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La ciudad de Benidorm, lista para volver a elegir la canción de España en Eurovisión
Benidorm acoge el Benidorm Fest 2024, con dieciséis artistas compitiendo por representar a España en Eurovisión, en un evento que promete un gran impacto turístico y mediático para la ciudad
La canción que, para Elvis Presley, "es la más triste que jamás hayan escuchado"
Tras su servicio militar, Elvis se alejó de su estilo rebelde para abrazar baladas emocionales, transformando su música en una expresión más profunda y vulnerable, que resonó con su público, revela Far Out
Cazzu conmueve con "Inti", una canción dedicada a la hija que tiene con Christian Nodal: Letra completa
Como parte de su nuevo álbum 'Latinaje', la argentina ha incluido 'sampleos' de la voz de la pequeña
Ana Guerra ('Tu cara me suena 12â?²): "Nunca había escuchado la canción 'Si antes te hubiera conocido' de Karol G"
La pareja de Víctor Elías ha debutado en el concurso de talentos de Antena 3 y revela a 'Infobae España' cómo fue embarcarse en este proyecto
AriGameplays debuta en la música con la canción "Pilates" y desata una ola de críticas y comparaciones
Diversos usuarios revivieron los comentarios que solía hacer la joven sobre los creadores de contenido que se vuelven cantantes
Sebastián Yatra es portada de la revista Elle España: reveló cómo la historia de amor de sus padres inspiró su canción "Milagro"
El cantautor antioqueño estrenará su cuarto larga duración en mayo, que incluirá una canción que, aseguró, siempre quiso escribir. También reveló que su propio padre fue uno de los invitados especiales
George Martin, su histórico productor, elige "la canción mejor construida por The Beatles"
Martin consideraba "She's Leaving Home" como una obra maestra -asegura Far Out-, ubicándola como una de las composiciones más complejas y emocionalmente maduras de la banda, más allá de su producción técnica
Los Alegres del Barranco usan la polémica por "El Mencho" en la promoción de su nueva canción
La agrupación dio un breve adelanto de "Sonrisa de revista", su próximo tema
León Gieco, Lito Vitale y Alin Demirdjian lanzan una canción con motivo del 110 Aniversario del Genocidio Armenio
Se trata de un single grabado en español y en armenio, del que participan también músicos de distintos países y representantes de la música argentina como el bajista Javier Malosetti.
Lali Espósito sorprendió al contar la extraña relación entre una canción de su nuevo álbum y un hincha de Huracán
A días del lanzamiento de No vayas a atender cuando el demonio llama, su nuevo álbum, Lali Espósito visitó Nadie dice nada (Luzu TV) y contó detalles del sexto disco que presentará el próximo martes 29 de abril. Durante su participación en el ciclo de streaming, sorprendió al revelar cuál de todos es su tema favorito y por qué. Se trata de "Lokura", el segundo tema que compone el nuevo trabajo de la artista. "Es una historia de mi infancia. Es mi primer amor platónico, era barra de la hinchada de Huracán. Yo crecí en Parque Patricios, donde es Huracán, a cinco cuadras de la cancha. Y Lokura era un personaje muy mítico del barrio, un bombonazo mal", comenzó diciendo.Al escucharla, Soledad Pastorutti le preguntó si se trataba de alguien que estaba en la barra brava. "Era un barra muy peligroso y a la vez muy amoroso. Muy personaje de barrio, viste. Si se tiene que cag*** a trompadas, se ca** a trompadas y si tiene que defender lo suyo lo hace. Él te generaba un respeto y un miedo y yo moría de amor, muchísimo por él", contestó. En ese sentido, comentó que para ella, Lokura era "Brad Pitt". "Era precioso, me llevaba muchísimos años y mi amor por él era una idea en mi cabeza. Todas morían por él. Entonces hice una canción muy especial dentro de este álbum, te diría de mis favoritas, que habla de esa historia, de eso que pasaba en mi cabeza, de esa historia de amor. Se llama Lokura por él", explicó.Luego, la ex Casi Ángeles sorprendió al mencionar que hacía poco que el hombre había fallecido. "Me enteré hace poquito. No llegó a escucharla, me apena de verdad porque me entusiasmaba la idea de que él sepa", sostuvo, con congoja. Entre risas y para quitarle dramatismo al momento, Martín Garabal, lanzó: "Por un lado, mejor para Pedro Rosemblat (novio de Lali) porque por ahí Lokura se apersona con un ramo de flores y dice: 'Me encantó la canción. Estoy para vivir esa historia'"."Hay muchas historias así en este álbum, por eso decía que es muy identitario porque siento que habla mucho de mí, pero obviamente genera mucha empatía con quien ubique eso que estoy describiendo. Esa vida de barrio, esa vida donde yo crecí... Había muchos otros personajes en Parque Patricios, pero él era muy importante para mi construcción de la infancia", concluyó la actriz. Cabe recordar que No vayas a atender cuando el demonio llama será presentado en el estadio de Vélez Sarsfield, donde tiene programados tres shows, dos con entradas agotadas. Es el mismo lugar en el que en 2023 se convirtió en la primera artista femenina argentina en agotar ese tipo de recinto.La cantante compartió con sus fanáticos la portada y contratapa del disco a principios de este mes. La dirección artística fue desarrollada de manera conjunta por la propia intérprete y su primo, Lautaro Espósito, mientras que la dirección creativa estuvo a cargo de Pablo Cerezo."Popstar", "Lokura", "No Me Importa", "Plástico", "Tu Novia II", "Morir De Amor", "Mejor Que Vos", "No Hay Héroes", "Sensacional Éxito", "Sexy", "Fanático", "Perdedor", "33", "Pendeja" y "Fin De Transmisión", son los 15 temas que lo componen.
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Para la inteligencia artificial, una canción de Shakira es el tema colombiano más reconocido en el mundo: cuál es
La IA destacó la mezcla de ritmos latinos, impacto cultural y legado de Shakira como factores para la elección de su canción
De Lima al Billboard: esta es la canción de Camila Cabello que está inspirada en un grupo de reggae peruano
Una canción del álbum Mi Marimba, grabada en Lima en los noventa, terminó siendo parte de un éxito global, gracias a la mirada atenta de Pochi Marambio y su singular manera de narrar lo cotidiano.
