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Carli Jiménez: el bullying por ser "el hijo de La Mona", el papá que no conoció de chico y el artista al que maneja de grande

CÓRDOBA.- Carli Jiménez, hijo de Carlos "La Mona" Jiménez, pasó de músico a productor y en poco tiempo transformó Universo Jiménez en Universo Producciones. Su papá, el mandamás del cuarteto, es su principal artista pero no el único. Hace unas semanas produjo el primer show de Shakira en Córdoba y hace unos años el de Ricky Martin; tiene un streaming, acaba de firmar un contrato por una década para operar el Estadio Único de La Plata y tiene en marcha proyectos para construir -en sociedad- tres estadios arena en Córdoba. Carli asegura que, de no ser por su labor, preferiría el perfil bajo, pero ser "El hijo de La Mona" lo hizo siempre conocido. De chico, en el colegio, sufrió el que no lo invitaran a algunos cumpleaños porque el cuarteto "no era bien visto" y, cuando estudiaba música, no lo dejaban tocar un tema de su papá "porque acá, cuarteto no", le decían. Cuenta estas historias a LA NACION sin una pizca de revancha, con una sonrisa, convencido de que los tiempos cambiaron. "El cuarteto es la identidad del pueblo cordobés y ha logrado trascender fronteras, con canciones que se cantan en estadios de fútbol de Brasil y hasta de Japón", subraya. Carli Jiménez hizo la experiencia de enseñar cuarteto. Hace más de una década empezó con músicos de su banda en una zona vulnerable de Córdoba en el centro vecinal. Después recuperó una casona en el centro de la ciudad y llegó a tener 140 chicos de entre 8 y los 16 años que aprendían los instrumentos fundamentales del ritmo: acordeón, piano, bajo y percusión. "Nos superó en un momento, porque se daban situaciones de violencia familiar. Pero tuvimos muchas satisfacciones", dice. De ese semillero surgieron Juliana Galván y Celeste Ávalos, "que llegaron a la escuelita sin saber ni tocar el timbre e integraron la banda de La Mona; otro de los chicos está en La banda de Carlitos. Pudimos hacer un pequeño aporte y cambiar la vida de algunos de ellos".A los 17 años, Carli decidió mudarse a Buenos Aires a estudiar ingeniería en sonido y huyendo de la vorágine que significaba en Córdoba ser "el hijo de". Regresó a los 27 años, impulsado por una cirugía de pólipos en las cuerdas vocales de su padre, quien le pidió que lo acompañara cantando en el escenario para que él pudiera descansar la voz en esos intervalos. Esa década compartida le permitió acercarse mucho más a La Mona como padre, "conocerlo realmente, porque cuando era chico trabajaba de lunes a lunes". La pandemia fue, en términos profesionales, una ayuda porque obligó a frenar el ritmo de trabajo. En ese período lograron reestructurar el esquema y pasaron de los bailes tradicionales a mega eventos como el Festival Bum Bum. "Profesionalizamos la producción", dice hoy, a los 44 años. En Universo Producciones hay 34 empleados y contratan centenares de personas para los shows. -¿Siempre te gustó la música, la producción? -Mis viejos me dieron la posibilidad de estudiar música desde los 12 años. Estudié en La Colmena y con Juan Carlos Chalela porque me gustaba el arte de componer y escribir canciones. Pero pasar de eso a llevar una orquesta de cuarteto, donde hay cuatro o cinco shows por semana, es distinto. En su momento hice un disco de música funk con el baterista Martín Carrizo, que era un genio. Toqué en varios festivales, me mudé a Buenos Aires y empecé a estudiar ingeniería de sonido. Armé mi estudio y caían artistas a grabar y me pedían que los ayudara con los shows. Terminé haciéndole shows a Willy Crook y 120 shows con Alfredo Casero. Aprendí de mi viejo todo lo que es la parte artística, pero de mi vieja toda esta otra parte del background, y siempre me sentí mucho más a gusto en esta última.-¿Por qué?-Me sentí mucho más a gusto. La exposición no es algo que elija. En esto es necesario salir, contar, transmitirle seguridad a la gente que viene a los shows. Acá no hay una empresa que no se sabe de quién es. Ponemos la cara en las buenas y en las malas. La gente sabe que en esta calle estamos hace 45 años. Nací acá al lado y seguimos acá. Eso también transmite confianza. Si no fuera por eso preferiría no aparecer nunca y andar tranquilo, pero es muy difícil porque aún sin hacer nada, ya soy conocido por ser "el hijo de La Mona. -¿Qué te hizo regresar de Buenos Aires?-Hubo una situación con mi viejo. Lo operaron de pólipos en las cuerdas vocales. No podía cantar y no estaba bien anímicamente. Volví y me dijo: "Voy a empezar a cantar de a poquito, acompañame. Cantate unos temas y yo descanso la voz. Me lo debés". Acepté y, cuando volví a subirme al escenario, hubo algo especial. Fue un amor que no lo había sentido antes por mi viejo, porque él había sido un desconocido, laburaba de lunes a lunes. Yo salía para el colegio a las 7 de la mañana y él volvía de cantar. Empezamos a tener un contacto más cercano.-¿Redescubriste otro padre?-No, él no cambió nunca. Yo sí era otra persona. Me fui a Buenos Aires a los 17 huyendo de toda la vorágine de ser "el hijo de La Mona" en Córdoba, con cosas lindas y cosas feas. Entonces todavía no tenía las herramientas para pararme y decir: "Che, soy esto también y hago esto". La pasamos espectacular juntos. La música tiene esas cosas que te atrapan y están buenísimas, pero también te llevan puesto. La noche te lleva puesto y cuando llegó la pandemia, ayudó a parar. Yo ya venía pensando en eso. Yo iba a los bailes desde que estaba en el moisés. Hoy lo veo a mi viejo con 75 años que está por cumplir, lo veo con energía, está mucho mejor que antes de la pandemia. Es que ese trajín de laburar jueves, viernes, sábado, domingo, no lo iba a perdonar. Se lo llevaba puesto tarde o temprano y más temprano que tarde. Pudimos reestructurar la manera de trabajar.-¿Cómo lo convenciste?-No fue una decisión comercial fue una decisión puramente familiar. Él siempre manifestó: "Yo me quiero morir en un escenario", pero escucharlo a tu ídolo decir eso es distinto que escucharlo a tu papá. Si seguíamos con ese ritmo era no evitarlo. Cuando le propuse lo de los [festivales] Bum Bum", al principio no entendía. Le expliqué que era un festival que en algún momento iba a ser internacional y él era el anfitrión. Le iba a dar la bienvenida a Córdoba a todos los artistas que pasaran por acá, porque siempre fue así. Por acá pasaba Charly García, Fito Páez, James Brown y todos querían conocer a La Mona. Esta casa es como una parada obligada. Entonces hacer un festival en el estadio Mario Kempes para 50.000 personas también será su legado. Su legado son sus canciones, su resiliencia, la de un tipo que la peleó y salió adelante, que con muy pocas herramientas logró muchísimo, en especial darle mucha alegría a la gente. El día de mañana, él puede cantar o no, pero va a seguir estando el festival que es el único que tiene la ciudad de Córdoba. Antes, en enero, cerraba todo por la merma de turismo en la capital y ahora el del Bum Bum es uno de los fines de semana donde hay más concurrencia en el año.-¿Con ese festival empezaste a jugar en otra liga como productor?-Se dieron muchas cosas. En la pandemia nuestra industria tuvo un golpe muy grande. En ese momento cerró el estadio Orfeo en Córdoba y su productora general, Pía Rigoni, se quedó sin trabajo y con una gran experiencia. Le gustó el proyecto, se sumó. Pude armar una compañía que hoy tiene expertise legal, comercial, artístico. Logramos escala y volumen. El cuarteto es tan masivo, tan popular en Córdoba, que cuando lo profesionalizás se pueden hacer muchos más eventos que el rock y el folklore juntos. Teníamos una gimnasia que nos permitió atender a 40.000, a 50.000 personas y con el mismo nivel que un show internacional, porque hoy amerita y lo demanda el público. Hay que estar a la altura. Empezamos a ver esa escala y a contratar el mejor sistema de sonido actual. Lo contratamos para ocho eventos cuando las productoras lo alquilan para uno o dos; lo mismo para el escenario más grande. Contratamos alrededor de 3.500 baños químicos anualmente. El volumen da poder de negociación con los proveedores y un show sale 35% o 38% más barato.-El mismo cuarteto al que antes ninguneaban en algunos ámbitos...-No solamente si trabajabas en el cuarteto, si ibas a un baile. Se ninguneaba al público, al músico. Cuando yo estudiaba música si quería tocar un tema de mi viejo, me decían: "No, acá cuarteto es mala palabra". No me invitaban a un cumpleaños porque mi papá tocaba cuarteto. Hace unas semanas fue nombrado patrimonio intangible de la humanidad y ahora se resolvió que integrará la currícula de las escuelas de Córdoba. Es un género que mantuvo su originalidad y su esencia. Acompañó y marcó la cultura cordobesa, sus canciones salieron de las canchas de Córdoba, pasaron a la de Boca, River y hoy están en Brasil, en Japón. Está en el ADN del cordobés. -A la producción le sumaste la construcción, en sociedad, de un estadio...-Serán tres. Uno, que ya es público, es con la Universidad Siglo 21. Es parte de proyectar un posicionamiento de Córdoba como eje cultural, regional, como un polo educativo. Córdoba tiene muchísimo para dar y para brindar. La economía naranja genera empleo, mueve dinero. Pero hay que seguir trabajando para que se comprenda, para que se vea así. Los privados no queremos que nos den plata desde el Estado, sino que no nos pongan palos en la rueda. Por eso desde el clúster de Córdoba, que preside José Palazzo -uno de los grandes productores de habla hispana- mostramos los números, lo que dejan los eventos. -¿Cuándo Universo Jiménez pasó a ser Universo Producciones fue un paso traumático desde lo familiar?-Fue cuando lo trajimos a Ricky Martin hace tres años. Mis viejos plantearon "el riesgo es grande y no estamos para esos riesgos". Ahí fue el momento en que dejamos de ser la productora de La Mona. No fue fácil, porque trabajamos con un miembro de la familia que es un superstar y que, como todo divo artístico, tiene su ego. Igual, fue mucho más fácil de lo que imaginaba. Hoy él es un artista que nosotros contratamos para tocar. Es nuestro artista número uno y con el que mejor nos llevamos, pero lo contratamos para trabajar con nosotros. -¿Y cómo es contratarlo? ¿Lo contrata el hijo o el productor?-Me juega un poco en contra porque voy a hablar con él como productor y mezcla un poco las cosas, sigue viendo a un niño del otro lado. Entonces me saca chapa de padre y me la hace difícil. Negociamos una vez al año y chau. Como artista es una persona con un corazón tremendo, llega y no deja a nadie sin saludar, sin agradecer. Pero, como toda persona que tiene más de 55 años de carrera, exige que las cosas se hagan bien, que esté todo perfecto. Cuando hacemos el Bum Bum, como la gente empieza a llegar dos días antes y viene a la puerta de su casa, lo empezamos a llevar a un hotel para que pueda descansar y vamos cambiando de hotel. Ahora, cada cosita que hacemos, ¡pide el hotel!-¿Cómo es ser hijo de La Mona?-Mucha terapia. Lo que más me jodía, de chico, era su ausencia en mis actividades, desde las de jugar al fútbol hasta los cumpleaños. También la exposición obligada, porque yo no elegía. Llegaba al cole y me decían: "Vos sos el hijo de La Mona". Lo mejor, cuando íbamos a la cancha; nos recibían en los vestuarios. Faltaba que le dieran la 10. Y acceso a todos los recitales. Me llamaban de los sellos discográficos para invitarme. Fue un aprendizaje ser "el hijo de".-¿Como productor, hacia dónde vas?-El 2026 es el año de la construcción de espacios para el entretenimiento. Antes autorizaban en zonas perdidas, hoy ya entendieron que son fuente de movimiento económico. Vamos a poner esa fortaleza en práctica. El primer espacio es el Domo Siglo XXI, para 5.000 personas, con acento en la experiencia, con opciones de compra de gastronomía que recibirán en la butaca, por ejemplo. Con esa capacidad se puede avanzar quirúrgicamente, saber quién es, qué le gusta, qué come el que va. También firmamos la operación del Estadio Único de La Plata por 10 años (5 + 5) y tenemos dos artistas internacionales en el Kempes. Pensamos dar un paso internacional, pero más adelante, tal vez en 2027.

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Los 90 años de Luis Landriscina, radiografía de un artista imprescindible, el excelso narrador del ser nacional

"La Argentina se puede dibujar, la patria no, se siente o no se siente", suele repetir, fiel a sus principios, el hombre que este 19 de diciembre está cumpliendo 90 años de vida. Desde hace mucho se le dice "Don Luis", a modo de reverencia a la sabiduría del patriarca."Yo soy del Chaco argentino, nacido en esta región; soy tan hijo de esta tierra que me siento emparentado al quebracho colorado y al capullo de algodón". En el inicio de su poema "Casi gringo", Luis Landriscina sentó las bases de su orgullosa pertenencia, aunque lo cierto es que su arte delineó siempre los trazos exactos de todo un país. De norte a sur y de este a oeste, la territorialidad de su decir no sabe de regiones, pero sí de regionalismos, esos que enalteció y logró llevar al público de las urbes más populosas. La rastra en el asfalto. Documentar desde el humor. En cuanto su arte excelso de la narración oral -zarandeado entre la tradición, el costumbrismo y el humor- le dio trascendencia pública, se le confirió calidad de "maestro". Don Luis Landriscina hizo docencia en lo suyo y eso no solo abarca su exquisito arte de contar, sino también su sensible manera de pensar lo telúrico, las raíces que hacen a la constitución de país. Un filósofo de lo cotidiano, un analista del ser nacional profundo, lúcido, que siempre supo mirar con lupa la minuciosidad de la matriz de los argentinos y que logró alternar con naturalidad aquellas postales domésticas con sentidas reflexiones en torno a la trascendencia humana. Nadie queda afuera de sus narraciones. Al escucharlo se puede llorar de risa y, en cuestión de segundos, transformar el ánimo en una profunda emoción. Al relato sobre una Nochebuena en un patio terroso le puede continuar una reflexión profunda sobre la fe. Su creencia en Dios siempre lo acompañó. CrianzaLuigi Landriscina y Filomena Cursi fueron sus padres sanguíneos. Llegaron de Italia separados, como tantos inmigrantes, que debían cruzar el Atlántico en tandas. Primero uno, generalmente el hombre, que tanteaba las posibilidades reales de la providencia, y luego su cónjuge. Dos hermanos de Luis llegaron en esas travesías que se topaban con el Hotel de los Inmigrantes de Retiro antes de dar el paso hacia el destino final en la provincia de Chaco. Ya afincados en tierra argentina, nacieron el resto de los descendientes del matrimonio, entre ellos el que se convertiría en el genial artista. Luis Landriscina nació en Colonia Baranda, a 40 kilómetros de la ciudad de Resistencia. Prolíficos los Landriscina llegaron a dar vida a ocho hijos, pero, en el último parto, Filomena falleció. Al pequeño Luis, que tenía tan solo un año, le llegaron a mostrar el carruaje fúnebre que transportaba los restos de su madre, razón por la cual, cada vez que se topaba con un cortejo, la recordaba. No fueron tiempos fáciles. Nada sobraba. Al contrario, la escasez definía la economía familiar. Luigi no podía sostener a sus hijos, razón por la cual, entregó a Luis a un matrimonio cercano. Santiago y Margarita fueron sus padrinos y padres de crianza. "Es mi hijo, aunque tenga otro apellido", repetía el hombre como carta de presentación del pequeño Luis. En ese tiempo, parte de su infancia la vivió en Campo Largo, el lugar que, definitivamente, lo marcó. "Les agradezco a mis padres de crianza haber respetado mi ingenuidad. Hasta los nueve o 10 años les dejaba pasto y agua a los camellos de los Reyes Magos". Acaso parte de esa mirada virginal para entender la vida se tradujo en mucho de sus cuentos donde los personajes rurales hacían gala de una mirada asombrada. "Los quise mucho a mis padres, siempre un beso a la mañana y otro a la noche antes de dormir, fueron un regalo de Dios". Santiago, su padre adoptivo, siempre decía: "Luis es mi hijo, lleva otro apellido, pero es mi hijo". Alguna vez, Pascual, su hermano mayor, intentó reunir a toda la familia, ya algo desperdigada. Sin embargo, el pequeño Luis lloraba al recordar a sus padres adoptivos, razón por la cual, regresó con ese matrimonio que le brindaba la contención que necesitaba. Con una escolaridad puntillosa cursada en la ciudad de Villa Ángela, rápidamente Luisito, como lo llamaban todos, comenzó a dar muestras de lo que se convertiría en su dominio excelso de la palabra. En el patio de tierra de la escuela provincial solía acaparar las miradas. Cada recreo era la posibilidad de narrar. Y todos lo escuchaban, señal inequívoca de la fascinación que generaban sus relatos. En Villa Ángela están enterrados sus padres y varios de sus familiares. Luis Landriscina considera a ese terruño como su verdadero lugar en el mundo, al punto tal que muchos consideran que allí nació. El amor, un amorEn 1962 contrajo enlace con Guadalupe Mancebo, la mujer que lo acompañaría toda su vida, la madre de sus hijos, su gran amor. La apodan "Betty" y es un pilar sustancial de la familia. "Algún día te voy a pedir que seas mi mujer", le dijo en Villa Ángela cuando ella aún era una niña. Hubo algo allí que él percibió rápidamente. Una atracción que trascendía lo físico. "Fue la madre perfecta para mis hijos; la esposa que siempre me acompañó". A medida que el humorista se asentaba en su carrera, los viajes se incrementaban y las ausencias en el hogar podían durar varios días, razón por la cual, la presencia de "Betty" siempre fue fundamental para mantener la estructura de la casa y seguir de cerca la crianza de los dos hijos del matrimonio, Gerardo y Fabio. A pesar del trabajo, Luis sabía hacerse paréntesis en sus giras para poder estar cerca de los suyos. Fue un padre presente. "Somos muy compañeros", suele repetir el artista para definir ese matrimonio que se construyó desde la protección y la comprensión. Hoy, en la madurez, ambos siguen juntos y con un cierto temor al final de la vida que dejará al otro sin la mano sostén.La pareja lleva más de 60 años unida en matrimonio. Atravesaron todo, unidos, fieles. Cambió la situación económica, se mudaron a Buenos Aires, llegaron los hijos, Luis se convirtió en una celebridad, pero nada alteró el equilibrio doméstico, la vida sin estridencias ni gustos grandilocuentes. El termo con agua caliente y una buena cebada, boina en la cabeza y el folklore sonando en el equipo de música. Así fueron. Así son.Aquí, CosquínEn 1964 formó parte de la delegación de Chaco que participó en el Festival Nacional de Folklore que cada verano se lleva a cabo en la plaza Próspero Molina de la ciudad de Cosquín. Aquella noche, Luis se llevó el premio Revelación como cuentista y recitador. Ante un auditorio atónito, el humorista logró que la multitud hiciera un silencio sepulcral ante sus narraciones. Hipnotizó. El público reía y se emocionaba, todo al mismo tiempo, esa conjunción de sensaciones que solo Landriscina puede lograr, como un grotesco criollo escrito por Armando Discépolo o aquellos personajes de Luis Sandrini que, en cuestión de segundos, pasaban de la comedia a la melancolía. Luego de la repercusión en Cosquín, los medios de Santa Fe se lo llevaron para sus huestes, pero los productores porteños no tardaron en hacerlo migrar a la gran ciudad donde lograría la trascendencia nacional. Tres años después de la consagración en Cosquín, el artista pisó definitivamente Buenos Aires para hacer allí su residencia, la crianza de sus hijos, establecer lazos con amigos ilustres y convertirse en el gran artista escultor del ser nacional. Rápidamente, Luis Landriscina desarrolló un sistema de giras por todo el país, presentaciones en grandes teatros porteños, su participación en taquilleros films nacionales, la edición de libros y la grabación de discos con sus cuentos (casi 50 volúmenes). Las disquerías solían reproducir a volumen alto algunos de esos materiales y la gente, un público ocasional, no tardaba en aglomerarse frente a las tiendas de discos para disfrutar de ese don. Don Verídico fue uno de sus personajes más recordados, un paisano que contaba hasta lo increíble. El uruguayo Julio César Castro, a quien todos conocían como "Juceca", fue el autor de esos textos a los que el humorista enaltecía con su interpretación. El personaje cobró gran popularidad durante la década del 80, formando parte del ciclo Rapidísimo, a cargo de Héctor Larrea, que lideraba la audiencia matinal desde la frecuencia de Radio Rivadavia. Y también lo desarrolló en Radio Nacional junto a Rubén Horacio Bayón.Tono filosóficoA esta altura del partido, don Luis Landriscina ya era una figura consagrada que había impuesto un modo de hacer humor mechado con profundas reflexiones de tono filosófico. Un campechano que, desde el sentido común y la sabiduría del vivir, sumado a un estricto poder de observación, sabía cómo conquistar multitudes. La televisión no le fue esquiva y fue protagonista de éxitos del medio como Mano a mano con el país (Canal 13-1970), Landriscina de entrecasa (ATC-1981), La estación de Landriscina (Telefe-1992) y Almacén de campo (Canal 7-2002), entre tantos otros espacios. El narrador siempre se caracterizó por su muy buen decir. Su argot se entrelaza entre la erudición y los vocablos de la tradición popular, gauchesca y campera. En sus cuentos la ingenuidad no es tontera, sino ternura. "El fogón es un aglutinador", sostiene y, en base a esa sentencia, podría decirse que su arte se convirtió en una suerte de peña mediatizada. En su manera de contar no faltan los silencios, las inflexiones de la voz y las miradas. Cuentos de provincias, sobre suegras, en torno a las fiestas familiares, ambientados en velatorios. Para todos los gustos. Y siempre la referencia a la territorialidad, a la tradición, al campo, a la patria. Personajes "ceceosos" y situaciones donde el absurdo puede hacer desternillar de risa. ValoresFue amigo del médico René Favaloro, "el último patriota", según el artista. Y, como fanático del automovilismo, supo entablar una gran amistad con Juan Manuel Fangio, "el mejor piloto de la historia". El humorista debutó como piloto de carreras ruteras en 1974 en la "Vuelta de la Manzana", conduciendo un Fiat 128. Pero, por seguridad, su afición no duró muchos años, aunque, cada tanto, solía despuntar su hobby. Llegó a ser recibido por el Papa Juan Pablo ll y el Papa Francisco era un gran admirador de su arte, llegando a incorporar algunos de sus relatos en su oficio pastoral. A contrapelo de su decir "tracción a sangre", se actualizó en el uso de la tecnología y, casi como una osadía, cedió ante la tentación de la telefonía celular, "pero la Inteligencia Artificial puede ser peligrosa", destacó.Tres estatuas de tamaño real lo homenajean en Buenos Aires, Resistencia y Villa Ángela. Obtuvo, en buena ley y con justeza, todos los premios posibles. Fue homenajeado por el Senado Nacional y, quizás, a modo más representativo, uno de los principales galardones que recibió fue que se declarara al día de su nacimiento como el Día del Narrador Oral Chaqueño, decisión tomada por el parlamento provincial. En los últimos años, algún que otro achaque lo apartó transitoriamente de la escena pública. Cuando se le pregunta por su estado de salud, no duda en responder, fiel a su esencia: "Si no me levantan el capó, ando bien". View this post on Instagram Luis Landriscina es un patriota sin banderías partidarias. Dio, y sigue ofrendando, clases de argentinidad. "La gente no se muere cuando se la entierra, sino cuando se la olvida", solía decir. Luis Landriscina, a los 90, es y será un inolvidable. Tan argentino como el Martín Fierro.

