cine

Arte, cine y poesía: Hacienda lanza actividades culturales para visibilizar a las mujeres indígenas

Todos los eventos del programa cultural se desarrollarán en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada, en el corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México.

Eiza González es nominada a los Razzies 2026, los premios a lo peor del cine

La actriz compite en la categoría de Peor Actriz de Reparto por su participación en 'La fuente de la juventud'

Cine iraní de resistencia: cómo Jafar Panahi, Mohammad Rasoulof y Sepideh Farsi desafiaron la persecución

Panahi estrenó una película que es candidata al Óscar mientras Irán acaba de condenarlo a un año de prisión en ausencia. Farsi está exiliada en Francia desde hace más de 40 años y Rasoulof debió escapar de su país para evitar azotes y la cárcel. Leer más

Zoe Saldaña se convierte en la actriz más taquillera de la historia del cine

La actriz superó a Scarlett Johansson y lidera el ranking mundial de recaudación acumulada gracias a Avatar, Marvel y otras franquicias que marcaron la última década del cine global. Leer más

La historia real detrás de "La novicia rebelde": la verdad sobre los Von Trapp va mucho más allá del cine

Los recuerdos y confesiones del último hijo del famoso clan revelan sacrificios, decisiones difíciles y el impacto de la fama en la familia que inspiró una de las películas más queridas de todos los tiempos

"Los domingos" y "Sirat" lideran las nominaciones a los Premios Goya del cine español

Una de las películas cuenta la vocación religiosa de una adolescente y las repercusiones en su entorno, con la actuación de Juan Minujín. La otra es una road movie donde un padre busca a su hija desaparecida en el desierto marroquí. Leer más

Goya 2026: el film Belén y Juan Minujín, nominados al premio máximo del cine de habla hispana

El cine argentino volverá a ser protagonista de la gala internacional que más se acostumbró a ganar. La Academia del Cine de España nominó este martes a Belén como una de las cinco candidatas al Goya como mejor película iberoamericana. Y nuestro compatriota Juan Minujín fue elegido como candidato a mejor actor de reparto por Los domingos, producción realizada en el País Vasco y ganadora del último Festival de San Sebastián. Belén continúa con esta nominación sumando reconocimientos en una carrera internacional que también la tiene entre las 15 películas preseleccionadas al Oscar internacional por la Academia de Hollywood. De acuerdo con el veredicto de los casi 1800 miembros de la Academia del Cine de España, la película dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi competirá por el Goya a la mejor película iberoamericana con La misteriosa mirada del flamenco (Chile), La piel del agua (Costa Rica), Un poeta (Colombia) y Manas (Brasil). A partir de esta nominación, Belén se suma a la larga lista de títulos del cine nacional de las últimas décadas consagrados por el Goya a la mejor película iberoamericana, entre los cuales aparecen Un lugar en el mundo, Cenizas del paraíso, La odisea de los giles, Plata quemada, El secreto de sus ojos, Relatos salvajes, Un cuento chino, El ciudadano ilustre, Sol de otoño, El faro, XXY y El Clan. El último triunfo de la pantalla nacional en esta categoría fue en 2023, gracias a Argentina, 1985. Nuestro cine conquistó este premio en 19 de las 39 entregas de la historia del Goya, la celebración más importante del calendario anual para el cine de habla hispana, valorada al mismo tiempo por toda la industria cinematográfica como el equivalente al Oscar en ese terreno. Nominaciones a Mejor Película Iberoamericana #Goya2026: Belén (Argentina), La misteriosa mirada del flamenco (Chile), La piel del agua (Costa Rica), Manas (Brasil) y Un poeta (Colombia).— Premios Goya (@PremiosGoya) January 13, 2026La historia del Goya registra triunfos argentinos en el rubro de película iberoamericana desde el comienzo de su historia, en 1986. Ese año, la primera ganadora del premio (cuando la categoría se denominaba mejor película extranjera de habla hispana) fue La película del rey, de Carlos Sorín. A favorAhora, Belén aparece a priori con fundamentadas chances para convertirse en la vigésima película argentina dueña de esa distinción. Tendrá a su favor que la película brasileña Un agente secreto (segura nominada al Oscar en más de una categoría) no participa de esta competencia. En su última edición realizada en Granada, nuestra representante (El jockey, de Luis Ortega) perdió frente a Aun estoy aquí, de Walter Salles, el film brasileño que también se llevó en 2025 el Oscar internacional. La misteriosa mirada del flamenco, por Chile, y Un poeta, por Colombia, aparecen como potenciales rivales de Belén, que se dio a conocer en España en el último tramo del año pasado al formar parte de la competencia oficial del Festival de San Sebastián. En cuanto a Minujín, esta nominación consolida todavía más la carrera de uno de los actores argentinos más afirmados en el terreno internacional. En Los domingos, de la directora vasca Alauda Ruiz de Asúa, Minujín personifica a un profesor de historia argentino afincado en España que es tío del personaje central, una joven de 17 años dispuesta a sacrificar un futuro profesional brillante para seguir su vocación religiosa e ingresar en un convento de clausura. En la búsqueda del Goya a mejor actor de reparto, Minujín competirá con Miguel Rellán (El cautivo), Kandido Uranga (Maspalomas), Tamar Novas (Rondallas) y Alvaro Cervantes (Sorda). Fue muy risueño el momento de la lectura de los nombres de los candidatos en esta categoría a cargo del humorista y actor Alvaro Valls, encargado de la lectura de las nominaciones junto a la actriz Toni Acosta en la sede de la Academia del Cine de España, en la tarde de este martes en Madrid. Al mencionar al actor argentino, el apellido sonó en la voz de Valls como si Minujín tuviera una "y" en lugar de una "j". Nominaciones a Mejor Actor de Reparto #Goya2026: Miguel Rellán por El cautivo, Juan Minujín por Los domingos, Kandido Uranga por Maspalomas, Tamar Novas por Rondallas y Álvaro Cervantes por Sorda.— Premios Goya (@PremiosGoya) January 13, 2026La edición número 40 de los Goya se realizará en el Centro de Convenciones Internacionales de Barcelona el sábado 28 de febrero, con la conducción del actor Luis Tosar y la cantante Rigoberta Bandini y transmisión en vivo para la Argentina a través del canal internacional de la Televisión Española. Ese día uno de estos cinco títulos será consagrado con el premio a la mejor película española del año: Los domingos, Sorda, Sirãt, Maspalomas y La cena. El cine argentino, mientras tanto, sueña con sumar un nuevo nombre a la lista de ganadores como mejor película iberoamericana. Le toca ahora a Belén asumir ese desafío.

Productora de Cine para adultos saca parodia en versión de 'La Familia P. Luche' y genera polémica en redes

El reciente lanzamiento de un video titulado La Familia de Pelos ha generado una oleada de reacciones en redes sociales

El escape de París de un ladrón y su novia norteamericana que cambió la historia del cine

Él está cansado, enamorado, y decide dejar de huir. Pero ella duda de su amor. Nada pasaría si él no fuera un delincuente perseguido por el asesinato de un policía y ella, una joven norteamericana cautivante pero evanescente. Y la historia sería común, casi trivial, si no fuera porque la película cambió el curso de la historia del cine. "Hay films que no se parecen a nada de lo que se hizo antes", dijo Francois Truffaut sobre Sin aliento, la película de Jean-Luc Godard que dio inicio a una de las trayectorias autorales más importantes del séptimo arte y dejó inmortalizados a Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg como esa pareja que escapaba por París y asumía la inevitable marca de una cinefilia que la convirtió en única.Casi un mes duró el rodaje de Sin aliento, entre el 17 de agosto y el 15 de septiembre, fundamentalmente en París, con algunas tomas añadidas de la Costa Azul. Aquel dorado 1959 enfrentaba a Godard con el desarrollo de su ópera prima después de la realización de varios cortos y de ser una de las firmas fundamentales de la no menos imprescindible Cahiers du Cinéma. Pero contrariamente a la frescura que parece exudar su obra mítica con el pulso de la cámara en mano y los saltos de plano que dan ruptura a la continuidad espacial, todo Sin aliento es un cuidadoso oficio de ingeniera planificado hasta el milímetro. Un film revolucionario que escondía una cuidada elaboración. "Yo improviso, sin duda, pero con materiales que poseo desde hace tiempo. Durante años se reúnen cantidades de cosas y de pronto se las introduce en lo que se está haciendo", diría Godard. La película que comenzó a rodarse en aquel agosto partió de un argumento de Truffaut con diálogos que se improvisaban durante el rodaje y que contó con la asesoría de Claude Chabrol en los aspectos técnicos. "Había escrito la primera escena (Jean Seberg en los Campos Elíseos) y, para el resto, tenía una enorme cantidad de notas que se correspondían con cada escena", confirmaba Godard en diálogo con Jean Collet, Michel Delahaye, Jean-André Fieschi, André Labarthé y Bertrand Tavernier. Empero, los saltos de continuidad fueron sugeridos por un legendario cineasta que participaba de Sin aliento con un pequeño papel: Jean-Pierre Melville.Pero Godard también se rodeó de un equipo técnico formidable que construyó la leyenda de Sin aliento detrás de cámaras. Ese fue el caso del gran director de fotografía Raoul Coutard, un montaje supervisado al milímetro por el director (a cargo de Cécile Decugis), y los climas sonoros de una partitura con la que el gran Martial Solal contribuyó a los aires innovadores del film: la película que hizo del sonido posincronizado otras de sus marcas de estilo. Todo estaba permitido, todo podía integrarse en el film que contaba con la cámara en mano para ahorrar tiempo y, con ello, dinero. Por eso mismo, Coutard utilizó película ultrasensible para ahorrar en costosas puestas de luces. Austera, la producción de la película no podía contar con el carro de traveling que demandaban ciertas acciones y es por eso que Coutard utilizó una silla de ruedas para concretar el movimiento de cámara como parte de la acción: "No se podía hacer otra cosa. No teníamos nada. No disponíamos de tiempo ni de dinero, y quizá esta fuera la razón fundamental que nos hizo abandonar los estudios, rodar con la cámara sobre el hombro y apenas iluminar", afirmó el fotógrafo.Abrazado a una cinefilia que terminaría en erigirlo como estandarte, Godard se inspiraba en Buenos días, tristeza de Otto Preminger para el personaje de Jean Seberg, suerte de continuación de aquel. Con la maldición de las grandes obras, veinticuatro años más tarde Jim McBride ensayó una remake de Sin aliento protagonizada por Richard Gere y Valerie Kaprisky que era tan olvidable como todo lo inolvidable que tenía el film original. Estrenada el 16 de marzo de 1960, el romance entre Michel y Patricia hizo que el cine se abriera paso a la modernidad. Una que continúa tan viva y fresca aunque también seduzca con la melancolía del dorado tiempo ido donde todo estaba por hacerse y todo estaba por inventarse.

Wagner Moura, el actor brasileño que le pone el cuerpo en el cine político de su país e hizo historia en los Globo de Oro

Para muchos, Wagner Moura será un descubrimiento como protagonista en la nueva película de Kleber Mendonça Filho, El agente secreto, próxima a estrenarse en nuestro país y que acaba de valerle un Globo de Oro a mejor actor en drama.Si bien es cierto que fue un triunfo para el cine brasileño y que inicia a paso firme su merecida carrera para las nominaciones al Oscar luego de ser presentada con vítores en el pasado Festival de Cannes, también es cierto que es el broche de oro de una larga trayectoria que comenzó en el teatro -luego de un breve paso por el periodismo en su Bahía natal-, siguió con su aparición en uno de los primeros hitos del Nuevo Cine Brasileño como Detrás del sol (2001), de Walter Salles; destacó como uno de los presidiarios de Carandirú (2003), del argentino Héctor Babenco y luego consiguió el triunfo como el Capitán Nascimento en Tropa de elite (2007), de José Padilha, asomo definitivo en el radar del cine internacional. (2001), de ; destacó como uno de los presidiarios de (2003), y luego consiguió el triunfo como el Capitán Nascimento en (2007), de José Padilha, asomo definitivo en el radar del cine internacional. Desde entonces, Moura se ha convertido en un actor consagrado en su propia tierra y en uno de los rostros sudamericanos más interesantes para Hollywood, logrando en este regreso a su país la merecida validación como un hijo pródigo. Es que, a sus 49 años y ya con numerosos éxitos en su haber, está trabajando más en el cine de Brasil que sus años juveniles. O por lo menos, eso le confiesa a Elizabeth Moss, su coprotagonista en Shining Girls -miniserie que apenas hace tres años lo sumaba a las filas de Apple TV-, con quien mantuvo una larga conversación a comienzos de diciembre publicada en la revista Interview. "He estado trabajando más en Brasil que cuando era joven, cosa que me resulta genial. De hecho, estoy haciendo una obra de teatro de la que estoy muy orgulloso", le decía. La obra es una versión moderna del clásico El enemigo del pueblo de Henrik Ibsen, y le permitió a Moura completar su lectura del presente en sintonía con El agente secreto de Mendonça Filho. En la pieza teatral la vocación guerrera del apasionado protagonista contra la injusticia política complementa el ánimo de Armando, su personaje bajo la lupa del director de Aquarius (2016), hoy convertido en uno de los referentes cinematográficos de su país. "El agente secreto es una mirada retrospectiva a nuestra historia -explicaba Mendonça Filho en la revista Slant hace unos meses-, pero también hace referencia a lo complejo de nuestro presente". La declaración no es casual. En El agente secreto, Armando Solimões, con su alias Marcelo Alves, es un archivista viudo que escapa de la persecución política en la ciudad de Recife durante los años 70. La dictadura está en plenitud, y su intento de pasar desapercibido se combina con la obsesión por hallar las huellas de su madre, perdidas hace tiempo. Esa escurridiza trayectoria del personaje no aquieta su temperamento ante una realidad apremiante, que al mismo tiempo que reaparece en el trabajo de Moura sobre el texto de Ibsen, se conecta con su perspectiva del Brasil actual y las recientes protestas de la población para evitar la amnistía al expresidente Jair Bolsonaro. "Estamos muy orgullosos de ser brasileros en este momento, y eso no sucede tan a menudo. Nunca pensé que la democracia brasilera sería un modelo para el resto del mundo. Es una satisfacción estrenar una película ambientada en la dictadura, en un momento en que Brasil finalmente está haciendo lo correcto", enfatiza el actor. Sin embargo, el compromiso de Moura con el poder revolucionario del arte no es una novedad. Después del éxito de Tropa de Élite -que tuvo una secuela en 2010-, el actor apareció en algunas series y películas entre las que destacan Praia do Futuro (2014), de Karim Aïnouz (director que luego sería premiado por La vida invisible de Eurídice Gusmão basada en el best-seller de Martha Batalha), y en Trash, desechos y esperanza (2014), una coproducción de su país y el Reino Unido co-dirigida por Stephen Daldry (Las horas) y Cristian Duurvoort, hasta que llegó el suceso de Narcos en Netflix. En esa serie, que exprimió al comienzo la asociación de Latinoamérica a tópicos como el narcotráfico y el crimen organizado, Moura dio vida a una inusual aproximación a Pablo Escobar, personaje de leyenda de la crónica policial al que delineó como algo más que ese estereotipo del narco poderoso y populista. El éxito de Narcos (2015-2016) -pionera de toda una saga de derivaciones que pulularon por la plataforma- permitió a Moura trascender a un público masivo y al mismo tiempo elegir proyectos en los que tuviera mayor visibilidad. "Nunca hice una película o una serie porque pensara que iba a ser un gran éxito de taquilla -revelaba en la charla con Elizabeth Moss-; me gustaría pensar que, al mirar atrás, soy coherente con las decisiones que tomé. Muchas de las películas que hice son muy políticas porque me gusta la política y me gusta explorar significados sociales y políticos en cosas que otros quizás no ven".La llegada de una película como La red avispa (2019), del francés Olivier Assayas, ofreció una posible proyección de esa idea: una mirada retrospectiva sobre los presos políticos de la Cuba de Fidel Castro y la gestación de una red de espionaje en la Miami de los años 90. Moura interpretó a Juan Pablo Roque, un espía cubano infiltrado en las filas de la organización "Hermanos al Rescate", y compartió un elenco estelar junto a Penélope Cruz, Édgar Ramírez, Gael García Bernal, Ana de Armas, y el argentino Leonardo Sbaraglia. Por entonces había aparecido en un cameo en Narcos: México replicando a Escobar, y en los albores de la pandemia conseguía un importante protagónico en Sergio (2020), dando vida al diplomático Sergio Veira de Mello en una misión humanitaria para la ONU durante la invasión de Estados Unidos a Irak. "Me encantan los personajes con ganas de vivir. Por eso, en el cine, siempre me encanta ver a los personajes bailando. Me encanta ver a los personajes riendo, disfrutando, teniendo sexo... Siempre y cuando esté bien filmado, claro. Me encanta ver personajes que quieren vivir y estar vivos", explica el actor en referencia a su personaje de El agente secreto, pero que podría aplicarse a todo un linaje en su filmografía. Armando Solimões puede ser la más estoica de sus criaturas, equilibrando su compromiso político con la supervivencia propia y de su familia, pero hay algo de esa temperatura que ya asomaba en sus personajes anteriores, fuera cual fuera la batalla que enfrentaran. La de las duras calles de Río de Janeiro en la controvertida Tropa de Élite, las fuerza en disputa alrededor de Pablo Escobar en Narcos, el fuego de un amor escurridizo en Praia do Futuro, o la fachada sostenida por el espía de La red avispa. Personajes que contienen sus emociones hasta el estallido de su reacción, a veces anunciada, otras sorprendente. Incluso se vislumbra ese torbellino en Dan Velázquez, el periodista alcohólico y desacreditado de Shining Girls (2022), quien junto a Kirby (Elizabeth Moss) intenta develar la trama detrás de una serie de crímenes seriales y un asesino capaz de viajar en el tiempo. Al Dan de Moura lo persiguen los fantasmas familiares, el fracaso laboral y una pendiente autodestructiva de la que solo consigue escapar a través de la arrolladora investigación que lo une a Kirby y lo encamina al hallazgo de la verdad. Justamente la "verdad" es lo que está en entredicho en Guerra civil (2024), la distópica aproximación de Alex Garland al presente contemporáneo. En esa deriva fantástica de los conflictos recientes de los Estados Unidos, una guerra intestina ocasiona una convulsión interna que no tiene fin en su escalada. Y Moura interpreta a un periodista que, junto a la foto-reportera interpretada por Kirsten Dunst, persiguen una verdad escurridiza para los medios y manipulada por quienes se aferran al poder. El escenario es devastador y, en ese contexto, el ejercicio de registro que operan los cronistas en permanente fuga ofrece un mapa interesante de la forma de concebir las noticias, de la definición de la memoria del futuro, y del retrato de fuerzas en disputa que pueden ofrecer los hombres y mujeres de prensa. Quizás también como esos artistas que el propio Moura imagina comprometidos no solo con la memoria individual sino con la colectiva. "Tenemos que recordar, y la historia debe contarse correctamente. El cine tiene la capacidad de mostrar cosas, no en forma aleccionadora sino a través del arte".En definitiva, el 2025 fue un año importante para Wagner Moura. A comienzos de marzo regresó a Apple TV con la serie Dope Thief, una combinación entre el universo duro de la reciente Task y el tono irónico de Breaking Bad para retratar el mundo de la droga, el trabajo de infiltración policial y los entresijos del crimen organizado. Creada por Peter Craig -guionista de Top Gun: Maverick y The Batman-, la serie sigue a Ray (Brian Tyree Henry) y Manny (Moura), dos buscavidas que se hacen pasar por oficiales de la DEA para robar dinero y mercancía en los aguantaderos de narcotraficantes ubicados en las zonas más peligrosas de Filadelfia. Amigos desde la prisión, cada uno con sus fantasmas y sus cuentas pendientes, se juegan la vida en una operación riesgosa que incluye a una oficial del FBI infiltrada en una banda pesada, y una cadena de amenazas que los pone en la mira tanto de sicarios profesionales como de autoridades conminadas al cumplimiento de la ley. Apenas dos meses después de ese debut, obtenía el premio en Cannes y El agente secreto se convertía en su carta ganadora para la reciente temporada de premiación. Por su parte, Kleber Mendonça Filho no es un recién llegado a la mesa de los elegidos: hace unos años cosechó éxito y premios con Aquarius (2016), protagonizada por Sonia Braga sobre el conflicto inmobiliario en la ciudad de Recife -la misma en la que se crio el director-, y luego con Bacurau (2019) -codirigida con Juliano Dornelles-, una exploración distópica sobre un territorio en disputa y con ánimos polarizados. Sin embargo, El agente secreto le valió el premio como Mejor Director en Cannes -además del AFCAE (Association Française des Cinémas d'Art et d'Essai) y el Fipresci-, premios en festivales como Biarritz, Sitges y Hamburgo, la inclusión en la lista del año de la revista Cahiers du Cinéma, y nominaciones a los Globos de Oro y varias asociaciones de críticos de Estados Unidos. Para Moura, haber ganado el premio a Mejor Actor en Drama lo convierte en el primer intérprete brasileño de la historia en obtener la estatuilla que otorga la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. Por el mismo papel, ya ganó además de Cannes, el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York al Mejor Actor y una nominación de los Premios Critic's Choice.El retrato de la dictadura brasilera fue clave para el interés de Moura en el proyecto. Ya en su ópera prima como director -tarea que señala como complementaria de su labor actoral-, Marighella (2019), había abordado el pasado violento de su país desde la perspectiva de Carlos Marighella, un líder de la resistencia armada devenido en figura política que fue asesinado en 1969. Moura buscó concertar aquel escenario con sus ecos en el presente, ejercicio que lo vincula con la perspectiva de Mendonça Filho en su aproximación al clima de Recife hacia fines de los 70. Ambos, director y actor, son oriundos del noreste brasilero, y para Moura regresar a ese paisaje y hablar con su acento, lo conectó con las vivencias de su personaje y con la tradición del cine político brasilero. Un cine que se imaginó como un espejo posible en el que mirar la propia historia con perspectiva crítica, y la comprensión del arte como un ejercicio constante de reflexión. (2019), había abordado el pasado violento de su país desde la perspectiva de Carlos Marighella, un líder de la resistencia armada devenido en figura política que fue asesinado en 1969. Moura buscó concertar aquel escenario con sus ecos en el presente, ejercicio que lo vincula con la perspectiva de Mendonça Filho en su aproximación al clima de Recife hacia fines de los 70. Ambos, director y actor, son oriundos del noreste brasilero, y para Moura regresar a ese paisaje y hablar con su acento, lo conectó con las vivencias de su personaje y con la tradición del cine político brasilero. Un cine que se imaginó como un espejo posible en el que mirar la propia historia con perspectiva crítica, y la comprensión del arte como un ejercicio constante de reflexión. "Tu película, Kleber -cierra el actor en la conversación con su director-, habla mucho de la memoria y de la importancia de conservarla. No solo la memoria individual, sino la memoria de un país. Cuando la gente dice hoy 'No a la amnistía', lo que está diciendo es que no quiere que vuelva a borrarse nuestra historia. Ya no queremos eso, porque tenemos que recordar. Tenemos que recordar para que no vuelva a suceder".

