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El 'cura flamenco' que baila en sus misas, un artista a los 76 años

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La joven es una de las compositoras de 'La pena', la canción de DeTeresa en el certamen de RTVE

Por qué Raphael se escribe con 'ph' y otras curiosidades del artista

La carrera de Raphael despegó a finales de los años 60, cuando decidió expandir su presencia más allá de España

Marisa Paredes, la artista comprometida que cargó contra PP y Vox por censurar obras culturales: "Nacer en una dictadura me hizo querer ser libre"

La intérprete española manifestó su compromiso político hasta el último momento y advirtió en sus apariciones que la cultura corre "un peligro evidente" en España por el avance de la extrema derecha

Adiós a Remo Bianchedi: un artista, un filósofo, un hombre libre

Artista autodidacta e incansable buscador de la libertad, falleció a los 74 años.Deja un legado de resistencia, contemplación y transformación artística. Desde el Amazonas hasta las sierras de Córdoba, su vida fue una obra de arte en sí misma.

Murió a los 74 años el artista Remo Bianchedi, que hizo de Nautilius su refugio en las sierras de córdoba

CÓRDOBA.- Bonaerense de nacimiento, pero de Cruz Chica, La Cumbre, por adopción, el artista plástico y poeta Remo Bianchedi falleció ayer a los 74 años en esa ciudad del Valle de Punilla de Córdoba. Había llegado en 1989 y Nautilius, como bautizó a su casa, se convirtió en su refugio y también en su galería, ya que allí realizaba muestras y vendía sus obras, las que desarrolló por fuera del circuito tradicional del arte. Eligió el lugar, según contó el mismo a LA NACION, por el pintor Miguel Ocampo, quien también vivió muchos años allí.A mediados de este año se estrenó la película Yo no es otro, dirigida por Santiago Sein, quien pudo documentar cómo Bianchedi desarrollaba su arte en ese "contacto (meta)físico de las manos sobre el lienzo". El film lleva el mismo título del libro que el artista publicó en 2010 como un diario de reflexiones y obras.En diálogo con este diario, dijo que el título de su libro "es el espejo invertido de aquella sentencia de Arthur Rimbaud 'Yo es otro'". También en esa charla afirmó que su relación con los curadores "nunca implicó una relación laboral. He preferido ampliar mi concepto del oficio de artista para que pueda convertirme en un artista autónomo. Es decir, en alguien que sepa imaginar, producir, difundir y comercializar los productos de su trabajo"."Conozco el mundo del arte, pero no vivo en él ni de él", afirmó y se definió como un "artista del ahora". Insistió en que su "deseo no es hacer arte sino vivir en libertad. Siempre he creído que el arte político o comprometido es estética y políticamente ineficaz. Una cosa es la producción de símbolos y otra, la producción de estrategias de poder".Bianchedi, quien vivió también unos años en España y en Alemania, repetía que Buenos Aires no le gustaba, por lo que se había mudado a las sierras cordobesas. "No intento cambiar el mundo sino comprenderlo en su cambio constante", sostuvo hace 14 años.En el 2000 puso en marcha la Fundación Nautilius, un taller de diseño y oficios del que participaron chicos de la calle y con los que apuntaba a capacitarlo e insertarlos laboralmente, además de incidir directamente en el paisaje social. Pensó la institución como una intervención urbana desarrollada en equipo.En una entrevista con Laura Batkis contó que la idea surgió de su experiencia como discípulo de Joseph Beuys (NR: quien dijo "todo hombre es artista") cuando estuvo exiliado en Alemania. "Hace muchos años que quería saber si era posible, aunque sea como experimentación, entender la práctica artística como vehículo de transformación social, como modificación de problemáticas sociales. Entonces, en esta instancia democrática, lo primero que se me ocurrió fue armar una institución, que no fuera un grupo en el que después la gente se termina cansando, disociando. Y así encontré el modelo de fundación, es la Nautilius".Subrayó que la letra "i" en el nombre "es muy importante, porque la Nautilus, que es el verdadero nombre del libro de Julio Verne se hundió. Y no quiero que esta nave se hunda".Su última muestra en una galería externa a su mundo fue en Marchiaro, en la ciudad de Córdoba, a mediados de este año. "Instantes perpetuos. Antología figurativa 1979-2019â?³, fue una selección de obras "de series emblemáticas y series inéditas", según consta en el catálogo de la exposición que incluyó dibujos, pinturas, grabados, collages y construcciones.Aunque tuvo invitaciones para participar de arteba, las rechazó. En cambió se sumó, en 2016, al Mercado de Arte de Córdoba con una serie de cartas intervenidas. "Retrato de una relación" expuso su amistad con el galerista Jacques Martínez. Fue la hija de Martínez, Clara, la que le llevó las cartas a Bianchedi para que las trabajara.El cuerpo de Bianchedi, quien vivía solo, fue encontrado ayer por la tarde por la persona que lo ayudaba con las cosas de la casa. La decisión de la familia -se había separado de su pareja- es cremarlo y esparcir las cenizas en la zona donde está Nautilius.

Maluma en Bogotá: precios, ubicaciones y demás detalles del concierto del artista paisa en El Campín

El 'Pretty Boy' debutará en el Estadio Nemesio El Campín, una cita que tenía pendiente con su público de la capital colombiana: "Este concierto me lo soñaba desde hace mucho tiempo"

La artista que renació: Mariela Renatti (Renatta) fue reconocida por la Legislatura porteña

La creadora autodidacta fue declarada Personalidad destacada de la Cultura. Su obra se caracteriza por el uso de materiales no convencionales como arena de cuarzo y madera.Y refleja un viaje de perseverancia y transformación personal.

El artista Weiwei reduce el impacto de la IA en el arte porque importan los sentimientos

Exesposa de Daddy Yankee es denunciada por el artista tras sacar millonaria suma de dinero sin permiso: los detalles de lo que pasó

El cantante denunció a Mireddys González por el gran movimiento de plata que hizo sin su consentimiento

El exótico castillo creado por un artista solitario que atrae al turismo en un pueblito norteño

En medio de las montañas riojanas, bien al norte, enmarcado por los cerros del cordón de Velasco y un cielo surcado por el vuelo de los cóndores, se levanta el increíble castillo de Dionisio, una curiosidad de piedra y cemento diseñado con imágenes caprichosas e inquietantes por Dionisio Aizcorbe. Este hombre solitario eligió a los 53 años dejar atrás su pasado para llevar una vida austera y fundar una obra de arte con sus propias manos: la representación de sus creencias.El castillo, una especie de catedral ecléctica con figuras surrealistas de difícil interpretación, se encuentra inserta en un paraje perdido donde el silencio es apenas perturbado por el agudo silbido de los pirinchos o el agua de las acequias que baja desde las colinas. Y es la principal atracción que convoca actualmente a turistas locales y extranjeros a este remoto pueblo.Santa Vera Cruz es una modesta aldea de casas de adobe, la última en el camino de los "pueblos de La Costa" -llamados así porque están al pie de los faldeos de la Sierra de Velasco-, un poblado de apenas unas 200 almas donde habitaba la cultura Aguada en los siglos XVI y XVII.El último tramo desde Santa Vera Cruz hasta la misteriosa catedral es por una calle empinada de tierra, si se elige la caminata en lugar de una cuatro por cuatro para subirla. A 1.800 metros de altura es probable que se acelere la respiración, pero vale la pena el esfuerzo.Mientras se asciende pueden observarse los cambios del paisaje: la vegetación achaparrada, propia de las regiones semidesérticas, se transforma en la proximidad de este caserío a causa de los canales de riego que construyeron los picapedreros hace más de cien años. El agua es el milagro. Junto a los clásicos cardones que asoman a lo largo de la ruta 75 (por donde se accede a todos los pueblos costeros, incluido Santa Vera Cruz) emerge una versión distinta del paisaje: en lugar de matorrales a ras del suelo, sobresalen arboles erguidos, sauces, nogales, álamos y el sepia de la tierra semiárida se vuelve de un verde brillante. El perfume de las rosas y de las flores nativas son otros indicios de que estamos a pocos pasos del castillo de Dionisio y sus imágenes oníricas."El loco de la colina" y su obra estrafalariaAl llegar, lo primero que llama la atención es la puerta de acceso. Se trata de un portón de hierro revestido en cemento con un arco superior donde se lee "Homenaje a Vincent Van Gogh". Encima de esta entrada hay unas aspas de molino pintadas de amarillo, naranja y ocre, similar a los molinos de Van Gogh. Luego de atravesar el portón principal se desemboca en un jardín custodiado por la figura de Buda y otras esculturas orientales. Más adelante hay una representación del Vía Crucis y continúa por un pasadizo de columnas desde donde cuelga, como suspendido en el techo, una gran talla de un barco vikingo.Todas las paredes externas de la casa de Dionisio tienen diferentes esculturas, y en una de las fachadas se destaca una serie de máscaras de color rojo, negro y blanco con reminiscencias africanas. También abundan signos de mantras, animales que semejan grandes reptiles, figuras que tocan el arpa junto a otra que baila, y una gran ojiva, como si fuera el ingreso al útero materno que representa la fecundación, la gestación de la vida.Todo tiene un significado y una lógica que sólo conocía su autor, y que luego explicó en su libro, Hijos del Cosmos. Su filosofía asoma en las leyendas que están inscriptas en las paredes: "La paz mental significa el fin de todo daño, el que tiene mente en paz permanece seguro"; "Nadie cura a nadie, el hombre tiene el poder de curarse solo a través de sus pensamientos"; "Por cada flor de amor y caridad que plantes en el jardín de tu vecino, desaparecerá una mala hierba del tuyo".El estilo de su catedral fue comparado con la obra de Antonio Gaudí, específicamente con el Parque Güell en Barcelona, pero lo cierto es que Dionisio no habría conocido la obra del catalán y, aunque existan similitudes, se debería a la pura coincidencia. Lo que los acerca a los dos artistas es su libertad de expresión y una imaginación desbordante. Pero su vida fue muy distinta: mientras que Gaudí como arquitecto tuvo una formación académica y fue reconocido como el máximo representante del modernismo español, Dionisio apenas terminó la primaria y, según se sabe, fue "un chico de la calle". En cuanto al modo de trabajar, mientras el catalán ideaba las formas y las reproducía con un equipo de colaboradores en maquetas tridimensionales, este "loco de la colina", según lo apodaban sus vecinos, lo hizo absolutamente solo, sin más proyección que lo que le dictaban sus manos.En cuanto a influencias, Aizcorbe se sentía próximo a Van Gogh, quizás no sólo porque lo admiraba como artista, sino por el aislamiento y el poco reconocimiento a su genio que tuvo el holandés mientras vivía.Treinta años le llevó a Dionisio construir su alcázar. De él decía la gente de los alrededores que estaba poseído por el demonio, que había brujas que rondaban su fortaleza. Que era un alemán que había escapado de la guerraâ?¦Nada de eso era cierto.Dionisio Aizcorbe, oriundo de Santa Fe, carpintero, a cargo de una mueblería en el pueblo catarmaqueño de Tinogasta y una bodeguita de vinos artesanales, un buen día resolvió vender todo para instalarse en el extremo más aislado del pueblito de Santa Vera Cruz y allí cumplir su sueño, vivir con lo esencial, sólo comer verduras, y abandonar todo lujo para cultivar su espíritu. En poco tiempo se despojó de sus pertenencias; para comprar el lote donde levantó el castillo y su hogar, vendió un juego de muebles, el último que le quedaba, y allí se estableció. De inmediato se puso a construir una casa alpina que fue transformando de apariencia para hacer su obra donde conviven representaciones tan disímiles como San Jorge y el Dragón, el ave Fénix y la leyenda de Osiris.Para dedicarse a su castillo, Dionisio dejó todo: un pequeño comercio, su oficio y su familia inclusive; estuvo casado de muy joven con una pianista y tuvo cuatro hijos con los que casi nunca se veía. Eligió vivir completamente solo en los laberintos de su castillo, tan complejos como los de su mente, desde que llegó a este lugar a sus 53 años hasta que murió, treinta años después, el 28 de diciembre del 2004.Tras su muerte, la obra estuvo abandonada durante cinco años sin nadie que la reclamara, hasta que Pedro Armando Fernández, un guía de turismo en La Rioja, pasó a verla y se enamoró. Como Dionisio, él también decidió afincarse en el paraje. Hoy muestra el paisaje que rodea el castillo, mira el cielo, señala un cóndor que planea en círculo y asegura: "El lugar tiene una energía especial, irradia una vibración contagiosa que de alguna manera te cambia. Yo cuando compré esta catedral increíble a una de las hijas de Dionisio que vive en Misiones, estaba decidido a vivir acá y convertirlo en un lugar turístico".El nuevo anfitrión cuenta que le llevó un tiempo reconstruir algunas partes del castillo que se habían deteriorado, pero que no se arrepiente de la apuesta que hizo. Cuando vivía Dionisio, era simplemente su casa, y nadie entraba sin su inspección espiritual previa. Acá venían a verlo de todas partes. Una visitante asidua era Ludovica Squirru, que decía que las ondas del lugar la ayudaban a escribir su horóscopo chino."Al parecer, Dionisio tenía el don de leer el aura de la gente y el que por algún motivo no pasaba el examen de su mirada, se quedaba en la puerta. Ahora los turistas son bienvenidos todos los días del año", explica Fernández.Pedro explica que, pese a su aislamiento, Dionisio no era un ermitaño, sino un profeta particular. "En realidad, su catedral fue el legado que quería dejar. Cada piedra, cada imagen que construyó, llevaba impresa su filosofía; su obra fue la materialización simbólica de su manera de vivir. Él hablaba de temas que en su época eran apenas conocidos, como honrar a nuestro planeta, respetar el medio ambiente y la vida de cualquier ser vivo (no mataba ni a una hormiga); era vegetariano y pregonaba, sin jerarquizar, la sabiduría de Buda, Jesús o Mahoma. Él creía que la muerte era un tránsito hacia otra vida", relata.En un ángulo de la habitación donde la luz se filtra por unos vitraux de colores, cuelga la fotografía de Dionisio Aizcorbe, un hombre de larga barba blanca que mira con sus ojos claros, como traspasando los límites del tiempo.Datos útilesSanta Vera Cruz, La Rioja.T: 011 15-4473-4566.www.castillodedionisio.com.arVisitas guiadas al castillo todos los días de la semana, más otras actividades alternativas como yoga y meditación con cuencos tibetanos. También es posible hacer trekking y senderismo por el majestuoso paisaje del cerro de Velasco.

Imperio Cazzu: qué patrimonio tiene la artista jujeña

La cantante consiguió ser una de las traperas más importantes del país, con fuerte impacto internacional. Su música la llevó a ganar una llamativa suma de dinero.

Renatta: artista contra viento y marea, y personalidad destacada de la cultura

La artista Mariela Renatta Renatti, investigadora de las materialidades poco convencionales, recibirá este viernes el nombramiento de Personalidad Destacada de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en el ámbito de la Cultura. La distinción será entregada en la Legislatura porteña por el artista Eugenio Cuttica y el legislador Yamil Santoro, autor del proyecto de declaración.La Habana según Padura: el libro que el gran autor cubano siempre quiso escribirSe trata de una artista autodidacta, que no transitó los escalones de la carrera que hoy siguen los jóvenes que aspiran al gran mercado del arte internacional (academia, programa de artistas, clínicas, residencias y concursos). La vida la llevó por otros lados, al ser mamá a los 22 años (trabajos rentables de muchas horas para criar sola). Y siguió relegada la artista que había en ella por unos cuantos años. En la última década, retomó su pasión con tanta energía que logró también exponer y vender obras en países como Estados Unidos, Singapur, Inglaterra y China, apoyada por su compañero incondicional, Juan Yun. La alientan miles de seguidores en las redes.Se había iniciado tomando clases de pintura cuando tenía 7 años y nunca dejó de pintar. A los 17 años pintó un mural en Santos Lugares, su ciudad natal, y recibió un diploma de manos del escritor Ernesto Sabato. Renatta se hizo sola, con su trabajo cotidiano en su taller. Siguió creando siempre. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires (por esa idea de que no es posible vivir del arte) y obtuvo un diploma como Coach Ontológico Profesional, especializada en gestión emocional. De las dos formaciones hay mucho en su obra: la libertad de trabajar sin manuales, inventando técnicas y sumando materiales que no están en la historia del arte y su tesis, titulada Cómo rediseñar una emoción a través del arte, que refleja su enfoque en el arte como medio de transformación emocional."Las artes plásticas son para mí una experiencia visceral, una conexión profunda con los materiales que trasciende lo racional. Siento la necesidad de romper la superficie, de incorporar texturas y elementos que, aunque inmóviles, generen sombras, luz y movimiento, otorgando vida a cada obra. Mi búsqueda es desvelar mundos internos ocultos, transformarlos en luz y despertar en el espectador una sensación única, como si algo dormido en su alma se despertara, susurrándole un mensaje profundo y revelador", dice ella.En su serie anterior, Fluidos, creaba grandes abstracciones que podían leerse como paisajes. Dejaba correr el color por la tela, lo escurría o frenaba. Ponía a bailar piedras en ríos turquesas y astillaba troncos de acacias sobre cuadros color antílope. Es tanta la textura de estas obras que se exhibieron en el Museo de la Discapacidad María Kodama: se puede pasar la mano sobre la superficie de aquellas pinturas y sentir una marina, aun sin verla. Una geografía vista desde el aire por un pájaro.Entonces, al visitar su taller, era habitual encontrala descalza saltando de un lienzo a otro desplegados en el piso, con sus potes de pintura en las manos. Iba salpicando color, brillo de plata, viruta, azul de ultramar. Renatta hacía correr mares, montes, arboledas: era por un momento la madre naturaleza y transformaba la cartografía con su vuelo.Ahora, el paisaje en su taller es otro. Ella recibe transpirada y con una máscara como de astronauta. Cambió totalmente su obra. Del plano pasó al volumen y a torcer, moldear, apretar con las manos la materia que pinta con aerosoles. Busca lo que mejor canalice ese amor que tiene tan profundo por hacer arte. Un género levísimo (en apariencia) vuela afuera del marco, se estira y se mueve con el viento. Es la misma sensación que provoca ver los pliegues del lino o la seda en una escultura de mármol. Su intuición la hace dejar de lado las texturas: los tachos de pintura, la arena, la viruta y los brillos la esperan a un costado. Con las manos manchadas, poseída por su batalla cuerpo a cuerpo con la obra, a la que se entrega con pasión, se sumerge en un plano al que curva o estira, lo deja salir del marco del bastidor y desplegarse. Toma ese lienzo y lo pone de pie.Le costó encontrar la técnica ideal para esta nueva serie. En el camino se quemó, se frustró... Casi prende fuego todo el taller tratando de modelar unas mediasombra que soñó en algún momento que la iba a poder hacer rígidas. Probó el yeso también. "Quería algo que tuviera un cuerpo fácil de moldear. Y bueno, me encontré con estos vinilos maravillosos y con la forma de poder moldearlos y darles color", cuenta. Le llevó tiempo y esfuerzo físico encontrar su manera de crear. No revela sus secretos. Esa es su alquimia. Su arte es un gran experimento donde no se limita con nada. Quizá sea ese su misterio.

