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Ander Herrera supo desde muy chico que quería jugar en Boca. Aunque nació en España, el fútbol argentino forma parte de su ADN. El gran responsable fue Pedro, su papá, exfutbolista profesional que trabajó durante años como director deportivo del Celta y el Zaragoza y sentía enorme admiración por los jugadores argentinos. Pero además de observar jugadores, Pedro tenía una misión extra cada vez que viajaba a Buenos Aires. "Le pedía la última camiseta del club y que me llamara desde el estadio para oír el aliento de la gente", contó el propio Ander en una de sus últimas entrevistas. A sus 35 años, el volante que fue compañero de Lionel Messi, Neymar, Zlatan Ibrahimovic y Kylian Mbappé, y que fue dirigido por Marcelo Bielsa, José Mourinho y Louis Van Gaal, cumplirá el sueño de vestir los colores de Boca. Libre del Athletic Bilbao, donde dejó una huella con más de 190 partidos jugados, llegará el miércoles a nuestro país para realizarse los estudios médicos correspondientes; si no hay problemas, el volante firmará contrato por dos años y se unirá a la pretemporada del plantel en Ezeiza de cara a un 2025 cargado de competencias. Entre ellas, el Mundial de Clubes de la FIFA.#Refuerzos Ander Herrera llegará al país el miércoles para realizarse los estudios médicos correspondientes. Si no surge ningún inconveniente, se convertirá en jugador de Boca. pic.twitter.com/4ht6aG2VTs— Esto es Boca (@estoesboca_ok) January 13, 2025El 6 de junio de 2023, Boca venció 1-0 a Colo Colo por la tercera fecha de la fase de grupos de la Libertadores. En un partido chato, el Xeneize se puso en ventaja al inicio del segundo tiempo con un gol de Marcelo Weigandt y sumó su cuarto triunfo en el campeonato. Sin embargo, todas las miradas estuvieron puestas en la segunda bandeja de Casa Amarilla, donde Ander Herrera observó el primer tiempo subido al paraavalanchas de La 12, como si fuera un hincha más. Tres días antes había sido titular en el empate 1-1 entre el Bilbao y el Real Madrid. Y esa misma noche tomó un vuelo a Buenos Aires con el único objetivo de conocer la Bombonera. "Fue una de las mejores experiencias de mi vida", contó aquella vez. Leandro Paredes, excompañero en el PSG, fue quien gestionó su ingreso a la tribuna."Tengo la antipática obligación de ser sincero", había parafraseado Herrera a Marcelo Bielsa para referirse a las posibilidades de llegar a Boca. La tarde anterior, incluso, había estado de invitado en un canal de televisión y había dicho que, por cuestiones "deportivas" y "familiares", no veía factible un futuro en el club. Pero algo cambió después de esa mágica noche en la Bombonera. Y Herrera retornó a Bilbao, su casa, con el deseo de retirarse en Boca.Uno de los primeros recuerdos de Herrera y su fanatismo por Boca tiene que ver con el pase de Cristian González al Zaragoza, en agosto de 1996. Su padre fue el encargado de negociar su fichaje y acompañarlo en sus primeros días en el club. "Mi padre venía a la Argentina cada año y yo le preguntaba: '¿por qué fichan tantos jugadores de Argentina?'. Él me decía: 'Los argentinos no te dejan tirado nunca, cuando las cosas van mal siempre van al frente y pelean'", recordó Ander en su única visita al país. El Kily, Gustavo López, Fernando Cáceres, Roberto Acuña, Juan Esnaider y los hermanos Gabriel y Diego Milito son algunos casos de argentinos que llegaron al club por iniciativa de su padre. Apenas pisó el país, una de las primeras cosas que hizo Ander fue posar en la Bombonera con una réplica de la camiseta del Clausura del 96, la que vistieron el Kily y Maradona antes de sus salidas del club.¡ANDER HERRERA Y SU RECUERDO DE MARADONA!El español se refirió a los personajes que invitaría a un asado y al profundizar en Diego, mencionó cuando lo destacó como el mejor del #ManchesterUnited. ð???ï¸? @Liberotyc @MatiPelliccioni pic.twitter.com/GTbIdHsqXj— TyC Sports (@TyCSports) June 9, 2023Diego fue, justamente, un gran admirador del reconocido mediocampista de español. Aunque jamás se vieron en persona, el astro eligió al mediocampista como su jugador favorito del United en junio de 2019.Ander Herrera debutó oficialmente el 29 de agosto de 2009 en un 1-1 con Tenerife. Con el dinero de su primer contrato adquirió un departamento en el centro de Bilbao. Y poco después, un Volkswagen Golf para ir y venir de los entrenamientos. En vez de música de moda, en su estéreo sonaba un CD que había conseguido su padre con las canciones de la hinchada de Boca.Una destacada actuación en la Eurocopa Sub 21 de 2011 (marcó un gol en la final frente a Suiza) le valió el pase al Athletic Bilbao, el cuarto club en importancia detrás del Real Madrid, el Barcelona y el Atlético de Madrid. Su llegada a la institución coincidió con la de Marcelo Bielsa, quien volvía a dirigir un equipo después de 13 años. "Al