artista

Fuente: La Nación
23/10/2021 01:18

Exclusivo. Samanta Schweblin y un texto inédito en el que homenajea a su abuelo artista

Cuando cumplí siete años, mi abuelo le pidió permiso a mamá para pasar una tarde conmigo. Ese es el primer recuerdo que tengo de él, esperándome frente a la reja de la casa de Hurlingham donde yo vivía: un hombre de pantalones hasta la rodilla, medias rojas debajo de las sandalias de cuero, pipa en la boca y el ceño siempre fruncido.A mamá le dijo que iríamos al zoológico, o a la calesita, o a tomar un helado; no recuerdo la excusa. En cuanto nos alejamos algunas cuadras me aclaró sus intenciones: nada de calesitas, la excursión se trataba de algo más complejo. Tomaríamos el tren a Retiro pero sin boletos, es decir, viajaríamos sin pagar, porque la austeridad era algo importante y uno no podía andar gastando dinero en cualquier cosa. Dijo que nos esconderíamos debajo de los asientos y que, si nos descubrían, iríamos a la cárcel. Me acuerdo de mi única pregunta, "y en la cárcel, ¿voy a poder ver a mi mamá?" Él negó y señaló la boletería "si los guardas hacen sonar el silbato, es que nos descubrieron".La escritora argentina Samanta Schweblin, nominada en Alemania por "Kentukis"Subimos al tren. Nos acercamos hasta a un par de asientos enfrentados, él se tiró al piso para acurrucarse debajo de uno e indicó el de enfrente, que era el mío. Obedecí e hice lo mismo. Cuando la mugre del piso se me pegó a los brazos pensé que, aún si nos salvábamos de la cárcel, mi madre notaría lo sucia que regresaba a casa."Nos descubrieron", dijo en cuanto sonó el silbato. "¿A nosotros?", pregunté. "Sí". ¿Era la primera vez que yo viajaba en tren? No lo recuerdo. Sé que vi a dos guardas acercarse desde el otro vagón y tuve la certeza de que nos estaban buscando. Yo no sabía que el silbato sonaba siempre, que era la señal de entrada a cada nueva estación. El abuelo dejó rápido su escondite y se acercó para ayudarme a salir. Recuerdo su mano firme esperándome, y cómo nos quedamos de pie frente a la salida, con las narices pegadas al vidrio hasta que al fin las puertas se abrieron. Yo quise correr, pero él me sostuvo del brazo y, rodeados de una decena de pasajeros, entendí que caminaríamos lento, disimuladamente, entre la gente.Antes de meternos en el siguiente tren y repetirlo todo otra vez, se agachó frente a mí y me explicó qué era lo que estábamos haciendo. Un aprendizaje para el futuro. Lo llamaríamos "El entrenamiento del artista" y sería nuestro secreto. Nadie, "ni siquiera tu madre", dijo el abuelo levantando el dedo índice, "puede enterarse de lo que vamos a hacer".A partir de entonces me buscaba por casa cada quince días. Los encuentros tenían objetivos distintos y, "jornada" tras "jornada", como las llamaba él, yo mantuve mi promesa de no hablar sobre lo que hacíamos. Viajábamos sin dinero y llevábamos viandas en las mochilas. Las misiones iban desde la identificación de fósiles en los museos de ciencias naturales y los estilos neoclásicos en las fachadas de los edificios de Buenos Aires hasta el robo de frutas de los cajones de las verdulerías. Con el tiempo, cuando entendió que yo guardaba nuestros secretos, llegamos a confiscar algunos ejemplares de las librerías de la Avenida Corrientes. Él distraía al vendedor y yo, que apenas llegaba al borde de las mesadas, me guardaba el botín entre la ropa.De Vincenzo nació el 25 de octubre de 1921, en Avellaneda ( gentileza Samanta Schweblin/)Visitamos museos de arte, galerías y exposiciones. Los óleos de Xul Solar, los pesadillescos grabados de Goya y las esculturas de Lola Mora, que eran sus preferidas. A mis once dejó de venir a buscarme y me animó a viajar sola de Hurlingham a su barrio de San Telmo. Habíamos practicado el recorrido muchas veces: un colectivo, un tren, dos subtes y una caminata de diez minutos. Cuando llegó el día viajé agarrada a sus notas para combinar la línea B con la C, moviéndome angustiada entre un tumulto de cuerpos tanto más grandes que el mío. Mi abuelo vivía solo en un atelier que ocupaba todo un piso del edificio. Me armó una pequeña cama en su oficina, vació un cajón y escribió en él mi nombre. La siguiente etapa del entrenamiento requería también jornadas nocturnas, así que empecé a quedarme a dormir de viernes a sábado.Samanta Schweblin: la pluma inquietante de la autora argentina más premiadaLas nuevas actividades incluían carreras de caballos donde apostábamos nuestro dinero, recolecciones de "buena madera" en los potreros y basureros de Barracas, ensayos y funciones del teatro Margarita Xirgu, visitas a las milongas, las zarzuelas, los carnavales de la Avenida de Mayo, las sesiones de jazz en el Tortoni. Incluso hubo un período de excursiones a bares de mala muerte del que recuerdo la cara de un barman mirándome desconcertado mientras lustraba una copa, quizá preguntándose si, teniendo a