Diálogos entre generaciones: la casa y el cine como archivos de memoria en "Valor sentimental"

La obra de Joachim Trier indaga en la persistencia del arte y la identidad familiar, explorando cómo el paso de las generaciones moldea narrativas y obliga a reconsiderar el lugar del creador en un mundo en transformación

Cine, series y marketing: todo lo que hay que saber sobre la entrega de los Globos de Oro

Este domingo, desde las 22, por TNT y HBO Max, se podrá ver la 83° entrega de los Globos de Oro, una fiesta que hace décadas marca un punto de inflexión en la temporada de premios de Hollywood. Reconocida por ser la celebración más divertida, en la que los estrellas de cine y las de televisión se reúnen para autofestejarse, la ceremonia que se realiza en el hotel Beverly Hilton no es el mejor predictor de lo que sucederá con el resto de los galardones que se vienen. Pero sí es un recurso de promoción efectivo para que los votantes de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas tengan presente a los contendientes más populares a la hora de elegir a sus ganadores, especialmente teniendo en cuenta que la votación para los Oscar se abre el lunes 12. En esta edición de la temporada de premios la gran incógnita es si Una batalla tras otra, el film de Paul Thomas Anderson, el más nominado en los galardones de este noche con nueve menciones, podrá trasladar su racha a los premios de la Academia a pesar de ser una comedia, un género que los Oscar no suelen tener en cuenta a la hora de repartir sus categorías más importantes. Lo cierto es que, más allá de que los Globo de Oro logren despejar las dudas de algunos sobre los premios de los próximos meses, es innegable que año tras año combinan el marketing de la industria audiovisual con los brillos de un desfile de modas que se mantiene como una cita imperdible para aquellos que disfrutan de la pompa y la circunstancia que Hollywood transformó casi en una forma de arte. Similitudes y diferencias con los OscarSe ha dicho y escrito muchas veces, pero vale la pena repetirlo: los triunfos y las derrotas en la ceremonia que se lleva a cabo esta noche en el Hotel Beverly Hilton no son necesariamente indicativas de lo que ocurrirá en los Oscar. Los votantes en uno y el otro galardón no son los mismos y tampoco son comparables sus números. Los ganadores de hoy fueron elegidos por algo más de 300 periodistas internacionales de 75 países distintos, incluida la Argentina, mientras que en los premios de la Academia votan alrededor de nueve mil integrantes de la industria. La anfitrionaPor segundo año consecutivo, la ceremonia de los Globo de Oro será conducida por la comediante Nikki Glaser. Conocida en los Estados Unidos por sus filosas rutinas de stand up y su participación en los especiales de Comedy Central dedicados a "incendiar" a los famosos, la humorista nacida en Cincinnati logró salir bien parada el año pasado cuando debutó como anfitriona de estos galardones. Conseguir un aprobado en la materia en la que la mayoría de sus colegas apenas llegan al aplazo le ganó una nueva oportunidad en el puesto. Habrá que ver si Glaser, a diferencia de lo que sucedió con Chelsea Handler en los premios de los críticos el fin de semana pasado, le dedicará parte de su monólogo a temas relacionados con el turbulento momento político de su país. La comedia mandaUna de las peculiaridades de los Globo de Oro en relación con el resto de los galardones de la temporada es que tiene categorías separadas para las películas de comedia o musicales y los dramas. Usualmente, la primera está destinada a los films más pasatistas y livianos, aquellos que los premios no suelen tener en cuenta, incluso si se lo merecen. Luego, en reglas generales, en el rubro de mejor película dramática aparecen los films "serios", esos que ya se vieron en festivales de cine y en los que los estudios más invierten durante las campañas promocionales. Sin embargo, este año esa ecuación parece estar invertida. Las películas con mejores críticas y expectativas de cara al Oscar compiten en el rubro de comedias: Una batalla tras otra, la favorita de esta noche, Marty Supremo, Bugonia, La única opción y Nouvelle Vague. Drama internacionalDel lado de los dramas, los nominados reflejan la diversidad de los votantes de este premio, un resultado lógico dados los esfuerzos de los nuevos dueños de los Globo de Oro en los últimos años por ampliar su cuerpo de votantes y extenderlo mucho más allá de lo que abarcaba cuando el premio estaba a cargo de la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood (HFPA). Así, la competencia al mejor drama incluye una sola película de estudio (Pecadores), una producción de Netflix (Frankenstein), tres films no hablados en inglés, Fue solo un accidente, El agente secreto y Valor sentimental, y una película independiente, Hamnet, que se disputa el favoritismo con Pecadores. Los mejores de todosLas categorías dedicadas a las interpretaciones suelen ser las más difíciles de predecir. Este año, entre los seis candidatos para quedarse con el rubro de mejor actor en drama, cuatro integran minorías poco representadas en los premios: Oscar Isaac (Frankenstein), Dwayne Johnson (La máquina), Michael B. Jordan (Pecadores) y Wagner Moura (El agente secreto). El rubro se completa con Joel Edgerton (Sueños de trenes) y Jeremy Allen White (Música de ninguna parte), el único intérprete norteamericano en la pulseada, ya que Edgerton es australiano. La categoría de mejor intérprete en una comedia es la más competitiva de las últimas décadas. Es que entre los nominados están Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra), George Clooney (Jay Kelly), Timothée Chalamet (Marty Supremo), Jesse Plemmons (Bugonia), Lee Byung-hun (La única opción) y Ethan Hawke por su trabajo en Blue Moon, de Richard Linklater. Por el lado de las actrices las candidatas más fuertes no son las más famosas ni populares. En el caso del drama, la que corre con ventaja es la irlandesa Jessie Buckley (Hamnet) que hace pocos días fue la elegida de los críticos. Entre las intérpretes de comedia, los especialistas vaticinan hace meses que la ganadora será la australiana Rose Byrne (If I had Legs I'll Kick You), mientras que en el rubro de actriz de reparto todo apunta a que el premio será para Amy Madigan (La hora de la desaparición). La televisión también festejaUno de los chistes más repetidos en las entrega de los Globo de Oro se refiere a la diferencias entre las estrellas del cine y la TV, y como en el salón del hotel Beverly Hilton todo el mundo sabe que la prioridad siempre la tienen los primeros. Más allá del humor, lo cierto es que del lado de los galardones para la series, que también se repartirán esta noche, no suelen aparecer mayores sorpresas o cambios en relación a las entregas de los premios Emmy que se llevan a cabo en septiembre. Así, al menos en lo que respecta a las estatuillas al mejor drama y la mejor comedia es muy probable que los ganadores de aquel premio se repitan esta noche: The Pitt (HBO Max) y El estudio (Apple TV), respectivamente. En cuanto a las miniseries, aunque la favorita sigue siendo Adolescencia (Netflix), en los últimos meses se sumaron a la competencia All Her Fault (Prime Video), La bestia en mí (Netflix) y The Girlfriend (Prime Video) que aún no se habían estrenado cuando se entregaron los Emmy.

Historias extraordinarias: llegó a HBO la película de Mariano Llinás que cambió el modo de concebir el cine nacional

"En Junín o en Tapalqué refieren la historia", empieza Jorge Luis Borges tal vez uno de los mejores cuentos de la historia, "El cautivo". "Averiguá y escribí el cuento" dice Mariano Llinás, por supuesto que a modo de broma (y aludiendo a lo impreciso de la ubicación geográfica del relato) porque su vínculo artístico con Borges es innegable. "Toda la película, Historias extraordinarias, está llena de giros, de trucos borgeanos. El propio Borges lo dice: la vida me ha enseñado algunos trucos, simular que lo que estamos viendo es una versión más pequeña de algo que ya existe. Simular un narrador que duda. Todos esos trucos están ahí puestos. Todos. Es como una especie de compendio de artillería borgeana". Cuenta Llinás de su propia película Historias extraordinarias, estrenada en 2008 en un momento en el que una película de 4 horas generaba un impacto muy especial. 17 años después la película sigue viva y dialogando con un nuevo tiempo. Durante este año se reestrenó en el Malba una vez más con gran éxito y hace unas semanas atrás llegó a la plataforma HBO como una rara avis de su programación. Para quienes no la vieron es una gran oportunidad. Y para quienes ya la vieron también lo es para volverla a ver y encontrarse con una película que definitivamente cambió el modo de concebir el cine en Argentina. Su extensión de 4 horas, dividida en tres partes, con intervalos en el medio para que quienes iban al cine a verla pudieran salir "cigarrillo, baño" decía Llinás, y volver a la sala, supone un plan de casi cinco horas que para estos tiempos en apariencia ansiosos y con bajo poder de concentración parece una odiseaAunque parezca que estuvo siempre, el cine apenas tiene 130 años. Ese apenas no es fortuito, como casi ninguna otra disciplina artística, tiene fecha de inicio. La sabemos. Será un poco arbitraria, es difícil tener certezas de cuándo se vio por primera vez en la historia una imagen en movimiento, es cierto, pero hay consenso. 28 de diciembre de 1895 en París, unas imágenes reales -ya comenzamos a percibir la dificultad de la cosa- inauguraban lo que décadas después tomaría forma y se consagraría como el séptimo arte. En esas primeras vistas, unas mujeres obreras salían de la fábrica. Punto. Era en blanco y negro, no había sonido en las cintas y terminaban cuando terminaban, no había montaje, ni siquiera aquel primitivo que consistió en pegar una cinta con la otra para multiplicar su duración. Momentos reales captados por una máquina capaz de reproducir las imágenes una atrás de la otra con tanta velocidad que daba la impresión de movimiento. Y voilà, nació el cine. Los hermanos Lumière, fotógrafos e inventores, no creyeron demasiado en su invento, pero ya estaba, no había vuelta atrás. Apenas nació, no tenía ni siquiera su estatuto, sus debates, sus bases y fue atropellado por las vanguardias históricas de comienzo de siglo. Dadaísmo, surrealismo, cubismo, futurismo, estos movimientos que buscaron romper con la tradición y las normas, experimentaron, provocaron, fueron en contra de la repetición mimética. ¿Y el cine? No había tenido su período clásico y ya era vanguardia. Apenas había reproducido la realidad en esas primeras vistas, no lo sabían pero fueron los primeros documentales de la historia del cine, y ya estaba teniendo su paso por el surrealismo. Trailer de Historias extraordinarias, de Mariano LlinásSin prisa pero sin pausa, el cine durante el siglo XX fue experimentando todas las etapas. Así, ni bien llegó el sonido casi a finales de la década del 20, el cine se inclinó para la narración y en las décadas siguientes se consagraría el cine clásico, el de los grandes estudios, el cine de género, del sistema de estrellas con sus divos y divas. El cine argentino acompañaba los pasos, más tímido pero firme. Siempre sosteniendo su industria pero también sufriendo los embates de las crisis económicas y de censura. Y cuando la crisis de fines de los 90 parecía ahorcar hasta la muerte a la industria del cine, apareció un nuevo grupo de jóvenes que sin proponérselo, cambió el rumbo. Nuevos modos de producir, un BAFICI que nacía, historias que nunca habían sido contadas, tiempos muertos mostrados en la pantalla grande, blancos y negros, actores no profesionales protagonizando filmes. "El Pampero Cine nace en el año 2002, más que como una simple productora, como un grupo de personas dispuestas a experimentar y a renovar los procedimientos y las prácticas del cine hecho en la Argentina" escriben a modo de manifiesto sus creadores: Laura Citarella, Agustín Mendilaharzu y Alejo Moguilansky. "En el marco de la formidable renovación conocida como Nuevo Cine Argentino, vecina de films como Mundo Grúa de Pablo Trapero, La libertad y Los Muertos, de Lisandro Alonso, y Los guantes mágicos de Martín Rejtman, la producción de El Pampero Cine se cuenta entre la más original y celebrada de los últimos diez años. Sus obras han innovado en prácticamente todos los campos de la actividad cinematográfica. La influencia de El Pampero Cine no solo se plasma a nivel estético: Su revolución alcanza -sobre todo- las formas de producción y de exhibición. Desde Balnearios, en el 2002, El Pampero Cine ha desarrollado un sistema de producción basado en el rechazo a los postulados industriales y a la radical independencia de las fuentes clásicas de financiación, que le ha permitido una producción constante y fértil. Con Historias Extraordinarias, quedó confirmado que El Pampero Cine ha impuesto en la Argentina una nueva manera de producir, trabajando con presupuestos marcadamente inferiores a la más pequeña de las producciones industriales sin que dicha inferioridad de condiciones tenga relación alguna con la calidad técnica o estética de las obras".Y a partir de esta nueva concepción sobre el cine muchas preguntas emergieron. ¿Qué películas tienen más público? ¿Las que llenan la sala en sus semanas de estreno o aquellas que quedan en la historia, que sobreviven el paso del tiempo como La ciénaga de Lucrecia Martel? Historias extraordinarias pertenece a este último grupo de películas: las que perduran, las que se vuelven a ver. Por eso que, a casi dos décadas de su estreno, Historias extraordinarias, una película que sin dudas marcó un antes y un después en la manera de hacer cine en Argentina, se incorpore a la plataforma de HBO resulta no solo una buena noticia sino una confirmación de su importancia. Su extensión de 4 horas, dividida en tres partes, con intervalos en el medio para que quienes iban al cine a verla pudieran salir "cigarrillo, baño" decía Llinás y volver a la sala, supone un plan de casi cinco horas que para estos tiempos en apariencia ansiosos y con bajo poder de concentración parece una odisea. Pero no, no lo es. La película es vertiginosa, mantiene al espectador atento a los avatares de los protagonistas a través de la voz en off (Daniel Hendler, Juan Minujín y Verónica Llinás) tan característica del cine de Llinás, una tensión, un interés tan particular que remite al universo borgeano desde el comienzo hasta el final. Una especie de inquietud, de duda sobre lo que realmente sucede. Los diálogos escasean y en cambio el relato será conducido por esas voces que no sabemos a quienes pertenecen. No son omniscientes, no saben todo, tienen dudas, no pueden contarnos la totalidad de la trama. "Bueno. Es así. Un hombre, llamémoslo 'X', llega en medio de la noche a una ciudad cualquiera de la provincia. De X no sabemos prácticamente nada. Sabemos que viaja por trabajo. Sabemos que ese trabajo es burocrático y gris. Un trabajo cualquiera. Es decir, no es periodista, no es detective, no es escritor, no es fotógrafo, no es científico. No es nada que pueda suscitar de antemano emoción o interés. Pensemos más bien en un técnico, en un inspector municipal o en un agrimensor. Algo así". De esta manera empieza Historias extraordinarias, los lazos con Borges se palpan, el oxímoron respecto a su título también y entonces ya el espectador está al menos intrigado. Y se queda. La película narrará la historia de tres sujetos, X, Z y H. sus iniciales grises y deslucidas anticipan a estos seres que nada tienen de extraordinario. Podría ser cualquiera, son tres sujetos al azar que Llinás elige y sumerge de tal modo al espectador en sus vacías vidas que muestra con maestría que el cine, acercándose tan al detalle a lo que quiere mostrar, puede convertir lo ordinario en extraordinario. Esa es tal vez la clave del séptimo arte: poder ver de cerca, detenerse por un rato en lo que en la rutina pasa desapercibido. "Por qué 17 años después estrenan Historias extraordinarias no lo sé, supongo que porque es de ellos, fue producida por el viejo I.Sat, la película le debe su existencia a I.Sat. Entonces supongo que estarán cuidando su acervo. Y además tienen Trenque Lauquen, es decir un vínculo con El Pampero, y tal vez un día exhiban La flor -la película de 14 horas que estrenó en 2018 y le valió el premio del Bafici de la competencia internacional- porque también tuvieron que ver con su producción", contesta Llinás para LA NACION desde China. "Mi impresión es que ahora hay una aceptación a las películas largas como una categoría más, no como algo excepcional o molesto, sino que es un tipo de película. Y los espectadores se dan cuenta de que viéndolas aparecen cosas que en la duración tradicional no aparecen. Como si hubiera una progresiva conciencia en cierta parte del público de que hay algo que se gana en la larga duración. Y eso me ha dado muchas satisfacciones. Ahora estoy terminando una película de Borges que también me parece que va a hacer una película larga". Ha dicho también en entrevistas que encuentra al cine totalmente distinto a aquellos años cercanos al comienzo del cambio del milenio en el que proliferaban los debates; hoy, en cambio, los ve muy sujetos a los formatos específicos de las plataformas. "Yo soy una especie de optimista crónico, tal vez porque tengo tantos motivos para ser pesimista que si le sumo mi propio pesimismo no hay a donde ir, entonces me cuesta pensar en el contexto tan desfavorable para el cine. Es un contexto muy particular donde se está gestando una nueva hegemonía que tiene que ver con las plataformas. Esa nueva hegemonía tiene un gusto, porque parece bastante definido. Pero lo bueno, me parece a mí, que tienen las organizaciones independientes como El Pampero y tantas otras, es que siempre estuvieron al margen en el paradigma anterior, y lo van a estar en este. Al ser criaturas más anfibias tienen mayor libertad para saltar de uno al otro sin tantos daños. Salen más perjudicados por el cambio de paradigma algunos esquemas como las productoras de cine más clásicas, pensadas con un esquema de exhibición tradicional y de producción. El Pampero es tan extraño en su manera de concebir el cine, radical, que tiene la capacidad de adaptarse. Si bien las películas siempre están hechas para las salas, no necesitan de un gran estreno en sala". Desde que apareció Llinás en la escena nacional, se mantuvo siempre al margen del financiamiento del Estado e hizo de su independencia un sello propio, uno que le permite hablar sin tapujos del momento crítico que vive el cine. "Como soy optimista, tiendo a pensar que el hecho de que aparezca un gobierno tan hostil al cine, un gobierno que tiene una mirada tan destructiva y que esté construyendo una especie de demagogia de enfrentar a la gente con sus películas, con su propio cine, efectivamente puede tener una consecuencia negativa en lo inmediato, pero puede tener algo positivo y es recordarles a las personas que hacen cine que siempre tienen que desconfiar de los funcionarios públicos, cualquier idea de plantear una suerte de confianza, casi de alianza con los gobiernos, con los sectores de poder público, es un error. Ahí, durante los años kirchneristas, hubo un paso en falso, para mí. Un montón de sectores del cine que se sintieron demasiado representados con un sector del gobierno, creyendo que querían lo mismo. Y mi impresión es que nunca es lo mismo. Una cosa son los intereses de los artistas y otra los de los funcionarios públicos. Esa fue mi opinión siempre y por eso no estuve cerca de ningún gobierno y espero no estarlo. La aparición de un gobierno tan caricaturesco puede hacernos entender que siempre es bueno estar un paso al costado".

Dónde ver los Globos de Oro 2026: horarios, nominados y más sobre los premios a lo mejor del cine y la televisión

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En crisis: el cine perdió el 32 por ciento de espectadores en todo el mundo: el fracaso de los tanques y el impacto de las plataformas

En una época hoy tan lejana como el meteorito que acabó con los dinosaurios, las noticias sobre las idas y vueltas del negocio del espectáculo sólo les importaban a quienes apostaban por o vivían de él. Hoy incluso en las redes sociales los mal llamados cinéfilos disputan la calidad de un film de acuerdo con el monto recaudado por el entretenimiento de marras. Hay listas de ganadores y de perdedores que, por supuesto, sólo apelan al contexto o a la morigeración de datos cuando no coinciden con las expectativas de quienes más invirtieron. O cuando decepcionan a la persona menos indicada. Lo más divertido del asunto es que fingimos demencia respecto del estado real del cine en todo el mundo, el verdadero tamaño del negocio. A eso vamos.En aquel rutilante universo anterior a la sopa de murciélago y su hijo Covid-19, la Argentina vendía aproximadamente 50 millones de entradas, y los Estados Unidos, unos 10.000 millones de dólares en tickets durante el año. Podía variar para arriba o para abajo: 2019 fue, en el norte de América, un annus mirabilis en el que se llegó a los 11.000 millones. Luego vino la debacle pandémica, el cierre de gran parte de las actividades humanas y, especialmente, del entretenimiento gregario. No vamos a repetir que las grandes empresas decidieron invertir aceleradamente en las plataformas, ni que "la pandemia aceleró los tiempos" porque es un lugar común. Aunque, como todo lugar común, guarda algo de verdad, en este caso, mucho.Se preveía que iba a haber una recuperación "a cinco años". Estamos a casi seis y la recuperación -es decir, alcanzar el mismo nivel de ventas que antes de la debacle- "bien, gracias", "vamos viendo". En 2023 parecía que todo cambiaba para mejor con el "Barbenheimer", fenómeno que puso dos películas con más de 1000 millones de dólares de recaudación global en una misma ventana de exhibición. Hubo otros éxitos, por cierto, y se recortó camino. En 2024, el fracaso indudable de muchos grandes "tanques" hizo que la taquilla estadounidense (tomemos el fiel de la balanza) quedara alrededor de un 23% por debajo de la de 2019, cuando se esperaba no más de un 15%.Se pensó que 2025, con el regreso de Superman y Los 4 Fantásticos (de las marcas del mundo "superhéroes" más globales, aunque no tanto como Batman) más un nuevo Pixar (en 2024 Intensa Mente y Mi villano favorito 4 morigeraron la caída de la recaudación) y algunos otros prospectos generaban la esperanza de que sí, volveríamos a crecer. No pasó: Pixar no tuvo éxito, los fantásticos, Superman y otros superhéroes apenas sí recuperaron costos, y la película más vista fue una animación china (Ne Zha II) que sólo funcionó en su país (funcionó unos 2000 millones de dólares, quinta película más vista de la historia...sin actualizar por inflación, claro). Hollywood no vendió más que unos 8000 millones de dólares. Un 20% menos que en 2019. Pero muchas, muchas menos entradas.Porque hay un truco: los números estadounidenses ocultan que se cortan menos tickets porque suben los precios y porque una gran parte es de gran formato, como el IMAX, cuyas oscilan entre los 15 dólares promedio de una entrada común a unos 40 y hasta 50 dólares con aditamentos premium. Y muchos filmes (Pecadores, F1-La película, etcétera) hicieron su agosto y más meses gracias a esos formatos. Pero la verdad es la siguiente: la baja global de asistencia en salas de cine se estima en un 32%. Y eso está "maquillado" por el precio de las entradas. Por eso los Estados Unidos son caso clave: el precio promedio del ticket en 2019 era de 9,16 dólares mientras que en 2025 es de 11,31 dólares. El aumento nominal es del 23,5% pero la inflación en el período fue de 26%, lo que significa una ligera disminución real en precios (2,5%). Lo mismo pasa, con diferencia mínima, en Europa Occidental y China.Así que, si bien la recaudación es alrededor de un 22% más baja que en 2019, la disminución del público es diez puntos porcentuales mayor. Esto hace que el "tanque" sea cada vez más inviable, porque el recupero de la inversión por venta de entradas es menor al aumento de presupuestos por la inflación. Y dado que los cines se llevan el 50% de lo recaudado en el país de origen, una película de 200 millones de dólares de producción que, además, gasta lo mismo en marketing, debería recaudar al menos 800 millones de dólares globalmente para salvar la ropa, porque en países como China el recupero es menor, sin contar las diferencias del precio de entradas (en la Argentina, hoy el promedio es de 4,3 dólares, en línea con el precio histórico aunque llegó a los 7 dólares a mediados de este año). Y por último, si no hay un incentivo muy grande (IMAX, por ejemplo), el 30% del público espera a que la película pase por las plataformas. ¿30%? Sí, consistente con esa baja global. Cuando James Cameron dice que se requieren por lo menos 1500 millones de dólares para recuperar la inversión de Avatar: Fuego y cenizas, no exagera. Es ingeniero, aparte: sabe de números.Este es, en suma, el verdadero "tamaño" del cine, que está en crisis incluso -podemos decir "sobre todo"- en el campo del gran entretenimiento, porque los costos son cada vez más difíciles de recuperar. ¿Y dónde queda el arte en todo esto? Avatar... es un atisbo: la película se construye sobre todo por el poder visual y la experiencia inmersiva que propone en el 3D y el gran formato. La historia -incluso si está bien narrada- es mínima porque lo que importa es la experiencia. El anuncio de La Odisea rodada íntegramente con cámaras y formato IMAX va en el mismo sentido: más grande, más fastuoso, más envolvente. Y, por cierto, menos riesgo, originalidad o novedades.