tiempo que llegó (Bielsa), era un jugador fijo, él confiaba mucho en mí y teníamos una gran relación futbolística más que personal, porque entendíamos el fútbol de la misma manera. Pero un día, su asistente Pablo Quiroga me contó que cuando Marcelo arribó al club le dijo: 'Mire a ese Herrera, en los videos que vi me parece que es un poco como Riquelme, no me convence'. Luego, en cambio, tuvimos una relación fantástica y nos fue muy bien en esos dos años juntos. Resultó ser que no teníamos mucho que ver con Riquelme. En cuanto a calidad está al alcance de muy poquitos", reveló Herrera, quien siguió de cerca la carrera del 10 y pasó varias noches en vela observando los partidos de Román en su último paso por el club.En 2012, de hecho, se viralizó un tuit de Herrera en el que elogiaba los pases de Riquelme en un encuentro con Fluminense, a las 3:15 de la madrugada. Y en junio de 2011, otro posteo con palito incluido al rival de toda la vida, que jugaba la Promoción y finalmente descendió a la B Nacional: "¿Alguien sabe dónde televisan River-Belgrano? Saludos".En la Europa 2011/2012, el Athletic eliminó en octavos de final al Manchester United tras vencer a los Red Devils tanto en Old Trafford (3-2) como en San Mamés (2-1). Luego, el equipo superó al Schalke 04 en cuartos, al Sporting de Lisboa en semis y cayó 3-0 en la final frente al Atlético de Madrid. En 2014, el United pagó su cláusula de rescisión e invirtió 36 millones de euros para quedarse con su pase. En Manchester compartió plantel con Marcos Rojo, de quien es muy amigo, y también con Sergio Romero, sus nuevos compañeros en Boca, además de hacerse muy compinche de Ángel Di María, con quien luego convivió en PSG.En 2019 llegó libre al conjunto galo, donde jugó siete meses con Edinson Cavani e integró "el equipo de los sueños" junto a Messi, Neymar y Mbappé. En París ganó siete de los 11 títulos de su carrera, aunque lo mejor, dice "siempre está por venir".Admirador de Xavi y Andrés Iniesta, Herrera es un volante que fue mutando de posición con el correr de su carrera. La presencia de otros cracks lo obligaron a asumir un rol secundario tanto en Manchester como en PSG, actuando más como doble 5 y sin tanta llegada al área. En sus últimas tres temporadas, por caso, marcó un solo gol y repartió cuatro asistencias. En ese sentido, Gago podría encontrar en Herrera el reemplazante natural de Pol Fernández, quien dejó Boca en condición de libre para seguir su carrera en Fortaleza.En el último tiempo, Herrera no tuvo la continuidad deseada y ese fue uno de los motivos que lo empujaron a buscar una salida. En 2024 jugó 29 de los 48 partidos del Bilbao, se perdió 13 por lesión y en otros diez esperó en el banco. Su despedida de los Leones fue el miércoles pasado, en la caída ante Barcelona por la Supercopa de España en la que tampoco sumó minutos. En Boca lo esperan para que sea el 5 del equipo que vaya por todas las competencias en juego. Herrera firmará contrato por dos años y sería presentado en los próximos días, con la emoción a flor de piel y el corazón azul y oro.
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Las estrellas universales del cómic Tintín y Popeye, y obras maestras de la literatura, el cine y la música de Faulkner, Hemingway, Hitchcock y Ravel -todas ellas de 1929- pasaron en enero de 2025 al dominio público estadounidense. Es que, cada año miles de libros, películas, canciones, música, obras de arte y personajes de cómic con 95 años de creación pierden sus derechos de autor en Estados Unidos. Esto significa que pueden copiarse, compartirse, reproducirse o adaptarse libremente sin pagar por ello.A finales de cada mes de diciembre, el Centro para el Estudio del Dominio Público de la Facultad de Derecho de la Universidad de Duke, en Carolina del Norte, publica la lista de obras culturales que han pasado a la posteridad.Entre las obras literarias publicadas en 1929 que pasaron a ser de dominio público, destacan Adiós a las armas de Ernest Hemingway, una novela que explora las experiencias de un soldado estadounidense durante la Primera Guerra Mundial y El sonido y la furia, de William Faulkner, reconocida por su innovadora estructura narrativa, también se suma a la lista de obras disponibles.Otra incorporación notable es Una habitación propia de Virginia Woolf, un ensayo fundamental en la literatura feminista que aborda la necesidad de independencia económica y personal para las mujeres escritoras. Además, las obras de Dashiell Hammett publicadas en la revista Black Mask,como El halcón maltés y Cosecha roja.La entrada de estas obras al dominio público facilita su difusión y permite nuevas interpretaciones y adaptaciones, lo que enriquece el panorama cultural y literario contemporáneo, informa AFP.Los personajes icónicos que pasaron al dominio público en 2025En 2025, personajes emblemáticos