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Fatboy Slim: el mítico show en Mar del Plata de hace 20 años, la canción de Charly que le gusta "pinchar" y su gran cambio
Aproximándose a los cuarenta años de carrera, antes de apropiarse del título de "leyenda", Norman Cook prefiere el término "OG" para definir a Fatboy Slim. "Es una expresión que se usa hoy para referirse a alguien que estuvo ahí desde el principio", explica, en diálogo con LA NACION, antes de su regreso al país, el próximo 19 de septiembre en el Movistar Arena. Un retorno que marca un momento especial en la relación del DJ con el público argentino: en enero se cumplieron veinte años del mítico show que dio ante unas 50.000 personas en las playas de Mar del Plata.Artesano del sample, maestro del espíritu rave y pionero del big beat, desde sus inicios como bajista en la banda The Housemartins hasta consolidar su carrera internacionalmente como DJ, supo mantenerse a la vanguardia con una esencia única. Fiel a su estilo, aún conserva su carácter de ilusionista de la música, uno que a través de cada set intenta transportar al público al mejor momento de su vida. "Siempre recordaré que estuve hace veinte años en Mar del Plata, donde todo comenzó, y algunas noches locas en Pachá, en Buenos Aires. Tengo muchos recuerdos y todos son buenos. Durante un tiempo tuve un romance con Brasil, pero ahora siento que volví a mi verdadero amor", asegura. De la fecha que compartirá con el brasileño Beltrán y la argentina Victoria Whynot, dos nombres que están comenzando a dejar su marca en la escena dance, anticipa que prepara un show con un gran nivel de producción: "En algunos casos tengo que ajustar mi set y adaptarlo al país, pero en Argentina simplemente hago lo que quiero hacer y les gusta. Vamos a llevar todo lo que podamos, queremos que sea algo grande, lo que sea necesario esa noche para hacer que la gente sonría y baile".-En uno de tus últimos shows en Pinamar pusiste "Hablando a tu corazón", de Charly García. ¿Cómo llegaste a esa canción? -Estaba en una gira con la DJ Chloé Caillet, quien puso esta canción desconocida para mí antes de mi show. Vi la reacción extasiada del público y le pregunté sobre el tema. Me contó que un amigo argentino se la había mostrado y le había dicho que observara la reacción de la gente, era como un remix. Luego me la compartió, ya que iba a hacer más shows en Argentina. Noté la conexión que generaba la canción con el público y lo que provocaba es exactamente lo que me gusta lograr. Probablemente suene en mi próximo viaje allá. -Hace poco, en una entrevista comentaste que habías perdido la pasión por hacer música. ¿A qué se debe? -Es un poco lo que decía antes sobre Brasil como una amante. Estaba casado con hacer música y de alguna manera nos desenamoramos. Así que tuvimos un divorcio amistoso, me casé con ser DJ y estamos muy felices juntos. Sólo podés hacer buena música si la sentís en el corazón y si tenés esa pasión. Y yo la perdí. De vez en cuando hago algunas canciones, pero generalmente vienen de mis sets como DJ. Así que si hago un disco, es por el amor a ser DJ, no por el amor a estar en el estudio. Lo que me mantiene en marcha es poder tener una comunicación con el público. Cada noche conocés nuevas personas con las que te podés hacer amigo y con las que podés disfrutar de una fiesta. Esa energía y emoción se renuevan todo el tiempo. Cuando estoy solo en un estudio no tengo ese tipo de diálogo, no me inspiro. Pero estoy muy agradecido de poder decir que cada noche toco un set diferente y hay una vibra distinta. Suelo tocar en shows grandes y pequeños, y esa parte nunca se siente como trabajo. La única parte que se siente como trabajo es el viajar, pero es un precio que vale la pena pagar.-¿Qué cambió desde aquel mítico recital multitudinario de Big Beach Boutique II, pintado como una especie de Woodstock electrónico?-Hace un par de años hicimos un documental sobre ese concierto y lo que más noté fue lo mala que fue la producción del show. Estaba ahí en el escenario con un trozo de hormigón para que los discos se mantuvieran en su lugar, con unas visuales muy baratas. La tecnología de hoy hace que el show esté mucho más pulido. Para un público de ese tamaño era algo patético. Creo que esa fue la primera vez que usé una pantalla. Ahora nos divertimos mucho más con eso, usamos mejor las cámaras y logramos mejores cosas. Eso y el hecho de que ya no bebo, ese es el cambio más grande. Hace 16 años decidí que tenía que mantenerme sobrio. Así que eso me mantuvo activo mucho más tiempo. Creo que estaría muerto ahora si hubiera seguido como estaba. -¿Cómo atravesaste ese proceso? ¿Qué fue lo que te salvó?-Mi esposa, me di cuenta de que mi esposa no iba a seguir conmigo si no lograba estar sobrio, así que fui a rehabilitación. Durante ese tiempo me enseñaron que nunca volvería a ser un bebedor responsable nuevamente y que mi vida iba en una mala dirección. Y funcionó. -¿Sentís que te tuviste que reinventar como DJ de alguna forma?-Todo lo que tuve que hacer fue superar los nervios. Antes, cuando me ponía nervioso por un show, simplemente me tomaba otra copa. Sin nada de alcohol sentía los nervios, y eso significa que no podés bailar y no estás relajado. Un DJ debería estar divirtiéndose y arriesgándose. Estuve así durante unos cinco shows, hasta que una noche simplemente me armé una especie de personalidad que se divierte y está relajada, pero sobria. Y funciona para mí, es casi como si interpretara un papel. Ahora estás hablando con Norman, que es bastante sensato, pero cuando subo al escenario, soy Fatboy Slim, que es un idiota. Tengo incluso un uniforme. Me pongo una camisa hawaiana y estoy descalzo. Cuando ves los comentarios en internet mucha gente dice: "Se supone que debería estar sobrio. Está completamente fuera de sí". Yo simplemente me embriago con la emoción, la multitud, la música. Durante esas dos horas lo vivo con mucha emoción y luego, al final, puedo guardarlo en su caja e ir a dormir. Y vivir mi vida por un día más.-¿Cuál es el mayor cambio que notás con respecto al público? -(Levanta un teléfono celular) Hice dos shows hace poco en Alemania donde no permitían cámaras y se siente la diferencia. La gente vive más el momento y conecta con las personas a su alrededor, con la música y conmigo, sin preocuparse por mostrárselo a sus amigos después. Vengo de una época en la que la gente estaba muy enamorada de ese momento de escape y de comunidad. A veces pienso que eso falta, pero hay que ser más selectivo sobre a dónde vas. Por ejemplo, los argentinos parecen estar más en el momento. No toco tanto en Estados Unidos porque ahí todo se trata del VIP, de quién está mirando a quién y de las apariencias. Hay menos amor puro por la música. Pero una de las razones por las que me encanta venir a Argentina es porque realmente lo notás. En lugar del mar de cámaras ves un mar de dientes. La gente sonríe.-¿Cuál es tu opinión sobre la Inteligencia Artificial? ¿Cómo percibís la relación entre la música y la tecnología?-Creo que va a reemplazar muchas cosas en la vida. Lo hará igual o mejor que los seres humanos. Pero mucha de la creatividad y mucho de lo que hacemos, especialmente la música, no se basa en la inteligencia. Muchos de mis discos son deliberadamente estúpidos. De alguna manera, son esas imperfecciones y es nuestra forma de ser deliberadamente estúpidos lo que nos hace libres. Así que no tengo miedo de que la IA pueda reemplazarme. Al mismo tiempo, la uso en mis visuales. En la música uso programas para obtener acapellas que no existían antes. Soy mucho más creativo usando esas herramientas. Pero como toda tecnología, ¿trabaja para vos o vos trabajás para ella? ¿Quién es el jefe? Me encanta que trabaje para mí. Cuando inventen la estupidez artificial me voy a empezar a preocupar. -Con el surgimiento del big beat y lo que significó en aquel momento. ¿Hay algo en la escena musical actual que evoque de alguna forma esa sensación que tuviste de que algo diferente estaba sucediendo?