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Durante su visita a México, el Papa recibió la intención de Belinda de cantarle "Gaia", una canción sobre el medio ambiente
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Votá tu canción favorita de Charly García para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
Charly García, uno de los músicos más populares e influyentes de la música argentina, fue líder y fundador de grupos como Sui Generis, Serú Girán y La Máquina De Hacer Pájaros; todos ellos, pilares fundamentales en la evolución del rock nacional y semilleros de varios de los músicos más talentosos de su generación. Es por todo esto, sorprendente, que la faceta más prolífica de la carrera del músico sea su etapa solista. Fue en este período que grabó 15 discos de estudio. Yendo de la Cama al Living, Clics Modernos y Piano Bar fue la trilogía con la que abrió su etapa más personal. Esta serie de álbumes contó con grabaciones tanto en Argentina como en Estados Unidos, y con la participación de músicos como Fito Páez, Pedro Aznar y los miembros de la banda GIT. En un lapso de tres años, Charly se encargó de renovar su imagen y su sonido, como también el de toda la escena musical y política argentina del momento.Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir la esta etapa de Charly García en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "Yendo de la cama al living", "Yo no quiero volverme tan loco", "Inconsciente Colectivo" y "Nos siguen pegando abajo".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 27 de abril a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 29 de abril.De la sofisticación de Serú Girán a la simpleza Yendo de la Cama al Living hay un cambio sonoro importante, determinado por un factor: la separación de la banda. En 1982, Pedro Aznar abandonó el grupo para sumarse al músico estadounidense Pat Metheny, lo que resultó en la disolución de Serú. El contexto en que se da la composición y la grabación se corresponde con el sonido del álbum. Charly dejó de estar rodeado de músicos virtuosos, que aportaban e influían en las composiciones, y pasó a ser el centro indiscutido de la obra. El foco de los temas pasó a estar en él, en su piano y en sus letras. Es así como nace Pubis Angelical/Yendo de la Cama al Living, un disco doble. Su primera mitad es, en realidad, la música para una película del director Raúl de la Torre; la segunda, el espacio en que quedarían grabados temas como el mismo "Yendo de la Cama al Living", "Yo no Quiero Volverme tan Loco" e "Inconsciente Colectivo". El segundo disco de esta trilogía fue el aclamado Clics Modernos, según la revista Rolling Stone, el segundo mejor álbum de la historia del rock argentino. Una obra sin precedentes en el país. En Clics conviven el rock con el tango, bases de ritmo electrónicas con baterías reales y Charly con Aznar. Grabado en Nueva York, producido por Joe Blaney y, más importante, compuesto por un García en estado de gracia; Clics Modernos es una mirada precisa de un país convulsionado y una obra fresca e imperecedera. Habiendo dejado la vara alta, en 1984, Charly se lanzó a grabar su tercer disco como solista, Piano Bar. En lugar de copiar la fórmula exitosa de su predecesor, decidió convocar nuevos músicos y darles una libertad casi absoluta sobre que tocar en las composiciones que él ya tenía. La banda estuvo conformada por los miembros del grupo GIT (que ocuparon la batería, una guitarra y el bajo), un joven Fito Páez (en teclado) y Charly (guitarra, voz y piano). Los temas fueron grabados en vivo, con todos los músicos tocando a la vez, y registrados en VHS. Como resultado, el disco más rockero y enérgico de esta trilogía inicial. La carrera de Charly García continúa al día de hoy. Luego de la salida de estos tres álbumes, se publicaron otros como Buscando un Símbolo de Paz, Filosofía Barata y Zapatos de Goma, Say no More, La Hija de la Lágrima y, el más reciente, La Lógica del Escorpión. El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer la carrera de Divididos dentro de la historia del rock nacional.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
¿De quién habla el corrido "Se fue La Pantera", la canción que Grupo Firme decidió no cantar en la Feria de San Marcos?
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El cantante de regional mexicano estrenó un nuevo tema en medio de la polémica que le ha seguido a su participación en la feria de Texcoco
Aseguran que Ángela Aguilar se reconoce como "amante" en su nueva canción "Nadie se va como llegó"
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La película de James Mangold sobre la vida del artista ya está disponible en plataformas.La canción aparece en un álbum de 1981 y tiene conexión con otro tema del autor de 1965.
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La conductora criticó duramente la nueva canción de la cantante y el futbolista, afirmando que las promesas de amor de 'Cuevita' no son creíbles, y predijo el fin de su relación.
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Meme del Real, Virus, Horcas, Los Tipitos, Indios, Los Auténticos Decadentes, El Kuelgue, Benito Cerati, Ibiza Pareo, Richard Coleman, Juliana Gattas, Eruca Sativa, Los Pericos, Babasonicos: la canción en español es una historia sin final.
Pamela Franco y Christian Cueva ignoran críticas de Pamela López: promocionan su nueva canción, gritando su amor
La aún esposa del futbolista calificó de "desmoral" la relación que tiene Cueva con la cantante. Sin embargo, la pareja hace oídos sordos y sigue promocionando su nuevo tema donde se lucen juntos
Pepe Aguilar reacciona a la canción viral de Ángela Aguilar contra Belinda y Cazzu creada con IA |Video
El cantante advirtió sobre las 'Deepfake' que circulan en redes sociales tanto de él como de su hija
Murió el papá de Leidy Noriega: esta fue la canción que le compuso la artista
La actriz y cantante confirmó la noticia con un conmovedor mensaje publicado en sus redes sociales y unas imágenes que llamaron la atención del público
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La proyección de la imagen del líder del CJNG durante un concierto en el Auditorio Telmex, en Jalisco, provocó una investigación penal en México y la revocación de visas al grupo en EEUU
Al estilo de Alicia Keys, ciudadano le compuso canción a la inseguridad en Quibdó: "They will kill you"
Con el instrumental de 'Empire State Of Mind' de fondo, el compositor abordó el tema de las fronteras invisibles y los homicidios en la capital chocoana
Ángela Aguilar desmiente que la canción viral contra Cazzu sea de su autoría
La integrante de la dinastía Aguilar compartió un comunicado en el que denunció que su voz fue utilizada sin su consentimiento
Icbf expresó su respaldo a fallo del Consejo de Estado sobre polémica de la canción '+57â?²
El alto tribunal fue claro en que los derechos de los niños, niñas y adolescentes deben ser protegidos en todo el territorio nacional, razón por la que desde la entidad nacional hicieron un llamado a los artistas que participaron de la pieza
Consejo de Estado aseguró que Karol G, Maluma, J Balvin y Feid vulneraron los derechos de menores de edad con la canción '+57â?²
El Consejo de Estado les pidió a todos los involucrados en la canción no difundir o publicar composiciones que vulneren los derechos fundamentales de niñas, niños y adolescentes