Erika Zapata reveló detalles del rumor de su romance con Andy Rivera y la respuesta del artista

La famosa presentadora relató esta historia con el carisma que la caracteriza y contó detalles del falso noviazgo con el cantante

Recuperaron una de las 45 obras del artista Ómar Rayo hurtadas en Bogotá: está avaluada en $200 millones

Por el delito de receptación fue detenido un hombre de 46 años, que tenía en su poder la obra de arte titulada 'Velamen del Wayuu XXI', del pintor colombiano nacido en el municipio de Roldanillo

Una artista estadounidense transforma las habitaciones de un hospital para pacientes con cáncer en obras de arte

El arte como escape: Colleen Wall y su proyecto de murales que sanan el alma surgió cuando recibió un diagnóstico que cambió su vida

Andrea Echeverri contó que no quería ser madre, pero el yagé transformó su vida: "Deseaba ser solo artista"

La vocalista de Aterciopelados habló sobre la maternidad y cómo una bebida ancestral cambió sus planes en los que terminó siendo mamá de dos hijos, ama de casa y al tiempo cantante. "Yo no quería bebés. quería dedicarme a otras cosas", dijo

De Manuel Puig a estudiar guion con el hermano de Mirtha Legrand: Dennis Smith, un artista multifacético y todoterreno

Actor, director, productor y autor, además de talentoso y carismático, Smith sobresale en la escena porteña con tres propuestas. Actúa y codirige Mi vida anterior, en el Cultural San Martín; protagoniza James Brown usaba ruleros, bajo la dirección de Alfredo Arias; y debutó como director de cine en Virgen Rosa.

Artista shipiba-koniba Milka Franco denunció que Anis Samanez la denigró y exige nueva ley: "Me dijo que soy una desgraciada'"

La mujer indígena dio detalles íntimos sobre la conversación que tuvo con la diseñadora y anunció protestas afuera del Congreso exigiendo una ley que las respalde

El artista y sus fans

El año de Taylor Swift: una artista que marcó récords, conquistó escenarios y redefinió la música pop mundial

Con su creatividad y dedicación, la cantante estadounidense logró romper barreras en diversos ámbitos del arte y el entretenimiento

Hermano de Diomedes Díaz reveló detalles de la vida y fallecimiento del artista

Según Elver, el primer gran golpe a la dinastía fue el fallecimiento de una de las hermanas de la familia Díaz

De la selva peruana para el mundo: quién es Sara Flores, la artista Shipibo-Conibo que colabora con Dior

Con su enfoque único, esta artista se suma a un selecto grupo de artistas invitados por la famosa casa de modas para reinterpretar el legendario bolso Lady Dior, llevando la cultura amazónica a los ojos del mundo.

Los pulpos que fascinan al artista Shimabuku vuelan en forma de cometas en Santander

El conmovedor mensaje de Sylvia Pasquel, la hija de Silvia Pinal, tras la muerte de la artista: "Te fuiste"

Luego de que se diera a conocer la muerte de la actriz Silvia Pinal, quien falleció este jueves 28 de noviembre la vida a los 93 años, su hija mayor, Sylvia Pasquel, compartió un conmovedor mensaje a través de las redes sociales. La también actriz recordó a su madre con amor y agradecimiento, mientras todo México lamenta la partida de una de sus figuras más queridas.El último adiós de la familia de Silvia PinalA través de su cuenta oficial de Instagram, Sylvia Pasquel publicó un sentido mensaje tras la muerte de su madre. "Te fuiste y una parte de nosotros se marchó contigo", se lee en la carta compartida por Pasquel en su publicación, acompañada de una fotografía de la diva del cine de oro mexicano durante su juventud, su época de mayor esplendor.Además, agradeció a su madre por el amor incondicional que siempre mostró hacia su familia: "Gracias por querernos como nadie nunca lo hará. Por tu bondad y por todo lo que nos diste en la vida". También destacó el legado que Silvia Pinal dejó no solo en el ámbito artístico, sino también en la vida personal de quienes la rodearon. "Aunque tu partida nos deja una gran tristeza en nuestras vidas, también nos deja un legado de amor, fortaleza y creatividad artística que honramos", completó.Por último, concluyó: "Siempre vivirás en los corazones de todos los que te amamos y admiramos. Gracias por tanto. Viva la gran estrella que siempre brillará. ¡Viva por siempre la gran diva, Silvia Pinal!".Noticia en desarrollo.

Un artista tucumano ganó diez mil dólares para desarrollar una obra a gran escala para un edificio

El artista y gestor cultural tucumano Benjamín Felice resultó ganador del Premio Azcuy, que consta de 10 mil dólares y la producción de una obra a gran escala para el edificio Donna Vita, en Caballito, que tiene en construcción la empresa de real estate que organiza este concurso desde hace seis años en alianza con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. El concurso va por su sexta edición y lo celebra con la edición de un libro sobre la tarea realizada para difundir la unión de arte y la arquitectura.La historia secreta de la guerra entre Alberto Fernández y Fabiola Yañez en un nuevo libro de investigaciónEste año se postularon 500 artistas. Fueron invitados a visitar la obra antes de pensar sus propuestas para intervenir las áreas comunes del edificio. Entre andamios y enconfrados, la recorrieron con casco en visitas guiadas a cargo de Sol Juárez (gerente de Proyecto Creativo e Innovación y Gestión Cultural AZCUY) y terminaron con asados de obra.El 15 de octubre pasado, en el Museo Moderno, el jurado de la edición 2024, conformado por Juárez, Jimena Ferreiro (curadora del museo), Mariana Obersztern (artista escénica y curadora), Nicolás Bacal (artista visual) y Gerardo Azcuy (fundador y director general de AZCUY), seleccionó a los ocho finalistas: Nicola Costantino, Marcolina Dipierro, Benjamín Felice, Eugenia Foguel, Pablo Houdin y Gustavx Bianchi, Adriana Martínez y Tomás Espina, Débora Pierpaoli y Jorge Pomar.Todos recibieron un premio estímulo de 1000 dólares y una devolución de los jurados para profundizar en sus proyectos durante un mes y medio. "En esta edición del Premio Azcuy casi se duplicaron los finalistas, en un año difícil. Los ocho proyectos fueron todos excelentes, sobre una convocatoria también notable", contó Ferreiro. Ayer, en una jornada maratónica volvieron a presentar sus propuestas ampliadas frente al jurado, y de esa exposición surgió la obra ganadora, anunciada hoy en un acto en el Moderno.Felice tiene en estos días una obra en exposición en la colectiva Punto de Fuga que presenta Móvil, y será representado por la galería Pasto en la feria madrileña Arco en 2025. La Fundación Azcuy ya había adquirido obra suya en arteba 2024, a través de la galería Tomás Redrado. En esa edición, Felice participó también como director artístico de la galería Ohno en Buenos Aires y también está a cargo de un proyecto editorial. La obra premiada se titula Orlas Sacro Calchaquíes. "Es parte de una investigación escultórica e instalativa que empecé hace un tiempo y se basó en estudiar patrones ornamentales en lo que se llamó la ola nativista argentina de principios del siglo pasado y el arte patrimonial sacro de Argentina, sobre todo del NEA y del NOA. En base a esos estudios, busqué generar un sistema donde unas piezas que puedan discutir en un borde difuso entre lo ornamental, uso y escultura", explica el artista.Se trata de un concurso abierto a artistas argentinos. Alienta a que se presenten todo tipo de obras de arte, sin limitarse a un concepto, materialidad, formato o medio. La única condición es que sea inédito y especialmente concebido para el edificio. Así, Azcuy está creando una vecindad de edificios intervenidos por artistas. Está ya inaugurada La montaña concreta, una palestra de 43 metros de altura por la que se puede ascender aferrándose a recreaciones de pinturas históricas, obra de Fabián Bercic. Hernán Soriano sembró con objetos sonoros otra de las torres de Azcuy, que se pueden activar en conciertos a múltiples manos.En la zona también está Mutanti, intervención de Diego Bianchi en el edificio Donna Terra, un tubo de acero que es una compostera gigante. Enfrente la artista Nacha Canvas creó un mural rosado para otra torre. Es vecino del Donna Acqua, que tiene en el techo del lobby a la obra de Adriana Bustos Mundo Imaginal, un mural que representa dos planisferios celestes. Todo esto está compilado en el libro que publicaron Azcuy y el Moderno. "Es muy emocionante ver el trabajo realizado", dijo Juárez. Para el año próximo, Gerardo Azcuy anunció que el concurso crecerá: "Estamos desarrollando una obra muy linda en Nordelta, con espacios exteriores enormes que queremos llenar de obras de arte. En la próxima edición del Premio Azcuy habrá noticias", anunció.

Confirmaron qué artista estará en la apertura de los shows de Lenny Kravitz

La cantante argentina Marilina Bertoldi será la encargada de "telonear" al músico estadounidense, quien regresa al país después de 5 años.

La artista Marcia Schvartz recibió el Premio Perfil por su aporte a las artes visuales y plásticas

Se trata de un reconocimiento a una artista argentina multifacética que interpretó a los personajes nocturnos de la ciudad, los paisajes del norte del país, atravesados por su mirada de lo lumpen, lo suburbano y los márgenes. Leer más

Enzo Viena: del niño que soñaba con ser artista al galán que conquistó toda América y murió tras un accidente de auto

A los 3 años se disfrazaba y hacía morisquetas frente al espejo de la habitación de sus padres, en su Rosario natal. Quizá fue en ese entonces que Felipe Enzo Viena empezó a soñar. Nació el 16 de febrero de 1933 y su papá, constructor, tenía otros planes para su hijo: quería que fuera arquitecto. Enzo lo intentó, se anotó en la facultad y estudió durante un tiempo, pero lo suyo era ser artista. A los 15 años debutó con un pequeño papel en la compañía circense Toni Panchito, de Rosario, y esa experiencia encendió aún más la llama del artista. Fue uno de los galanes más buscados en los años 50 y 60, hizo películas, ficciones en televisión y teatro. Murió el 25 de noviembre de 2007, de un accidente cerebro vascular, luego de un accidente automovilístico.Aun sin el consentimiento total de su padre, Viena viajó a Buenos Aires a los 17 años para hacer realidad ese sueño. Enseguida se sumó a la compañía teatral de Paulina Singerman en la que estuvo varios años hasta que luego aceptó ser parte de otra compañía de teatro, la de Esther Parodi. Su pinta lo convirtió en galán y la novela Nino las cosas simples de la vida, una coproducción con Perú que batió de audiencia en el 71 y 72, en un artista popular. telenovela coproducida( Argentina / Perú ) por Panamericana tv">Debutó en cine en 1958 en Una cita con la vida, dirigido por Hugo del Carril y junto a Gilda Lousek. La película lo convirtió en uno de los actores jóvenes más promisorios del momento, lo que lo habilitó a seguir filmando. Hizo He nacido en Buenos Aires, Salitre, Vacaciones en la Argentina, Mi Buenos Aires querido, Barcos de papel, Cuarenta años de novios, El sol en el espejo, La familia Falcón, Bettina, Buenas noches Buenos Aires, Canuto Cañete y los 40 ladrones, La sentencia, Del brazo y por la calle, Hotel alojamiento, Vivir es formidable, Al diablo con este cura, Cuando los hombres hablan de mujeres, La muchacha del cuerpo de oro, Villa Cariño, El derecho a la felicidad, La casa de madame Lulú, Lo prohibido está de moda, Psexoanalisis, Amor libre, Blum, Un elefante color ilusión, Nino, He nacido en la ribera, Natasha, Furia en la isla, La obertura, El divorcio está de moda, No apto para menores y El diablo metió la pata.En televisión debutó en 1959 con Amor en sí bemol, también junto a Gilda Lousek, con quien durante años fueron una pareja de ficción muy requerida. Le siguieron Show Standard Electric, Tres destinos, A mí me pasan todas, Matrimonios y algo más, Nino, Sacrificio de mujer, Cachilo, Enséñame a quererte, Donde empezó la tristeza, Señorita Andrea, Aquí llegan los Manfredi, La bonita página, Amigos son los amigos, Gino, Rossabella, Mil oficios, Maridos a domicilio, Contrafuego y Son de Fierro.Un programa y la consagraciónSi bien ya era un actor popular, con Nino traspasó las fronteras y ese personaje lo consagró; por muchos años, la gente siguió llamándolo Nino. Fue una coproducción con Perú que se filmó en nuestro país y durante los dos años que estuvo al aire, 1971 y 1972, hizo más de 50 puntos de rating. "Fue el gran hito de mi carrera que me abrió las puertas de otros mercados", solía decir Viena. Tal fue el éxito que Nino tuvo su versión en cine y en teatro. En esa ficción, Enzo Viena era un carnicero que vivía con su tío Ángelo (Roberto Escalada) y se enamoraba de su vecina, la ambiciosa Natalia (María Aurelia Bisutti), hermana de la dulce Blanca (Gloria María Ureta), que lo amaba en silencio. Este triángulo amoroso tuvo en vilo a la audiencia durante mucho tiempo, más de lo que los protagonistas imaginaban. El gran gancho de esta novela fue que la trama mostraba por primera vez a un protagonista masculino como el personaje en el que giran las vidas de cada uno de los pintorescos personajes de barrio; en general, las protagonistas era heroínas y no galanes.Otro gran éxito fue Amigos son los amigos, donde Viena interpretaba a Guido Cantoni, un fletero que tenía que lidiar con los problemas de su familia y de las andanzas de su hijo Carlín (Carlos Calvo).En 1997, Viena fue convocado para protagonizar Rossabella, ficción que giraba en torno al modelaje y la alta costura, donde el personaje del actor era dueño de una marca de lencería fina. A la novela le iba bien, pero la falta de presupuesto hizo que los autores debieran matar al protagonista en el capítulo 31 porque no podían pagarle a Viena por más episodios.En la intimidadEra un tipo muy familiero y de perfil muy bajo que se casó con Ana María Chisoni, con quien tuvo a sus tres hijos, Fabiana, Carolina y Gustavo. Le gustaba juntarlos en su casa los domingos y él mismo se encargaba de hacer el asado. Nicolás Maccari, uno de sus nietos, es la pareja de la actriz Cande Ruggeri. Quienes lo frecuentaron dicen que siempre estaba de buen humor y que había una sola cosa que lo ponía mal: no tener trabajo. Sabía que eran rachas típicas del oficio, pero a él le gustaba mucho trabajar. Sin embargo, nunca tuvo apuros económicos porque tenía otros negocios: tuvo boliches en San Miguel, que fueron muy populares. Entonces, no necesitaba vivir de la actuación, pero extrañaba el escenario porque amaba su profesión.En el invierno de 2007 sufrió un accidente automovilístico que le provocó un derrame cerebral. Los médicos decían que solamente un milagro podía salvarlo, y a pesar de que lo operaron, estuvo tres meses en coma y finalmente, murió.

"El ojo que escribe": en su nuevo libro, "Yuyo" Noé demuestra que es un artista que trabaja como un intelectual

En el texto, publicado por Editorial Ampersand, el referente de la Nueva Figuración reunió muchos de sus escritos que comenzaron en 1965.Noé trabaja como un académico cruzando autores, refutándolos e incorporándoles sus propias reflexiones.

