de pruebas y evidencias que Cohn pasó dos años recopilando y difundiendo luego en los medios. Sin descuidar la exposición de la cronología de los hechos transcurridos en aquellas 48 horas que pasaron entre que Alejandro ingresó en la guardia del hospital Melchor Posse hasta su muerte en el hospital Italiano, el film se enfoca en contar quién era el menor de los Cohn y cómo su ausencia cambió a todos los que lo conocían y especialmente a su hermano mayor."Sentía la obligación de contar la historia", explica De Elía luego de la presentación del documental -escrito junto al periodista Sergio Elguezábal-, con el que se aventuró a debutar como realizador con la dificultad añadida de que su personaje principal es uno de los cineastas más reconocidos de Iberoamérica. Alguien que según el novel director no buscó intervenir en el proceso de realización ni le pidió cambios al ver el film terminado que, cuenta, "le llevó varios días poder ver". Es comprensible, el documental no apela al golpe bajo pero tampoco esquiva detalles sobre las últimas horas de Alejandro. Ahí están también los pasajes que enlazan los éxitos profesionales de Mariano con su incesante lucha por esclarecer qué pasó con su hermano y por encontrar a los responsables de su muerte. El reconocimiento a su trabajo incluso se revela en las voces que participan del documental a través del relato en off: se trata de algunos de los actores más destacados de su filmografía como Antonio Banderas, Guillermo Francella, Luis Brandoni y Oscar Martínez.No hay distancia que separe al Mariano que filma en Europa y gana premios en festivales de cine internacionales de aquel que "comparte" una gaseosa con Alejandro frente a su tumba o ese que recorre el departamento de su hermano todavía armado como si siguiera vivo. "No puedo hablar de él en tiempo pasado", dice hacia el final de la película que no busca dar respuestas sobre el hecho judicial ni clausurar las preguntas sobre lo que sucedió aquella noche de 2015 sino contar con sensibilidad una tragedia tristemente familiar.

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Desde muy joven, Carvallo Rey enfrentó los retos de la educación en el Perú y cambió los paradigmas del mismo con sus propuestas que llegaron a materializarse. Tras fundar Los Reyes Rojos, instauró un nuevo modelo en el que no había espacio para el autoritarismo ni el conservadurismo.

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El gran Gatsby. Una protagonista fugitiva, un guion "homosexualizado" por Capote y el personaje más elegante en la historia del cine

¿Cómo olvidar a ese irresistible Robert Redford llegando tardísimo a su propia fiesta en un exuberante castillo de los años 20? Todos lo estaban esperando, el misterio crecía y de pronto el tipo entraba con sus impecables trajes blancos Ralph Lauren y sus corbatas de seda, y se te cortaba la respiraciónâ?¦ Bello, seductor, increíble, ese era Redford en El gran Gatsby, película dirigida por Jack Clayton sobre la gran novela de Francis Scott Fitzgerald, que se estrenó en Estados Unidos el 29 de marzo de 1974, hace ya medio siglo.Fábula sobre los excesos de la sociedad americana de los años 20, y a la vez una historia de amor que esconde una gran tragedia, la película no tuvo buenas críticas a su estreno aunque con el paso de los años se transformó en un clásico del cine. Pero, además, su factura y su rodaje están llenos de historias interesantes, como una Ali MacGraw abandonando el set y a su marido productor del film para huir con su nuevo novio Steve McQueen; un Truman Capote escribiendo el primer guion y despedido por haberlo hecho "demasiado homosexual"; un Warren Beatty y un Jack Nicholson rechazando impensadamente el rol principal; una Mia Farrow quedando embarazada justo antes de empezar el rodaje, etc., etcâ?¦ Bella y controvertida, así fue El gran Gatsby del 74.De amores y desencuentrosEl director británico Jack Clayton, considerado un especialista en la adaptación al cine de obras literarias, llevaba seis años sin filmar cuando la Paramount le propuso dirigir El gran Gatsby. Los derechos de la novela de Fitzgerald habían sido adquiridos por el productor estrella de la compañía, Robert Evans, que quería regalarle el papel de Daisy Buchanan a su esposa de entonces, Ali MacGraw. Daisy es la niña bonita y caprichosa de alta alcurnia de la que está enamorado Jay Gatsby (Robert Redford en la película). La verdad es que nadie veía a Ali en ese rol pero Evans estaba empecinado así que por allí iba la idea.El primer convocado para hacer la adaptación del guion fue Truman Capote, que trabajó un tiempo en la novela y entregó una versión que horrorizó a Evans: para él, Capote había "homosexualizado" la historia (se basaba en que los personajes de Nick Carraway y Jordan Baker se habían transformado en gays), así que lo despidió sin anestesia y contrató nada menos que a Francis Ford Coppola, quien por aquel entonces estaba en una pequeña pausa entre los primeros dos Padrinos.Pero vinieron más problemas: los dos primeros convocados para el papel protagónico fueron sucesivamente Warren Beatty y Jack Nicholson; ambos lo rechazaron. Así las cosas, con el rodaje detenido por tantos contratiempos, Ali MacGraw aceptó rodar La huida, de Sam Peckinpah, y he aquí que en esa filmación se enamoró perdidamente de su coprotagonista, Steve McQueen, y de un día para el otro se escapó con él y abandonó de un plumazo a su esposo y al proyecto Gatsby.Evans quedó desolado y entre los vapores del alcohol y las drogas (tuvo problemas con las adicciones durante toda su vida) debió salir a buscar urgente otra actriz protagonista. El casting fue muy amplio: Candice Bergen, Cybill Shepherd, Faye Dunaway, Natalie Woodâ?¦ Finalmente, el papel fue para Mia Farrow y su imagen dulce y etérea. Aunque aquí tampoco todo fueron rosas: Mia quedó embarazada cinco minutos después de firmar el contrato, por lo que hubo que implementar cambios en el rodaje, una adaptación del vestuario (que fue fabuloso, y más holgado para disimular la panza) y un esquema muy cuidadoso en las tomas de las cámaras.En cuanto al protagónico masculino, central en el film, descartados Beatty y Nicholson, y tras una conversación infructuosa con De Niro, el productor entró en contacto con Robert Redford, en aquel entonces una estrella en alza (ya había protagonizado las exitosísimas Butch Cassidy y Sundance Kid y El golpe, en dupla con Paul Newman) y además increíblemente guapo. Redford aceptó y Coppola reescribió el guion en tres semanas en una habitación de un hotel de París. Todo empezaba a encarrilarse.El más eleganteEl vestuario de El gran Gatsby pasó a la historia del cine casi como leyenda. De hecho, la película ganó el Oscar al Mejor Vestuario (además del Oscar a la Mejor Banda Sonora, a cargo de Nelson Riddle, y el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto para Karen Black).La diseñadora de vestuario Theoni V. Aldredge logró recrear con enorme talento el alma de la alta burguesía del East Coast americano, la opulencia, las fiestas, el brillo, y también la decadencia escondida tras tanto glamour. Los trajes de Ralph Lauren calzaron justo con el espíritu que quería insuflar Aldredge al personaje de Jay Gatsby: trajes blanco tiza y hasta de color rosado, chalecos de seda en tonos mostazas, corbatas rayadas, zapatos bicolor, jerseys sobre los hombros, boinasâ?¦ Robert Redford interpretó uno de los personajes más elegantes de la historia del cine.Mia Farrow como Daisy Buchanan usa en la película los clásicos vestidos de los años 20, divinos, de largo midi y sueltos en la cintura (más sueltos en su caso para disimular el embarazo), en colores lavandas o plateados, con larguísimos collares de perlas y vinchas o casquetes de abalorios. En su momento, la Farrow fue muy criticada por su "actuación exagerada" pero todo el mundo cayó rendido frente a su look. Está bellísima.Mención aparte merecen las locaciones, con una impecable recreación de lo que fueron esos años locos en el mundo de los aristócratas, multimillonarios y advenedizos que circulaban por esas fiestas privadas fastuosas y también banales. La novela de Fitzgerald está ambientada en Long Island y sus fabulosas mansiones, y la película encontró el escenario ideal en Newport, Rhode Island, sede de palacios de nuevos multimillonarios de comienzos del siglo XX: ahí está la enorme mansión del film donde vive Jay Gatsby y donde se suceden sus fiestas extravagantes. Mia Farrow se alquiló una isla privada cercana para resguardar su intimidad durante el rodaje. La locación también sirvió para el casting: muchos extras masculinos que actuaron en las fiestas fueron reclutados en la Escuela de Guerra Naval de Newport por sus cortes de pelo estilo "años 20â?³.Pero sin duda una de las mejores recreaciones de la película es la del personaje de Jay Gatsby, ese gentleman de mirada irresistible, esa figura inmaculada que posa junto a su Rolls Royce amarillo, la imagen del tipo de clase que en realidad tiene mucho que esconderâ?¦ La perfección visual de la película alrededor del propio Gatsby es notable, pero Redford, además, le imprime a su criatura una fragilidad sentimental que traspasa la pantalla, fruto quizás de su eterna lucha para ser mucho más que el más galán de los galanes de Hollywood o por ese dejo de tristeza en la mirada que no puede evitar y que le viene de las tragedias que sufrió en su vida privada por una serie de muertes irreparables: sus pequeñas hermanas gemelas en la infancia, su madre cuando él tenía sólo 18 años y dos de sus cuatro hijos (Scott, que murió de muerte súbita cuando tenía dos meses, y James, que falleció de cáncer de hígado a los 58 años). No fue tan dorada como en el planeta Gatsby la vida del bello Robert.Y un día llegó LeoLa de Clayton no fue la única adaptación cinematográfica del libro de Francis Scott Fitzgerald. Hubo dos anteriores, apenas recordadas: una primera versión, muda, dirigida por Herbert Brenan, que fue estrenada en 1926 (un año después de la publicación de la novela) y de la que hoy sólo se conserva el tráiler; y la segunda versión, de 1949, dirigida por Elliott Nugent y protagonizada por Alan Ladd. Finalmente, años después de nuestro Gatsby de Clayton, de 1974, llegó la adaptación del director australiano Baz Luhrmann, protagonizada por Leonardo Di Caprio y estrenada en 2013, con todas las luces y la pompa de Hollywood.Antes del estreno, Di Caprio declaró a la prensa que el de Gatsby era uno de los personajes mejor escritos y más atractivos que había leído en su vida: "Nunca antes me había dado cuenta de la gran tragedia que se esconde detrás de esta historia de amor. Un hombre obsesionado con Daisy Buchanan, que es su pasado, a quien necesita poseer para convertirse en ese hombre triunfador, hecho a sí mismo, que siempre soñó ser".La versión de Luhrmann es un despliegue de efectos digitales, con un estilo barroco, casi operístico, muy característico de la estética del director de Moulin Rouge y Romeo y Julieta, y tildado en su momento por algunos críticos como "desmesurado". Aquí también el diseño de producción es una de las estrellas: los trajes son de Brooks Brothers, la histórica sastrería de los Estados Unidos, los vestidos son de Prada y las joyas de Tiffany`s.Más allá de cualquier desmesura, la interpretación de Di Caprio es impactante, de una complejidad que no logró ninguna de las anteriores. No seduce quizás con el glamour que emanaba de Robert Redford, pero lo hace desde una profunda encarnadura. En cualquier caso, ambos se complementan para terminar de dibujar a la magistral criatura de Fitzgerald que, como alguna vez dijo Luhrmann, es "el Hamlet americano".