-No específicamente. Hay artistas que me gustan, pero no siento que haya un movimiento. Cuando empecé en la música estaba el punk rock, y el punk rock estaba cambiando todo, hacía que la gente pensara. Luego vino el acid house. No sé, creo que el big beat fue lo último o supongo que el dubstep, pero no siento que haya habido una revolución en la música hace tiempo. Pero está bien. Las revoluciones solo ocurren cuando las cosas se han puesto tan mal que necesitan ocurrir.-¿Cómo ves la figura del DJ en la actualidad, donde por momentos pareciera que cualquiera se adjudica ese título?-Es muy fácil ser DJ, pero sigue siendo muy difícil ser uno bueno. Cualquiera puede intentarlo, pero tiene que haber un amor muy profundo por la música y por dedicar muchas horas a aprender los pequeños detalles, esos que te hacen mejor que otros. Y se trata de comunicarte con el público. Para mí, un DJ no es un DJ hasta que no haya tocado frente a un público o haya tenido una gran noche con el público. Tener el software y hacer algunos mixes en tu dormitorio no te convierte en uno. No es ninguna ciencia ser uno promedio, pero es bastante difícil ser uno bueno.-¿Cómo ves la escena del EDM actual? -El EDM (Electronic Dance Music) fue demasiado comercial para mí. Va a la misma velocidad, tiene el mismo bombo, no estoy diciendo que sea malo, pero no es lo que me emociona. A mí me gusta más la música de estilo underground y la que está basada en el groove. Pero hay espacio para todos, tanto para los grandes shows de EDM como para los DJ del underground que están enfocados en un solo sonido. Yo, de alguna manera, me muevo entre los dos, así que lo disfruto, pero no a los DJ de EDM.-Con hits como "Praise You" y "The Rockafeller Skank", el álbum You've come a long way, Baby fue uno de los mayores éxitos de tu carrera. ¿Cómo lo ves en retrospectiva? ¿Cómo maduró a lo largo del tiempo? -Todavía le tengo mucho cariño, porque fue probablemente el punto más alto de mi carrera. Probaba nuevas ideas cada semana, ponía discos y rompía reglas. Ya había hecho eso con mi primer álbum, pero si encima lo hacés con un estribillo pegadizo que la gente pueda cantar, podés hacer un buen disco pop. Y es raro porque fue el disco más fácil de todos los que hice. Simplemente salió. Años después intentás replicar esa magia y cuanto más trabajás, menos magia hay. Creo que todos deben sentir que hay una cima a la que llegar y esa fue la mía. Aún me encanta el hecho de que no sé de dónde vino. Simplemente fue el momento adecuado en mi carrera. Ya había estado en una banda de pop, en una banda de funk y luego haciendo más música como DJ. Había tenido toda esa experiencia, pero la mayor parte de todo eso surgió de nuestro club, el Big Beat Boutique. Cada semana probábamos cosas y era como si las piezas encajaran, y con ese álbum todas las piezas simplemente encajaron.-¿Hay algo que todavía tengas pendiente?-Sí. Me encantaría escribir la banda sonora de una muy buena película. Me encanta la forma en que las grandes películas generalmente se ponen aun mejores gracias al soundtrack. Estoy acostumbrado al storytelling, al estilo de un set de DJ, pero armar un relato para transmitir las emociones de una escena o un personaje es un talento maravilloso. Uno que lamentablemente no poseo. Trabajé en proyectos como Moulin Rouge y Los Ángeles de Charlie haciendo solo una canción. Pero realmente me encantan las películas clásicas y el trabajo de Giorgio Moroder en El expreso de Medianoche o de Ry Cooder en Paris, Texas. Ahí donde la música realmente hace a la mitad de la película. Me pidieron escribir parte de la banda sonora para Ibiza, The Silent Movie, un documental musical sobre Ibiza. Cuando el director me dijo que escribiera algo que fuera "positivo pero con un toque de ironía y un ligero trasfondo oscuro" me quedé pensando: ¿Cómo se escribe eso? Además, tendría que ser una buena película, porque debería dedicarle unos seis meses de mi vida. Quizás un film de los Hermanos Coen, de Martin Scorsese o de Wes Anderson. Me encantaría escribir para ellos, pero no tengo el talento para hacerlo. Así que ese es mi único sueño que nunca se hará realidad.
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Martina "Tini" Stoessel se convirtió en una de las artistas invitadas para participar del próximo álbum de Miranda!, y por eso fue parte del reciente tema musical y videoclip estrenado: "Me Gusta". El desembarco en las plataformas digitales causó furor entre los fans de la cantante pop.La dupla está próxima a lanzar su siguiente álbum: Nuevo Hotel Miranda! Se trata de una secuela del último disco, que se publicó en 2023. En esta nueva versión, quienes se alojan en el hotel son víctimas de una invasión alienígena, por lo que el entorno es futurista y el género musical apunta más al electro pop. De esta manera, marca un cambio de imagen y una fuerte apuesta dentro del dúo conformado por Alejandro Sergi y Juliana Gattas.En el clip se pueden ver escenas donde los tres cantantes están encerrados en un tubo de vidrio y otras en las que aparecen en la recepción del hotel, con un look retro y colores pastel que decoran cada rincón. Además, Stoessel aparece con una imagen extraña, sin pelo y con un aspecto avejentado.Después de una examinación con un extraterrestre, el edificio estalla en pedazos y los cantantes desaparecen de escena. Hacia el final, es Ale Sergi quien queda tirado en el suelo sin entender qué pasó.El videoclip se publicó en las distintas plataformas de audio, como YouTube, donde en poco más de 13 horas cosechó casi 200.000 reproducciones, alcanzando el puesto número nueve en el ranking de tendencias musicales del sitio.Los comentarios de los seguidores de Miranda! fueron sobre su adaptación al género y los elementos tomados de otros estilos para enriquecer este nuevo álbum. También celebraron la estética del video y resaltaron la presencia de Stoessel.Desde su cuenta de Instagram, Tini subió un reel con un fragmento de "Me Gusta" a modo de anuncio. De inmediato, la sección de comentarios se llenó de mensajes positivos sobre esta colaboración. Algunos también destacaron su trabajo artístico y su voluntad, a pesar de los momentos difíciles que atravesó el año pasado."Te amo. Me muero lo que es la letra", "El nuevo hit del pop", "Ya se me pegó. Me encantan estas nuevas versiones de Tini", "No me gusta, me encanta", "Son unos dioses los tres" y "Tremendo" fueron algunos de los mensajes más destacados.Por otro lado, muchos de sus fans señalaron que esta nueva impronta podría tener similitudes con el evento que la cantante organizará el 24 de octubre en Tecnópolis: Futttura. Allí, la artista recorrerá el inicio de su carrera como protagonista de la serie de Disney Violetta, y mostrará su transformación hasta convertirse en la mujer que es hoy. El espectáculo incluirá tres escenarios y diferentes actividades para que los seguidores puedan conocer de cerca la vida de Martina Stoessel.Al mismo tiempo que se compartió el tema, Juliana Gattas publicó el trabajo del fotógrafo Nicolás Sedano, quien capturó imágenes del detrás de escena. Allí se mostraron parte de los preparativos en el set con los tres cantantes antes del rodaje.El álbum Nuevo Hotel Miranda!, tiene fecha de estreno el 8 de mayo. A diferencia de la propuesta anterior, que se basó en una historia fantasmagórica y de terror con guiños a la película El resplandor, en esta ocasión el dúo dio un paso más hacia la ciencia ficción, incorporando efectos especiales y un vestuario disruptivo. Entre los artistas invitados, además de Tini Stoessel, también participan Ana Mena, Nicki Nicole, Fito Páez, Abraham Mateo, Vicentico, Leo Rizzi y Kenia OS.