Votá tu canción favorita de Divididos para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
Si el oficio se pudiera escuchar, sonaría a Divididos. No es casual el apodo "La aplanadora del rock and roll", descriptivo de la experiencia demoledora que son los recitales de la banda. Esto se desprende de la relación que Ricardo Mollo (guitarra y voz) y Diego Arnedo (bajo) cimentaron en los primeros años de Sumo, allá por 1984, y que desde entonces se encargan de mantener.Luego de la disolución de Sumo, resultado de la muerte de Luca Prodan, surgen Las Pelotas y Divididos. Esta última estuvo formada, en primera instancia, por los exmiembros de Sumo, Mollo y Arnedo; a quienes se les sumó el baterista Gustavo Collado. La banda siempre se mantuvo bajo el formato de power trío, y solo sufrió cambios en la batería, puesto por el que pasaron Federico Gil Solá, Jorge Araujo y Catriel Ciavarella (actual baterista de la banda).Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir los inicios de Divididos en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "El 38", "Ala delta", "El Arriero" y "Que ves?".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 13 de abril a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 15 de abril.40 Dibujos Ahí en el Piso es el disco con el que Divididos se dió a conocer al mundo, pero con Acariciando lo Áspero y La Era de la Boludez fue que se plantaron en la escena del rock nacional como una banda con sello personal. Se corrieron de la estela que había dejado Sumo, para adaptar un estilo más rockero y potente; pero mantuvieron el espíritu de converger diferentes géneros para conformar el propio. Con Prodan, esta convergencia se alimentaba de reggae, post-punk y funk; mientras que en Divididos optaron por el hard rock, el blues y el folklore.La incorporación de Federico Gil Solá en la batería marcó un cambio en la trayectoria de la banda. Aportó potencia y musculatura. Primero, en la grabación de Acariciando lo Áspero, con temas más grooveros como "Sábado"; o en canciones que se transformarían en sellos estilísticos de Divididos como "Qué Tal?" y "El 38". Luego, en lo que sería el pico más alto en la carrera de la banda, La Era de la Boludez.Gustavo Santaolalla, productor del disco salido en 1993, se encontró con una banda aceitada y con un Ricardo Mollo en proceso de realizarse como letrista. La Era de la Boludez es un álbum soberbio (en el mejor sentido de la palabra) y crítico, que hace uso de la ironía para expresar la visión del país que tenía el grupo. El verso "no estoy solo, puedo salir a comprar", resume bastante bien el tono de toda la grabación.Es en ese mismo álbum que decidieron reversionar "El Arriero" de Atahualpa Yupanqui. No es un cover o una reproducción, sino que se trata de una reinterpretación del tema. Se apoyaron en una base de blues, para poder acercarle esa letra que creían tan actual ("las penas son de los hombres, las vaquitas son ajenas"), a un público más joven. La profundidad de los gritos de Mollo, una batería que rememora a "Since I've Been Loving You" de Led Zeppelin y las sucesivas apariciones de una guitarra que raspa y quema; nuclean de forma impecable en una sola canción, todas las influencias de Divididos.La carrera de la banda continuó con discos como Otroletravaladna, Gol de Mujer y El Narigón del Siglo. La formación actual, que mantiene a Mollo y a Arnedo, y lo suma a Catriel Ciavarella atrás de los parches; sigue presentándose en distintos puntos del país con la contundencia de siempre.El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer los mejores momentos de la carrera de Divididos dentro de la historia del rock nacional.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
La canción más sonada en Apple Ecuador este día
Estos son los éxitos en Apple que han logrado mantenerse en el gusto del público ecuatoriano
Ed Sheeran dió un concierto en la calle para presentar su nueva canción
El tema se llama "Azizam" y lo cantó frente a una estación de trenes.El concierto duró 20 minutos y cantó seis canciones. Mirá el video en esta nota.
En el Quilmes Rock: Dillom cambió la letra de una canción y apuntó contra Milei
Como ocurre en todos los últimos festivales de música que se desarrollan en distintas partes del país, algunos artistas aprovechan su momento en el escenario para apuntar contra el mandatario argentino. Este sábado, en el Quilmes Rock 2025, el compositor Dillom cambió la letra de una de sus canciones para cargar contra el Presidente. "El día que muera morirá Milei", cantó ante la multitud que lo seguía en Tecnópolis. El artista cambió el estribillo de Buenos Tiempos y repitió la polémica frase en al menos tres oportunidades. Dillom estaba vestido como Arthur Fleck, el personaje de El Guasón (The Joker, en inglés) cuando modificó el estribillo del tema original, que decía "el día que muera moriré en mi ley", para apuntar contra el Presidente. Tras sus dichos, comenzó a circular en las redes sociales un supuesto comunicado que habría emitido la organización del evento, pero rápidamente los responsables del Quilmes indicaron que ese mensaje era falso.No es la primera vez que el artista se manifiesta en contra la máxima autoridad nacional. Ya había hecho lo propio cuando defendió a su colega María Becerra durante el Cosquín Rock, en febrero pasado, luego de que Milei la apodara "María BCRA", en alusión al Banco Central. La presentación de Dillom en el Quilmes Rock también tuvo otro momento que no pasó desapercibido y que fue emotivo. El cantante invitó al escenario a un grupo de excombatientes de Malvinas. Uno de los veteranos tomó el micrófono y agradeció: "Es un orgullo estar acá. A todos les pedimos que haya memoria por los que dejaron su vida por defender a nuestra Patria", dijo el hombre.La grilla del Quilmes Rock para este domingo dice que Flavio vuelve, pero con Los Fabulosos Cadillacs, que tocarán El mató un Policía Motorizado, Las Pastillas del Abuelo, Ratones Paranoicos y que habrá un homenaje a Serú Girán, uno de los sets más esperados de esta edición.Los artistas y Milei: una relación en jaqueSemanas atrás, en medio del escándalo que involucró a Javier Milei en el denominado criptogate, Andrés Ciro Martínez, el líder de Los Piojos, no perdió la oportunidad para dejar un mensaje velado contra el Presidente. Durante su performance en el Cosquín Rock, el vocalista modificó parte de la letra de la canción Llevátelo y, sin aludir directamente al mandatario, cantó: "Tienen tantas mentiras, tanta criptomoneda, tanta libertad".Hace días, durante el Lollapalooza, la banda de rock Dum Chica también protagonizó una fuerte controversia luego de que proyectara, mientras hacían su performance, violentas imágenes de la figura de Milei, como si se tratara de un demonio, con cuernos, sangre en la boca y la banda presidencial."Nosotras, como artistas, somos responsables del contenido expresado durante la presentación en el Lollapalooza", comenzó la publicación que compartieron en su cuenta oficial de Instagram para hacer su descargo. Además, agregaron: "Ni la productora, ni el festival, ni los sponsors del evento tenían conocimiento alguno de nuestra presentación y somos las únicas responsables del mensaje presentado".