del cómic y la animación también ingresaron al dominio público. Entre ellos se encuentran las primeras versiones de Popeye, el marinero creado por Elzie Crisler Segar, en 1929, y Tintín, el intrépido reportero belga ideado por Hergé. Estas incorporaciones permiten que artistas y creadores contemporáneos exploren nuevas narrativas y enfoques para estos personajes clásicos.Es importante destacar que, aunque las primeras representaciones de estos personajes son de dominio público, las versiones posteriores y adaptaciones más recientes pueden seguir protegidas por derechos de autor. Por eso, es fundamental considerar las especificidades legales al utilizar estas figuras en nuevas obras.La disponibilidad de estos personajes ofrece oportunidades para reinterpretaciones y proyectos creativos que pueden resonar con audiencias contemporáneas, lo que mantiene viva la relevancia de estas figuras en la cultura popular.Composiciones musicales que ingresan al dominio públicoEn el ámbito musical, diversas composiciones de 1929 pasaron al dominio público en 2025. Entre ellas, se destaca Rhapsody in Blue de George Gershwin, una pieza que fusiona elementos de la música clásica con el jazz, emblemática de la era del jazz en Estados Unidos.Además, canciones populares como Happy Days Are Here Again, de Jack Yellen y Milton Ager, y What Is This Thing Called Love?, de Cole Porter, también están ahora disponibles para uso libre. Estas composiciones fueron interpretadas por numerosos artistas a lo largo de las décadas y su ingreso al dominio público facilita su reinterpretación y difusión en la actualidad.La accesibilidad de estas obras musicales permite a músicos y productores contemporáneos experimentar con nuevos arreglos y adaptaciones, lo que ayudará a nutrir la escena musical actual.Consideraciones legales y culturales del dominio públicoEl ingreso de obras al dominio público varía según las legislaciones de cada país. En Estados Unidos, las obras publicadas en 1929 pasaron al dominio público en 2025, mientras que en Europa, la protección de derechos de autor suele extenderse hasta 70 años después de la muerte del autor. Por ejemplo, en 2025, autores como Colette, Henri Matisse y Alan Turing vieron sus obras ingresar al dominio público en el Viejo Continente.Es esencial que quienes deseen utilizar estas obras estén informados sobre qué dice la legislación en cada jurisdicción, para asegurar un uso adecuado y respetuoso de las mismas. Además, el acceso libre a estas obras ofrece una oportunidad para la preservación y difusión del patrimonio cultural, al permitir que nuevas generaciones descubran y reinterpreten clásicos de la literatura, la música y el arte.La entrada de estas obras al dominio público también plantea reflexiones sobre la evolución de los derechos de autor y su impacto en la creatividad y la innovación cultural. El equilibrio entre la protección de los derechos de los creadores y el acceso público a las obras sigue siendo un tema de debate en la sociedad contemporánea.Impacto en la cultura contemporáneaLa disponibilidad de estas obras en el dominio público tiene un impacto significativo en la cultura contemporánea. Permite que artistas, educadores y el público en general accedan, compartan y vuelvan a crear contenidos que moldearon la historia cultural. Por ejemplo, la posibilidad de adaptar novelas como Adiós a las armas o El sonido y la furia puede dar lugar a nuevas interpretaciones en cine, teatro o literatura.Asimismo, la incorporación de personajes como Popeye y Tintín en nuevas narrativas puede revitalizar su presencia en la cultura popular, presentándolos a nuevas audiencias y contextos. En el ámbito musical, la reinterpretación de composiciones clásicas puede influir en la creación de nuevos géneros y estilos, enriqueciendo la diversidad musical.El dominio público, por lo tanto, no solo preserva el legado cultural, sino que también impulsa la innovación y la creatividad, porque permite que las obras del pasado encuentren nuevas formas de expresión en el presente.Perspectivas futuras del dominio públicoCada año, nuevas obras ingresan al dominio público, ampliando el acervo cultural disponible para la humanidad. Este proceso continuo ofrece oportunidades para la educación, la investigación y la creación artística. Sin embargo, también plantea desafíos en términos de gestión y preservación de estas obras, así como en la protección de los derechos morales de los autores.Es importante que las instituciones culturales, los gobiernos y la sociedad en general trabajen conjuntamente para garantizar que el dominio público siga siendo un recurso valioso y accesible, promoviendo una cultura inclusiva y participativa.
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Un recorrido por sus temas más inolvidables.Las baladas que marcaron una época y sus hits en otros ritmos.