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Bruno Stagnaro, sobre la música de El Eternauta: "Cada canción tiene su propia historia y recorrido"
Soda Stereo, Mercedes Sosa, Gardel, Gilda, Spinetta (vía Pescado Rabioso). Pero también la banda sonora de El Eternauta incluye otras músicas, menos obvias y que por menos obvias agregan espesor al universo de la serie. No se trata de un grandes éxitos. Es, más bien, una búsqueda a lo largo y ancho del cancionero argentino. Y sobre todo del rock argentino. Porque también suenan Él Mató, El Reloj y aparecen referencias a Iorio (vía V8 y Hermética) y Rata Blanca. Bruno Stagnaro, director de El Eternauta, habló al respecto de la música en general y de algunos temas en particular. También cuenta cuál fue el tema que quedó afuera y por qué.Sobre el rock de los 70 que escuchan Juan Salvo y sus amigos:"Cada una de esas músicas tiene su propia historia y recorrido. En general, las que son del universo sonoro de la década del 70, que podrían ser músicas que escuchaban ellos en su juventud, están un poco más ligadas a la pregunta de qué música escucharían estos tipos cuando fueron jóvenes. La función del partido de truco y el sótano es que esos tipos lo viven como una cueva en donde se repliegan del mundo adulto y vuelven a ser quienes eran en la juventud. Entonces, un poco la música los traía de regreso. De ahí que fuimos eligiendo unos temas conocidos, otros no tanto. Lo de El Reloj, por ejemplo, fue porque nos resultaba simpático darle una especificidad, no caer en temas que sean muy populares sino ir a algo más de nicho, que diera cuenta de una identidad particular de ellos y una historia particular en relación a este grupo que, si bien es conocido, por ahí no es tan mainstream como los otros".Sobre las canciones incidentales en general y el tema de Él Mató a un Policía Motorizado en particular:"Respecto a los temas incidentales, con el editor [Alejandro Brodersohn] aplicamos un poco la lógica de Okupas, fuimos probando cosas hasta que arribamos a esto que siempre busco: construir identidad a través de las músicas y en general apuntando a algo heterogéneo pero que esté más anclado entre la década del 70 y el 80. El tema de El Mató a un Policía Motorizado ["El magnetismo"] tiene una historia particular, porque viene desde la escritura del guion. Estaba buscando información sobre el magnetismo y distintas instancias que pudieran ocurrir con el apagón del campo magnético y diferentes teorías. Y buscando eso, en el año 2018... 2019, más o menos, terminé llegando a ese tema que no lo conocía, pero me gustaba que jugaba de un modo muy poético con esa instancia de trama que yo estaba construyendo. Y me hizo acordar que yo conocía a Él Mató... desde hacía mucho tiempo porque había producido una serie de documentales para el canal Encuentro con el Chango Spasiuk. Cuando hicimos el capítulo de rock, el Chango fue a entrevistarlos a ellos, en 2008, a La Plata, cuando estaban recién empezando. A mí ya en ese momento me gustó mucho el grupo. Y lo curioso es que a raíz del cruce que tuve con "El magnetismo" retomé contacto con Santiago [Motorizado] y le terminé proponiendo hacer la música de Okupas. Una cosa alimentó la otra y contrariamente a lo que podría suponerse, este tema fue lo que originó que él termine vinculado a Okupas".Sobre Gardel y la referencia a la novela gráfica:"Al tango, además de la cuestión de identidad, en principio nos interesaba ponerlo porque aparece en [la novela gráfica] El Eternauta en un momento. El tango éste, específicamente. Después está pensado que juegue de alguna manera en relación a estas distorsiones temporales que tiene Salvo más adelante en la trama".Sobre los cassettes de heavy metal que aparecen en un auto:"En relación con la música que aparece en el Renault 12, la lógica fue relacionarla al universo sonoro del [empleado de] seguridad que está muerto en la garita, porque en definitiva el auto es de él. O sea que la gran parte metalera del estuche ese, con los cassettes, tienen que ver con que se nos ocurrió que tenía ese gusto musical. Entonces, lo natural sería que tuviera variedad sobre ese costado. Después pensamos que siendo bastante específico el tema de los cassettes y algo que está completamente vetusto y fuera de uso, nos pareció que pudiera haber unos elementos que no fueran necesariamente en esa dirección y que el tipo fue encontrando y que los dejó ahí como para alternar lo que escuchara".Sobre Mercedes Sosa y el tema que no fue:"Ese tema particular, "Cambia, todo cambia", hasta último momento era otro: "Yolanda", de Pablo Milanés. Porque nos parecía que estaba bueno evocar ese ícono que fue el disco rojo de Silvio y Pablo en Obras [En vivo en Argentina, 1984], que fue un cassette que, por lo menos en mi experiencia de los 80, era recurrente y tenía bastante recorrido. Nos parecía divertido evocar esa textura de ese momento del regreso de la democracia y demás... Después quedó finalmente el tema de Mercedes que, si se quiere, tiene una relación más directa de cómo juega con la historia, pero siempre me quedé con la duda de si no era más lindo dejar 'Yolanda', justamente por lo disruptivo".Sobre el disco en vinilo de El Reloj:"Respecto de El Reloj y los dispositivos musicales, teníamos la dificultad de que en términos narrativos nos interesaba regresar, en el final de la historia, a la atmósfera de la primera noche del truco. Como estaba la cuestión del pulso electromagnético, lo difícil era cómo construir de un modo azaroso esa atmósfera sin tener la posibilidad de escuchar música por la falta de luz. Entonces se nos ocurrió esto de generarle el ámbito a ese departamento, cargado de elementos y que dentro de esos elementos estuviera esta vitrola. Y eso nos condujo a que fuera necesario que para que se genere el link emocional que los condujera a reconstruir el impulso de la primera noche, que evocara esa primera noche, necesitábamos algún disco que pudiera estar sonando en esa vitrola y que remitiera a la atmósfera que vimos en los primeros momentos: y ahí surgió la idea de que fuera el disco de El Reloj. Porque nos parecía que estaba bien que fuera una figurita difícil, que generase la ironía de encontrar algo que buscaste mucho en el mundo normal y terminar encontrándolo en este contexto del fin del mundo. Y usar eso como trampolín para generar la pausa emocional que necesitábamos en ese momento del capítulo".