Un viaje al mundo contracultural de Alan Moore, artista del cómic

Los lectores interesados en el mundo del cómic, en las relaciones de la industria del entretenimiento con fenómenos sociopolíticos o la sensibilidad contemporánea y, sobre todo, en la obra del escritor y guionista británico Alan Moore (Northampton, 1953) pueden descargar en forma gratuita La disolución de la realidad. Nueve ensayos sobre la imaginación de Alan Moore, de Nicolás Mavrakis y Luciano Rosé, disponible en todos los formatos en linktr.ee/la_disolucion_de_la_realidad.El creador de V de Vendetta, Watchmen, La Liga de los Hombres Extraordinarios (con personajes de H. G. Wells, R. L. Stevenson y Julio Verne) o From Hell, autoproclamado "mago del caos" y de espíritu anarquista (algunos corrigen: misántropo), se convirtió, contra su voluntad, en fuente de inspiración de las sagas de superhéroes de Hollywood orientadas, según Moore, exclusivamente al lucro. En 2016, el autor anunció que se retiraba de la industria del cómic para dedicarse exclusivamente a la literatura.Las obras de Moore funcionan, sostienen los autores, "porque son buenas historias y porque están bien contadas". Esta premisa básica se complementa, a diferencia de la mayoría de las aventuras de superhéroes, con una virtud propia del autor: incomodar. "Una vez que las defensas del lector son narcotizadas y dejadas fuera de combate, Moore toma por asalto su psiquis, secuestra el comando central que aloja los valores morales y políticos, y provoca un alzamiento. De ahí sus ya célebres recursos autorreflexivos, 'posmodernos', en los que hace al cómic mirar al cómic para pensar el cómic y sus condiciones de producción y distribución de sentido", describen en las primeras páginas el método de Moore."Hay una doble sincronía notable alrededor de Alan Moore y nuestro mundo -dice Mavrakis-. Primero, por las fantasías morales, tecnológicas y políticas que retrata de una forma tan original como crítica en historias como Watchmen, From Hell y La broma asesina, y segundo, por el modo en que la industria del cómic incluye estas historias, reapropiadas por las grandes corporaciones mediáticas [archirrivales de Moore] que nos las devuelven hoy bajo versiones deformadas por la época en series como The Boys o películas como las del Universo Extendido de DC y el Universo Cinematográfico de Marvel. Como síntomas de un mundo artístico, político y social infantilizado, encapsulado en la lógica exclusiva del 'fan' y que solo busca la rentabilidad, los cómics y el cine de superhéroes adquieren más interés que nunca".Ambos autores escribieron en los últimos años una serie de ensayos sobre la producción de Moore (abocado actualmente al arte de la novela) para iluminar "la posición ambigua de Moore como simultáneo crítico y artífice de la aparente disolución de nuestra realidad".A la manera de un gesto emancipado de la industria editorial, optaron por publicarlos en forma gratuita. "La gran vigencia de Moore tanto en las pantallas de todas las plataformas como en el renacido mercado del cómic en la Argentina es una excelente oportunidad para conocerlo y pensarlo", concluye Mavrakis.Semanas atrás, el diario británico The Guardian publicó una columna de opinión en la que Moore abominaba del "fandom" (comunidad de fans) del universo del cómic y lo acusaba de haber "envenenado" al mundo. "Creo que el fandom es un órgano maravilloso y vital de la cultura contemporánea, sin el cual esa cultura acaba estancándose, atrofiando y muriendo -sostiene Moore-. Al mismo tiempo, estoy seguro de que el fandom es a veces una plaga grotesca que envenena a la sociedad que lo rodea con sus obsesiones mezquinas y su ridículo e inmerecido sentimiento de privilegio". Esa plaga se habría extendido a otros "reinos".Moore atribuye a los fans una beligerancia excesiva (contracara de un entusiasmo excesivo), un absurdo culto a los autores y ciertas ansias de fetichización que, inevitablemente, asocia con los populismos. El fandom del presente está compuesto, en opinión del premiado autor, por "personas con sensación de privilegio, tendencia a la queja y que no están dispuestas a dejar atrás sus aficiones infantiles".Si bien Moore menciona a Donald Trump y Boris Johnson, se podría hacer un paralelismo con las "fuerzas del cielo" invocadas por Javier Milei. En actos públicos y en redes sociales, el fandom libertario utiliza discursos beligerantes y herramientas digitales para exacerbar el fanatismo, como las imágenes creadas por inteligencia artificial en las que el Presidente sobresale como un fornido superhéroe que arrasa con los villanos de la "casta". Como en el guion de un cómic mediocre, el bien y el mal están claramente identificados.Al final de su columna, Moore aconseja a los fans: "Está bien que algo te guste. No necesitas el machete ni el megáfono".

El artista Carlos Masoch propone el reposo como un gesto de resistencia

Objetos para la contemplación y el reposo, es el título de la muestra curada por Diana Aisenberg.El creador revisita el mundo de los objetos y propone la contemplación como un ejercicio espiritual.

Faceta inédita de un artista muy reconocido

Premiado y renombrado por su pintura y escultura desde los años 60, en su etapa inicial, Ary Brizzi se dedico al diseño. Una historia antes no contada.

Murales de Eva Perón. ¿Qué opina el artista que los hizo sobre una posible remoción de las obras?

Tras el comunicado difundido ayer desde el Ministerio de Capital Humano, titulado "Los edificios públicos son de todos los argentinos", en el que se anunció un "reordenamiento de sus espacios públicos" para garantizar "la neutralidad partidaria y evitar la propaganda política" y respetar "la diversidad de los pensamientos", comenzó el retiro de carteles, imágenes y otros símbolos pertenecientes a organizaciones sindicales y peronistas (como un busto del expresidente Néstor Kirchner emplazado en la oficina céntrica de Anses). La ministra Sandra Pettovello publicó en su cuenta de X el comunicado.LOS EDIFICIOS PÚBLICOS SON DE TODOS LOS ARGENTINOS pic.twitter.com/TLA1s1PdqA— Sandra Pettovello (@SPettovelloOK) November 15, 2024"Los objetos que no estén patrimoniados y no sean propiedad del Estado serán entregados a sus dueños, siempre que estos puedan demostrar la titularidad de los mismos", detalla el comunicado. Pettovello basó su decisión en la ley 23.551 de Asociaciones Sindicales, que se reglamentó con el DNU 467/1988, para notificarles a los gremios que de ahora en más solo podrán hacer sus comunicaciones "exclusivamente mediante cartelerías aprobadas y asignadas para tal fin, absteniéndose de colocar banderas, imágenes u otros símbolos en áreas no autorizadas". Y se anticipó que comenzaría "un relevamiento con el objetivo de mantener un ambiente de trabajo respetuoso y libre de proselitismo político, en beneficio de todos los empleados y ciudadanos que interactúan con el ministerio".Fue propuesta de nuestro espacio bajar este adefesio. Finalmente se va. pic.twitter.com/TzrtK2Rt7p— Yamil Santoro (@yamilsantoro) November 15, 2024A partir de la difusión del comunicado, legisladores porteños, periodistas y simpatizantes del Gobierno hicieron circular la hipótesis de que serían retirados los murales de Eva Perón emplazados en el ex Ministerio de Obras Públicas (MOP; actual sede del Ministerio de Salud en la avenida 9 de Julio 1925), hechos por el artista Alejandro Marmo, conocido como "el escultor del Papa" por su amistad con el Sumo Pontífice. Incluso se dijo que el Gobierno retomaría el proyecto del exlegislador porteño Roberto García Moritán de demoler el edificio público, declarado Monumento Histórico Nacional en 2002. En redes sociales, los murales de Marmo se volvieron trending topic con diatribas, ironías y memes."Haremos un gran golpe": a un siglo del año que cambió la forma de mirar en la ArgentinaNo obstante, fuentes del Ministerio de Capital Humano consultadas por LA NACION dijeron que, por ahora, no se pensaba en retirar los murales de Marmo ni mucho menos en demoler el edificio. Y acotaron que, si se llevara a cabo la remoción, informarían al artista. Los dos retratos, de 31 por 24 metros, fueron realizados en acero corten y pesan catorce toneladas y se emplazaron durante el primer gobierno de Cristina Kirchner, en julio de 2011; en 2022, el artista hizo una réplica en Roma. El 25, Día Internacional de la Lucha contra la Violencia hacia la Mujer, Marmo inaugurará una nueva escultura en la capital italiana.La hija de un amigo le preguntó quien era la cantante, me parecio genial https://t.co/vsjYUGlg1T— estudiante crónica ð?§¡ (@ugemitch) November 16, 2024En diálogo con LA NACION, el artista (que hasta marzo de 2025 expone un "corazón iluminado" y otras obras en la planta baja del Palacio Libertad) comentó que nadie del Gobierno se había comunicado con él. Sobre la probable (y para un sector de la población, anhelada) remoción de los murales, sostuvo que era "muy interesante para que la obra crezca exponencialmente y comience la leyenda". "Esa postal ya quedó en la eternidad de la avenida 9 de Julio -dice Marmo-. ¡Incluso en la publicidad de McDonald's! Pero por la falta de mantenimiento también puede haber un riesgo mayor y eso es lo más preocupante, por una cuestión de seguridad: son catorce toneladas de acero a cien metros de altura".Marmo cree que no se hizo mantenimiento ni revisión de la estructura desde que se la emplazó. "Lo mío fue la idea y la dirección artística para que la obra se parezca a la maqueta y no sufra ninguna variante", señala. Él también hizo el mural del padre Carlos Mugica, en la avenida 9 de Julio y Juncal.Una cueva en una casa burguesa: cómo es el lugar donde García Márquez escribió "Cien años de soledad""Lo importante fue la idea de hacer la intervención artística y darle emocionalidad a un muro gris de la Década Infame -dice Marmo sobre los murales-. Desmontarla cumpliría la performance y su sentido estético, para que los murales sigan volando como meteoritos desde el centro hacia las periferias. Hay obras en la historia que han sido demolidas y eso mismo fue el sentido de su mito; el mejor ejemplo es la escultura gigante de la diosa Atenea en el Imperio griego: no hay imágenes de ese trabajo, ni siquiera han quedado rastros; sin embargo, es la simbología más significativa del periodo donde se construyó la Acrópolis"."Circula un mito que quien descubre o destapa alguna momia o hace alguna excavación profunda en las pirámides luego tiene una maldición -grafica el artista-. En el caso del gigante de color cal sobre la 9 de Julio, mi intuición siempre le mantuvo mucho respeto por su energía desde que se construyó. Tiene una fuerza de símbolo muy fuerte que responde a nuestro pasado; cuando uno asume la identidad de nuestro pasado, puede construir proyectos a futuro".Este lunes a las 19, Marmo inaugurará una nueva escultura en el "Templo del Rock", el Estadio Obras Sanitarias en avenida del Libertador 7395, que rinde tributo al dúo Pimpinela. Los hermanos Lucía y Joaquín Galán estarán presentes en Obras, igual que el creador de Pimpinela dúo iluminado. La escultura se sumará a otras de Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Charly García, Luca Prodan, Rodrigo Bueno y Gustavo Cerati, hechas por Marmo con su reconocible impronta. "Me parecía que esas almas estaban iluminadas cuando yo las veía en concierto; solo hay que ver en lo invisible", dice."Grabar en la eternidad el ritmo sobre la imagen de hierro en Pimpinela dúo iluminado es la introducción a una metáfora poética y social -concluye el artista-. Por un lado, reconocer la rebeldía en su máxima expresión por los estribillos de Lucia y Joaquín, que construyeron el hecho artístico a puro concepto, descartando la pose que impone una industria de lo que debería funcionar, sino a pura determinación asturiana. Por otro, en lo más profundo del alma social, impacta en la vena de la Argentina de la inmigración soñadora. A título personal percibo al Dúo iluminado como constructor de una red social propia para sublimar la melancolía inmigrante, en el abrazo familiar de la canción".

"Julio Bravo, obra completa", el libro que recorre en imágenes y testimonios la carrera del galardonado artista plástico

Un nuevo libro de arte llegó a las librerías argentinas. Julio Bravo, obra completa, de Wolkowizc Editores, ofrece, a lo largo de sus 280 páginas, curadas y compiladas por el arquitecto y director teatral Marcelo Jaureguiberry, un recorrido por los 40 años de la destacada trayectoria del artista plástico Julio Bravo. A través de testimonios, imágenes y colores, los lectores podrán interiorizarse y conocer el trabajo del pintor que comenzó en su taller particular de Quilmes y cruzó fronteras con sus obras.La vida y obra de un destacado artista plástico argentino acaba de ser plasmada en un libro que mezcla su historia, anécdotas y testimonios con 380 imágenes de sus obras. Julio Bravo comenzó a crear arte en su ciudad natal, Quilmes, dentro de su taller de dibujo, pintura e historia del arte. A partir de ahí, empezó a abrirse paso en el resto del mundo: realizó más de 40 exposiciones en la Argentina y en Uruguay y llevó sus obras a Europa: pasó por Italia, llegó a España y también desembarcó en Bélgica. Además de recibir múltiples distinciones tanto a nivel nacional como internacional, trasladó su conocimiento a las aulas como profesor de instituciones públicas y privadas en los niveles medio y superior.Hoy, su extensa trayectoria fue trasladada a las páginas que compiló y curó el escenógrafo e investigador teatral Marcelo Jaureguiberry. Su libro Julio Bravo, obra completa, cuenta con un total de 280 páginas divididas en dos bloques temáticos. El primero contiene testimonios de personas que marcaron la carrera artística del pintor, conocieron su proceso, y aprendieron de sus trabajos. Hay reseñas y comentarios de su hermano Jorge Bravo, de la artista visual y alumna de Bravo, Marcela Ghilino, de su amigo Hugo Poltronieri y del propio Marcelo Jaureguiberry, entre varios otros. Asimismo, este primer bloque tiene un extenso y profundo reportaje al artista plástico que realizó el periodista Alejandro Seselovky.El segundo bloque, en tanto, ofrece más de 380 imágenes de las realizaciones del multipremiado artista plástico que permiten apreciar en detalle sus figuras, colores y temáticas y fueron cambiando y modificándose a lo largo de sus 40 años de carrera.Julio Bravo, obra completa, el libro de Marcelo Jaureguiberry, editado por Wolkowizc Editores, se encuentra disponible en todas las librerías y a través de wolkowiczeditores.mitiendanube.com. Se vende en una edición especial de 400 páginas y tiene un costo de $60.000.

Un artista de Ituzaingó colgó 50 obras en espacios públicos y negocios del distrito

La muestra "Circular" busca sorprender a los vecinos con trabajos plásticos y cuadros en carnicerías, hospitales, escuelas y otros lugares cotidianos. Emilio Reato, nacido en Padua, la inaugura mañana.

Carlos Maslatón llegó al arte: la sorpresiva aparición en una obra del artista que pinta la iconografía peronista

El mediático abogado liberal fue retratado por Daniel Santoro en una curiosa escena que incluye diversos personajes de la cultura argentina. Leer más

Al rescate de Marcelo Benítez, el artista al que Gumier Maier le negó su muestra en el Rojas

Fue pintor, poeta, periodista y figura de la militancia gay durante la dictadura. Su obra permaneció casi desconocida hasta ahora, que la galería Herlitzka & Co le dedica su primera gran muestra.

El artista que nació en un terremoto

Tenía menos de 5 años cuando lo perdió todo. Vivió en la calle, con los ojos lastimados por el polvo y la tierra, y cuando le quitaron la venda empezó dibujar. Su vida en la selva colombiana y su presente en Buenos Aires.

Beyonce se convierte en la artista más nominada en la historia de los Grammys: cuáles fueron sus nominaciones más destacadas

La academia de grabación publicó os nominados y Beyoncé arrasó con 11 nominaciones.

Muerte de Liam Payne: imputaron a tres personas del círculo cercano del artista

Los acusados podrían enfrentar penas de hasta 10 años de prisión. El cuerpo del cantante fue trasladado al Reino Unido en un vuelo de British Airways.