"Un mechón de pelo": dos hermanos con cáncer, una muerte que sembró culpa y la canción de Tini que ayudó a sanar
A Agustina le detectaron cáncer de mama y, 48 horas después, su hermano Matías murió tras años de tratamiento."Yo me curé, él no", recuerda ella la compañía mutua y el dolor familiar.Cómo fue su recuperación emocional, del show de Tini al legado de Matu: hablar de cáncer de apéndice.
¿Ángela Aguilar se lanza contra Cazzu y Belinda? Esta es la verdad detrás de su nueva canción viral
En redes sociales se filtró un supuesto adelanto del próximo lanzamiento musical de la cantante y un juego de palabras desató controversia
Daniela Darcourt es excluida de nueva canción de salseras peruanas y Yahaira Plasencia explica los motivos
La ausencia de Dacourt en el proyecto de Cielo Torres genera especulaciones entre salseras peruanas. Yahaira Plasencia y Paula Arias explican que la decisión fue de la cantante tacneña.
La canción más escuchada en Spotify España este día
Estos son los artistas en Spotify que han logrado mantenerse en el gusto del público con estos sencillos
Kanye West confirmó su rompimiento con Bianca Censori en una nueva canción: "Mi bebé huyó"
A través de una canción dedicada a su esposa, el rapero alude a una fractura en su relación con la arquitecta australiana
Manuel Alejandro: "Si Dios me da vida, me gustaría hacerle una canción a Pablo Alborán"
El provocativo tuit de Javier Milei en pleno 2 de abril: celebró a Trump con una canción de la banda inglesa Queen
Tras su polémico discurso por Malvinas, el presidente eligió "Friends will be friends" para celebrar las nuevas medidas arancelarias de Donald Trump. Leer más
Milei celebró los aranceles de Trump con una canción de Queen
El presidente Javier Milei celebró este miércoles la nueva medida de su par norteamericano, Donald Trump, de imponer aranceles generalizados a todos los productos importados con un "tarifa básica universal" de 10% (para varios países el porcentaje será mayor), donde se encuentran incluidos los productos que exporta la Argentina. "Friends will be friends [los amigos serán amigos]", escribió, en referencia a la canción de Queen con ese nombre, que adjuntó en el mensaje.La medida de Trump fue anunciada unas horas antes a través de un extenso listado publicado por la Casa Blanca. En la lista que mostró en la Casa Blanca, la Argentina figura con un porcentaje igual al de Brasil y Chile. Los más "perjudicados" por Trump serán los que hoy por hoy comercian mucho más con Estados Unidos, como China, la Unión Europea, Inglaterra y la India. Pero ese posteo no fue el único en el universo libertario, porque más tarde la esfera digital de LLA compartió el mismo mensaje con referencias al anuncio del jefe de Estado norteamericano.Friends will be Friends...TMAP.VLLC!https://t.co/8sFAgsNduM— Javier Milei (@JMilei) April 2, 2025Noticia en desarrollo
Tiktoker vuelve a conquistar las redes con su canción versión extendida sobre pueblos de Yucatán en náhuatl | Video
Vicky Wolff amplió su popular canción para incluir más municipios de Yucatán, respondiendo a las peticiones de sus seguidores
La canción digital más vendida del mundo no es de Occidente y rompió un récord histórico
Es interpretada por Xiao Zhan y superó las 54 millones de descargas en China. El criterio se debió a un fenómeno social que redefinió el concepto de éxito musical en la era digital, según asegura Far Out
Joven causa indignación al evadir el pago en TransMilenio e interpretar una canción desafiante: fue sancionado
El video, que rápidamente se viralizó en redes sociales, generó reacciones divididas entre los internautas, que exigen medidas más drásticas para esta problemática
"I Feel Love", la canción que fue "diseñada" por la inspiración astrológica de Donna Summer y por el experimento de dos productores
Hay canciones que logran la cumbre. Están las que marcan una ruptura y otras atraviesan los géneros, llevando las fronteras hacia lugares insospechados. Y hay canciones, según Simon Reynolds, que separan la historia en un antes y un después, como "She Loves You", "Anarchy in the U.K." y "Rapper's Delight" en el pop. Suele ocurrir que el impacto de una canción bisagra puede apreciarse plenamente recién muchos años después. Pero otras veces el quiebre con lo habitual tiene lugar a la vista de todos, en la cima de los rankings de popularidad, y el efecto es inmediato. "Uno de esos singles que logró alterar la línea de tiempo del pop y provocó la sensación de un shock del futuro en tiempo real es 'I Feel Love'", escribe el crítico inglés en su último libro, Futuromanía (Caja Negra), una compilación de escritos sobre música electrónica tras ocho años sin novedades editoriales.Lanzada en julio de 1977, la canción fue un éxito mundial que ocupó, casi de inmediato, el número uno de las listas en varios países, y en Inglaterra la cúspide duró todo un mes. Pero su poder de fuego trascendió la escena disco en la que la cantante Donna Summer y sus productores Giorgio Moroder y Pete Bellotte, artífices clave del experimento, ya estaban bien establecidos. "Las bandas post punk y new wave admiraron su sonido innovador y se lo apropiaron -continúa Reynolds en su análisis-; la precisión maníaca del ritmo parecía una cuadrícula creada con pulsos de sintetizador secuenciados. Incluso ahora, mucho tiempo después de que la discofobia haya caído en desgracia y el rockismo haya sido derrotado, todavía se siente como una travesura excitante afirmar que 'I Feel Love' fue mucho más importante que otros temas de 1977 como 'God Save the Queen', 'Sheena Is a Punk Rocker' o 'Complete Control'".Varios especialistas coinciden con su mirada: los ochenta, dice, empezaron con "I Feel Love". En la cultura de las discotecas, brillando en la pista de baile, abrió el camino para géneros como el house, el techno, el Hi-NRG y el trance. Bajo la expansión de sintetizadores y programaciones, "I Feel Love" destacaba por su repetición mecanicista, la de una electrónica gélida y divertida, "una sensación estática de propulsión posthumana con los ojos en blanco", según Reynolds. Otro crítico norteamericano, Vince Aletti, la tomó muy en serio como fundamento de la música disco y escribió, comparándola con "Trans-Europe Express/Metal on Metal/Abzug", de Kraftwerk, otra pieza profética de trance-dance electrónico que atrajo a las multitudes en los clubes más osados: "'I Feel Love' suprimió todo ese aspecto más bonito y florido de la música disco y le dio un sentido optimizado, eficaz".Cuenta la leyenda que el propio Brian Eno entró a su estudio de grabación, le dio una