El cine que inspira a la moda: 'Barbie', 'Dune' y 'Challengers', o cómo hacer una alfombra roja perfecta

Adaptarse a la temática de la película que los actores presentan por todo el mundo tiene una ventaja, aumenta el interés promocional del largometraje. De Zendaya a Margot Robbie, el último año ha sido una delicia para la alta costura que busca su reflejo en la gran pantalla

Legalmente rubia: la fábula sobre lo "imposible" que saltó del cine a las tablas

Autor: Heather Hach. Música y letras: Laurence O'Keefe, Nell Benjamin. Adaptación: Marcelo Caballero, Macarena Del Mastro, Juan Pablo Schapira. Dirección: Ariel Del Mastro, Marcelo Caballero. Intérpretes: Laurita Fernández, Costa, Mario Pasik, Federico Salles, Santiago Ramundo, Ivana Rossi, Georgina Tirotta, Lucien Gilabert, Camila Rosen, Carolina Mainero, Fernanda Provenzano, Martina Scigliano, Nicolás Villalba, Tatiana Luna y Nahuel Adhami. Emiliano Pi Álvarez.Vestuario: Javier Ponzio. Escenografía: Gonzalo Córdoba. Iluminación: Anteo Del Mastro. Dirección coreográfica: Georgina Tirotta. Dirección vocal: Pilar Noseda. Sala: Liceo (Rivadavia 1499). Funciones: miércoles a viernes a las 20: viernes y sábados a las 19 y 22; domingos a las 19. Duración: 100 minutos. Nuestra opinión: muy buena.Basada en la novela de Amanda Brown y en el film que Robert Luketic dirigió en 2001 con la actriz Reese Witherspoon como protagonista, el musical Legalmente rubia llega a Buenos Aires luego de presentarse en Nueva York y Londres. Si bien en la primera plaza teatral pasó algo desapercibida, en Inglaterra, en 2015, obtuvo tres distinciones Laurence Olivier.Antes de convertirse en best seller la narración de Brown tuvo un camino azaroso. Ella escribía relatos que rescataban los acontecimientos que le sucedían mientras estudiaba en Stanford Law School, en donde sus compañeros no la tomaban muy en serio y los compartía con sus amigos más cercanos. Ellos de inmediato la instaron a publicarlos. Varios editores los rechazaron hasta que tomó una decisión que fue determinante. Como escribía en papeles de color rosa, decidió reenviar los escritos impresos de igual manera a las editoriales y esto atrapó a su primer editor.Considerada por algunos como una película de culto, Legalmente rubia tuvo una segunda versión en 2003 y una tercera en 2023. Esta última no pasó por las salas.En 2011, Heather Hach decidió dar forma a un musical y de esa manera logró que la historia continuara dejando algunas señales sumamente significativas, en especial, en el público femenino.La trama muestra a Elle Woods, una joven rubia, que viste siempre de rosa, cuya vida en Los Ángeles transcurre dentro de un medio superficial y anodino, rodeada de unas amigas tan superficiales como ella. Está muy enamorada de Warner, un aristócrata proveniente de una familia que posee cinco generaciones de senadores. Él también quiere dedicarse a la política y llega un momento en el que decide dejar a Elle por considerar que ella no es la persona que necesita a su lado para lograr sus objetivos.Pero como esta "Barbie de Malibu", como se la califica en la película, mejor promedio de la escuela de moda, necesita reconquistar a su hombre, irá a estudiar a la Facultad de Derecho de Harvard, siguiendo los pasos de él.Y eso que parece imposible, se logra. Elle, no sin atravesar algunas contradicciones, consigue que los demás dejen de verla como un estereotipo de jovencita tonta y hasta va más allá a la hora de enfrentar la misoginia y decidir que puede ser ella misma sin detenerse en lo que piensan los demás acerca de su forma de ser.Fidelidad al guionEl libro de Heather Hach sigue fielmente el guion cinematográfico de Kirsten Smith y Karen McCullah. Según la versión que se presenta en el Liceo está más desarrollado el personaje de la peluquera Paulette (amiga y confidente de la protagonista) y sobre el final queda mucho más clara la relación amorosa que van construyendo Elle y su amigo abogado Emmett.Esta experiencia teatral local es muy destacable. La dirección de Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero le imponen muy buen ritmo al trabajo. Las escenas, aunque algunas pequeñas, condensan con rigor las diversas situaciones por las que debe atravesar la joven Elle. Sus rutinas diarias son muy cambiantes y pelear un lugar en un universo que la rechaza la llevan a atravesar diferentes estados anímicos.Laurita Fernández posee el carisma necesario para dar vida a su personaje. Y si a eso le sumamos que encuentra el grado exacto de ingenuidad que esa muchacha necesita para expresarse, la formula cierra perfecta. Además baila bien y aunque su voz es pequeña a la hora de cantar, logra realizar una construcción muy efectiva de Elle.Intensos también son los cuadros donde participa el denominado por la protagonista "coro griego", conformado por Georgina Tirotta (Serena), Camila Rosen (Pilar) y Carolina Mainero (Margot). Un trío magnífico de cantantes y bailarinas, amigas de la protagonista, que la acompañan a lo largo del espectáculo demostrándole su incondicional afecto.Ivanna Rossi se luce notablemente como Brooke, su escena presentación dentro del espectáculo es muy potente. Reconocida actriz, bailarina y cantante sabe aportarle a su personaje de presidiaria que reclama comprensión, una fuerte credibilidad. Costa construye a Paulette con todos los guiños a los que el espectador está acostumbrado a reconocerle. Coloca su mundo en escena y juega y divierte al público.Mario Pasik (el profesor Callahan), Federico Salles (Emmett) y Santiago Ramundo (Warner) dan vida a seres muy opuestos. Sus participaciones son pequeñas pero cada uno encuentra el tono exacto para expresar la conducta de su personaje dentro de ese mundo inquieto que Elle va construyendo.El resto de elenco también demuestra mucha capacidad a la hora de cantar, bailar y participar de algunas situaciones. Y más aún cuando participan de las coreografías de Georgina Tirotta, que realmente poseen fuerza e intensidad.