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La cantante barranquillera espera hacer historia con su tour en 2025, presentándose en Estados Unidos, México, Perú, Canadá y Brasil, por lo que millones de fanáticos estaban a la espera de la revelación de las canciones que interpretará
Amores en todas sus formas, esos clásicos de las grandes canciones. Amores adolescentes y apasionados; de melodías pegadizas que se convierten en éxitos tecnopop de discoteca; desencuentros tangueros que terminaron entreverados con historias de asesinatos y aquellos no correspondidos que sonaron al ritmo del chamamé. Estas son algunas de las "Grandes historias de canciones" más elegidas por los lectores de LA NACION durante 2024.En el funeral de su hermana mató a su cuñado y dejó para la historia el tango "Nada"La manera de lograr que una canción se convierta en un gesto artístico perfecto es buscar que música y letra creen su propia danza. "Nada" es un tema que este año cumplió ocho décadas. Fue escrito por Horacio Sanguinetti con música de José Dames. Es un tango porque se manifiesta en ese lenguaje musical, pero crear su propia danza significa que letra y música generan la pareja perfecta, con sus propios movimientos. No es tan fácil de explicar esto solo con palabras porque, justamente, se trata de música; quizás antes haya que escuchar las versiones que han hecho grandes cantores, como Alberto Podestá, Julio Sosa, Mercedes Sosa, María Graña y el Polaco Goyeneche, para comprobar la gracia con la que letra y música se mueven."He llegado hasta tu casa. Yo no sé cómo he podido. Si me han dicho que no estás. Que ya nunca volverás. Si me han dicho que te has ido. Cuánta nieve hay en mi alma. Qué silencio hay en tu puerta. Al llegar hasta el umbral, un candado de dolor, me detuvo el corazón"En la historia de su autor, Horacio Basterra (Sanguinetti era el seudónimo que usaba para escribir sus tangos), también hay una leyenda que tiene que ver con su partida. Desde entonces, nada se supo de él, hasta su muerte. En este caso el motivo es un hecho trágico, un asesinato. Durante muchas décadas fue un secreto a voces que, en el funeral de su hermana, Basterra había matado a un hombre y luego escapado al país donde había nacido, el Uruguay.Todo iba bien en la vida de Basterra hasta que, en 1950, su hermana murió por tisis. Durante su velatorio, la historia que el mismo contó a muchos amigos, para ayudarlo a salir de ese confuso episodio, giró en torno a una discusión que el propio poeta tuvo con su cuñado. Durante las exequias le reprochó al viudo que había torturado en vida a su hermana. El hombre, que era militar, habría hecho el ademán de sacar su arma para apuntarle y Basterra le ganó de mano, sacó una que llevaba y lo mató. La historia de Basterra fue rescatada por Oscar del Priore e Irene Amuchástegui en su libro A mí se me hace cuento. Historias ocultas del tango (Publicado por Alfaguara en 2010). Del Priore confirmó a LA NACION que el relato de esa noche era un secreto a voces.Otro dato para confirmar la historia lo aportó Beba, la hija de Don Osvaldo Pugliese: "Lo que yo sé de Horacio Sanguinetti es lo que vi en mi casa -contó-. En una oportunidad llegó a la casa de la calle Lugones 3541, que fue la primera propiedad que compraron mis viejos. Estaba en el barrio de Saavedra y vino con una señora que se llamaba Rosita. Alta, rubia, peinada hacia atrás, moderna 'para ese entonces' -digo lo que recuerdo porque yo era una nena- (...). Él estaba enamorado de esa mujer, creo que era una señora de la noche por lo que yo distraídamente escuchaba. Ella lo dejó después de un tiempo y se fue a Brasil, creo que con otro hombre. Sanguinetti sufrió mucho, mi viejo lo quería, eran amigos. La segunda secuencia fue en Álvarez Thomas 1477, Villa Ortúzar, donde vivíamos. Recuerdo que Horacio llegó en forma desesperada, con las manos vendadas, tenía un traje azul, dramáticamente desesperado. Estábamos en el vestíbulo y le decía a mi papá que había matado a su cuñado, por la mala vida que le daba a su hermana. Hablaban de que él se tenía que ir del país.""Merceditas": un amor por correspondencia, dos pedidos de matrimonio y un "castigo" de DiosA veces, las cosas no salen según lo planeado. Y si bien el universo tanguero podría ser el ideal para darle cobijo a la historia, este final, que no es feliz, fue contado con ritmo de chamamé. Es la historia de un amor ("como no hay otro igual") que en la nostalgia y el recuerdo tiene el desarrollo de un cuento de hadas, pero cuando llegó el momento de formalizar, la libertad pudo más que el amor. Los protagonistas fueron un músico y compositor entrerriano y una bella joven de un pueblo de Santa Fe: Ramón Sixto Ríos y Mercedes Strickler Khalov. Quizás sus nombres no digan demasiado hasta saber que son protagonistas no solo de esta historia si no de uno de los chamamés más bellos: "Merceditas"."Qué dulce encanto tiene /tu recuerdo Merceditas. / Aromada florecita, amor mío de una vez. / La conocí en el campo, allá muy lejos una tarde, donde crecen los trigales, Provincia de Santa Fe/".Se podría decir que, luego del himno chamamecero "Kilómetro 11â?