copia a David Bowie y le dijo algo así como: "Este single va a transformar todo el sonido de la música bailable durante los próximos quince años". El status del productor italiano Giorgio Moroder, que con su fábrica de éxitos era comparado con el Motown de finales de los setenta, para luego destacarse en las bandas sonoras del El expreso de medianoche y Flashdance y mucho tiempo después se relacionó con Daft Punk -grupo que le dedicó el tema "Giorgio by Moroder"-, fue el equivalente de Phil Spector pero en la música disco. Ese brillo que en la voz de Donna Summer, quien tiempo después sacaría otros hitazos como "Bad Girls" y "Hot Stuff", cultivó una auténtica ingeniería de grabación en una música pensada exclusivamente para la discoteca. Las historias de las grandes canciones suelen destacar en primer plano a sus músicos, a la vez que el detrás de escena permanece en una sombra anónima. Consciente de los cambios de la era tecnológica en transición a la plenitud digital, Moroder dirigió a un equipo de músicos y técnicos, y tal vez el más significativo haya sido Pete Bellotte, quien trabajaba en Alemania codo a codo con él.Según reconstruye Simon Reynolds, el inglés Bellotte tuvo un rol crucial como catalizador de las canciones en tanto unidades conceptuales, así como de las ideas musicales y de producción. Fue él, en efecto, quien descubrió el talento vocal de Donna Summer. La arquitectura de la canción incluyó al hombre-máquina y baterista Keith Forsey; a un conjunto de tecladistas entre los que estaban Porir Baldursson, Sylvester Levay y Harold Faltermeyer; el ingeniero de sonido Jürgen Koppers y a Robbie Wedel con su dominio esotérico del Moog, contribución crucial para la construcción final de "I Feel Love".Una creación colectiva con el liderazgo inconfundible de Moroder, que tal vez tuvo el grado cero de la invención cuando Pete Bellotte había descubierto la voz extraordinaria de una cantante negra norteamericana que también se había mudado a la región central de Europa. Donna Summer se conoció en el mundo por su épica disco-erótica de "Love to Love You Baby", que en 1976 trepó al número 2 en Billboard y disparó el apodo de "La pantera negra" y que los medios la coronaran como la reina del "sex rock". Pero esa y otras canciones no dieron el prestigio que Moroder y Bellotte anhelaban.Fue entonces que Pete Bellotte encendió la chispa con su pasión por la literatura, inspirado en Una danza para la música del tiempo, una serie literaria de doce volúmenes de novelas escritas por Anthony Powell. Bajo ese influjo, pensó en crear un álbum en el que cada canción correspondiera estilísticamente a una década diferente del siglo XX. En el quinto álbum de la cantante grabado por Casablanca Records, I Remember Yesterday (1977), decidieron incluir una canción que, conceptualmente, representara el futuro: "I Feel Love".Entre sintetizadores y máquinas de ritmo, estallaba un nuevo coro alrededor de las pistas: "Ooh, it's so good, it's so good/It's so good, it's so good, it's so good/Ooh, heaven knows, heaven knows/Heaven knows, heaven knows, heaven knows/Ooh, I feel love, I feel love/I feel love, I feel love, I feel love/I feel love/I feel love"."Una canción difícil de cantar", la definió Bellotte, quien junto a Moroder ingeniaron primero la pista rítmica y luego la melodía. El Moog de Robbie Wedel sincronizó todo bajo el mismo tempo y junto al ingeniero Koppers le colocaron un delay a la línea de bajo. "Con la ayuda de una máquina y un ingeniero alemán, Moroder y Bellotte definieron un nuevo paradigma para el pop: un sonido de una implacabilidad metronómica tal que realmente parecía venir del futuro", escribe Reynolds.El crescendo de Donna Summer, subiendo el énfasis en cada estrofa, se bautizó prontamente como High Energy: "Ooh (ooh), fallin' free, fallin' free/Fallin' free, fallin' free, fallin' free/Ooh (ooh), you and me, you and me/You and me, you and me, you and me/Ooh (ooh), I feel love, I feel love/I feel love, I feel love, I feel love/I feel love/I feel love I feel love I feel love". Decía en una entrevista con Rolling Stone, en 1978: "He cantado gospel y cosas al estilo de Broadway toda mi vida y hay que tener una voz potente para eso". Y luego: "Me etiquetan como una típica cantante negra, lo cual no es cierto. Ni siquiera soy una cantante de soul. Soy más una cantante pop".Más suspendida que sexy, como si llegara desde otro lugar, en "I Feel Love" Donna Summer parece cantar con una voz que suena más sobrenatural que terrenal. La sensación de perderse en un loop de ensoñación proviene de la letra extremadamente simple y corta y una duración de casi seis minutos, en la que frases como "heaven knows" (el cielo lo sabe) o "fallin' free" (en caída libre) se repiten cinco veces cada una escritas por la propia Donna Summer en sus inspiraciones astrológicas, reconocidas por ella misma. Un título cursi, cierto estado rapsódico de estar "enamorada del amor", que contrastó con la performance en el escenario bajo un filo de mujer-máquina, con aspecto androide y bailando en movimientos angulares y espasmódicos bajo un rostro que parecía "una máscara encandilada y mecánica", como lo describió el crítico Mikal Gilmore, y que profetizó a las fembots del siglo XXI como Kylie Minogue, Britney Spears y Lady Gaga.Con "I Feel Love", Moroder y su equipo habían asimilado la lógica inmanente a la música negra bailable, como el clásico "Sex Machine" de James Brown, y al rock motorik alemán, con Kraftwerk a la cabeza, y la habían conducido a un nivel de exactitud y precisión mecánica. De cómo un ritmo electrónico, en un tiro por elevación, marcó una estética, una tendencia, una micro escena entre Inglaterra y Estados Unidos. Algo que permanecería en el tiempo, mucho tiempo después, con el propio Giorgio Moroder luciendo su rol de DJ en sus sets en vivo, sintiendo en carne propia el amor de su público.Un himno bailable que la comunidad gay tomó como liberación. La "canción del futuro" en la simbiosis Moroder-Summer-Bellotte, la canción como unidad conceptual. La gran ironía fue que sus creadores no sólo no se percataron de la importancia de lo que habían creado, sino que tampoco sintieron realmente su impacto: Moroder y Bellotte casi nunca iban a discotecas. "Fueron el ingenio y la creatividad humanos los que impulsaron las decisiones en cada paso, pero para quienes oían sonaba como si las máquinas hubieran tomado el control: un avance emocionante para algunos, un inquietante devenir para otros", concluye Simon Reynolds, dando cuenta que las estrellas se alinearon y así se hizo historia.