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Votá tu canción favorita de Serú Girán para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
Reducir a la música de Charly García a "música de protesta", "música política" o a la etiqueta amplia y desdibujada que es la de "rock nacional"; es dejar afuera a gran parte del repertorio de dos de sus bandas más ambiciosas: Serú Giran y La Máquina de Hacer Pájaros. Fue aquí donde Charly, acompañado mejor que nunca por grupos de músicos virtuosos, terminó de romper con el estilo de música que se venía haciendo hasta el momento en el país.Charly se dio a conocer con el disco Vida, de Sui Generis; un álbum más bien tranquilo y simple, con temas que se acercaban al folk y al blues. Melodías pegadizas y un cancionero popular formado por "Canción Para Mi Muerte", "Rasguña las Piedras" y "Quizás, porqué". El cambio rotundo en su forma de hacer y concebir la música comienza con La Máquina de Hacer Pájaros, un grupo más tirado al rock progresivo, con canciones complejas y menos accesibles al público. Serú girán es la síntesis de estas primeras dos etapas: conserva la complejidad y el virtuosismo de La Máquina, pero encuentra la forma de que estas canciones se vuelvan populares, lo que le dio más masividad a la banda.Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir la obra de Serú Girán en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "No llores por mi, Argentina", "Desarma y sangra", "Peperina" y "Cinema verité".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 11 de mayo a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 13 de mayo.Charly García (piano y voz), Pedro Aznar (bajo y voz), David Lebón (guitarra y voz) y Oscar Moro (batería). Esa fue la primera y única formación que tuvo Serú Girán en toda su trayectoria, formación que registró cinco discos de estudio: Serú Girán (1978), La Grasa de las Capitales (1979), Bicicleta (1980), Peperina (1981) y Serú 92 (1992). Además, entre otros álbumes en vivo, publicaron No Llores Por Mí, Argentina (1982) y Yo no quiero volverme tan loco (2000).El estreno del primer disco de Serú, homónimo, fue recibido negativamente por el público y la crítica. Se grabó entre San Pablo y Los Ángeles, y se presentó en el estadio Obras Sanitarias. Todos esperaban de García lo que este ya había hecho, pero García tenía otras expectativas. "Nuestra aspiración es que algún día esta sea la Música Popular Argentina. Eso es lo que queremos", fantaseó en su momento con la revista Pelo. "La revista Gente era el enemigo", comentó Charly García para contextualizar a La Grasa de las Capitales. Esto brinda una explicación casi innecesaria sobre la imagen de la portada del álbum, que retrata a los cuatro miembros de la banda como parte de la tapa, satirizada, de la famosa revista. Para esta grabación decidieron hacer temas más directos, y nacieron composiciones como "Frecuencia Modulada", "Viernes 3AM" y "Perro Andaluz". Serú Girán fue encontrando un sonido más personal y definido a lo largo de los discos, y Bicicleta es el reflejo de esto. "Desarma y Sangra", una composición que resuena a música clásica y que cierra diciendo "Y aquí estoy/pensando en el alma que piensa y por pensar no es alma/desarma y sangra"; "¿Cuánto Tiempo más Llevará?", que aporta un estribillo memorable; "A los jóvenes de ayer", extensa y compleja; "Canción de Alicia en el País", crítica de la dictadura en plena dictadura; y un par de temas más, agotan todas las facetas del grupo y conviven de forma impecable. Peperina es el último disco del primer raid de la banda. Contenedor del mismo "Peperina", de "Llorando en el Espejo" y de "Cinema Verité"; da final al primer y más importante ciclo del grupo. Luego de la presentación de este álbum, Pedro Aznar sería convocado por el estadounidense Pat Metheny para formar parte del Pat Metheny Group, motivo por el cual la banda termina disolviendose.Años más tarde, en 1992 más precisamente, Serú Girán se volvería a juntar para la grabación del que sería su último disco: Serú 92. Con shows en Córdoba y Rosario, la gira de presentación finalizó en Buenos Aires con dos shows en el estadio Monumental. El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer la carrera de Serú Girán dentro de la historia del rock nacional.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
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Tras su servicio militar, Elvis se alejó de su estilo rebelde para abrazar baladas emocionales, transformando su música en una expresión más profunda y vulnerable, que resonó con su público, revela Far Out
Cazzu conmueve con "Inti", una canción dedicada a la hija que tiene con Christian Nodal: Letra completa
Como parte de su nuevo álbum 'Latinaje', la argentina ha incluido 'sampleos' de la voz de la pequeña
Ana Guerra ('Tu cara me suena 12â?²): "Nunca había escuchado la canción 'Si antes te hubiera conocido' de Karol G"
La pareja de Víctor Elías ha debutado en el concurso de talentos de Antena 3 y revela a 'Infobae España' cómo fue embarcarse en este proyecto
AriGameplays debuta en la música con la canción "Pilates" y desata una ola de críticas y comparaciones
Diversos usuarios revivieron los comentarios que solía hacer la joven sobre los creadores de contenido que se vuelven cantantes
Sebastián Yatra es portada de la revista Elle España: reveló cómo la historia de amor de sus padres inspiró su canción "Milagro"
El cantautor antioqueño estrenará su cuarto larga duración en mayo, que incluirá una canción que, aseguró, siempre quiso escribir. También reveló que su propio padre fue uno de los invitados especiales
George Martin, su histórico productor, elige "la canción mejor construida por The Beatles"
Martin consideraba "She's Leaving Home" como una obra maestra -asegura Far Out-, ubicándola como una de las composiciones más complejas y emocionalmente maduras de la banda, más allá de su producción técnica
Los Alegres del Barranco usan la polémica por "El Mencho" en la promoción de su nueva canción
La agrupación dio un breve adelanto de "Sonrisa de revista", su próximo tema
León Gieco, Lito Vitale y Alin Demirdjian lanzan una canción con motivo del 110 Aniversario del Genocidio Armenio
Se trata de un single grabado en español y en armenio, del que participan también músicos de distintos países y representantes de la música argentina como el bajista Javier Malosetti.