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La casa-taller de una artista en Olivos: el hogar creativo y maximalista de María Sivak

Después de vivir tanto en plena ciudad como lejos de ella, María Sivak encontró en Olivos ese lugar intermedio que necesitaba: un barrio con vida propia, movimiento y cierta calma cotidiana. Allí se instaló con su familia en una casa que, tras un año de obra, se convirtió en mucho más que un hogar: es taller, refugio, escenario creativo y extensión directa de su universo artístico.Artista plástica y fundadora de Raw Murales, la marca de empapelados que nació en paralelo a esta mudanza, María atravesaba un proceso emocional profundo cuando encontró la propiedad. "Buscaba una casa para transformar", cuenta, y ese deseo de cambio terminó impregnando cada rincón. El arte como forma de habitar Definirse maximalista â??con un guiño kitschâ?? le resulta natural. En su casa, la abundancia no es exceso sino lenguaje: capas de color, obras propias y ajenas, collages, fotos, objetos con historia y paredes que hablan. Su pintura mezcla técnicas y registros, y ese mismo espíritu atraviesa los ambientes, donde lo artístico es un hecho cotidiano. En la entrada, su taller anticipa lo que vendrá después. Allí despliega sus diseños y pinceladas, rodeada de materiales, ideas y energía creativa. Uno de sus empapelados más representativos, Abundancia, resume la intención que guía tanto su obra como su casa: invocar prosperidad, vitalidad, vegetación y buena energía desde el color y la imagen. Espacios conectados, vidas que fluyen La reforma estuvo a cargo del Estudio Ferrari Arquitectura, que trabajó sobre una premisa clara: amplitud y conexión. La planta baja se organiza de manera fluida, con un pasillo recibidor que conduce al área social, al estudio de Giuliano â??diseñador gráfico y músico, su compañeroâ?? y al taller de María, ubicado hacia el jardín y con mayor superficie, porque el arte necesita espacio para desplegarse. Antes de la obra, donde hoy funciona el taller estaba la cocina. El cambio no es menor: allí donde antes se cocinaba, ahora se crea. Cada uno tiene su propio "búnker" de trabajo, una solución clave para una pareja que trabaja desde casa y maneja sus propios tiempos. María y Giuliano se conocen desde chicos, fueron novios a los 12, se reencontraron años después y hoy son padres de Lupe, Celeste y Margarita, además de convivir con Shera y Brandon, los perros de la familia. La casa acompaña esa dinámica intensa y afectiva, abierta al encuentro y a la vida compartida. El corazón social de la casa La cocina integrada con barra, el comedor y el living dialogan entre sí y con el jardín, gracias a una distribución que privilegia la continuidad visual. Dos columnas estructurales que inicialmente resultaban un obstáculo terminaron convertidas en aliadas. María las integró colgándoles plantas, logrando un efecto envolvente y natural.El living es punto de reunión y disfrute cotidiano. Allí conviven obras propias con piezas de artistas a los que admira profundamente, como Marcos López â??su mentorâ??, Ornella Pocetti, Alejandro Pasquale y Maica González. Sumar otras miradas fue una decisión consciente: enriquecer el espacio desde el diálogo artístico. Dormitorios con identidad En la planta alta están los cuartos. El dormitorio principal tiene como protagonista una de las últimas obras de María, Vademecum, colgada sobre una pared azul intensa. En el cuarto de Lupe, un empapelado personalizado de Raw Murales lleva su nombre y una frase elegida entre madre e hija. Celeste y Margarita comparten habitación, con un empapelado Rainbow y alfombra vinílica, ambos diseños de la marca. Un toilette sin reglas El toilette es, quizás, la expresión más libre de su mirada. Allí el concepto es claro: vale todo. Empapelado amarillo con animales y vegetación, cortina florida, alfombra con tigre. Un espacio cargado de información visual que, lejos de saturar, abraza. Amante declarada de los animales, María los incorpora como símbolos recurrentes en su obra. Le atraen sus rasgos salvajes y honestos, y las metáforas que se tejen entre el mundo animal y lo femenino, la fuerza y el aprendizaje. El humor y lo lúdico también están presentes: colecciona figuras y juega con ese límite entre objeto y juguete, sorpresa y afecto. Dar forma a lo que se siente Entre su rol de artista y su faceta como diseñadora de murales, María se mueve con naturalidad. La pintura es, para ella, un territorio onírico y emocional, una forma de expresar lo inexplicable. Los empapelados, en cambio, le permiten llevar ese universo a otros hogares, crear escenografías accesibles que cuentan historias y cobran vida al instalarse. Su paso por el trabajo junto a Marcos López dejó una huella profunda en su mirada: el uso del color, la estética pop, la literalidad sin concesiones. Sus obras actuales condensan capas de sentido y referencias.Agradecemos a OHLALÁ! su colaboración en esta nota.

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El cantante bogotano fue homenajeado en una ceremonia especial en la que destacó la importancia de las artes para los jóvenes y reafirmó su compromiso con la identidad cultural del país

Leonardo DiCaprio, artista del año para la revista Time, contó cuál es su truco para que nadie se canse de él

Leonardo DiCaprio (Los Ángeles, 51 años) está llamado a salir de 2025 por la puerta grande. Primero, como nominado a un Globo de Oro en la categoría de Mejor actor por su papel en la película Una batalla tras otra. Segundo, porque acaba de ser reconocido como artista del año por la revista Time, que lo ha elegido, precisamente, por su papel en el mencionado título, así como por su dilatada carrera, de la que la publicación destaca papeles "de extraordinaria complejidad y delicadeza emocional que exploran diversas visiones de la masculinidad adulta". En una entrevista con la revista estadounidense que lo reconoció como uno de sus personajes del año â??eligen uno cada mes de diciembre entre lo más destacado de la actualidad, la política o la culturaâ??, el actor se sinceró sobre algunos aspectos de su vida y su profesión, entre ellos sobre cómo es su vínculo con la fama. Según DiCaprio, su filosofía para seguir en el candelero del cine y el entretenimiento décadas después â??comenzó en los noventa, con papeles televisivos como el de la serie Growing Painsâ?? es dosificar sus apariciones públicas."No soy un experto"Sobre cómo navegar por "las aguas turbulentas" del éxito y mantener a salvo su privacidad siendo una figura pública, el protagonista de El origen confesó a Time: "Ha sido un equilibrio que he estado manejando toda mi vida adulta". Y agregó: "Aun así, no soy un experto. Creo que mi sencilla filosofía es aparecer en público solo cuando tengo algo que decir o enseñar. Si no es así, simplemente, desaparezco todo lo que puedo". Aunque admite que su éxito inicial en Titanic le procuró libertad, también reconoce que la repercusión fue tan intensa que dio por contado que la gente estaba harta de él, así que empezó a pensar en cómo mantenerse en la profesión que quería: "Pensé, ¿cómo puedo hacer para tener una larga carrera? Porque amo lo que hago, y siento que la mejor manera de hacerlo es quitarme de la vista de la gente", explicó durante la entrevista, en la que también habló, entre las cosas importantes en su vida, de la organización Re: Wild, a la que se unió en 2021 y que trabaja junto a pueblos indígenas y comunidades locales para preservar y proteger ecosistemas: "Fue alarmante hace 10 años, y ahora estamos en una situación en la que básicamente estamos en un punto de inflexión. Todo lo que los científicos han predicho está sucediendo casi como un reloj", apuntó, refiriéndose a los incendios forestales masivos que en los últimos años ha vivido el mundo, incluida su ciudad natal, Los Ángeles (California).Read our full interview with TIME Entertainer of the Year Leonardo DiCaprio: https://t.co/1sbtJHAXiu pic.twitter.com/KEcPM6wrZQ— TIME (@TIME) December 8, 2025"Una carrera que muchos de sus colegas envidiarían"DiCaprio consiguió este lunes la nominación en los próximos Globos de Oro, los premios de cine y televisión de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood que se celebrarán el 11 de enero de 2026, gracias a su papel de activista que vuelve a la lucha en la película del director Paul Thomas Anderson Una batalla tras otra, estrenada el pasado septiembre y que se ha llevado, además de la del actor, nueve candidaturas. Sobre ella, Time apunta que, aunque no tuvo un gran estreno en taquilla, finalmente resultó en un gran éxito, habiendo recaudado a mediados de noviembre más de 200 millones de dólares en todo el mundo. El intérprete explicó, en diálogo con la revista Time, que fue "arriesgado para el estudio apostar por esta película", pero que les atrajo "la originalidad impactante" del proyecto. "He estado pensando mucho en la poca frecuencia con la que surgen ideas para historias verdaderamente originales como esta, sin ninguna conexión con la historia, sin personajes preexistentes, sin un género definido, sin vampiros, sin fantasmas, sin nada", agregó.Para la revista, DiCaprio logró construir "una carrera que muchos de sus colegas envidiarían". Desde la primera película que llamó la atención de la industria, Mi vida como hijo (1993) y los títulos con los que despegó, Romeo y Julieta (1996) y Titanic (1997), el actor suma siete nominaciones al Oscar, que ganó por fin en la categoría de Mejor actor por El renacido (2015). Además, Time destacó la relevancia de su figura mediática: "Hollywood sabía lo que tenía: a DiCaprio le ofrecieron una suma de dinero que le habría cambiado la vida para aparecer en la comedia de Disney Hocus Pocus", en cambio, "interpretó a un adolescente con discapacidad intelectual en el drama independiente y profundamente realista de Lasse Hallström, ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993)".

"¿Qué pasa con Baum?": el testamento de un artista abatido

A los 90 años Woody Allen publicó su primera novela, un relato decepcionante con sólo pocas chispas de su viejo ingenio, en la que insinúa responder a las acusaciones que cayeron sobre él, pero renuncia a hacerlo

Mejor amigo de Karol G se refirió a los comentarios que le hacen a la artista por su amistad con él y en donde le dicen que la va a traicionar

El influencer Daiky Gamboa dejó claro en una entrevista que nunca traicionaría a la cantante, reafirmando la solidez de su vínculo y lanzando un mensaje sobre la importancia de la lealtad en sus relaciones

Karla de Lara, la artista del hiperrealismo pop que busca conquistar el mercado asiático

La artista mexicana profundiza su camino en el hiperrealismo pop con obras de alto impacto visual. Tras su presencia en la feria de Beijing, proyecta una muestra individual en Shanghai para 2026. Su técnica propia y su expansión internacional consolidan su presencia en el mercado del arte.

Leonardo DiCaprio fue elegido Artista del Año 2025 por TIME

La publicación destaca su vigencia y relevancia tras más de tres décadas de carrera, así como su influencia en la conversación cultural y su compromiso ambiental

Quién es la popular artista venezolana sancionada por Estados Unidos por sus presuntos vínculos con el Tren de Aragua

La venezolana Jimena Romina Araya Navarro (popularmente conocida como "Rosita") fue sancionada por el Departamento del Tesoro (USDT, por sus siglas en inglés) por brindar "apoyo material" al Tren de Aragua, la organización criminal que fue designada como Organización Terrorista Extranjera.Por qué Estados Unidos sancionó a Rosita, la DJ venezolana Araya Navarro es uno de los cinco individuos presuntamente vinculados con el Tren de Aragua que fueron sancionados por el USDT, que informó la noticia mediante un comunicado oficial.La entidad federal argumenta que Rosita "supuestamente" ayudó al jefe de la organización, Héctor Rusthenford Guerrero Flores, a escapar de una prisión en Venezuela en el año 2012.Las autoridades sostienen que la DJ forma parte de una red de afiliados a Tren de Aragua que, entre otras acciones, han lavado dinero para sus redesScott Bessent, secretario del Tesoro, expresó: "Bajo la presidencia de Trump, los carteles terroristas brutales ya no pueden operar con impunidad en nuestras fronteras. Las operaciones de narcotráfico y tráfico de personas de la red Tren de Aragua han representado desde hace tiempo una grave amenaza para nuestra nación".Por último, el funcionario prometió seguir con las instrucciones del presidente, con el objetivo de evitar que los criminales afecten al sistema financiero estadounidense.La contribución de la DJ al Tren de AraguaLa agencia estima que Navarro tiene una relación sentimental con Guerrero Flores, y que parte de los ingresos de sus shows fueron destinados a la organización criminal.Las otras personas -o entidades- que fueron sancionadas por colaborar con Tren de Aragua son:Eryk Manuel Landaeta HernándezMaiquetia VIP Bar RestaurantGlobal Import Solutions SAKenffersso Jhosue Sevilla Arteaga (alias "El Flipper")Qué sanción le aplicó el gobierno de EE.UU. a la DJ RositaSegún el USDT, la DJ venezolana enfrentaría diferentes consecuencias por la investigación.Todos sus bienes e intereses en bienes que se encuentren en EE.UU. o en posesión o control de ciudadanos estadounidenses quedan bloqueados y deben reportarse a la OFAC.Cualquier entidad que sea propiedad suya directa o indirectamente en un 50 % o más también será bloqueada."El incumplimiento de las sanciones estadounidenses puede resultar en la imposición de sanciones civiles o penales a ciudadanos estadounidenses y extranjeros", advirtió la agencia, que también aseguró que se basarán en la responsabilidad objetiva para determinar esas sanciones.Todo sobre Rosita, la DJ venezolana que sancionó el gobierno de EE.UU.De acuerdo con la BBC, Rosita es una DJ venezolana que ganó mucha popularidad en el público latino y ya tiene más de 3,5 millones de seguidores solo en su cuenta de Instagram.Nació en 1983 en la ciudad de Maracay, capital del estado Aragua, ubicada a unos 119 kilómetros al oeste de Caracas. En sus primeros pasos, tuvo experiencias como intérprete en papeles de varias novelas de los principales canales de televisión de su país, lo que la ayudó a conseguir bastante fama.Fue en ese momento cuando, presuntamente, habría establecido una relación con Guerrero, el líder de Tren de Aragua. De todas formas, su madre negó a la BBC cualquier vínculo de la joven con el criminal.Según dijo un periodista a BBC, Rosita presuntamente se encargaba "de organizar las fiestas que se celebraban en la discoteca Tokio que funcionaba dentro de la cárcel de Tocorón".En 2021, fueron los primeros procesos judiciales contra Guerrero y eso le causó la reciente sanción del gobierno estadounidense.