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Una fortuna y siete matrimonios: la heredera que lo tuvo todo pero terminó sola, en la ruina, e inspiró la canción "pobre niña rica"
Barbara Hutton tenía 12 años cuando heredó 26 millones de dólares. Corría la década del 20 y esta adolescente neoyorkina se convertía así en "la niña más rica del mundo". Pero semejante fortuna no le auguró la felicidad. Todo lo contrario. Más allá de su ostentosa vida, su glamour como socialité y sus excesivos derroches, Hutton protagonizó una biografía jalonada de desgracias y sinsabores.La muerte de su madre, la indiferencia de su padre, malos tratos en el colegio, matrimonios desastrosos, la pérdida de un hijo, trastornos alimenticios, un final sumida en el alcohol y la soledad... todo esto y más sufrió esta mujer a lo largo de los años.Y fue precisamente por la enorme distancia que siempre medió entre su riqueza y la capacidad de encontrar la dicha que la multimillonaria Barbara Hutton fue conocida en aquellos años como "la pobre niña rica".Infancia, tragedia y soledadDesde muy pequeña, Barbara supo que el lujo no aseguraba la ausencia del dolor. Fue a los cuatro años, cuando encontró a su madre muerta en la suite del Hotel Plaza de Nueva York en la que vivían. Edna Woolworth no toleró ver las fotos de su marido, el corredor de bolsa Franklyn Laws Hutton, en las páginas de los medios sensacionalistas, flirteando con una de sus amantes. Se puso uno de sus mejores vestidos y se tomó un frasco completo de estricnina. Edna, la madre de Barbara, era una de las tres hijas Franklin Winfield Woolworth, el empresario que se había hecho megamillonario gracias a la cadena de tiendas "five-and-dime" que llevaban su apellido, donde todo se podía adquirir "a cinco y diez centavos".El 14 de noviembre de 1912, cuando Hutton nació, su abuelo ya tenía más de 500 locales en todo el país. Un año más tarde, como una demostración de su poderío económico, el magnate terminó de construir en Nueva York el Edificio Woolworth, el rascacielos más alto del mundo en esa época.Tras la muerte de su madre, y como su padre no quiso hacerse cargo de ella, la pequeña se fue a vivir a la casa de sus abuelos maternos en la mansión Woolworth. Era una residencia gigantesca -con una enorme cantidad de criados- ubicada en Glen Cove, en el estado de Nueva York. La niña vagaba sola por las 56 habitaciones siempre vacías de la residencia.La soledad la abrumaba. En un perfil que hicieron en el diario El Español señalan, además, que los abuelos de Barbara no eran la mejor compañía: mientras que el viejo Woolworth quedó destruido por la muerte de su hija, su esposa mostraba evidentes signos de senilidad.Una polémica presentación en sociedadEl abuelo Woolworth murió en 1919 y la abuela, en 1924. Entonces fue cuando la niña Hutton recibió por herencia 26 millones de dólares, una verdadera fortuna para la época. Quedó a cargo de niñeras, institutrices y guardaespaldas, hasta que recaló en distintos internados para niñas. Allí tampoco la pasó muy bien: sus compañeras la rechazaban o la acosaban. Decían que era "demasiado gordita".En 1930 se produjo la presentación en sociedad de la "pobre niña rica". Y no fue con la mejor de las suertes. Resulta que la muchacha festejó su "puesta de largo" (cuando se celebra la mayoría de edad y se habilita a las chicas el uso de vestidos largos) con una fiesta que fue el summum de la ostentación. Se realizó en el Hotel Ritz-Carlton de Nueva York para 1000 invitados. La celebración, con cuatro orquestas en vivo y la presencia del francés Maurice Chevalier, estrella internacional del momento, le costó al papá de Barbara unos 60.000 dólares. Fue un verdadero cachetazo de frivolidad para la sociedad estadounidense que todavía estaba tratando de sobrevivir a la fatal crisis económica desatada en 1929 con el crack de la bolsa.A partir de allí, el derroche y las excentricidades de Barbara pasaron a ser moneda corriente. Se convirtió en una figura central -y también una de las más odiadas- de la prensa del corazón. Y de verdad, con el paso de los años, este tipo de periodismo recibió un verdadero arsenal de jugosas noticias por parte de la mujer más rica del mundo.Para empezar, la señora Hutton tuvo siete matrimonios. La mayoría de ellos con un arranque de cuento de hadas (cinco de los siete esposos eran nobles), un devenir tortuoso y un final en divorcio, donde seis de los siete maridos le quitaron una tajada de su fortuna. Además, los cronistas de la vida social neoyorkina le adjudicaban una importante cantidad de amantes."Es divertido ser princesa"El primero de sus maridos fue Alexis Mdivani, un príncipe georgiano (Georgia en ese momento era parte de la URSS) a quien conoció en Bangkok, Tailandia, y con el que se casó el 22 de junio de 1933. El joven noble lo tenía todo menos fortuna y se dedicaba, al igual que sus hermanos, a casarse con millonarios. A ella no parecían preocuparle estos rumores. Bromeando con su nueva situación social, aseguró a la prensa que sería "muy divertido ser princesa" y para ostentar una vez más su fortuna encargó tres Rolls Royce para su boda: en uno llegaría ella, en otro su flamante marido y el tercero sería para su padre (aunque había desaprobado la unión).Fue este primer esposo, en la misma noche de bodas, el que reactivo una vieja inseguridad de Barbara, cuando le dijo que estaba gorda. En pocas semanas, la joven, que entonces tenía 21 años, bajó unos 20 kilos. Lo que parecía todo un logro en materia de dieta, escondía detrás el comienzo de una serie de trastornos alimenticios que ya nunca la abandonaría.Después de una luna de miel de casi un año alrededor del mundo, el matrimonio no tardó demasiado en disolverse. Ella había conocido a un conde de Dinamarca llamado Court von Hauwitz-Reventlow y no tardaron mucho en volverse amantes. Según el libro Divas rebeldes, de la periodista española Cristina Morató, ella se escapaba del hotel donde estaba con el georgiano para visitar por horas el lugar donde se hospedaba el danés. Y Mdivani era consciente de ello.Un conde maltratadorAsí, en 1935, la heredera del imperio Woolworth se divorció finalmente del príncipe Georgiano y dos días después contrajo matrimonio con el conde danés. Ambos trámites los realizó en Reno, estado de Nevada, donde este tipo de asuntos se resuelven de manera expeditiva.La posible tristeza de Mdivani por la separación y la infidelidad de su exmujer, seguramente se apaciguó cuando cobró los dos millones de dólares que establecía el acuerdo prenupcial. Y se habrá calmado mucho más con los obsequios que recibió de ella: caballos de polo, un palacio en Venecia, joyas y el ya mencionado Rolls Royce.La relación