Víctor Chab: adiós a un gran artista surrealista

El mundo ha perdido anoche a un pintor capaz de interpretar y dar forma a lo maravilloso. Víctor Chab, artista cabal, nacido en Buenos Aires y con más de ochenta años entregados devotamente al ejercicio de la pintura, el dibujo y el collage, partió a sumergirse en los ensueños y formas que poblaron su mente. El arte argentino pierde a uno de sus máximos referentes del surrealismo. Lo despide la comunidad artística, amigos y familiares, en su muro de Facebook, donde anoche su hijo Alejandro comunicó la noticia: "Con sumo pesar informo que a las 23.05 ha fallecido Víctor Chab".Tenía 94 años y hacía un tiempo que no empuñaba los pinceles porque las cataratas le cubrían los ojos como un velo. Ya había dejado su histórica casa de Lavalle y Mario Bravo. Su hijo planeaba abrir una galería con su nombre. Su última celebración fue en 2018, cuando recibió el Premio a la Trayectoria en la Casa de la Cultura de la ciudad de manos de la gestora Claudia Koen, gestora fiel, quien organizó varias de sus últimas muestras.En un comienzo, fue la geometría mágica. Luego, sus lienzos se poblaron con animales míticos hasta llegar a la depuración de la imagen. Aldo Pellegrini, crítico, destacaba que Chab avanzaba en profundidad con sus fondos negros para representar el vacío absoluto, donde las formas aparecían como productoras de luz. "Ese mundo ideal se presenta como opuesto al mundo de la sordidez que invade la vida cotidiana", escribía.Era fanático de Bach ("es Chab al revés", señalaba siempre el artista), y cantaba en coros de aficionados. "Hay algo en la sonoridad, en sus combinaciones geniales, que me da pautas pictóricas. No lo puedo explicar, pero tengo la sensación de que Bach fue mi maestro de pintura", decía. La música, con los años, le llegaba cada vez de más lejos. Trabajaba en su obra todas las tardes. Las mañanas eran para leer y escuchar música. "Me mueve una necesidad de expresarme, de liberar contenidos inconscientes. Me inspiro en el trabajo mismo, en las primeras manchas sobre la tela -decía en 2013- Las obras no parten de una idea previa, sino que toman forma a medida en que las hago. Tampoco importan los materiales, sino lo que se hace con ellos".Había nacido el 6 de septiembre de 1930, hijo de una humilde familia judía oriunda de Damasco. A los trece años, todavía con pantalones cortos, recién terminada la escuela primaria, Chab ya había definido su vocación por la pintura. Autodidacta, asistió a talleres como los de Cecilia Marcovich y Demetrio Urruchúa, y luego ingresó en taller libre Mutual de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes (MEEBA) donde ejercitó el oficio. En 1947, obtuvo el Segundo Premio del XXVI Salón Anual de MEEBA, por la obra Manzana sobre mesa. Eso no impidió que el joven Chab quemara en el patio de su casa, en Villa Urquiza, todos los trabajos realizados en los años anteriores a su primera exposición individual, que fue en 1952 en la galería Plástica de la ciudad de Buenos Aires, inicio de una larga trayectoria.Aprendió francés para leer de primera mano a los grandes surrealistas, como André Breton y Louis Aragon. En la Argentina, se puso en contacto con Battle Planas y su grupo de alumnos, entre los que estaba Roberto Aizenberg y quien sería su mejor amigo, Juan Andralis. En el momento de preparar su primera muestra estaba cumpliendo con el servicio militar en Tandil, encontró tintas y comenzó a experimentar con ellas. Nunca más las dejó: la ductilidad de la tinta le resultaba un medio ideal para el fluir de la conciencia, para ese automatismo que ponía en pausa a la razón."Mi pintura es automática, trabajo sin una idea preconcebida. La obra se va creando a sí misma a medida que la voy elaborando. Me siento atraído por esta libertad para crear mis propias formas", explicaba a la prensa, cuando se reunieron 130 obras suyas en una retrospectiva en el Palais de Glace, en 2002.En 1955, Chab se liberó de influencias, y buscó su propio camino, más libre, cercano a la iconografía de Paul Klee y de Joan Miró. Picasso será un gran inspirador de Chab. "Lo considero el artista más grande de todos los tiempos. Creó un mundo de formas", señaló. Tenía una gran colección de 7000 libros de arte, de los cuales mil eran sobre Picasso. No pasaba un día sin que viera una del malagueño, pero eso no se trasladaba a su propia obra como una influencia visible. "Me forjé solo. Quise investigar mi propio camino", decía entonces. Así siguió Chab, siempre por su senda.En 1956, fue elegido para representar a la Argentina en la XXVIII Bienal de Venecia junto con otros artistas. Al año siguiente fue cofundador del grupo de los Siete pintores abstractos: Rómulo Macció, Clorindo Testa, Josefina Robirosa, Kasuya Sakai, Martha Peluffo y Osvaldo Borda. El denominador común era una abstracción libre. Sobre la base del grupo, el poeta y crítico Julio Llinás organizó el Grupo Boa, filial argentina del movimiento internacional Phases. "Las pinturas de esta etapa son poéticas, originales y sutiles", decía de la obra de Chab de ese tiempo el crítico Jorge López Anaya.A partir de principios de los años 60, el artista participa a exposiciones de arte contemporáneo, en Argentina y en el extranjero. "A los 30 años ya estaba totalmente ubicado en la pintura que me interesaba hacer", decía en una entrevista. En 1962 comenzó una serie que se extenderá a lo largo de una década y que la crítica denominó Bestiario: formas abstractas con reminiscencias zoomórficas, inspirado en Julio Cortázar. Utiliza el empaste, la veladura y el frotado de la superficie pictórica. "Chab evolucionó desde una pintura medida y trabajada a una expresividad dinámica y con volumen. Es un hombre creativo, que no se vincula con esquemas estructurales o conceptuales, sino que sigue instantáneamente su impulso en el desarrollo de formas que son transformaciones", señaló la entonces presidenta de la Academia Nacional de Bellas Artes, Rosa María Ravera.En 1967 participó de la antología del surrealismo en la Argentina que organiza Aldo Pellegrini en el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella. Participará en muchas exposiciones personales y colectivas (Estados Unidos, Venezuela, Colombia, Israel, Panamá, Perú, Francia). En 1969 el grupo Boa expone en la Sociedad Hebraica Argentina. En 1972, Nocturnas es la serie de monocopias que expone en la sede de la OEA en Washington. En 1974, Chab comienza a trabajar en una serie de dibujos a lápiz donde surge el tema de la figura humana desnuda, por lo general sugerida a partir de fragmentos.En la década del 80, Chab retoma el collage en obras que resultan desarrollos de sus animales de los años sesenta. Siguió con collages de géneros, que lo devolvieron a su juventud, cuando trabajaba en el negocio de su padre, un comerciante de telas. El color cobra una importancia que presagia la vibración de su paleta más tardía. Nunca abandonará el dibujo.Su obra se guarda en museos de la Argentina (Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo Raúl Lozza) y en varios de Estados Unidos, Paraguay, México y Venezuela, entre otros países. Entre otros premios, mereció el Premio Franz Van Riel en Salón de Acuarelistas y Grabadores, Buenos Aires (1958); Medalla de Plata en Exposición Universal de Bruselas, Bélgica (1958); Primer Premio Olivetti Argentina (1959); Primer Premio Salón de Artistas Jóvenes de Argentina en ESSO, Buenos Aires (1965); Mención de Honor en Primer Salón del Tapiz, Buenos Aires (1966); Primer Premio en Concurso Internacional Rubén Darío, Nicaragua (1969).

Militante gay durante los setenta, poeta, ensayista y artista: Marcelo Benítez y un sueño cumplido post mortem

Con el nombre de "Ritos y Tempestad", se presentan los cuadros del artista junto a artículos, folletos, correspondencia con Néstor Perlongher y Gumier Maier, para comprender la integralidad del autor. Leer más

Roberto Carlos: un artista "de antes" para el que el tiempo no pasa, y las canciones están por encima de todo lo demás

Roberto Carlos en Buenos Aires. Con banda pop, quinteto de vientos y coros. Lugar: Movistar Arena. Nuestra opinión: muy bueno.Pasaron décadas y décadas de historia musical aquella "joven guardia" de los años 60 hasta este "rey" maduro, octogenario, de vuelta de todo que, con su traje de un blanco impecable, se ríe con soltura de sí mismo y maneja el escenario a su antojo. Rompió todos los récords del negocio que podrían caberle a un artista latino con cifras que se cuentan por millones y, con sus 83 años intensamente vividos, conserva el entusiasmo de salir de gira -viene de Paraguay y luego de la Argentina lo esperan actuaciones en su país y en México- y hasta de subir a un crucero para hacer shows exclusivos para sus pasajeros. Sonríe y se emociona para un Movistar Arena repleto que, aunque tiene un público mayoritariamente adulto y femenino, deja ver a algunos jóvenes y, por supuesto, unos cuantos señores.Lo acompaña, como siempre, una banda algo convencional es su estilo, un poco "cafón" -podrían decir en Brasil-, en el que un director sin batuta es además el pianista y el conductor de otros doce músicos, entre caños, batería, guitarras, bajo, teclados y coristas. Un grupo que, también debe decirse, exhibe una solidez profesional a prueba de cualquier cuestionamiento. El concierto es eso, mucho más que un show. Porque Roberto Carlos es un artista "de antes" y tiene marcada a fuego la idea del recital, en el que las canciones, lo que dicen con sus melodías y sus letras, el modo en que se presentan, su manera de cantarlas, están por encima de todo lo demás. Por eso, nadie se distrae con las luces ni con los efectos ni con innecesarios derroches técnicos.El protagonismo está, sin discusión, en su voz, que se mantiene afinada y fresca y, sobre todo, en un repertorio constituido por una veintena de canciones entre las que, en su amplísima mayoría, podrían ser cantadas -o al menos tarareadas- por cualquiera aun sin recordar a quien pertenecen.Es que Roberto Carlos Braga Moreira, este señor oriundo del estado de Espíritu Santo, llegado a este mundo en abril de 1941, que ha pasado y resistido una serie de duros desafíos de la vida, está entre los más grandes productores de hits de la música popular del siglo XX. Y muchas de esas canciones conservan una vigencia que no puede discutirse.Por supuesto que, en esa enorme producción, hay momentos altísimos y lo que pasó en el estadio de Villa Crespo dio buena parte de eso. Piezas como "Emociones", "Qué será de ti", "Detalles", "Desahogo", "Propuesta", "Cóncavo y convexo", "La distancia" o "Amada amante" merecerían estar, con creces, en cualquier antología del cancionero popular de nuestro continente. No solamente por la gran repercusión que han tenido a lo largo del tiempo sino por su construcción, el ensamble perfecto entre melodía y texto, su claridad de mensaje y, algo menos asequible con palabras técnicas, su belleza. Pero en su concierto argentino no faltaron otros grandes hits como "Cama y mesa", "Lady Laura" -la que dedicara alguna vez a su madre-, "Mujer pequeña", "Calhambeque" -quizá su momento más rockero de la noche-, "Ese tipo soy yo", "Amigo", "El gato en la oscuridad", "Jesús Cristo" -que fue el cierre formal del espectáculo y el que levantó a todo el público de sus asientos- o "Un millón de amigos" que, claro, convirtió al Movistar Arena en un gran coro multitudinario. Y no faltaron los "covers", con "Solamente una vez" y con una personal y muy lograda versión de "El día que me quieras" de Carlos Gardel, a quien reconoció como a un genio.Por esas cosas del mercado -un territorio en el que el brasileño se mueve como pez en el agua- y de la gran repercusión que ha tenido en la Argentina y en otros países de habla hispana desde sus comienzos, Roberto Carlos se ha acostumbrado a cantar aquí casi exclusivamente en nuestro idioma. Apenas se permitió esta vez unas pequeñas escapaditas en versiones bilingües para "Detalhes" y "A distancia". Se puede entender desde la mejor comprensión para la mayoría de la gente y es obvio que sus composiciones, una buena parte de ellas escritas en parcería con Erasmo Carlos, pierden algo en la traducción. Poniéndonos muy puristas entonces, eso y algunos problemas de sonido con su micrófono que se fueron corrigiendo con el correr de las canciones, serían las únicas cosas que podrían criticársele a este señor al que el tiempo no le pasa y al que la mayor parte de sus canciones lo sobrevivirán por muchísimas décadas, o algo más.

Un árbol fosilizado trae al Malba el universo creativo del artista brasileño Tunga

El creador fue protagonista fundamental de la escena artística de Brasil de fines del siglo XX.La instalación Yo, Vos y la Luna se puede recorrer hasta febrero y fue prestada al museo por una coleccionista.Condensa los intereses que tuvo el artista: la arqueología, la alquimia, la metafísica y la vida antes del ser humano.

El tataranieto artista de Bartolomé Mitre que brilló en París y vivió en la austeridad

Gui Gallardo era también bisnieto de Miguel Cané y hermano de la escritora Sara Gallardo.Fue un actor y cantante lírico de excepción. Pero, además, un personaje singular y entrañable.

Retrato de la artista mexicana Martha Pacheco

Desde Guadalajara en los 80, Martha Pacheco pintó a enfermos mentales, a cuerpos en morgues, a personas en situación de calle. Integrante del grupo SEMEFO junto a Teresa Margolles entre otros, dejó de pintar a los muertos cuando el narco se volvió ineludible. Hoy su trabajo toma nuevas resonancias.

Elecciones en EE.UU.: el polémico comentario de Trump contra una excongresista republicana y el artista que le quitó su respaldo al magnate

WASHINGTON.- Cuando faltan solo cuatro días para las elecciones en Estados Unidos, la campaña presidencial entre Kamala Harris y Donald Trump alcanza su punto más tenso. En una carrera marcada por la polarización, ambos candidatos buscan movilizar a sus bases en estados clave, mientras las figuras públicas y los comentarios polémicos generan reacciones entre los votantes.Esto es lo que está pasando en la campaña de EE.UU.:Jennifer Lopez y la lucha por el voto latinoLa cantante Jennifer Lopez hizo un llamado a las mujeres y a la comunidad latina para apoyar a Kamala Harris, en un acto junto a la candidata en el que dijo que las elecciones necesitan un "final de Hollywood" donde gane "la chica buena".En un mitin en Nevada el jueves, un estado disputado en el oeste del país, J-Lo destacó el poder de las mujeres y los latinos, quienes, según la artista, serán decisivos en esta elección.Jennifer Lopez fights back tears while campaigning for Kamala Harris in Nevada:"I promised myself I wouldn't get emotional, but you know what? We should be emotional. We should be upset. We should be scared and outraged. We should. Our pain matters. We matter." pic.twitter.com/t0GgE5nEvT— The Recount (@therecount) November 1, 2024"Hay que responder presente para que la vicepresidenta demócrata derrote el martes a Trump. Creo en el poder de las mujeres y de los latinos porque juntos somos la diferencia en estas elecciones", afirmó.J-Lo no fue la única figura en respaldar a Harris. El jugador de básquet LeBron James también mostró su apoyo a través de la red social X. "VOTA A KAMALA HARRIS!!!!", publicó The King en su cuenta. What are we even talking about here?? When I think about my kids and my family and how they will grow up, the choice is clear to me. VOTE KAMALA HARRIS!!! pic.twitter.com/tYYlTmQS6e— LeBron James (@KingJames) October 31, 2024Harris continúa su campaña en Arizona, donde ha recibido apoyo de la banda mexicana Maná y de los Tigres del Norte, en un intento por conectar con el electorado latino en el suroeste del país.Nicky Jam retira su apoyo a TrumpEn un giro inesperado, el cantante puertorriqueño de reguetón Nicky Jam retiró su respaldo a Donald Trump, apenas un mes después de haber aparecido en uno de sus eventos de campaña.La razón de su cambio de postura, explicó Jam, fue el comentario ofensivo de un humorista en un mitin de Trump el miércoles quien describió a Puerto Rico como una "isla flotante de basura". Jam expresó que decidió distanciarse políticamente y exigió respeto para Puerto Rico en su declaración."La razón por la que apoyé a Donald Trump fue porque pensé que era lo mejor para la economía en Estados Unidos, donde vivimos muchos latinos, yo incluido, muchos inmigrantes que están sufriendo por la economía y él, siendo un hombre de negocios, pensé que era la mejor jugada", dijo Jam en español, en un video comunicado publicado en su página oficial de Instagram. View this post on Instagram A post shared by Nicky jam (@nickyjam)"Nunca en mi vida pensé que un mes después iba a venir un comediante a criticar a mi país y hablar mal de mi país y por lo tanto, renuncio a cualquier apoyo a Donald Trump, y me hago a un lado de cualquier situación política. Respeta a Puerto Rico", agregó.Polémicas y divisiones en la recta finalDonald Trump calificó a la excongresista republicana Liz Cheney, una de sus principales críticas dentro de su partido, como un "halcón de la guerra" y sugirió que, si enfrentara una amenaza directa, podría no estar tan dispuesta a enviar tropas a luchar. Cheney, crítica de Trump desde el ataque al Capitolio en 2021, respondió en redes llamándolo "un hombre cruel e inestable que quiere ser un tirano".En un acto celebrado a última hora del jueves en Arizona, con el expresentador de Fox News Tucker Carlson, se preguntó a Trump si le resulta extraño ver a Cheney haciendo campaña contra él. El ex congresista de Wyoming se ha opuesto vocalmente a Trump desde el ataque del 6 de enero de 2021 en el Capitolio de Estados Unidos y ha apoyado a la demócrata Kamala Harris en la carrera por la Casa Blanca.Trump calificó a Cheney de "persona desquiciada" y añadió: "Pero la razón por la que no me soportaba es que siempre quiso ir a la guerra contra la gente. Si fuera por ella estaríamos en 50 países diferentes".El expresidente dijo que "es una halcón radical de la guerra. Pongámosla con el rifle ahí de pie con nueve cañones disparándole. Bien, veamos cómo se siente al respecto. A ver qué le parece que le apunten a la cara", en una analogía que generó fuertes críticas.This is how dictators destroy free nations. They threaten those who speak against them with death. We cannot entrust our country and our freedom to a petty, vindictive, cruel, unstable man who wants to be a tyrant. #Womenwillnotbesilenced #VoteKamala https://t.co/URH5s929Sa— Liz Cheney (@Liz_Cheney) November 1, 2024Cheney respondió el viernes en un post en X: "Así es como los dictadores destruyen las naciones libres. Amenazan de muerte a quienes hablan en su contra. No podemos confiar nuestro país y nuestra libertad a un hombre mezquino, vengativo, cruel e inestable que quiere ser un tirano".JD Vance, nuevamente polémicoEl senador y candidato a vicepresidente de Trump, JD Vance, suscitó una nueva polémica durante una aparición en el podcast The Joe Rogan Experience donde criticó lo que llamó la "locura de las transiciones de género" y se refirió de manera peyorativa a las mujeres que, según él, "celebran" sus abortos.Vance dijo que algunos jóvenes de clase media alta ven en la identidad trans una forma de mejorar sus posibilidades de admisión en universidades de élite como Harvard o Yale.NEW: JD Vance explains the new phenomenon where white progressives are encouraging their children to be trans so they can virtue signal.Rogan: "There has to be some reason why there is an enormous percentage of Hollywood kids who are trans."Vance: "It becomes a socialâ?¦ pic.twitter.com/vA8XHrDjZw— Collin Rugg (@CollinRugg) October 31, 2024"Si eres un padre blanco de clase media o alta y lo único que te importa es si tu hijo entra a Harvard o Yale... la única forma en que esas personas pueden participar en la burocracia de D.E.I. (diversidad, equidad e inclusión) en este país es siendo trans", afirmó.Agencias AP, AFP y Reuters