El libro de las soluciones: Michel Gondry escribe una carta de amor al cine en esta comedia extravagante y onírica

El libro de las soluciones (Le livre des solutions, Francia/2023). Dirección y guion: Michel Gondry. Fotografía: Laurent Brunet. Edición: Élise Fievet. Elenco: Pierre Niney, Blanche Gardin, Françoise Lebrun, Vincent Elbaz, Frankie Wallach y Camille Rutherford. Duración: 102 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años. Nuestra opinión: buena.A Michel Gondry le calza bien el traje del genio incomprendido. Él mismo lo sabe y lo explota en esta película sobre un rodaje inusual, inspirada en una experiencia propia de hace más de una década. En 2012, este director francés que hoy tiene 60 años estaba filmando La espuma de los días, adaptación de una novela de Boris Vian, y los productores de la película lo presionaban para que les explicara qué era exactamente eso que estaban financiando. Lejos de responderles, Gondry se fugó con el material que había filmado para tener el control absoluto del corte final. Y El libro de las soluciones rememora esa particular huida en clave de comedia teñida de absurdo y melancolía.Realizador de videoclips para The Rolling Stones, The White Stripes, Radiohead y Chemical Brothers y dueño de una impronta muy personal en términos de tratamiento visual y puesta en escena, Gondry conjugó su frondosa imaginación con una historia conmovedora en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004), su película más sólida y contundente, de la que se cumplen veinte años de su estreno. Su obra es irregular, pero también atrevida y singular.Esta vez inventó a Marc Becker (Pierre Niney), un avatar autobiográfico que le sirve para agradecerle, con su estilo lúdico y por momentos barroco, a todos los que le siguieron la corriente a lo largo de su carrera en el cine. Los arrebatos creativos del protagonista/álter ego no parecen sintonizar con su entorno, más allá de la infinita tolerancia de sus colaboradores más fieles y allegados y familiares, incluyendo la tía de Gondry, Suzette, a quien está dedicada El libro de las soluciones.Cuando se escapa de las garras de sus productores, el hiperkinético y bipolar cineasta que Pierre Niney interpreta con mucha soltura busca refugio en una casa de campo de su tía Denise (la veterana Françoise Lebrun), una mujer de carácter templado y corazón enorme. Y en ese contexto familiar, rodeado del puñado de gente que confía en él más allá de sus paranoias y extravagancias, Marc libera todas las ideas que aparecen en su mente afiebrada. Las enuncia y las lleva a cabo, un proceso que Gondry refleja con mucha inventiva.Entre las propuestas estrafalarias de este director, cuyos caprichos satirizan justamente el perfil del artista que se cree demiurgo y se comporta como un tirano, aparecen desde una insólita banda sonora para la que contrata a Sting hasta un viejo camión transformado en sala de montaje, con la palanca de cambios, el volante y hasta la bocina utilizados para manipular las imágenes.Haciendo gala de su versatilidad, Gondry incluye vistosas animaciones y exhibe su conocida capacidad de transformar la lógica y los objetos de la vida cotidiana en algo nuevo, como hicieron tantas veces Les Luthiers con sus estrambóticos instrumentos. Aunque es una película que se mueve con la irreverencia de los sueños, él aseguró cuando se estrenó en Europa que "está bastante cerca" de lo que ha vivido dirigiendo cine.

Así luce actualmente la famosa casa de Sara García en CDMX, la querida actriz del Cine de Oro

La llamada 'Abuelita del Cine Mexicano' formó parte de cintas de renombre, a lado de otros colegas como Cantinflas, Jorge Negrete, Pedro Infante, Joaquín Pardavé y Germán Valdés 'Tin Tan'

Leonardo Sbaraglia estrena 'Puán': "Milei debería sentirse orgulloso del cine argentino, no intentar destruirlo"

El actor protagoniza junto a Marcelo Subiotto esta obra que nos adentra en la Universidad de Filosofía y que se convierte en un alegato sobre la defensa del pensamiento crítico y la educación

El Gobierno recupera la iniciativa del cine a 2 euros para mayores

Los reyes Felipe y Letizia vuelven a disfrutar de una cita para dos en Madrid: paseo, cine y una marisquería en Tirso de Molina

Los Reyes han compartido una tarde por el barrio de Tirso de Molina donde, en gran medida, han podido pasar desapercibidos

"Creo que la idea de demonizar al cine argentino no es ni remotamente nueva"

La directora estrena El viento que arrasa, una adaptación de la novela homónima de Selva Almada. Habla sobre la situación actual a la hora de la cultura, del Incaa y sobre la industria local en la era de las plataformas. Leer más

Adolfo Aristarain recibirá la Medalla de Oro de la Academia del Cine de España

Se trata de una distinción que años anteriores han obtenido Carlos Saura, Antonio Banderas, Carmen Maura y Angela Molina, entre otros. El director de Tiempo de revancha será el primer artista argentino en recibir este galardón de manera individual. "Es el premio que más me enorgullece tener", señaló Aristarain a PáginaI12.