con Hauwitz-Reventlow fue horrible para Hutton. La maltrataba física y psicológicamente. Ambos tuvieron un hijo, Lance, nacido en el año 1936 y el noble danés no hacía otra cosa que intentar incapacitar mentalmente a su esposa y quedarse con la tenencia del niño, para así poseer su fortuna. Además, insistía en que ella abandonara su nacionalidad estadounidense para poder pagar menos impuestos en Dinamarca.Todos estos aviesos intentos del conde para dejar fuera de juego a su millonaria esposa no funcionaron. Pero tras el divorcio de la pareja, en 1937, ella le siguió pasando a él ingentes sumas de dinero que, según se cree, él enviaba hacia círculos nazis.Fue para esos años, en 1938, que, inspirado en la vida de Barbara Hutton, el compositor inglés Noel Coward lanzó la canción "Poor Little Rich Girl (Pobre niña rica)", que en uno de sus versos dice una verdad adecuada para la multimillonaria: "El dinero no puede comprarlo todo".Una estrella de Hollywood que no la esquilmóEn 1942, la heredera de Woolwoorth encontró un poco de paz y cariño en su tercer matrimonio, que fue nada menos que con una de las estrellas más rutilantes de Hollywood: el actor inglés Cary Grant. El matrimonio duró tres años y él fue el único de entre todos sus cónyuges que no le sacó un solo dólar. Pero así y todo, la historia de amor se diluyó en 1945. Ella tenía intenciones de vivir en Europa y él sabía que lo mejor de su carrera estaba por venir, y eso sucedería en los Estados Unidos.Como recuerdo perdurable de esta relación quedó la Mansión Winfield House. Se trata de una onerosa casona ubicada en Londres, que fue propiedad de Hutton y en la que ella y Grant vivieron parte de su relación. Esta residencia fue donada por Barbara al Reino Unido después de la Segunda Guerra Mundial y desde 1955 funciona como la embajada estaodunidense en Gran Bretaña.Finalizada la Segunda Guerra y tras su ruptura con Grant, la millonaria dejó a su hijo en un internado y se dedicó a recorrer el mundo en compañía de su séquito personal: su chofer, su guardaespaldas, su doncella y su secretaria.Un hogar y fiestas extravagantesEn Tánger, Marruecos, encontró el que sería su lugar en el mundo. Allí compró un lujoso palacio, el Sidi Hosni, que fue lo más parecido a un hogar que tuvo en su vida. Hutton pasaba allá los veranos y montaba fiestas interminables y extravagantes con las figuras que solían frecuentar aquel país del norte africano como el escritor Paul Bowles y su esposa Jane.Pero también, llevada siempre por su compulsión a derrochar, Hutton pagaba viaje, estadía y todos los gastos de personajes del jet set de Estados Unidos y otros países y hacía traer para sus fiestas atracciones como camellos, encantadores de serpientes u odaliscas y todo tipo de insumos importados. Champagne desde Francia, por ejemplo, y orquestas completas desde el Caribe.Una situación que marca los caprichos de millonaria de la heredera del imperio Woolworth tiene que ver con que las dimensiones del portón de acceso a su palacio marroquí no eran suficientemente grandes para que pasara su Rolls Royce. Como no podía modificar por ley la estructura del palacio, decidió encargar a la empresa un vehículo "a medida" que pudiese ingresar a la finca. Gracias a sus fiestas y sus donaciones filantrópicas, era tan fuerte la presencia de esta mujer en Tánger que los lugareños comenzaron a llamarla La Reina de Medina.Además de Sidi Hosni, la heredera millonaria -que cada vez era menos millonaria-, vivía también parte de su tiempo en un departamento en Bois de Boulogne, en París, el Hotel Pierra de la Quinta Avenida de Nueva York y en una mansión que construyó en Cuernavaca, México.Un piloto de carreras y un playboy polistaIgor Trubetzkoy, príncipe ruso, atleta y automovilista, fue el cuarto marido de Bárbara Hutton. El hombre fue el primero en correr con una Ferrari en un Grand Prix, en el circuito de Mónaco. Un verdadero as de las pistas, pero que en la carrera matrimonial no duró demasiado. Se casaron en Suiza, en 1948 y tuvieron un sonado divorcio tres años después.Para entonces, luego de enterarse que por reiterados problemas médicos no podría tener más hijos, Hutton intentó quitarse la vida y comenzó también a abusar de la bebida y de todo tipo de medicamentos para dejar de comer, evitar la depresión y los distintos dolores. Todo el glamour que exhibía hacia afuera la heredera Woolworth -nunca perdió su elegancia ni su buen gusto- era tristeza y sufrimiento en el plano íntimo.El quinto marido de esta mujer fue Porfirio Rubirosa, un "playboy" y jugador de polo dominicano que duró tan solo 53 días casado con ella. La relación se tornó imposible por la cantidad de amantes que tenía él, entre ellas la actriz y estrella estadounidense de origen húngaro Zsa Zsa Gabor. Como compensación por su divorcio, Rubirosa recibió dos millones y medio de dólares, una plantación de café y algunos caballos de polo. Otro que convirtió su casamiento en un redituable negocio.Tampoco fueron gran cosa los otros dos matrimonios de la multimillonaria. El sexto marido fue el tenista alemán Gottfried von Cramm, con quien estuvo entre 1955 y 1959. Un matrimonio que era más una amistad, ya que él era homosexual. El extenista, que supo enfrentarse al nazismo en los años iniciales de su carrera, intentó alejar a su amiga/esposa del alcoholismo y la depresión, pero se alejó de ella cuando se dio cuenta que esa era una tarea imposible.El triste final de Barbara HuttonEl séptimo marido fue un empresario venido a menos de origen vietnamita llamado Pierre Daymond Road, con quien contrajo enlace en 1964. Dos años después, el final del enlace llegó cuando ella lo abandonó en un hotel en Tánger, para huir con su peluquero.En 1972, Barbara Hutton recibió el golpe más duro de su vida: la muerte de su hijo Lance en un accidente en una avioneta, a la edad de 36 años. Pese a que entre ambos había una relación distante, ya que él no toleraba el estilo de vida de ella, esta pérdida fue devastadora para la millonaria y el camino hacia su autodestrucción final.El alcohol y los somníferos fueron el refugio de la heredera cuando se retiró de la vida pública para recluirse en una suite Hotel Beverly Wiltshire, en Beverly Hills. Sus últimos años los pasará aislada y en soledad.Cuando murió por un ataque cardíaco el 11 de mayo de 1979, pesaba 40 kilos. La "pobre niña rica" tenía 66 años y en su cuenta bancaria quedaban 3600 dólares.La socialité de las grandes fiestas en Tánger, la de los vestidos suntuosos, el Rolls Royce "a medida" y las joyas más deslumbrantes, la de los siete maridos y los cientos de amantes, fue velada en Nueva York, en una ceremonia a la que asistieron apenas unas 10 personas.