³, "Merceditas" se convirtió en el gran clásico del repertorio romántico, lento y dulce. Porque muestra una gran candidez, quizás esa misma con la que durante dos años se sostuvo aquel amor de poste restante, en la correspondencia de esos dos enamorados. Ríos pudo escribir un gran hit. Pero no logró quedarse con el amor de Merceditas. Una tarde de 1941 apareció en su casa con un par de anillos para proponerle matrimonio. Y ahí mismo todo terminó. Mujer adelantada a su tiempo, Merceditas no quiso perder su libertad. Lo rechazó y se limitó a decir que cuando le propuso matrimonio dejó de quererlo.Ríos se casó con otra mujer y enviudó un par de años después. Tuvo una segunda oportunidad con Merceditas. En vano. A principios de la década del noventa volvió a la carga con su viejo amor. La invitó a Buenos Aires. La "aromada florecita" accedió a visitarlo. El volvió a proponerle matrimonio. Ella volvió a rechazarlo. Muchos años después, Mercedes Strickler Khalov dijo que Dios la había castigado por esos rechazos."I Don't Want to Miss a Thing": el inoxidable hit de Aerosmith que fue inspirado por un sorprendente romance de HollywoodEn 1996, Barbra Streisand recibió el llamado de una amiga con una propuesta que inicialmente decidió rechazar: la invitación a una cena a la que también había sido convocado un hombre con el que la actriz y cantante seguramente iba a tener mucho en común. La protagonista de Nace una estrella venía de relaciones breves con figuras reconocidas como el tenista Andre Agassi y los actores Liam Neeson, Jon Voight y Peter Weller, y no se sentía lista para iniciar un nuevo vínculo romántico. Tras un período de insistencia de su grupo de amigos, Barbra accedió y acudió a la cena en cuestión sin demasiadas expectativas. Sin embargo, cuando vio al actor James Brolin, su vida se transformó. "Me acerqué hacia él, le toqué el cabello y le pregunté: '¿Quién te arruinó el peinado?' Porque era verdad y nadie más iba a decírselo, y además no tenía otra cosa para decirle, no me podía ni presentar porque ya me conocía y eso hubiese sido ridículo, entonces elegí decirle algo sincero", le confió Streisand a la presentadora Gayle King, quien también habló con Brolin para tener su versión de ese primer encuentro."Lo que me atrajo de Barbra fue su honestidad brutal, pensé: 'Oh, ¿así que esto va a ser así? Bueno, yo voy a dar pelea también'; me pareció muy sexy su actitud y conectamos en un segundo, por lo que supe que estaba entregado a ella ya desde esa misma noche, fue instantáneo", recordó el protagonista de The Reagans. Luego de dos años de noviazgo, los actores contrajeron matrimonio el 1° de julio de 1998 y siguen juntos hasta la fecha, sin pruritos para expresar lo que sienten el uno por el otro.En una oportunidad, Streisand tuvo que viajar por un rodaje y Brolin quedó solo en la casa. Cuando fue llamado para una entrevista televisiva y le preguntaron por su esposa, fue extremadamente cándido. "La extraño mucho en este momento, la extraño incluso cuando estoy durmiendo". Del otro lado de la pantalla se encontraba Diane Warren escuchándolo, quien pensó que ese concepto (el de evocar al otro y sus pequeños detalles tanto en el sueño como en la vigilia) era un buen punto de partida para la canción que estaba componiendo para el film de Michael Bay, Armageddon.El tema "I Don't Want to Miss a Thing", de Warren, en la versión de Aerosmith, se editó el 29 de julio de 1998, escaló a la cima del Billboard Hot 100 y se convirtió en la canción más exitosa del grupo, su primer "number one hit" en los Estados Unidos. La interpretaron un año después de su lanzamiento, en la ceremonia de los premios de la Academia de Hollywood a los que estuvo nominada. La canción inspirada por Barbra Streisand y su romance con James Brolin perdió la estatuilla a manos del tema de El príncipe de Egipto, "When You Believe", pero su vigencia es irrebatible. "I Don't Want to Miss a Thing" fue elegida para bodas, cumpleaños, videos, y se convirtió en una balada inoxidable que logró ser disociada del film para el que fue compuesta."Una gran balada debe tener una gran melodía, una buena letra, lo que sucede con cualquier canción en general, pero en el caso de 'I Don't Want to Miss a Thing' encontramos el secreto: es esa canción que todo el mundo puede cantar a viva voz en un karaoke, estando borracho, es ese tema que es divertido de interpretar", expresó Warren."My Sharona": una tragedia y la misteriosa mujer detrás del éxito de The KnackA sus 25 años, Doug Fieger conoció a Sharona Alperin y su vida dio un brusco giro. El músico oriundo de Oak Park, Michigan, siempre tuvo muy en claro cuál era su meta: instalarse en Los Ángeles y triunfar en la industria musical. Sin saberlo, Sharona iba a darle un fuerte respaldo en ese proceso que comenzó cuando, en 1978, Fieger se subió por primera vez a un escenario junto al guitarrista Berton Averre, el baterista Bruce Gary y el bajista Prescott Niles. Así, se formó The Knack. El primer disco se publicó en 1979 y su primer corte de difusión fue aquel tema que le había dedicado a su novia: My Sharona". "Me enamoré de manera instantánea", declaró el artista. "La miré y fue como si me hubiesen dado un fuerte golpe con un bate, mi cabeza quedó extraña, y luego no pude dejar de escribir temas que me remitieran exclusivamente a ella", reveló.Tras mantener una relación por varios años, decidieron