Cómo es por dentro la mansión en la que vivía Ricky Martin en California: tiene 12 baños y un cine privado

El mercado inmobiliario de lujo en California volvió a ser noticia con la impresionante venta de la antigua residencia del puertorriqueño Ricky Martin, la cual alcanzó la cifra de US$35 millones. Se ubica en una de las zonas más exclusivas del estado, y esta propiedad no solo destaca por su alto valor comercial, sino por el diseño vanguardista y la sofisticación que el cantante impregnó en ella durante sus años de estancia.Así luce la antigua casa de Ricky Martin en CaliforniaLa residencia principal ofrece seis dormitorios y 12 cuartos de baño, que se ubican en una planta que incluye vestíbulo, amplias salas de estar y áreas sociales formales. La funcionalidad se integra con la elegancia en una cocina de alta gama y zona de lavandería independiente, detalló The Real Deal.En el exterior, la propiedad se transforma en un oasis privado con extensas áreas verdes, terrazas panorámicas, piscina y un exclusivo sector de spa, diseñados meticulosamente para el entretenimiento y el relax al aire libre, detalló Realtor.Entre las características adicionales se incluyen un cine privado, varias suites con vistas al mar o al jardín, y una suite principal con terraza propia, zonas de estar y dos vestidores.La publicación de venta detallaba la residencia con las siguientes palabras: "Ubicada tras altos portones y con acceso a través de un largo camino sinuoso y arbolado, la propiedad se despliega en un amplio aparcamiento con capacidad para más de 20 vehículos".El terreno incluye una lujosa residencia principal, casa de huéspedes, cancha de tenis, área de juegos infantiles independiente y una caseta de seguridad.La construcción de la mansión data de 1956, y destaca por sus amplias dimensiones de 9200 pies cuadrados (850 metros cuadrados) y una gran renovación que actualizó su esencia mediterránea. Su ubicación sobre un terreno elevado y despejado garantiza una vista de 360 grados, lo que permite contemplar desde el perfil urbano de Mid-Wilshire hasta el horizonte marino de Santa Mónica y la silueta montañosa de Malibú, indicó The Pride.Una propiedad que bajó su precio considerablementeLa que fue residencia de Ricky Martin en California cerró finalmente su venta por US$35 millones, cifra que representa un drástico descuento frente a los US$75 millones que se pedían inicialmente en agosto de 2024. Tras no encontrar interesados, la propiedad pasó a manos del corredor Carl Gambino, quien aplicó un ajuste de US$25 millones para situar el precio en US$49,9 millones, indicó Masion Global. Aunque el precio final de venta fue de menos de la mitad del original, la casa mantiene un historial de plusvalía notable: el cantante la adquirió en 2004 por US$10,9 millones y la vendió posteriormente a Michael Smith por US$15 millones.Los famosos que pasaron por la residencia de Beverly Hills Además de Ricky Martin, el ganador del Oscar, Michael Caine, que apareció en The Dark Knight y The Cider House Rules, también vivió en la propiedad, al igual que la familia de la cantante y actriz Doris Day. El multimillonario inversor Michael Smith también formó parte de la cartera de propietarios, destacó El Diario NY.Actualmente, nada se sabe del nuevo comprador de la mansión y desde Grupo Gambino en Compass no abordaron en más detalles sobre el tema. Alrededor de la propiedad se encuentran algunas de las residencias más populares del mercado. La finca se encuentra cerca de otras casas importantes de Beverly Hills propiedad de familias notables, como los Pritzker y los Murdoch, así como de una futura residencia de la familia Gates, consignó New York Post.Entre los famosos que viven en Beverly Hills se encuentran artistas y figuras públicas como la cantante Taylor Swift, la actriz Jennifer Aniston, la presentadora de televisión Ellen DeGeneres y la actriz Jennifer Lawrence.

Cine gratis en Buenos Aires: a qué hora y dónde es

El Centro Cultural Recoleta se convertirá en sede de una exhibición de películas.¿Cómo conseguir las entradas del cine gratis en Buenos Aires?

Retiro de Uyari en Cineplanet desata denuncias de censura y ola de reclamos en redes sociales: "Este cine va a ser parte del maltrato"

Pese a que la cinta había sido anunciada en varios cines de la cadena, el día de su estreno fue retirada sin ninguna explicación; solo se habilitó un horario en Juliaca a las 2:50 pm

Series y cine en streaming: los estrenos más importantes que llegan en enero

En enero, las principales plataformas de streaming tienen listos numerosos lanzamientos que buscarán atraer la atención de sus usuarios, en un mercado cada vez más competitivo. De ese modo, en las próximas semanas llegarán prometedores títulos como el nuevo spin off de Game of Thrones, la segunda temporada de un prestigioso drama médico, y la última película de Guillermo Francella, entre tantas otras novedades. The Pitt (Segunda temporada)Luego de un primer año muy sólido, que incluso le valió numerosas nominaciones en distintas premiaciones, regresa The Pitt con su nueva temporada. El actor Noah Wyle una vez más se pone en la piel de Robby, un médico que lidera un equipo de profesionales de la salud a lo largo de un turno de guardia que se prolonga por más de medio día. A fuerza de un ritmo cargado de adrenalina, en el que los doctores deben tomar decisiones muy complejas en pocos segundos, The Pitt logra mantener un clima vertiginoso, que solo se toma un respiro para hacer foco en las dudas que asoman en momentos cruciales. Con un espíritu muy cercano al de la mítica E.R. Emergencias (y en ese sentido no es casual la presencia de Wyle), esta es con comodidad una de las mejores series de la actualidad., esta es con comodidad una de las mejores series de la actualidad. La segunda temporada de The Pitt ya está disponible en HBO Max.Joven secuestrada (miniserie)Las hermanas gemelas Lily (Tallulah Evans) y Abby (Delphi Evans) llevaban una vida apacible, que transcurría entre sus estudios y la vida familiar. Pero todo cambia de manera dramática cuando Lily es secuestrada y mantenida en cautiverio durante varios años. El responsable de ese delito es Rick Hansen (Alfie Allen), un profesor del colegio en el que ambas estudiaban. A pesar de las intensas búsquedas, la familia de la joven nunca pudo encontrarla. Pero casi una década más tarde, Lily logra escapar y denunciar el infierno que atravesó, sin saber que esa situación dará pie al dolor de intentar volver a su antigua rutina, en medio de una sociedad que la había olvidado y bajo el amparo de una familia a la que le cuesta reconocer. Joven secuestrada ya se encuentra disponible en Paramount+. All her Fault (miniserie)>Basada en la novela homónima de Andrea Marra, esta ficción se focaliza en la angustia que atraviesa una madre que no logra encontrar a su hijo. Marissa Irvine (Sarah Snooke) pasa por la casa de un amigo de su pequeño para retirarlo luego de una tarde de juegos. Sin embargo, cuando le abren la puerta, ella se encuentra con que en ese domicilio vive otra familia, y que nadie escuchó ni siquiera hablar de su niño. A partir de ese instante, la mujer evita desesperar y focalizar su atención es descubrir qué sucedió en ese lugar, y cuál es el paradero de su hijo. Y a medida que su investigación avance, Marissa descubrirá secretos profundamente guardados en el seno de un pueblo en el que siempre abundaron las mentiras y las traiciones. All Her Fault es un adictivo thriller en el que junto a Snooke, también se encuentran Dakota Fanning, Sophia Lillis, Jake Lacy y Michael Peña. All Her Fault ya está disponible en Prime Video. Homo Argentum (película)Luego de una larga espera, finalmente llega Homo Argentum, la exitosa película protagonizada por Guillermo Francella, y dirigida por la dupla compuesta por Mariano Cohn y Gastón Duprat. Este título, que con más de un millón trescientas mil entradas vendidas se posicionó como el film argentino más taquillero del 2025, está integrado por dieciséis historias independientes, en las que el propio Francella interpreta a todos los personajes centrales de cada relato. Bajo esa premisa, el popular actor argentino hace gala de su versatilidad, y se pone en la piel de toda clase de figuras que bordean la excentricidad, la humildad o el tono costumbrista, entre los muchos tonos que atraviesan los cortos.. Homo Argentum estará disponible en Disney+ a partir del 16 de enero.El caballero de los siete reinos (primera temporada)A casi 7 años de su final, el universo de Game of Thrones se expande aún más con la llegada de este segundo spin off, que adapta una serie de novelas cortas. El mundo de fantasía heroica creado por George R. R. Martin se traslada en esta serie a un siglo antes de los hechos narrados en la saga central. Aquí los protagonistas son el caballero Sir Duncan El Alto (Peter Claffey), y su escudero, el joven Egg (Dexter Sol Ansell). Ambos personajes deberán recorrer las tierras de Poniente y enfrentarse a toda clase de amenazas y criaturas. Pero lejos de las sagas ambiciosas que involucran a decenas de personajes, esta vez la historia es mucho más chica y comprende a los dos personajes centrales y sus pequeñas batallas. La primera temporada de seis episodios, se encolumna en la estrategia de HBO por continuar posicionando a Game of Thrones como una de sus principales franquicias, y confiando en que el público continúa interesado en descubrir nuevos relatos ambientado en ese mundo fantástico. De ese modo, El caballero de los siete reinos es no solo una ficción ideal para los fans de esa saga, sino que también es un gran aperitivo de cara a la tercera temporada de La casa del Dragón, que llegará a mediados del 2026. El caballero de los siete reinos estrena el 19 de enero en HBO Max. Belleza perfecta (primera temporada)El productor Ryan Murphy (responsable de Monstruos, American Horror Story y Glee, entre otras ficciones) estrena de manera casi mensual un nuevo proyecto: ahora llega el turno de Belleza perfecta. En esta serie, una pareja de agentes del FBI se dirige a París, para investigar la muerte de varias supermodelos. A medida que el caso avanza, el agente Cooper (Evan Peters) descubre una posible relación entre un virus de transmisión sexual y un multimillonario tecnológico que elaboró una droga sintética que puede llevar a la muerte a sus consumidores. A medida que la acción se traslada por diferentes ciudades como Roma, Venecia o Nueva York, las muertes se multiplican, frente al aumento en la demanda de una droga que promete un físico hegemónico. Belleza perfecta es un ambicioso thriller conspirativo, que cuenta con un elenco de lujo entre quienes se destaca a Ashton Kutcher, Ari Graynor, Bella Hadid, Ben Platt, Isabella Rossellini, Lux Pascal, Meghan Trainor, Nicola Peltz Beckham, Peter Gallagher y Vincent D'Onofrio. Belleza perfecta estrena en Disney+ el 21 de enero. Wonder Man (miniserie)Marvel vuelve a estrenar una serie, a pesar de algunos pasos en falso (como sucedió con She-Hulk, o Ms. Marvel), y esta vez apuesta por un personaje que en los cómics fue un importante Vengador, pero que durante los últimos años quedó algo relegado. La historia de Wonder Man comienza con Simon Williams (Yahya Abdul- Mateen II), un actor que sueña con obtener el papel que lo catapulte a la fama. Por ese motivo es que cuando se entera de manera fortuita que van a realizar un film de superhéroes, decide hacer lo imposible para obtener el papel central. Y sin proponérselo, termina por conseguir mucho más que eso, porque se convertirá en el dueño de increíbles superpoderes que lo llevarán a plantearse si prefiere ser un admirado héroe o un prestigioso actor. En tono de comedia, Wonder Man presenta la historia de un atípico justiciero que terminará por enfrentarse a Trevor Slattery (Ben Kingsley), un caricaturesco villano que apareció en Iron Man 3 y en Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Los ocho capítulos de Wonder Man estarán disponibles el 27 de enero en Disney+.

'El increíble castillo vagabundo', de Studio Ghibli, será reestrenada en salas de cine en México: esta será la fecha

Los boletos de preventa ya se encuentran disponibles para la cinta animada dirigida por Hayao Miyazaki y nominada al Premio Oscar

Las cinco recomendaciones culturales de la semana: inauguraciones, teatro, poesía y cine

Muestra colectiva en la galería Gachi Prieto, experiencias de realidad virtual en La Rural, encuentro de lectores y las ofertas de cine del Recoleta. Leer más

El festival Retina de música y cine salta en su novena edición a Madrid y Barcelona

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, 35 planes para disfrutar del viernes 9 al domingo 11 de enero, con recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Desde teatros y estadios hasta el sillón de casa: planes para todos este finde en la ciudad y centros de veraneo.Este viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas.

Un homenaje a Godard y un tributo a Neil Diamond renuevan la cartelera de cine esta semana

Cuál será la clasificación en salas de cine de México de 'Primate', película de terror que abrirá la cartelera del género este 2026

La cinta ya tuvo un preestreno en el país el pasado lunes 5 de enero, pero oficialmente su estreno es este jueves 8

El adiós a Béla Tarr, director de "Tango Satánico" y pionero del cine contemplativo

El cineasta húngaro falleció este martes 6 de enero. El artista recibió su primera cámara a los 14 años y dedicó su vida a la creación de tomas prolongadas, composiciones claustrofóbicas y una narrativa minimalista que invita a la reflexión filosófica. Leer más

Murió el director húngaro Béla Tarr, el mago del cine de autor más radical

El director húngaro Béla Tarr, autor muy reconocido entre los cinéfilos y creador de films como Sátántangó, Las armonías de Werckmeister o El caballo de Turín, murió en Budapest a los 70 años tras una larga enfermedad, según informó el realizador Bence Fliegauf a la agencia de noticias local MTI, en nombre de la familia del artista.Tarr realizó 11 largometrajes cinematográficos a lo largo de sus cuatro décadas de carrera, desde su debut en 1979 con Nido familiar hasta su última película, Missing People (2019), una pieza muy especial, encargada para el Wiener Festwochen (el festival cultural que se celebra anualmente en Viena), en la que Béla Tarr presenta imágenes conmovedoras de pobres, migrantes y vagabundos, cuyas vidas contrastan con el opulento entorno de la capital austríaca. Por ello, el cineasta pensaba indagar aún más en las videoinstalaciones y seguir desarrollando allí su impulso creativo.Sin Béla Tarr es imposible entender el cine de autor más radical del último medio siglo. De él han bebido multitud de creadores, desde el portugués Pedro Costa hasta el tailandés Apichatpong Weerasethakul, Palma de Oro en Cannes; Gus Van Sant (que rodó, siguiendo sus enseñanzas, Gerry) o László Nemes, el último húngaro que ha concursado en el festival francés con la rompedora El hijo de Saúl: Nemes fue ayudante de Tarr en El hombre de Londres. Durante años impartió un prestigioso curso de cine en la Film Factory de Sarajevo, de donde salieron, entre otros, el islandés Valdimar Jóhannsson (Lamb) o la española Pilar Palomero.La obra probablemente más conocida de Tarr, Sátántangó (El tango de Satanás), retrata a lo largo de siete horas y media, en blanco y negro, el derrumbe del comunismo en Europa del Este a través del fresco de un pueblo desolado de la campiña húngara. La película adaptó en 1994 la novela homónima del último Nobel de Literatura, László Krasznahorkai, colaborador habitual de los proyectos de Tarr. Esa simbiosis creativa surgió de un impulso (como siempre hizo en su carrera, el cineasta se movía por sensaciones) de Tarr: el director se presentó en casa del novelista con la propuesta de adaptar su Tango satánico. Ocurrió, recordaba hace poco el ya Nobel de Literatura, en un día oscuro en Budapest, a finales de los años ochenta en la Hungría comunista. Aún no se conocían. Krasznahorkai rechazó la oferta. Es más, le dijo incluso que no volvería a escribir y cerró la puerta. Béla Tarr rodeó el edificio, se fijó en una ventana con la luz encendida y golpeó con los nudillos el cristal. Krasznahorkai se estaba lavando la cara en el baño. Abrió y contempló la cara de Tarr bajo la lluvia. "Ve mis películas y entenderás por qué quiero adaptar tu literatura", le dijo el cineasta. Y así empezaron a crear. Antes había llegado La condena (1988), y después, por fin, crearon Sátántangó (1994), que se basaba en aquella propuesta inicial de adaptar Tango satánico (1985).La siguiente colaboración entre cineasta y escritor fue Las armonías de Werckmeister (2000), basada en la novela Melancolía de la resistencia (1989). En El hombre de Londres (2007), basada en una novela de Georges Simenon, Krasznahorkai escribió el guion con Tarr, aportando su tono filosófico característico. Ambos se complementaron en ritmo y estructura. La trama sigue a Maloin, trabajador ferroviario que recupera un maletín con una importante cantidad de dinero en la escena de un asesinato del que es el único testigo.Béla Tarr nació en Pécs, pero creció en Budapest en una familia de clase trabajadora. A los 10 años, su madre le llevó a una prueba de reparto en la televisión nacional en 1965. Ahí comenzó una cortísima carrera como actor, como hijo del protagonista en una adaptación de La muerte de Iván Ilich. Solo volvería a la interpretación en Temporada de monstruos (1986). Él lo que quería era ser filósofo, pero acabó, tras filmar una película sobre trabajadores gitanos, en los estudios Béla Balázsâ??. Tras rodar su primer largo, Nido familiar, ya en compañía de su esposa, la directora y montadora Ágnes Hranitzky, con quien codirigió muchos de sus trabajos; Tarr decidió estudiar cine en la Escuela húngara de artes teatrales y cinematográficas.Cuando el pasado mes de marzo el cineasta recibió el homenaje del festival barcelonés D'A (el húngaro ha recibido todo tipo de galardones, incluido el de honor de la Academia europea del cine, en los últimos 15 años), Tarr conversó con Manel Raga (otro de los asistentes españoles a su escuela bosnia) y allí explicó sobre su obra: "El cine está ahí cuando algo te importa y quieres compartirlo, eso es muy humano". Aseguró que siempre había intentado luchar por la dignidad humana, por sus propias creencias como anarquista y por una cuestión moral: "En Europa usamos subvenciones, he hecho películas con nuestros impuestosâ?¦ Lo que devuelves al público es importante". Como consejo a los aspirantes a cineastas, les dijo: "¡Sé libres! ¡Y me cago en la industria cinematográfica!". Porque para él, los guiones eran, en muchos casos, papeles burocráticos: "Eso son papelesâ?¦ para conseguir financiación y calmar a los inversores. Las películas son personas". Y por eso, impulsó a quienes le escuchaban a pisar la calle: "Deben encontrar su propio lenguaje. Vivir la vida, estudiar la vida. El cineâ?¦ vendrá".

Kristoff Raczynski arremete contra influencers que hacen reseñas de cine pagadas y polémica alcanza a Gaby Meza

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Fue un colaborador cercano del Nobel de Literatura László Krasznahorkai y llevó varias de sus obras al cine.Crítico de las obras de Hollywood, ganó el Oso de Plata en 2011 por "El caballo de Turín".

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En Japón existen alrededor de 300 agencias de familias de alquiler.El fenómeno se muestra en Familia en renta, la película con Brendan Fraser que se estrena próximamente.