Por un paisaje de cerámica e hilos bordados se mueve la artista Ximena Ibánez

"Tengo un paisaje interior y mi obra es una forma de plasmarlo. La escultura es para mí como un microrrelato de un espacio que imagino enorme. Son como recortes", relata Ximena Ibáñez, escultora cuya obra alcanzó notoriedad en la última edición de Affaire, un Lado B de arteBA. Una de sus marcas registradas son pequeñas casas muchas veces suspendidas, como micro planetas que habitan otro tiempo. En ellas, aparecen a veces figuras humanas, ensimismadas en lo alto o inmersas en el paisaje. "Los personajes están de uno o de a dos, pero siempre tienen alto íntimo. Estar frente a la naturaleza de alguna manera te vuelve más humilde. Es un sentimiento frecuente que tengo cuando me aparecen las imágenes. No es algo que me sale de la cabeza, sino de la boca del estómago", relata."Soy autodidacta. Mi mamá siempre fue muy habilidosa con las manos, y hace poco redescubrí el bordado. Heredé una caja de hilos de mi suegra, una tela de mi mamá y así empecé."Ximena estudió Bellas Artes, pero en el secundario ya hacía cerámica. "La arcilla fue mi primer amor, siempre me permitió expresarme de manera muy particular". Recientemente, el bordado ocupa un espacio nuevo en su obra. "Surgió porque mi mamá me dio una tela heredada de Asturia, de un verde que me retrotrajo al paisaje asturiano, entonces dije: 'Voy a hacer un acantilado con esta tela bordada'. El bordado me está permitiendo expandirme, porque la cerámica se limita al horno, en cambio la tela puedo trasladarla. Además, es como una meditación activa, entrás en transe. Después los empecé a combinar, y me di cuenta de que se llevaban bien".Madre de Jose y Lu, Ximena recuerda cómo el arte siempre estuvo presente, también, en la crianza. "Son dos maternidades, siempre funcionan en paralelo. Después de que nacieron mis hijas, al año siempre retomé mi obra, y la primera pieza que hice se las regalé a ellas". Si bien expuso en Madrid, a su regreso se dedicó a la producción publicitaria, pero ahora el arte ocupa el centro de la escena. El 24 de octubre expuso en Distrito Arenales, un recorrido por locales de diseño, ambientación y arte, que cada año crece en expositores y público. En el verano estará en una muestra en Pinamar, y en Córdoba cuenta con representación en la galería Ankara.Impronta naturalDe formación estricta y de autoexigencia irrestricta, Ximena Ibáñez goza, igualmente, de un espíritu inquieto y paciente, que le permite entrar en contacto con nuevas técnicas y formas con humildad e inocencia. En esa búsqueda por conocer y hacer, le escapa al ego y se nutre de aquello que se le aparece. Porque el arte puede ser eso: estar abierta. Y así lo estaba ella, de chica, trepada a un árbol. "Vivíamos en un depto pero en verano nos íbamos al campo y yo estaba todo el día subida a una magnolia. Es el mejor recuerdo que tengo, trepada leía, jugaba, me pasaba horas. De ese campo puedo evocar cada textura y aroma. Tengo una conexión muy fuerte con la naturaleza y me casé con un Ingeniero agrónomo, de modo que el campo está siempre presente, vamos con las chicas y es un programa ver el atardecer. Pero huelo una magnolia y todavía me emociono"."La naturaleza para mí es siempre un momento de conexión. De bajar las revoluciones, de aquietar la mente y de sosiego. Al igual que el arte, es un momento sagrado que a mí me hace muy bien."-¿Cómo nace tu vínculo con el arte?-De toda la vida. Desde chica, mi mejor regalo era un block de hojas y lápices. Tengo dibujos desde mis 3 años, dibujar era mejor que hablar. También se mete lo nómade desde la cuna. Papá y mamá se conocieron en Santiago de Compostela, mamá mitad gallega y asturiana, papá hijo de diplomático. Cuando fallece mi abuelo en Hungría, papá se vuelve a Buenos Aires a terminar la carrera y casarse. Gana un concurso de locutor para radio Nederland para hispoanohablantes y allá vivieron 5 años, y después en España, esporádicamente, por eso yo tengo la Z incorporada.-El hogar nómade.-Esas casas nómades están en mi arte. También el desarraigo. Porque mamá ama la Argentina pero siempre sintió que dejó su tierra y eso me llegó. Tal vez por eso yo siempre me sentí gallega, pero cuando en 2001 nos fuimos con mi marido a vivir a España, llegué y me decían argentina. Entonces ese tema, de dónde es uno, es algo que siempre me apareció. En el fondo 'vos' sos tu hogar, un hogar que se traslada y se afinca.-¿Siempre fuiste escultora?-Siempre, y lo cierto es que cuando hacía figurativo, también era recurrente el tema del desarraigo. Hasta que se hizo cuerpo en las casas, como una metáfora. Y el paisaje de Galicia y Asturias del norte, este paisaje verde total, mar cantábrico, acantilado, siempre lo sentí muy propio. De hecho, el día que finalmente estuve ahí, me sentí parte de este lugar. Ahí también están mis raíces.+info@xim.arte

Finanzas, IA y genética, la inquietante materia que el artista Max de Esteban toma para su muestra

Dies Irae se titula la exposición del español que acaba de inaugurar con la curaduría de Ferrán Barenblit.Reúne fotografías y videos que el artista ha desarrollado a los largo de los últimos quince años.Reflexiona sobre el capitalismo salvaje, las nuevas formas de engaño y la puja de poder.

Es arquitecta y artista y en su PH en Palermo conviven sus dos pasiones

Por un pasillo largo, tan típico en este tipo de construcciones, llegamos al PH de Valeria Vilar; un oasis de tranquilidad en medio de barrio de Palermo Viejo que depara toda una sorpresa de luz y color. "Al momento de proyectar, pienso como arquitecta y a partir de ahí, como artista, se me abren muchas vías interesantes"."El cuadro de Mickey se llama "Huyendo de mí mismo", porque la idea es huye de tanto ser Mickey. Me gusta mucho lo que pasó con esta pintura, incluso por momentos me sentí identificada. Además, me gusta porque es en blanco y negro y quiebra con lo que yo hago que, básicamente, está lleno de color".Como arquitecta, creo que me suma mucho el hecho de ser artista. Arranco desde el primer dibujito y termino entregando las llaves de la casa como un todo: diseño, arte y arquitectura.Valeria VilarObras en convivenciaNo bien entramos, el patio arbolado nos da una idea de cómo se articula la planta de este PH donde Valeria vive con sus hijos Amalia (17) y Lorenzo (13). "Efectivamente, la reforma se estructuró en torno al patio central y a un pequeño vacío donde termina el living que funciona como un tubo de luz. Pensé espacios rodeados de verde con buena entrada de luz y una arquitectura más racionalista de la que encontré".En cuanto a las obras de arte, Vilar explica que las ubica según la paleta de color de cada espacio y por cómo conviven entre ellas. "Para mí es muy importante cuál pongo al lado de cuál, ya que tengo muchas que son regalos de amigos artistas", dice, y enumera obras de Joaquín Boz, Juanjo Cambre, Zoé Di Rienzo, Pablo Siquier y Celina Eczeiza, entre otras."Si tuviese que aconsejar, creo que lo más importante al ubicar una obra es pensar qué te transmite, qué significa para vos y por qué está ahí, acompañándote y determinando un espacio que habitás", explica, y agrega que los coleccionistas generalmente piensan las obras que compran para un lugar en especial."Como acá conviven muchas obras, las pongo por identificación. Pienso que una va al lado de otra porque le hace bien esa convivencia".Una cocina con carácterEn la cocina, los pisos de hormigón y piedra pulida se acompañan con muebles de fibromelamina laqueados y madera de paraíso. Para las alzadas se eligieron unos calcáreos curados a tono; el complemento perfecto para los pisos.Mundos conectadosEl patio funciona como pulmón de la casa. Lleno de vegetación, conecta la cocina y el living y en verano es el comedor diario. Además, sobre el balconean el estudio y los domitorios superiores.SubimosLa casa se realizó en dos etapas. "Cuando nació Lorenzo, todavía estaba en pareja, e hicimos una ampliación en la parte superior en donde repensamos los espacios, que quedaron más pequeños y minimalistas. Fue en ese momento que agregamos la escalera, que también funciona como un tubo de luz entre las plantas", revela Valeria."Ahora también estoy pintando jarrones de cerámica. Creo que al incursionar en los objetos decorativos, de alguna manera estoy uniendo mis dos profesiones", dice sobre las piezas que se ubican estratégicamente en cada rincón.En el baño los azulejos negros y accesorios cromados refuerzan esa estética racionalista que Villar quiso darle a la casa.Un taller muy bien compartidoA unas pocas cuadras de distancia, Valeria nos lleva al taller que comparte con un grupo de artistas en el barrio de Paternal. "Venimos juntos desde el programa de Artistas de Di Tella. Una vez terminado, buscamos un espacio en común (San Crespin, en Palermo) que pronto nos quedó chico. Entonces apareció Maturín. "Hoy formamos un colectivo. Ahora, por ejemplo, estamos en una residencia, convocados por el Museo del Campo, donde nos dieron un espacio para trabajar y hacer una muestra que se inauguró esta semana".Cada quien tiene su espacio en ese enorme galpón ubicado en una zona de fábricas. El espacio de Vale está determinado por el color de sus obras, por los trazos que zigzaguean entre los pasteles, los óleos y pinceles. En su vertiente de interés por lo comunitario, fue curadora del evento "Mi Vereda", que organizó durante varios años en los muros periféricos del Museo de Arte Moderno; o el proyecto "Cool", en el Museo Del Traje, que materializó como un desfile de artistas.En la actualidad, Valeria Vilar forma parte del staff de artistas de la galería Neoyorkina Artemisa. Entre las muestras en las que participó, tanto individual como grupalmente, se destacan: "Galería Bustillos" en el BNA (2024); Museo Petorutti de La Plata (2023); "Diamante con patas", Miranda Bosch Gallery (2016); "6 cisnes", CCR, Buenos Aires; "My Buenos Aires", Maison Rouge Paris, Francia (ambas 2015); "Bosques y hechizos", Artemisa NY (2015); "El pájaro del brujo", Galería Schlifka Molina, Buenos Aires (2014) y Polvo de Hadas (Galeria Central de Proyectos Bs As, 2012).

Subastarán un retrato de Alan Turing creado por el artista robot Ai-Da: esperan recaudar casi 200.000 dólares

Una obra del robot artista Ai-Da, un humanoide dotado de inteligencia artificial (IA), saldrá a subasta el 31 de octubre, una primicia en el mundo del arte, anunció la casa de remates Sotheby's.Su retrato del matemático inglés Alan Turing, considerado como uno de los padres de la informática, forma parte del lote de esta subasta online que explora la "intersección entre el arte y la tecnología" y que permanecerá abierta hasta el 7 de noviembre.Se espera que esta pintura de 2,2 metros de alto, titulada AI God ("Dios de la IA"), alcance un precio de 100.000 a 150.000 libras (entre 130.000 y 196.000 dólares), según los creadores de Ai-Da.Este robot es uno de los más avanzados del mundo y está diseñado para parecerse a una mujer, de grandes ojos y pelo castaño oscuro. Ai-Da fue creada en 2019 por un equipo dirigido por Aidan Maller, galerista y fundador de Ai-Da Robot Studio, con especialistas de IA en las universidades de Oxford y Birmingham en Inglaterra.Su nombre está inspirado en Ada Lovelace, la primera programadora de la historia. Para dibujar, Ai-Da se sirve de sus "ojos", dos cámaras que capturan todo lo que se encuentra frente a ella. Después, una computadora y su software de inteligencia artificial traducen las informaciones capturadas en coordenadas que le permiten reproducir una imagen.El robot artista, que utiliza la IA para crear cuadros o esculturas, se mueve y expresa de manera autónoma, sin intervención humana. "A través de mis retratos de Alan Turin, celebro sus trabajos y contribuciones al desarrollo de la informática y de la IA", expresa un comunicado atribuido a la artista robot.El retrato, un rostro desestructurado con tonos oscuros, evoca visiblemente los temores de Alan Turing sobre el uso de esta tecnología y "continúa interrogando hasta dónde nos llevará el poder de la IA", subrayó Aidan Maller.Aidan Meller empezó a soñar con este proyecto hace más de diez años y bautizó a su robot en homenaje a la pionera inglesa de la ciencia informática, la matemática y escritora del siglo XIX Ada Lovelace. El denominador común entre todos los grandes artistas, según Maller, es haber sabido "captar el espíritu de su época". En el siglo XXI, dicho espíritu se encarna, afirma, en la inteligencia artificial.Otras obras de Ai-Da ya fueron expuestas en la Bienal de Venecia, en el Museo del Diseño de Londres, en las pirámides de Guiza o en Naciones Unidas. Esta inteligencia artificial también dio un discurso ante la Cámara de los Lores en 2022.Durante esta semana de subastas online, se venderán otras obras que interrogan sobre el papel de la inteligencia artificial y la definición de la creación artística.Con información de AFP

A los 80 años, Joan Manuel Serrat sigue "descubriéndose": "Dejar los escenarios no es dejar de ser artista"

El cantante recibirá uno de los galardones más importantes de España, tras una carrera marcada por éxitos musicales tanto en solitario como en colaboración con su amigo Joaquín Sabina. Vivió una intensa historia de amor con Candela Tiffón, con quien superó polémicas y enfermedades, consolidando una relación de más de 40 años. Leer más

Conocé el departamento de un artista y chef chocolatier en San Telmo

"Estuve viendo casas mucho tiempo. Siempre me cruzaba con este aviso, pero lo desestimaba porque quedaba sobre Paseo Colón, tan llena de colectivos, camiones y caosâ?¦ ¡nunca pensé que viviría en el bajo! Pero nunca digas nuncaâ?¦ Un día me ganó la curiosidad y concreté una visita ¡Quedé encantado!", cuenta Rubén Lartigue. Así empezó la historia de amor entre el chef chocolatier, director de arte y pintor y este departamento, abandonado, de principios de siglo XX.A la medida de San Telmo"Corría el año '92 cuando llegué al barrio. Alquilé una unidad de ambientes enormes, techos altos y pisos de pinotea en el ex convento de las Carmelitas Descalzas sobre la calle México", se acuerda.El lugar era encantador: tenía un patio soleado que comunicaba los ambientes. "Cuando llovía, había que cruzar a toda velocidad para ir al baño o la cocina y mojarse lo menos posible!", se acuerda. Esa primera experiencia fue suficiente para definir su radio de búsqueda en cuanto tuvo la oportunidad.Nunca más pude vivir en otro barrio que no sea San Telmo. En cualquier ciudad del mundo, elijo el casco antiguo; donde se forjó todo.Rubén Lartiague, pintor y dueño de casaVer más alláEl PH que lo sedujo fue una propiedad de cuatro ambientes en ruinas. Quedaba en un segundo piso por escalera, los cielorrasos estaban derrumbados, las yeserías arruinadas y los pisos que pedían clemencia. "Así y todo me fascinó; vi el potencial que tenía", asegura.Después de comprarlo supo que el edificio estaba firmado por Cayetano Moretti, un reconocido arquitecto italiano que hizo importantes obras en Argentina, Uruguay y Perú, entre ellas el palacio legislativo de Uruguay."En la entrada hay un portal de doble hoja, tallado, maravilloso, apenas pasas te chocas con este ventanal de hierro forjado con cristales de colores. Aunque estaba semi cubierto por unas cortinas harapientas, resplandecía"El hall de ingreso se convirtió en un comedor diario lleno de arte y personalidad. Los muebles son en su mayoría hallazgos de segunda mano rescatados de galpones que hay en el barrio. La plantas de interior suman un toque silvestre, y el resto corre por cuenta de la arquitectura.Collage de pisosEn el pasillo distribuidor se aprecia el collage de pisos y texturas, fundamental para lograr el estilo ecléctico que Rubén le quería dar al departamento."Los pisos originales en este tipo de construcción suelen ser maravillosos. En las habitaciones había pinotea y tuve que cambiar varias con material de demolición porque es una madera que no existe más", asegura. En el resto de los ambientes, había calcáreos y pisos de granito que pulió y vitrificó para devolverles su esplendor.Casas de otro tiempoComo suele suceder en este tipo de construcciones, los metros dedicados a la cocina eran muy escasos, así que la intención fue acentuar la luz y funcionalidad con una gran mesada revestida en cerámicos naranjas, y muebles más amplios."Hoy somos de compartir el momento en que cocinamos, con lo cual la cocina quedó chica para mi gusto. Me queda en el tintero transformarla en un baño y hacer una nueva donde está el baño original, para poder integrarla"Una de las habitaciones originales se ambientó como estar con un gran sillón retapizado en diferentes géneros geométricos y un altillo en el que practicar yoga y meditar. El planteo general en blanco y madera ayuda a destacar las obras en gran formato que visten todas las paredes."Estuve mucho tiempo buscando la escalera, quería que fuera sencilla y no ocupara mucho espacio. Finalmente apareció ésta cortada al medio en un desarmadero; pero soldada y pintada de rojo quedó perfecta"El espacio superior conserva un aire más calmo y despojado, con un piso de tablas blanqueadas que invita al descanso. La atención se la lleva el techo original de la casa, que Rubén eligió dejar descubiertos.Rodearse de arteEn el dormitorio, una antigua cama de bronce que Rubén heredó de sus padres y a la cual le colocó espejos a modo de cabecera. A su alrededor, veladores con tulipas vintage y un bahiut de estilo inglés refuncionalizado como cómoda y mini ropero. Pero sin dudas el protagonismo recae en los cuadros que visten todas las paredes casi hasta el techo."El arte suma todo, yo hago arte y es mi vida. Gran parte de las obras colgadas son mías y de artistas amigos. Me encanta también usar fotografías publicitarias de los 90s"Aunque de momento Rubén se encuentra en Europa acompañando trabajos que participan de muestras en Venecia y Madrid, la casa sigue ventilada, las plantas regadas, los rincones llenos de vida. Y si bien se está tentando con reciclar alguna propiedad en los campos cantábricos, sabe que este departamento que rescató del abandono lo espera siempre con los brazos abiertos."Por mi obra tengo que instalarme un tiempo en España y preferí alquilarla a viajeros por períodos cortos, de esta forma está habitada y otras personas pueden apreciarla"

Ayelen Coccoz: la artista que crea miniaturas

Pequeñas piezas articuladas hechas a imagen y semejanza de alguien que inspira (o que encarga el trabajo) es lo que resulta de la obra de esta rosarina que primero se moldeó a si misma, en un juego de espejos con la tradición japonesa del pootoreeto.