separarse y eventualmente rehicieron sus vidas con otras personas. Alperin se corrió de la industria de la música en la que estuvo inmersa por tanto tiempo. "Recuerdo que me la pasaba viendo los ensayos de la banda y un día me dijeron que tenían una canción que querían que escuchase, pero no me contaron nada más que eso y me olvidé. Salí del trabajo, me subí al auto, puse la radio y no lo podía creer. '¿Están nombrándome en ese tema?' Fue lo primero que pensé y después me volví famosa sin proponérmelo".En "My Sharona", Fieger describe a su novia como "el motor" que lo hacía ponerse en marcha, la persona que ponía su vida en movimiento, siempre de la mano con la música, a tal punto que Alperin accedió a la propuesta de ser la cara visible de la tapa del single, en la que ella sostiene el primer disco de la banda.Ese breve roce con la fama llegó tanto por la canción en sí misma como por la repercusión que tuvo la portada del single. "Me empezaron a ver como a una celebridad y esa foto la hicimos un día sin producción, yo estaba usando los jeans y la remera que usaba siempre, y después ese look lo empecé a ver en las mujeres que seguían al grupo. Les preguntaba de qué estaban vestidas y me respondían: 'De Sharonas'. Fue un momento de mi vida increíble", remarcó Alperin, quien aseguró haberse sentido muy dolida tras la separación, aunque siempre tuvo la certeza de que el vínculo no iba a funcionar a largo plazo, por lo que los vaivenes eran muy frecuentes."Tenía 17 años cuando lo vi y nos enamoramos. Al poco tiempo de empezar a hablar, ya sabíamos que éramos el uno para el otro, él siempre me decía 'sos mi alma gemela, sos mi otra mitad', pero yo estaba de novia y necesitaba tiempo para pensar. Pasó un año, junté coraje y dejé a mi pareja para estar con él". De esta manera, recordó Sharona Alperin los inicios de su vínculo con Fieger en una cándida entrevista con The Wall Street Journal. La mujer, quien actualmente es una exitosa corredora de bienes raíces, mantuvo un vínculo con el líder de The Knack hasta el día de su muerte, el 14 de febrero de 2010. El músico falleció luego de una larga batalla contra un cáncer de pulmón. Tenía 57 años. "Estuve cerca de él en esos últimos momentos, fuimos amigos hasta el final de su vida", reveló Alperin.La canción más bailada en los boliches porteños a finales de los 80Transcurría la época del synth-pop, a finales de los años ochenta, cuando Cetu Javu irrumpió inesperadamente desde Hannover, Alemania, en la escena porteña, como uno de los pioneros del sonido techno-pop en español. Entre canciones de Depeche Mode, New Order y Pet Shop Boys, de repente surgía en nuestro idioma "A dónde", un hit cuyo estribillo aún hoy es muy recordado por todos aquellos que transitaban la noche porteña.Ahora bien, ¿qué hacía una banda alemana cantando canciones en castellano? La historia es que su cantante, Javier Revilla-Díez, era hijo de inmigrantes españoles oriundos de Palencia que se habían radicado en Alemania en 1963. Por eso, si bien la mayoría de las canciones estaban escritas en inglés, otras tantas las cantaban en castellano."Me di cuenta de que podía expresarme con más sentimiento en castellano que en inglés. Entonces, cuando oía los primeros sonidos de una melodía, decidía si era mejor hacerla en un idioma o en el otro. Creo que fuimos pioneros del sonido tecnopop en español y me siento orgulloso de eso, porque hubo una gran afición", recordó Revilla."El éxito de 'A dónde' llegó bastante tarde para nosotros, porque ya teníamos cinco años de canciones y ya no esperábamos un éxito así. Llegó a España por casualidad. En esa época, los DJ de Valencia eran los número uno. Todo lo que allí sonaba luego empezaba a sonar en otras partes. Incluso Fráncfort (Alemania) tuvo esa referencia. Entonces, un DJ de Valencia vio nuestro disco, no lo escuchó, solamente vio que tenía una canción en castellano, se la llevó, la pinchó y desde entonces fue un éxito inesperado. Después siguieron años muy intensos de actuaciones, entrevistas, conciertos con miles de personas cantando nuestras canciones. Fue muy emocionante y divertido, una locura para nosotros", rememoró el cantante.
INFINITE fue el primero en encabezar la lista de artistas emergentes de Billboard en 2014 con su canción Last Romeo, abiendo oportunidades a más grupos de K-pop
Basado en el número de descargas o compras digitales realizadas a través del sistema de Apple, el ranking de K-pop de iTunes está disponible para ser consultado a diario en 39 países, entre ellos Colombia
La industria del K-Pop representa ganancias de miles de millones de dólares para Corea del Sur y ha catapultado las exportaciones televisivas y musicales
El K-pop nació formalmente tras el debut del famoso grupo Seo Taiji and Boys en el año 1992, que incorporaron a su música estilos como rap, hip-hop, rock, jazz, la electrónica y tecno
El grupo cubano Atemporal y una actuación en Argentina con la música de una isla que lucha por la libertad. Dedicado a las víctimas de todas las dictaduras. Leer más
Formó Las Bermudas con Javi Punga y Willy Ruiz Díaz, baterista de El Mató a un Policía Motorizado, una banda con la que Rauto se fue ganando su lugar en la escena platense, y que este año sacó su mejor disco, La selva oscura.