Robots con los rostros de Elon Musk y Jeff Bezos que "defecan" imágenes: la impactante intervención del artista Beeple

El artista estadounidense presentó "Regular Animals" en Art Basel Miami. Según explicó, la muestra cuestiona el poder de los algoritmos y anticipa un futuro dominado por máquinas cada vez más humanas. Leer más

El artista Eduardo Basualdo invade el Museo Mar con una instalación que perturba y maravilla

La muestra lleva por título "Qué parte de quién" y podrá visitarse a partir del 6 de diciembre en sala 1 con entrada gratis de martes a domingos. El artista, mediante un sistema de poleas, juega con luces y sombras y su típica iconografía de blancos y negros. Leer más

Spotify Wrapped: quién fue el artista más escuchado del mundo en 2025

La plataforma de streaming Spotify difundió el reporte anual que define el pulso de la industria musical internacional tras analizar los hábitos de sus 700 millones de suscriptores. El informe Spotify Wrapped expone un relevamiento masivo de datos sobre canciones, pódcasts y tendencias que marca el regreso de una figura latina a la cima de las preferencias mundiales tras dos años de dominio anglosajón.Quién es el artista más escuchado del mundo en 2025, según SpotifyEl fenómeno cultural protagonizado por Bad Bunny consolidó su alcance global en 2025. El artista puertorriqueño alcanzó más de 19.800 millones de reproducciones y recuperó el primer puesto del listado internacional. Este volumen de escuchas desplazó a Taylor Swift a la segunda ubicación, quien ocupó la posición de privilegio durante las dos temporadas anteriores.El podio se completa con The Weeknd en el tercer lugar, mientras que el cuarto puesto lo ocupa el rapero Drake y Billie Eilish cierra el grupo de los cinco músicos más populares del mundo. El dominio de las colaboraciones en el ranking de cancionesLa competencia por el sencillo más exitoso del año coronó a una alianza entre dos referentes del pop norteamericano. La canción "Die With A Smile" interpretada por Lady Gaga y Bruno Mars, registró 1700 millones de reproducciones a nivel global. El panorama de canciones virales incluye una fuerte presencia de ritmos latinos. Temas como "VeLDÁ", de Bad Bunny junto a Omar Courtz y Dei V, o "BAILE INoLVIDABLE", mostraron un rendimiento destacado en las métricas de la compañía. En el ámbito de las colaboraciones internacionales, el cruce entre artistas de distintas regiones, como el caso de Yung Beef con el mexicano El Bogueto en "Cuando No Era Cantante", ganó relevancia en las estadísticas de exportación musical.Las nuevas funciones con inteligencia artificialLa edición 2025 del resumen anual integra herramientas gestionadas por inteligencia artificial para procesar la información de cada cuenta. Una de las métricas novedosas compara los gustos musicales con la edad biológica y calcula cuántos años aparenta tener el usuario según sus elecciones sonoras. La interfaz modificó su navegación y ahora requiere un desplazamiento vertical o scroll para visualizar las estadísticas.El sistema también incluye los "Clubs de escucha", una herramienta que categoriza el perfil del oyente en seis arquetipos diferentes con características particulares. También debuta la función Wrapped Party, diseñada para cotejar afinidades con amigos. Los usuarios pueden encontrar estas opciones bajo el aviso: "Tu Wrapped 2025 ya está disponible" en la pantalla de inicio de la aplicación móvil.Spotify Premium sumará videoclips a su appEl impacto de los artistas hispanos en mercados claveEl informe detalla la influencia de la música en español en territorios específicos. Quevedo escaló posiciones en España y se ubicó solo por detrás del líder mundial Bad Bunny, mientras que La Rosalía logró ingresar su álbum LUX dentro del top 20 español tras marcar un récord de reproducciones diarias para una mujer de habla hispana y Rels B sostuvo su lugar como el músico español con mayor proyección fuera de sus fronteras por segundo año consecutivo.En el segmento de pódcast, el humor lidera las preferencias con producciones como La Ruina, presentada por Tomás Fuentes e Ignasi Taltavull, seguida por el ciclo Nadie Sabe Nada de Andreu Buenafuente.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA.

Joaquín Ferreira: es artista, vivió en México, volvió para actuar en su país y hoy coprotagoniza con la China Suárez

Joaquín Ferreira es actor: hoy es Juan en Hija de fuego: la venganza de la bastarda, fue Poli Armentano en Coppola y también Potro en la primera serie latinoamericana de Netflix Club de cuervos, con tanto éxito que hasta tuvo su propio spin off. Pero también es "el otro Joaquín", tal como se llama su alter ego en redes sociales, donde se dedica a compartir sus trabajos como artista plástico, pasión que descubrió cuando era niño y tomaba clases de pintura y la actuación no era ni siquiera una idea lejana.Estudió bellas artes, arquitectura y diseño, cuando a sus 25 decidió dejar su trabajo en una multinacional para irse a vivir a México. El objetivo era encontrarse a sí mismo, como él define su aventura. Los primeros tiempos no fueron fáciles, hasta que la actuación le llegó por causalidad. "¿Sos actor?", le preguntó una señora desconocida en la playa. "No, pero me animo si hay que hacer algo", respondió entusiasta sin saber que ese encuentro sería un antes y un después en su vida. El protagonista de Hija de fuego, la serie de Disney, contó a LA NACION cómo fue rodar en San Martín de los Andes con Eugenia "China" Suárez y cómo fueron los dos meses de convivencia entre la actual pareja de Mauro Icardi y el elenco. Mientras, continúa trabajando en un proyecto audiovisual inspirado en los 90, que aún no puede develar pero cuyo personaje seguro dará que hablar.â??Interpretás a Juan en Hija de fuego: la venganza de la bastarda (con Eleonora Wexler, Diego Cremonesi, Carlos Belloso, Jerónimo Bosia), ¿de qué trata tu papel?.â??Bueno, el personaje de la China Suárez vuelve a vengarse y allí encuentra a su amor de chica, a su primer novio, y empieza un juego entre ellos. Ella viene con otro nombre, al principio no sé si es o no, y con el tiempo empieza nuevamente el amor. Además está el tema de la ley, porque interpreto a un policía. Ellos tenían un amor muy fuerte de chicos, que después de la muerte de la madre de ella se quiebra. Para ella mi personaje representa lo puro y lo que le quedaba sano. View this post on Instagram â??¿Y sobre él?â??Es un tipo que estuvo roto de niño, con una infancia complicada, padres ausentes y un hermano que hacía las veces de padre. Tiene un pasado de drogas que toca lugares oscuros, pero logra salir y se convierte en policía; no por amor a la profesión, sino que porque cambia y se va al extremo, pero es muy moral, quiere hacer las cosas bien y cree en la Justicia. Está por casarse, no sabe si quiere seguir en la fuerza porque hay cosas fraudulentas y tiene pasión por que se cumpla la ley, que para él es una ley de vida.â??Se grabó el año pasado en San Martín de los Andesâ?¦â??Sí, y en Buenos Aires. Ir allá a trabajar fue hermoso, me encanta viajar. Tal vez para la gente que tiene hijos fue más difícil porque querían volver, no les fue tan cómodo, pero los solteros disfrutamos, el grupo se hizo muy unido, comíamos afuera, fue divertido, fue como un viaje de egresados. Además compartí elenco con grandes actores, gente muy humilde compartiendo y disfrutando.Detrás de los escándalosâ??¿Cómo fue la relación con Eugenia durante esos dos meses, teniendo en cuenta que desde hace tiempo ella está en el ojo mediático?â??No lo sentíamos. Ella es muy buena compañera, conoce bien el trabajo, tiene manejo de set, tiene mucha cancha y ser protagonista es como ser capitán de equipo.â??¿No llegaban al set esquirlas de los escándalos?â??Creo que en ese momento estaba todo tranquilo, pero no tengo idea de nada y en las grabaciones no se metió la vida personal de la China en el medio.â??En pleno estreno de Hija de las bastardas tuviste un viaje exprés a México.â??Sí, soy artista plástico y tuve una exposición en Puerto Vallarta, así que fui por menos de una semana. Este año lo empecé en España, donde hice dos películas en cuatro meses. Me fui a Uruguay, hice Coppola, un curso de actuación en México... Pero mi base está en Buenos Aires y me gustaría quedarme acá un rato largo. Viví diez años en México y es un poco como mi casa; todos los años voy a trabajar, tengo un grupo de amigos actores que son mis hermanos, tuve tres parejas allá. â??Te fuiste hace mucho allá, ¿cómo fue?â??Me fui a la deriva, a ver qué pasaba con mi vida. De lo que trabajaba me iba bien, no fue por algo económico, pero me cansé, hablé con un amigo que se recibía y le dije que me iba a México por un mes. Renuncié, vendí todo y dije: 'Me voy a vivir a la playa'".â??¿Con la idea de actuar?â??No, siempre fui tímido y no se me pasaba por la cabeza, estaba relacionado con el arte. Pero un día estaba en la playa y una señora me preguntó si era actor, le dije que no pero que me animaba a todo. Había un casting para una publicidad en República Dominicana y quedé. Yo estaba en la búsqueda de encontrarme y saber quién era. Después de eso volví a Playa del Carmen y me compré una moto para ir a la Ciudad de México, sin saber andar en moto, en un país que no conocía, y cuando llegué, me puse a estudiar actuación. A los seis meses me terminé la plata y había una beca a TV Azteca y quedé, estudiaba ahí de lunes a sábado 11 horas por día, y al año decidí dejarlo. A los dos meses hice Club de cuervos, la primera serie de habla hispana de Netflix, la plataforma recién arrancaba, trabajaban 40 personas. En ese momento me dijeron que no podía hacer más publicidades por una cuestión de contrato y me puse a pintar y a vender mi arte. La serie finalmente tuvo cuatro temporadas y un spin off de mi personaje. â??¿Por qué elegiste México?â??Un año antes había ido de vacaciones y me gustó mucho, era paradisíaco.Libertad extremaâ??Acá no habías estudiado actuación, pero sí cosas relacionadas con el arte. â??Estudié Bellas Artes, arquitectura y diseño gráfico. Cuando me fui trabajaba en el área de diseño de una multinacional y tenía clientes free lance, además de un restaurante de sushi con mis amigos.â??¿Qué sentiste cuando te fuiste?â??Lo recuerdo como una sensación de libertad extrema, como si fuera un nene. Acá había cosas que me encasillaban, dónde nací, la familia, la sociedad.â??¿Tu familia te bancó en esta aventura? ¿Había artistas en tu familia?â??Mi viejo es pintor pero empezó de grande, a los 45. Pero de chico no mamé el arte. Mis viejos me bancaron siempre, pero estudiando. Siempre de niño me llevaban a clases de pintura.â??¿Y el regreso? ¿fue tan impulsivo como la ida?â??No. Me agarró la pandemia en México, estaba todo más abierto, allá fue muy distinto y me salió un trabajo en Miami de seis meses y estaba triste, venía de un mal momento con una pareja y extrañaba Argentina, hacía mucho tiempo que quería volver (se emociona). Cuando estás orientado y hacés las cosas que tenés que hacer, la vida despega para que todo salga bien. â??¿Y se dieron acá las cosas?â??Sí. A los 15 días me llama un director de casting para Franklin, la historia de un billete, pero me dijeron que era muy lindo para el papel, así que fui a Isla Maciel, me corté el pelo y una ceja, me puse una prótesis dental y el director me dijo que sí. Nada quería más en el mundo que hacer una película argentina y así empezó a salir trabajo.â??Ahora estás grabando, jornadas intensas, ¿de qué se trata?â??No me dejan contarâ?¦â??Se dice que vas a interpretar a un personaje en una biopic ambientada en los 90.â??(Silencio)â??No digas el nombre, pero va a generar polémica y se va a hablar de él seguro.â??(Risas). View this post on Instagram â??Nos quedamos en los 90 igual. Interpretaste a Poli Armentano en la serie de Coppola, con dirección de Ariel Winograd.â??Sí, es que los 90 fueron espectaculares cinematográficamente: mucha fiesta, ostentación... Y filmar con "Wino", que me dio toda la libertad de hacer lo que quiera, y con Minujín, a quien admiro profundamente, es como jugar con el Diego. Fue jugar sin límites y la pasé increíble. â??¿Sabés cómo viene 2026?â??No, quiero pasar Año Nuevo y Navidad con mi familia, tengo proyectos afuera, pero es un momento pera frenar. Cumplo 40, hago kickboxing y tengo ganas de competir en Tailandia en enero y después trabajar. Además de estrenos de cosas que ya hice, que no tienen fecha, como la nueva temporada de Coppola, un estreno en México y otro en España, de una película dirigida por Alex de la Iglesia. View this post on Instagram â??Volviendo al presente, estás en la Argentina grabando. ¿Y en pareja?â??No, ahora no. Siempre fio de noviar y me propuse estar solo y atravesarlo y vivirlo, ver qué pasa. Estoy bien conmigo. â??¿Y en tu tiempo libre?â??Me gusta hacer deportes, verme con amigos, viajo mucho por el país en moto; el viento te pega en la cara y es otra cosa. Y además, pinto. Nunca expuse acá, en algún momento lo haré.

Así fue el regalo de Navidad que Gustavo Petro recibió de un mesero de restaurante: "Veo un artista en él"

El presidente recibió en la Casa de Nariño al artista que pintó un retrato en el que aparecen varias figuras nacionales, pero la más destacada es la del mandatario

Así fue como se vivió la chiva de Feid para el concierto de J Balvin: el artista recorrió las calles de Medellín

El cantante de reguetón realizó toda una actividad como parte de su entrada al importante concierto de José Álvaro Osorio Balvin en su tierra natal, y sorprendió al público

Guadalupe Álvarez Luchía: sorprendió en Operación Triunfo a los 17, viajó a España por amor y se quedó para triunfar como artista

Entró a Operación triunfo de casualidad, cuando acompañó a una amiga a un casting, en 2003. Fue una de las favoritas del público y llegó a la final. Desde entonces, su vida cambió para siempre. Hace 17 años se fue a España siguiendo los pasos de un amor y se quedó allí. Editó diez discos, pero no se olvidó de su tierra: cada año vuelve a nuestro país para presentar su nueva música. Este no fue la excepción y en estos días ofreció shows para dar a conocer Algo familiar. Además, se sumó a los dos recitales que Ismael Serrano dio en el Teatro Ópera y cantó con él "Historia compartida", una canción de su autoría. En una charla con LA NACION, Guadalupe Álvarez Luchía recuerda su paso por el reality que emitió Telefe, cuenta por qué decidió quedarse en Madrid y cómo es su vida allí. Y dice, también, que sus canciones la acercan a su patria. -¿Cómo fue la experiencia de venir a presentar Algo familiar este año?-Hermosa. Vengo de gira todos los años a dar los conciertos en Argentina, Uruguay y, a veces, también en Chile. Así que me trae el trabajo, pero aprovecho y veo a los amigos y a la familia. Y esta vez, además, estuve en los dos shows que Ismael Serrano dio en el Opera. Tengo diez discos y seis son de mi autoría. Y después tengo dos discos que grabé con el dúo La Loba; otro que es un homenaje a Luis Alberto Spinetta y uno más que es un homenaje a Joni Mitchell, que son mis ídolos y referentes. Algo familiar incluye una canción que tuve la fortuna de cantar junto a Ismael y se llama "Historia compartida", y es una canción que escribí para la memoria histórica. Entonces, aparte de la admiración profunda hacia la música de Ismael, también admiro su compromiso y me pareció que tenía mucho sentido cantar ese tema con él; por suerte dijo que sí. Es una canción que escribí el 24 de marzo del año pasado, sobre la memoria, la verdad y la justicia. Al vivir hace tantos años afuera, a veces es difícil acercarse a cosas que pasan en Argentina y con las que yo me siento profundamente ligada. -Las canciones te acercan a tu propia historia...-¡Claro! Muchas veces hago canciones para intentar sentirme cerca. Entonces escribí esa canción que habla sobre lo que pasó en Argentina, y que en el fondo también comparte una historia con España, donde también hubo una dictadura muy larga. Me parecía interesante interpretarla con un músico español porque nos hermana eso que pasó en ambos países. Ismael es una persona comprometida con estas causas y tenía mucha coherencia hacerlo con él. Así salió la colaboración y una hermosa amistad, como suele pasar con las colaboraciones. -La música une...-Los músicos nos juntamos a tocar la guitarra en los asados y la música te hace amiga, porque cantás un tema y después, la próxima vez que te ves, ya tenés esa canción que queda como un estandarte para salir a defender. Siempre hay una canción para compartir con alguien. A veces, la terraza de mi casa en España se vuelve una especie de embajada del Cono Sur, porque nos juntamos músicos de Argentina, Uruguay, Chile, Perú y eso es un lazo fuerte en cualquier lugar del mundo. La música te une.-¿Y cómo fue esta vez el reencuentro con Argentina?-Este año vengo de una gira larga en España, de 35 conciertos, y para cerrar el año quería venir a tocar mis canciones nuevas a la Argentina, porque muchas tienen mucho que ver con el país, más que nada con Buenos Aires, que es de donde soy yo. En este viaje, además, tuve el regalo más increíble de conocer a León Gieco, a través de una amiga música que me lo presentó. Y canté con él en Obras en un evento que hacían para descubrir una luminaria que están haciendo en el Templo del rock. Fue una ilusión gigante poder conocer y compartir unos días con León, un artista excepcional por su música y por su compromiso, su solidaridad genuina e interminable. -¿Te quedás o te volvés? -Ya me vuelvo para Madrid, porque me queda un concierto antes de terminar el año. Y después a descansar un poquito para arrancar la gira del año próximo, en febrero. -Madrid es tanto tu casa como Buenos Aires después de todos estos años, ¿no? -Y sí, la verdad que viví casi la mitad de mi vida en España y todavía no lo puedo creer. Me fui de casualidad, porque no era mi intención irme a vivir a España. Ya había grabado un disco en Buenos Aires, había estado en Operación Triunfo, un programa que disfruté un montón y fue divertido, una gran experiencia, pero también me enseñó a ver qué caminos no quería seguir.-¿Operación triunfo fue un trampolín que te acercó a tu objetivo?-En realidad, fui a acompañar a una amiga al casting. Era el último porque a los cinco días ya se entraba al programa, o sea que no había mucho para pensar (risas). Mientras esperábamos en la cola le cebaba mates a mi amiga y alguien se acercó y me preguntó si cantaba. Y yo ya cantaba desde los 15 en barcitos, en Buenos Aires, pero no tenía ninguna intención de ir al programa porque no sabía ni qué era. Canté sin pista, a capela, y quedé seleccionada. Fue una vorágine. Y fue una experiencia hermosa porque el grupo era lindo, aprendí un montón, estuvimos un año y medio de gira por todo el país en estadios gigantes. También entendí qué cosas me gustan y por dónde quería llevar mi carrera. Creo que no es casual que a los dos años me fuera a vivir a España, donde también aprendí mucho. -¿Por qué decís que no es casualidad?-No quería esa exposición en ese momento de mi vida. Me fui de mochilera con una amiga a España, a estudiar baile flamenco. Rarísimo, porque soy la peor bailarina que existe (risas). La última noche antes de volver a Buenos Aires, en una guitarreada, conocí al que es el padre de mi hija y estuvimos 12 años juntos. Nos separamos en muy buenos términos y tengo una canción que habla de eso. Y me fui quedando en España.-¡Es de película romántica!-Todo fue casualidad, irme y quedarme, y entrar a Operación triunfo también. Me enamoré y me quedé. Y cuando nos separamos compuse "Todo lo que hemos hecho", que está en mi disco anterior, Guacha. Y esa canción nos reconcilió. También le escribí una canción a mi hija Rita, una canción a mi relación con la distancia de mi tierra natal, otra a mi padre, a la amistad. Los temas hablan de cosas que nos pasan a todos. -Y con tu hija española, ¿fantaseás alguna vez con la vuelta?-Rita tiene 12 años y siempre viaja conmigo, pero esta vez no porque no quiso perderse ninguna clase. En general va a todas mis giras y es una excelente tiracables; me ayuda un montón y le encanta. Es la primera vez que vengo sin ella. Yo creo que donde nacen tus hijos es un poco también donde está tu corazón.-¿Estás en pareja?-Sí, estoy en pareja desde hace cinco años con un español, andaluz. Es cantautor también, se llama El Kanka. Tiene un hijo mayor, entonces no podía tampoco irse de España. Fueron unos años difíciles porque tenía realmente mucha nostalgia. Mi música es extremadamente argentina, me costaba meterme en el panorama musical español, hasta que, con el tiempo, eso fue llegando. Ahora sí me siento incluida y más cómoda. Me siento como un animal bicéfalo, con mitad del cuerpo en Argentina y la otra mitad en España, que es donde está mi hija y mi pareja. Por ahora tengo mi vida allá, con la fortuna de poder cruzarme a Argentina todos los años, porque es realmente importante venir a cantar mis discos acá. -Es una manera de seguir conectada...-Mis canciones tienen mucho que ver con Argentina y son como tanzas que lanzás cuando pescás, como para mantenerte unida. En este último disco tengo una canción que se llama "Donde nací", que habla exactamente de eso, que una puede viajar por el mundo porque no sabés a dónde te va a llevar la vida, pero hay una especie de certeza de saber a dónde querés que te entierren, que es en el lugar donde naciste. Por lo menos en mi caso.-¿Seguís viendo a tus compañeros de Operación triunfo? -La otra vez me encontré con Emanuel Arias, porque vino a un concierto en España. Fue hermoso reencontrarnos. Pero la verdad es que no los veo porque vivo lejos y si se juntan, no puedo estar. De todas maneras, me relaciono alguna que otra vez por WhatsApp, y los veo cuando viajan a España. También vi a Pablo Tamagnini, que fue con La Konga a dar un recital y me invitó. -Decías que todo te sorprendió en la vida, ¿soñabas con vivir de la música de chica?-Sí, porque siempre tuve la vocación muy clara. Canto desde los 9 años, grabé un primer demo a los 12 y a los 15 ya cantaba en barcitos; hasta que a los 17 años entré a Operación triunfo. Intento sacar un disco por año, porque siento que los discos retratan momentos de la vida, y si no hacés las canciones en ese momento se te escapan. Después ya te sentís distinta. -¿Cómo fueron esos primeros años en España? Seguramente hiciste otras cosas antes de poder vivir de la música. -Sí, claro. Trabajé tirando cables y limpiando los micrófonos en el estudio de Alejo Stivel y aprendí mucho. De alguna manera fue empezar de cero. Alejo es argentino y emigró hace muchísimos años. Tuvo el primer grupo de rock español, Tequila, con Ariel Rot. Estuvo buenísimo porque en ese estudio grababan todas las bandas de rock español y fue el productor de Sabina, de La Oreja de Van Gogh. Además, me ayudó a hacer los papeles y es un gran amigo desde hace un montón de años. Después puse una empresa de música para publicidad y cine con un socio argentino también con quien teníamos el dúo La Loba. Ganamos un par de premios en Cannes y estuvo buenísimo. También trabajé de recepcionista en una agencia.-También tuviste experiencias como actrizâ?¦-¡Sí! Estuve en dos proyectos con Pablo Messiez, que es un director argentino que hace obras preciosas. Estuve en la primera reposición de Bodas de sangre, después de los cincuenta años de la muerte de Federico García Lorca, en el Teatro Nacional de Madrid. Y estuve en la obra La otra mujer, sobre Nina Simone.