Ahora sí será como en el cine

Diputados dio sanción definitiva y ahora cuatro de los delitos más graves serán juzgados por un tribunal popular. Características y requisitos de la innovación

Margot Robbie producirá la llegada de Los Sims al cine: todo lo que se sabe de la película

Luego del éxito de Barbie, la película y comedia de fantasía que causó furor en todo el mundo, Margot Robbie desembocará en un nuevo proyecto en el que desempeñará otra de sus pasiones: la producción. Es que la talentosa actriz australiana estará detrás del film live-action de The Sims.La exitosa serie de videojuegos de simulación social tendrá su versión adaptada para la pantalla grande. Según informó The InSneider, Robbie producirá la cinta a través de su compañía, LuckyChap Entertainment, la misma que llevó a los cines historias como Barbie, Saltburn, Promising Young Woman y Yo, Tonya, junto a sus compañeros, Josey McNamara y Tom Ackerley, y Roy Lee para Vertigo Entertainment.Por otra parte, Variety informó que Kate Herron será la encargada de dirigir la cinta (la misma que dirigió episodios de series como Sex Education y Loki).Como el proyectó comenzó recientemente, aún no ha trascendido la participación de algún otro reconocido actor, como tampoco la fecha en la que tienen intención de llevar a cabo su estreno.Miles de fanáticos del famoso videojuego, que marcó un antes y un después en su adolescencia, están a la expectativa por la buena nueva, pero ¿de qué se trata el videojuego? El jugador crea personajes llamados "Sims" e interactúa con ellos colocándolos en casas y ayudándolos a satisfacer sus necesidades.Los jugadores pueden colocar a sus Sims en hogares prefabricados o construirlos ellos mismos. Cada expansión aumenta sucesivamente lo que los jugadores pueden hacer con sus Sims, introduciendo más criaturas, creando mascotas, trabajos, estaciones, interacciones, modos de juego, objetos y accesorios, así como mundos nuevos.Margot Robbie revolucionó la Argentina con su visitaDespués de su aparición en la 96° entrega de los Oscar, la intérprete de Barbie sorprendió hace una semana al aterrizar, junto a su marido, Tom Ackerley, en el sur argentino, precisamente en Comodoro Rivadavia. Este destino habría sido programado durante el 2022, cuando Margot Robbie visitó al país junto a su amiga Cara Delevingne y recibió la invitación de un famoso chef para comer en su restaurante, "Patagonia Sur", en el barrio porteño de San Telmo.Según informó el sitio de noticias ADN Sur, la actriz llegó al Aeropuerto Internacional General Enrique Mosconi, ubicado en la ciudad petrolera, el martes de la semana pasada, por la mañana. Robbie vestía un pantalón ancho color beige, una polera negra y una gorra naranja. Además, un barbijo le cubría gran parte de su cara, una estrategia que usó la estrella de Hollywood para evitar ser reconocida.La siguiente parada que realizó la actriz fue en uno de los más reconocidos restaurantes de la ciudad patagónica, situado sobre el océano Atlántico: el IN Bar & Dinning Room de Rada Tilly, señalado por la gente del lugar como propiedad de Cristóbal López. Junto a un grupo de siete amigos, la pareja degustó, y disfrutó de un banquete típico de la zona. Para completar la información, ADN Sur publicó que la actriz probó la merluza negra, el cordero y los lomitos de guanaco y que su preferido fue el cordero patagónico.

Cine y memoria en la provincia

Cine argentino: una discusión fuera de foco

La Argentina no necesita una reforma legislativa sino una nueva legislación, dice el autor de este texto.Y desmiente que el cine argentino se produce "con el hambre de miles de niños". Onaindia fue director del Incaa y coordinador Centro Cultural Rojas.

La Lisboa de Pessoa y Saramago copará Buenos Aires con libros, cine, arte y música

"Amo estas plazuelas solitarias, intercaladas entre calles de poco tránsito, y sin más tránsito, ellas mismas, que las calles. Son claros inútiles, cosas que esperan, entre tumultos distantes (â?¦) El movimiento comienza poco a poco por las calles, destaca la separación de los peatones, y en las pocas ventanas abiertas, madrugan también apariciones. Los tranvías trazan a medio-aire su surco móvil amarillo y numerado. Y, de minuto en minuto, sensiblemente, las calles se desdesiertan". Así describe Fernando Pessoa a Lisboa, su amada ciudad, la invitada de honor en la 48.ª edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, que abrirá sus puertas al público el jueves 25 de abril en el Predio Ferial La Rural, cuyo clásico tunel de acceso estará intervenido. Los ilustradores André Letria y Sara Feio aceptaron el reto de reflejar en 10 imágenes lo que Lisboa significa para ellos.Vidas paralelas: Victoria Ocampo y la pasión por Lawrence de Arabia"La invitación es una oportunidad única para el Municipio de Lisboa de invertir en literatura, así como para los autores portugueses, emergentes, nuevas voces, que de este modo tienen la posibilidad de divulgar su trabajo en un mercado extranjero tan lleno de potencial como es el de América Latina -destaca Carla Quevedo, curadora de Lisboa en Buenos Aires-. Buscamos que sea una propuesta amplia que incluyera una gran diversidad de géneros literarios, desde el cuento y la poesía hasta la novela, así como una variedad de estilos de escritura, tan singulares como sus autores, desde los recién llegados hasta los consagrados. Vamos a desembarcar con una presencia significativa de autoras. La delegación oficial de Lisboa cumple con el objetivo delineado desde el principio y fortalecido por las declaraciones del presidente de la Cámara Municipal de Lisboa, Carlos Moedas, en la presentación oficial del 10 de octubre de 2023, de prestar atención a obras producidas por mujeres. La literatura infanto juvenil, la ilustración y la historieta también estarán representadas; además de la música y del cine".El objetivo principal es mostrar el talento y la calidad los autores y suscitar la curiosidad y el interés de editores y lectores por sus obras. En este sentido, se presentará en las jornadas profesionales una línea extraordinaria de traducción, "una especie de subsidio, de apoyo a la traducción al portugués de obras en castellano", anticipa Quevedo."Buscamos que los autores se presenten al público de una manera diversificada, a través de talleres, presentaciones, debates, pero sin duda, uno de los puntos que nos interesa y mucho es el cruce de escritores portugueses con argentinos", destaca la autora y periodista.Claudia Piñeiro charlará con el escritor Francisco José Viegas sobre la novela policial como el género literario por excelencia en la búsqueda de la verdad (no siempre encontrada); Florencia Canale e Isabel Stilwell intentarán develar cómo se escribe una novela histórica; Darío Sztajnszrajber junto a Bruno Vieira Amaral y Pedro Mexia hablarán sobre las características de los lisboetas y los porteños, coincidencias y diferencias. Yara Nakahanda Monteiro y Ana Wajszcuk conversarán acerca de los modelos de expresión artística, los autores que admiran y han influenciado en su trabajo.El fútbol no podía quedar afuera: Lisboa es una ciudad apasionada por la redonda. Martín Kohan y Bruno Vieira Amaral indagarán en el terreno del fútbol y literatura e irán un poco más allá: ¿Ronaldo y Messi podrían ser dos personajes literariamente apelativos? Por su parte, Lidia Jorge, una de las escritoras portuguesas más importantes y traducidas de las últimas décadas, en su conversación con Jorge Sigal propondrá: "Literatura y poder ¿por qué las novelas, la poesía, los ensayos incomodan a los regímenes autocráticos? ¿Qué puede hacer la literatura para generar tantos miedos? ¿Y por qué también parece ser motivo de muchos temores en regímenes democráticos y libres, donde algunos proponen cambiar términos y expresiones en obras literarias para no ofender las sensibilidades de los lectores? ¿Qué debe proponer la literatura? ¿Y qué no debe?"A partir de sus obras, Paula Bombara y André Letria profundizarán sobre la literatura para la infancia como un lugar de debate sobre guerra, libertad, identidad y la búsqueda de un mundo más igual. El stand será protagonista, pero muchas de las actividades se realizarán en las afueras del epicentro de la Feria del Libro. En la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, desde el 2 de mayo se presentará la Colección de libros de artista, de la Biblioteca de Arte de la Fundación Calouste Gulbenkian. Los libros de artista ocupan, desde la década de los sesenta, un espacio importante en la creación artística contemporánea. Materializaciones de un concepto simultáneamente preciso y fluido, permiten enfoques plásticos más libres y experimentales y formas diversas de lectura y disfrute, a veces interactivas, multidimensionales y multisensoriales. La colección de Libros de artista y edición independiente de la Biblioteca de Arte de la Fundación Calouste Gulbenkian comenzó en la década de los noventa y es hoy la más grande y más relevante colección de este tipo en Portugal. Esta exposición presenta una selección representativa con libros de diferentes autorías, tipologías, formatos y materiales. Obras de Lourdes Castro, René Bertholo, Carlos Bunga, Isabel Baraona, Catarina Leitão y Alberto Picco.La curadora de la exposición, Ana Barata, ofrecerá un encuentro con el título "¿Cuántas lecturas caben en un libro de artista?", en el que abordará algunas de las definiciones posibles del "libro de artista", su contexto histórico y su importancia como expresión artística contemporánea. Como cierre, el 13 de junio, Sonia Casquiço, conservadora-restauradora, presentará los diversos desafíos y oportunidades con que los profesionales de la conservación se enfrentan teniendo en vista la preservación de obras materialmente tan inusuales, frágiles e inestables como los libros de artista.La música tiene un gran protagonismo en el programa. El pianista portugués Artur Pizarro tocará el 6 de mayo, en el Teatro Colón. Interpretará obras de compositores portugueses, argentinos y otros, entre los que se destaca Serguéi Rachmaninoff. Pizarro es considerado uno de los mejores intérpretes del compositor ruso. En el barrio de La Boca, en La Usina del Arte, el músico y compositor Rodrigo Leão, formado por una variedad de estilos que van del pop al folk, del jazz al fado, pasando por la música clásica y su pasión cinematográfica, ofrecerá una versión revisada y actualizada del concierto Los portugueses, documental que devino en una serie de televisión. En la sala Hernández, el 27 de abril la Lisbon Poetry Orchestra, colectivo multidisciplinario, presentará Los surrealistas, el álbum dedicado a un grupo de artistas y poetas que, en una Portugal gris, percibió la urgencia de la libertad.La sala Leopoldo Lugones, desde el 30 de abril, cobijará una muestra dedicada a la Lisboa: Palavras en Movimento. "Los cruces entre el cine portugués y la literatura se encuentran a lo largo de toda su historia: desde el monumental díptico de Paulo Rocha (A Ilha dos Amores y A Ilha de Moraes), inspirado en la vida y obra del célebre autor Wenceslau de Moraes, hasta la fructífera y larga colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís, la prosa y la poesía tuvieron ecos y manifestaciones de lo más diversas en la pantalla grande que se extienden hasta el presente -destaca la programadora Maria João Machado-. Se podrán ver títulos realizados en los últimos años, posteriormente a la pandemia, todos inéditos en Argentina, de manera que da cuenta de una heterogeneidad que reúne a cineastas consagrados junto a realizadores con filmografías tan incipientes como prometedoras, la selección da cuenta esencialmente de la diversidad y riqueza de los puentes con la literatura en el cine portugués contemporáneo".Saramago y Pessoa, dos de las grandes plumas de la literatura portuguesa, estarán presentes, con exposiciones y diversas charlas.La Casa Fernando Pessoa presentará, desde el 25 de abril, una gran muestra concebida en torno al Libro de desasosiego, atribuido a Bernardo Soares. Libro enigmático que fascina a lectores e investigadores, está compuesto por cerca de 500 fragmentos que Fernando Pessoa dejó sueltos. Quien visite esta exposición-juego "deambulará" entre los fragmentos y decidirá la mejor manera de leerlos. Entre las tantas presentaciones y debates sobre el figura del escritor, el 27 de abril, en la sala Carlos Gorostiza, se enfocarán en el Pessoa internacional Jerónimo Pizarro (Colombia), Caio Gagliardi (Brasil), Antonio Sáez Delgado (España) y Santiago Kovadloff (Argentina).La Fundación José Saramago, en colaboración con la OEI (Organización de Estados Iberoamericanos), presentará la exposición "Tomemos la palabra y la iniciativa los ciudadanos de a pie", que reúne la Declaración de los Deberes del Hombre, la Declaración Universal de los Derechos Humanos y fotografías de Gervasio Sánchez, en celebración del 75 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos y el 25 aniversario de la concesión del Premio Nobel a José Saramago. La exposición abrirá sus puertas el 3 de mayo en la Biblioteca del Congreso.