La publicación, realizada por una creadora de contenido de 88 años en TikTok, ha conquistado a miles con su ritmo, energía y creatividad
Habrá que preguntarse cuántas de las miles y miles de personas que desde 2011 vienen bailando en fiestas "Pumped Up Kicks" de Foster the People saben que bajo ese pop energético corre una letra que habla de acribillar compañeros por los pasillos del colegio. Lo de Mark Foster, el líder del grupo, ya es un modus operandi: divertir y a la vez asustar, y lo repite -con algunos cambios de estilo- en su último disco, Paradise State of Mind, que salió hace poco más de un mes."Mi música es el lenguaje de la esperanza", dice, y si uno escucha temas como "Lost in Space" -el primer corte de este, su primer disco en siete años- lo puede sospechar: sonidos sintéticos fechados (en espíritu) entre los últimos 70 y los primeros 80, con gancho, ritmo y melodía. Pero las letras, cómo no, tampoco son una celebración: Foster viene de años de mucha intensidad y sus canciones los reflejan. Con Paradise State of Mind todavía fresco y con el pasaje a Buenos Aires comprado para el próximo Lollapalooza, donde también ofrecerá un sideshow, el cerebro de Foster The People elige la confusión.-En todas tus entrevistas recientes hablaste sobre la necesidad de reflejar en el álbum cierta oscuridad que viste a tu alrededor. ¿Te referís específicamente a una etapa personal difícil, o te afectó el conflicto en la sociedad en general?-Siento que esas dos cosas van de la mano. Diría que sí, gran parte de este disco refleja las cosas que surgieron cuando me volví sobrio, lo cual es todo un desafío en sí mismo. Cuando vivís de cierta manera, y eso que te hace sentir cómodo como ser humano te lo quitan porque te va a matar, tenés que dejarlo, ¿viste? Para mí fue como aprender a vivir de nuevo, y creo que este disco es una exploración de eso. En última instancia, se trata de mi relación conmigo mismo. El disco trata sobre mi humanidad. Quería ser valiente con cómo hablaba de ello y cantaba sobre cosas que normalmente querría esconder. Las hice públicas. Pero también hay una conversación con Dios, mi idea de lo que es Dios, y ese diálogo divino también sucede a lo largo del álbum. Creo que mucha gente, durante la pandemia y con el estado del mundo, sintió ese mismo miedo y ansiedad. Todos estamos lidiando con ello.-¿Por qué elegiste la música dance de finales de los 70 como el lenguaje principal para transmitir lo que querías en Paradise State of Mind? ¿Qué recursos te daba esa música?-Si hubiera hecho este disco con otro estilo de música, podría haber sido realmente deprimente. Pero me interesaba crear algo que pudiera reflejar esa tensión y evolución. En esa época, los artistas evolucionaban tan rápido y mucha de la música de esa era sentó las bases de géneros completos que existen hoy en día. Mirá bandas como Kraftwerk, New Order -Joy Division convirtiéndose en New Order- y cómo usaban sintetizadores con rock y cajas de ritmos. También Depeche Mode. Esas bandas empezaron a sentar las bases de la música house, la música dance y todo tipo de géneros electrónicos. Parliament-Funkadelic, Bernie Worrell en los sintetizadores, Tom Tom Club, todo el funk con sintetizadores que eventualmente se filtró en el neo-soul y el jazz electrónico. Lo escucho ahora en artistas como Tyler the Creator, Steve Lacy, Toro y Moi. Después está Giorgio Moroder y lo que hizo con la sincopación con Donna Summer, y Prince, que se inspiraba en James Brown pero lo superponía con cajas de ritmos para crear algo completamente nuevo. Fue un tiempo tan rico y hermoso para inspirarse. Amo la alegría, y mis letras tienden a ser más cerebrales, más filosóficas, a veces provocativas. Me gusta hablar de temas difíciles, ya sean personales o globales. Pero soy un optimista. Siempre tengo esperanza, y mi música es el lenguaje de la esperanza. Incluso si las letras tratan sobre algo difícil, la música me hace sentir que todo va a estar bien.-Justamente, cada letra del disco tiene un toque agridulce. "Lost in Space", por ejemplo, cuenta la historia de alguien que sufre por amor pero también sabe cómo salir de ese dolor. Parece que la esperanza siempre está presente en tu manera de escribir.-Sí, es así. Escribo lo que necesito sentir. No hay nada como escuchar una canción que te trae alegría. Pero para mí, hay una diferencia entre la alegría y el pop "burbujeante". La música pop sin sustancia puede ser divertida, y tiene su lugar. A veces solo querés escuchar algo y no pensar. Pero mi arte favorito â??ya sea música, cine, lo que seaâ?? me activa. Me hace pensar en preguntas más profundas. Como una película de Charlie Kaufman o una de Stanley Kubrick, te dejan con más preguntas que respuestas. Esa es la manera en la que abordo la música. No quiero que mi música sea escapista. Necesito que se sienta arraigada. Los últimos años han sido duros para todos y quería hablar de eso, pero no quería que la música se sintiera pesada o sin esperanza. La música es este hermoso recordatorio de que el mundo todavía está lleno de magia.-Hablando de la combinación entre música animada y letras oscuras. ¿Creés que "Pumped up Kicks" fue entendida del todo?-No, pero esa es la belleza de todo. El hecho de que todavía estemos hablando de esa canción 14 años después es lo que amo del arte. No siempre tiene que haber una respuesta. Hacer la pregunta es suficiente. Puede que nunca se entienda completamente, y eso está bien porque yo mismo no la entiendo del todo. Solo la escribí; estaba canalizando algo. Es como un poema, puede haber muchas interpretaciones, y esa es su belleza.-Vas a estar en la próxima edición de Lollapalooza Argentina. ¿Qué recuerdos tenés de la edición 2015 y de tus otras visitas?-Man, es uno de nuestros festivales favoritos para tocar. Tuvimos algunos de nuestros mejores momentos musicales en el escenario en Argentina. Los fans son los mejores. Me acuerdo de la primera vez que tocamos en Lollapalooza, fue el público más grande ante el que habíamos tocado. Ese fue un momento al que siempre volvemos porque, cuando sos una banda joven, empezás tocando para cien personas, y se siente como si fueran un millón. Después tocás para mil y tu cerebro no puede procesarlo. Entonces, cuando te subís al escenario de Lollapalooza por primera vez, y hay 50, 60, 70.000 personas, la energía es abrumadora. Los fans de Sudamérica son los más apasionados del mundo. ¡Argentina se vuelve loca, man! Recuerdo algunos de nuestros shows en solitario en Buenos Aires y la energía en la sala era simplemente eléctrica. Es todo lo que podrías desear como artista, porque te sentís realmente visto y apreciado. Así que no puedo esperar para volver. Sí, recuerdo ese Lollapalooza de 2015. Arctic Monkeys estaban en su gran momento con AM [2013] y recuerdo haber visto su set después del nuestro. Todas las bandas se juntan en estos festivales; estamos todos en el mismo hotel. Es divertido porque, como músicos, generalmente somos un poco lobos solitarios. No nos vemos mucho. Así que, sí, tengo muchas ganas de volver.