FIBA: la performance minimalista de Phia Ménard, la artista de la motosierra, la tormenta y el arte efímero

Lamentablemente, la página oficial del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) no tiene memoria histórica. No hay información disponible sobre los encuentros anteriores. Pero cabe recordar que durante sus primeras ediciones, por la sala Martín Coronado, la de mayor significancia en el teatro de prosa de la ciudad de Buenos Aires, pasaron los grandes montajes de creadores extranjeros vitales de la escena del mundo. Luego, por motivos curatoriales y/o presupuestarios, se usó en contadas ocasiones (la última, al parecer, fue hace cuatro años). En la actual edición del FIBA, el martes 22 de octubre, ante un escaso público aunque se tratara de su debut, la gran artista francesa Phia Ménard hizo la primera función de Contes Immoraux, partie 1: Maison Mère / Cuentos inmorales, parte 1: Casa Madre, una contundente propuesta que enaltece a la rica y fantástica historia de la Martín Coronado y del mismo festival.En el escenario de grandes dimensiones esta artista performática aparece enfundada como si fuera un personaje de Blade Runner o de una película de Marvel: botas bucaneras, chaleco de cuero, antifaz, tachas y un cabellera rebelde ladeada aparatosamente para un costado. Con un andar un tanto cansino recorre una y dos veces el perímetro del escenario sin pronunciar palabra (no lo hará durante la 75 minutos que dura su ritual). Desde ese momento cero empieza a desplegar una línea de trabajo definida por escasos elementos, reiteraciones y tiempos muertos que se constituyen en partes fundamentales de esta apuesta radicalmente minimalista de complejísima realización escenotécnica.Durante los largos iniciales poco sucede. El ruido de sus pasos en el escenario o el del movimiento de los grandes piezas de cartón corrugado se incorporan al atrapante trabajo sonoro basado en la grabación de sonidos en directo reproducidos en loop a los escasos segundos como un gran eco. No mucho más. Con el correr de los minutos, de varios minutos; ante semejante "nadería", algunos espectadores abandonan la sala. Phia Ménard, encargada de la dramaturgia y dirección escénica de esta propuesta junto a Jean-Luc Beaujault, pocas veces genera un vínculo con la platea. Apenas, en algunos momentos, entabla un mirada cómplice con el espectador.Ella está concentrada en levantar su propia casa madre de cartón, su Partenón. No es fácil. En el encastre de esa grandes piezas a veces falla o el error forma parte de un guion en el cual el azar siempre está presente (en definitiva, las raíces de esta artista remiten al circo contemporáneo, sabe asumir riesgos). Ante la dificultad de poner en pie a semejante estructura dan ganas de ayudarla (sucedió en la segunda función en la que dos personas del público, de los pocos que habían en la sala, subieron a darle una mano). Concentrada en su propia mecánica se convierte en la arquitecta de obra de su propia obra performática en la que la materia, el objeto ocupa un lugar central. Para "esculpir" las columnas del Partenón esta especie de guerrera de Marvel se vale de una gran motosierra.De aquella primeros momento desconcertantes al borde del aburrimiento, la gran estructura ahora está de pie. Pero no hay motivos de festejo. La calma antecede al huracán. El Partenón termina destruido como si todo esta propuesta fuera parte de una obra de arte efímero. Caen sobre él dos mil litros de agua durante largos, largos minutos (algo así, como una lluvia de 8/10 mm). Nubes, sonidos de truenos, relámpagos y más nubes completan la impactante postal. La naturaleza estalla en la Martín Coronado ante el asombro de los espectadores. A ninguno, seguramente, ahora se le ocurriría irse de la sala. La sucesión de imágenes tiene un efecto hipnótico. La embocadura de la sala deviene en una gran instalación pictórica y sonora en constante movimiento. Del Partenón, esa monumental construcción arquitectónica ateniense replicada en algunos grandes edificios públicos de Buenos Aires, poco queda en pie. Ella observa la escena sin gesto alguno. Lo hace con su gran motosierra apoyada en su hombro (cualquier inevitable lectura vinculada con la realidad argentina es pura coincidencia). View this post on Instagram A post shared by Festivales de Buenos Aires (@festivalesgcba)A los 75 minutos de iniciada su rutina, la fundadora del grupo Non Nova ("No inventamos nada", en latín) abandona el escenario con el mismo paso del principio. Esta vez, los ruidos de sus tacones sobre el piso están acompañados por el sonido de las últimas gotas que caen sobre la Martín Coronado. Ahora, lo que llueve son los aplausos.Seguramente, esta radical y potente propuesta puede dividir aguas. Claramente, forma parte del riesgo asumido por su creadora. Desde otra perspectiva, que un montaje de este tipo se presente en el marco del FIBA en un gran escenario le da sentido al mismo festival internacional. Es que desde hace un tiempo se programan obras extranjeras que despliegan líneas de trabajo que aquí, en el amplio mapa de la subjetividad, se encuentran mejores exponentes. Por el tipo de propuesta y su nivel de producción, Casa Madre marca la diferencia. Un montaje de este tipo interpela tanto al público como a los creadores locales. Y eso se agradece, le da sentido al mismo festival.La señora de las transformacionesEn un reportaje realizado por la periodista francesa Anne Quentín publicado en el libro "Circo expandido" se cuenta la trayectoria de esta creadora que, a los 20 años, conoció a Jérôme Thomas, maestro del malabar contemporáneo. Con él recorrió el mundo. En paralelo, fundó su compañía Non Nova. Pero luego de 20 años de hacer malabares, se cansó. "Entendí que el malabarismo y sus pelotas son funcionales, pero no pueden contar todo", reconoció. También esa afirmación tiene otra lectura a la que ella no le escapa. "Hice malabares mientras yo no era más que una representación de mí misma: aparentaba, en una piel y con un género sexual que no me representaba. El día en que puede afirmar mi diferencia, reivindicar otro sexo que aquel que la biología imponía, el malabarismo ya no tuvo sentido".En el desaparecido Polo Circo, Phillipe Ménard -en aquel momento se presentaba como hombre- estrenó localmente PPP/Posición Paralela al Piso. Su objeto a manipular era el hielo, un material en descomposición permanente.A lo largo de los años, su travesía existencial de vida le fue imponiendo otras necesidades artísticas. O, tal vez, fue un proceso dialéctico. En 2011 volvió a una nueva edición del Festival Internacional de Circo de Buenos Aires. Esa vez trajo La tarde del Fohen. En un reportaje previo a esa performance en la que manipula sin tocar simples bolsas de plástico convertidos en muñecos hipnóticos que se desplazaban por el aire, dijo a LA NACION: "PPP fue mi manera de salir del armario, fue mi coming out . Ahora, ya soy una mujer; lo cual hace que me sienta de otro modo".En El viento...., al activarse los 16 ventiladores ubicado a nivel de piso los seres bailan, se desplazan, toman vida en el espacio. "Frente a ellos, estoy convencida de que cada persona pueda crear su propia historia", admitió esta creadora que suele compartir sus propuestas en festivales internacionales del mundo y centros de arte de vanguardia. En Tecnópolis, durante la temporada de 2017, estrenó en estas tierras Vortex, en la que ella ocupaba el lugar central del círculo rodeado nuevamente de ventiladores.Phia Ménard también estudió teatro y danza contemporánea. "La humanidad es una larga historia de transformaciones", afirmó en el reportaje publicado en el libro mencionado. "Romper los marcos, los tabúes, salir del casillero son las obsesiones de esta artista que vive en carne propia lo que significa 'fuera de serie' y prueba al salir del circo y de sus códigos, así como del género que la engendró, que las categorías no son más que carcazas y trabas para la imaginación", sostuvo sobre ella la crítica francesa Anne Quentin.Coherente con esa búsqueda, con esa necesidad que la define; Phia Ménard ahora presenta hasta esta noche Casa Madre, este montaje estrenado mundialmente en 2017. En paralelo, hasta el sábado, está haciendo funciones de La tarde de un viento (el que anteriormente se llamó La tarde del Fohen). La noche de 2009 en la que estrenó localmente PPP, aquella impactante propuesta con bolas gigantes de hielo colgando desde la altura, horas antes había caído sobre Buenos Aires una fortísima tormenta acompañada por granizo con piedras de hielo que llegaron a los cinco centímetros de diámetro. Ahora, los días de funciones de Casa Madre, montaje durante el cual caen sobre el escenario dos mil litros de agua en modo de una tormenta, la tormenta, la lluvia se apoderaron de la ciudad.Al parecer, la presencia de Phia Ménard en esta ciudad cuenta con la complicidad de la naturaleza. La humanidad es una larga historia de transformaciones y coincidencias.

El artista argentino mejor cotizado lanzó nueva obra: una impresionante pintura del Río de la Plata

Helmut Ditsch superó a Antonio Berni en cuanto al mayor valor en la venta de una obra nacional. Se inspira en su pasión por el alpinismo y la natación.Su nuevo trabajo es un óleo sobre lienzo de 86 x 100 cm, pintado con su particular estilo, conocido como realismo vivencial.

Deportivo Morón tomó el mensaje de Bizarrap y Colapinto: Milo J, un joven artista, será su auspiciante

Milo J, un artista joven y reconocido en diversos ámbitos, es fanático de Deportivo Morón. Tiempo atrás, el popular club del ascenso lo homenajeó en su predio entregándole una camiseta con su nombre, y el artista, cada vez que puede, expresa lo que significa para él esa camiseta y el lugar fundamental que tiene en su vida.Para plasmar esta unión fraternal, Milo J se convirtió en el patrocinador principal de la entidad del Oeste para la temporada 2025; se trata del primer artista en tener este importante vínculo con un club de fútbol del país.Justamente, el próximo viernes, el artista brindará un espectáculo en la propia cancha de Morón y las entradas ya están agotadas, en lo que será su primer show en un estadio en un momento consagratorio de su meteórica carrera.Y siguiendo con su logros se presentará ante más de 30.000 personas el año próximo en Madrid y Barcelona. El 18 de enero en el Palau Sant Jordi y el 19 de enero en el WiZink Center, Milo J ofrecerá los conciertos más grandes de su carrera. Estos espectáculos no solo se destacan por el prestigio de los recintos, sino también por superar su exitosa gira de 2024, que incluyó un sold out en el Palacio Vistalegre, también en Madrid, que consolidó su ascenso.Camilo Joaquín Villarruel, conocido artísticamente como Milo J, es cantante, rapero y compositor. Consiguió el mayor reconocimiento por su canción titulada «Milagrosa» la cual se hizo viral por TikTok y hasta fue tendencia. Tiempo después lanzó el tema «Rara vez» dirigido por Taiu, el cual alcanzó más de 500 millones de reproducciones en Spotify en tan solo un año.Siempre cercano al mundo del fútbol, Milo se presentó a fines de marzo por primera vez en el Movistar Arena, en dos fechas que llevaban varios meses agotadas para más de 30.000 personas. Con el respeto de sus colegas y la crítica especializada, el afecto incondicional de su público, Milo J tomó nota de la necesidad económica del club que es parte de su historia.El Nuevo Francisco Urbano fue el escenario de la bienvenida al artista que vistió la camiseta de la institución. "Bienvenido Milo. Su barrio, su historia, su familia, sus amigos. Llegó el día, llegó él a su casa", expresó el Gallo.En el video, Milo recorre la cancha y define al club como su hogar. Con amigos en el campo de juego, modelaron la nueva camiseta que lucirán los jugadores del plantel, con la franja roja y el nombre artístico del cantante. En off, Milo comenta el sueño de escuchar el aliento de la gente cantando su nombre, mientras remarca el apoyo de los hinchas. Y remata con una frase que ilusiona a futuro: "¿Qué más querés? Ver en primera al Gallo, gato".Se trata de una tendencia en aumento que se replica en el deporte. De hecho, en uno de los momentos más críticos de la carrera de Franco Colapinto, Bizarrap irrumpió como un salvavidas para su futuro en el automovilismo de primer nivel, que se desvanecía debido a la falta de apoyo financiero.¡BIENVENIDO MILO J COMO PRINCIPAL SPONSOR DE NUESTRO CLUB!â?ªð??´â?ª pic.twitter.com/ohgZY11VDz— Club Deportivo Morón ð??? (@depmoronoficial) October 18, 2024Luego de finalizar la temporada 2023 de Fórmula 3, cuando Colapinto quedó cuarto en el campeonato, el panorama no era alentador. Sin haber alcanzado su meta de terminar entre los tres primeros, las posibilidades de continuar en Europa parecían desvanecerse. Hasta que apareció Bizarrap."Un día mi viejo me envió una nota donde se mencionaba que Colapinto necesitaba sponsors. Lo llamé sin conocerlo y le pregunté cómo podía ayudar", reveló Bizarrap en una nota con ESPN. Y fue más allá: "Le dije: 'Te contacto con gente, no sé...'. Así fue como Martín (Migoya) de Globant, junto a YPF, fueron los primeros en aparecer. Después vinieron otros patrocinadores. Franquito es un grande", advirtió Bizarrap, uno de los argentinos con mayor trascendencia a nivel mundial por sus éxitos musicales con megaestrellas. Y fanático de Vélez.

La promesa que hizo la hermana de Liam Payne tras la muerte del artista

A tres días de la trágica muerte del exmiembro de One Direction, Liam Payne, varias personas de su entorno, como sus excompañeros, la madre de su hijo Bear, su pareja Kate Cassidy, el creador de la boy band, Simon Cowell y decenas de personalidades internacionales se despidieron con emotivos mensajes en redes sociales. Una de las últimas en compartir un mensaje en redes sociales fue su hermana, Ruth Gibbins, quien además le hizo una desgarradora promesa.El fallecimiento del artista a sus 31 años impactó en el mundo del espectáculo por tratarse de un talento joven con una larga vida por delante, pero lo que provocó mayor revuelo fue la forma en que sucedió y las dudas que aún continúan dando vuelta al rededor de su muerte.Liam Payne estaba alojado en un hotel del baño porteño de Palermo, en Buenos Aires, cuando el encargado del lugar llamó a la policía por el estado en el que se encontraba artista y los ruidos que se escuchaban en su habitación. Finalmente, cuando llegó la policía, él se había arrojado desde el tercer piso y se encontraba sin signos vitales.En este doloroso marco, su padre, Geoff Payne, llegó al país dos días después para hacer el reconocimiento del cuerpo y comenzar los trámites de repatriación del mismo. Por su parte, su hermana, Ruth Gibbins, publicó un extenso y emotivo comunicado en su cuenta personal de Instagram donde habló de la cercana relación con su hermano, la admiración que le tenía y su final; no obstante, lo que más emocionó a los fanáticos fue la promesa que le hizo."No puedo creer que esto esté sucediendo. Muchas veces expresé públicamente mi orgullo por Liam, pero nunca mucho sobre la vida como su hermana. Liam era mi mejor amigo, nadie podía hacerme reír tanto como él", introdujo la mujer en una publicación que rápidamente obtuvo medio millón de likes en la red social.Asimismo, continuó: "Liam sabía que podía llamarme en cualquier momento, cualquier día, y que yo le contestaría o que siempre lo buscaría si necesitaba volver a casa. Nuestras llamadas siempre acababan con un 'te quiero, te extraño', 'te quiero, Ru'".Uno de los párrafos más emotivos de su texto es cuando admite que todavía no comprende lo que está ocurriendo. "Liam, mi cerebro está luchando por entender lo que está pasando y no entiendo dónde te fuiste. Solo quiero ir a tu casa, entrar con la música a todo volumen y encontrarte sentado escribiendo una canción o entrar en tus fases artísticas y sentarme contigo mientras dibujas o haces manualidades", manifestó."Solo querías que te quisieran y hacer feliz a la gente con tu música. Nunca creíste que fueras lo suficientemente bueno, espero que ahora puedas ver esta efusión de amor que nunca recibiste en tu época", indicó.Por último, se refirió a la ayuda que no le pudo dar a su hermano en estos últimos años. "Lamento no haber podido salvarte. Por última vez necesito que sepas que estoy acá si necesitás algo, conduciría hasta el fin del universo para traerte de vuelta", escribió. No obstante, le hizo una importante promesa que le sacó algunas lágrimas a más de uno: "Cuidaremos de Bear y él siempre sabrá lo increíble que es su padre y lo mucho que lo idolatras". Cabe señalar que el único hijo de Liam Payne, Bear, de 7 años de edad, es fruto de una relación pasada con la cantante británica Cheryl Cole. Según se supo hasta el momento, el pequeño es el único heredero de su millonario patrimonio.

Así fue como la novia de Liam Payne regresó a Florida desde Argentina, horas antes de la muerte del artista

Este miércoles, el exmiembro de la reconocida banda One Direction Liam Payne fue hallado sin vida en el hotel Casa Sur, situado en la ciudad de Buenos Aires. La tragedia ocurrió cuando el músico, de 31 años, cayó desde el tercer piso hacia el patio interno del edificio, en el barrio porteño de Palermo. La influencer y quien era novia del artista, Kate Cassidy, estuvo con él días antes, pero se regresó a Estados Unidos.Las últimas publicaciones de Payne en redes sociales son un vistazo a sus días antes de la caída desde el balcón del hotel. A través de Snapchat, compartió sus diferentes actividades, en las que también figura Cassidy, que dejó Argentina hace unos días para regresar a EE.UU.El músico asistió al concierto de su excompañero de One Direction, Niall Horan, que tuvo lugar en el Movistar Arena el 2 de octubre. Desde entonces, estuvo publicando varias imágenes con su novia y desde la casa de uno de sus amigos.En unos de los últimos clips de la semana, escribió: "Día encantador en Argentina", mientras se mostraba disfrutando del café y de un desayuno con la influencer. En tanto que también subió una foto con la descripción "tiempo de calidad".}La última foto publicada en la cuenta de Payne era una imagen de él y Cassidy posando frente a la cámara. Sin embargo, esta foto no era actual, sino que la había compartido ella en Instagram en 2023.Por su parte, Cassidy había utilizado su cuenta de TikTok días antes para compartir cómo fue su vuelo de regreso de Argentina a Estados Unidos. En el video, confirmaba que había estado en Sudamérica.El video que subió Kate Cassidy horas antes de la tragedia¿Qué pasó con Liam Payne?El cantante de 31 años fue hallado sin vida el miércoles en el hotel Casa Sur de Buenos Aires. La noticia se dio a conocer cuando el personal policial de la Comisaría 14B llegó al hotel tras recibir un llamado al 911 que informaba sobre un hombre agresivo que podría haber estado bajo los efectos de drogas o alcohol. El SAME confirmó la muerte del cantante.

Polémica en México: trabajadoras sexuales protestaron contra una obra de la artista Ana Gallardo

Graffitearon la fachada del Museo Universitario de Arte Contemporáneo por considerar que la artista "discrimina" a las trabajadoras sexuales.El lugar suspendió temporalmente la exhibición de la obra, pero mantuvo la muestra dedicada a la argentina.

El artista no sabe lo que hace

Reflexiones sobre por qué el anhelo que orienta la escritura es alcanzar la carne de las palabras.