Entradas al cine solo por S/6,50: ¿Dónde encontrar las mejores ofertas en marzo?

Tiendas, aplicaciones de celular y diversos establecimiento ofrecen promociones en marzo. Un centro comercial tiene esta oferta para ver películas en pantalla grande, pero solo para un día de la semana y en ciertos lugares. ¿A qué otras promociones puedes acceder este mes?

El viento que arrasa en el cine

"Operación Maestra": la película peruana que llevará al cine el exitoso operativo Chavín de Huantar y el rescate de la embajada de Japón

Colibrí Producciones promete una dramática recreación y una nueva perspectiva de los sucesos que ocurrieron detrás de la misión de rescate de rehenes que ocurrió en 1997.

"El viento que arrasa": días para ir de la librería al cine y del cine a la librería otra vez

Son días para ir de la librería al cine y del cine, otra vez, a la librería. Mañana se estrena en más de veinte salas la adaptación cinematográfica de la primera novela de Selva Almada, El viento que arrasa, dirigida por Paula Hernández. Tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en 2023, y fue elegida para la apertura de la sección de Horizontes Latinos del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Elogiada por la prensa y el público, la historia que narra el derrotero "evangélico" del carismático reverendo Pearson (el chileno Alfredo Castro) junto a su hija adolescente, Leni (Almudena González), ya recibió premios en festivales internacionales. Completan el elenco el español Sergi López, como el Gringo, y Joaquín Acebo, como Tapioca.La novela, de 2012, integra la "trilogía de varones" que la autora continuó con Ladrilleros, de 2013, y concluyó con No es un río, de 2020, cuya versión al inglés acaba de ser nominada al Premio Booker Internacional.Almada no participó de la escritura del guion, que estuvo a cargo de la directora y Leonel D'Agostino. "Los derechos de la novela se vendieron hace muchos años y entonces decidí que no iba a participar del proceso de adaptación ni de ninguna instancia -dijo la autora a LA NACION-. Me parecía, y me sigue pareciendo, que una película es otra obra, independiente del libro aunque la novela sea el disparador para el proyecto de una película. Me junté con Paula a tomar un café cuando ella empezó a trabajar en el proyecto, hace un par de años, charlamos algunas cuestiones de la novela, ella me contó un poco cómo estaba encarando la adaptación. Después cuando definió quiénes iban a encarnar a los personajes me mandó unas fotos de los tres actores y de la actriz; la productora me invitó al rodaje también, pero justo coincidió con un viaje largo que hice así que no pude ir".Pudo ver la película el año pasado. "Justo antes de que empezara su recorrido por distintos festivales -contó-. Me gusta muchísimo la película que hizo Paula, está muy relacionada a su universo, a las cuestiones que le interesan y viene explorando en sus otras películas y al mismo tiempo sentí que el espíritu de la novela estaba muy presente. Los cuatro protagonistas son increíbles, me emocionó mucho ver a mis personajes puestos en esos cuerpos, en esas voces, realmente los cuatro son muy impactantes. La película elige el punto de vista de Leni para narrar; eso también me gustó mucho porque es como estar mirando el mundo de la novela desde otra perspectiva, ver cómo se despliega un personaje que en el libro lo mira todo pero no sabemos demasiado qué piensa sobre lo que pasa a su alrededor. La novela está centrada en los varones y en cambio la película se detiene en la única mujer de la historia, qué le pasa a ella en ese territorio tan masculino, qué lazos la unen a la fuerza y qué lazos desearía cortar".En simultáneo con el estreno cinematográfico, se publicó Ruge el viento, diario de rodaje de la película. Coeditado por la productora Cimarrón y el sello PAM!, integra una colección que documenta los procesos creativos y de producción de una obra audiovisual. Se emparienta, además, con El mono en el remolino. Notas del rodaje de Zama de Lucrecia Martel, que Almada publicó en 2017. Ruge el viento cuesta $ 11.900 e incluye reflexiones del productor Hernán Musaluppi, la directora, el coguionista, los cuatro protagonistas, la montajista Rosario Suárez y el creador del póster de la película, Martín Lehmann. Y hermosas fotografías de Florencia Scarano, Jeannie Margalef y Hernández, mapas de las locaciones, dibujados a manos, e imágenes del story board, y de páginas de la novela y el guion "intervenidas" con comentarios al margen como "Leni a ve a su madre", "viudo" y "meterlo en el almuerzo".Musaluppi cuenta que, antes de convocar a Hernández, había compartido la novela con otras directoras argentinas que le dijeron que en ese libro no había una película (también narra el encuentro con un poderoso productor brasileño que había querido comprar los derechos para hacer la película en su país). "Después trabajamos en una nueva adaptación con un director argentino, pero tampoco llegamos a encontrar la película. Ya habían pasado varios años y el proyecto seguía en cero", evoca.El encuentro con la directora fue decisivo. "Yo me convencí cuando, en la primera charla sobre la adaptación, me dijo que iba a descartar los flashbacks. 'Es de las mías', pensé. A partir de ese pacto de vivir en el presente, eje rector de nuestra futura relación, encontramos la película que queríamos hacer. Y también cuando cambió el punto de vista y lo puso en la única protagonista mujer de la historia".Hernández define El viento que arrasa como una "road movie en el umbral de una tormenta", "la vida a bordo de un auto, sin punto de referencia" y "una puja existencial entre la creencia terrenal del más acá y la creencia religiosa del más allá". "El viento que arrasa es la quietud antes de la tormenta. La explosión que llega con el agua, limpiando las cargas del pasado, sacudiendo madres fantasmales. Es la sed de los últimos años. Es el viento que llega con la fuerza de los nuevos tiempos, que todo se lo lleva. Y que arrasa, sin piedad alguna, haciéndolos dueños de su destino"."Cada rodaje tiene su necesidad y encuentra su propia forma -detalla la directora-. Dirigiendo también voy encontrando la propia. Trabajo mucho de esa manera, casi obsesiva, y dejo, cada vez más, la hendija abierta para lo nuevo. Si no, hacer una película sería algo mecánico, pero estar al límite en ciertos momentos habilita muchas cosas, genera que actives hacia un lugar renovado", que también se refiere al trabajo de montaje, el casting (cuenta que elección de Acebo para el personaje de Tapioca obligó a una reescritura del guion) y las locaciones.La película se filmó íntegramente en Uruguay (pese al anhelo de la directora, que quería rodarla en la Mesopotamia). "Recorrimos por esos días muchos kilómetros: el centro del país, la frontera de Brasil con Uruguay, alrededores rurales de Montevideo, y desde allí hacia el norte por la zona de Cerro Largo. De a poco aparecieron las locaciones