¿Hamnet es Hamlet?: un juego de paralelismos que va del libro al cine y promete impactar en la temporada de premios

¿Cuán autobiográfica es una obra de arte? ¿Cuántas máscaras se pueden colocar en un texto para hablar desde las propias entrañas del dolor? La irlandesa Maggie O'Farrell escribió Hamnet, una novela que bucea en el duelo del matrimonio Shakespeare ocasionado por la muerte de su hijo de 11 años. La adaptación de esta ficción, dirigida por Chloé Zhao, es una de las películas favoritas de la temporada de premios cinematográficos con seis nominaciones a los Globo de Oro y llegará a los cines argentinos el próximo jueves 22 de enero. ¿De qué modo bebe Shakespeare de su propia tragedia para crear la célebre Hamlet? ¿De qué modo acude O'Farrell a través de la obra del bardo para crear su propia ficción? En los últimos años la literatura irlandesa brindó textos notables que se han convertido pronto en adaptaciones cinematográficas o televisivas, producciones que merecieron varias nominaciones a los premios más prestigiosos: The Quiet Girl (2022), basada en la novela Tres luces de Claire Keegan, dirigida por Colm Bairéd; Los espíritus de la Isla (2022), escrita y dirigida por el maestro actual del teatro de la crueldad Martin McDonagh; No digas nada, de Patrick Radden Keefe, sobre las hermanas Price, terroristas del Ejército Republicano Irlandés (IRA); Normal People, de Sally Rooney, convertida en una serie que catapultó a la fama a Paul Mescal. También, aunque anterior a esta oleada, se ubica John Boyne, autor de El niño con el pijama de rayas (2006).Hamnet (2020), el libro de O'Farrell, residente en Edimburgo, mantiene vivo el interés por la literatura de su país natal. Su adaptación al cine, producida por Steven Spielberg y Sam Mendes, ha recibido varias nominaciones al Globo de Oro, entre ellas a mejor película, mejor actriz protagónica (Jesse Buckley), mejor dirección y mejor guion, coescrito por la propia O'Farrell y la realizadora Chloé Zhao, ganadora del Oscar por Nomadland. Además, la película cuenta con la banda de sonido de Max Richter (el compositor de las desgarradoras partituras de La amiga estupenda y The Leftovers).Fue James Joyce quien esgrimió por primera vez que existía un vínculo estrecho entre Hamnet, el hijo de William Shakespeare, y la tragedia ambientada en Dinamarca. El propio Joyce escribía sobre este tema en la colosal Ulises, donde la pareja de Leopold y Molly Bloom pierde a su bebé al poco tiempo de nacer. El crítico estadounidense Harold Bloom, en su ya clásico La invención de lo humano, destaca y defiende la teoría de Joyce, desde el análisis y la historiografía, del mismo modo en el que O'Farrell abona a esta hipótesis desde la ficción. "Esta novela es el resultado de mis vanas especulaciones", escribe la autora y advierte al lector que Hamnet no es una biografía y que allí donde tenía dudas o había vacíos en la historia, colocó parches de ficción. William Shakespeare y Anne Hathaway -O'Farrell le cambia el nombre por Agnes- tuvieron tres hijos: Susanna y los mellizos Hamnet y Judith. El pequeño muere en 1596, casi cinco años antes del estreno en Londres de la versión definitiva de Hamlet, en 1600-1601, indica Bloom. Shakespeare trabajó en varias versiones de la obra y se inspiró en algunas piezas anteriores, como Amleth de Belleforest, sobre un mago (oficio que luego inmortalizará en La tempestad a través de Próspero). Hamlet fue para el bardo un modo de atravesar el duelo, una catarsis y un homenaje: "Cuando asistimos a una representación de Hamlet o leemos la obra a solas, no tardamos mucho en descubrir que el príncipe trasciende su obra. La trascendencia es una noción difícil para la mayoría de nosotros, en particular cuando se refiere a un contexto enteramente secular, como un drama de Shakespeare. Algo en Hamlet y a su alrededor nos impresiona como pidiendo (y dando) prueba de alguna esfera más allá del alcance de nuestros sentidos", escribió Bloom. Hay una idea central y de ruptura para la época en la que aparece la tragedia, hacia el ocaso del Renacimiento: el hombre puede escapar a su destino ("Para Hamlet, el carácter es independiente de la voluntad", escribe Bloom). Es decir, el príncipe puede hacerle caso a su padre asesinado, atender a su clamor de justicia y sangre, o bien buscar otra alternativa para desenmascarar a su tío. Por eso, teatro dentro del teatro, el príncipe trama con un grupo de cómicos la representación de La ratonera, para develar a la corte que Claudio es un asesino. Lo intenta, y en este intento de burlar el mandato, ha sido libre. O'Farrell cuenta la historia detrás de la historia, y lo hace modificando los roles y las conductas de los personajes, convirtiendo en protagonistas a criaturas ignoradas de la vida real y haciéndolas arquitectas de la suerte de Shakespeare. En primer lugar, es Agnes la protagonista de Hamnet, la muchacha que enamora a un joven Shakespeare, preceptor de latín: "Cuando mira a alguien le ve hasta el fondo del alma. No hay ni una gota de hostilidad en ella. Se toma a las personas por lo que son, no por lo que deberían ser". Germaine Greer, la crítica feminista reconocida por La mujer eunuco, escribió La mujer de Shakespeare (2007), donde denuncia el modo en el que el dramaturgo la silenció y convirtió en apenas una nota al pie en sus obras. Esta hipótesis es la que recoge O'Farrell para reivindicar a una mujer considerada la bruja y curandera del pueblo, hija de un granjero rico, que se enamoró de un joven sin futuro y le brindó uno fértil y luminoso. Agnes se hace cada vez más grande y fuerte para sostener su casa y a sus hijas: "Comprende que ella no debe perder la calma ni la paciencia, debe acrecentar su casa a flote, para que no se la trague esta oscuridad; debe cuadrarse frente a esta amenaza, proteger a Susanna, tapar sus propias grietas, cerrarle el paso". La novela tiene un narrador omnisciente cuyo foco de interés está puesto en primer lugar sobre Agnes, sobre su intuición y temperamento y, en segundo lugar, sobre los niños, sobre el propio Hamnet a quien le escribe una muerte heroica. O'Farrell, también autora de libros para niños, conoce muy bien este universo. Paralelos entre Hamnet y HamletHamlet es la tragedia de venganza por antonomasia. El propio Shakespeare tenía motivos para sentir esa sed, para convertirla en el motor de sus ansias de ajusticiar los errores que sus padres habían cometido con él. Su padre, un próspero fabricante de guantes caído en desgracia, lo obliga a impartir clases de latín a los niños de un granjero a quien adeudaba una fortuna. El joven Shakespeare se convierte en un esclavo de la acción adulta de hombres con poder, o con más poder que él. Hamlet/El joven Shakespeare no quiere seguir los pasos de su progenitor; ha estudiado, se ha cultivado, mira el mundo desde otro prisma. Gertrudis, la madre de Hamlet, es una mujer narcisista, poco cariñosa, solo enamorada del poder que puede ejercer siempre en la sombra de un hombre, de su esposo monarca (ya sea Hamlet padre o de Claudio, después). En la lectura de Hamnet, Joan, la madre de Agnes, encerrada en su ombligo y aferrada al trono de su posición social y económica puede leerse como una suerte de Gertrudis. Incluso ambos personajes son instrumentos, marionetas útiles movidas por los hilos de sus esposos en pos de conseguir alguna recompensa: para la reina, el trampolín que ubica a Claudio en la Corona; para Joan, la niñera y criada que sus hijos Agnes y Bartholomew necesitan. El personaje de Agnes también puede leerse como un alter ego de un personaje de Hamlet: Ofelia. Hamlet es cruel con ella; se abusa de su inocencia y nobleza; la abandona; la hiere con sus palabras y actos. Agnes es abandonada por Shakespeare, quien marcha a probar suerte en el teatro de Londres y la deja sola en Stratford, bajo el cuidado de los tres hijos de la pareja. O'Farrell construye de modo claro el extrañamiento que siente Agnes cuando su marido regresa a visitar a la familia: no lo reconoce ni por sus gestos ni por su obsesión. Aquel muchacho que amó vive encerrado en una cápsula de silencio exterior y tormento interior. Esta sensación, de modo más extrema, es la que padecerá Ofelia cuando Hamlet haya iniciado una batalla contra sus dudas y su destino. La cordura de Agnes es puesta en duda antes de la muerte de su hijo, del mismo modo en el que Ofelia la pierde, incapaz de soportar el duelo de sus seres queridos. Hay otros personajes de Shakespeare que aparecen troquelados en el personaje de Agnes: como un espejo invertido de Lady Macbeth, Agnes es bondadosa y empuja a su marido hacia el poder, el éxito, pero a través del reconocimiento de sus virtudes y no mediante el abismo moral. Ambas también están hermanadas en el dolor: han perdido a un hijo y no hay palabras ni actos que puedan consolarlas. Otro personaje que se encuentra en los poros de Agnes es el de Rosalinda, de Como gustéis, quien viste en ocasiones como hombre (en la novela, el joven William cree que es un muchacho la primera vez que la ve), quien lucha por su deseo y quien encuentra en el bosque su refugio. Fantasmas sombríos y luminosoEn Todo es verdad (2018), la película dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh, se recrean los últimos años de vida de Shakespeare, cuando, ya convertido en un célebre y próspero dramaturgo, regresa de Londres a su casa en Stratford, donde viven su esposa e hijas, a quienes ha descuidado y abandonado. Judi Dench protagoniza a su esposa, aún más sabia que durante su juventud: "En esta casa sos solo un huésped", le dice al hombre mientras le cierra la puerta de su habitación, al mito, al director de compañía y al artista mimado por la Corona. El espectro de Hamnet ronda las páginas de la novela de O'Farrell, pero a diferencia del fantasma del rey asesinado de la tragedia, quien clama venganza, la presencia del niño es luminosa. La novela Hamnet marcha hacia la representación de Hamlet y hacia el modo en el que una sola espectadora puede decodificarla. ¿Qué le ocurre cuando presencia su propia tragedia, ubicada en un entorno rural, sin reyes ni reinas ni duelos de espada? ¿De qué modo Shakespeare, autor y director, mantuvo vivo a su hijo en el recuerdo de su hijo en el joven actor que interpretó al príncipe? El duelo nunca cesa y esta idea se hace carne en Todo es verdad. Shakespeare encuentra, escribe Juan Villoro en su ensayo "El rey duerme", un pequeño paliativo a su dolor: "La obra revierte la tragedia filial: el hijo sufre la inesperada muerte del padre". Es un procedimiento poético, Hamnet no regresa a la vida, pero su fantasma no se marcha; se convierte en inmortal.

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En diálogo con The Hollywood Reporter, un grupo de actores, perfilados por los críticos como principales candidatos a los Oscar, reflexionaron sobre los desafíos personales y profesionales que enfrentaron en sus roles más recientes, desde la exigencia física hasta la presión emocional

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"Tenés todo en un mismo lugar": el multiespacio de Mar del Plata que junta teatro, cine y gastronomía en una sola salida

En medio de un barrio de Mar del Plata alejado de la costa hay un proyecto de escala poco habitual para la escena argentina. Un lugar donde la programación cultural convive con una propuesta gastronómica que no queda relegada al "antes o después". El espacio nació en 2022 con una ambición doble: la arquitectónica â??por su cantidad de ambientes y usosâ?? y la de agenda, con teatro breve, música y cine como parte de un mismo recorrido."Soy una buscadora de experiencias gastronómicas y por eso creo que uno de los fuertes que tiene Chauvin es la propuesta de la carta. Parece que puede competir un poco con lo artístico, pero nosotros creemos que se complementa, que a uno ya no le alcanza con ver solamente una propuesta teatral o musical interesante, sino también quiere poder sentarse en un bar y tomar un buen trago o sentarse y poder comer algo rico", dice Julieta Novarro, una de las dueñas.En esa lógica, la gastronomía aparece integrada al plan. Una carta que se fue ajustando para cubrir distintos momentos de la salida: opciones de "vermuteo" para picar temprano y platos de entrada, principales y postres para sentarse a cenar, todo maridado con barra de tragos de autor y una oferta amplia de vinos. La propuesta incluye paellas en dos estilos como uno de los ejes fuertes; entrantes como burratas, carpaccio de pulpo y langostinos; y principales con risottos, pesca del día, además de carnes, pastas, alternativas vegetarianas y opciones sin TACC.Para Novarro, la chispa inicial que dio origen a Chauvín es nada más y nada menos que Microteatro, la propuesta de microobras que ella abrió en Buenos Aires hace unos años. "Microteatro fue el proyecto inicial y después lo que se volvió más ambicioso donde converja gastronomía, arte, cultura, ocio, como terminó siendo", resume.Ese formato es el núcleo del proyecto: obras breves de 15 minutos, con temáticas que cambian mes a mes. De acuerdo al material, además de dramaturgias que llegan por curaduría, también abren convocatorias para textos de autores locales, y los elencos son marplatenses. La experiencia, en definitiva, está pensada para circular: ver más de una microobra, combinar con un trago o una cena, y seguir con otro plan dentro del mismo edificio.Una experiencia 360 Es una experiencia 360 que se apoya en la estructura de hormigón y la vegetacioÌ?n que suaviza con su contraste y, mismo tiempo, exalta la construcción. Hay un salón principal amplio con sectores tipo boxes, un patio con vegetación y un subsuelo donde funcionan las salas de Microteatro. Ese mismo subsuelo, con paneles rebatibles, puede transformarse en un gran salón con escenario y barra, con capacidad para 350 personas. Ese sótano también puede transformarse en un microcine para orientado a eventos corporativos y una terraza con techo vidriado rebatible. El primer piso agrega otra capa: una sala que alterna entre cine y sala de recitales. Como cine, figura con 72 butacas y una función fija los miércoles a las 20, con curaduría mensual junto al Incaa, enfocada en estrenos y documentales. Como soundroom funciona de jueves a domingo con recitales en formato a pie o con butacas: de pie, la capacidad ronda entre 120 y 130 personas.En música, la agenda intenta abarcar públicos diversos: desde un ciclo de emergentes para talentos jóvenes hasta shows de artistas consagrados. La lista de artistas que ya pasaron por el espacio incluye a Emmanuel Horvilleur, Dante Spinetta, Leo García, Los Espíritus, Barbie Recanati y Nahuel Pennisi.En palabras de Novarro: "Pienso en que es una palabra difícil de decir y a veces está bastardeada, pero la calidad es clave. Haga lo que haga uno tiene que ser con sentido común y poniéndose en el lugar del cliente, del espectador, de hacerlo vivir una experiencia que uno consumiría. Siempre me pongo en el lugar del otro y me parece que eso es una de las claves para tener un lugar que perdure en el tiempo".La búsqueda de continuidad también se traslada al día: Chauvin funciona como espacio de coworking, con promos de desayuno, sugerencias del día y apertura desde las 8. Esa amplitud del horario apunta a que el lugar no dependa solo de la lógica nocturna, en una ciudad donde el calendario cultural suele concentrarse fuerte en verano."Sabemos que es un verano con grandes desafíos y queremos ofrecer propuestas que estén acorde al bolsillo de la gente, pero sin dejar en un lugar especial. Sabemos que es muy difícil producir obras que vengan de Buenos Aires. Así todo, hay artistas que están jugándose y están apostando por Chauvín. Nosotros no pensamos en Chauvín como un espacio para el verano, nosotros pensamos como un lugar legalizado de la propuesta marplatense para todo el año", plantea Novarro.La temporada En ese marco, ya se adelanta parte de la cartelera estival: una "microselección" con lo mejor del año de Microteatro; y en unipersonales, En el aire con Facundo Arana. También figura el regreso de Fabio Posca con Transcensual (con estreno el 9 de enero y seis funciones), además de Ros Ferrer con De Sara a qué ella Sara Connor y No me acuerdo de las cosas, de Julieta Otero dirigida por Dalia Gutman.Según Novarro, "Mar del Plata es una ciudad recontrapotente que tiene miles de propuestas y tiene un público ávido de hacer muchas cosas y que es un escenario especial para nuevas propuestas. Creo que es una ciudad recontraexigente y no es que le falte algo, sino que hay que ir un poco más allá".La recepción se apoya en esa idea de salida completa: un lugar donde se puede cenar, ver teatro y hasta ir al cine sin cambiar de coordenadas. Incluso aparece una comparación recurrente que le hacen al espacio por su impronta arquitectónica y el tipo de plan: que podría estar en el exterior o en polos porteños como Palermo o Belgrano."Creo que con Chauvín nosotros estamos llegando a un espacio de consolidación en lo cuanto a lo cultural. Antes, uno tiene que salir a buscar al artista o las propuestas. Hoy es al revés, hoy se acercan ellos y eso es el antes y el después que uno tiene cuando tiene un espacio cultural, ¿no? Cuando te vienen a buscar para hacer algo es lo más lindo que te pueda pasar porque quiere decir que estás haciendo las cosas bien", asegura Novarro. Al mirar hacia adelante, proyecta: "Nos encantaría que esto se pueda replicar más que nada en Buenos Aires. Para sentir que tengo una noche completa en Buenos Aires con una muy buena gastronomía, con un haber visto una buena obra de teatro, haber ido un recital, tengo que ir a distintos lugares. Acá tenés todo en un mismo lugar".

Finn Wolfhard compartió su visión sobre el futuro del entretenimiento: "No creo que el streaming sea el fin del cine"

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Del pronóstico de fracaso a leyenda del cine: a los 76, Sigourney Weaver vuelve a ser una heroína de la pantalla

CIUDAD DE MÉXICO.- Aunque está sentada esperando por el comienzo de la entrevista con LA NACION, su largas piernas elegantemente cruzadas delatan lo que la pantalla muestra hace décadas: Sigourney Weaver es alta, imponente como su personaje más famoso, la valiente Ripley de la saga Alien. Pero, a diferencia de la guerrera del espacio, más allá de su estatura lo que se percibe de inmediato en la actriz es una calma que, de cierta manera, impacta más que su altura de 1.82 metros. Sonriente y dispuesta a hablar de Avatar: fuego y cenizas, la tercera entrega del relato de fantasía y ciencia ficción al que su amigo y director James Cameron la invitó a sumarse hace ya 16 años, Weaver sonríe incluso al recordar las dificultades que atravesó cuando era estudiaba teatro en Nueva York y sus profesores le insistían con que dejara de lado su sueño de actuar. Según ellos era demasiado alta para triunfar en el mundo del espectáculo. -¿Es cierto que alguna vez le dijeron que su altura le impediría tener éxito en Hollywood? -Creo que ese era el consenso general, al principio de mi carrera. Lo cierto es que nunca tuve la intención de trabajar en Hollywood. Lo que sí quería era trabajar en teatro pero mis profesores intentaron disuadirme. Fue en ese momento en el que pensé: "Tal vez pueda hacer lo que soñaba en el teatro en este otro medio, en el cine. Quizás ahí pueda interpretar papeles protagónicos, secundarios, hacer comedia o drama. Simplemente ir de una cosa a la otra sin limitaciones". Que es lo finalmente hice. Gracias al cine tengo la carrera que inicialmente quería tener en el teatro. Ese camino, la llevó a transformarse en un ícono de la pantalla grande, a conseguir tres nominaciones al Oscar por un trío de films Aliens: el regreso; Secretaria ejecutiva y Gorilas en la niebla, que no podrían ser más distintos uno del otro, y eventualmente a ser una de las protagonistas de la épica ecologista de Cameron, en la que interpretó primero a Grace, una científica humana fascinada con los habitantes de Pandora y luego, asistida por la tecnología, a Kiri, su ¿hija? adolescente que en el film estrenado a mitad de diciembre gana un nuevo protagonismo. -¿Cómo fue la experiencia de la filmación de esta tercera parte de Avatar, comparada con las dos anteriores?-Para nosotros, los actores, fue una experiencia asombrosa en todas las ocasiones. Creamos escenas que meses después se completarán en postproducción así que no hay tecnología alrededor nuestro. Se trata de un escenario vacío que compartimos entre el elenco y Cameron. Él no está detrás de un monitor, sino que está con nosotros; ni siquiera tiene una cámara en la mano. Creo que esa cercanía es lo que más ama de estas películas. Al terminar el rodaje él tiene mucho más trabajo que hacer pero para los actores es muy estimulante esta forma de filmar. Se siente muy pura, no hay presiones de tiempo. No existe la idea de "tenemos que terminar esta escena antes del almuerzo". Uno simplemente hace las escenas una y otra vez hasta que todo el mundo está satisfecho de que se exploraron todos los aspectos posibles de esa toma. -De alguna manera, suena a una especie de compañía teatral en los ensayos de una obra. ¿Le sirvió su experiencia en los escenarios en el proceso de filmar Avatar?-Sí, me siento muy afortunada de haber empezado mi carrera en puestas del off-off Broadway. Esta experiencia me recordó a la sensación de estar haciendo ese tipo de ejercicios y el hecho de poder volver a ello tantísimos años después de la escuela de teatro es un placer, especialmente porque ahora sé qué hacer con esas herramientas. Ahora puedo apreciar esa libertad y del espíritu de intentar todo lo que se te cruce por la cabeza y el cuerpo en relación a la escena. Realmente no sé si existe algún otro film que utilice a sus actores con la intensidad que lo hace éste. Para algunos puede ser un poco irónico que una película que necesita tanto trabajo de postproducción, al mismo tiempo vuelva a los principios fundamentales de la actuación en el caso del elenco y de la dirección por el lado de Cameron. -Alguna vez dijo que conoce a Cameron hace muchos años, pero que ahora son amigos. En 2026 se cumplen 40 años del estreno de Aliens: El regreso, su primera película juntos. ¿Cómo cambió su relación desde aquel entonces?-Bueno, siempre fuimos amigos, solo que en el comienzo éramos amigos que no se conocían bien. Siempre estuvimos del mismo lado cuando tuvimos que proteger a Alien 2. Fue una película muy complicada de hacer y mucha gente en Inglaterra, donde se filmó, no conocía el trabajo que Jim había hecho en Terminator. Muchos no la habían visto y él se la pasaba organizando funciones para que el equipo de producción la viera pero no iba nadie. Creo que ni yo la había visto en ese entonces. Pero en mi caso, él me había enviado su guion para la secuela de Alien y cuando nos reunimos unos meses después me preguntó si tenía comentarios o objeciones para hacerle sobre la historia y le contesté que por supuesto que no. Era el guion más perfecto que había leído en mi carrera. Luego, hicimos la gira para promocionar la película, a la que nos referimos en broma como el tour de la victoria, que comenzó en el Festival de Venecia. La pasamos muy bien y descubrí que Jim era muy gracioso. Me preguntaba de dónde había salido este tipo tan cómico porque no se parecía al que estuvo en el rodaje todos esos meses. Entendí que en ese momento simplemente estaba bajo demasiada presión, las exigencias que tenía eran tantas que no se podía permitir exhibir su lado más liviano. Ahora se ríe todo el tiempo. Y nuestro vínculo es muy dulce, nos conocemos hace mucho, nos reímos el uno del otro todo el tiempo. Siempre dice que creó el personaje de Kiri para mí, porque soy muy inmadura para mi edad. A lo cual yo respondo que él también lo es y por eso ambos disfrutamos tanto de habitar el mundo de Pandora. Lo quiero muchísimo. Espíritu adolescenteEn la nueva Avatar, la tercera del quinteto imaginado por Cameron, Jake Sully (Sam Worthington) y Neytiri (Zoe Saldaña) están lidiando, cada uno a su manera, con el duelo por la muerte de su hijo mayor mientras intentan mantener a salvo al resto de su prole integrada por el rebelde Lo'ak (Britain Dalton), la pequeña Tuk (Trinity Jo-Li Bliss) y sus hijos adoptivos Spider (Jack Champion) y Kiri (Weaver) alrededor de quienes gira gran parte de la trama y el misterio a descubrir. Especialmente cuando se trata del origen de Kiri y sus habilidades para conectarse con la madre naturaleza que imaginó Cameron para Pandora, ese mundo al que los espectadores no se cansan de regresar. El film estrenado el 18 de diciembre ya lleva recaudados 760.4 millones de dólares en todo el mundo y se espera que para la semana próxima alcance los mil millones en la taquilla global. En la Argentina se mantiene como la película más vista de las últimas dos semanas con un acumulado de casi 600 mil entradas vendidas. Aunque el fenómeno no alcanzó los picos que sí tuvo la segunda entrega de la saga, de todos modos ya ingresó en la lista de las películas más taquilleras del año producidas por Hollywood: por ahora ocupa el quinto lugar detrás de Zootopia 2, Lilo & Stitch, Una película de Minecraft y Jurassic World: renace. Todos, como Avatar, dirigidos al público familiar, aunque solo uno tenga a una leyenda de 76 años interpretando a la sabia Na'vi adolescente que resulta la gran heroína del cuento. -¿Tomó cosas de su propia adolescencia para componer a Kiri?-Sí. Es decir, a los 14 años yo era bastante infeliz. Soy así de alta desde los 11. Así que siempre era la que le llevaba varias cabezas a mis pares y era muy torpe. Me sentía cohibida todo el tiempo. Ese fue mi primer paso para componerla. Recurrí a los recuerdos de aquellos años, volví a ese momento de mi historia. Al mismo tiempo, al ver la película terminada me doy cuenta de que Kiri tomó el mando durante el rodaje. Es casi como si yo, la actriz, hubiese dado un paso al costado para no cruzarme en el camino del personaje. Estoy convencida de que fue así. Siento que aquel set del que hablaba antes la impulsó. Fue una experiencia muy interesante para mí porque usualmente me preparo mucho antes del comienzo de un proyecto y cuando llego a la filmación ya tengo todo resuelto, desde el aspecto de mi personaje a todo lo demás. Sin embargo, en este caso fue algo más colaborativo gracias a la generosidad de todo el elenco. Especialmente de Zoe Saldaña que me tuvo que "tolerar" como su hija adolescente. Ella está acostumbrada, en la vida real con sus hijos y en la ficción, a tener a todos estos chicos pequeños alrededor, pegados a ella. Y en mi caso, el de Kiri, era todo lo contrario. Mi actitud era: "No te me acerques, mamá. No me abraces, no quiero ser normal, quiero estar en el bosque". El otro día en una entrevista Zoe describió nuestra dinámica diciendo: "Cuando yo decía rojo, ella decía azul. Cuando yo decía arriba, ella decía abajo". Así que le agradezco mucho por su paciencia.