Votá tu canción favorita de Fito Páez para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
En "Del 63â?³, canción con la que Fito Páez se dio a conocer al mundo, el joven músico rezaba que nació con "una melodía en la nariz". Es con esa sutileza que decidió desenvolverse como artista, persiguiendo como un loco esa melodía que se le figuraba frente a los ojos, y que a día de hoy, está grabada en el inconsciente de la mayoría de los argentinos.El rosarino comenzó su carrera en su ciudad natal, de la mano de Baglietto, siendo parte de la "Trova Rosarina". Su siguiente paso como músico lo dio en la banda de Charly García durante la grabación de Piano Bar; y es en ese mismo año, 1984, en el que publica su primer álbum: Del 63. La seguidilla de discos que salieron luego de este, comprendida, entre otros, por Giros, Ey! y Tercer Mundo, lo convirtieron en uno de los artistas del momento. Si bien ya había colaborado con Charly, Spinetta y Baglietto; su consagración como artista se da con El amor después del amor, el disco más vendido de la historia de la Argentina.Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir los inicios de Fito en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "Tres agujas", "Giros", "Yo Vengo A Ofrecer Mi Corazón" y "Polaroid De Locura Ordinaria".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 30 de marzo a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 1 de abril.Fito Páez es uno de los mayores exponentes vivos del rock nacional. Con una extensa discografía solista, compuesta por más de 25 discos de estudio, se codeó desde joven con gran parte de los artistas ya consagrados del momento. Su primer contacto fue con Juan Carlos Baglietto; quién, junto a la "trova rosarina", fue el que inició a darle visibilidad a un Fito de 18 años.Existe, desde la aparición de Fito, casi un consenso entre las "figuras del rock nacional" sobre la calidad artística del rosarino. Un ejemplo es Charly García, que luego de la salida de Clics Modernos, y en su momento de mayor popularidad, decidió adoptarlo en su banda como tecladista para la grabación y presentación de Piano Bar.Luis Alberto Spinetta, también era un declarado admirador de Fito: "Tiene la capacidad para hacer que quiera. Y yo lo admiro más de lo que él produce. Soy fan de él y lo amo, soy fan por amor, y aparte pienso que es un músico brillante". Es por esto que decide, en 1986, grabar en conjunto con él La La La, disco que contiene el tema "Parte Del Aire": "Y allí van/parte del aire/y allí van/en libertad", cantaba Fito en una hermosa melodía que rememoraba la muerte de sus padres.Otro evento que marcó la carrera de Páez fue el asesinato de sus tías en Rosario. De este evento surge Ciudad de Pobres Corazones, un disco oscuro y agresivo que deja atrás al joven soñador de "Yo Vengo A Ofrecer Mi Corazón", pues ya no le convencía su frase "¿Quién dijo que todo está perdido?/ Yo vengo a ofrecer mi corazón". Quién lo persuade a volver a interpretar este tema en los escenarios es el Indio Solari. "No dejés de cantar esa canción, es un tema que hiciste y escribiste, y es una canción maravillosa", relata Fito sobre ese encuentro.La relación de Fito con el resto de los músicos de la escena Argentina, se concreta en la grabación de El Amor Después Del Amor. Es aquí donde colabora con músicos como Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Fabi Cantilo, Claudia Puyó, Tweety González, Ariel Rot y Celeste Carballo, entre otros.El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer los primeros pasos de Fito como ícono de la música argentina.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
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El presidente Gustavo Petro volvió a generar polémica en X al compartir una canción en su honor titulada "Petro es pueblo". La periodista y precandidata Vicky Dávila cuestionó la publicación y lo acusó de enfocarse en su propia exaltación en medio de la crisis del país
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El rock mexicano se viste de luto con la muerte del cantante, compositor y productor, Joel Jáuregui. La noticia fue dada a conocer las primeras horas del domingo en redes sociales. La familia emitió un comunicado conjunto con el club de fútbol Rayados de Monterrey, al que el músico estuvo fuertemente ligado. En la Argentina, su canción "La vida no es la misma sin fútbol", se hizo muy popular como cortina del programa Estudio Fútbol, de TyC Sports.De acuerdo a diversos medios nacionales, Jáuregui falleció el pasado 15 de marzo en un hospital de San Pedro, en Nuevo León, donde habría permanecido hospitalizado varios días. Tenía 57 años.Si bien las causas del deceso no han sido comunicadas de manera oficial, se sabe que el músico atravesaba por varias complicaciones de salud. Incluso, en septiembre pasado, él mismo adelantaba que se sometería a un trasplante de hígado.En la cuenta de Facebook del cantante, la familia emitió un emotivo mensaje en el que agradecieron las muestras de cariño que han recibido y celebraron su legado."Joel es más que Jáuregui. Una persona resiliente, honesto, alegre, apasionado. Un gran hombre, gran talento, gran corazón. Su música, su creatividad y su fortaleza es el legado que deja a miles de corazones. Gracias a todos por los mensajes de apoyo y las condolencias", se lee en su perfil oficial.Amigos del artista también lo recordaron en redes: "Fue el creador de canciones de fútbol que te llevan a sentir el deporte de otra manera. Siempre fue un persona de grandes conversaciones de música y de su pasión por el fútbol. 'Si pudiéramos soñar, Los Reyes del Barrio y la vida no es lo mismo sin fútbol" fueron temas que llegamos a cantar juntos en una noche de leyendas del fútbol en Miami. Ya extrañamos su 'futurock'. Que descanse en paz".Quién era Joel JáureguiConocido como el creador del Jáuregui, nació en noviembre del 1967, en Monterrey, Nuevo León. Además de ser músico y cantante, Jáuregui también se desempeño como productor y creador del "futrock", un género que mezcla el rock con letras que hacen alusión al futbol mexicano.Su debut musical fue en 2006, con el EP "Fanáticos Club Band" y al que le siguieron cuatro álbumes más. En la Argentina, su canción "La vida no es la misma sin fútbol" se convirtió en parte de la memoria emotiva de los fanáticos del fútbol por ser la banda sonora del programa "Estudio Fútbol", que se emitía por TyC Sports.A lo largo de su carrera escribió más de 500 canciones para publicidad y entretenimiento. También creó algunos temas para Rayados de Monterrey y en 2010, su sencillo "Mexicanos al grito de fútbol", se convirtió en el himno de la selección nacional para el Mundial de Sudáfrica.El Universal (México)
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