imaginadas y otras que surgieron en el mismo scouting o propuestas por el jefe de locaciones, lugares muy peculiares que se incorporaron maravillosamente al guion", cuenta.Ruge el viento concluye con un diálogo entre el productor y la cineasta. "Lo literario no siempre deviene en película porque hay que hacer toda una intervención para que eso funcione en cine -sostiene Hernández-. Es otro lenguaje, entonces hay un punto en el que uno puede tomar cosas de esas novelas maravillosas, pero también hay que poder traicionar el original. Para mí esta novela no hubiese funcionado si se hubiese hecho tal cual. Pero sí tiene imágenes, situaciones y personajes cinematográficos".En Un amor, la directora y D'Agostino habían adaptado un cuento de Sergio Bizzio; para Las siamesas, uno de Guillermo Saccomanno."Yo creo que los guiones suelen tener un pecado, que es que sobreexplican -afirma Musaluppi en otro momento del diálogo-. Tienen que poder responder técnicamente, pero también emocionar. Y a veces uno queda prendido a esas explicaciones, pero en realidad el espectador es mucho más inteligente que nosotros. Y al final, hay unos tipos y unas chicas que son los que le ponen voz, cara y gestos a lo que uno escribe. Y ahí está la verdad. ¿Cómo fuiste trabajando con el libro?"."Primero fui marcando en el libro qué cosas me interesaban, y eso fue disparando ideas -responde la directora-. Tenía claro que no quería que hubiese una ruptura temporal y que quería que fuera la mirada de ella sobre ese mundo. Todas las lecturas de cosas que iban en paralelo me servían para escribir. Cuando al principio uno empieza a adaptar, marca cosas que vienen de la novela, y estás agarrado a la novela, y cuando digo que uno tiene que traicionar a la novela, es ese momento. Porque con la novela, o el cuento, o lo que sea, por lo menos en mis experiencias, no sabría cómo adaptarla de forma fiel. No sé qué sería 'adaptar de forma fiel' un texto literario. Es tan personal lo que cada uno conecta con un texto literario que es imposible serle fiel".

Si te gustó Anatomía de una caída, las cinco películas que no hay que perderse del festival de cine francés

Desde este jueves, el Cinépolis Recoleta recibe nuevamente al Festival de Cine Francés que, de la mano de una cuidada selección de preestrenos, amalgama lo último de los grandes nombres del cine francés contemporáneo junto al descubrimiento de varios jóvenes realizadores. Lo harán con el impulso otorgado por Anatomía de una caída, la película de Justine Triet ganadora de un Oscar al guion original, lauro que le dio al cine francés un récord en la taquilla argentina (se acerca a los cien mil espectadores, cifras que no conseguía desde la comedia Dios mío, ¿qué hemos hecho?, hace casi una década). Trece son las películas que se ofrecerán hasta el miércoles 27. Además, el realizador Thomas Cailley vendrá a Buenos Aires para presentar su film El reino animal (con proyecciones el domingo 24 y el miércoles 27, a las 19), y responder las siempre vivaces preguntas del público argentino. Una propuesta "fantástica, en todos los sentidos de la palabra, reciente ganadora de cinco premios César, que abre caminos nuevos para el cine francés. Película fantástica, de aventura, drama psicológico, coming-of-age, comedia", resume Antoine Sebire, agregado audiovisual francés para el Cono Sur. Estos son cinco de los títulos que no hay que perderse.El sabor de la vida, de Trần Anh HùngEs el título local de La passion de Dodin Bouffant, que conquistó el premio al mejor director en la última edición de Cannes y fue la elegida por la Academia de Cine francés para ser su candidata ante el Oscar (en lugar de Anatomía de una caída). Su historia, ambientada en 1885, en el siempre exigente mundo de la gastronomía presenta un romance que se traduce en la elaboración de cada vez más deliciosos platos. Un banquete cinematográfico servido a la manera del cine francés de época y con dos grandes protagonistas, Benoît Magimel (que también está en Increíble pero cierto), y la siempre encantadora Juliette Binoche. El jueves 21, a las 19, y el miércoles 27, a las 16.30).En el Adamant, de Nicolas PhilibertEl gran director de Ser y tener regresa a las pantallas argentinas con este documental de enorme ternura que invita a una inteligente reflexión sobre los trastornos de la salud mental centrando su mirada en el Adamant, la estructura flotante en el medio del Sena que atiende a adultos con diversos problemas psiquiátricos. Con su notable capacidad de observación y empatía, Philibert muestra diversas historias de vida que pueden ser la de cualquiera de nosotros. Nominada al César al Mejor Documental y a los premios del Cine Europeo, se hizo acreedora en 2023 del Oso de Oro del Festival de Berlín. El viernes, a las 16.30.Amor sin tiempo, de Bertrand BonelloEl director de L'Apollonide, Saint Laurent y Nocturama ofrece en esta película -conocida internacionalmente como La béte- una historia ambientada en tres períodos históricos distintos -1910, 2014 y 2044- con una mirada amarga sobre los peligros de la Inteligencia Artificial en la historia de una joven que decide eliminar de su ADN todo aquello que sea emocional. Así viaja a sus vidas pasadas donde se reencuentra con Louis, su gran amor. Con el protagónico de Léa Seydoux y George MacKay, integró la Selección Oficial del Festival de Venecia y el tour de force actoral que demandó la laberíntica historia para su protagonista le dio el premio del Festival de Valladolid como Mejor Actriz. El sábado, a las 19, y el miércoles, a las 21.40.El libro de las soluciones, de Michel GondryEl siempre ingenioso realizador francés, que cumplió 60 años, nos entrega una mirada sobre la creatividad, tamizada de su clásica (y cíclica) formulación de los pensamientos y obsesiones, claves también en su filmografía. En el film, Marc, peleado con sus productores, se escapa con su película para poder terminarla. Su creatividad no tiene límites, entonces decide escribir El libro de las soluciones buscando resolver todas sus preocupaciones. Presentada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, esta comedia tuvo un notable desempeño en la taquilla francesa, permaneciendo 18 semanas en cartel. El viernes, a las 19, y el lunes, a las 21.40.Increíble pero cierto, de Quentin DupieuxSi hay alguien que es un notable heredero del surrealismo es Quentin Dupieux, quien a través del humor absurdo consigue siempre una filosa mirada social. Eso sucede con esta historia que presenta a Alain y Marie, una pareja que decide comprar una casa de la cual el agente inmobiliario destaca su sótano. Dudosos, bajan por la estrecha escalera para aparecer en la parte superior de la propiedad. El agente inmobiliario les explica que el sótano permite saltar el tiempo. Parece una maravilla, pero también traerá sus problemas. Incluye un sutil homenaje a Buñuel y se llevó el premio al mejor guion en Sitges. El viernes y el domingo, a las 21.40.