Lali Espósito sorprendió al contar la extraña relación entre una canción de su nuevo álbum y un hincha de Huracán
A días del lanzamiento de No vayas a atender cuando el demonio llama, su nuevo álbum, Lali Espósito visitó Nadie dice nada (Luzu TV) y contó detalles del sexto disco que presentará el próximo martes 29 de abril. Durante su participación en el ciclo de streaming, sorprendió al revelar cuál de todos es su tema favorito y por qué. Se trata de "Lokura", el segundo tema que compone el nuevo trabajo de la artista. "Es una historia de mi infancia. Es mi primer amor platónico, era barra de la hinchada de Huracán. Yo crecí en Parque Patricios, donde es Huracán, a cinco cuadras de la cancha. Y Lokura era un personaje muy mítico del barrio, un bombonazo mal", comenzó diciendo.Al escucharla, Soledad Pastorutti le preguntó si se trataba de alguien que estaba en la barra brava. "Era un barra muy peligroso y a la vez muy amoroso. Muy personaje de barrio, viste. Si se tiene que cag*** a trompadas, se ca** a trompadas y si tiene que defender lo suyo lo hace. Él te generaba un respeto y un miedo y yo moría de amor, muchísimo por él", contestó. En ese sentido, comentó que para ella, Lokura era "Brad Pitt". "Era precioso, me llevaba muchísimos años y mi amor por él era una idea en mi cabeza. Todas morían por él. Entonces hice una canción muy especial dentro de este álbum, te diría de mis favoritas, que habla de esa historia, de eso que pasaba en mi cabeza, de esa historia de amor. Se llama Lokura por él", explicó.Luego, la ex Casi Ángeles sorprendió al mencionar que hacía poco que el hombre había fallecido. "Me enteré hace poquito. No llegó a escucharla, me apena de verdad porque me entusiasmaba la idea de que él sepa", sostuvo, con congoja. Entre risas y para quitarle dramatismo al momento, Martín Garabal, lanzó: "Por un lado, mejor para Pedro Rosemblat (novio de Lali) porque por ahí Lokura se apersona con un ramo de flores y dice: 'Me encantó la canción. Estoy para vivir esa historia'"."Hay muchas historias así en este álbum, por eso decía que es muy identitario porque siento que habla mucho de mí, pero obviamente genera mucha empatía con quien ubique eso que estoy describiendo. Esa vida de barrio, esa vida donde yo crecí... Había muchos otros personajes en Parque Patricios, pero él era muy importante para mi construcción de la infancia", concluyó la actriz. Cabe recordar que No vayas a atender cuando el demonio llama será presentado en el estadio de Vélez Sarsfield, donde tiene programados tres shows, dos con entradas agotadas. Es el mismo lugar en el que en 2023 se convirtió en la primera artista femenina argentina en agotar ese tipo de recinto.La cantante compartió con sus fanáticos la portada y contratapa del disco a principios de este mes. La dirección artística fue desarrollada de manera conjunta por la propia intérprete y su primo, Lautaro Espósito, mientras que la dirección creativa estuvo a cargo de Pablo Cerezo."Popstar", "Lokura", "No Me Importa", "Plástico", "Tu Novia II", "Morir De Amor", "Mejor Que Vos", "No Hay Héroes", "Sensacional Éxito", "Sexy", "Fanático", "Perdedor", "33", "Pendeja" y "Fin De Transmisión", son los 15 temas que lo componen.
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Una canción del álbum Mi Marimba, grabada en Lima en los noventa, terminó siendo parte de un éxito global, gracias a la mirada atenta de Pochi Marambio y su singular manera de narrar lo cotidiano.
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Votá tu canción favorita de Charly García para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
Charly García, uno de los músicos más populares e influyentes de la música argentina, fue líder y fundador de grupos como Sui Generis, Serú Girán y La Máquina De Hacer Pájaros; todos ellos, pilares fundamentales en la evolución del rock nacional y semilleros de varios de los músicos más talentosos de su generación. Es por todo esto, sorprendente, que la faceta más prolífica de la carrera del músico sea su etapa solista. Fue en este período que grabó 15 discos de estudio. Yendo de la Cama al Living, Clics Modernos y Piano Bar fue la trilogía con la que abrió su etapa más personal. Esta serie de álbumes contó con grabaciones tanto en Argentina como en Estados Unidos, y con la participación de músicos como Fito Páez, Pedro Aznar y los miembros de la banda GIT. En un lapso de tres años, Charly se encargó de renovar su imagen y su sonido, como también el de toda la escena musical y política argentina del momento.Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir la esta etapa de Charly García en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "Yendo de la cama al living", "Yo no quiero volverme tan loco", "Inconsciente Colectivo" y "Nos siguen pegando abajo".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 27 de abril a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 29 de abril.De la sofisticación de Serú Girán a la simpleza Yendo de la Cama al Living hay un cambio sonoro importante, determinado por un factor: la separación de la banda. En 1982, Pedro Aznar abandonó el grupo para sumarse al músico estadounidense Pat Metheny, lo que resultó en la disolución de Serú. El contexto en que se da la composición y la grabación se corresponde con el sonido del álbum. Charly dejó de estar rodeado de músicos virtuosos, que aportaban e influían en las composiciones, y pasó a ser el centro indiscutido de la obra. El foco de los temas pasó a estar en él, en su piano y en sus letras. Es así como nace Pubis Angelical/Yendo de la Cama al Living, un disco doble. Su primera mitad es, en realidad, la música para una película del director Raúl de la Torre; la segunda, el espacio en que quedarían grabados temas como el mismo "Yendo de la Cama al Living", "Yo no Quiero Volverme tan Loco" e "Inconsciente Colectivo". El segundo disco de esta trilogía fue el aclamado Clics Modernos, según la revista Rolling Stone, el segundo mejor álbum de la historia del rock argentino. Una obra sin precedentes en el país. En Clics conviven el rock con el tango, bases de ritmo electrónicas con baterías reales y Charly con Aznar. Grabado en Nueva York, producido por Joe Blaney y, más importante, compuesto por un García en estado de gracia; Clics Modernos es una mirada precisa de un país convulsionado y una obra fresca e imperecedera. Habiendo dejado la vara alta, en 1984, Charly se lanzó a grabar su tercer disco como solista, Piano Bar. En lugar de copiar la fórmula exitosa de su predecesor, decidió convocar nuevos músicos y darles una libertad casi absoluta sobre que tocar en las composiciones que él ya tenía. La banda estuvo conformada por los miembros del grupo GIT (que ocuparon la batería, una guitarra y el bajo), un joven Fito Páez (en teclado) y Charly (guitarra, voz y piano). Los temas fueron grabados en vivo, con todos los músicos tocando a la vez, y registrados en VHS. Como resultado, el disco más rockero y enérgico de esta trilogía inicial. La carrera de Charly García continúa al día de hoy. Luego de la salida de estos tres álbumes, se publicaron otros como Buscando un Símbolo de Paz, Filosofía Barata y Zapatos de Goma, Say no More, La Hija de la Lágrima y, el más reciente, La Lógica del Escorpión. El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer la carrera de Divididos dentro de la historia del rock nacional.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
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Meme del Real, Virus, Horcas, Los Tipitos, Indios, Los Auténticos Decadentes, El Kuelgue, Benito Cerati, Ibiza Pareo, Richard Coleman, Juliana Gattas, Eruca Sativa, Los Pericos, Babasonicos: la canción en español es una historia sin final.