Una explosión, un derrame masivo y 11 muertos: la trágica historia de Deepwater Horizon, el desastre ambiental que marcó al Golfo de México y el cine

El accidente ocurrido en 2010 dejó una huella irreversible en el ecosistema marino, provocó pérdidas humanas, una crisis social y económica. Años más tarde, fue retratado en una película que dio visibilidad global a la magnitud del desastre

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Coincidir 2026 inicia su quinta edición en el Viejo Hotel Ostende con una programación cultural gratuita durante todo el verano. El ciclo reúne literatura, teatro, cine, música y talleres frente al mar, con actividades para grandes y chicos. Organizado junto a Fundación Medifé, se extenderá de diciembre a febrero en el histórico balneario.

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El próximo año se perfila como uno de los más ambiciosos para la industria cinematográfica, con regresos de franquicias históricas, apuestas de autor y grandes producciones pensadas para la pantalla grande. Conocé más. Leer más

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En una entrevista difundida por Movieclips y Rotten Tomatoes en YouTube, el actor mexicano reflexiona sobre la evolución de la representación latina, sus desafíos en El beso de la mujer araña y el valor de interpretar personajes complejos

Tiene 37 años. Es actor, nieto de uno de los iconos más grandes del cine y su vocación solidaria lo llevó por América Latina y África

Steven Chadwick McQueen nació el 13 de julio de 1988 en Los Ángeles, California, fruto del matrimonio de la actriz Stacey Toten y Chad McQueen, piloto de autos, profesional de las artes marciales y actor. Hijo de una familia que mezcla la industria del cine y el deporte, su infancia transcurrió entre mudanzas constantes -incluyendo una etapa en Detroit- y el homeschooling. Steven es nieto de uno de los íconos más grandes de Hollywood: el célebre Steve McQueen, conocido por papeles inolvidables en La gran evasión y Papillon. Su abuela, la actriz filipina Neile Adams -tía de Isabel Preysler- también dejó su huella en la pantalla. Esta herencia en el séptimo arte despertó en Steven un amor temprano por la actuación. "Comencé a ver las películas de mi abuelo y mi pasión se desplegó", dijo en una entrevista. Sus padres estuvieron sólo un par de años casados y su madre volvió a casarse con el jugador de hockey Luc Robitaille, quien se convirtió en figura paterna fundamental para el actor; de hecho, la "R" de su nombre artístico proviene de Robitaille. ACTOR Y CONQUISTADOR Desde 2005, comenzó con pequeños papeles en series como Without a Trace y CSI: Miami, además de un rol recurrente en Everwood. Pero el gran salto llegaría en 2009, interpretando a Jeremy Gilbert en The Vampire Diaries, personaje que interpretó hasta 2015 (con aparición en el final de 2017). En cine, se destacó en Piranha 3D (2010) junto a Elizabeth Shue y Jerry O'Connell, y en The Warrant (2020). Entre las conquistas amorosas del nieto de Steve McQueen se encuentran la actriz Chelsea Kane, Candice Accola (su compañera en The Vampire Diaries) Dylan Penn (la hija de Sean Penn), Olivia Pickren y la modelo Allie Silva, con quien se comprometió en 2018. Esa historia terminó unos meses después y, desde entonces, se desconoce quién es la dueña de su corazón. VOCACIÓN SOLIDARIA Más allá del cine, Steven también pone sus energías en el trabajo social y las causas solidarias. Es embajador activo de Thirst Project, una organización que lucha contra la crisis global de agua potable. Por esta razón, ha viajado a varias comunidades en África para la construcción de pozos de agua. También colabora con las organizaciones Pacific Marine Mammal Center (se dedica a rescatar y rehabilitar mamíferos marinos) y TECHO (que busca acercar a las familias a una vivienda digna y superar la situación de pobreza extrema en asentamientos precarios). A sus 37 años, Steven abraza con naturalidad tanto su legado como su propia carrera y se convierte en la nueva cara de una familia que dejó huella en Hollywood.

Invocar al cine en sus historias

Las dos películas de Richard Linklater ofrecen un vínculo cinéfilo y preocupado por la historia del cine, sus artífices, y los procesos creativos.

Murió Pablo Moret, el James Dean del cine argentino

Fue un galán argentino de estirpe francesa, con un rostro y estilo que lo acercaba a los perfiles de Gerard Philipe y James Dean, y que tuvo desde mediados de la década del 60 una destacada carrera en el cine argentino. Con la muerte de Pablo Moret, a los 92 años, prácticamente se cierra el ciclo de los rostros de la poderosa Generación del 60 del cine argentino y se despide el último de los protagonistas de Dar la cara, el clásico de José Martínez Suárez y en donde Moret era uno de los tres jóvenes "colimbas" que buscaban un rumbo en sus vidas.Moret fue uno de los retratos de esa generación entrecruzada por el cine, el deporte y la política. Nacido en Tarn et Garonne como Amable Auguets, el 2 de junio de 1933, hijo de padre francés y madre catalana. Con 20 años llegó a la Argentina donde encontraría de la mano de la prestigiosa Hedy Crilla una vocación artística y el nombre que le daría fama y que no lo abandonaría jamás. Iniciado en el espectáculo como bailarín en La cabalgata del tango, que se presentaba en el Teatro Argentino, pronto intervino como extra en María Magdalena, donde compartió una escena de baile con la bellísima Laura Hidalgo. Fue el prólogo para una sucesión de papeles conquistados al amparo de la renovación del cine argentino al cual llegó ya con sus afamados ojos claros y su rutilante nombre artístico.Sucedió en 1958 cuando, luego de una prueba de casting, le fuera confiado el rol de Jarvis Liudas, hijo del magnético estafador encarnado por Vassili Lambrinos para Los tallos amargos (que estelarizó Carlos Cores), y que sirve en la trama para poner en crisis el supuesto crimen perfecto. Enorme ejemplo local de cine negro, el film de Fernando Ayala conquistó los principales premios de aquel tiempo y le brindó a Moret una temprana nominación para los premios de cronistas como "revelación del año" y que finalmente fue a manos de Oscar Rovito por Edad difícil. Ayala lo convocará nuevamente para uno de los roles de El Jefe, basado en el libro de David Viñas, que resulta un clásico automático del cine argentino. Su rostro se sumará a los elencos de Aquellos que amamos, de Leopoldo Torres Ríos y que protagonizaron Lautaro Murúa y Aída Luz; El asalto, un policial en la lente de Kurt Land; ...Y el demonio creó a los hombres, con Isabel Sarli; la versión cinematográfica de Quinto año nacional, heredada del éxito televisivo; la tan extraordinaria como olvidada Una jaula no tiene secretos, uno de los pocos papeles donde demostró su vena dramática Alberto Olmedo.Luego de su protagónico en Dar la cara, de Los que verán a Dios y La familia Falcón, tendrá con el cine una pausa de casi una década, para volver acompañando a Isabel Sarli como parte del elenco de Fiebre, que dirigió Armando Bó. Entre tanto, Pablo Moret se convirtió en referencia ineludible del teleteatro y de las fotonovelas, donde tuvo un enorme éxito. En la década del 80 retornó al cine brevemente en diversas películas entre las que se destacaron Los días de junio, de Alberto Fischerman; Cuerpos perdidos, de Eduardo de Gregorio y una despedida de la mano de Eugenio Zanetti en Amapola, hace poco más de una década. Por su destacada trayectoria artística le había sido conferida en Francia la "Medalla de honor de la comuna de Molière".Enamorado de sus paisajes, Pablo Moret cambió la fama por Puerto Montt, donde tuvo una posada y un pequeño restaurante, y donde desde la Capilla Madre de Dios de esa localidad chilena partió para su morada final. En el mundo del espectáculo permanecerá por siempre en el recuerdo de su público, cada vez que se revea alguno de los grandes clásicos del cine nacional en los que intervino y en la memoria de la gente que conoció a un actor de un rostro inimitable que era la carta de presentación de una persona excepcional.

Así fue el sensual baile de Brigitte Bardot en "Y Dios Creó a la Mujer" que revolucionó la industria del cine

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La muerte de Brigitte Bardot: 11 películas para ver y recordar a la leyenda del cine francés

Más allá de la belleza, la actriz francesa construyó personajes que incomodaron, provocaron y marcaron época. Una guía de 11 films clave para entender su legado.

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El arte de la animación, entre el cine y el juego

La llegada de Michael Frei a Buenos Aires se vivió como un fenómeno de nicho. Un movimiento subterráneo dentro del gran ecosistema cultural porteño, donde conviven cientos de festivales y ciclos cada mes. Frei convocó a un público joven, muy conocedor del universo digital: animadores, diseñadores, programadores, gamers y curiosos del lenguaje interactivo que encontraron en él a un referente. Su visita, en el marco de la undécima edición del Festival Internacional de Animación Bitbang â??con varias sedes distribuidas en varios puntos de la Ciudadâ?? confirmó la fuerza centrípeta del evento, capaz de reunir multitudes sin perder su identidad alternativa.El festival se consolidó como un espacio de convergencia entre la animación, el videojuego y el arte experimental. Cada año amplía su alcance, pero conserva cierta discreción frente a la sobreoferta cultural de la Ciudad. Es masivo, pero parece oculto. Corre en paralelo al circuito oficial, con la energía de lo que todavía no fue absorbido del todo. En ese contexto, Frei encaja a la perfección: sus obras habitan la frontera entre el cine y el juego, entre la contemplación y la acción.El autor suizo habla con LA NACION con calma y precisión. Recuerda que, al principio, internet le parecía el espacio ideal para una nueva forma de democracia: "Todo estaba al alcance de cualquiera. Era oscuro, pero accesible. Un lugar donde uno podía perderse y, al mismo tiempo, inventarse de nuevo". Con el tiempo, la euforia se transformó en una mirada más escéptica. Internet había prometido libertad, dice, pero terminó funcionando como un sistema más, con sus propias jerarquías y premios. Aun así, sigue creyendo que es el mejor territorio para experimentar con la animación y con los modos en que el público puede interactuar con ella.Sus cortos Plug & Play y Kids son piezas breves, abiertas, donde el espectador no solo mira: participa. Frei busca una interacción física, no narrativa. "No quería que el jugador eligiera opciones, sino que la acción viniera del movimiento, del cuerpo". Esa lógica lo llevó a desarrollar, junto a Mario von Rickenbach â??diseñador y desarrollador de videojuegos residente en Zúrich con el que trabajaâ?? una serie de obras híbridas, entre la animación y el videojuego, donde cada gesto tiene una consecuencia visual. "No se trata de una historia para mirar, sino de un pequeño ecosistema para habitar", explica.Cuando Plug & Play se volvió viral, comenzaron a aparecer videos en YouTube con gente reaccionando al juego. Frei lo vio con distancia: "No supe muy bien cómo actuar. Ver mis animaciones o mis juegos reproducidos por otros, convertidos en clips o comentarios de youtubers, me resultaba extraño. Había gente haciendo dinero con esas reproducciones, con algo que yo había creado con tanto esfuerzo. Pero no me molestaba del todo: era una muestra de cómo funcionan las cosas en esta era. La obra deja de pertenecer al autor en el momento en que alguien la sube a la red. "Un día me invitaron a presentar el juego en un programa de televisión en Tokio. Era una convención enorme, con miles de asistentes. Lo curioso fue que el público más entusiasta no eran los jóvenes, sino mujeres de entre cuarenta y cincuenta años. Me sacaban fotos, querían que les firmara cajas, y durante semanas el juego circuló entre grupos de señoras japonesas que lo compartían en redes como si fuera una rareza pop. Me pareció fascinante y, al mismo tiempo, incomprensible. Nunca había imaginado que mi trabajo podría conectar con ese público. Era raro, pero también liberador. La obra deja de pertenecerte en el momento en que alguien la sube a la red", comparte sin rencores.En Bitbang, su presencia no solo reforzó la proyección internacional del festival, sino también su espíritu: una celebración encendida, como cuando se proyectó su trabajo en el auditorio de la Escuela Da Vinci, repleto de jóvenes entusiastas que le hicieron preguntas en inglés, algunos todavía con máscaras del festejo de Halloween. "Mi primer corto era muy simple, apenas tres o cuatro minutos â??detallaâ??. Lo terminé casi por curiosidad. Luego vino otro proyecto, más ambicioso, en el que quería mezclar la animación con la estructura de un videojuego. Me interesaba la idea de que el espectador pudiera intervenir, pero no de forma tradicional. No quería que eligiera opciones como en los juegos narrativos. Buscaba algo más físico: que la acción viniera del movimiento, del cuerpo, del contacto. "Ahí conocí a Mario, con quien empecé a desarrollar la idea de una animación interactiva. Fue en 2014, desde entonces trabajamos juntos. Una de nuestras referencias era un viejo juego de Flash, muy rudimentario, pero que tenía esa sensación de presencia que me fascinaba. No había muchas decisiones que tomar, pero uno sentía que realmente estaba adentro".De la previsibilidad al caosFrei habla despacio, eligiendo cada palabra con la misma precisión con la que dibuja. En su paso por Buenos Aires explicó su búsqueda: una forma de animación que no se mira, sino que se habita. Frei vive y trabaja en Zúrich, donde coordina talleres de animación y proyectos colaborativos con escuelas europeas. Su trabajo fue exhibido en Annecy, Ottawa, Sundance y Clermont-Ferrand, entre otros festivales. A Buenos Aires llegó con una actitud tranquila, casi doméstica, sorprendido por la vitalidad cultural de la ciudad. "Hay algo muy estimulante en este caos â??dijoâ??. En Europa todo tiende a la planificación. Aquí las cosas surgen con una espontaneidad que me resulta envidiable".Desde sus primeros cortos, Frei entendió que la relación entre obra y espectador debía ser más física que narrativa. Lo suyo no era contar una historia, sino provocar una respuesta: un movimiento, una reacción, una mínima alteración del cuerpo frente a la pantalla. View this post on Instagram "Queríamos trasladar esa sensación al lenguaje de la animación. Que el jugador-espectador se sintiera implicado no porque el sistema lo recompensara, sino porque cada gesto físico tuviera un eco visual. Así nació la idea de convertir lo que hacíamos en una aplicación. No era un videojuego en el sentido clásico, pero tampoco un corto. Era algo en el medio: una animación que se desplegaba según la manera en que el usuario interactuaba con ella. Cuando finalmente lo lanzamos, nos tomó por sorpresa la respuesta. Duraba seis minutos, pero la experiencia podía extenderse al doble. Cada partida era distinta. No era una historia para mirar, sino un pequeño ecosistema. En ese momento entendí que no estaba tan interesado en hacer cine ni videojuegos, sino en explorar ese territorio híbrido donde ambos se rozan".Cuando lanzó Plug & Play, Frei recuerda que la reacción del público fue muy distinta al de Kids, su juego anterior. "Plug & Play se volvió más masivo, casi viral, mientras que Kids quedó en un terreno de nicho, más introspectivo. Pero lo importante no era el alcance, sino la experiencia. Me interesaba que la gente lo jugara, que interactuara, que se dejara llevar por algo que no entendía del todo", se deja llevar por el diálogo.Su obra se caracteriza por una estética austera, despojada de artificios, donde cada elemento parece responder a una lógica interna más que a una búsqueda de impacto visual. Frei trabaja con una precisión casi matemática, pero también con una intuición que proviene del gesto y del ritmo. Esa economía formal, que muchos identifican como una marca de estilo, para él es simplemente una forma de concentrarse en lo esencial. "Nunca pensé demasiado en el color ni en los recursos visuales. Me atrae la simplicidad, la economía de medios. El blanco y negro no es una decisión estética, sino funcional: me permite concentrarme en el movimiento y en el ritmo interno de la obra. Supongo que de ahí viene esa sensación minimalista que algunos ven como un estilo. Para mí el estilo es más bien una necesidad, si lo hay es una consecuencia".La obra dialoga con dinámicas de producción y exhibición que cambiaron en la última década. La transición del circuito festivalero a las plataformas en línea y la emergencia de espacios híbridos como Bitbang obligan a repensar la vida útil de una pieza y el estatuto de su autoría. En ese pasaje se inscriben tensiones prácticas â??derechos, monetización, formatosâ?? y también estéticas: qué es público y qué es privado en una obra que solo adquiere pleno sentido cuando alguien la acciona. Frei parece aceptar esa condición sin victimismos; su postura es de trabajo: hace, prueba y comparte.Es relevante además el efecto pedagógico de encuentros como el de la Escuela Da Vinci. Para muchos estudiantes la discusión no fue teórica: fue una lección práctica sobre cómo montar un proyecto, cómo negociar el software con la línea visual y cómo pensar la distribución. Frei habló de errores convertidos en hallazgos y de la disciplina necesaria para sostener la austeridad formal. Esa lección tiene consecuencias locales: abre vías para quienes trabajan con pocos recursos pero altas exigencias conceptuales.La escena porteña absorbe, así, una tensión fecunda: por un lado, la urgencia de formatos que capten una atención fragmentada; por otro, la posibilidad de experimentar con la corporalidad del usuario como eje narrativo. En ese punto se inscriben tanto las piezas virales como los trabajos de nicho; ambos alimentan una cultura audiovisual que no se reduce a consumo pasivo. Para Frei funciona como principio operativo. Termina la charla y queda la sensación de que la animación contemporánea cabalga sobre esa franja donde lo técnico y lo sensorial se encuentran. Frei no propone recetas. Propone una práctica: reducir para afinar, limitar para obligar al gesto, dejar espacio para que el espectador complete la obra con su movimiento. Es una decisión estética y metodológica que hoy, en festivales como Bitbang, encuentra su público y su prueba de fuego. Su presencia se convirtió en un termómetro de época: la manera en que las imágenes se piensan hoy, cómo circulan y qué reclaman del cuerpo que las mira.

El momento estelar del periodismo en la cumbre del cine

Falta muy poco para que se cumpla la primera década del momento en el que la industria del cine elevó al periodismo de investigación a lo más alto de su reconocimiento histórico. El 28 de febrero de 2016, en el cierre de la 88ª. ceremonia de entrega de los Oscar, Morgan Freeman anunció el premio a la mejor película de ese año para En primera plana (Spotlight), escrita y dirigida por Tom McCarthy. En primera plana, que puede verse hoy en Netflix, reconstruye en clave cinematográfica el extraordinario trabajo de investigación que en 2001 llevó adelante un equipo periodístico del diario The Boston Globe y culminó con el esclarecimiento definitivo de un hecho que conmovió al mundo. Por primera vez se revelaba la gigantesca red de abusos y encubrimientos que durante varias décadas se cometió en el seno de la Arquidiócesis de esa ciudad estadounidense y tuvo como protagonistas a miembros de la Iglesia católica local. El Oscar dejó a la vista frente a todo el mundo el fruto de esa paciente e incómoda tarea que llevó más de un año y tuvo que sortear un sinfín de obstáculos. Y logró mucho más: consagrar una película que hizo probablemente más que cualquier otra para que los periodistas "se sientan motivas, guiados y reconfirmados en su vocación". Son palabras de Marty Baron, figura que a esta altura adquiere ribetes de leyenda en el universo periodístico. Lo que se cuenta en Spotlight es uno de los hitos de la brillante carrera de Baron. Como editor en jefe de The Boston Globe fue en aquel momento el responsable máximo de que una investigación tan importante (surgido de una primera pista abordada 25 años atrás y luego abandonada) encontrara por fin su lugar en las páginas del diario. El mundo también conoció gracias a la película el trabajo de Baron y del equipo encabezado por Walter Robinson, editor de Investigaciones del diario, gracias a algo que solo puede hacer el cine: encontrar el rostro perfecto para la representación de estos protagonistas de la vida real. Actores tan conocidos para el público como Liev Schreiber (Baron) y Michael Keaton (Robinson) lograron que estos nombres trascendieran por primera vez más allá de los límites del ámbito en el que estos grandes periodistas ejercieron su labor profesional. Ahora, una década después de aquel triunfo, el Oscar vuelve a observar con ojo atento al periodismo de investigación. Pero en lugar de recurrir, como en el caso de Spotlight, a un relato de ficción que parte de hechos reales para recrearlos a través de una representación dramática, lo hace por medio del documental. Netflix acaba de subir a su catálogo Cover-Up: un periodista en las trincheras, una suerte de biografía testimonial de Seymour M. Hersh, otro nombre legendario para quienes se dedican al periodismo de investigación en todo el mundo. La responsable de este largometraje documental es Laura Poitras, ganadora en 2014 del Oscar en su categoría gracias a Citizenfour, aquél resonante (y urgente) retrato de Edward Snowden, el anónimo contratista de la CIA que en un momento sacudió al mundo al difundir información sensible sobre el operativo global de espionaje ilegal que el gobierno estadounidense puso en marcha después de los atentados del 11 de septiembre de 2001. "Siempre voy donde nadie me quiere", reconoce Hersh en el comienzo de un documental que tardó casi dos décadas en hacerse realidad. Fue el tiempo que tardó Poitras en convencer al esquivo e irritable periodista de que aceptara contar su vida y mostrar, entre otras cosas, sus instrumentos de trabajo. A los 88 años, Hersh deja que las cámaras recorran las amarillentas hojas escritas de puño y letra en las que se conservan los registros y datos de las fuentes que consultó para sus resonantes investigaciones. Mientras habla, vemos detrás de su escritorio voluminosos archivos llenos de carpetas y documentos, todo un testimonio del trabajo de un periodista de investigación en la era predigital. A Hersh se le reconocerá para siempre la autoría de una serie de investigaciones que en su momento conmovieron al mundo y cambiaron la historia de la política internacional. Hubo dos por sobre todas. La primera ocurrió en marzo de 1968 en Vietnam y fue conocida como la matanza de My Lai, que dejó un saldo de medio millar de civiles vietnamitas muertos (la inmensa mayoría eran ancianos, mujeres y niños) a manos de una compañía de soldados estadounidenses encabezada por el teniente William Calley. La segunda se publicó en mayo de 2004 en el semanario The New Yorker y mostraba por primera vez con testimonios e imágenes los abusos a los que fueron sometidos prisioneros iraquíes en la prisión militar de Abu Ghraib. Aunque la estrella de Hersh se opacó en los últimos tiempos (se lo cuestionó más de una vez por resignar el rigor de antaño y reemplazarlo por un controvertido impulso a ciertas teorías conspirativas), periodistas de investigación de todo el mundo siguen tomando como guía los mejores trabajos de su larguísima trayectoria. La película de Poitras quedó preseleccionada entre las 15 aspirantes finales a ganar una nominación al Oscar como mejor largometraje documental. Y aunque no aparezca hoy como favorita a llevarse el premio, hay quienes están dispuestos a creer, diez años después de la consagración de En primera plana, que otra vez el periodismo de investigación vivirá un momento triunfal en la máxima fiesta de la industria del cine. Una buena manera de esperar el veredicto es el doble programa dedicado al periodismo de investigación que propone Netflix entre la ficción y el documental: En primera plana y Cover-Up: un periodista en las trincheras.