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El Día Nacional del Tango se celebra cada 11 de diciembre, con el objetivo de destacar este género característico del país. La jornada fue instruida en recuerdo al nacimiento de dos figuras fundamentales de esta expresión artística, como Carlos Gardel y Julio de Caro. El tango es un ritmo que trasciende a la música e incluye diferentes disciplinas como la danza y poesía.La historia del Día Nacional del TangoFue en el año 1977 cuando se propuso celebrar al tango, gracias a una iniciativa de Ben Molar, un reconocido autor, compositor, productor musical y promotor artístico argentino. La iniciativa consistía en celebrar el tango el día del nacimiento de Carlos Gardel y Julio de Caro.Gardel, también conocido como "El Zorzal Criollo", nació el 11 de diciembre de 1890 en Toulouse, Francia. Brilló como cantante, compositor y actor, por lo que fue una de las figuras claves para posicionar el tango en la escena mundial.Julio de Caro, nació el 11 de diciembre de 1899 en Buenos Aires, fue un músico, violinista y director de orquesta, que participó en la creación de muchas de las piezas de tango más importantes de la historia. Gracias a su trabajo, ayudó a transformar este género en un estilo más refinado.A continuación, 10 canciones destacadas del tango para celebrar su día."El Día Que Me Quieras"Publicada en 1935, este tango de Carlos Gardel alcanzó la fama mundial. Fue compuesto por Alfredo Le Pera y se caracteriza por su suave melodía y una de las letras más románticas del género, que ha sido versionada por diferentes artistas.Carlos Gardel - El Día Que Me Quieras (Letra-lyrics) [Hq]"Caminito"Compuesta por Juan de la Cruz, se trata de otra de las canciones más importantes de Gardel. Propone un ritmo alegre que se fusiona con la milonga, que refleja la nostalgia de la vida de barrio."Adiós Muchachos"En 1927, César Vedani y Julio Sosa crearon esta pieza, que se popularizó por su melodía festiva y lúdica. Su letra narra una despedida que es vista con positivismo y alegría.Carlos Gardel Adios Muchachos "Por Una Cabeza"Sin dudas, es uno de los tangos más famosos del mundo, pieza de Carlos Gardel y Alfredo Le Pera. Este hit ha musicalizado películas y se convirtió en un referente del género, gracias a su ritmo animado y letra apasionada.Por Una Cabeza - Carlos Gardel"La Cumparsita"En 1916 se estrenó esta composición, obra de Gerardo Matos Rodríguez y Pascual Contursi, que se caracteriza por su letra nostálgica. Fue incluida en el "Cultural Heritage of Humanity" de la UNESCO en 2009."Boedo"Compuesta por Dante A. Linyera y Julio De Caro en 1923, es una representación del clima popular y cultural de Buenos Aires. Inmortaliza en sus estrofas, cómo es la vida en el barrio de Boedo."Qué me van a hablar de amor"Esta canción destaca por su espíritu melancólico, que aborda las temáticas del amor y la pérdida. Fue compuesta por Homero Expósito y Héctor Stamponi e interpretada por Julio Sosa."El Choclo"En 1905, Ángel Villoldo creó este tango, que se convirtió en uno de los más populares del mundo y ha sido versionado por diferentes artistas. Su melodía es dinámica y se asemeja al género de la milonga, lo que lo convierte en una pieza ideal para bailar."La Morocha"Escrita por Ángel Villoldo y con música de Enrique Saborido, esta canción de 1905 expresa a la perfección la transición del tango de la época. Combina elementos tradicionales con ciertas variaciones, creando una pieza romántica, que narra la historia de una joven mujer."Mi Buenos Aires Querido"Gardel interpretó esta pieza en 1934, una de las más icónicas del género. Esta obra presenta a la Ciudad de Buenos Aires como un símbolo cultural. Relata las vivencias de los inmigrantes, los exiliados y el amor de sus ciudadanos.
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