Artemisia Gentileschi, la artista que desafió al barroco y conquistó academias prohibidas para mujeres

Su talento irrumpió en un mundo que le negaba espacio y terminó abriéndose camino entre prejuicios, violencia y exilio. Desde un juicio que la marcó para siempre hasta el reconocimiento de reyes y academias

Este es el artista mexicano que todos quieren escuchar en voz de Dua Lipa durante sus conciertos en la CDMX

La cantante de "Rules" dará tres shows en el Estadio GNP Seguros

Dos de los tres fallecidos en accidente de tránsito en vía Pasto-Cali eran de la banda de un reconocido artista de música popular

Un viaje hacia Manizales terminó en tragedia para la agrupación musical. El dolor de una comunidad artística y las incógnitas sobre las causas del siniestro aún persisten

Los libros favoritos de Dua Lipa llegan a las bibliotecas públicas de Bogotá: podrá acceder gratis a las obras recomendadas por la artista

La cantante británica-albanesa recomienda cada mes títulos que exploran identidad, amor propio, memoria y justicia. Ahora, los capitalinos tendrán la oportunidad de acceder a algunas de las obras que han acompañado e inspirado a la artista fuera de los escenarios

Santiago Serrano: el artista argentino que convierte el mar en emoción y color

Ocho paisajes marinos â??desde Panamá hasta la Costa Amalfitanaâ?? protagonizan la exposición del pintor en Buenos Aires, una invitación a contemplar el pulso vital de las aguas y su evolución que se define por la búsqueda de luz y movimiento

Meri Deal, la cantante uruguaya que fue relacionada con Franco Colapinto, será telonera de una importante artista internacional

Meri Deal, la cantante uruguaya de 29 años que se hizo conocida como integrante del grupo de cumbia pop Toco para vos, y que a finales de octubre fue vista en una fiesta en México junto a Franco Colapinto, anunció a través de sus redes sociales un importante paso en su carrera artística."Me acaban de dar una de las mejores noticias de mi vida. ¿Adivinan que es?", preguntó a sus más de 300.000 seguidores de Instagram junto a un video que muestra distintas imágenes de ella sobre el escenario.Meri Deal Será La Telonera De ShakiraLuego realizó una publicación en la que reveló que será telonera de Shakira en los shows que la colombiana dará el 3 y 4 de diciembre en el Estadio Centenario de Montevideo."Me tiemblan las manos mientras escribo esto, siento una emoción tan grande que no me entra en el pecho. Desde que tengo 6 años Shakira fue mi referente. Su disco fue el primero que me regalaron en la vida, y juro que me lo quemé escuchándolo una y otra vez. Me acuerdo de mí, chiquita, cantando arriba de la mesa con un cepillo de micrófono, soñando con escenarios que ni sabía si algún día iban a llegar", relató Deal."Hoy les cuento algo que esa niña jamás se hubiera animado a decir en voz alta: 'Voy a abrirle el show a Shakira en Uruguay'. Todavía no lo termino de procesar. Siento que vengo manifestando esto desde siempre, desde ese primer día en el que la escuché y dije 'yo quiero hacer esto, quiero vivir de la música'. Y ahora, acá estoy, con este sueño hecho realidad", expresó la cantante, emocionada por la posibilidad de presentarse en el show de su ídola."Para mí es un honor enorme, un antes y un después. Prometo dejar todo, pero TODO, en ese escenario. Voy a dar lo mejor de mí y un poquito más. Gracias por estar del otro lado, por bancarme y por hacer que todo esto tenga sentido. Los quiero", dijo a sus fans. Y concluyó: "Gracias Shakira por esta oportunidad tan grande y por tu generosidad de siempre con las mujeres. ¡Nos vemos ahí!".No es la primera vez que Meri Deal tiene la oportunidad de telonear a grandes artistas internacionales en su Uruguay natal. En febrero de 2019, cuando ya había dejado Toco para vos y emprendido su camino como solista, fue el acto apertura de Ed Sheeran en Montevideo. También lo fue de Backstreet Boys, Maroon 5 y Tini Stoessel.Qué pasó entre Franco Colapinto y Meri DealA finales de octubre, después del Gran Premio de México, Franco Colapinto, de 22 años, fue captado en un boliche a los besos y muy acaramelado con la cantante uruguaya Meri Deal. Según relató Pepe Ochoa en LAM (América), la flamante pareja se conoció en un boliche el domingo 26, luego de la carrera de F1. El piloto de Alpine estaba con su amigo Bizarrap en el VIP, al que luego la cantante, que está radicada en México hace unos años, logró acceder. "Lo primero que se vio es un video que es un coqueteo", dijo el panelista, a lo que Ángel de Brito le preguntó a qué se refería con "coqueteo". "Nada, te hablo un poquito al oído. Arrancaron medio timidones, pero él de repente puso sexta. Empezaron a charlar y en un momento de la noche metió un beso. Después, hay una foto donde él la toma desde atrás. Luego se retiraron juntos", detalló Ochoa.El incipiente romance de Franco Colapinto y Meri DealMaría Inés Deal Herrán nació en Montevideo el 22 de noviembre de 1996. Se crió en la localidad de El Pinar, en el Departamento de Canelones, y fue al colegio The British Schools, ubicado en el barrio montevideano de Carrasco. "Desde que tengo memoria quería ser cantante y actriz. Empecé a grabar comerciales a los 9 o 10 años, y participé en teatro, principalmente en musicales", contó Deal en una entrevista con LA NACION en 2016. A los 15 ya estaba en una banda con ocho chicos más grandes que ella. "La timidez la tuve que tirar a la basura", aseguró.En 2013, cuando todavía cursaba el secundario, se sumó a Toco para vos, la agrupación de "cumbia cheta" creada por su primo músico Bautista Mascia (ganador de Gran Hermano 2024) y sus compañeros de rugby. "Toda la vida cantamos juntos, tocábamos la guitarra, y un día me llamó para cantar en una fiesta", relató sobre su primera presentación en vivo, que ella creyó que sería por única vez. La agrupación continuó a base de covers de otros artistas y bandas, y se fue expandiendo entre su círculo social. El boca en boca fue fundamental para su creciente popularidad. "No teníamos idea de lo que hacíamos, experimentábamos y nos divertíamos", se sinceró entonces la cantante."Hasta la luna" fue el primer hit de Toco para vos de autoría propia (lo compuso Mascia), con un videoclip casero que se hizo viral y cruzó las fronteras. "No podíamos entender cómo la gente llegó a saber de nosotros", aseguró Deal en aquel entonces. A la hora de grabar "Solo necesito", otro de sus hits, la banda ya se había profesionalizado un poco más y contó con el asesoramiento de un productor local. En 2015 firmaron con la discográfica Warner Music y llegaron a presentarse en distintos países de la región, como Argentina, Chile y Paraguay.

Nahuel Pennisi se presentó en la obra de César Banana Pueyrredón y emocionó al artista hasta las lágrimas

El cantante interpretó un emotivo tema en el final de temporada de La Llamada.También estaban Flor Jazmín Peña, Leticia Siciliani, Juli Castro y Mariano Saborido.

La fresa más nea mostró su tristeza por la muerte de Baby Demoni en el concierto de Kei Linch: la artista lo consoló

El joven ha recibido críticas de los internautas, aunque se ha mostrado muy afectado por la situación

El curioso récord impuesto por una banda mexicana en California que supera a cualquier artista estadounidense

La escena musical de Los Ángeles sumó un hito inesperado: una banda mexicana alcanzó una marca que ningún artista estadounidense había logrado en la ciudad más poblada de California. Se trata de Maná, que se convirtió en la agrupación con más conciertos en estadio ofrecidos en esa metrópolis.El récord de Maná que supera a una leyenda del rock estadounidense El fin de semana pasado, el grupo Maná, conformado por Fernando "Fher" Olvera, Alex González, Sergio Vallín y Juan Calleros, completó su cuarto espectáculo, de un total de cinco programados, en el KIA Forum ante 17.500 espectadores. Con ese concierto, alcanzó los 44 shows en estadios en Los Ángeles, una cifra que, según Vision Music, supera los 42 que Bruce Springsteen había acumulado en la ciudad. Maná celebró su récord histórico en Los Ángeles, CaliforniaLa revista especializada detalló que este récord coloca a la banda mexicana en la cima de una estadística históricamente dominada por artistas locales. Esta marca la alcanzó en el marco del tour Vivir sin aire Tour, que aún tiene pendientes 12 presentaciones antes de concluir el 4 de abril en Greensboro, Carolina del Norte.Más récords de Maná, la banda mexicana que es furor en Los ÁngelesEl récord impuesto en Los Ángeles llega en un año especialmente significativo para Maná. Es que en febrero pasado se convirtió en la primera banda que canta en español nominada al Salón de la Fama del Rock and Roll, tal como consignó Rolling Stone. La revista citada también destacó que el grupo ha vendido más de 40 millones de álbumes a lo largo de casi cuatro décadas de carrera, en las que recibió cuatro premios Grammy y seis Latin Grammy. La celebración del récord quedó registrada en la cuenta oficial de Instagram de la banda. Allí compartieron imágenes del homenaje que recibieron en el KIA Forum, donde fueron acompañados por las bandas marciales de la Universidad del Sur de California, de la escuela secundaria Inglewood y de la LA Clippers Spirit Team."Nunca nos pudimos imaginar este momento. Estar en una de las ciudades más importantes del rock and roll, en escenarios que han visto a los gigantes del rock, a nuestros ídolosâ?¦ los sueños sí se cumplen. Este triunfo no solo pertenece a nosotros; es de cada persona en el mundo que ha estado ahí, que ha comprado un boleto, que ha cantado con nosotros y que ha hecho espacio en su vida para nuestra música", escribió el grupo en la publicación.El debut de Maná en Los Ángeles: más de tres décadas vigentesEl recorrido de Maná por Los Ángeles lleva más de treinta años. Su debut en esta ciudad californiana ocurrió en 1993, en el Hollywood Palace. Desde entonces, la relación con el público angelino creció hasta alcanzar momentos de enorme intensidad, como los 13 conciertos de 2007 en el Staples Center, el año más prolífico del grupo en ese lugar. El KIA Forum, sin embargo, se volvió su escenario predilecto. Allí realizaron una residencia en 2019 y, según los registros, suman 31 presentaciones solo en ese recinto.El vocalista de Maná respaldó a la comunidad latina en EE.UU.: "Son quienes ponen el pan en la mesa de Trump"El vocalista de Maná, "Fher" Olvera, advirtió que sin el aporte de los mexicanos y otros hispanos Estados Unidos podría "colapsar", en medio del avance de las políticas migratorias de Donald Trump y las redadas del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés) contra personas sin estatus legal.En una entrevista con El Mundo con David, realizada en un aeropuerto, el líder de la banda mexicana advirtió: "Mis paisanos mexicanos y los demás inmigrantes en Estados Unidos están en un gran problema". El músico calificó la situación como "muy mala" y subrayó el rol esencial de los trabajadores latinos: "Ellos son los que ponen el pan en la mesa de los blancos y de todos, incluido el presidente Donald Trump". Por último, insistió en que Estados Unidos es un "gran país" gracias a esa mano de obra migrante, a la que consideró como una de las mejores del mundo. "No está tan fácil que deporten a todos. Los quieren asustar nada más", concluyó.

Shakira en el Kempes: cómo será el mega show que prepara la artista

Tras emocionar al público chileno al sumar a sus hijos en plena función, la artista llega al estadio Mario Alberto Kempes con un espectáculo de gran despliegue técnico, 14 cambios de vestuario y 800 metros de pantallas. Leer más

Stefanía Agudelo, hermana de B King, invitó a los seguidores del artista a apoyar en el siguiente evento de la fundación en su honor

Diana Patricia Giraldo, prima de Karol G, revela cómo la artista la ha ayudado a sobrellevar su condena y a soñar con una segunda oportunidad

La cantante Karol G ha demostrado su lado más humano al acompañar a su prima Diana Patricia Giraldo, que cumple condena en Bogotá, y a quien ha respaldo emocional y económicamente

Pampita sorprendió al revelar qué artista le gustaría que haga de ella en una película sobre su vida: "¡Me encantaría!"

La modelo y conductora fantaseó con la idea de hacer una biopic.Aunque reveló la dificultad: "No creo que tenga la autorización de todos los involucrados, habría que ponerles nombres fake a todos".

La muerte de Freddie Mercury, 34 años después: los últimos días del artista que conquistó a generaciones

El legado del vocalista de Queen sigue vigente tras más de tres décadas de su fallecimiento, marcando la historia de la música y su lucha contra el VIH

Enrique Burone Risso, el artista que inmortaliza los estadios del fútbol argentino

En varias de las finales que jugó Tigre durante los últimos años, el equipo tuvo a Batman alentando en la tribuna. Y no es un sketch de Capusotto. El "caballero de la noche" se calzó el traje para alentar cuando El Matador le ganó a Boca 2 a 0 y se quedó con la Copa Superliga del 2019. Pero, ¿quién es ese hombre que se anima a ir de superhéroe a la cancha? Su nombre es Enrique Burone Risso, tiene 69 años y es un artista urbano de larga trayectoria, que se hizo conocido por pintar cuadros de estadios de fútbol y retratar los festejos de Argentina campeón en Qatar. Pero no solo eso: también pintó una veintena de murales de Batman en las paredes, portones y garitas de su San Fernando natal, en reclamo de más seguridad. Ahora está preparando la muestra 78-86-22, en la galería Zurbarán, en la que hará un homenaje pictórico a los tres mundiales que ganó la Argentina.Burone Risso debe haber pintado un centenar de estadios de todas las categorías del fútbol argentino, desde clubes grandes como Boca, River o Racing hasta equipos que militan ad eternum en los fuegos del Ascenso: Atlanta, Villa Dálmine, Dock Sud, Victoriano Arenas, Berazategui o Defensores Unidos de Zárate, por citar algunos.Él mismo es un fanático de Tigre y, antes de conocer las mieles de los últimos diez años (y vestirse de Batman para las finales de rigor), se pasó 28 años yendo a ver al equipo en la segunda división. Su pasión por el fútbol venía heredada de su padre, que lo llevó a la cancha a ver la final del Mundial 78.Su padre era médico, pero, al igual que su abuelo, disfrutaba mucho haciendo caricaturas. Enrique también se la pasaba dibujando durante las clases del secundario, pero el mandato familiar lo empujó a estudiar Agronomía. "Abandoné a los pocos meses y entré a estudiar Arte en la Prilidiano Pueyrredón; ahí descubrí la pintura, porque yo dibujaba, pero todavía no pintaba", cuenta.Burone Risso trabajó durante 20 años en un juzgado en Tribunales y en cada tirón desde San Fernando registraba mentalmente los matices del paisaje. De la observación más llana desde la ventanilla del tren o del colectivo nació su gusto por pintar lo urbano, con una estética colorida y sutil.Quizá en la obra del artista también se pueda pensar la pintura o el dibujo como algo sanador, porque Burone Risso pintó casi una veintena de murales de Batman que parecen "cuidar" zonas de San Fernando en donde la inseguridad es moneda corriente. En muchas entrevistas, vecinos del barrio incluso han dicho: "son los Batman que nos cuidan".-Se dice que vos pintás "el lado bueno de las ciudades". ¿Es así?-No sé si sea "el lado bueno", pero sí son los lugares que me gustan a mí, lugares icónicos de la ciudad. Son los sitios que transito, que he visitado miles de veces y que tarde o temprano aparecen en mis cuadros. Al retratarlos hago una deformación de la imagen, pero sigue siendo algo figurativo.-¿Qué te interesa de pintar estadios? ¿Le prestás atención a lo arquitectónico o más bien a la pasión que encaran?-En un principio me interesaba lo arquitectónico, en función de cómo esos estadios estaban integrados en cada barrio. Con el tiempo fui entendiendo que cada cancha es distinta y tiene su propia personalidad; no es como en Europa que son casi todas iguales, "tipo hongo".-¿Cuál es la cancha que más te gusta?-No soy de Boca, pero La Bombonera me resulta muy atractiva, tal vez porque le falta una tribuna o porque tiene miles de escalones para subir a la última bandeja, lo que hace que sea muy empinada. Eso siempre me llamó la atención. El año pasado me dediqué a pintar estadios del Ascenso. En total ya llevo más de 100. View this post on Instagram -¿Cuáles son los estadios que se insertan más armónicamente en el barrio?-Creo que el de Banfield es uno de los que mejor se integran, porque está en una zona de casas bajas de clase media. A la cancha de Tigre la han hecho por retazos, pero su ubicación también es muy buena.La Scaloneta, Buenos Aires y BatmanEn abril del año pasado, Burone Risso presentó una muestra llamada Urbanizarte, que tuvo tres ejes temáticos: los festejos por la conquista del Mundial de Qatar, la arquitectura de Buenos Aires y Batman. Una veintena de cuadros fueron expuestos en Zurbarán, en el barrio de Retiro.Para crear sus cuadros, Burone Risso se encierra todas las mañanas en su taller en San Fernando, a una cuadra de su casa. Lo acompañan sus dos perros y, una vez por semana, sale a remar por el Río Luján y el Abra Vieja. Las veces que no pinta se queda trabajando en objetos artísticos, que arma con cosas que encuentra en la calle (cartones, materiales de hierro, lo que sea). En esa búsqueda terminó confeccionando altares de íconos populares, como el Gauchito Gil, la Virgen de Luján o Gilda.En mayo de este año, el artista se sacó el gusto de montar una muestra para rendir tributo a Diego Armando Maradona, su ídolo máximo ("soy maradoniano a muerte", jura), a quien conoció porque el astro lo invitó a su programa: Burone Risso fue uno de los artistas que participaron en La Noche del 10, el show conducido por Maradona durante el segundo semestre de 2005.-Estás preparando una muestra para homenajear los tres mundiales que ganó la Argentina (1978, 1986 y 2022). ¿Podés contar algo de eso?-Sí, entre otras cosas trabajé sobre jugadas icónicas de los mundiales, como el gol de Maradona contra los ingleses, que dividí en tres "tramos" (cuando arranca la jugada en campo argentino, la corrida y la definición); o la atajada del Dibu contra Francia. También hay algo de (Mario Alberto) Kempes, porque tuve la suerte de ver la final del 78 con mi viejo en el Monumental. Básicamente esos tres mundiales son los tres momentos más gloriosos y épicos del fútbol argentino. La muestra se va a llamar 78-86-22.-¿Y vas a seguir pintando Batmans en San Fernando?-No, ahora paré un poco con los murales, pero sigo pintando cuadros de Batman en mi taller.-Algunos dicen que Batman es "un superhéroe atormentado". ¿Por qué te enganchaste tanto con él?-Me gustaba de chico y veía la serie de Adam West. Cuando me empecé a disfrazar de Batman para ir a la cancha a ver a Tigre lo pensé más bien como algo performático, quizá un hecho artístico. La gente me miraba, me sacaba fotos. ¡Hay que ponerse el traje de Batman, eh! No es para cualquiera.