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Una semana de cine, teatro y música

Es microbiólogo, hizo un experimento con los pochoclos del cine y lo que descubrió dejó a todos atónitos

Un microbiólogo compartió en redes sociales unos inquietantes hallazgos acerca de la famosa ley de los cinco segundos. Esa que asegura que si la comida estuvo en el piso menos de ese tiempo, se puede consumir con tranquilidad. Pero el científico parece haber hecho caer esta teoría.Tim Call, de 32 años, es un tiktoker cuya cuenta se llama @whatmightgrow, es decir, "lo que podría crecer" en castellano, que se refiere a los numerosos gérmenes que pueden estar presentes en las superficies que más frecuentamos. Entre otros hits de su canal, causó un verdadero escándalo cuando reveló el estado de los secadores de manos en los baños públicos y también cuando mostró la suciedad que puede haber en la pileta de la cocina. @whatmightgrow Storytime: In this fun experiment, I went to a movie theater and tested the popcorn they sold. Additionally, for comparison, I grabbed some popcorn off the floor to show that bacteria can grow on popcorn. Unsuprisingly, popcorn from the floor is filthy. However, when I worked as an environmental microbiologist for various industries, this is a common test procedure and I would test items that would be commonly found on the floor. Often I would test factory workers shoes and EVERY SINGLE TIME I would find some of the craziest growths and via PCR it was determined to almost always have pathogens present. The most common pathogen I would see were Staphylococcus, Listeria, E. Coli, and Salmonella. The lesson of this mini experiment is to show what you would find if you were to eat things off the floor. I wish I knew this as a little kid, because I was notorious for going to the candy section where you could scoop out candy into bags, and eating any candy that was on the floor. If I were to guess, the small amount of bacteria found on the "fresh" popcorn would be Staphylococcus which is commonly found on humans and probably came from myself or the movie theater workers. The growth from the floor popcorn could literally be anything and would need PCR for identification. #popcorn #movie #microbiology #bacteria #science #fyp #longervideos â?¬ Runaway - Piano Rendition - The Blue Notes & L'Orchestra Cinematique Ahora, Tim, que cuenta con más de 300 mil seguidores, ha querido hacer un experimento con el pochoclo que venden en los cines. El microbiólogo se compró un paquete de pochoclos frescos y recogió un puñado del suelo de la sala al terminar la película. El video muestra cómo coloca las muestras extraídas a través de un líquido en una placa de Petri y las coloca en una incubadora.El clip es un time-lapse que muestra la diferencia entre los dos y que confirma que la ley de los cinco segundos no aplica, al menos, en el cine. La placa de los pochoclos frescos aparece casi completamente limpia con una mínima cantidad de bacterias que Tim supuso que serían estafilococos, que se encuentran en los humanos. A su vez, en la otra habían crecido miles de colonias de bacterias y hongos.Junto con el video, el microbiólogo de Utah, Estados Unidos, escribió un texto acerca del experimento relatando una anécdota: "Cuando trabajaba como microbiólogo ambiental para varias industrias, este era un procedimiento de prueba común y probaba elementos que comúnmente se encontrarían en el piso. A menudo, evaluaba los zapatos de los trabajadores de las fábricas y cada vez encontraba algunos de los crecimientos más extraños. Siempre se terminaba determinando que había patógenos presentes. Los más comunes que vi fueron Staphylococcus, Listeria, E. Coli y Salmonella".Parte de los comentarios apuntaron directamente contra la polémica ley: "La regla de los cinco segundos está desacreditada", escribió un usuario. Otro dijo también: "Esto es todo por la regla de los cinco segundos, no?". Y uno más se preguntó: "Entonces, ¿la regla de los cinco segundos es una tontería?".Por otro lado, hubo unos cuantos que se fijaron en la belleza del crecimiento de bacterias. "El crecimiento final es bastante hermoso", dijo uno. "¿Por qué es tan bonito el resultado?", comentó otro. Un tercero agregó: "Definitivamente es malo, pero en cierto modo es hermoso como se ve".Por último, Tim escribió: "La lección de este mini experimento es mostrar lo que encontrarías si comieras cosas del suelo. Me hubiera gustado saberlo cuando era niño porque me conocían por comerme todos los caramelos que se caían al suelo en la tienda".

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Cine Gaumont: curiosidades y datos ocultos de la histórica sala por la que se enfrentaron Mirtha Legrand y Javier Milei