Pamela Franco y Christian Cueva ignoran críticas de Pamela López: promocionan su nueva canción, gritando su amor
La aún esposa del futbolista calificó de "desmoral" la relación que tiene Cueva con la cantante. Sin embargo, la pareja hace oídos sordos y sigue promocionando su nuevo tema donde se lucen juntos
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Con el instrumental de 'Empire State Of Mind' de fondo, el compositor abordó el tema de las fronteras invisibles y los homicidios en la capital chocoana
Ángela Aguilar desmiente que la canción viral contra Cazzu sea de su autoría
La integrante de la dinastía Aguilar compartió un comunicado en el que denunció que su voz fue utilizada sin su consentimiento
Icbf expresó su respaldo a fallo del Consejo de Estado sobre polémica de la canción '+57â?²
El alto tribunal fue claro en que los derechos de los niños, niñas y adolescentes deben ser protegidos en todo el territorio nacional, razón por la que desde la entidad nacional hicieron un llamado a los artistas que participaron de la pieza
Consejo de Estado aseguró que Karol G, Maluma, J Balvin y Feid vulneraron los derechos de menores de edad con la canción '+57â?²
El Consejo de Estado les pidió a todos los involucrados en la canción no difundir o publicar composiciones que vulneren los derechos fundamentales de niñas, niños y adolescentes
Votá tu canción favorita de Divididos para escuchar por LN 104.9 + Música y ganá un vinilo
Si el oficio se pudiera escuchar, sonaría a Divididos. No es casual el apodo "La aplanadora del rock and roll", descriptivo de la experiencia demoledora que son los recitales de la banda. Esto se desprende de la relación que Ricardo Mollo (guitarra y voz) y Diego Arnedo (bajo) cimentaron en los primeros años de Sumo, allá por 1984, y que desde entonces se encargan de mantener.Luego de la disolución de Sumo, resultado de la muerte de Luca Prodan, surgen Las Pelotas y Divididos. Esta última estuvo formada, en primera instancia, por los exmiembros de Sumo, Mollo y Arnedo; a quienes se les sumó el baterista Gustavo Collado. La banda siempre se mantuvo bajo el formato de power trío, y solo sufrió cambios en la batería, puesto por el que pasaron Federico Gil Solá, Jorge Araujo y Catriel Ciavarella (actual baterista de la banda).Un equipo de especialistas de Colecciones LA NACION, buscó resumir los inicios de Divididos en un vinilo de 10 temas. Algunas de esas canciones serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. Entre las canciones incluidas en el disco están "El 38", "Ala delta", "El Arriero" y "Que ves?".Algunos ejemplares del vinilo serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la colección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el domingo 13 de abril a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el martes 15 de abril.40 Dibujos Ahí en el Piso es el disco con el que Divididos se dió a conocer al mundo, pero con Acariciando lo Áspero y La Era de la Boludez fue que se plantaron en la escena del rock nacional como una banda con sello personal. Se corrieron de la estela que había dejado Sumo, para adaptar un estilo más rockero y potente; pero mantuvieron el espíritu de converger diferentes géneros para conformar el propio. Con Prodan, esta convergencia se alimentaba de reggae, post-punk y funk; mientras que en Divididos optaron por el hard rock, el blues y el folklore.La incorporación de Federico Gil Solá en la batería marcó un cambio en la trayectoria de la banda. Aportó potencia y musculatura. Primero, en la grabación de Acariciando lo Áspero, con temas más grooveros como "Sábado"; o en canciones que se transformarían en sellos estilísticos de Divididos como "Qué Tal?" y "El 38". Luego, en lo que sería el pico más alto en la carrera de la banda, La Era de la Boludez.Gustavo Santaolalla, productor del disco salido en 1993, se encontró con una banda aceitada y con un Ricardo Mollo en proceso de realizarse como letrista. La Era de la Boludez es un álbum soberbio (en el mejor sentido de la palabra) y crítico, que hace uso de la ironía para expresar la visión del país que tenía el grupo. El verso "no estoy solo, puedo salir a comprar", resume bastante bien el tono de toda la grabación.Es en ese mismo álbum que decidieron reversionar "El Arriero" de Atahualpa Yupanqui. No es un cover o una reproducción, sino que se trata de una reinterpretación del tema. Se apoyaron en una base de blues, para poder acercarle esa letra que creían tan actual ("las penas son de los hombres, las vaquitas son ajenas"), a un público más joven. La profundidad de los gritos de Mollo, una batería que rememora a "Since I've Been Loving You" de Led Zeppelin y las sucesivas apariciones de una guitarra que raspa y quema; nuclean de forma impecable en una sola canción, todas las influencias de Divididos.La carrera de la banda continuó con discos como Otroletravaladna, Gol de Mujer y El Narigón del Siglo. La formación actual, que mantiene a Mollo y a Arnedo, y lo suma a Catriel Ciavarella atrás de los parches; sigue presentándose en distintos puntos del país con la contundencia de siempre.El vinilo de Colecciones LA NACION es una oportunidad para recorrer los mejores momentos de la carrera de Divididos dentro de la historia del rock nacional.Podés hacer click acá para comprar el disco, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de los ganadores y de nuevos sorteos de vinilos.
La canción más sonada en Apple Ecuador este día
Estos son los éxitos en Apple que han logrado mantenerse en el gusto del público ecuatoriano
Ed Sheeran dió un concierto en la calle para presentar su nueva canción
El tema se llama "Azizam" y lo cantó frente a una estación de trenes.El concierto duró 20 minutos y cantó seis canciones. Mirá el video en esta nota.
En el Quilmes Rock: Dillom cambió la letra de una canción y apuntó contra Milei
Como ocurre en todos los últimos festivales de música que se desarrollan en distintas partes del país, algunos artistas aprovechan su momento en el escenario para apuntar contra el mandatario argentino. Este sábado, en el Quilmes Rock 2025, el compositor Dillom cambió la letra de una de sus canciones para cargar contra el Presidente. "El día que muera morirá Milei", cantó ante la multitud que lo seguía en Tecnópolis. El artista cambió el estribillo de Buenos Tiempos y repitió la polémica frase en al menos tres oportunidades. Dillom estaba vestido como Arthur Fleck, el personaje de El Guasón (The Joker, en inglés) cuando modificó el estribillo del tema original, que decía "el día que muera moriré en mi ley", para apuntar contra el Presidente. Tras sus dichos, comenzó a circular en las redes sociales un supuesto comunicado que habría emitido la organización del evento, pero rápidamente los responsables del Quilmes indicaron que ese mensaje era falso.No es la primera vez que el artista se manifiesta en contra la máxima autoridad nacional. Ya había hecho lo propio cuando defendió a su colega María Becerra durante el Cosquín Rock, en febrero pasado, luego de que Milei la apodara "María BCRA", en alusión al Banco Central. La presentación de Dillom en el Quilmes Rock también tuvo otro momento que no pasó desapercibido y que fue emotivo. El cantante invitó al escenario a un grupo de excombatientes de Malvinas. Uno de los veteranos tomó el micrófono y agradeció: "Es un orgullo estar acá. A todos les pedimos que haya memoria por los que dejaron su vida por defender a nuestra Patria", dijo el hombre.La grilla del Quilmes Rock para este domingo dice que Flavio vuelve, pero con Los Fabulosos Cadillacs, que tocarán El mató un Policía Motorizado, Las Pastillas del Abuelo, Ratones Paranoicos y que habrá un homenaje a Serú Girán, uno de los sets más esperados de esta edición.Los artistas y Milei: una relación en jaqueSemanas atrás, en medio del escándalo que involucró a Javier Milei en el denominado criptogate, Andrés Ciro Martínez, el líder de Los Piojos, no perdió la oportunidad para dejar un mensaje velado contra el Presidente. Durante su performance en el Cosquín Rock, el vocalista modificó parte de la letra de la canción Llevátelo y, sin aludir directamente al mandatario, cantó: "Tienen tantas mentiras, tanta criptomoneda, tanta libertad".Hace días, durante el Lollapalooza, la banda de rock Dum Chica también protagonizó una fuerte controversia luego de que proyectara, mientras hacían su performance, violentas imágenes de la figura de Milei, como si se tratara de un demonio, con cuernos, sangre en la boca y la banda presidencial."Nosotras, como artistas, somos responsables del contenido expresado durante la presentación en el Lollapalooza", comenzó la publicación que compartieron en su cuenta oficial de Instagram para hacer su descargo. Además, agregaron: "Ni la productora, ni el festival, ni los sponsors del evento tenían conocimiento alguno de nuestra presentación y somos las únicas responsables del mensaje presentado".