La AMIA entregó sus premios Artista Solidario del 2025

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A los 88 años, murió el artista español Bernardo Rodríguez Gil, que vivía en la Argentina

El 27 de octubre, a los 88 años, murió en la ciudad de Buenos Aires el artista español residente en la Argentina Bernardo Rodríguez Gil, informó su viuda, la escritora Alicia Maffei, por complicaciones cardíacas y renales. Hijo de republicanos españoles, debió emigrar con su madre y sus hermanas a la Argentina cuando tenía once años; su padre arribaría años después al país, desde Marruecos. Había nacido en Valencia el 24 de septiembre de 1937. Era budista y padre de una hija, la bailarina y profesora de danza residente en España Victoria Faks."La experiencia de mi vida". Sarah Jessica Parker fue jurado del Booker y lo cuenta en primera personaEn 1964, Rodríguez Gil comenzó a estudiar artes plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón". Uno de sus maestros fue el pintor argentino Ideal Sánchez. A partir de 1996, expuso en muestras colectivas e individuales en galerías del país y del exterior, en España, Estados Unidos, Francia y las Antiguas Antillas Neerlandesas. Tenía su taller en la zona del Jardín Botánico. Sus obras integran colecciones privadas y públicas nacionales y extranjeras."Las pinturas de Bernardo Rodríguez Gil afirman la vigencia del arte abstracto, muchas veces concebido como una expresión puramente formal -escribió el crítico de arte Fermín Fèvre, en 2002-. No es su caso, ya que este artista de origen español radicado desde pequeño en nuestro país, donde realizó toda su obra, logra transmitir con su pintura, sentimientos y vivencias que nos invita a compartir. Por eso su obra plástica es estimulante y cada uno de sus cuadros tiene una intención diferente, un impulso gestual propio, un espíritu particular que lo trasciende. [â?¦] Este artista reivindica una pintura que es pura transmisión energética, incitando al contemplador a volcar en ella sus propias vivencias para darle así toda su potencialidad expresiva".Rodríguez Gil pintó además paisajes en la línea del "surrealismo iberoamericano" y el neobarroco, marinas, escenas taurinas y tangueras, y una serie de "apropiaciones" en homenaje a los maestros españoles Francisco de Goya y Diego Velázquez. Sobre esta última, en 2006, la crítica de arte Rosa Faccaro destacó: "Sin antagonismo, figuración y abstracción se funden en un lenguaje nuevo. Transparencias, grafías, superposiciones, gestos, cromatismos, y un sentido del humor que devela una mirada irónica al siglo XVII, con una observación de admiración y crítica".Sus restos descansan en el Cementerio de la Chacarita.

Roberto Echen, el artista silver que transforma residuos digitales del brainrot con la colaboración de la IA

La muestra explora la circulación de imágenes absurdas y conecta distintas generaciones a través de la cultura visual. La recepción entre el público infantil y juvenil es entusiasta, como él mismo relata: muchos chicos se sienten atraídos por la posibilidad de conocer al creador de los memes que circulan en sus redes

A 40 años de la muerte de Osvaldo Lamborghini, voces para celebrar su legado literario y artista

El encuentro reunió a familiares, amigos y especialistas que revisitaron la obra literaria y plástica del escritor. La voz, los manuscritos y los materiales del Teatro Proletario de Cámara fueron eje de las evocaciones. La digitalización de su archivo y el impulso de su faceta visual abren nuevas lecturas sobre su figura.

Frida Kahlo marca un nuevo récord en subasta para una artista mujer y latinoamericana

Un autoretrato se subastó en Sotheby's por 54,6 millones de dólares. El cuadro titulado "El sueño (la cama)", de 1940, superó el récord que ostentaba la estadounidense Georgia O'Keeffe. Leer más

Leslie Shaw minimiza a quienes caminaron junto a Shakira y afirma que ella hubiera cobrado: "Una debe darse su lugar como artista"

La cantante peruana no se guardó nada y cuestionó la participación de creadores de contenido en el show de la barranquillera, defendiendo la trayectoria artística y generando debate en redes.

Beéle sería el artista principal para el Carnaval de Barranquilla tras invitación del alcalde Alejandro Char: "Dónde firmo"

En medio de su gira Frente al Mar y tras agotar seis conciertos en Bogotá, Beéle fue invitado por el mandatario de su ciudad natal a regresar a Barranquilla y formar parte de la tradicional fiesta

Shakira ya eligió a su telonera: quién es la artista argentina que abrirá sus tres shows en Vélez

A nueve meses de haber realizado dos shows en el Campo Argentino de Polo, Shakira volverá a presentarse en Argentina con en su gira latinoamericana "Las mujeres ya no lloran World Tour"", pero esta vez en Vélez el próximo 8, 9 y 11 de diciembre. A tan solo tres semanas de aquellas fechas, Ángela Torres anunció que será telonera de la artista colombiana. "Voy a telonear a Shakira en Vélez", expresó este martes en Nadie dice Nada (Luzu TV). Mientras sus compañeros aplaudían, agregó: "El 8, 9 y 11â?³. Cuando Nico Occhiato le preguntó de qué mes y la joven le comentó que de diciembre, el conductor se sorprendió y lanzó: "Ah, no. Ahora. Qué zarpado bol****".En ese sentido, la artista de 27 años se sinceró sobre cómo atraviesa los días previos sobre un evento de esta magnitud: "Es en diciembre, ahora, en cuestión de días. ¡Chicos, estoy muy nerviosa, muy nerviosa! ¡Tres Vélez! No lo puedo creer. O sea, va a sonar mi disco en Vélez".Horas más tarde, Ángela recurrió a su cuenta de Instagram, en la que acumula 3.2 millones de seguidores, para compartir nuevamente su emoción. Desde sus stories, replicó el flyer con el que Fenix Entertainment promociona el regreso de la barranquillera, el mismo en el que menciona como artista invitada a la sobrina de Diego Torres.En la siguiente storie, publicó un video de su adolescencia, cuando fue invitada a un ciclo televisivo y cantó "Inevitable", canción que la colombiana lanzó en 1998 y no tardó en convertirse en un hit. Ángela Torres cantando "Inevitable", de Shakira, cuando tenía solo 14 años Cabe destacar que la noticia de que Shakira pisará nuevamente suelo argentino se conoció a mediados de septiembre. Esta serie de tres recitales viene a completar los dos que brindó en marzo en el Campo Argentino de Polo, donde hizo delirar a su público local durante más de dos horas y con un importante despliegue escénico, al ritmo de sus grandes éxitos como "Hips Don't Lie", "Pies descalzos", "Ojos así", "Don't Bother", "Chantaje" y la BZRP Music Sessions #53, entre otros, hasta las canciones que reunió en su último álbum, publicado en marzo de 2024, que incluye temas como "La fuerte", "Acróstico", "Te Felicito" y "TQG".Ángela Torres y una revelación sobre su familia que no pasó inadvertidaHace algunas semanas y luego de presentar No me olvides, su primer disco como solista, Ángela Torres se sumó al ciclo Nadie dice nada, donde sorprendió con una revelación sobre su verdadero nombre.Ángela Torres sorprendió al revelar su verdadero nombre y el de Diego Torres"En mi documento dice Ángela Azul Concepción Caccia Currá. Torres no lo tengo, es artístico, de mi abuela (Lolita). Yo muy pilla, ya a los once me colgué de las tetas de la abuela y dije que me iba a llamar Ángela Torres". Además de las risas que desató en el estudio, el momento no tardó en viralizarse en las redes sociales, donde generó todo tipo de comentarios. Pero, la historia no terminó allí: la artista de 27 años también reveló que el apellido de su tío Diego tampoco es Torres. "Él también es Caccia, este dato les va a cambiar la vida", aseguró. Este detalle reforzó la fuerza simbólica del apellido como marca familiar y artística, y destacó la importancia del legado de Lolita Torres en la trayectoria de sus descendientes.

'Richard Swing', artista vinculado a Martín Vizcarra, postulará al Senado por el Partido Demócrata Verde: ¿

Richard Cisneros se inscribió como militante del Partido Demócrata Verde a mediados del 2024. La agrupación lleva a Alex Gonzalez, el exalcalde de San Juan de Lurigancho, como candidato presidencial

Ángela Torres será la artista invitada de Shakira para los shows en Vélez Sarsfield

Tras presentarse en el Campo Argentino de Polo con dos shows impecables agotando todas las localidades, la artista colombiana sumó nuevas fechas en el país.

"¿Cómo lo hace?": el artista argentino que cautivó a millones en el programa más visto de Italia y puede ganar 100 mil euros

El programa más visto de la televisión italiana se llama Tú sí que vales. Se trata de un concurso de talentos que se transmite cada sábado por el Canal 5 de ese país, y que tiene una audiencia media de cuatro millones de personas. En su popular pero exigente escenario se presentó a comienzos de octubre un joven malabarista que se puso a lanzar y atrapar varias bolas blancas. La novedad, lo que hacía el acto asombroso, era que uno de los brazos del artista parecía salir de su espalda. "¿Pero cómo lo hace?", se preguntó asombrada María de Filippi, una de las jurados del show, mientras el muchacho movía la mano de su "tercer" brazo de un lado al otro con armonía por detrás de su cabeza y las bolas seguían danzando en el aire. Terminada la actuación, la elección del público y la satisfacción de los jurados llevaron al original artista circense a la instancia final del programa, que se realizará, en vivo, el próximo 6 de diciembre. Zuka, el malabarista marplatense que conquistó Italia con su talentoHasta aquí se realizó la descripción de una performance particular de un programa de televisión. Pero hay algo más. Ese joven que subyugó al jurado y conquistó con su talento a millones de italianos a través de la pantalla, se llama Matías Muñiz y es argentino. Oriundo de Mar del Plata, para más datos. Del semáforo en la costa a Tú sí que valesZuka es el nombre artístico de este malabarista y músico, de 31 años, que inició su derrotero en las lides circenses a los 13 o 14 años haciendo sus números en los semáforos de la ciudad Feliz. "Hacía malabares en la calle Quintana y la costa durante los veranos. Habré estado tres o cuatro temporadas. Si alguien fue a veranear allá en el 2008 o 2009, seguro me vio", cuenta Matías a LA NACION, desde su actual residencia cerca de Barcelona, donde se encuentra trabajando en su arte en un teatro dentro de un parque de diversiones. La primera pregunta que surge luego de ver su deslumbrante actuación en la televisión italiana es cuál es el truco para pasar con tanta destreza su brazo izquierdo por detrás de la cabeza, llevar la mano tan lejos de su posición original y utilizarla con tanta destreza. "No hay truco -responde-. Mucha elongación. Muchos años de darle a eso". El paso a la finalTantos "años de darle a eso" rindieron sus frutos en Tú sí que vales. Vestido con traje rojo exageradamente grande, bermudas y un maquillaje estilo zombi, Zuka realizó su acto y superó las dos instancias necesarias para pasar a la siguiente fase, que es la final del programa. El primer requisito es que las 100 personas que integran un "jurado popular" presente en el estudio voten en favor de él. En rigor, el primer intento fue de 97 miembros a favor del artista y tres en contra, pero Paolo Bonolis, showman y juez del ciclo, indignado por esos tres que negaron el talento de Zuka, pidió una nueva votación. Esta vez sí, fue 100 contra cero. "Me salvó un jurado", reconocería el malabarista en su charla con este medio a través de zoom. Zuka Muñiz en la Melbourne Juggling Convention in AustraliaY la segunda instancia para llegar al último programa del ciclo es que los cuatro jurados oficiales se paren de sus asientos y se dirijan a saludar al artista al escenario. Si alguno de ellos no lo hace, es el final del participante en el programa. Pero uno a uno ellos se acercaron hacia Matías: el mencionado Bonolis, la actriz Luciana Littizzeto, la conductora María de Filippi y el presentador televisivo Rudy Zerbi. Previamente, lo habían elogiado con palabras como "maravilloso", "excepcional", "bravo" o "bravísimo". También estaban absortos los tres personajes que conducen el programa, entre quienes se encuentra otro nacido en la Argentina, el exrugbier de la selección italiana Martín Castroggiovani. Zuka, el marplatense que conquistó la televisión italiana con su talentoComo sea, el próximo 6 de diciembre, en un programa en vivo, los televidentes italianos elegirán al ganador de la final del certamen, que se alzará con un premio de 100.000 euros.La cultura del circo-Matías, volvamos un poco al principio, ¿qué fue lo que te llevó de tan joven a hacer malabares?-Empecé al mismo tiempo con los malabares y con la música, porque también toco el saxofón. En mi adolescencia tenía unos amigos que empezaron en el semáforo y yo también probé. Después fuimos a una convención de un festival de circo en Mar del Plata y nos voló la cabeza. -¿Ya hacías el acto del brazo tras la cabeza?-Sí, empecé desde temprano, y con videos de internet fui perfeccionando. Además del semáforo hice una temporada en un circo más formal de Mar del Plata que se llamaba La Audacia y que todavía sigue funcionando. -¿Qué es lo que "te voló la cabeza", como decís vos, de ese mundo circense?-La cultura del circo, la red, los festivales, las convenciones. La combinación de las artes, la música, el teatro y la vida nómada me fscinaron. Y los códigos que había dentro de esa cultura, algo como de alguna manera familiar. La vida nómade-Gracias a los malabares viajaste por muchos lugares del mundo.-Sí, la vida de circo te lleva a eso, a moverte. Hice un viaje primero de un año por Sudamérica, de la Argentina a Colombia. Después estuve viviendo en Nueva Zelanda dos años y estuve también por Australia y el sudeste asiático. -¿Siempre en semáforos?-En Sudamérica, sí. Armamos una banda de música pero también hacíamos semáforos. Fue el típico viaje de hippies adolescentes. Durmiendo en cualquier lado, comiendo lo que venga. A Nueva Zelanda fui solo. Hacía el acto en la calle, pero con un showcito de 20, 30 minutos. Algo más armado. -¿A la gorra?-Sí, siempre a la gorra. También, en Nueva Zelanda participé de una banda de música latina que nos fue bien, llegamos a tocar en eventos grandes de latinos. -¿Qué otros países visitaste?-Tailandia, Camboya. En Indonesia conocí una gente, un grupo de músicos y artistas de circo, que viajaban en veleros. Me fui con ellos, hacíamos performances en alguna isla... Cada país tiene su capítulo. Fue algo muy movido, muy lindo. -¿Dónde estabas cuando ocurrió la pandemia de coronavirus?-En la Argentina, por suerte. Estuve parado un año en Mar del Plata. Estaba todo frenado. La TV italiana-¿Cómo se da tu convocatoria para Tú sí que vales?-Los últimos dos años y medio yo estaba trabajando en un circo de Francia. Ahí me vio uno de los productores del programa, me contactó por internet y me dijo si quería participar. Y así llegué. -Es el programa más visto de Italia, ¿cómo es el detrás de escena, cómo te trataron?-Me trataron de 10. Ahora también están organizando todo para preparar el número de la final. Tengo que mandar un video el fin de semana para preparar los detalles. Voy a hacer algo de la cocina italiana, algo vestido de chef, a ver si interpelo al público de allá. -Matías, ¿tenés idea de cuántos y quiénes competirán con vos en la final, qué tipo de números hay?-No, seremos unos 10 o 12. Pero hay de todo. Cantantes, especialmente... siempre uno siente que es muy difícil competir contra los italianos, que van con una historia emotiva, cuando yo en realidad tengo un personaje más freak. Pero bueno....-¿El ganador lo define el público?-El sistema todavía no lo develaron 100 por ciento. El año pasado el público votó por mensajes de texto o a través de una aplicación... Yo estoy feliz de estar representando de alguna manera a la Argentina. -¿Qué sensación tenés de que tu show, que empezó de muy joven en un semáforo, fue visto por millones de personas?-Es una sorpresa. Sobre todo porque venían las cosas tranquilas, con trabajo y creciendo, pero este año como que se abrieron muchas puertas de golpe y por sorpresa. Y quiero agradecer a la gente que acompañó en el camino, uno no llega a estos lugares solo. Gracias a toda la red de circo y todos los espacios que se abrieron y confiaron y la gente que puso dinero en la gorra todos estos años también. Otros proyectosAdemás del programa televisivo italiano, otra de las puertas que se abrieron para que Zuka exponga su talento es el Festival Mondial du Cirque de Demain, en París, en enero, uno de los certámenes de artes circenses más prestigiosos del mundo. "Quizás no tenga el mismo alcance global que un programa de televisión pero es un festival que para los artistas latinos es muy difícil de alcanzar", explica Matías. En este festival no hay premios en efectivo, pero sí medallas de oro, plata y bronce para las distintas categorías y otra cosa muy importante. Dice el artista: "En el jurado están los directores de los circos más importantes, como el Cirque du Soleil o el Moulin Rouge, y te pueden hacer un contrato, o las medallas también abren ofertas". Zuka también fue convocado para integrar el plantel de participantes del célebre programa de talentos estadounidense American Got Talent, donde este año llegó a la final la argentina Micaela Leitner que, junto a su pareja, el chileno Matías Cienfuegos, integran el grupo de acrobacia aérea Sirca Marea. De todas formas, el músico y malabarista todavía no decidió si participará o no de este reality, ya que esto depende de otras ofertas u obligaciones laborales que pueda llegar a tener, que afortunadamente, son muchas.Más allá de su gran logro personal y el crecimiento como artista, Matías Zuka Muñiz ensaya una reflexión final sobre su actividad: "Creo que es tiempo de valorizar otra vez esto que es el arte vivo, el arte callejero, que tiene algo que es milenario. En tiempos de digitalización y de saturación de contenidos y de gente aislada por las pantallas, siento que tiene más sentido estar en el mismo lugar que el otro". Zuka llevó esa idea del circo como una combinación de varias artes para compartir en un espacio en común a la pantalla televisiva, para que disfruten su destreza millones de personas. Y para que todos revivan ese asombro milenario expresado a través de una pregunta: "¿Pero cómo lo hace?".