"¿Cuánto cuesta un bebé?": una artista confecciona muñecos hiperrealistas y despierta la polémica en las redes sociales

Ponerle un pañal en la cabeza a un bebé y ajustárselo al cuello es una tarea solitaria. Cuando Valeria Kurz lo hace en la cafetería en la que trabaja para luego entregarlo, su compañera se va a la otra punta del local porque "le da impresión" y no quiere ver la escena. Después lo envuelve en una mantita y un aislante para que no se arruine. Y no, no llora. Porque a pesar de sus rasgos demasiado humanos, en realidad el bebé es un muñeco.Antes del empaque, ambas lo sostuvieron como si no importara que fuera un objeto. Lo arroparon, lo hamacaron y lo miraron con ternura. Su piel tiene un aspecto tan terso que es un poco rosa y se traslucen las pequeñas venitas y texturas de un recién nacido. Entre los pliegues de su rostro hay algunos signos brillantes del proceso constante de un cuerpo vital, como el de la saliva apenas saliendo de la boca o las lágrimas de un llanto reciente. Parece un nene dormido. Y quien lo toma en brazos tiene el instinto inmediato de agarrarlo con cuidado, sostenerle la cabeza y hablar en un tono más bajo. Así son los reborn, figuras hiperrealistas de niños que apenas han llegado al mundo. Y Valeria, la artista que los hace, perfecciona su técnica hasta la obsesión.Pero la recreación de una humanidad artificial no es gratuita. Las redes sociales que usa para promocionar su trabajo son el blanco de cientos de comentarios cargados de rechazo y hasta odio. Por un lado, están sus compradores y fans: personas que halagan su trabajo, que la consideran una artista admirable y la defienden de los ataques. Y por otro lado están quienes la critican con comentarios que cuestionan tanto sus posteos como la existencia misma de su producción. La acusan de macabra y morbosa con malicia. Pero no siempre la expresión es violenta, si consideramos violencia a todo aquello que solo busca herir. También están quienes no depositan esta incomodidad en ella, sino que manifiestan una sensación que los invade: los encuentran escabrosos y espeluznantes.La fábrica de bebésEl emprendimiento extra de Valeria nació en 2021, cuando Mía y Sol -sus hijas- le insistieron con que querían unos "bebés de verdad" que habían visto en videos de YouTube. Luego de varios regalos que no las satisfacían, se dio cuenta de que se referían a los reborn: muñecos intervenidos de manera tal que, en apariencia, casi no se percibía su diferencia con uno real. Sin antecedentes del ejercicio artístico, se lanzó a fabricarlos con materiales que creó ella misma luego de contactarse con una artista española que la ayudó a dar los primeros pasos.Su método autodidacta dio frutos. Hoy, su cuenta de Instagram -elsuenodemiaysol- cuenta con más de 88 mil seguidores y toma pedidos cada tres meses. En septiembre de 2024, cada uno cuesta alrededor de $355 mil y alardea con haberles vendido piezas a superestrellas como Leandro Paredes y Ángel Di María, quienes compraron para sus hijas. Jorgelina, la esposa de Di María, comentó en uno de los posteos que el bebé que le compró a sus hijas "ya es uno más de la familia". También la contactó Antonela Roccuzzo, con quien no se concretó la venta y queda la incógnita de para quién buscaba comprar uno. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por El sueño de Mia y Sol Reborn (@elsuenodemiaysol) Los bebés reborn se fabrican en dos partes. El torso es un body -la prenda infantil- relleno de bellón y constituye la parte menos trabajosa del proceso. Y por otro lado, están la cabeza y las extremidades que tienen un molde original de escultura que se compran hechos. Suelen ser de vinilo -como los que usa Valeria- o silicona y se rellenan con marmolina. Gracias a esta diferencia de peso, caen más que el resto del cuerpo y al levantarlo da la sensación de tener a upa a un niño real, sin la suficiente fuerza o coordinación para mantenerse erguido. Pero el verdadero trabajo diferencial comienza a la hora de pintar.En su taller que también es su casa en Banfield, Valeria le contó a LA NACION cómo es el proceso: "Cada escultura lleva entre 40 y 50 capas de pintura. Entre cada capa se lleva a cabo un horneado para que se sequen y no se mezclen. Las aplico con estas esponjas que tienen distintas formas para darles texturas. A las venas las dibujo una por una y a veces les hago alguna formita distinta a las orejas o los dedos para que sea más real"."Al pelo lo injerto uno por uno. Tal vez es el momento que menos disfruto, porque es un proceso largo y minucioso", cuenta. Una vez listo, une todas las partes y lo mira con satisfacción. Luego encuentra algún detalle que no la convence y muchas veces se introduce en cambios trabajosos con tal de dejarlo a la perfección. Lo toma en brazos, pero esta vez con más cuidado. "Una vez que está armado ya no puedo tratarlo como una cosa", confiesa.El valle inquietanteAunque la relación de Valeria es ambigua respecto del antes y después del armado, está claro que no convive con un conflicto sensitivo ni mucho menos moral con su obra. Al ser consultada sobre si logra entender a quienes no pueden procesarlo dice que sí, pero que lo considera mucho más simple. La idea de la morbosidad, cree, es previa a la observación de sus reborn. Sin embargo, aclara, no le gusta mucho ver a los que tienen los ojos abiertos. "Esos sí me dan un poco de impresión", dice.La excepción que menciona es muy interesante, ya que tiene correlación con lo que se ha estudiado hasta el momento sobre la reacción de los humanos frente a figuras antropomorfizadas. El primero en elaborar una idea alrededor de este encuentro fue Masahiro Mori, un experto en robótica de origen japonés. En 1970 planteó la teoría del "Valle inquietante", que postula que las personas experimentan una sensación placentera de familiaridad cuando los objetos poseen rasgos humanos. Este placer aumenta a medida que se vuelven más y más cercanos a la vida, hasta que el parecido es demasiado cercano. En ese momento, el placer es sustituido por la repulsión y la inquietud. Su postulado se vincula específicamente con el avance en la creación de robots humanoides, pero fue tomado más adelante para desarrollar nuevas posibilidades de explicación de este fenómeno.Tanta relevancia tomó este asunto que la industria cinematográfica también tuvo su punto de inflexión en el uso de imágenes creadas digitalmente (CGI, por sus siglas en inglés). En la película El expreso polar (2004) se usó la captura de movimientos con actores reales para realizar una pieza animada. Pero la recepción de tal innovación no fue del todo buena. El crítico Joe Morgenstern, de The Wall Street Journal, escribió que "las figuras cuasi humanas habitan una tierra de nadie donde el lenguaje corporal está extrañamente empobrecido y los rostros no expresan sentimientos; no es solo una epidemia de ojos muertos, sino de rasgos apagados que hacen que los niños se vean sombríos, privados de sueño o simplemente tristes". Por su parte, la revista Rolling Stone publicó que "los ojos de los personajes tienen una mirada vidriosa que es casi espeluznante".Una y otra vez los ojos, una y otra vez la insistencia en que estuvieron tan cerca de lograrlo que fue imposible procesarlo. Algunos usuarios de los foros en donde se discutió este asunto a principios del siglo también mencionaron el videojuego Final Fantasy (1987)que, a pesar de su éxito, podría considerarse otro ejemplo de valle inquietante.Uno de los estudios más citados sobre el tema pertenece a las investigadoras Christine E. Looser y Thalia Wheatley, quienes luego de varias pruebas concluyeron que "la apariencia de los ojos es categóricamente informativa en la transmisión de si algo está vivo". Las hipótesis alrededor de los motivos de la confusión y rechazo hacia este tipo de imágenes no han llegado a un consenso. Comúnmente se vincula a un mecanismo de defensa que asocia una anomalía facial con un problema de salud física o mental. Pero también a la inquietud que puede aparecer tras la creación de una vida no natural que posee mente y decisiones propias, lo que podría significar eventualmente, un peligro.Lo soportable, la repulsión y el dolorNo hay una respuesta final para la pregunta de por qué en algunas personas este tipo de figuras las lleva a la evocación de una sensación espeluznante e incómoda. Pero el espacio es liminal y también admite a todas aquellas a las que la extrañeza también les despierta la curiosidad. Hay una diferencia en el público de Valeria Kurz -en el que también se ubica ella-, que es bien subjetiva, pero que también se enmarca dentro de un encuentro de percepciones tal vez irreconciliable.La mayor parte de sus clientes obtienen sus reborn para regalárselos a sus hijas, como los clásicos bebotes -muchas veces le piden que se parezcan a quienes van a jugar a ser sus madres-. Incluso la contactan coleccionistas de muñecas, por su gran calidad. Pero Valeria también relató la historia de una mujer que, tras recibir la noticia de que no podría gestar, estaba conversando con su psiquiatra sobre la posibilidad de comprar uno. Durante el tiempo que había durado su búsqueda había comprado ropita que soñaba con usar aunque sea con un juguete.Incluso relató aquella historia que llegó a sus mensajes privados y logró impresionarla: una madre había perdido a su niño muy poco después de dar a luz, pero había conservado el pelo que le cortó antes del entierro. En su pedido, y aún atravesando el duelo, solicitó que esa parte de vida que le quedaba fuera injertado en su muñeco reborn.

De Paul McCartney y Bob Dylan a Michael Caine y Julio Iglesias: ¿cuándo es el momento justo para que un artista se retire?

No es posible saber cuándo un artista se retira. Se supone, porque la vocación es la que impulsa a alguien a abrazar un arte, que no funciona del mismo modo que las profesiones "racionales". Porque el impulso de cantar, actuar, escribir, pintar o incluso dirigir películas, incluso si con el tiempo se convierte en un ganapán, procede de otro lado, de la necesidad de traer algo nuevo al mundo. Sin embargo, hay artistas, muchos, que un día dicen "hasta acá llegué", lo anuncian y se despiden haciendo lo que mejor saben. En estos últimos años, varios grandes nombres del arte popular han dicho "adiós", y es particularmente notable la diferencia entre músicos y actores.Tuvimos el caso del caballero Michael Caine, que anunció su retiro en octubre del año pasado, contento porque The Great Escape, su última película sobre un veterano de la Segunda Guerra Mundial que escapa del geriátrico donde vive, tuvo aplausos de todo el mundo -fue, además, la última película que rodó Glenda Jackson, fallecida poco después-. Y tuvimos hace dos años el caso de Bruce Willis, que fue forzado al retiro por padecer demencia frontotemporal. En cambio, días atrás tuvimos a Paul McCartney en dos River a pleno, sin fallar una nota en casi cuarenta canciones. Es cierto que es más joven que Michael Caine (Paul tiene 82, Michael, 91), pero de todas maneras es difícil que el Beatle, que no volverá -dice- a los escenarios, seguirá con la música. Mr. Caine hoy es un gran tuitero.A Walter Benjamin se le escapó un dato en su célebre artículo La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica: que cuando escuchamos Abbey Road oímos al joven Paul, o cuando vemos Duro de matar sigue allí el Bruce con pelo. El retiro o no retiro de los artistas representa, para nosotros, los espectadores, la prueba irrefutable de que algo se terminó y, al mismo tiempo, el desconcierto de saber que todavía está ahí. Pero en general nos quedamos con la figura creada, no con el ser humano que la creó. Michael Caine sigue estando muy bien en Alfie y McCartney pone la piel de gallina en "Oh, Darling". Se escribe esto, siempre, en presente, y puede decirse, con toda la cursilería del mundo, que el arte vence al tiempo.Es claro que esa diferencia entre actores y cantantes, por comenzar con una bastante clara, está pautada por la fisiología. El caso de Willis (que tiene hoy 69 años y cuyos colegas de generación siguen trabajando) es clarísimo: el síntoma más serio al principio de su enfermedad era una afasia que le impedía decir o recordar sus líneas en una película. Es evidente que el hombre agarró todos los trabajos que pudo para ahorrar (la cantidad de films de acción de baja calidad que lo tienen al menos como secundario sólo rivaliza con la cantidad que hizo Nicolas Cage en estos años para pagar impuestos). Y que el final prematuro llegó porque se impuso la enfermedad. El trabajo de un actor, sobre todo de un actor popular, depende en gran medida de su imagen, de cómo logra darle vida en la pantalla a alguien que no existe, en principio, más que como una serie de palabras en un papel. Trabaja con todo el cuerpo, y cuando este no responde o ya no puede representar de modo digno, el intérprete decide poner un final. Rodar una película es una tarea tediosa y muy exigente tanto para el cuerpo como para el cerebro. No es sólo estar allí y recordar líneas, sino repetir cientos de veces lo mismo, actuar la muerte del personaje el primer día de rodaje y su mejor momento cuatro semanas después, establecer todo tipo de emociones a pesar de cómo se sienta la persona-actor (imagínese tener que interpretar una seducción cuando padece acidez, por ejemplo) y otras muchas cosas complejas. Si la herramienta no responde, y ya no hay paliativos, entonces es un adiós.Hay algunas excepciones. Sean Connery murió en 2020, a los 90 años. Pero se retiró en 2006, a los 74, edad en la que hay muchos actores activos. En aquel momento, cuando recibió un Globo de Oro por su carrera, dijo que se iba por "los idiotas que hacen películas en el Hollywood de hoy". Unos pocos años antes, había rechazado el rol de Gandalf en la versión de El señor de los anillos con la que Peter Jackson dio una forma visual definitiva a la célebre novela de J.R.R. Tolkien. Básicamente, dijo que no entendía nada del guion. El rol le dio a Ian McKellen fama, gloria y una nominación al Oscar. Pero lo que no decía era que no quería realizar rodajes largos y fatigosos. Poco después de su retiro, circuló el rumor de que Steven Spielberg quería su regreso como el padre de Indiana Jones en la cuarta película del personaje, El reino de la calavera de cristal. Connery fue claro: "¡El retiro es mucho más divertido!" y sólo volvió a la pantalla en 2012 como la voz del personaje central de la comedia animada Sir Bill, de la que era, además, productor ejecutivo. Siguió disfrutando del retiro más de una década y rechazando toda clase de papeles -hasta Marvel se le acercó entonces. Es el raro caso de quien decidió, aún bien de salud y con mucho tiempo libre, disfrutar de la jubilación y darle descanso al ego.Hay casos un poco más complejos. Judi Dench tiene, hoy, 89 años y su última aparición importante en el cine fue en Belfast (2022), de Kenneth Branagh. En mayo de este año, explicó que la maculopatía que padece prácticamente le impide ver, lo que ha llevado a todos los medios a deducir que le ha llegado su retiro. En la práctica lo es. En realidad ese anuncio todavía no llegó. Pero en este caso hay que tener en cuenta dos factores. El primero, que Dame Judi Dench lleva más de sesenta años de carrera, incluso si su despegue internacional como estrella comenzó a finales de los 90 (cuando ganó el Oscar a la Mejor actriz secundaria por Shakespeare apasionado) y se hizo mucho más popular como la "M" del James Bond interpretado por Daniel Craig. El segundo: no ver no impide necesariamente actuar, pero una cosa es ser Johnny Depp (que es ciego de uno de sus ojos) y otra, no ver nada. No es sólo leer el guion, es saber dónde está la cámara. Pero en el caso de Dench, existe también la fatiga de la carrera en sí y que no hay roles para mujeres de su edad.Claro: hay muchos famosos ciegos y la mayoría son cantantes. Ahí están, sin buscar mucho ni googlear apasionadamente, Ray Charles y Stevie Wonder. O, si es argentino nativo o por opción y contemporáneo, el joven cantante folclórico Nahuel Penissi. Lo que importa es la voz en ese caso, y la música. De hecho, basta con tener un buen oído y afinación para presentarse ante el público y grabar discos. Lo que sucede en general es que los cantantes se retiran de las giras, del desgaste de ir de un lado al otro y de la energía física que tal rutina impone. A menos que uno sea Bob Dylan y quiera morir en el escenario: el hombre está realizando ahora mismo una gira por Alemania, mientras su coevo McCartney todavía tiene que hacerse otra fecha en Córdoba el 23 de este mes. Sin embargo, la diferencia: McCartney dijo que es su adiós a los escenarios; Dylan, no, pero parece haber dado indicios de que es "hasta aquí". También es cierto que hay diferencias: Paul se mueve más que Bob en el escenario; uno es un show pirotécnico; el otro, casi íntimo incluso en sus momentos más eléctricos. Sin embargo, nadie dice que se retiran de la música; es probable que sigan produciendo. Aunque, cuando estos nombres llegan a cierta edad, suelen correr los rumores de que se retiran, como si la prensa los estuviera empujando. Hace pocos días, Julio Iglesias tuvo que desmentir que se retiraba de los escenarios. Tiene 81, uno menos que McCartney y dos menos que Dylan; y sí, no es ninguno de ellos pero ha llegado donde ha llegado y sigue allí, lo que no es poco mérito. El hombre dijo que está muy bien y seguirá adelante, que será él el que informe cuando sea "basta" (y mientras y de paso, publicitó la serie que Netflix prepara sobre su vida). Estos tres ejemplos bastan porque hay algo interesante: la voz puede perder caudal, pero si se cuida, dura toda la vida. Mientras la cabeza esté bien y esa voz responda, el cantante puede seguir casi indefinidamente. Lo que es una enorme diferencia con los que trabajan con todo su cuerpo.Que es lo que le sucedió a Michael J. Fox, aquejado de Parkinson, aunque ha hecho excepciones en general como forma de que el público tome conciencia de lo que implica la enfermedad. Y después están los otros, los que anuncian un retiro por razones -digamos- estéticas. Ahí está el espectacular caso de Daniel Day-Lewis, para muchos el mejor actor de la historia (no, no existe ni existirá tal cosa, aunque el mundo centennial sea proclive a la hipérbole de lo reciente). Anunció su retiro en 2017, a los 60 años. En una entrevista al respecto, explicó: "Necesito creer en el valor de lo que estoy haciendo. El trabajo puede parecer vital, irresistible, incluso. Y si el público lo cree, eso debería ser suficiente para mí. Pero, últimamente, no lo es". Una posición dura sobre la actuación, sin dudas -son muchas las referencias a su enorme exigencia como intérprete-, pero también algo de divo; de hecho, vuelve en breve coescribiendo con su hijo Ronan Day-Lewis el film Anemone, que dirige justamente Ronan. No es el único que dijo "me voy" y volvió: lo hizo Jane Fonda en 1991 cuando se casó con Ted Turner, por ejemplo. Luego se divorció y volvió. Cosas que pasan.No como su colega y varias veces pareja en la ficción Robert Redford, que hizo su última película en 2018 (Un ladrón con estilo) interpretando a un veterano criminal que hace su última jugada, aunque más tarde se estrenó Avengers-Endgame, donde retoma su rol de Alexander Pierce, villano en Capitán América y el soldado de invierno. Interesante que Redford, una tremenda estrella del cine de los setenta especialmente, alguien que vendía cualquier película con su nombre, cerrara sus apariciones en la pantalla con la quinta película más recaudadora de la historia (con números ajustados por inflación; si no, sería la segunda). Pero Redford ya actuaba poco y estaba más dedicado, desde hacía décadas, al Sundance Institute y al festival del mismo nombre; incluso trabajó con más frecuencia como director que como actor en el último cuarto de siglo. Aquí aparece otro tipo de "retiro": seguir vinculado al arte -en este caso, el cine- desde otro lado. Como los cantantes que dejan el escenario pero siguen componiendo, produciendo y grabando. En ese punto, Redford es bastante excepcional en el audiovisual.De todo modos, "mientras el cuerpo aguante", los actores tienen más suerte que los directores. Ni Howard Hawks ni John Ford (el primero, después de Río Lobo; el segundo, después de Siete mujeres) tenían ganas de retirarse. Pero ya no los llamaron, como pasó con otros directores clásicos (aunque algunos, como Billy Wilder y George Cukor, llegaron a realizar películas en los 80). Los estudios consideraron que su tiempo había pasado. Y también pasa cuando se acumulan fracasos: a Michael Cimino la industria le cortó los víveres cuando hizo el tremendo fracaso de Las puertas del cielo (hoy considerada casi una obra maestra, pero acabó con el estudio United Artists) y sólo hizo cuatro películas más, aunque lo despidieron de muchas otras (entre ellas, Footloose). Un mal resultado y la marca, queda. En general, los directores o mueren con las botas puestas o esperan en vano una próxima película que no llega más. Como los arqueros en el fútbol, terminan siendo los responsables de los fracasos, aunque el Oscar a Mejor Película siempre se lo lleva el productor. Los actores, en general y si no ceden a los excesos, suelen tener más suerte. De todos modos, el tiempo pasa y los ciclos se cierran, aunque en la pantalla y en las grabaciones todo sigue vivo.