"Un mechón de pelo": dos hermanos con cáncer, una muerte que sembró culpa y la canción de Tini que ayudó a sanar
A Agustina le detectaron cáncer de mama y, 48 horas después, su hermano Matías murió tras años de tratamiento."Yo me curé, él no", recuerda ella la compañía mutua y el dolor familiar.Cómo fue su recuperación emocional, del show de Tini al legado de Matu: hablar de cáncer de apéndice.
¿Ángela Aguilar se lanza contra Cazzu y Belinda? Esta es la verdad detrás de su nueva canción viral
En redes sociales se filtró un supuesto adelanto del próximo lanzamiento musical de la cantante y un juego de palabras desató controversia
Daniela Darcourt es excluida de nueva canción de salseras peruanas y Yahaira Plasencia explica los motivos
La ausencia de Dacourt en el proyecto de Cielo Torres genera especulaciones entre salseras peruanas. Yahaira Plasencia y Paula Arias explican que la decisión fue de la cantante tacneña.
La canción más escuchada en Spotify España este día
Estos son los artistas en Spotify que han logrado mantenerse en el gusto del público con estos sencillos
Kanye West confirmó su rompimiento con Bianca Censori en una nueva canción: "Mi bebé huyó"
A través de una canción dedicada a su esposa, el rapero alude a una fractura en su relación con la arquitecta australiana
Manuel Alejandro: "Si Dios me da vida, me gustaría hacerle una canción a Pablo Alborán"
El provocativo tuit de Javier Milei en pleno 2 de abril: celebró a Trump con una canción de la banda inglesa Queen
Tras su polémico discurso por Malvinas, el presidente eligió "Friends will be friends" para celebrar las nuevas medidas arancelarias de Donald Trump. Leer más
Milei celebró los aranceles de Trump con una canción de Queen
El presidente Javier Milei celebró este miércoles la nueva medida de su par norteamericano, Donald Trump, de imponer aranceles generalizados a todos los productos importados con un "tarifa básica universal" de 10% (para varios países el porcentaje será mayor), donde se encuentran incluidos los productos que exporta la Argentina. "Friends will be friends [los amigos serán amigos]", escribió, en referencia a la canción de Queen con ese nombre, que adjuntó en el mensaje.La medida de Trump fue anunciada unas horas antes a través de un extenso listado publicado por la Casa Blanca. En la lista que mostró en la Casa Blanca, la Argentina figura con un porcentaje igual al de Brasil y Chile. Los más "perjudicados" por Trump serán los que hoy por hoy comercian mucho más con Estados Unidos, como China, la Unión Europea, Inglaterra y la India. Pero ese posteo no fue el único en el universo libertario, porque más tarde la esfera digital de LLA compartió el mismo mensaje con referencias al anuncio del jefe de Estado norteamericano.Friends will be Friends...TMAP.VLLC!https://t.co/8sFAgsNduM— Javier Milei (@JMilei) April 2, 2025Noticia en desarrollo
Tiktoker vuelve a conquistar las redes con su canción versión extendida sobre pueblos de Yucatán en náhuatl | Video
Vicky Wolff amplió su popular canción para incluir más municipios de Yucatán, respondiendo a las peticiones de sus seguidores
La canción digital más vendida del mundo no es de Occidente y rompió un récord histórico
Es interpretada por Xiao Zhan y superó las 54 millones de descargas en China. El criterio se debió a un fenómeno social que redefinió el concepto de éxito musical en la era digital, según asegura Far Out
Joven causa indignación al evadir el pago en TransMilenio e interpretar una canción desafiante: fue sancionado
El video, que rápidamente se viralizó en redes sociales, generó reacciones divididas entre los internautas, que exigen medidas más drásticas para esta problemática
"I Feel Love", la canción que fue "diseñada" por la inspiración astrológica de Donna Summer y por el experimento de dos productores
Hay canciones que logran la cumbre. Están las que marcan una ruptura y otras atraviesan los géneros, llevando las fronteras hacia lugares insospechados. Y hay canciones, según Simon Reynolds, que separan la historia en un antes y un después, como "She Loves You", "Anarchy in the U.K." y "Rapper's Delight" en el pop. Suele ocurrir que el impacto de una canción bisagra puede apreciarse plenamente recién muchos años después. Pero otras veces el quiebre con lo habitual tiene lugar a la vista de todos, en la cima de los rankings de popularidad, y el efecto es inmediato. "Uno de esos singles que logró alterar la línea de tiempo del pop y provocó la sensación de un shock del futuro en tiempo real es 'I Feel Love'", escribe el crítico inglés en su último libro, Futuromanía (Caja Negra), una compilación de escritos sobre música electrónica tras ocho años sin novedades editoriales.Lanzada en julio de 1977, la canción fue un éxito mundial que ocupó, casi de inmediato, el número uno de las listas en varios países, y en Inglaterra la cúspide duró todo un mes. Pero su poder de fuego trascendió la escena disco en la que la cantante Donna Summer y sus productores Giorgio Moroder y Pete Bellotte, artífices clave del experimento, ya estaban bien establecidos. "Las bandas post punk y new wave admiraron su sonido innovador y se lo apropiaron -continúa Reynolds en su análisis-; la precisión maníaca del ritmo parecía una cuadrícula creada con pulsos de sintetizador secuenciados. Incluso ahora, mucho tiempo después de que la discofobia haya caído en desgracia y el rockismo haya sido derrotado, todavía se siente como una travesura excitante afirmar que 'I Feel Love' fue mucho más importante que otros temas de 1977 como 'God Save the Queen', 'Sheena Is a Punk Rocker' o 'Complete Control'".Varios especialistas coinciden con su mirada: los ochenta, dice, empezaron con "I Feel Love". En la cultura de las discotecas, brillando en la pista de baile, abrió el camino para géneros como el house, el techno, el Hi-NRG y el trance. Bajo la expansión de sintetizadores y programaciones, "I Feel Love" destacaba por su repetición mecanicista, la de una electrónica gélida y divertida, "una sensación estática de propulsión posthumana con los ojos en blanco", según Reynolds. Otro crítico norteamericano, Vince Aletti, la tomó muy en serio como fundamento de la música disco y escribió, comparándola con "Trans-Europe Express/Metal on Metal/Abzug", de Kraftwerk, otra pieza profética de trance-dance electrónico que atrajo a las multitudes en los clubes más osados: "'I Feel Love' suprimió todo ese aspecto más bonito y florido de la música disco y le dio un sentido optimizado, eficaz".Cuenta la leyenda que el propio Brian Eno entró a su estudio de grabación, le dio una copia a David Bowie y le