El regreso de Selena Quintanilla: las imágenes inéditas del nuevo documental sobre la artista latina

La cantante Selena Quintanilla, asesinada en 1995, aparece en nuevas imágenes domésticas que su familia resguardó durante décadas. Ese material integra Selena y Los Dinos, el documental de Netflix que se estrenó este lunes 17 de noviembre y que se distingue por su archivo íntimo: videos caseros y registros privados captados por su hermana Suzette, baterista de la banda, que permiten reconstruir la vida de la artista desde adentro.Qué revela el archivo familiar de SelenaSuzette Quintanilla filmó a Selena y a los integrantes de la banda durante viajes, ensayos y pausas en la carretera. "Yo era la fastidiosa con la cámara en aquellos días", contó en una entrevista a CNN Quintanilla. Esa costumbre creó un archivo que ahora resulta clave para el documental, producido por la propia Suzette y por A. B. Quintanilla III.El registro privado diferencia este proyecto de versiones anterioresLa producción incluye videos íntimos, entrevistas profundas y apuntes manuscritos que la cantante escribió cuando practicaba español para fortalecer su vínculo con el público mexicano. También incorpora una carta que Selena le envió a Chris Pérez, su esposo y compañero de banda. CNN destacó que estos elementos diferencian la propuesta de la película de 1997 dirigida por Gregory Nava y de la serie estrenada en 2020.La vida de Selena Quintanilla: desafíos, logros y legado musical retratadosEl documental repasa los obstáculos que la artista enfrentó en la escena texana dominada por hombres a finales de los años 80. Aun así, logró consolidarse como una de las primeras figuras latinas capaces de cruzar del mercado en español al inglés. Su quinto álbum, con "Dreaming of You" e "I Could Fall in Love", salió tras su muerte en 1995, cuando tenía solo veintitrés años y ya había ganado un Grammy.La directora Isabel Castro explicó al medio citado que buscó una narración diferente: "El documental no es una versión hollywoodense de su historia, son ellos contándola directamente". Uno de los momentos más comentados muestra a un presentador pidiéndole a Selena que gire para la audiencia. Ella lo hace, pero luego lo invita a él a repetir la acción. El conductor se niega, aunque el gesto revela la postura de la artista frente a los estándares que se imponían a las mujeres.El impacto cultural de Selena y el auge renovado de su figuraLa popularidad de Selena continúa vigente. La línea de maquillaje de MAC Cosmetics inspirada en la cantante se agotó en un día, que su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood batió récords de asistencia y que las bolsas conmemorativas de H-E-B colapsaron su sitio web durante semanas. Para Suzette, este documental permite proteger la esencia real de su hermana frente a homenajes creados con inteligencia artificial, que -según señaló- no logran reproducir su humanidad."Es como tomar una cápsula del tiempo y traerla a 2025", afirmó. Explicó que muchas personas jóvenes buscan información sobre la artista. Por eso, consideró esencial mostrar una versión fiel: "Esta es la auténtica Selena", dijo. Selena Quintanilla: qué pasó con Yolanda Saldívar y cómo fue la noche del crimenLa muerte de Selena Quintanilla ocurrió el 31 de marzo de 1995 y tuvo como protagonista a Yolanda Saldívar, presidenta de su club de fans y administradora de la tienda Selena & Etc. Según los registros judiciales, el padre de la artista, Abraham Quintanilla Jr., detectó inconsistencias en el manejo del dinero y decidió apartarla de sus funciones. Ese quiebre marcó el final de un vínculo que la propia Selena había mantenido de manera cercana.La cantante accedió a reunirse con Saldívar en la habitación 158 del hotel Days Inn, en Corpus Christi. El encuentro derivó en una discusión. Cuando la artista se dirigió hacia la salida, recibió un disparo en la zona superior del torso. Herida, logró avanzar por el pasillo del hotel para pedir ayuda antes de colapsar. Los médicos del Corpus Christi Memorial Hospital intentaron reanimarla, pero poco después confirmaron su fallecimiento.Después del ataque, Saldívar se encerró en su camioneta durante casi diez horas y amenazó con quitarse la vida. Finalmente, se entregó a la policía y enfrentó un juicio que concluyó con una pena de cadena perpetua y la posibilidad de solicitar libertad condicional a partir de 2025.

Pierce Brosnan y la razón por la que dejó de hacer acrobacias en el cine: "Seré artista hasta el último aliento"

El actor irlandés asegura que seguirá trabajando en la industria mientras pueda

Así es la casa de Juanes en Miami: un lujoso y cómodo espacio de trabajo para el artista colombiano

No es sorpresa que varios cantantes latinos cuenten con mansiones y departamentos de lujo en Estados Unidos, especialmente en Miami, donde la privacidad, el clima y la cercanía al mar la convierten en una de las zonas favoritas de las estrellas. Entre ellos, destacan Juanes, Shakira y Maluma, tres íconos colombianos que han hecho de esta ciudad su segundo hogar.Cómo es y cuánto cuesta la casa que tiene Juanes en MiamiA través de un video en redes sociales, el periodista de RCN, Carlos Claro, conversó con la agente inmobiliaria Andrea Arango sobre la lujosa propiedad que el cantante Juanes posee en Key Biscayne, una de las zonas más exclusivas de Miami.La residencia tiene un valor aproximado de 5,7 millones de dólares y destaca por incluir su propio estudio de grabación profesional, donde el artista produce gran parte de su música. Según Arango, Juanes grabó ahí varios de sus discos recientes, y el espacio está diseñado para inspirar creatividad y comodidad.Por su parte, el intérprete de La camisa negra compartió en redes sociales que creó ese estudio para acercarse más a sus seguidores, mostrando versiones íntimas y experimentales de sus éxitos.Shakira pone a la venta su casa en MiamiSegún la agente de bienes raíces, Shakira acaba de poner a la venta una de sus casas en Estados Unidos, ubicada también en Miami, que tiene un precio de 11,6 millones de dólares.La mansión, que no especificó en dónde está ubicada exactamente, cuenta con siete habitaciones, seis baños, piscina, y está frente al mar con una vista espectacular; además de que tiene una sala especial de baile, donde la colombiana puede practicar sus coreografías para sus shows.No obstante, de acuerdo con Robb Report, la propiedad se ubica en el 3140 de North Bay Road Drive de Miami Beach y tiene una extensión de 850 metros cuadrados. Shakira compró la mansión en 2001, y desde entonces ha realizado varias remodelaciones como suelos de madera importados de España, obras de arte con incrustaciones de hueso, espejos decorativos hechos a mano, una cocina gourmet, un rincón para el desayuno, muebles hechos a medida, un gimnasio equipado y hasta un salón de shisha.

Artista de música popular reveló detalles de su lucha contra la depresión y el suicidio

El artista relató cómo la falta de ingresos y la presión personal lo llevaron a pensar en acabar con su vida

Ella es Paloma Morphy, la joven cantante mexicana que ganó el premio a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammys 2025

La chilanga de 25 años logró imponerse entre artistas de todo el continente, destacando por su proyecto cargado de autenticidad y acercamiento personal

La casa de una artista floral en Escobar, un refugio donde conviven el arte, el color y la calma

El proyecto, a cargo del arquitecto Guido Piaggio, se concibió inicialmente como una inversión. Pero, a medida que avanzaba la obra, descubrieron que ese diseño moderno, eficiente y en diálogo con la naturaleza los representaba por completo.Así fue cómo Belu Lozano, artista floral y creadora de Blomster Flower, encontró junto a su familia en esta casa de Escobar el escenario ideal para integrar su vida persona en un ambiente que le permite desplegar su creatividad. Una mezcla de alegría, sutileza y color que es fiel reflejo de su arte. Una casa que vibra en colores El living es la síntesis del espíritu que domina toda la casa: un equilibrio entre energía y serenidad. El sillón amarillo marca el tono vital de este ambiente donde se combinan materiales nobles, texturas naturales y una paleta de tonos tierra. Los arreglos florales, obra de la anfitriona, terminan de darle identidad a este espacio abierto que se integra al comedor y a la cocina, con vistas amplias hacia el jardín. Junto con la interiorista Anahí Pereda, de Mola Arq, Belu buscó crear una armonía entre los espacios llenos de color y otros más neutros, donde la calma visual fuera protagonista. En la cocina y el comedor diario, el cemento alisado y la madera logran una combinación de textura y calidez que invita a quedarse. Una gran mesada integrada al comedor, concentra el ritual de la comida compartida. Con pocos accesorios y superficies limpias, el resultado es un espacio funcional, acogedor y con un aire natural gracias a los detalles en rafia, cerámica y madera. Arte en cada rincón El color, los contrastes y las obras de arte transformaron esta casa en una extensión del mundo interior de sus habitantes. "Venimos de una casa en Pacheco, más monocroma, con mucho negro, gris y blanco. En esta etapa sentí que el color debía ser protagonista", cuenta Belu. Así, en el living conviven un sillón ocre, una pared azul petróleo y arreglos florales que cambian con las estaciones. En cada rincón aparece una manifestación artística: una pintura de Fabián Burgos, una obra de Pared o un arreglo floral improvisado. "Desde chica me apasiona el arte, y me gusta pensar que cada espacio genera una experiencia distinta para quien lo habita o lo visita", dice. Espacios que respiran calma El dormitorio principal fue el último ambiente en resolverse y también el más introspectivo. La decisión de no incluir televisor fue parte de una búsqueda deliberada: lograr un espacio de descanso pleno. Las cortinas filtran la luz de manera suave y la obra de arte en tonos monocromos marca el centro visual. El detalle que lo vuelve único es la estructura de madera en kiri, que integra el respaldo y las mesas de luz en una sola pieza continua, ampliando visualmente el ambiente. Los textiles, todos de Casa Clara (@casaclara_bsas), aportan textura y calidez. "Compartimos con Juan la pasión por el arte, y quisimos que también estuviera presente en este espacio más íntimo", dice Belu. En el baño principal, el arte vuelve a aparecer como hilo conductor: un mural inspirado en un bosque, obra de Mercedes Costal, transforma la experiencia diaria en un pequeño viaje sensorial. El taller: un espacio para crear Entre las flores, los colores y las texturas, el atelier floral es el corazón creativo de Belu. Allí pasa gran parte de sus días enseñando técnicas de arte floral, creando tocados, ramos y arreglos para eventos o producciones. "Era fundamental contar con un espacio propio para potenciar mi creatividad. La interiorista entendió exactamente lo que quería transmitir y lo llevó a otro nivel", cuenta. Baños de luz natural, paredes blancas y una gran mesa de trabajo son el escenario donde las flores despliegan su energía. En este taller, el arte se comparte: hay aromas, matices y una sensación de vida que impregna cada rincón. Agradecemos a OHLALÁ! su colaboración en esta nota.

Estrenos de cine: Johnny Depp utiliza a Modigliani para alimentar la mitología del artista maldito

Modigliani, tres días en Montparnasse (Modi: Three Days on the Wing of Madness, Reino Unido, Estados Unidos, Italia/2025). Dirección: Johnny Depp. Guion: Jerzy Kromolowski y Mary Olson-Kromolowski, basado en una novela de Dennis McIntyre. Fotografía: Nicola Pecorini, Dariusz Wolski. Edición: Mark Davies. Elenco: Riccardo Scamarcio, Antonia Desplat, Bruno Gouery, Ryan McParland, Luisa Ranieri, Stephen Graham, Al Pacino. Duración: 108 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años. Nuestra opinión: regular. Johnny Depp regresa a la dirección después de casi treinta años de su primer largometraje (The Brave, de 1997), en el que había una breve aparición de Marlon Brando. Ahora el invitado estelar es Al Pacino, quien además fue el que le acercó la propuesta de hacer esta película. Las dos participaciones estelares son casi anecdóticas, dicho sea de paso. Modigliani, tres días en Montparnasse se propone como una biopic provocativa del pintor y escultor italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) ambientada en una París devastada por la Primera Guerra Mundial. Trabaja sobre un tiempo narrativo muy concreto: son 72 horas decisivas en la turbulenta vida de un artista acuciado por la pobreza, la enfermedad, el antisemitismo y el rechazo social. Y el enfoque es decididamente romántico: Modigliani es un bohemio tan apasionado como autodestructivo que en esta película recuerda a un personaje anárquico como Hunter S. Thompson, el singular periodista y escritor al que el propio Depp interpretó en Pánico y locura en Las Vegas (1998). La película concentra su conflicto principal en esa maniobra del guion elaborada justamente para poder desarrollarlo a su manera: el protagonista debe esperar durante esos tres días la llegada de un coleccionista que podría dar reconocimiento a su obra, mientras huye de la policía tras un altercado público, enfrenta el hambre, la enfermedad, la soledad emocional y la presión incisiva de colegas como Maurice Utrillo o Chaïm Soutine. Visualmente, es una película impecable: el vestuario, la escenografía, los interiores de bares nocturnos y las calles de Montparnasse, reconvertidas en una fantasía "semirrealista", digamos, capturan la atmósfera de una Belle Époque en plena decadencia. Pero esa pericia estética coexiste con una propuesta narrativa muy irregular. Lo que podría haber sido un retrato profundo del genio creativo termina muchas veces atrapado en tropos ya muy explorados en el cine: el artista alcohólico, excéntrico, rebajado por la pobreza e incomprendido por la sociedad. La sensación es que Depp, un artista cuya carrera ha tenido altibajos por problemas de índole personal, usa a Modigliani para hablar de sí mismo y delinear una versión elegante y nostálgica del mito del artista maldito.Ese apego al cliché achata la película. Aun cuando el carisma del italiano Riccardo Scamarcio aporta encanto al personaje protagónico, el relato se vuelve ostensiblemente superficial: los dilemas internos de Modigliani quedan instalados en la fachada del artista atormentado, pero no se explora con profundidad ni rigor en su vida interior, su técnica de trabajo, sus procesos creativos, sus fuentes de inspiración o sus convicciones artísticas. Otro factor que pesa es la estructura dramática de la película. Al centrarse en tres días específicos, el relato acumula tensión narrativa, eso está claro. Pero no siempre logra que los personajes secundarios -su pareja Beatrice Hastings, sus compañeros Utrillo y Soutine- tengan un desarrollo propio. Son apenas satélites que orbitan alrededor de Modigliani, desdibujados, sin mucho relieve. El objetivo de Depp -es una presunción, pero hay en la película bastantes pistas que permiten inferirlo- parece haber sido reconciliarse con su propia imagen pública de figura creativa controvertida. Al asumir la dirección de una película sobre un artista marginado, este célebre actor de Kentucky, que estuvo esta semana en la Argentina apoyando el estreno, alimenta su mito personal de outsider. Y no mucho más.

Julio Le Parc, a los 97 años: "No soy fotógrafo ni artista. Solo un experimentador"

PARIS.- Ni artista, ni escritor, ni fotógrafo. Va a negarse siempre a esas definiciones y a decir constantemente que es un "experimentador", cuya búsqueda incluye un trabajo activo en el ojo de cada espectador. Para el mundo y el mercado del arte, que exigen definiciones, Julio Le Parc es todo eso, mientras él nunca se mostrará dispuesto a lo concluyente o definitivo. A los 97 años, con esa vida y esa obra, ¿por qué tendría que hacerlo? Para resumir algunas certezas: nació en Mendoza en 1928, hijo de madre costurera y padre empleado del ferrocarril. Es el argentino que abrió caminos en el arte cinético y en el op-art. El que estudió arte y trabajó para ganarse la vida cuando se trasladó a Buenos Aires, y luego consiguió una beca y se fue a París a los 30 años. Tuvo siempre en la cabeza la idea de "aumentar la distancia entre el artista y la obra, eliminando al máximo no solamente los rastros de realización manual, sino también los rastros de composición subjetiva" y co-fundó allí el Grupo de Investigación en Artes Visuales (GRAV). Siempre en grupo, ya había planteado rechazos: "En primer lugar: el culto de la forma (constructivismo, pintura formal, neoplasticismo, etc.). En segundo lugar: la abstracción expresionista de todo tipo (informalismo, tachismo, lirismo, surrealismo abstracto, truculentismo, amorfismo, etcétera)"."Movimiento sorpresa", un viaje por el universo de Julio Le ParcEl Mayo del 68 lo encontró en la militancia popular y en la vanguardia del arte. Dos años antes, el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia había sido suyo. De aquellos frenéticos años 60 son las fotografías que se verán desde este jueves en Paris Photo, la feria más relevante del globo, donde el artista tendrá su solo show, presentado por Galería Vasari (Argentina) en colaboración con Atelier Le Parc (Francia), y el apoyo curatorial de Alexis Fabry, uno de los más reconocidos expertos en fotografía latinoamericana. Da pocas entrevistas, le cuesta hablar. En el último tiempo tuvo un ACV, dos veces COVID, un par de internaciones con insuficiencia respiratoria. Nada de todo eso impide que, como todos los días, en el atelier de la rue Cousté -a media hora del centro de Paris- Le Parc esté sentado en su escritorio, trabajando. "Este es el listado de fotografías", le dice su hijo Yamil, director artístico del atelier, mientras le entrega unas hojas recién impresas con los datos de las imágenes que ya están colgadas en el Gran Palais, esperando a coleccionistas, galeristas y visitantes en general. Esas fotos dan cuenta de que a Le Parc le gustó siempre "jugar con la incertidumbre visual -dice el texto de la exposición que presenta Vasari-. El GRAV, que permaneció activo hasta 1968 rechazaba la noción de autoría personal y presentaba las obras de sus miembros de forma colectiva. Julio Le Parc fue durante mucho tiempo el fotógrafo oficial del grupo".Quizá menos conocidas por el gran público que el resto de su obra las fotos que se podrán ver en París hasta el domingo 16 incluyen retratos, trabajos de experimentación en laboratorio y registro de obra. -¿Qué historia cuentan estas fotos?-Siempre hice fotos para autenticar los cuadros. Sobre todo como documentos. Y eran una forma de experimentar. Yo le decía a Martha (N. de la R.: la madre de sus tres hijos, que falleció este año): "Ponete ahí", y disparaba. Después me ponía yo en su lugar y ella me ayudaba a hacerlo a mí. Con el objetivo, o con la repetición, podía ver detalles o elementos que me interesaban.-¿Quién revelaba las fotografías?-Yo mismo. Toda la vida tuve una cámara, siempre me gustó hacer fotos. De las vacaciones, de mis obras. Y armé mi propio laboratorio. Yamil recuerda que su padre le enseñó a revelar cuando nada era digital. Afirma que la fotografía era fundamental en la realización, porque "por ejemplo, un close up de un móvil ya construido lo ayudaba a mi padre a ver con la cámara cosas que el espectador no podía ver". Los archivos que tienen de las fotografías están ordenados en una sala especial. Más de una centena de cajas y carpetas rotuladas. Hay fotos vintage con sello y firma del artista, negativos, diapositivas, documentos originales vinculados con la faceta Le Parc fotógrafo. -A diferencia de lo que ocurre con la fotografía, en su obra casi todo se mueve. Sin embargo, uno ve esas fotos y no duda: son Le Parc. ¿Qué es lo que las hermana tanto con sus obras cinéticas?-Eso tenés que decirlo vos, no yo. Vos sabrás. Es un tema del espectador.-Están los espejos, las secuencias, los efectos que producen la idea de movimientoâ?¦ ¿Podría explicar por qué ha sido tan esencial el lugar del espectador en su obra?-Desde el comienzo de mi trabajo las obras fueron requiriendo una participación cada vez más activa del espectador, hasta llegar a pedir la palabra en forma de encuesta, proponer juegos, instancias en las que pudiera hacer una reflexión. A los del Grupo nos decían: "Pinten", y nosotros nos centrábamos en el ojo del que miraba, en la posibilidad de atraerlo y en que se sintiera participante. -Idea contraria a la del espectador "culto", entendido, contemplativo.-Si. Nosotros hablamos de un espectador que no se distancia de la obra. Reacciona ante ella y le da sentido. -¿Sigue concibiendo el arte como favorecedor del cambio social?-Debería favorecerlo. Y dar apoyo a los que no tienen voz.-¿No es el arte un asunto de mercado? -La creación artística está ligada al mercado del arte. La moda en el arte se consume. Es más importante que puedas pagar una obra que lo que esa obra produzca en el espectador. Una moda bien sostenida en el arte consigue cada vez más compradores. Y al mismo tiempo hay artistas que nunca estuvieron ni estarán de moda.El lugar en el mundoSolía trabajar unas 10 horas por día, ahora entre dos y tres. En el último año, contabiliza 300 dibujos de alquimias (las pinturas de puntos), por mencionar algunas de sus creaciones cotidianas. En el subsuelo del Atelier, donde conviven varias de sus obras de luz con sus obras de Contorsiones -junto a los ventanales del jardín con parrilla para asados- hay una de esas obras de gran tamaño que Le Parc produjo a sus 93.En el piso de arriba, varios empleados del taller hablan español. El número de obras que allí se guardan sorprende, y no hay dudas de que lo que el artista produjo a lo largo de su vida lo convierte en uno de los más prolíficos de su generación. "En cada época cambia de estilo y de soporte, no es sólo una cuestión de cantidad", afirma Yamil.En los cajones hay proyectos de otras épocas que ahora mismo están viendo la luz, de la mano de sus asistentes y bajo su supervisión. Le Parc escribió que "uno lleva en sí cantidades de ideas embrionarias. A veces me sorprendo poniendo a punto, de pronto, algo que dejaba madurar más o menos descuidadamente desde hacía años. Entre todas esas vagas ideas acumuladas, muchas no llegan a ningún resultado. Indiferente a las presiones ejercidas por las diferentes corrientes artísticas, intento, en la medida de lo posible, de preservar mi libertad de creación a riesgo de contradecirme, a riesgo también de incomodar a aquellos a quienes les puede chocar una falta de estilo".Una bandera argentina cuelga entre móviles gigantes y obras sobre tela del hombre del color "sin colorismo". Siempre hay que mirar para arriba, como al salir de Ezeiza desde que el Sol de 2000 kg y 2900 piezas de Le Parc está en el aeropuerto. -¿Vos la viste esa obra en Ezeiza? Yo no pude verla, me enfermé. Estuve en el hospital. -¿Cómo es la vida después del hospital?-Ahora me cuidan mucho. Necesito bastante asistencia. No me puedo mover solo. Tengo varias cuidadoras, una se está por jubilar en tres días, otra tiene un autito en el que me lleva, un autito pequeño de origen inglés. -Por suerte, su lucidez es implacable. Sigue con la cabeza intactaâ?¦ -Más o menos (risas). -Y el año próximo tiene muestra en la Tate Modern, en Londres. -Si, la estamos preparando. Es algo grande.Se trata de una muestra inmersiva que la prestigiosa galería británica inaugurará en junio de 2026. "Viene a coronar -dice Yamil- varias muestras importantísimas como la del Palais de Tokyo, o la que tuvo en el MET de Nueva York". Aunque en general los argentinos no son profetas en su tierra, se alegra de que su padre haya tenido reconocimiento "en las muestras nacionales del Bellas Artes y el Palais de Glace. También en el Centro Cultural Borges, en ArteBa, en el Palacio Libertad D.F. Sarmiento (ex CCK), y ahora ver su obra en el aeropuerto es muy emocionante, es una marca país".Lo de la Tate, que tanto los entusiasma, "llega antes que la consagración francesa en algún museo nacional de este país, en el que vive y trabaja desde hace más de 50 años", reflexiona con incomodidad y con la expectativa de que eso debería ocurrir en breve. Julio Le Parc, desde su mesa de trabajo, da indicaciones, dibuja, escribe. No tiene planes de jubilarse de sus pasiones.