Se lo conoce como "la casa del cine argentino". Es uno de los símbolos que enmarca la Plaza del Congreso, junto con el monumental palacio legislativo, el histórico teatro Liceo -la sala privada en actividad más antigua de América Latina- y la Confitería Del Molino, recientemente restaurada, pero solo abierta para esporádicas recorridas del público. En Rivadavia 1635, el cine Gaumont es parte de ese tejido declarado de "protección histórica", donde desemboca la Avenida de Mayo, vértebra cívica relevante que une con la Plaza de Mayo.De estricto estilo racionalista, el Gaumont es uno de los cines más antiguos de la ciudad de Buenos Aires que sigue en pie y uno de los pocos que mantiene sus atributos arquitectónicos originales, más allá de su desdoblamiento en tres salas. Su nombre ha permitido las más variadas pronunciaciones.Hasta la década del 80, el Gaumont "competía" con el Callao y el Savoy, salas vecinas que se encontraban a pocos metros, sobre la avenida Callao. De ninguna de ellas quedan rastros. Mejor suerte corre el bonito teatro Empire, sobre Hipólito Yrigoyen y Combate de los Pozos, pero sin la estelaridad de sus colegas de la cercana calle Corrientes.En la década del cuarenta, Tita Merello y Luis Sandrini solían ser habitués del lugar. La muy buena programación -una característica histórica de este espacio- también atraía la presencia de directores y cinéfilos como Leopoldo Torre Nilsson y Leonardo Favio. La sala mayor lleva el nombre del realizador de Crónica de un niño solo.Todo para hacerseRoque Sáenz Peña gobernaba el país cuando, en 1912, el Gaumont encendió, por primera vez, sus proyectores. A decir verdad, en ese tiempo se llamó Cinematógrafo de la Plaza del Congreso, dado su emplazamiento frente al espacio verde que enaltecía el carácter higienista con el que se expandía la ciudad. De hecho, la popular plaza que enfrenta al Congreso Nacional se encuentra lindante con las plazas Mariano Moreno y Lorea, esta última un pequeño recorte verde donde desemboca la Avenida de Mayo, a metros del edificio La Inmobiliaria.La celebración del centenario de la Revolución de Mayo encontraba a Buenos Aires con obras de envergadura que le daban carácter europeo. El edificio del Gaumont se inscribía dentro de esa lógica.Mirando al otro lado del océano, poco tiempo después de su "primera fundación", el cine sufrió un relanzamiento que fue acompañado por un cambio de nomenclatura. Pasó a llamarse Gaumont Theatre, en homenaje a Léon Gaumont, el inventor francés que fue pionero de la industria del cine. El emprendedor parisino se había iniciado como vendedor de elementos fotográficos, lo cual derivó en su incursión en el mundo fílmico a través de su productora L. Gaumont et compagnie, fundada en 1895, lo que la convierte en la más antigua en funcionamiento en el mundo.Como ha sucedido -y sigue sucediendo- con tantas salas, el Gaumont Theatre fue demolido entre 1938 y 1943, aunque en su solar volvería a erguirse un cinematógrafo.Nueva etapaEn 1946, el Gaumont sufrió una nueva transformación y relanzamiento. De esta época data el edificio racionalista tan característico, que se codea con singular convivencia y armonía con algunos palacios franceses y con los aires madrileños de la vecina Avenida de Mayo.De acuerdo a los lineamientos del racionalismo, muy impuesto en el mundo entre 1925 y 1965, la idea matriz del movimiento era la austeridad de sus líneas, escasa ornamentación y la utilización de materiales nobles como el hormigón.En el caso del Gaumont, su fachada fue revestida en ladrillo, con bandas verticales blancas que se intercalan en ese entramado. Por encima del alero que cubre parte de la vereda se emplaza un rectángulo con ladrillos de vidrio, que definen la identidad de este edificio y que proporciona de luz natural al gran foyer abrazado por dos escaleras de mármol que conducían al pullman y súper pullman, hoy convertidos en las salas 2 y 3.La iluminación nocturna provenía, en gran medida, por el efecto "garganta" de "luces escondidas". El travertino es uno de los materiales utilizados en su interior. Esta roca calcárea le proporciona al cine un efecto de grandilocuencia, pero, a la vez, de severidad. Lo acético de la construcción solo se permitió un "desliz enfático", las enormes letras apoyadas sobre la parte más alta de su frente que reproducen su nombre.Al momento de su reinauguración, la sala impactaba por sus dimensiones con un aforo cercano a los 1000 espectadores. Con todo, el Gaumont quedaba algo rezagado ante los estrenos rimbombantes de la calle Lavalle, donde se sucedían el Normandie, Iguazú, Troccadero, Luxor y Monumental, el único cine que permanece abierto y bajo el sistema de un multicine con salas pequeñas.Una década después de su reinauguración, la cabina de proyección fue adaptada al Cinemascope, el sistema que permitía exhibir films en pantalla ancha, como también sucedería después con el Atlas Lavalle. El adelanto del Gaumont fue el prólogo al sistema Cinerama.Nueva eraEn la década del 90 comenzó la gran crisis de las salas de cine, que empezaban a verse diezmadas ante la competencia de la oferta fílmica de los canales de la televisión por cable, en pleno desarrollo, y el boom de los videoclubes. Esta dinámica de las nuevas formas de consumo llevó al cierre de tantísimas salas, algunas, incluso, bajaron sus telones prematura y definitivamente en los ochenta. Entre los queridos cines desaparecidos se encontraban el 25 de Mayo de Villa Urquiza, el Argos de Colegiales, el Fénix de Flores, el Palacio del Cine de Almagro, entre muchos otros, y el comienzo del desmantelamiento de la oferta fílmica de Lavalle. La cadena de don Clemente Lococo fue una de las más afectadas.Otros espacios fueron reconvertidos en varias salas más pequeñas, tal el caso del Gaumont que, en 1995, transformó su pullman y súper pullman en las salas 2 (300 butacas) y 3 (250 butacas), dejando la platea casi intacta con un elevado aforo (600 localidades). De esta forma, también podía competir con los complejos que nacían en los shoppings.Espacio IncaaOcho años después de transformarse en tres salas, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) les alquiló el edificio a sus propietarios. De esta forma, el complejo se transformó en el Espacio Incaa km 0, dado que en Plaza del Congreso se estableció ese punto de partida para medir las distancias en las rutas del país.Desde 2003, el Gaumont se convirtió en un refugio de la producción nacional con muy buena afluencia de espectadores. Fue en esta etapa donde también se realizaron algunas entregas del premio Cóndor a la producción cinematográfica. En 2008, el Gaumont fue declarado "Testimonio vivo de la memoria ciudadana" por el Museo de la Ciudad.Salvarse de la demoliciónEn 2012 faltaba un año para que venciera el contrato entre los propietarios del edificio y el Incaa cuando la institución estatal fue anoticiada que no habría renovación. El motivo de la decisión de los dueños se sostenía en cuestiones estrictamente económicas, les resultaba más rentable venderlo a un valor elevado, aceptando una de las tantas ofertas que solían recibir dada la privilegiada ubicación del inmueble. Indudablemente, la idea de un desarrollo comercial y la construcción de un edificio de propiedad horizontal motorizaban la idea.La comunidad artística se movilizó masivamente, con figuras como Graciela Borges -todo un ícono de nuestro cine- a la cabeza. El 6 de julio de 2012, la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires aprobó la ley de protección estructural del edificio. Desde ese momento podía ser vendido, pero no demolido.Seis meses después, finalmente el Incaa compró el histórico cine para mantenerlo en actividad siguiendo, sobre todo, los lineamientos de apoyo a la exhibición de la producción artística local. La sala nuevamente fue puesta en valor edilicio y técnico.¿Cierra?En la actualidad, los recortes presupuestarios del Incaa, bajo cuya órbita funciona el Gaumont, encendieron las alarmas ante un posible cierre y venta del emblemático edificio. En este sentido, el sábado pasado, Mirtha Legrand se manifestó al respecto en su programa La noche de Mirtha (eltrece) preguntándose: ""¿qué puede costar mantener el cine Gaumont? "Yo fui hace poco, está espléndido, en muy buenas condiciones, es una lástima", aseguró.Las declaraciones de la conductora llevaron a que el presidente Javier Milei replicara en la red social X el comentario de un usuario que propuso que la diva comprara la sala y la bautizara con su nombre. "Me sorprendí mucho cuando reaccionaron así. De este Gobierno no quiero estar en contra porque toma represalias y es muy desagradable", expresó Mirtha Legrand al ciclo Desperezate, del Canal de la Ciudad.Más allá de estas idas y vueltas, lo cierto es que el cine Gaumont es uno de esos espacios de noble valor histórico y cultural que, por su carácter estatal, ofrece entradas a muy bajo costo, lo cual genera una gran afluencia de público que se acerca para disfrutar de los estrenos de cine argentino y de diversos ciclos de la cinematografía internacional. El valor de los tickets generales es de $400, los jubilados y estudiantes abonan el cincuenta por ciento.Además, allí funciona el Cine Club Núcleo, el histórico emprendimiento cinéfilo creado, entre otros, por el recordado crítico Salvador Sammaritano, y este año volverá a ser sede del Bafici, el encuentro de cine independiente de la ciudad, que se realizará entre el 17 y el 28 de abril, con entradas a 1500 pesos (1200 pesos para estudiantes y jubilados).El jueves, el economista Carlos Luis Pirovano, flamante presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, declaró: "De mi boca nunca salió que quería cerrar el Gaumont. En realidad, debería ser el Teatro Colón del cine argentino".