dijo algo así como: "Este single va a transformar todo el sonido de la música bailable durante los próximos quince años". El status del productor italiano Giorgio Moroder, que con su fábrica de éxitos era comparado con el Motown de finales de los setenta, para luego destacarse en las bandas sonoras del El expreso de medianoche y Flashdance y mucho tiempo después se relacionó con Daft Punk -grupo que le dedicó el tema "Giorgio by Moroder"-, fue el equivalente de Phil Spector pero en la música disco. Ese brillo que en la voz de Donna Summer, quien tiempo después sacaría otros hitazos como "Bad Girls" y "Hot Stuff", cultivó una auténtica ingeniería de grabación en una música pensada exclusivamente para la discoteca. Las historias de las grandes canciones suelen destacar en primer plano a sus músicos, a la vez que el detrás de escena permanece en una sombra anónima. Consciente de los cambios de la era tecnológica en transición a la plenitud digital, Moroder dirigió a un equipo de músicos y técnicos, y tal vez el más significativo haya sido Pete Bellotte, quien trabajaba en Alemania codo a codo con él.Según reconstruye Simon Reynolds, el inglés Bellotte tuvo un rol crucial como catalizador de las canciones en tanto unidades conceptuales, así como de las ideas musicales y de producción. Fue él, en efecto, quien descubrió el talento vocal de Donna Summer. La arquitectura de la canción incluyó al hombre-máquina y baterista Keith Forsey; a un conjunto de tecladistas entre los que estaban Porir Baldursson, Sylvester Levay y Harold Faltermeyer; el ingeniero de sonido Jürgen Koppers y a Robbie Wedel con su dominio esotérico del Moog, contribución crucial para la construcción final de "I Feel Love".Una creación colectiva con el liderazgo inconfundible de Moroder, que tal vez tuvo el grado cero de la invención cuando Pete Bellotte había descubierto la voz extraordinaria de una cantante negra norteamericana que también se había mudado a la región central de Europa. Donna Summer se conoció en el mundo por su épica disco-erótica de "Love to Love You Baby", que en 1976 trepó al número 2 en Billboard y disparó el apodo de "La pantera negra" y que los medios la coronaran como la reina del "sex rock". Pero esa y otras canciones no dieron el prestigio que Moroder y Bellotte anhelaban.Fue entonces que Pete Bellotte encendió la chispa con su pasión por la literatura, inspirado en Una danza para la música del tiempo, una serie literaria de doce volúmenes de novelas escritas por Anthony Powell. Bajo ese influjo, pensó en crear un álbum en el que cada canción correspondiera estilísticamente a una década diferente del siglo XX. En el quinto álbum de la cantante grabado por Casablanca Records, I Remember Yesterday (1977), decidieron incluir una canción que, conceptualmente, representara el futuro: "I Feel Love".Entre sintetizadores y máquinas de ritmo, estallaba un nuevo coro alrededor de las pistas: "Ooh, it's so good, it's so good/It's so good, it's so good, it's so good/Ooh, heaven knows, heaven knows/Heaven knows, heaven knows, heaven knows/Ooh, I feel love, I feel love/I feel love, I feel love, I feel love/I feel love/I feel love"."Una canción difícil de cantar", la definió Bellotte, quien junto a Moroder ingeniaron primero la pista rítmica y luego la melodía. El Moog de Robbie Wedel sincronizó todo bajo el mismo tempo y junto al ingeniero Koppers le colocaron un delay a la línea de bajo. "Con la ayuda de una máquina y un ingeniero alemán, Moroder y Bellotte definieron un nuevo paradigma para el pop: un sonido de una implacabilidad metronómica tal que realmente parecía venir del futuro", escribe Reynolds.El crescendo de Donna Summer, subiendo el énfasis en cada estrofa, se bautizó prontamente como High Energy: "Ooh (ooh), fallin' free, fallin' free/Fallin' free, fallin' free, fallin' free/Ooh (ooh), you and me, you and me/You and me, you and me, you and me/Ooh (ooh), I feel love, I feel love/I feel love, I feel love, I feel love/I feel love/I feel love I feel love I feel love". Decía en una entrevista con Rolling Stone, en 1978: "He cantado gospel y cosas al estilo de Broadway toda mi vida y hay que tener una voz potente para eso". Y luego: "Me etiquetan como una típica cantante negra, lo cual no es cierto. Ni siquiera soy una cantante de soul. Soy más una cantante pop".Más suspendida que sexy, como si llegara desde otro lugar, en "I Feel Love" Donna Summer parece cantar con una voz que suena más sobrenatural que terrenal. La sensación de perderse en un loop de ensoñación proviene de la letra extremadamente simple y corta y una duración de casi seis minutos, en la que frases como "heaven knows" (el cielo lo sabe) o "fallin' free" (en caída libre) se repiten cinco veces cada una escritas por la propia Donna Summer en sus inspiraciones astrológicas, reconocidas por ella misma. Un título cursi, cierto estado rapsódico de estar "enamorada del amor", que contrastó con la performance en el escenario bajo un filo de mujer-máquina, con aspecto androide y bailando en movimientos angulares y espasmódicos bajo un rostro que parecía "una máscara encandilada y mecánica", como lo describió el crítico Mikal Gilmore, y que profetizó a las fembots del siglo XXI como Kylie Minogue, Britney Spears y Lady Gaga.Con "I Feel Love", Moroder y su equipo habían asimilado la lógica inmanente a la música negra bailable, como el clásico "Sex Machine" de James Brown, y al rock motorik alemán, con Kraftwerk a la cabeza, y la habían conducido a un nivel de exactitud y precisión mecánica. De cómo un ritmo electrónico, en un tiro por elevación, marcó una estética, una tendencia, una micro escena entre Inglaterra y Estados Unidos. Algo que permanecería en el tiempo, mucho tiempo después, con el propio Giorgio Moroder luciendo su rol de DJ en sus sets en vivo, sintiendo en carne propia el amor de su público.Un himno bailable que la comunidad gay tomó como liberación. La "canción del futuro" en la simbiosis Moroder-Summer-Bellotte, la canción como unidad conceptual. La gran ironía fue que sus creadores no sólo no se percataron de la importancia de lo que habían creado, sino que tampoco sintieron realmente su impacto: Moroder y Bellotte casi nunca iban a discotecas. "Fueron el ingenio y la creatividad humanos los que impulsaron las decisiones en cada paso, pero para quienes oían sonaba como si las máquinas hubieran tomado el control: un avance emocionante para algunos, un inquietante devenir para otros", concluye Simon Reynolds, dando cuenta que las estrellas se alinearon y así se hizo historia.
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