Un mundo de directores de cine

Con edición de Leila Guerriero, son apuntes tomados durante años por un narrador perplejo y un poco distante. En este extracto de su estadía en Munich durante 2024, Rejtman evoca épocas más idílicas y otros compañeros de viaje, como Rosario Bléfari.

"Fue mi bienvenida a Hollywood": Paul Rudd recordó su audición más desastrosa y las pasiones simples que lo definen fuera del cine

En una charla para el pódcast New Heights, el actor repasó entre risas su primer gran tropiezo en Hollywood, recordó juegos creativos de su infancia y compartió rituales, amistades y gustos personales que revelan su costado más espontáneo, lejos del brillo de la industria

Director de cine Camilo Vega, señalado de estafar a inversionistas por más de 1.000 millones, ya no será investigado: Fiscalía archivó el caso

El órgano investigador determinó que no hubo engaño ni apropiación indebida de fondos en los contratos firmados, los cuales establecían que las inversiones implicaban riesgos inherentes al mercado audiovisual colombiano

Cuando el cine explora las sombras: el desafío íntimo de Colin Farrell y Jessie Buckley en Ballad of a Small Player y Hamnet

La conexión creativa y la entrega emocional de los actores permite que estas historias de sufrimiento y redención trasciendan la pantalla e inviten al espectador a descubrir nuevas formas de empatía y humanidad, según confesaron en una entrevista con Variety

Santa Claus también es mexicano: así lo interpretaron en el cine nacional e internacional

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Pese a la caída del consumo y a diferencia del cine, el teatro cierra el año con la misma cantidad de espectadores que en 2024

Se evidenció una polarización en cartelera: entre 218 títulos, los espectáculos más convocantes ocuparon los diez primeros lugares: el 54% de los espectadores fue para ese grupo, contra el restante 46% que se repartió entre los otros 208 títulos.

Dakota Johnson y Antonio Banderas: una historia de familia, cine y reconocimiento mutuo

La actriz estadounidense y el intérprete español, tras el matrimonio con Melanie Griffith, forjaron un lazo profundo durante años de convivencia familiar y proyectos compartidos, una relación que dejó huella por la influencia positiva y el apoyo que se brindaron en sus trayectorias y vidas personales

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Magaly Solier regresa al cine: protagoniza un filme hablado íntegramente en quechua tras su reciente crisis personal

El esperado regreso de la actriz a la gran pantalla se materializa con un papel central en la nueva producción cinematográfica de César Galindo, que combina la cosmovisión andina y la danza ancestral

Cine nacional: cuántas películas se estrenaron, cuáles fueron las más vistas y la pregunta incómoda

Hay muchas maneras de ver el año cinematográfico en la Argentina y cada una dependerá del sesgo ideológico o político que quiera adoptar quien lo analice. Aquí vamos a optar por datos y por intentar algunas explicaciones respecto de ellos. Esos datos son los de la gerencia de Fiscalización del Incaa, que pueden consultarse -es decir, pueden contrastarse- libremente en su web.Empecemos por un dato duro: este año se llevan vendidas 32 millones de entradas. Tres millones menos que en 2024 y 16 menos que en 2019, año importante porque fue el último "normal" antes de la pandemia y la cuarentena gigantesca que sufrió la Argentina. En 2022, fueron 37 millones, y hubo un salto en 2023 -42 millones- que coincidió con nada menos que 12 películas por encima del millón de espectadores, mientras que en 2024 solo hubo seis que superaron esa cifra. Aunque entre esas seis estuvo Intensa Mente 2, que llegó casi a los siete millones de entradas, récord histórico.La primera lectura que puede hacerse es que los avatares económicos argentinos incidieron en que la gente fuera menos al cine, aunque eso no explicaría el récord de Intensa Mente 2 el año pasado, que además tuvo como segundo puesto a Mi villano favorito 4 con casi 4 millones. De hecho, esas dos películas explican bastante la brecha con 2025. Aunque hay otro factor que explica lo sucedido entre 2023 y 2024: la corrección de precios relativos. En la Argentina, por lo menos desde la convertibilidad, una entrada de cine rondaba un promedio de 4 dólares; a finales de 2023, con un dólar promedio de poco más de $800, el ticket promedio que calculaba el Incaa estaba poco más de dos dólares. Hoy, con brecha casi inexistente entre el dólar oficial y el blue, vuelve a esos míticos 4 dólares. Pero en 2024 y buena parte de 2025, el precio del ticket rondó los US$ 7.Claro que eso es tomando el valor promedio: los tickets en el AMBA -especialmente en CABA, sobre todo en los complejos multisala- son más caros aunque la mayoría del público aprovecha promociones bancarias que reducen drásticamente el costo total. Pero es cierto que en parte estos vaivenes, con paritarias por debajo de la inflación, influyeron en un menor gasto. Aunque si se considera que hubo 8 películas por encima del millón y una muy cerca de los cuatro millones (Lilo & Stitch), se ve otra cosa: que en parte la baja tiene que ver con la oferta de títulos y con nuevos hábitos de consumo.Lo primero es fácil de ver: películas que a fines de 2025 se consideraban "salvadoras" (después de un año terriblemente malo en los EE.UU.) como Superman, Los 4 Fantásticos o Thunderbolts (es decir, "las de superhéroes") funcionaron globalmente por debajo de lo que se esperaba, y eso sin contar notorios fracasos como la versión con actores de Blancanieves. Hay un dato importante para comparar: en los EE.UU. la taquilla quedó apenas un 4% (estimado) por encima de la de 2024, que fue el peor año de la "recuperación post pandemia". Y se calcula que entre un 15 y un 20% de los espectadores de 2019 no volverán a las salas porque esperan ver los films en plataformas, que por algo pagan todos los meses. Los estadounidenses gastaban a principios de este año un promedio de 61 dólares mensuales y tenían -también, en promedio- cuatro servicios. Los argentinos (la penetración según Kantar-Ibope es del 46%) gastan menos, pero solo tienen en promedio dos servicios. Sí, muchos números, pero ilustran un estado de cosas: menos gente va al cine incluso si se ven más películas. Y el fenómeno es global: la baja de espectadores aquí, economía aparte, es consistente con la del principal mercado occidental. No todo es, siempre, "culpa del gobierno".Qué pasó con el cine argentinoLo que nos lleva al cine argentino. Este año se estrenaron (siempre según Incaa, dado que tiene cierto desfase por los métodos de fiscalización, las cifras pueden ser superiores) 219 films nacionales de un total de 645. En 2019 fue la misma cantidad, pero de 665 estrenos. Es decir, la cota fue superior. Y en aquel año "sin pandemia", vendió 2,8 millones de entradas. Este año, también fueron 2,8 millones. Pero hay un dato fuerte aquí: en 2024 el cine argentino vendió 0,8 millones. Y este año hubo una película que se lleva la diferencia, Homo Argentum, que se acercó a los dos millones. De hecho, la productora decidió retrasar su salida a streaming por el éxito en salas. Entre ese film, Mazel Tov de Adrián Suar, y Belén (las únicas en rebasar las 100.000 localidades) se llevan casi todo. Las otras 216 películas vendieron unas cien mil localidades entre todas.Otra coincidencia: en 2019 el cine nacional vendió la misma cantidad de entradas que este año (2,8 millones en ambos casos, aproximadamente), pero la participación porcentual es mayor porque el total de entradas vendidas es menor en 16 millones entre ambos años. Sin embargo, ese 8,75% de participación del cine nacional en la taquilla sería más cercano al casi 3% de 2024 si Homo Argentum no hubiera sido un éxito.Estos son todos datos, normalizados y auditados. Hay preguntas: por qué, si se estrenaron 219 películas nacionales (apenas 16 menos que en 2024, apenas 22 menos que en 2023), la cuota del mercado no es mayor. Incluso si se tiene en cuenta la caída de espectadores -tanto por la contingencia nacional de la economía como por el peso global de los cambios de hábitos de consumo-, es muy poco el interés que genera. Que quede claro: esto no va en desmedro de la calidad que muchas de esas películas con poquísimos espectadores pueden tener o efectivamente tienen (hay muchos buenos films en ese conjunto). Pero la pregunta sigue siendo pertinente: ¿qué pasa?Puede decirse que quizás el cine mutó a un espectáculo grandilocuente y que aquellas películas que no conquistan con vértigo, fantasía y efectos especiales, no llevan público. Algo de eso hay, por cierto, pero ¿entonces por qué Homo Argentum tuvo casi dos millones de espectadores si Guillermo Francella no vuela ni despide rayos láser con los ojos? ¿Por qué le fue bien a Mazel Tov, donde Adrián Suar no escapa de ninguna explosión? La segunda explicación podría ser que "la gente va al cine a ver a sus ídolos populares". Más allá de que es torpe hablar de "la gente" como una masa indiferenciada (son espectadores, individuos que eligen ver algo por muchas razones diferentes), no explicaría por qué hace dos años funcionó extraordinariamente bien el film de terror Cuando acecha la maldad, de Demián Rugna. Ni por qué la anterior película de Francella, La extorsión (con precios relativos más amables, de hecho) quedó en los 600.000 espectadores, buena cifra, pero un tercio de Homo... La explicación más sencilla es que el público se acerca a lo que imagina que va a satisfacerlo y, si lo hace, funciona el boca a boca, el comentario y la recomendación. Y eso genera una buena taquilla y, llegado el caso, un fenómeno. Cada uno de los espectadores -especialmente cuando controla sus gastos- es mucho más inteligente y selectivo de lo que los números fríos indican.Si en esta nota se comparan años y cifras es porque es falaz explicar todo -como suele ser reflejo generalizado- alrededor del cambio de gobierno o la administración del Incaa. Ese cambio de administración aún no hace mella en la exhibición dada la cantidad de películas que quedan todavía por estrenar (y las que se hacen, dado que la producción, contra el lugar común, no está "totalmente paralizada"). Siempre es bueno recordar, además, que la Argentina, por su extensión territorial y su desarrollo educativo, tiene muchísimos menos cines y pantallas de lo que debería, apenas poco más de 1000, que además durante meses son acaparados por "tanques". Pero aunque es un misterio solo analizable a posteriori por qué un producto cuaja o no en determinado momento, hay una pregunta que muchos de quienes hacen películas en la Argentina aún no se hacen: ¿es interesante, tiene algún espectador lo que el cineasta propone?Otra vez, la aclaración: una película de arte y ensayo radical (digamos As I was moving ahead occasionally i saw brief glimpses of beauty, bellísimo experimento de cuatro horas del gran Jonas Mekas) se dirige a alguien, piensa en un conjunto de espectadores y se comunica con ellos, aunque sean pocos. Lo mismo se puede decir de grandes experimentadores argentinos como Claudio Caldini, Narcisa Hirsch o, más cercano en el tiempo, el platense Hernán Khourián. Son solo ejemplos. La pregunta es si esos números magros mencionados más arriba no reflejan no ya un estado económico de las cosas, sino uno de desconexión entre quienes hacen cine y quienes lo van a ver. Esa quizás sea la pregunta más incómoda de todas, pero cuando se la hace solo sirve para patear la pelota afuera ofendiéndose con quien se atreve -incluso entre susurros- a pronunciarla. Y sea dicho: también tienen gran responsabilidad los exhibidores, que por defecto miran hacia otro lado cuando se les propone un film argentino. No están exentos de culpa.Así están el cine y la exhibición en salas en la Argentina en este 2025 a punto de irse: nada ajenos a crisis de consumo global y con un cine propio al que le sigue costando encontrarse con su público. Quizás esta situación, incluso con problemas económicos y dificultades políticas, cambie. Esperemos: el cine nacional tiene muchísimo para crecer. Solo le queda entender a su público.

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Se suicidó un actor de cine y televisión conocido por su trabajo en la serie The Wire y la película It: capítulo 2

James Ransone, un reconocido actor de cine y televisión que formó parte del elenco de series como The Wire, Generation Kill y las películas It: capítulo 2 y Teléfono negro, murió el viernes pasado en Los Ángeles. Según la información que difundió este domingo la oficina forense del condado de la ciudad se trató de un suicidio. Ransone tenía 46 años.Nacido el 2 de junio de 1979, luego de un paso por la escuela de artes visuales de Nueva York el actor hizo su debut en cine con la película The American Astronaut, a la que le siguió Ken Park, de Larry Clark, estrenada en 2002. Aquel proyecto que recorrió varios festivales de cine-en la Argentina se vio en el Bafici-, lo condujo hacia su personaje más reconocido.En la segunda temporada de la premiada serie de HBO The Wire, Ransone interpretó al impulsivo trabajador portuario Chester "Ziggy" Sobotka. "Mis diálogos eran muy, muy densos. En ese momento estaba viviendo en Nueva York pero soy de Baltimore, donde transcurre toda la trama de la serie. Crecí en Towson, en los suburbios de la ciudad, así que cuando hice la audición para el papel, aunque no tenía mucha idea de lo que pasaba con mi personaje, pensé: "Al menos sé que puedo hacer el acento de Baltimore", recordaba Ransone en una entrevista de 2015. Tras su paso por la serie, el actor regresó a sus orígenes en el cine independiente con papeles en los films de destacados directores como John Waters (Adictos al sexo), Spike Lee (El plan perfecto y Oldboy) y Sean Baker (Starlet y Tangerine). De todos modos, Ransone siguió trabajando en la TV en notables proyectos del creador de The Wire, David Simon, como Treme y Generation Kill, ambas de HBO. Sobre la miniserie ambientada en la primera guerra de Irak en la que interpretaba a Josh Ray Person, uno de los miembros del pelotón de reconocimiento en el centro de la trama, el actor dijo en un reportaje con la revista Interview en 2016 que la experiencia del entrenamiento militar que recibió para la ficción lo ayudó a conectarse con su padre, un veterano de la guerra de Vietnam: "Me ayudó a entender cosas sobre mi crianza, sobre mi propia familia. Mi padre fue herido en Vietnam y fue enviado a casa. Toda la experiencia lo afectó mucho en aquel entonces y sigue haciéndolo hasta hoy en día". Por más de una década, Ransone fue una presencia habitual en el cine de terror norteamericano con participaciones en las películas Noche de graduación sangrienta, Siniestro y en proyectos destacados como It: Capítulo 2, dirigido por el argentino Andy Muschietti, donde compartió escenas con Jessica Chastain, James McAvoy y Bill Hader y encarnó a Eddie Kaspbrak, uno de los integrantes del grupo de chicos que 27 años después del primer encuentro con el malévolo Pennywise regresa a su pueblo natal. Además, el actor también apareció en las dos entregas de El teléfono negro y en series como Poker Face, SEAL Team, Mosaic, Bosch, Low Winter Sun, Hawai Five-0 y Law & Order, entre otras.

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Balance cine 2025: un éxito argentino suelto entre los tanques de Hollywood y doce meses de salas vacías

Visto desde la perspectiva del cine, 2025 será recordado en la Argentina sobre todo como el año de Homo Argentum. Su exitoso paso por las salas, con algo más de 1.800.000 entradas vendidas, puede interpretarse a la vez como hecho excepcional y símbolo de un mercado que volvió a concentrarse al máximo en la preferencia por los tanques hollywoodenses. La nueva película de Gastón Duprat y Mariano Cohn, con el protagonismo excluyente de Guillermo Francella, fue la gran anomalía de esta tendencia que se repite todos los años. Y la única novedad ajena al cine norteamericano dentro del Top 10 anual: quedó tercera entre las películas más vistas en los cines estrenadas este año. Trailer de "Homo Argentum", la nueva película de Guillermo FrancellaComo ocurre de tanto en tanto (pasó por ejemplo con Relatos salvajes y Argentina, 1985), Homo Argentum, más que un estreno de cine, funcionó como acontecimiento social y tema de conversación pública. Los raros contornos de su éxito no sirven para explicar la realidad del cine argentino, capaz de expresar una vez más su vitalidad y diversidad creativa a partir de ejemplos tan valiosos como Las corrientes, El príncipe de Nanawa, Gatillero y La mujer de la fila, pero al mismo tiempo sin un poder de convocatoria proporcional a los casi 300 estrenos locales contabilizados este año. Aun con la certeza de que en 2026 bajará mucho el número de lanzamientos, nuestro cine también sostuvo este año su proyección internacional: 27 noches inauguró el Festival de San Sebastián y Belén es una de las 15 aspirantes al próximo Oscar internacional. El Bafici confirmó desde su programación que las nuevas generaciones de cineastas argentinos tienen mucho para contar. El Festival de Mar del Plata, en tanto, no estuvo a la altura de su consigna central ("El renacer del esplendor") con una propuesta sin perfil definido que resultó indiferente para el público. La sangría de espectadores fue uno de los grandes datos del año. Resultó generalizada, sin distinción de tamaños, escalas o géneros. Más allá de los insoslayables vaivenes económicos y su impacto en el bolsillo, la falta de público se explica sobre todo por el escaso atractivo de la cartelera, sobre todo alrededor de los lanzamientos más grandes. Se perdieron más de tres millones de entradas respecto de 2024 y las vacaciones de invierno (el tramo del año históricamente más convocante) tuvieron los peores números de taquilla de los últimos 15 años. Fracasaron aquí y en el resto del mundo unos cuantos títulos llegados desde Hollywood con aspiraciones masivas (Blanca Nieves, Elio, El sobreviviente, Tron: Ares y los estrenos de Marvel Thunderbolts, Los 4 Fantásticos: primeros pasos y Capitán América: un nuevo mundo) y de autor (Cacería de brujas, La máquina, El gran viaje de tu vida, Springsteen: música de ninguna parte). Otros estrenos de espíritu independiente llegadas desde Estados Unidos como Una batalla tras otra y Pecadores (protagonistas seguros de la carrera por el Oscar) llamaron un poco más la atención. También hubo éxitos de taquilla, que acumularon el 50 por ciento de los casi 32 millones de entradas vendidas a lo largo de este año. Fue extraordinaria (y difícil de explicar racionalmente, como suele ocurrir en estos casos) la convocatoria de la versión con personajes de carne y hueso de Lilo & Stitch, por lejos (casi cuatro millones de tickets) el estreno más visto de 2025. Completaron el podio Una película de Minecraft y Homo Argentum, que cerró para Francella (protagonista, artífice de la idea original y productor) un año fuera de lo común, enriquecido gracias al reconocimiento a la trayectoria que le entregó la Academia del Cine local. Fuera de esa hiperconcentración, 2025 fue un año que transcurrió en su mayor parte con salas vacías y decenas de lanzamientos que pasaron inadvertidos. Los cines salieron en busca del público reforzando la oferta de contenidos alternativos, entre los cuales el animé (con los reestrenos de Studio Ghibli y lanzamientos que rindieron por encima de las expectativas como Demon Slayer: Castillo infinito) funcionó realmente bien. También siguió creciendo el plan de reestrenos en pantalla grande de títulos clásicos de distintos géneros, una idea que afortunadamente llegó para quedarse. El cine extranjero o de autor sigue en retracción, limitado a un circuito de salas cada vez más pequeño y resignado (al parecer definitivamente) a no recuperar a buena parte del público que se alejó de la experiencia de ver cine en el cine con la pandemia. Algunos festivales internacionales ya arraigados en el calendario local trataron de compensar ese déficit, muy llamativo en algunos casos. Hubo, por ejemplo, nada más que siete estrenos de origen español. El gran anuncio del último tramo del año (la compra de Warner por Netflix) seguramente cambiará en el mediano y el largo plazo el actual panorama de la distribución y exhibición de películas en los cines. El impacto también llegará a la Argentina. En el cierre de 2025 falleció Héctor Alterio, cuyo adiós se sumó al de otras enormes figuras a lo largo de los últimos doce meses: Gene Hackman, David Lynch, Robert Redford, Diane Keaton y Rob Reiner. Fue la nota más triste de un año que muchos querrán olvidar pronto. Las diez mejores películas de 2025, según los críticos de LA NACION*Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson (disponible en HBO Max)Belén, de Dolores Fonzi (disponible en Prime Video)Valor sentimental, de Joachim Trier (estrena este 25 de diciembre en salas)Fue solo un accidente, de Jafar Panahi (actualmente en salas)Septiembre 5, de Tim Fehlbaum (disponible en Netflix) Anora, de Sean Baker (disponible en Apple TV)La hora de la desaparición, de Zach Cregger (disponible en HBO Max)Flow, de Gints Zilbalodis (disponible en Apple TV)Una casa de dinamita, de Kathryn Bigelow (disponible en Netflix)Aún estoy aquí, de Walter Salles (disponible en Apple TV)*según los votos de Marcelo Stiletano, Natalia Trzenko, Leonardo D'Esposito, Guillermo Courau, Paula Vázquez Prieto, Fernanda Mugica, Pablo De Vita, Pablo Planovsky, Martín Fernández Cruz, Alejandro Lingenti y Hernán Ferreirós.

La foto acertijo: ¿Quién es esta niña a quien rechazaban en las audiciones y terminó deslumbrando a grandes directores de cine?

Criada sin televisión, formada entre libros y películas clásicas, atravesó rechazos tempranos y audiciones crueles antes de convertirse, casi sin proponérselo, en una de las celebridades de su época, a fines del 80 y comienzos de los 90. Hoy se encuentra en un gran momento de su carrera artística

Amores navideños en el cine

Tres guiños en la oscuridad: el cine según Léon, Schefer y Biette

Las recientes traducciones de Historia natural del cine, de Pierre León, y El hombre ordinario del cine, de Jean Louis Schefer, son dos acontecimientos críticos.