Johnny Depp en la Argentina: actúa, dirige, toca música y pinta, pero dice que no se considera un artista

En diálogo con Clarín, el actor contó cómo vive esta nueva etapa, en la que vino a mostrar su filme "Modigliani, tres días en Montparnasee". Y su inquebrantable necesidad de seguir creando.Además, habló sobre cómo está el cine en tiempos de inteligencia artificial y de su amor por lnuestro país.

¿Me toca reembolso? qué pasa si un artista retrasa su concierto como Junior H en Tijuana

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Michael Jackson se convierte en el primer artista en posicionar éxitos en el Top 10 durante seis décadas diferentes

El resurgimiento de "Thriller" tras la temporada de Halloween impulsó un nuevo hito en la trayectoria del artista, en medio de la expectación por el estreno de su película biográfica

Rama Duwaji es la esposa artista de Mamdani

Hasta qeu Zohran Mamdani no comience su gestión como alcalde, la novedad que significó su contundente triunfo electoral, generó curiosidad respecto de todo lo que lo rodea. Primero sus padres, en especial su madre cineasta, y por supuesto, su esposa Rama Duwaji. En un escenario que se manifestó hostil en redes a partir de mayo último, los ataques contra su esposa, obligaron a Mamdani a salir en su defensa. Ella tiene 28 años, nació en Houston en el sena de una familia siria. Es licenciada en artes visuales, y como artista no se muestra ajena a temas de la actualidad. Leer más

Artista y diseñadora, en su taller en Buenos Aires creó un vestido de seda que Sarah Jessica Parker eligió para vestir a Carrie

En la escena final del primer episodio de And Just Like That, Carrie Bradshaw vuelve a escribir. Es un instante breve, pero poderoso: el teclado suena, la cámara se acerca, la voz de la protagonista se funde con la tela que la envuelve. Esa prenda, un vestido vaporoso, pintado a mano, nació a 7400 kilómetros de Manhattan, en un taller de Buenos Aires donde Florencia Peña mezcla pigmentos sobre seda como quien escribe poesía con las manos.Hija menor de cuatro hermanos, criada entre mudanzas, abuelos apasionados y una educación inglesa rigurosa, Florencia creció rodeada de libros ilustrados, tapices antiguos y una curiosidad inagotable por el color. "Había mosaicos, cerámicas japonesas, retratosâ?¦", recuerda. En ese universo de texturas y tonos se formó su sensibilidad, esa que años después transformaría en una marca capaz de viajar de un lienzo a un guardarropa.Artista plástica de formación, exploradora de los materiales y del espíritu, Florencia creó Fabrics of Colours como una fusión entre arte, moda y energía vital. Su historia está hecha de intuiciones, encuentros, búsquedas y un largo camino de autogestión. -¿Cuál fue tu primer contacto con los colores, las telas y la moda?-En mi infancia excepcional. Creciendo en la casa de mis abuelos, una construcción italiana del 1800, los mosaicos, los grabados, las pinturas, los retratos, los paisajes europeos, los libros ilustrados de colección y las cerámicas japonesas me causaban una gran impresión. Muchos de los recuerdos que me vienen anclan allí. También los tapices y piezas de todo el mundo que tenía mi abuela paterna en su casa.-¿Qué lugar ocupaba la ropa entonces?-En el campo, cada día tenía etapas marcadas: salir temprano con botas de agua, volver y sacarse todas las capas, prepararse para la cena con ropa especial. Mi abuela tenía vestidos espectaculares y una gran sensibilidad por los tonos fríos, una elegancia natural. Eso me fascinaba. Ya de pequeña para mí era crucial lo que usaba cada día. No me daba lo mismo con qué botas salía, ni el color. La textura del uniforme escolar me picaba, así que hacía lo posible por combinarlo de una forma que me resultara. Si podía, me cambiaba muchas veces en el día. En mi entorno cercano la ropa era vista como algo superficial, y yo lo interpretaba en silencio con una connotación negativa. No tenía antecedente de nadie en mi familia dedicado a la moda, ni siquiera sabía de ese gran mundo. Durante mi adolescencia, una tía segunda cercana a Paula Cahen D'Anvers me llevó por primera vez a un taller textil. Fue una revelación.-¿De dónde surge tu proyecto?-Me identifica mezclar colores. Pasé de pintar sobre canvas a hacerlo sobre telas. Estudié Bellas Artes, me especialicé en pintura y empecé Diseño de Indumentaria en la UBA. Encontré en los textiles y el cuerpo un soporte para mi expresión. Mi propuesta es una entrada al mundo empresarial sin renunciar al arte: piezas textiles que fusionan saberes artesanales con innovación tecnológica. Estuve muchos años experimentando con textiles desde mis tiempos en Londres. Buscando materiales más nobles, comencé a trabajar las sedas. Aprendí de tintes naturales y sus posibilidades junto a Luciana Marrone. El proyecto tomó fuerza cuando me desvinculé de una marca de lujo para la que trabajaba. Hasta entonces lo hacía solo los fines de semana. Una amiga me contrató part time y apoyó mi lanzamiento profesional hasta que pude dedicarme por completo.-¿Cómo despegó?-Hice cenas en casa e invité amigos. Abrí mi espacio creativo, sin saber si mis telas serían prendas. La gente empezó a usarlas, a descubrir sus posibilidades. Cada feedback fue oro. Las vendí. Así empezó mi trabajo. Desde entonces, la comunidad de Buenos Aires me apoyó muchísimo. El Four Seasons comenzó a exhibir mis prendas en el spa, algo que me dio una enorme visibilidad.-¿Qué obstáculos enfrenta la moda?-Los canales de comunicación y venta que me ayudaron a planificar. No quería producción masiva ni consumo irresponsable. Mi primer obstáculo fue encontrar mi voz. Estaba creando algo distinto a lo que había hecho antes. Después, vino el desafío de producir piezas de lujo en la Argentina, que es un acto de fe en lo imposible. Por eso empecé a moverme internacionalmente: Uruguay, España, Londres, México, Japón, Estados Unidos.-¿En qué momento sentiste trascendencia con tu obra?-En 2016, al entrar en el Spa Cielo. Me dio un prestigio enorme. Durante tres años recomendaron a sus huéspedes visitar mi taller y el de Juan Carlos Pallarols. También hice pañuelos para el uniforme de los concierge. Más tarde, cuando mis prendas comenzaron a venderse en Estados Unidos, sentí que la marca trascendía mi propia historia: las piezas hablaban por sí mismas.-¿Cómo llegaste a And Just Like That?-Algunos diseños estaban expuestos en Miami. La estilista los vio y me contactaron por Instagram. Hubo un ida y vuelta de varios meses. Envié piezas y seleccionaron un vestido que le gustó a Sarah Jessica Parker. Lo usó en el final del primer capítulo, en un momento íntimo y conmovedor: cuando Carrie escribe en su diario. No tenía expectativas de que eligieran alguna de mis prendas, y menos para el personaje principal. El mercado internacional es tan grande que una se enfoca en mejorar cada día. Verlo fue un pellizco de realidad: ese "wow" que mezcla lo épico con lo cotidiano. Una prenda bella que cubre un cuerpo, pero también un puente entre mundos. Sentí un agradecimiento inmenso.-¿Qué te inspira a la hora de elegir las paletas?-Es un proceso intuitivo, visual. Me muevo entre distintas temperaturas de color. La naturaleza influye mucho. Me gusta jugar con los puntos focales, como en el cine, para que la prenda tenga movimiento propio. Mi búsqueda espiritual es parte del proceso. Intento elevar la conciencia y transmitir sentimientos de honor, amor y compasión. Trabajamos con mi equipo en detalles que sumen. Me gusta invitar al juego, al humor, a la sorpresa. En el camino aprendí a confiar en mi intuición, a ser protagonista, a escuchar y liderar. A equilibrar lo artístico con lo empresarial sin aferrarme al resultado. Para mí el éxito está en vivir lo que vine a hacer, con conciencia y gratitud.

Flor Bromley, artista peruana, nominada al Grammy 2026 por su álbum infantil 'Herstory'

La cantautora y educadora peruana fue nominada a los Grammy por su inspirador disco 'Herstory', una propuesta que celebra a mujeres que están cambiando el mundo.

La artista nacida en Varsovia que llegó en 2022, compró una casa en Colegiales y abrió su propio restaurante

"Me enamoré de Buenos Aires porque le gente cada vez que se encuentra, come", confiesa Marta Wajda, nacida en Varsovia, Polonia, artista plástica y diseñadora que llegó al país en 2022 y este año compró una típica casa familiar en Colegiales y abrió su propio restaurante que en solo ocho meses se convirtió en un lugar de culto. Íntima y lúdica, también algo salvaje su menú es un manifiesto: "Comer es como explorar", asegura.Wajda es una rara avis. Todos quieren conocerla y su personalidad es magnética. Habla poco español, pero enseguida entendió los secretos de la ciudad. "Buenos Aires huele a café y medialunas, también a fugazzeta", llegó en 2022 con su marido. En Polonia más de 200 días al año está nublado. "Quería ver el sol", dice. "La luz es vida", agrega. Recién llegada caminó la ciudad. "No es la carne, es la pizza", dice acerca del plato que identifica a la capital porteña. "Viajo para comer", asegura. Y así lo hizo. Ciudadana del mundo, sabe reconocer la belleza: "Puedo vivir en Estambul, pero también en Cholila, que me parece un pueblo fantástico", cuenta sobre la localidad chubutense.Instalada en Buenos Aires comenzó a explorar la ciudad a través de sus aromas callejeros. Indagó y preguntó, y comió todo lo que pudo. Siempre desde una mirada artística, y profundamente humana y curiosa. "Es arte y es amor: así es la cocina", afirma Wajda. "Cuando supe que hacían fugazzeta rellena me pareció una locura", asegura. Enumera sus favoritos: La Mezzetta, Los Inmortales, y El Cuartito."En Polonia no hay pizzas como las de Buenos Aires", dice. El país europeo, bello y atravesado por las guerras, tiene una gastronomía rígida, proteica y con poco margen para la creatividad. "La única forma de demostrar amor era con la comida", recuerda cuando comía en la casa de su abuela. "Nos daba tanto para comer que no podías caminar", asegura. Pero la mesa era un espacio serio. "No decía que no se jugaba con la comida, que no era diversión", agrega Wajda.Su casa siempre fue un territorio de arte. El hermano de su abuelo fue el multipremiado director de cine Andrzej Wajda, cinco veces candidato al Oscar, en el año 2000 lo obtuvo en forma honorífica. Figura central de la cultura en Polonia. La casa de Marta fue un enclave creativo. Fue a estudiar a Cracovia, se dedicó a la pintura, el dibujo y se graduó de diseñadora industrial en ergonomía. "Pero siempre me gustó cocinar para mis amigos", aclara. Restaurante y cateringAbrió un bistró y una empresa de catering. "Dibujo primero mis platos", dice Wajda. Sus clientes son Porsche, Adidas y Netflix, entre otros. Llega a hacer 400 eventos al año. "Todos mis proyectos gastronómicos tienen como base el arte", afirma Wajda. Entonces halló una manera de liberarse del mandato social de no experimentar con la cocina y quebró con esa tradición. "Comer puede ser un juego y divertido", sugiere Wajda.Sus diseños gastronómicos tienen la gracia y el encanto de una obra de arte comestible. Sin embargo, su curiosidad la llamó y comenzó a viajar: Bali, Londres, New York, Turquía y Ámsterdam, fueron algunos de sus destinos, en todos cocinó y mientras su empresa continúa funcionando. Trabaja con las obsesiones: la gelatina y las flores, piensa mucho en el mundo infantil. Para Porsche presentó pequeños cubos de gelatina con la paleta de colores que usa la marca en sus exclusivos autos. "Eran como pequeñas joyas, que se podían comer"."Buenos Aires es conocida en el mundo entero por su carne y la centolla, también por sus buenos vinos", asegura Wajda. Su marido había viajado siete veces antes de la pandemia y en 2022, Marta oyó un llamado del sur del mundo, y tomaron un avión, bajaron en Ezeiza y comenzó un nuevo capítulo de su vida. "Realmente me enamoré de esta ciudad", confiesa. Fue amor a primera vista. Si huele a café y a medialunas, algo más le llamó la atención. El color de nuestra capital. "El verde: hay verde por todas partes, muchos árboles", dice.Fijó su bitácora en Colegiales. "Es un barrio que me encanta y está creciendo mucho gastronómicamente", advierte. El sosegado solar porteño se caracteriza por sus amplias veredas, su arboleda, su retirado escenario de costumbres familiares, sus jardines florecidos y las innovadoras aperturas gastronómicas. "Para ser honesta, me continúa sorprendiendo", confiesa Wajda. Y apunta al presente gastronómico de Buenos Aires. "Encontrás de todo, los conceptos de comida son muy buenos", dice Wajda. Su curiosidad la llevó a frecuentar bodegones y lugares populares. "Ahí encuentro el elemento mágico", cuenta. Tiene un método que aplica en todos sus viajes y usó (y usa) en Buenos Aires: conocer los aromas y sabores en los menús callejeros. "Ahí está el verdadero sabor de un país", sostiene Wajda. "Entre un restaurante con estrellas Michelin y la comida callejera, me quedo con la segunda", enfatiza. Sin embargo, Wajda persigue la estética en su obra gastronómica, se vale de ella para transmitir aromas naturales y poco intervenidos. Destaca la búsqueda de Gonzalo Aramburu y tiene un conocimiento amplio de toda la escena foodie porteña. Su pulsión artística la lleva a la consagración en Marta Restaurante."Recibo a los clientes como si fueran mis amigos", cuenta Wajda. Algo de su Polonia natal sobrevuela en el aire de su restaurante, que apenas se ve desde la vereda con un cartel donde se destaca una letra M onduante. Se trata de una casa familiar que aún conserva ese espíritu, donde había habitaciones están las mesas. Solo entran 28 comensales, y una mesa singular, privada, en la terraza, bajo las estrellas. Un espacio pequeñoLa cocina sigue teniendo el mismo fin. En un espacio pequeño, cada uno de los miembros de su equipo se desplazan en pasos ágiles, gráciles y seguros. El movimiento es una coreografía perfecta.Ayudada por una luz cenital, Marta trabaja en el fin del emplatado. Es la artista poniendo su firma en la obra. Cada plato es una composición donde se equilibran valores cromáticos, se funden diferentes texturas y conviven carnes, salsas, hortalizas y flores. La parte lúdica de Wajda está liberada en su cocina. Suena a revancha por aquella rigidez de la cocina de la abuela donde no tenía permitido jugar. "Intento mostrar que comer puede ser divertido, juego mucho en cada plato", asegura Wajda. Un plato de trucha llega a la mesa. La carne es roja, brilla. Unas láminas de pepino, y pequeños pétalos, la propia Wajda va hasta la mesa para completar la obra: vierte dos salsas, una con un tono rosáceo y otra verde. Una pesca del día está camuflada con papas y plátanos fritos. "Un color puede cambiar todo", afirma Wajda. Su exploración es sibarita y algo en ella nos referencia a la niñez. Es una niña jugando en un cuerpo de una mujer de 40 años. Su curiosidad plantea un escenario recreativo gastronómico. "El camino del diseñador al cliente es demasiado largo: en cambio entre el chef y su comensal es muy cercano y ahí yo veo magia", afirma Wajda. Es clave esa revelación en ella. La transmite de un modo sencillo: se presenta en las mesas, habla con cada uno de los que están allí comiendo, los oye, la oyen y entre ella y ellos la conexión es clara. El español de Wajda se hace fluido en el propio misterio del cruce de miradas. "Si algo es hermoso, la experiencia entonces es más elevada", fundamenta.El sentido artístico de su cocina se completa con un pensamiento epifánico. "Si lo recordás puede abrir una puerta en tu mente y establecer una conexión con algún momento de tu vida", sostiene. En su caso, es el juego. De esta manera, con flores de su propia huerta, los platos se sostienen con colores, historias y sentimientos personales. "Toda en la Argentina es compartir", aún se asombra de nuestra identidad. La mesa es un territorio de paz y encuentro. Cuenta que la invitaron a comer un asado y estuvo al borde del llanto por eso: por la ceremonia de unión. En estos días la ciudad está florecida y en su caminata por Colegiales halló una orquídea. Vuelve a la misma premonición. "Siento una especie de magia en las calles", dice Wajda. "Asado, milanesa, pizza y fugazzeta", los platos que encantan a Marta. Se declara obsesionada por algo más: la chipa y las gomitas. En este tiempo goza de una merecida aceptación por sus colegas. La pequeña y luminosas casa restaurante ha ganado corazones. El boca en boca ha sido crucial para su proyecto. Con sus brazos tatuados y una sonrisa natural, su mirada es inquieta. "Este lugar ahora es mi vida", reflexiona.