Una artista plástica platense relata su experiencia y crecimiento profesional en China

Si la impresión al llegar era buena, el plan era quedarse cuarenta días. Pero si el lugar o la dinámica no resultaban, de inmediato torcería el rumbo hacia Europa, donde viven sus hijos, antes de pegar la vuelta a la Argentina. Ése era el acuerdo al que había llegado la artista visual María Santi con su marido cuando decidió aplicar para una residencia de artistas en China. Claro que su naturaleza aventurera no le permitió aceptar la idea de contratar un tour para que, al llegar al país desconocido y lejano, la llevara segura al destino artístico.Fue así como, mediante señas y sin poder contactarse -allá no usan WhatsApp, Instagram o Facebook y se necesita una aplicación que funciona "como una antena que te conecta con Occidente", pero que en un principio no le funcionó- aterrizó y pasó cuatro días de estrés hasta que llegó a la residencia para artistas y todo dio un giro de 180 grados. Egresada de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) con el título de licenciada en Artes Plásticas y Orientación Pintura, María Santi siempre se dedicó a la pintura. Hoy lo suyo son las instalaciones o grupos de pintura sin marco.A sus 53 años, con tres hijos ya grandes (Estanislao, de 32 años, vive en Berlín; Delfina, de 39, en Barcelona, y Nicanor, de 27, en La Plata), hace tiempo que recorre residencias para artistas en el mundo. En otras ocasiones las elegidas fueron las de Leipzig, Berlín, Finlandia y San Petersburgo, y su próximo objetivo es Austria. Claro que lo que suma cada experiencia "depende de la residencia, porque está vinculado al contexto. En general, te permiten conocer a otros artistas y trabajar muchas veces, como en el caso de China, con todo pago. Y suma gente interesada en lo que hacés. En Buenos Aires estoy sola en mi taller, trabajo sola todo el día". Un plus es conocer otras formas de vida y acercarse a diferentes culturas.Respecto a la obra en sí, "en cada residencia hago una vinculada a ese lugar. Siempre hay una obra en particular que trabajo en vínculo con ese contexto". A nivel personal, una nueva residencia implica un crecimiento: "Me transforma ver cómo me hallo sin la estructura que tengo armada acá" ¿Y por qué China? "Me interesa mucho aprender de otras culturas, y siento que esa es muy lejana a nosotros".Buscando opciones en China, apareció la residencia en Chengdu, donde aplicó con un proyecto sobre el pliegue: colecciones grandes de pinturas que forman una sola obra. Cada tela está cortada, sin marco ni nada que la tense. Junto con el acrílico, la tela es plegada, logrando que tenga cuerpo. "La pliego y después la estiro. Son obras geométricas, yo soy pintora abstracta. Apliqué justamente comparando el pliegue que trabajo con el pliegue del origami oriental".Llegar a la residencia fue encontrar la paz y un mundo totalmente nuevo e inspirador. Con parque, museo, galería y restaurante, el lugar era una especie de aldea en la que abundaban jarrones, estanques, flores y plantas. En su habitación estaba el estudio con vista a un jardín. "La gente de la residencia era muy profesional y construí un vínculo divino con ellos. Voy a volver". El éxito de su obra fue tal que llegó a las redes sociales de influencers del lugar.La artista se encontró con todos los materiales a su disposición. "Allá los bastidores eran gruesos, con una tela espectacular, con los pomos de pintura enormes y pinceles que eran una belleza". La rutina de trabajo ocupaba todo el día, que se interrumpía solo a la hora de las comidas. Parte de la obra allí producida queda en la residencia -montada en el museo- y el resto pertenece a la artista. "Tendría que haber dejado tres cuadros, pero dejé seis", señala. Con esos cuadros el proyecto es hacer allí una exhibición y la proyección de una película sobre su trabajo."La residencia funciona como una empresa de arte. Manejan todo el arte de la provincia, son partnerships de varias empresas y tienen convenios con las universidades de la región. Ellos son los dueños de la obra". ¿Lo más impactante de la experiencia? "Sentí que llegaba al futuro. En la residencia me impactó todo lo que me proveían; había un montón de jarrones y de bibliotecas y eso fue lo que decantó en la obra final. Todo hizo que a la tela le diera un 3D, las pinturas son como jarrones", describe. Por supuesto, la cultura ancestral china marcó también a la artista. "Lo cultural está inserto, mezclado con la naturaleza".A futuro, María Santi sabe que la experiencia tendrá impacto en su obra. "Yo estaba en la búsqueda de algo bien distinto. Me encanta el dorado y me gustaba esto del brillo y del fake. Pinté mucha tela con pinturas doradas para armar una colección que probablemente se llame Tesoros del Futuro, porque está vinculada a China, a todos los museos que visité y a lo que exponían. El dorado estará más presente en mi obra. No lo venía trabajando tanto". En cuanto a las técnicas, antes del viaje ya había incursionado en los plegados y se había alejado del bastidor. A este trabajo previo le agregó otra mirada: "Le puse como un punch más entre el oro, el dorado, más esto del 3D de los jarrones". Cada viaje, un crecimiento.

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Es artista y vive en Boston, pero su trabajo secundario le hace ganar casi US$10.000 al mes: cómo lo hace

Kyle Stockford, un artista plástico de 29 años, tuvo que sumar un trabajo secundario en 2021 porque los ingresos que obtenía por la venta de sus obras no le alcanzaban para mantenerse. Para llegar a fin de mes, se dedicó a transportar muebles y otros objetos con su auto, una actividad que terminó convirtiéndose en un negocio rentable que le permite ganar hasta 9700 dólares al mes, solo durante la temporada alta de mudanzas universitarias.Stockford, un graduado del Massachusetts College of Art and Design, era un artista a tiempo completo. Sin embargo, la venta de sus cuadros decayó en 2021 y se encontró en una situación económica difícil. En busca de una solución, recurrió a su hermano, quien le sugirió trabajar a través de Taskrabbit, una plataforma de servicios que permite a las personas contratar trabajos esporádicos.En sus primeros días en esa plataforma, Kyle hizo tareas de jardinería y montaje de muebles. Según contó en diálogo con CNBC Make it, por esos trabajos cobró "entre 16 y 18 dólares por hora". Sin embargo, pronto descubrió que los usuarios de la plataforma contrataban servicios de mudanzas, por los que la ganancia era mucho más alta.Así fue que decidió usar su van Chevy Express, que había comprado en 2018 para transportar sus obras de arte, y comenzó a ofrecer servicios de mudanza en la zona de Boston. En un principio, cobraba US$65 por hora por sus servicios, pero cuando aprendió los detalles del negocio ajustó su tarifa hasta llegar a los US$98 por hora que cobra actualmente.Kyle recordó que sus inicios no fueron fáciles, porque trabajaba solo y muchas veces debía mudar demasiados muebles. Tardaba mucho y solo podría hacer un viaje o dos por día. Por ello, decidió dedicarse a mudanzas chicas o a recoger muebles en Marketplace de Facebook. Compró correas, mantas y guantes por US$50 para asegurarse de poder cargar y transportar todos los objetos de forma más eficiente y solo aceptó trabajos "chicos". Así, su negocio comenzó a despegar.Tres semanas de trabajo intenso a cambio de altos ingresos y flexibilidadStockford explicó que su trabajo secundario tiene mayor demanda en agosto, en la temporada de estudiantes universitarios que se mudan entre residencias y apartamentos. "El año 2023 fue una locura, trabajé casi todos los días de agosto y algunos de septiembre", dijo. Ese esfuerzo valió la pena: solo en ese mes, generó ingresos por US$9740."Puedo trabajar tres semanas al año, ganar un montón de dinero y luego desconectarme", destacó Kyle. En tanto, explicó que fuera de esa temporada alta de mudanzas universitarias, puede llegar a ganar entre US$3000 y US$5000 mensuales con las mudanzas.De este modo, le dedica entre 10 y 20 horas semanales a su trabajo en las mudanzas y lo combina con un empleo de tiempo parcial, pero relacionado con su gran pasión: el arte. En específico, trabaja como preparador de obras en el Museo de Arte McMullen en Boston College.Por último, destacó que la flexibilidad de su empleo secundario le permite disponer del tiempo necesario para enfocarse en sus propias obras y collages, que también vende, pero ya sin la presión económica de tener que conseguir el dinero suficiente para poder mantenerse.

Un escudo viral: quién es Pilar Veiga, la artista que creó el estandarte de la marcha por las universidades públicas

"Me puso muy feliz ver el escudo en la marcha del 23 de abril en defensa de la educación pública y hoy en todas las redes sociales", dice a LA NACION la artista e ilustradora Pilar Veiga (La Plata, 2000) horas antes del comienzo de la segunda marcha del año en defensa de las universidades nacionales y en rechazo del anunciado veto presidencial al financiamiento universitario. En Instagram y X, a la estudiante de Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires se la conoce como "Pilar Dibujito" (@pilardibujito). Es la creadora del Escudo Universitario Federal que se difundió primero en internet y luego en la marcha del 23 de abril, y que desde ayer inunda las redes sociales.En su cuenta de Instagram, la artista, de 24 años, había contado el origen del sello postal ilustrado que se convirtió en estandarte de la protesta de docentes, ciudadanos y estudiantes y dio detalles sobre los elementos de la imagen.La protagonista es Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la inteligencia estratégica (también conocida por sus arrebatos de ira), que lleva sobre su casco un ñacurutú, un búho autóctono, como símbolo de la sabiduría y la protección en la guerra. La cruz del sur simboliza "orientación y guía" y la antorcha encendida, esperanza, iluminación y transmisión del conocimiento. El libro abierto simboliza el desarrollo de la ciencia, el arte y la cultura; se ven también hojas de laurel y de roble, el escudo nacional y la bandera argentina.No terminé jardín de infantes porque mi mamá no podía llevarme y traerme por su laburo ð?¥². Cuando pisé la facultad de Derecho, pude estudiar y trabajar al mismo tiempo y fui muy feliz. Con mi título UBA gané la beca Chevening para estudiar tb afuera. ¿Cómo no marchar? #YoMarcho pic.twitter.com/bWui0J0W3P— Ana Correa (@anaecorrea) October 2, 2024"Obvio que voy a la marcha -dice Veiga-. Hace un día hermoso, por suerte. Esta ilustración del escudo universitario la hice para la marcha anterior, que fue un martes. El viernes previo se me ocurrió esta idea de hacer un escudo que nuclee todas las universidades públicas. Me había puesto a investigar sobre los escudos universitarios de cada universidad pública, que son súper diversos y reinteresantes, muy ricos gráficamente, y pensé en que faltaba uno que agrupara a todos, un gran escudo de la universidad pública federal".Hoy marchamos contra la agresión a la ciencia y la universidad. Y a favor de incrementar la inversión educativa, en todos los niveles. 1/2 pic.twitter.com/tbjs0GaY48— Roy Hora (@RoyHora) October 2, 2024Veiga trabajó ese fin de semana con Jeremías Madrazzo, su pareja y socio del estudio de diseño gráfico Chinchulín. "Estuvimos encerrados pensando y dibujando, y el domingo 21 de abril terminamos este escudo que subimos a internet sin ningún tipo de expectativa, tipo 'che, hice esto, me voy a la marcha, adiós' -resume-. La repercusión que tuvo fue absolutamente inesperada, jamás podría haber pensado que iba a salir de esta manera. Fueron dos personas encerradas un fin de semana, dibujando, que estaban lejos de pensar en ese alcance".Cuando Veiga llegó a la marcha del 23 de abril, convocada como hoy en Plaza Congreso, vio que en la calle muchas personas habían impreso el escudo en sus carteles. "Había visto la difusión en internet pero no en la calle -recuerda-. Honestamente, me bajó la presión. Fue un honor gigante y es algo que me pone muy contenta. Espero que esta tarde haya mucha gente en la marcha". En su cuenta de X, publicó la estampilla con la frase "Nos vemos hoy en la calle #UniversidadPublicaSiempre".Veiga fusiona elementos tradicionales de la filatelia clásica con técnicas contemporáneas de ilustración digital para la reinterpretación de figuras y símbolos emblemáticos de la cultura argentina en formatos como estampillas, postales, serigrafías, stickers, remeras, bolsas de tela y, desde ya, escudos.Su pasión por las estampillas -que por fortuna comparte con muchas personas- nació en 2022, cuando encontró una colección de estampillas de su abuela que, sumado a un regalo que le hizo su pareja, un libro de coleccionismo sobre filatelia, la llevó a embarcarse en el proyecto "Filatelia Argentina". En julio de 2022 realizó la primera obra de la serie, usando de referencia una estampilla de correos de Chile, que bautizó Perfume de naranjo en flor, en homenaje a la canción homónima de los hermanos Virgilio y Homero Expósito, interpretada magistralmente por Roberto Goyeneche. También creó estampillas con retratos de Eva Perón, Diego Armando Maradona, Lionel Messi, Sandro y Charly García.Nos vemos hoy en la calle #UniversidadPublicaSiempre pic.twitter.com/xocMQXsrO8— Pilar (@pilardibujito) October 2, 2024En agosto de 2022, Veiga y Madrazzo, publicaron el "Índice Café con Dos Medialunas en Buenos Aires", un registro infográfico con precios en sesenta cafés porteños, con el objetivo de comparar la diversidad de precios, el proceso de inflación y el aumento de los costos en la ciudad de Buenos Aires. El índice, como los precios, se renueva periódicamente.

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La Casa Nacional del Bicentenario, en Recoleta, se llenó de color, arteâ?¦ y perros. El jueves 19 pasado, la artista plástica Mercedes Larreta inauguró su exposición "Donde tu mirada se pierde. Allí" y, además de personalidades de la cultura y los negocios, los galgos fueron los grandes protagonistas de la tarde. Como las obras expuestas -trabajadas en óleo, pastel y tiza- retratan escenas de la vida con perros, especialmente, galgos, Larreta invitó a todos a asistir con sus mascotas.Guillermina Valdes fue una de las primeras invitadas en llegar acompañada de Igor, un galgo ruso, a la muestra pet friendly. La alegría era contagiosa a medida que llegaban más personas junto a sus perros, que eran mimados con golosinas especiales en la entrada.Dos de los hijos de Mercedes (tiene cuatro) estuvieron presentes: Agustín Campos junto a su mujer, Catalina Sánchez, y su pequeño hijo, Atlas, y la cantante María Campos de la mano de su nuevo amor, el fotógrafo Sebastián Zavalía.Teresa Bulgheroni -presidenta de la Fundación Malba-, Teresa Anchorena -ex directora del Centro Cultural Recoleta-, María Elisa Mitre, Gloria Fiorito -exmujer de Eduardo Costantini-, Verónica García Mansilla, Cecilia Sartorius, Maria Dolores Garrido Oromí, Paula Bengolea, Ana y Juan Peralta Ramos, Javier Iturrioz y Leopoldo Montes acompañaron a Mercedes Larreta, con una copa de buen vino en la mano, en un ambiente animado por la música de DJ Bunda.Además, la muestra tuvo álbumes de fotos de Mercedes de niña, imágenes capturadas hace más de 60 años por su propia madre, acompañada por dibujos que hizo la artista en su infancia y poemas grabados en las paredes de la sala."Los perros son un tema mío de toda la vida. Me encantó hacerlo en un lugar que me parece mágico. Nunca tuve un galgo en mi vida, pero sí un Dachshund, que tiene mucho de esa raza. Estas obras salieron de mi corazón", reveló Larreta, emocionada, a ¡HOLA! Argentina.

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