Stefanía Roitman: su primer protagónico en cine, el "tiempo" que le pidió a su marido y cómo la afectan los rumores

En 2019, un "me gusta" de Ricky Montaner en Instagram cambió su vida para siempre. Lo que vino después fue como un tsunami irrefrenable: viajes, una convivencia obligada por la pandemia, una mudanza definitiva a Miami, un compromiso sorpresa y una boda de cuento en la Argentina. Y mientras vivía su propia historia de amor, su carrera se ponía en pausa. "Estaba construyendo mi carrera y fue... 'me voy a vivir afuera'", recuerda Stefi Roitman sobre su flechazo con Ricky Montaner. Stefanía Roitman: su primer protagónico en el cine, el "tiempo" que le pidió a su marido y por qué es fan de MontanerSu espíritu inquieto hizo que Roitman -que saltó a la fama por ganar un concurso de moda- saliera de la comodidad de su lujosa vida en Florida y buscara conquistar nuevos públicos en Los Ángeles, Madrid y México. Sin embargo, su gran sueño llegó hace poco cuando le ofrecieron protagonizar Ciudades de refugios, una película argentina que se estrenó el pasado 4 de diciembre. "Es una película nacional hermosa, con gente muy talentosa. Me da mucho orgullo decir: 'tengo mi película'. Argentina es increíble, me recibieron tan bien. Estoy tan feliz de ser argentina", confiesa la modelo, actriz e influencer mientras asegura que fue un desafío para ella su rol de policía.-Durante mucho tiempo soñaste con hacer una película en la Argentina, ¿cómo lo estás viviendo?-¡Feliz, feliz de estar acá! Lo soñaba mucho. Honestamente desde muy chiquita que trabajo para que suceda esto. Admiro mucho el mundo cinematográfico, lo consumo, lo estudio, entonces siempre era "¿cuándo me toca a mí ponerme de ese lado?". -¿Trabajaste mucho este personaje?-Sí, lo preparé con Dalia, que es mi coach. Fue un acompañamiento muy importante de la mano de un autoconocimiento muy grande que tuve que hacer para ver qué más había dentro mío porque es un personaje que nunca había hecho. Me desafió mucho encontrar qué iba a agarrar de Stef y prestarle a Domig para que sea esta mujer fuerte, pero también sutil. Yo hablo hasta por los codos, soy muy gesticulosa entonces fue un trabajo desde lo minucioso, de encontrarme a mí sin miedo. Yo con la ira no me llevo muy bien. Soy muy llorona, muy risueña, pero la ira y el enojo no lo tengo tan manejado; me asusta mucho. Y esta era una tipa que venía un poco enojada con la vida. A la hora de ver la peli, no me reconocí y mucha gente me dijo lo mismo: "No te vi a vos". Eso fue muy lindo y muy vertiginoso también porque es la primera vez que estoy protagonizando. -¿Cómo te llegó la propuesta? -En 2023, me escribe el director que me quería para un personaje en particular. O sea, no hubo casting. Me dijeron: "Él creó a Domig pensando en vos". Así que llegó como un regalito. Yo estaba en un momento en el que tenía muchas ganas de seguir filmando, pero no había aparecido la oportunidad que me tentara. Disfruté mucho este rodaje, el estar en mi país porque yo quiero trabajar acá. View this post on Instagram -¿Qué pasó cuando te viste?-La primera vez me incomodé un poco [risas], pero en el preestreno que hicimos en Córdoba, lo re disfruté. Sentí una paz. No estoy pensando qué van a decir, estoy feliz con lo que hice con las herramientas que tenía hace dos años. No soy la misma Stef de 2023, me sigo construyendo, sigo creciendo, pero lo que vi me encantó. O sea, dejando la autocrítica de lado; me encantó. -¿Leés las críticas?-Sí, pero no me molestan. Si es una crítica constructiva, está bien que suceda. Sería raro que a todo el mundo le parezca increíble.¡Luz, cámara, acción! View this post on Instagram -¿Cómo fue rodar en varios lugares de la Argentina?-Fue muy rico. El personaje creo que se formó también gracias a esos paisajes como Mendoza y Córdoba; ayudaron en la construcción no solo del personaje sino de toda la peli. Fueron dos meses. Si bien Ricky me vino a visitar, estuve mucho tiempo sola. Igual con el equipo de producción de la peli, mis compañeros y las chicas de vestuario, make up y pelo fue un placer. Yo soy muy de hacer comunidad, donde sea que voy me quiero sentir en familia. -¿Qué va a encontrar la gente cuando vea la película? -Lo que a mí me gusta del cine -y del arte en general- es el entretenimiento. El salir un poco de la rutina, de la realidad que nos atraviesa (que a veces es pesada). Cada uno tiene su mundo, su día a día y la verdad que tomarse un ratito para ir al cine o para ver algo en tu casa que te haga pensar en otra cosa, que te despierte un pensamiento es genial. Yo creo que es una peli súper interesante porque tiene muchas capas. Se llama Ciudades de refugio y está basada en un versículo bíblico. Las ciudades de refugio eran lugares donde iban los homicidas involuntarios, gente que había cometido errores y que no los juzgaban, pero iban a esa ciudad para ser juzgados, para ver si efectivamente se habían comportado mal o no. -¿Cuánto tenés de esta mujer policía?-Creo que puedo identificarme en esto de resolverse a ella misma porque después nada que ver. Yo soy muy expresiva, muy risueña y muy positiva. Esta oficial es más seria, atravesó heridas; yo también pero diferentes. Creo que me parezco en que somos dos mujeres fuertes, que vamos al frente, que hay un obstáculo y no me importa qué hay que hacer. Hay algo de mi intuición que me lleva para adelante a enfrentar lo que sea. Y ella es así.-Bueno, la vida te ha llevado a enamorarte de un día para el otro, dejar la Argentina, casarte...-Sí, es verdad. Yo dejé una Stef en 2019 y, si bien a todos nos atravesó la pandemia, a mí me tocó como desenraizarme de Buenos Aires. Estaba construyendo mi carrera, había hecho Simona, conducciones con diferentes canales, trabajaba con muchas marcas y fue "me voy a vivir afuera". Bueno, en realidad me quedé varada y me enamoré. Después, me pidieron matrimonio; fue como una seguidilla de cosas que me dejé llevar. -¿Te molestó cuando se filtró que te casabas? -Sí, me puse a llorar. Estaba re triste porque no sé manejar eso. Me acuerdo perfecto el momento en el que me llegó un mensaje de Ángel de Brito que decía: "Che, ¿te casás?". Y yo: "Se enteraron. ¿Cómo se enteraron si solo se lo conté a mi gente?". Si no respondí mensajes fue porque no sabía qué responder; lejos estoy de ser una persona que no responda. Pero yo no quería que lo digan antes de postearlo. Bueno, no respondí y al otro día en Twitter decían: "Se casan". -¿Y Ricky qué decía? -No le gustó tampoco, pero me decía: "Puede pasar". También lo pienso para los embarazos, pero lo manejaría diferente. Si llegara el dato, diría: "Sí, es verdad; bánquenme". Uno aprende. Yo en el momento no sabía qué responder y cuando se empieza a viralizar todo me molesta. A mí me costó mucho cortar el cordón con la Argentina. Me fui y me importaba mucho lo que pasaba acá y lo que digan de mí. -Entraste en una familia (con todo lo que significan Los Montaner) que seguro te ubicó ante la mirada de gente que vos desconocías. ¿Cómo lo transitaste? -Me costó un montón. Obvio que hice terapia; terapia siempre [risas], pero era día a día. De hecho, me llevó mucho tiempo darme cuenta de eso. No fue algo que pude deducir en el momento. Creo que hasta el día de hoy sigo dándome cuenta con quién me casé, qué acarrea eso y con qué viene acompañado. Para mí es todo maravilloso, pero siempre te encontrás con gente que te juzga un poco más porque no te conoce. Mi esposo me dice: "Hay mucha gente que me conoció a mí en la Argentina por vos". Yo trabajo hace un montón, trabajé mucho con las redes, con mi canal de YouTube. -Hubo un momento donde, además de acompañar a tu pareja, dijiste: "Quiero realizarme yo". ¿Es cierto que le dijiste a Ricky que necesitabas tomarte un tiempo?-Está bueno aclararlo porque eso fue en un podcast. Yo hablaba que desde 2020 hasta 2022 vine mucho a la Argentina. Hice La Voz, estuve mucho con la familia, pero después, al no venir tanto, empecé a pensar esta cosa de: "Ok, ¿qué voy a hacer? Todo lo que hice hasta ahora está buenísimo, pero quiero más". Entonces en ese proceso de reconectarme con mi actriz y volver a enfocarme más en mí, me di cuenta que necesitaba salir un poco a buscar eso; algo que en Miami no estaba encontrando. De repente en Los Ángeles sí, en Madrid sí, en Buenos Aires y en México sí. Podría elegir quedarme cómoda en casa y hacer las cositas que vayan llegando, pero yo soy una persona que sale a buscar. Yo te toco la puerta, te escribo un mensaje: "Me interesa trabajar con vos", "tomémonos un café". Entonces fue: "Mirá, mi amor, necesito irme a España un tiempo porque a mí me está pasando esto que no tiene nada que ver con el matrimonio" y él lo entendió perfecto. -Acá todos lo vieron como "alguien del clan se revela"...-¡Es cero clan! Hay tanta independencia, mucha autonomía, mucha diferencia. Estamos mucho tiempo juntos porque nos encanta. Pasa que en esta imagen de familia y pareja, de repente yo estoy un poquito más loca [risas]. Ricky también, él mismo dice que es la oveja negra de la familia. Entonces por ahí choca un poco y piensan: "¿Pero si está casada, cómo va a ser eso?" Mi esposo me apoya y yo lo apoyo a él; así que me fui y él vino a visitarme. Íbamos y veníamos, así desde marzo hasta julio. -¿Qué hiciste allá?-Una peli española y un podcast que se llama El podcast más lindo del mundo. También hice cursos, conocí actores y directores, y eso fue consecuencia de hacerme cargo de mi individualidad. Eso es lo bonito de una pareja sana que se apoya. A mí lo que más orgullo me da es la pareja que estoy formando con Ricky; la familia en realidad. Pero entiendo que no se comprenda al verme sola, saliendo con mis amigas. Lo voy a seguir haciendo mientras que a mi esposo no le joda. Rumores, celos y fans...-¿Sufriste mucho cuando se te vinculó con Nico Furtado? -No o sea me da fiaca o tristeza tener que salir a decir algo cuando no hay nada que explicar. Nunca fui a tomar nada sola con Nico. Compartimos amigos, compartimos gente en común pero, de ahí a que venga una piba a hacer ese video donde ni nos vemos juntos, donde yo estoy saliendo de una panadería, nada que ver. Pensaba que estas fake news estaban basadas en algo, pero esto no está basado en nada. O sea, ¿por qué salen a decir eso? ¿Para qué? Todos los meses me separan o me embarazan. Cuando sea verdad, no me van a creer [risas]. No sé, es raro lo que me pasa con esas cosas. No me afecta tanto, pero no quisiera que estén porque es información que no me suma y que no va de la mano con mi personalidad. -¿Qué dijeron en la familia?-La gente de nuestro entorno sabe perfecto las cosas como son, pero igual se genera como una energía que siento que no suma. A veces yo trato de hacer un mea culpa y ver qué puedo cambiar para que no vuelva a pasar porque la verdad que no tengo ganas de que se hable de eso y menos porque no soy farandulera, no me gusta pelearme con nadie. Pero bueno, aprendí que cada vez voy a ser más hermética con todo, me tengo que cuidar de todo ahora. Ni siquiera sé si es la fórmula porque yo soy como soy y no me sale ser de otra manera. -¿Cómo es ser la mujer de un músico que se la pasa de gira? -Yo no me entero de nada [risas]; soy muy relajada. Igual, hay cosas que hay que organizar con tiempo y estoy aprendiendo porque yo soy más lanzada. Si puedo acompañarlo a sus shows, mejor. No me canso. Es el único artista -junto a mi suegro y a Camilo- que me quedo hasta el final. Es una gozadera. Son increíbles como conectan con la gente, las canciones. Para mí es un planazo.-Seguramente descubriste el mundo del fans club, ¿cómo es esa relación?-Las amo. Tanto al fandom de Mau y Ricky como al mío. Yo también tengo mi grupete. Me acompañan cada vez que vengo a la Argentina, están pendientes, me bancan en cada proyecto y eso es muy lindo porque se va creando una comunidad de gente que te apoya, ya sea porque se siente identificada, porque hay algo que dijiste que le llegó o porque le gusta tu trabajo. Es un mundo súper lindo en el que te sentís acompañada.-¿Sos celosa?-Sabés que no... Si hay razones, clarooo... Pero no por mi marido, yo confío plenamente, pero si veo que hay una situación de alguien que se está pasando de la raya...-¿Pusiste límites alguna vez?-Sí. Me pasaba más antes cuando estábamos recién de novios o precasados, pero más que poner los puntos yo soy más de clavar la mirada. Te doy la chance de que te retires o te bajes de esta. Con la ira no me llevo bien, confrontando tampoco, entonces soy más de la mirada, de la charla. Capaz que no me voy a recalentar, pero te lo voy a decir para descolocarte y que veas que hacés con esto. En casa no se grita, por ejemplo. Yo ya no grito más. -¿Cómo hacen para mantener la pareja a la distancia? -Hablamos mucho. Nosotros nos hablamos todo el día; de hecho seguro me está escribiendo en este momento [risas]. "¡Estás muy guapa hoy, mi amor!", me escribe. Ese es mi esposo. De ahí para arriba...-¿Y en la casa sos muy relajada?-Sí, demasiado. Los dos somos así, pero no somos enquilombados. Si Ricky dejó una taza arriba en el cuarto y yo dejé un tenedor sin lavar o la casa está medio patas para arriba, somos cero de reclamar. Nunca vamos a tener un problema por dejar la toalla tirada; cero. -¿Son de regalarse mucho?-Sí, detallitos. A mí me gusta mucho el detalle como meterle un mensajito en la valija o el chocolate que le gusta o él me espera con algo en casa. Hay mucho detalle en el día a día aunque no sea nada material. A veces es un mensaje de: "Que te vaya súper" por eso yo creo que hablamos mucho porque nos hace bien. "Estamos agradecidos"-¿Te gustó formar parte del reality de Los Montaner? -Sí, mucho. Le fue muy bien, la cantidad de gente que lo vio fue una locura. Estamos agradecidos hasta el día de hoy. La gente sigue pidiendo la tercera temporada, pero por el momento no hay. -¿Montaner se va a despedir alguna vez?-Pero estuvo dos años en pausa, lo que pasa es que pasó rápido [risas]. Ahora viene el 21 de febrero al Movistar Arena. Vamos a ver si venimos. Estamos viendo cómo coincidimos con todo, pero yo a mi suegro siempre lo quiero ver. -¿Fue difícil no verlo dos años arriba de un escenario?-Sí, se extraña verlo, pero lo vi tan feliz siendo abuelo, disfrutando de sus nietos, disfrutando de otras cosas. Él es un tipo muy trabajador, muy jovial, tiene un espíritu que es increíble entonces fue muy lindo también verlo en ese proceso de trabajar en otras cosas, disfrutar de otras cosas como la familia, viajar a lugares que a él le gustan, hacer cosas que le gustan. -Acaban de volver de un viaje en familia, ¿todos los años se dan esas escapadas para los cumpleaños, ¿no?-Sí, a mí me tocó un cumple con toda la familia con mis papás; éramos una banda enorme y lo disfruté mucho. Fue un cumple muy especial. Y ahora de nuevo nos fuimos (los que podíamos) a pasar el Día de Acción de Gracias (una celebración que no se hace en la Argentina, pero es muy linda; una excusa preciosa para agradecer, para recordarnos cosas lindas). Cuando podemos, lo hacemos. A principio de año, para la renovación de votos de Evaluna y Camilo también nos fuimos.-¿Con cuánto tiempo de anticipación se organiza eso? -Con bastante tiempo porque tenemos agendas complicadas. De hecho, ahora estamos pensando para agosto 2026 algo. Ahí sí soy ordenada porque ya es toda la familia. -¿Es un mito eso de que viven todo el día juntos o que los domingos sí o sí nadie puede faltar? -No, el que puede, puede, y el que no, no está; somos re relajados. Si estamos juntos es porque nos encanta. Eso lo traigo de mi casa. En mi casa, somos re familieros, re amigueros y yo quiero estar. Si pudiese estar en Buenos Aires, Miami, Madrid; lo haría. Entonces estamos mucho tiempo juntos porque queremos, no por obligación.

Netflix apuesta fuerte con el cine de misterio y el estreno de 'Wake Up Dead Man: Un misterio de Knives Out'

Para quienes ya vieron Entre navajas y secretos (2019) y Glass Onion: Un misterio de Knives Out (2022), esta tercera película funciona como una evolución natural de la saga. Leer más

Cómo se adaptó "a la mexicana" uno de los grandes clásicos modernos del cine argentino

"Quienes no conocen la historia original se van a encontrar con una película nueva. Y para los que ya la vieron hay muchos guiños, además de la posibilidad de descubrir al mismo tiempo algo distinto, otra película", dice a LA NACION Ariel Winograd pocas horas antes del estreno en Netflix de su último trabajo como realizador, nada menos que la nueva versión de un verdadero clásico moderno del cine argentino: Tiempo de valientes. La remake dirigida por Winograd se rodó íntegramente en México, se titula La hora de los valientes y tiene como protagonistas a Luis Gerardo Méndez (Los enviados) y Memo Villegas, dos de los más populares actores de ese país, interpretando a los personajes que en la película original de Damián Szifron estuvieron, respectivamente, a cargo de Diego Peretti y Luis Luque. Recién llegado de la capital mexicana, desde la cual participó junto a actores y productores de la campaña promocional previa al estreno de mañana en streaming, el director de El robo del siglo y Mamá se fue de viaje vuelve una y otra vez en la charla con LA NACION a destacar la generosidad de Szifron y su aporte a esta nueva mirada alrededor de una de sus mejores películas. Tiempo de valientes se estrenó en septiembre de 2005, cuando todavía estaba fresco en la memoria del espectador argentino el éxito extraordinario de Los simuladores, la obra consagratoria de Szifron. "Mi relación con Damián es de mucha admiración y cariño hacia él y su trabajo. Desde la primera vez que lo llamé se puso a disposición para cualquier cosa que necesitara. No hubo ningún tipo de imposición de su parte y solo tuve que consultar con él algunas cosas específicas. Vio el corte final de mi versión, quedó encantado e hizo muy buenos comentarios", precisó Winograd. Esta remake mexicana sigue al pie de la letra el hilo argumental de la creación de Szifron replicando hasta los nombres de los dos personajes protagónicos. Mariano Silverstein (Méndez) es un psicólogo de buen pasar económico forzado a cumplir trabajos comunitarios por culpa de un accidente de tránsito. Su "castigo" es el seguimiento ambulatorio de un detective de la policía llamado Díaz (Villegas), golpeado al máximo en su estado de ánimo luego de comprobar la infidelidad de su esposa. Silverstein empezará a involucrarse en la vida cotidiana de Díaz, sobre todo a través de la pesquisa de una compleja investigación en la que se mezclan el tráfico de sustancias peligrosas y la corrupción gubernamental a gran escala. La pareja reproduce con sus peripecias el modelo de buddy movie tan popular en el cine estadounidense (historias en las que dos personajes bien distintos se ven obligados a unir fuerzas para alcanzar un propósito común), en este caso a través de un relato policial con genuinos toques de comedia. "Como admirador de toda la vida del cine de Szifron siempre tuve el sueño de poder dirigir algún día un guion suyo. Tiempo de valientes es una de mis películas favoritas de toda la vida. Cada vez que empiezo a filmar algo nuevo vuelvo a verla", cuenta Winograd, todavía sorprendido por la suma de felices coincidencias que le fueron dando forma definitiva a esta nueva versión. Todo comenzó en una de las tantas conversaciones que mantuvieron en los últimos tiempos Winograd y Matías Mosteirín, figura clave de la productora K&S, una de las más importantes de nuestro medio (Relatos salvajes, El Clan, La odisea de los giles, El Eternauta, Belén) y artífice también de Tiempo de valientes. Después de buscar sin suerte durante mucho tiempo algún proyecto original para sumar fuerzas surgió esta adaptación, que la productora tenía intenciones de hacer desde hacía tiempo en México. "Ellos tenían desde hace tiempo esta idea y cuando me la comentaron y les dije que era una de mis películas favoritas inmediatamente se produjo un match perfecto -detalla Winograd-. Enseguida se prendió la máquina y ayudó mucho que K&S, como productora responsable de la película original, decidiera cuidar artesanalmente esta nueva versión. Se agregó así al proyecto una cuota de emocionalidad fundamental". Cada una de las situaciones de la película original encuentra su reproducción perfecta en esta remake. Hasta la duración es la misma en ambos casos (una hora y 46 minutos). El primer factor que a simple vista marca nítidamente la diferencia entre una y otra es el uso de palabras y modismos mexicanos (adaptados del guion original "argentino" de Szifron por Charlie Barrientos) en la flamante versión que está por llegar a Netflix. Preservación del originalLas diferencias entre una y otra, aclara Winograd, aparecen desde una perspectiva estrictamente cinematográfico: "Todos teníamos muy en claro, los productores, Netflix y yo, que no había que romper de ninguna manera un guion que es buenísimo. Muchas veces, por adaptar cosas, las remakes pierden el sentido original. Y esto último es lo que quisimos preservar: personajes que tengan humanidad y se sientan vivos. Esta remake tiene mucho corazón y las escenas de acción se trabajaron de manera acorde a estos tiempos, respetando al mismo tiempo el espíritu original". El director reconoce, con nada disimulado orgullo, que hay varios planos de su película que funcionan como homenajes muy precisos a la obra y la mirada de Szifron. "Quiero que el que la vea sienta el mismo cariño con el que nosotros tratamos a la película original, y que al mismo tiempo descubra que esta nueva versión tiene sus diferencias y funciona con identidad propia", destacó. Para dejar a la vista ese matiz mencionó cómo la propia geografía urbana de la Ciudad de México expresa su potencia como escenario ideal y también de qué manera la remake conserva el lenguaje universal ("y cinematográfico") del guion original de Szifron. "En esta historia el verosímil es el cine. Van a ver en esta película muchos planos abiertos que muestran a los personajes juntos en el mismo cuadro, como pasa en las grandes buddy movies americanas. Hicimos en ese sentido un trabajo muy fuerte en términos de puesta en escena", señaló Winograd. También se cuidó hasta el mínimo detalle de esta adaptación. A modo de curiosidad, Winograd contó como ejemplo que el personaje de Méndez se expresa con un acento específico y muy trabajado, propio de la colectividad judía de Coyoacán, barrio de la capital mexicana reconocido por su arquitectura residencial y el espíritu bohemio de todo el entorno. Por encima de cualquier expresión del argot popular mexicano, que el espectador argentino quizás solo consiga dentificar luego de ver la película con subtítulos, está lo que en definitiva permanece y hace que el guion original, quince años después, luzca vigente y perdurable. "Esta historia no envejeció para nada -agregó Winograd-. Szifron escribió un guion increíble y único sobre personas normales viviendo situaciones extraordinarias. Gente común que se enfrenta a sus miedos para transformarse en héroes".