El artista misionero Andrés Paredes homenajea a la cosmovisión guaraní en el Museo Sívori

Inspirado en la mitología guaraní y en la selva misionera, el artista presenta Un puñado de tierra. La exposición reúne murales, esculturas aromáticas e instalaciones hechas con tierra, yerba y cristales cultivados. Entre rituales, raíces y metamorfosis, el artista explora la conexión entre lo espiritual, lo vegetal y lo humano.

Bizarrap anunció su nueva sesión y sorprendió al revelar con qué famoso artista internacional es

La colaboración que esperaba toda la música urbana finalmente llegó: Bizarrap anunció una nueva "BZRP Music Sessions" junto a nada más y nada menos que Daddy Yankee, el pionero del reggaetón a nivel mundial, que regresa al género tras su retiro en 2023. La canción se estrenará el miércoles 5 de noviembre a las 21 horas de Argentina y promete ser un hit sin igual. El mundo de la música se paralizó este martes por la tarde con este anuncio de gran magnitud. Tras más de 11 meses sin publicar nuevas sesiones -la última fue a fines de 2024 junto a Luck Ra-, Bizarrap anunció en su cuenta de Instagram una colaboración con Daddy Yankee. Inmediatamente, las redes sociales se llenaron de comentarios por este encuentro tan esperado entre el productor argentino y el cantante puertorriqueño. Fiel a su estilo misterioso, ya que no se le conoce el rostro, Biza dejó varios enigmas en su publicación. A la hora de darle un número a la BZRP Mussic Session, que debería ser la #62 luego de Luck Ra grabó la #61, el productor le brindó a esta colaboración el "#0/66â?³. Una de las interpretaciones de este número "0â?³ a la sesión podría tener que ver con que Daddy Yankee es considerado el pionero del reggaeton y se transformó en el primer ídolo mundial de este género, donde luego brillaron artistas como J Balvin o Bad Bunny. Otra de las incógnitas que dejó el músico nacido en Haedo, tiene que ver con un encriptado comentario que dejó en el posteo. "Código 787. Alias 'El Calentón'", escribió y arrobó a Daddy. Hasta el momento no se sabe qué quiso decir el DJ, pero las teorías en redes sociales se dispararon. Con esta nueva BZRP Music Sessions, Bizarrap ya alcanza 62 temas lanzados junto a grandes artistas. El productor ya contó con la participación de intérpretes reconocidos como Shakira, Quevedo, Nathy Peluso, Peso Pluma, L-Gante, Trueno, Duki, Residente, Young Miko, Milo J, Arcángel, Paulo Londra, Anuel AA, Nicky Jam y Cazzu, entre otros. Para Daddy Yankee este sería su regreso a la música urbana luego de que anunció su retiro en diciembre de 2023, después de casi 30 años de carrera. En ese entonces realizó un último concierto memorable en el Coliseo José Miguel Agrelot de San Juan, Puerto Rico, que fue el cierre de su gira La Última Vuelta. Luego, el cantante se volcó a la música con fines religiosos y se volvió predicador evangelista. A fines de 2024 visitó Argentina y fue uno de los oradores en el Estadio de Chacarita Juniors, en un evento gratuito organizado por la iglesia evangélica Manantial de Bendiciones.El puertorriqueño fue uno de los pioneros del reggaetón junto a Don Omar y Tego Calderón. En 2005, su tema "Gasolina" lo catapultó a la fama global y fue la primera canción del género que se bailó en todo el mundo. Luego, año tras año enumeró más de una decena de hits que se transformaron en clásico, entre los que se encuentran "Lo que pasó, pasó", "Descontrol", "Ella me levantó" o "Limbo", entre otros. Esta nueva colaboración con Bizarrap seguramente se coloque entre las composiciones más famosas para ambos músicos.

Imitadora de Shakira fue bloqueada por el equipo de seguridad de la artista en concierto en Bogotá: seguidores de la colombiana reaccionaron

Vestida igual que la artista, "Shakibecca" intentó acercarse al escenario y fue bloqueada por seguridad, durante la canción 'Music Sessions No. 53â?²

Un artista en una isla

El impactante documental de Netflix sobre la vida de Juan Gabriel que revela aspectos no tan conocidos del artista

75 años después de su nacimiento y nueve tras su muerte, Juan Gabriel vuelve a aparecer en las pantallas de una manera única, con decenas de videos y fotografías de su archivo personal que muestran varios de sus ángulos más íntimos.La miniserie documental "Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero" (Netflix) integra en cuatro episodios un sinnúmero de grabaciones y fotografías que el propio Divo de Juárez guardó a lo largo de más de cuatro décadas de carrera musical y que ahora ven la luz.La documentalista mexicana María José Cuevas organizó el material para que fuera el propio Alberto Aguilera Valadez quien contara su historia, acompañado de las voces de sus hijos, sus amigos más cercanos y algunos colaboradores que estuvieron junto al cantante hasta su muerte en 2016."Juan Gabriel en el escenario es un estupendo cantante, al cual yo respeto y admiro mucho. Pero cuando estoy fuera del escenario, soy Alberto Aguilera", dice el cantautor al reflejar esa dualidad en su personalidad que lo acompañó a lo largo de su vida.En BBC Mundo seleccionamos algunos de los momentos que exponen facetas de Juan Gabriel que muchos de sus millones de admiradores quizás no conocen y que se muestran en el documental (alerta de spoilers).1. Alberto, Adán y Juan GabrielAlberto Aguilera Valadez nació en enero de 1950 en Parácuaro, un pequeño pueblo mexicano del estado de Michoacán (oeste). Pero siendo todavía un bebé fue llevado por su madre a Ciudad Juárez, Chihuahua (norte)."Mi papá murió y entonces tuvieron problemas mi mamá con las cuñadas, ya sabes cómo son las cuñadas", cuenta el cantante en una grabación del documental.Ya desde los 13 años, aquel joven tenía el deseo y el talento para cantar ante el público.Asegura que lo hacía en la calle, en los autobuses y los tranvías, y poco a poco fue adentrándose en el mundo de los clubs nocturnos de una ciudad conocida por sus luces y espectáculos que atraían tanto a locales como a estadounidenses.Era la década de 1960 y desde ahí inició su prolífica vida como compositor.Su primer nombre artístico fue Adán Luna, un nombre que tomó de un cómic de superhéroes que llevaba ese nombre.Aunque el joven cantante ya comenzaba a ganarse la vida y abrirse paso, "me pagaban US$10 diarios", decía, sabía que tenía que irse a Ciudad de México para encontrar las luminarias que lo proyectaran a todo el país. Y así lo hizo.Luego de tocar puertas y superar muchas dificultades, finalmente le dieron la oportunidad de hacer coros a la cantante Angélica María y en el sello discográfico RCA le abrieron el micrófono.Quedaron impresionados por su voz, por la letra de sus canciones y por su estilo. Tenía unas 150 canciones compuestas para entonces.Pero Adán Luna no era el mejor nombre. Le pidieron que se creara una nueva identidad y al joven cantante se le ocurrió Gabriel, porque así se llamaba su padre, y añadió un nombre que le combinara: Juan."Para acostumbrarme lo escribí miles de veces", decía. Entonces comenzó su carrera como cantante profesional en agosto de 1971.A lo largo de su vida, sin embargo, Alberto Aguilera usó su nombre real cuando estaba fuera de los escenarios y muchos de sus seres queridos y colaboradores lo llamaban Alberto.2. Violación y cárcelEn el documental se muestra cómo las vivencias de la infancia marcaron profundamente a Juan Gabriel, tanto su personalidad, como su carácter y su música.Entre los momentos más duros que el propio cantante muestra fue la falta del amor de su madre, que lo llevó a un internado siendo un niño de 5 años.Siendo adolescente, también estuvo involucrado en acusaciones de robo que lo llevaron a tener problemas con las autoridades, y alguna vez fue llevado a una correccional juvenil simplemente por su forma "amanerada" de ser.Un oscuro momento en su vida se dio a los 13 años, cuando trabajaba como mozo para un sacerdote en Ciudad Juárez que abusó sexualmente de él. Según se muestra en la producción de Cuevas con algunos documentos de la época, el propio Juan Gabriel dio testimonio de eso en una declaración escrita.En Ciudad de México, fue acusado a los 20 años de cometer un robo en una casa. Fue internado en la temida cárcel de Lecumberri, donde enfrentó una sentencia de un año y seis meses, y pasó meses tras las rejas.Pero este último episodio lo llevó fortuitamente a conocer, a través del director de la cárcel de Lecumberri, a la cantante Enriqueta Jiménez, quien quedó asombrada por el canto del joven y no solo gestionó su salida de prisión, sino su oportunidad de cantar para la firma discográfica RCA.3. Su "Amor eterno"Al despegar su carrera, Juan Gabriel quiso reconectar con su madre y con el amor que no tuvo de niño.Le compró una casa, la llevaba de viaje y la quería cerca de él "bajo cualquier pretexto"."Mi mamá, tal vez por lo que pasó (en su vida), no era efusivaâ?¦ Me la hice mi amiga, como si nunca hubiéramos estado separados", dice Juan Gabriel en una de las grabaciones del documental.La muerte de Victoria Valadez Rojas, en diciembre de 1974, cuando Juan Gabriel tenía casi 25 años, fue uno de los golpes más duros para el joven cantante.No quiso verla en un ataúd, por lo que no asistió a su funeral. "Me perdí, me descontrolé", decía el cantante.Pero un tiempo después, volver a los escenarios y retomar su música fue su forma de "huir del dolor".En ese entonces compuso "Amor eterno", una desgarradora balada del amor de un hijo a su madre fallecida que quedó guardada entre sus canciones inéditas.Tuvo que pasar una década para que una de las divas de Juan Gabriel, la española Rocío Durcal, grabara por primera vez "Amor eterno" en 1984 y se convirtiera desde entonces en una de las canciones más escuchadas e íntimas escritas por el Divo de Juárez.4. El misterio de sus hijosUna de las facetas menos conocidas de Juan Gabriel, que se muestra en el documental a través de decenas de videos caseros, es la relación con sus hijos: Iván, Joan, Hans y Jean (todos con el segundo nombre Gabriel).En la década de 1980, el cantante presuntamente adoptó a Iván y Joan. En el documental los muestran como bebés que recién comienzan a hablar y caminar. Una mujer, Laura Salas, hermana de Jesús Salas, el mejor amigo de Juan Gabriel, se hacía cargo de ellos. Vivían en Santa Fe, Nuevo México (EE.UU.).Tiempo después llegan Hans y Jean, que también son mostrados cuando eran niños pequeños conviviendo con el cantante en momentos familiares. "Siempre estuvo presente en las fechas más importantes", asegura Laura Salas.Pero ninguno de los entrevistados, incluyendo los propios hijos del cantante, explican cómo se conformó la familia.Cuando Juan Gabriel es entrevistado por un periodista años después, dice que no tiene que dar explicaciones ni responder a los rumores de si los tuvo con inseminación artificial."Nos hizo vivir en Estados Unidos para protegernos de las noticias, de todo, de la otra parte del negocio de ser Juan Gabriel", apunta Jean. "Cuando fui a su concierto, ahí supe exactamente lo que era. Me daba mucha energía. Super orgulloso de él", añade Hans.Tardaron una década en saber que Laura Salas no era su madre biológica, aunque aseguran que siempre la quisieron como tal.5. El magnoconcierto de Bellas ArtesEn la campaña presidencial de México de 1988, Juan Gabriel manifestó su apoyo por el candidato oficialista Carlos Salinas de Gortari, quien luego resultó electo en una votación que ha sido cuestionada desde entonces.El apoyo a Salinas de Gortari a la postre tuvo una retribución importante para Juan Gabriel, quien en 1990 tuvo la oportunidad de presentarse en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, uno de los máximos recintos culturales del país que siempre se había reservado para la "alta cultura".El acceso al foro para un concierto de música popular, interpretada por un artista popular y no bien aceptado por la sociedad conservadora y machista del país, estuvo envuelto en polémica."Sacrilegio", "anticultura", "vulgar" eran algunas de las palabras en los diarios, como muestra el documental.La directora de difusión cultural de entonces, Esther Pozo, recuerda en la miniserie aquel momento: "El director de Bellas Artes, mi jefe, me decía 'No, no, no, estás loca, olvídalo'â?¦ La cultura popular tenía su lugar, y la alta cultura el suyo. Y este era el lugar de la alta cultura".Pero un apoyo decisivo vino de una de las fans de Juan Gabriel, la primera dama Cecilia Occelli, quien intervino a favor del cantante.Con la autorización, Juan Gabriel tuvo que enfrentar todavía el rechazo del director de la Orquesta Sinfónica Nacional, Luis Herrera de la Fuente, que se negó a participar. También hubo amenazas de huelga del sindicato del recinto.Superando todo, el 9 de mayo de 1990 Juan Gabriel se presentó en Bellas Artes y dio uno de los conciertos más inolvidables de la cultura musical mexicana, con la Orquesta Sinfónica y su coro bailando junto a un mariachi los éxitos de Juan Gabriel, así como un público entregado totalmente al Divo de Juárez."La música es la música. Yo deseo, de todo corazón, que todos mis compañeros [cantantes] tengan la misma bella oportunidad que yo. Así como Mozart, Bach, Tchaikovsky, Beethoven tuvieron tantos problemas en sus tiempos, porque ellos también pertenecieron a una música popular y ahora son clásicos. No es que yo me compare con ellos, sino que ellos también fueron alguien como yo", dijo Juan Gabriel desde el centro del escenario de Bellas Artes.6. Su finalPara la década de 2010, Juan Gabriel sumaba más de 40 años de carrera y éxitos musicales.Era autor de más de 500 canciones, muchas de ellas interpretadas por otros grandes cantantes mexicanos y de otras nacionalidades.Pero el tiempo ya comenzaba a hacer efecto en su voz y su condición física. Aunque su ánimo y su espíritu en el escenario eran los de siempre, ya no tenía las mismas condiciones de antes, y eso lo sabía el cantante."Si yo me sintiera mal en un escenario, yo no diría nada, continuaría. Si me desmayo y esto, ya sabría la gente que es porque me gusta cantar y tengo muchos años cantando", pensaba.En 2014 sufrió una neumonía que lo llevó a estar varios días intubado durante dos meses de hospitalización. Luego de su recuperación, el cantautor volvió a los escenarios. Y un día después de una presentación en Los Ángeles, sufrió un paro cardiaco fulminante."Me llamaron en la mañana y me dijeron que no se sentía bien mi papá. 15 o 20 minutos después me dijeron que mi papá ya había fallecido. Cuando colgué el teléfono, me quedé mirando a la ventana y ni sabía qué estaba viendo", cuenta su hijo Iván Aguilera.Juan Gabriel falleció el 28 de agosto de 2016.Sus seres queridos, sus amigos, sus músicos y millones de fans quedaron impactados por la noticia.Uno de los más grandes de la música mexicana y de habla hispana había muerto.Le siguieron homenajes en México y otras partes del mundo a donde llegó su arte.Su música sigue estando entre lo más reproducido y sus éxitos siguen siendo cantados por otros artistas. Incluso ha habido rumores de que no está muerto, algo que sus admiradores quisieran que fuera real."Alberto Aguilera, mi papá, murió en 2016. Pero Juan Gabriel aún está vivo aquí con nosotros, cantando", concluye su hijo Hans Aguilera en el documental.*Por Darío M. Brooks

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Facundo Bogarín, el artista que derriba mitos y dirige la 'revolución sensorial' del teatro

Facundo Bogarín nació en Buenos Aires, en el seno de una familia donde la ceguera era parte de la normalidad. A los 15 años perdió la vista completamente, pero supo ser resiliente gracias a su vocación artística. "A partir de los 9 empecé a ver menos y a usar anteojos con mucho aumento, hasta que la ceguera se volvió una posibilidad latente. Si bien no iba a ser algo tan sorpresivo, uno nunca está del todo preparado para que pase", le contó Facundo Bogarín a José Del Rio, secretario general de Redacción de LA NACION, durante el Summit de Salud organizado por el medio.Haber crecido con padres ciegos y con el ejemplo de que la vida podía continuar con plenitud, citó, le permitió amortiguar el impacto del diagnóstico. "Para mí no era algo llamativo ver a una persona ciega; de hecho, descubrí que mi mamá tenía algo distinto cuando empecé a ir al jardín y noté que las otras mamás sí podían ver", recordó.Acostumbrado a esa normalidad, las cosas cambiaron cuando conoció a Érica, su actual pareja y cofundadora junto con él de Ciegología, un proyecto en redes sociales en el que ambos suben contenido con motivo de derribar mitos sobre la ceguera. "Cuando Érica entró a mi casa por primera vez la norma era no ver; en este caso ella era la rara", destacó Bogarín. Su relación se afianzó y con ello vino un mayor interés por parte del público. "Todo el tiempo nos hacían preguntas a los dos sobre el tema, tanto a mí por mi condición como a ella por ser pareja de alguien que no ve". Había muchas preguntas dando vueltas y ningún canal de respuestas. Así, reconoció, se originó Ciegología.El proyecto fue creciendo y ellos pasaron de responder preguntas básicas a asumir un rol de mayor responsabilidad social. "De repente me habló una profesora española y me consultó cómo podía adaptar los contenidos académicos a alumnos ciegos", relató. Fue en ese entonces que pudieron tomar dimensión del nivel de impacto que tenía su cuenta. Su faceta artísticaDe adolescente soñaba con convertirse en una estrella de rock, pero la vida lo llevó hacia otras ramas â??no tan lejanasâ?? del arte. "Cada vez que hay un casting en el que buscan un actor ciego me llegan muchos mensajes de mis conocidos reenviándomelo", contó. Esto es lo que le pasó con una propuesta que, para ese entonces, era confidencial. "Hice el casting en agosto de 2021 y me confirmaron en febrero de 2022. Fueron seis meses de pura ansiedad, pero valió la pena", dijo sobre su estrellato en la serie División Palermo.Ahora ya con dos temporadas filmadas, el formato se convirtió en un contenido indispensable de la cultura popular. "Sabíamos que iba a tener impacto y que se iba a hablar de la serie, pero no dimensionamos que iba a ser considerada una genialidad", agregó.En paralelo a las filmaciones, Bogarín seguía trabajando como director de Teatro Ciego, una experiencia teatral distinta a cualquier otra. "De repente entrás a una sala oscurecida que no sabés cuán grande es, ni quién está al lado tuyo, y tu imaginación se pone en blanco", ilustró. En la obra, añadió, no hay vestuario ni escenografía, se trabaja con sistemas de sonido envolventes, sensaciones táctiles, aromas y experiencias de comida en las que el menú es sorpresa. Sin embargo, para llegar a dirigir la artística de las obras tuvo que pasar por varios roles. "Entré a Teatro Ciego por casting y quedé. Rápidamente comencé mi formación como actor con Raúl Serrano, experimenté en otros puestos dentro del teatro y ahora soy el director". Resiliente es un adjetivo que le queda chico. Se enfrentó a un obstáculo, lo superó y lo transformó en una herramienta para construir una carrera y tener una buena calidad de vida. "El primer obstáculo al que nos enfrentamos somos nosotros mismos. En segundo lugar, aparece 'el otro', porque sin darnos cuenta a veces obstaculizamos a los demás con la forma en que nos dirigimos o los tratamos", concluyó.

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