Los 50 de Milla Jovovich: de una infancia difícil a convertirse en la modelo mejor paga y una indiscutida heroína del cine de acción

Dueña de una mirada transparente y una belleza hipnótica, Milla Jovovich irrumpió primero en el mundo del modelaje gracias al ojo avizorado de un célebre fotógrafo y luego llegó a la gran pantalla, donde a fuerza de voluntad y convicción se convirtió en una heroína del género de acción. De origen ucraniano, pasado rebelde y amores tan fuertes como fugaces, supo mantenerse siempre vigente. También se afianzó en el amor: junto al cineasta inglés Paul W. S. Anderson formó una familia y se ganó el título de una de las parejas más sólidas de Hollywood. Hoy, a los 50, disfruta del lugar que se ganó y ve, con orgullo, como su primogénita se convierte en su mejor legado.Una "espía rusa" en medio de la Guerra FríaMilica Bogdanovna Jovovich nació el 17 de diciembre de 1975 en Kiev, en aquel momento la capital de la República Socialista Soviética de Ucrania. Hija única de un pediatra y una actriz de teatro rusa, vivió en su país natal hasta los cinco años, cuando sus padres decidieron emigrar por motivos políticos primero a Londres, luego a Sacramento y por último a Los Ángeles, donde en sus años de colegio sufrió el bullying de sus compañeros. "Recuerdo que tenía unos cinco años y llevaba mis libros para colorear para enseñárselos a estas chicas americanas, que probablemente tendrían unos 11", le contó a The Independient en 2004. "Pensaba que eran tan adultas. Pero se negaron a jugar conmigo. Pensaron que era rara y que sería más divertido torturarme, así que empezaron a perseguirme". Entre las cosas que le decían, las más comunes eran "comunista" y "espía rusa". Eran tiempos de Guerra Fría.Una foto que cambió todoFue una foto del prestigioso fotógrafo Richard Avedon el primer punto de inflexión en la vida de Jovovich: ella tenía 11 años y él trabajaba para Revlon. Aun niña, se convirtió en la imagen de una de las marcas de cosméticos más famosas del mundo. Luego llegaron las pasarelas, las grandes firmas como L'Oréal, Christian Dior, John Galliano, Donna Karan y Versace. También fue tapa de Vogue, Glamour y Cosmopolitan. Incluso, en 2004 logró quedarse con el título de la modelo mejor paga del mundo por sobre las grandes figuras del momento; para ese entonces ya sabía lo que quería.Antes de consagrarse como actriz, cuando era una adolescente de 15 años y ya había abandonado la escuela, Jovovich vivió un tiempo de rebeldía: comenzó a consumir drogas, protagonizó algunos robos y realizó fraudes con tarjetas de crédito. "Iba a fiestas y consumía drogas, salía con chicos. Era joven y vivía en Hollywood, y eso hacías para ser 'guay'. Yo quería ser aceptada. Hasta que me di cuenta de que todo era falso", confesó.De niña estudiosa a heroína de ciencia ficciónLa gran artífice de la carrera de Jovovich fue su madre. Galina Loginova era una actriz rusa que al mudarse a Estados Unidos centró sus esfuerzos en su hija: la mandó a cuántas clases extracurriculares pudo, desde piano y baile hasta actuación. A los 12 años, la pequeña Milla debutó en el cine en The Night Train to Kathmandu del Disney Channel. También en 1991 se convirtió en la protagonista de El regreso de la laguna azul, secuela del film que lanzó a la fama a Brooke Shields. Luego trabajó con Robert Downey Jr. en Chaplin También tenía 15 cuando gracias a un acuerdo con EMI lanzó The Divine Comedy, su primer álbum. La vida de Jovovich volvió a dar un giro cuando Richard Linklater la convocó para el papel de Michelle en Rebeldes y confundidos (1993). Durante el rodaje se enamoró de Shawn Andrews, uno de sus compañeros de elenco, y en un rapto de emoción se fugó con él a Las Vegas, donde se casó. A los dos meses, fue su madre quien se encargó de anular el matrimonio. Milla tenía 16 años.El segundo matrimonio de Jovovich fue mucho más fructífero: a los 21 volvió a decir "sí, quiero" pero de la mano del director Luc Besson, quien la había elegido para formar parte de El quinto elemento, el film de ciencia ficción protagonizado Bruce Willis que no solo se convirtió en un éxito del género sino que, además, terminó de convertirla en una estrella de Hollywood. Asediados por las críticas que señalaban la gran diferencia de edad -él le llevaba 17 años- y sin poder superar los problemas de pareja, Jovovich y Besson se divorciaron un año después. Desde ese momento, Jovovich supo construir una carrera marcada por su destreza física, su resistencia y su impronta de líder. Ese perfil se consolidó con su composición de Alice en la saga de Resident Evil. Luego protagonizó películas como Ultraviolet (2006), Los tres mosqueteros (2011), Survivor (2015) y Monster Hunter (2020), films que reforzaron su identidad como figura central del cine de acción. En 1999, Jovovich se reencontró con Besson en Juana de Arco, su proyecto soñado, al que defendió a capa y espada pese a las críticas.Su hija, su mejor legadoTanto confía Jovovich en el amor que no dudó en pasar por el altar una vez más, y la tercera parece ser la definitiva. En agosto del 2009, la actriz se casó con el cineasta inglés Paul W. S. Anderson, a quien conoció en el rodaje de Resident Evil. Para ese entonces, la pareja ya le había dado la bienvenida a Ever, la primogénita, en noviembre de 2007. La familia se completó con Dashiel Edan, quien nació en 2015, y con la pequeña Osian Lark Elliot, la menor, quien llegó en 2020.Políglota -habla ucraniano, ruso, inglés y francés-, cantante, directora de cine, diseñadora de moda y empresaria, Milla sumó a su legado en la industria una de sus mejores creaciones: su hija Ever. Actriz y modelo, la heredera de una de las parejas más firmes de la industria debutó en el cine en la piel de la versión infantil del personaje de su madre en Resident Evil. Luego se lució en Black Widow (2021) y se terminó de ganar la atención del público en el film de Disney Peter Pan & Wendy (2023).

Buenas noticias para California: Newsom apuesta al cine local y el "biopic" de Snoop Dogg lidera incentivos fiscales para 2026

El gobierno de California activó una nueva ronda de créditos fiscales para cine y televisión, con la biopic de Snoop Dogg como el proyecto más beneficiado.

Avatar está de vuelta con otra experiencia visual deslumbrante, para ver sí o sí en el cine

Avatar: fuego y cenizas (Avatar: Fire and Ash, Estados Unidos/2025). Dirección: James Cameron. Guión: James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver. Fotografía: Russell Carpenter. Música: Simon Franglen. Edición: David Brenner, James Cameron, Nicolas De Toth, Jason Gaudio, John Refoua y Stephen Rivkin. Elenco: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Oona Chaplin, Stephen Lang, Kate Winslet, Jack Champion. Duración: 197 minutos. Distribuidora: Buena Vista. Calificación: solo apta para mayores de 13 años. Nuestra opinión: muy buena. El estreno de la tercera entrega de Avatar puede leerse también como una respuesta al anunciado acuerdo entre Netflix y Warner. El nuevo capítulo de la aventura a la que James Cameron parece dispuesto a dedicar el resto de su vida artística activa (aunque en las últimas horas el realizador de 71 años dijo que tenía "otras historias que contar") es la mejor invitación posible de los últimos tiempos a ver cine en el cine. Las tres horas y 17 minutos de Avatar: fuego y cenizas pueden resultar por momentos repetitivos y hasta agotadores, pero al final se convierten en definitiva, por encima de cualquier reparo, una experiencia visual extraordinaria. Cameron, que estrenó la primera parte de Avatar en 2009 y la segunda (El camino del agua) en 2022, más de una vez reconoció su intención de adaptar la continuidad de este monumental relato a la evolución de las herramientas digitales puestas al servicio de la narración audiovisual. En este sentido, cada nueva fase de Avatar supera a la anterior. Todo resulta cada vez más nítido, preciso y deslumbrante, perfeccionado hasta extremos casi inverosímiles en cada detalle. El espectador acostumbrado a acompañar desde el cine todo este increíble progreso tecnológico notará al ver Avatar 3 que la imagen en 3D se presenta ante nuestros ojos con una elaboración tan delicada en materia de texturas, fondos y movimientos que todo lo anterior nos parece de otra época, mucho más primitiva. Lo mismo puede decirse de la técnica de captura de movimiento que transforma a la inmensa mayoría de los actores de carne y hueso en sus versiones virtuales, con poquísimas excepciones. Impacto decisivoToda esta obsesiva, meticulosa e innovadora búsqueda ejerce por supuesto un impacto decisivo en la narración. Fuego y cenizas tiene sus particularidades (este capítulo se apoya sobre todo en cuestiones familiares y sobre todo en la resiliencia de los Sully, Jake y Neytiri, tras el duelo por la trágica pérdida del hijo mayor, Neteyam) pero en el fondo este tercer acto muestra un freno argumental muy elocuente. No hace más que corregir y aumentar las mismas tensiones que definieron la trama de El camino del agua. De hecho, aunque el episodio recién llegado nos introduzca en el mundo de los temibles Mangkwan (el llamado Pueblo de las Cenizas) y de su líder, la hechicera Varang, el agua no deja en ningún momento de dominar la situación. La poderosa fauna submarina encabezada por un grupo de ballenas inteligentes (llamadas Tulkun) sigue dominando la historia y lo hace especialmente en la extraordinaria hora y media final, cuando Cameron deja atrás todas las especulaciones (entre didácticas y banales) propias de su conocido activismo en favor de la espiritualidad y el cuidado del planeta para regresar a un terreno en el que nadie lo supera.El director de Terminator es el mejor narrador de escenas de acción que tiene el cine contemporáneo. Y la extraordinaria crónica visual de la gran batalla que cierra este tercer capítulo vuelve a demostrarlo. Todo se entiende, cada movimiento cobra sentido y tiene el espesor necesario, nada es ocioso ni necesita ser explicado más que con el movimiento y la decisión correcta. Aunque ya hayamos visto antes buena parte de lo que se cuenta aquí, el desenlace de Fuego y cenizas es inmensamente disfrutable y, de paso, le otorga un nuevo significado a un personaje clave, Spider (o Monkey Boy), el adolescente humano que encuentra cada vez más razones para integrarse a la comunidad Na'Vi del planeta Pandora. Habrá que esperar hasta Avatar 4 (¿en 2029?) para encontrar algún giro argumental novedoso. Mientras tanto, Cameron nos sigue contando la misma historia para que la veamos en el cine con un asombro imposible de experimentar en cualquier dispositivo hogareño o versión en streaming. No hay manera de igualar (ni tiene sentido hacerlo) ambas cosas.

Cine mexicano de terror llega a Rotterdam con Tekenchu: El ritual de los nahuales

La película dirigida por Carlos Matienzo Serment fue seleccionada en la competencia oficial de los foros más influyentes del cine de autor

3 clásicos del cine llegarán a la cartelera teatral porteña en 2026

Secreto en la Montaña, Anastasia y Desde el Jardín marcaron hitos en el momento de darse en los cines argentinos. Ahora tendrán sus versiones sobre el escenario para recordar estas historias tan motivadoras y volverán a llegar al corazón del público. Leer más

Julián Zucchi anuncia que la vida de Flor Pucarina llegará al cine y a más escenarios del Perú tras exitoso tributo con IA

El emotivo tributo a la 'Faraona del Cantar Huanca' con ayuda de la inteligencia artificial no solo conmovió a miles, sino que impulsó nuevos proyectos que buscan llevar su historia y la música andina a todo el país y más allá.

Peaky Blinders llega al cine: fecha de estreno, regreso de Tommy Shelby y el cierre definitivo de la saga

La producción, escrita por Steven Knight y protagonizada por Cillian Murphy, ofrecerá una despedida ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Qué se sabe sobre el film basado en la icónica serie de gánsters de Birmingham

Feid estrenará su primer documental "XTHE ENDX" en las principales salas de cine del país

La entrada al evento será gratis y los asistentes ingresarán en orden de llegada en la que esperan conocer más de la historia del reguetonero

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Quién era Rob Reiner, el director de cine que fue asesinado en su casa en Los Ángeles

El mundo de Hollywood amaneció conmocionado por la noticia del asesinato del director de cine Rob Reiner y su esposa, Michele Singer Reiner. Ambos fueron hallados muertos en su residencia de Los Ángeles con aparentes heridas de arma blanca y, según informaron medios estadounidenses, uno de sus hijos figura como principal sospechoso del doble crimen, aunque la investigación continúa en curso.Reiner, de 78 años, fue una de las figuras más influyentes de la industria del entretenimiento estadounidense, con una trayectoria de más de cinco décadas como director, productor y actor, vinculada a algunas de las películas más reconocidas de Hollywood desde la década de 1980.Algunos de sus éxitos más reconocidos son nombres como Misery, Cuenta conmigo o Cuando Harry conoció a Sally... Esta última tuvo un condimento especial ya que fue en el rodaje en donde conoció a Singer, que era fotógrafa. La pareja se casó en 1989, el mismo año en que se estrenó la película, y tuvo tres hijos.Su trayectoriaNacido en 1947 en el Bronx, en Nueva York, Reiner creció en un entorno ligado al espectáculo. Fue hijo del comediante Carl Reiner y de la actriz y cantante Estelle Lebost.Su carrera como realizador comenzó en 1984 con This Is Spinal Tap, un falso documental que marcó su debut detrás de cámara y dio inicio a una filmografía sostenida a lo largo de los años.Antes de consolidarse como director, Reiner también hizo su camino como actor en televisión. Entre 1971 y 1979 interpretó a Michael "Meathead" Stivic en la comedia All in the Family, creada por Norman Lear, donde compartió elenco con Carroll O'Connor, quien encarnó a Archie Bunker. Ese papel lo convirtió en una figura ampliamente conocida en Estados Unidos y funcionó como punto de partida para su posterior desarrollo como cineasta.Como director, encadenó una serie de éxitos durante la segunda mitad de la década de 1980 y comienzos de los años 90. Entre sus títulos más conocidos figuran Cuenta conmigo (1986), La princesa prometida (1987) y Cuando Harry conoció a Sallyâ?¦ (1989).En 1990 dirigió Misery y dos años más tarde estrenó Algunos hombres buenos, un drama judicial protagonizado por Jack Nicholson y Tom Cruise. Por esta película fue nominado al Premio Óscar como Mejor Director en 1993, aunque el film perdió frente a Los imperdonables, de Clint Eastwood.A su vez, la compañía de producción que cofundó, Castle Rock Entertainment, lanzó una larga lista de éxitos, incluyendo la popular serie Seinfeld y la película The Shawshank Redemption. Activismo Durante todo ese tiempo, Reiner fue uno de los activistas demócratas más activos de la industria cinematográfica. En este sentido, organizó regularmente recaudaciones de fondos e hizo campaña por temas considerados progresistas, además de ser duramente crítico con la administración del presidente Donald Trump.Además de su labor en el cine, según informó Los Ángeles Times, fue cofundador de la Fundación Americana para la Igualdad de Derechos, organización que lideró la campaña para revocar una norma que prohibía el matrimonio entre personas del mismo sexo en California, la famosa Proposición 8. También encabezó la campaña para la aprobación de una medida, la Proposición 10, la Iniciativa para Niños y Familias de California orientada a la creación de programas de desarrollo para la primera infancia con un impuesto sobre los productos de tabaco. En ese caso, la medida contó con el respaldo de importantes figuras del ámbito cultural, entre ellas Steven Spielberg, Robin Williams y su propio padre, Carl Reiner.Agencia AP

De qué murió Rob Reiner, el director de cine de Hollywood

Se dio a conocer que Rob Reiner, el director y actor estadounidense y su esposa, Michele Singer Reiner, fueron encontrados muertos este domingo en su residencia. El cineasta tenía 78 años y su pareja, 68. Esta noticia conmocionó a Hollywood porque Reiner llegó a la fama con éxitos como Cuándo Harry conoció a Sally, La princesa promesa y Cuenta conmigo.Familiares de Reiner fueron los encargados de confirmar las muertes durante la noche del domingo, de acuerdo a lo informado por el medio local Los Angeles Times. El mismo representante de la familia, que no reveló su identidad, expresó su pesar por el fallecimiento de Rob y Michele, y pidió privacidad en este momento de profunda conmoción.De qué murió Rob Reiner, el director de HollywoodSegún informaron medios estadounidenses, Rob Reiner y Michele Singer Reiner fueron hallados muertos en su mansión del barrio de Brentwood, en Los Ángeles. Ambos contaban con lo que parecían ser heridas de arma blanca. En ese sentido, la policía investiga un "aparente homicidio" y tiene como principal sospechoso al hijo de la pareja, Nick â??que tiene antecedentes de adiccionesâ??. Noticia en desarrollo.

La conversación que George Clooney tuvo con su esposa Amal Clooney que lo llevó a ya no besar a otras actrices en el cine

El actor aseguró que tiene un nuevo límite para sus próximos papeles en Hollywood

Del surf a las grandes ligas del cine. Tiene 39 años, es hijo de una leyenda y asegura: "Mi padre no me dio un centavo"

Hijo del mítico Clint Eastwood (95) y Jacelyn Reeves (73), Scott (39) nació en Carmel, California, pero su infancia transcurrió entre la serenidad de la costa californiana y la energía salvaje de Hawái. "Viví pescando, buceando, surfeandoâ?¦ Tuve una infancia sencilla y feliz", confesó en una entrevista con Route Magazine. Aquellos años, lejos del glamour de Hollywood, marcaron su carácter aventurero y deportivo y su amor por la naturaleza. A los 17, decidió mudarse con su padre, un cambio que no fue fácil. "Viví con mi mamá hasta que se pudrió todoâ?¦ y luego me vine con mi padre y también lo hice enojar", recordó con humor. Sin embargo, detrás de esa relación exigente había una profunda admiración. "Él es mi héroe", dijo una vez. Con el tiempo, Scott entendió que el apellido Eastwood no era un pasaporte al éxito, sino una responsabilidad. "Mi padre no me dio un centavo. Me hizo ganarme todo", declaró a Woman's World. Y en otra entrevista agregó: "Papá es muy a la antiguaâ?¦ Me enseñó integridad: ser puntual, trabajar y esforzarme". Antes de conquistar la gran pantalla, Scott se abrió camino en el modelaje con campañas para firmas internacionales como Ralph Lauren, ediciones como GQ Australia y su cara y su cuerpo trabajado protagonizaron en 2015 la campaña del perfume Davidoff Cool Water. Su salto al cine llegó con papeles en Flags of Our Fathers y Gran Torino (ambas dirigidas por Clint), pero siempre bajo una premisa clara que su padre le repetía: "Si hay alguien mejor que vos, no vas a conseguir el papel". También protagonizó el film La ola perfecta, donde pudo combinar grandes amores: el cine y el surf. VARIOS ROMANCES Y UNA TRAGEDIA En lo personal, Scott prefiere la discreción, aunque su vida amorosa dio que hablar. Se lo vinculó con la actriz y cantante Jana Kramer, la modelo y actriz Charlotte McKinney y con Ana de Armas cuando trabajaron juntos en la película Overdrive (2017). Pero también vivió una tragedia que lo marcó a fuego: la muerte de Jewel Brangman, en septiembre de 2014, su novia en aquel entonces, en un accidente automovilístico causado por un airbag defectuoso. "Fue una de las llamadas más duras que recibí en mi vida", confesó con dolor. SUS OTRAS PASIONES Fuera del set, Scott es un hombre al que le gusta el golf, la pesca, pilotear helicópteros y practicar pickleball. "El océano es donde más me siento en casa", confesó a GQ, recordando su pasado hawaiano. Además, impulsa su marca Made Here, que no es sólo moda, sino también un homenaje a la gente que fabrica cosas con sus manos en Estados Unidos y apoya iniciativas sociales, destinando parte de sus ganancias a programas que fomentan el empleo en la industria textil estadounidense. Hoy, Scott se consolida como mucho más que el "hijo deâ?¦". Con su carisma, su espíritu libre y su compromiso con la autenticidad, hace de las suyas. Como él mismo se lo resumió al New York Post: "No se trata de ser Clint Eastwood, se trata de ser Scott Eastwood y encontrar mi propio camino".

El director de cine Rob Reiner fue encontrado muerto junto a su esposa en su casa en Los Ángeles

Autoridades confirmaron que la residencia del cineasta fue escenario del hallazgo de dos personas muertas, mientras se esclarecen las circunstancias del incidente

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En una entrevista con 'Infobae España', Christopher Meir, experto en el mundo audiovisual y autor de varios artículos sobre la industria productora, ha compartido su opinión con respecto a la oferta

La recordada escena de Héctor Alterio en el cine que se volvió viral tras su muerte

La muerte de Héctor Alterio este sábado a los 96 años causó conmoción en el mundo del espectáculo. El actor residía en Madrid desde 1975, año en el que decidió dejar atrás la Argentina tras recibir amenazas de la Triple A, justo antes del inicio de la última dictadura militar. Pese a aquello, en varias oportunidades, el reconocido actor pisó su país de origen para filmar películas que quedarían en el recuerdo de los argentinos; y Caballos salvajes fue una de ellas.La comedia dramática dirigida por Marcelo Piñeyro llegó a la pantalla grande en 1995 y no tardó en convertirse en una película icónica y de culto para el cine nacional, ya que se consolidó como una poderosa metáfora social de la Argentina de la década de los 90. En la cinta, Alterio se puso en la piel de José, un anarquista idealista que representa la dignidad, la militancia y la resistencia de los valores perdidos tras la dictadura, y Pedro (Leonardo Sbaraglia), el joven ejecutivo, frío y atrapado en el individualismo de la era neoliberal. Juntos, emprenden un viaje que funciona como una metáfora de la esperanza y de la necesidad de unión, con un mensaje de solidaridad. Sin embargo, el carácter icónico de la película quedó inmortalizado en la escena que volvió a resonar tras la noticia de la muerte del actor, quien se convirtió en una de las figuras más influyentes del cine, el teatro y la televisión en lengua española durante más de siete décadas. Mientras, José -a quien Alterio interpretó- libera los caballos en el mar, lanza un grito existencial: "¡La p*** que vale la pena estar vivo!". Más que una simple línea de diálogo, se trató de una exclamación de alegría. El personaje la gritó tras liberar a los caballos salvajes en la inmensidad de la Patagonia, un acto que simbolizó la liberación de sus propias ataduras y frustraciones, lo que muchos consideraron como una celebración de la posibilidad de decidir y de cambiar la vida a pesar de las circunstancias.En 2019, en una entrevista con Radio Nacional, el actor contó los detalles detrás de la grabación de aquella frase. "Nunca imaginé que iba a pegar así. Pasaron muchos años y cada vez que voy a Buenos Aires me lo gritan en la calle. A veces no los veo, pero los escuchoâ?¦ y encima se equivocan: dicen 'la pucha que vale la pena estar vivo' o cualquier cosa", contó con humor.Alterio formó parte de otras grandes producciones de la industria argentina; entre las que se encuentran, La tregua (1974) de Sergio Renán junto a Luis Brandoni y Ana María Picchio; Camila (1984) con Susú Pecoraro e Imanol Arias bajo la dirección de María Luisa Bemberg y La historia oficial, la cual protagonizó en 1985 protagonizó junto a Norma Aleandro. Su muerte fue confirmada por la Academia de Cine de España. Asimismo, Pentación espectáculos, productora de Una pequeña historia, la última obra que protagonizó en Madrid, compartió un comunicado de la familia en el que, si bien no detallaron las causas del deceso, expresaron que "se fue en paz después de una vida larga y plena dedicada a su familia y al arte".

Murió Héctor Alterio: las escenas que lo volvieron eterno en el cine argentino

Un recorrido por las escenas más memorables de Héctor Alterio en el cine argentino, desde "La Patagonia rebelde" hasta "El hijo de la novia". Leer más

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