una nena del otro lado de la barra en la madrugada, no debería llamar a la policía.Y una noche en particular (imagino ahora a mis padres leyendo estas líneas y enterándose de semejante jornada), caminamos hasta La Boca para ir a la Isla Maciel. Un hombre nos cruzó a remo, en esa época era la única manera de llegar. "Preparate", dijo el abuelo antes de tocar tierra, "que esta es la isla de las putas y los ladrones. ¿Sabés lo que pasa acá en la noche?". Me acuerdo de los remos empujando el agua casi negra, del miedo que tenía, y de cómo ese miedo fue transformándose en otra cosa. Era una ciudad escondida que vivía casi a oscuras, pero los colores, la música, las comidas, eran como ráfagas de luz abriéndose frente a mis ojos.Si me preguntan cómo comencé a escribir, siempre tengo dos o tres respuestas breves y aceptables. Cada una tiene su verdad, pero ninguna cuenta cómo empezó todo. Quizá porque el "entrenamiento del artista" fue nuestro secreto, algo que solo yo podía atesorar, o quizá porque la experiencia que lo disparó fue tan vital y profunda que se volvió para mí algo sagrado.La escritura empezó en uno de esos días. El abuelo me había regalado el primer cuadernillo de lo que sería nuestro "diario de entrenamiento", con mi nombre y el año al frente, todo hecho y cosido por él. Al final de cada jornada tomábamos juntos las notas del día, qué habíamos hecho, visto y aprendido. Había una sola regla: no se podían escribir cosas como "fue muy lindo", o "me gustó", o "estaba cansada". Las opiniones de ese tipo solo se permitían si se describían al detalle, la escritura era un ejercicio de precisión.Alfredo de Vincenzo creó más de 1500 óleos, estampas, dibujos y monocopias (archivo/)Cierta noche, después de haber visto una puesta de Esperando a Godot con tres actores prácticamente desnudos latigándose entre sí, me tocó tomar nota de mis impresiones. Pero la experiencia beckettiana me había dejado sin palabras. Mi abuelo lo entendió, se dio cuenta de que me estaba pidiendo algo que me superaba. Se levantó de pronto del escritorio y se alejó hacia su cuarto al grito de "sé qué hacer", "sé cómo se escribe lo que no puede escribirse". Me quedé mirando el largo pasillo oscuro hasta que lo vi regresar con un libro en la mano, triunfal. "Poesía", dijo. Abrió un poemario de Alfonsina Storni y se puso a leer en voz alta. Incluso yo, que no entendía nada de nada, me daba cuenta de lo mal que leía: a los gritos, y tan emocionado que el libro le temblaba en las manos. Pero ése fue el momento mágico. Todo empezó ahí.El abuelo leía, y a pesar del espectáculo que daba, yo entendí que algo extraordinario estaba pasando dentro de él, parecía una fuerza genuina y poderosa, y fuera lo que fuera, la quería también para mí. Quería que esa fuerza me tocara. Storni, Mistral, Vallejo, Almafuerte. Estaba fascinada. La magia se producía en la combinación de las palabras. Me puse a escribir ahí mismo, tomando al azar frases que el abuelo leía y copiándolas en el diario. Quería esa magia en mi propio cuerpo, y no iba a parar de escribir hasta encontrarla. La experiencia beckettiana todavía pesaba en mi cabeza, pero entre las palabras que elegía algo nuevo se estaba configurando, una suerte de explicación, o de lectura propia de lo que antes no había entendido. De pronto el horror de la puesta de Godot tomó una forma distinta, se llenó de significado propio, y me entregó un descubrimiento vital: la literatura podía ayudar a entender lo inexplicable.Según las reglas del abuelo, y las de una sociedad que funcionaba muy distinto a la de ahora, una nena de once años podía apostar en las carreras de caballos y pasear de noche por la isla Maciel, pero recién cuando cumplía los doce estaba preparada para incursionar en el verdadero objetivo del entrenamiento: el arte del grabado. ¿Pero qué era el grabado? Me lo preguntaban mis compañeros del colegio y yo decía que era como pintar, pero aún no entendía por completo de qué se trataba.Sabía que el filo de los buriles era muy peligroso, y que el ácido en el que se hundían las chapas podía roerte también los dedos. Intuía que calibrar esa peligrosidad era de lo que se trataba ese arte. Cada sábado de doce del mediodía a siete cumplía con mis funciones de "ayudante" del abuelo: limpiar con alcohol las mesas de los tres grandes salones a los que él llamaba "taller", recoger y tirar las gasas cargadas de excesos de tinta y controlar que siempre hubiera papel y jabón en el baño.En 1950, el "maestro" dirigió la Escuela Infantil de Artes Plásticas de Tucumán, adonde se fue estudiar con Lino Spilimbergo ( gentileza Samanta Schweblin/)Lo que yo no sabía, y con los años empecé a entender, era que estaba siendo testigo del que probablemente fuera el taller de aguafuerte y fotograbado más grande de toda Latinoamérica. Era 1988, y asistían al taller artistas como Bruno Venier, Roberto González, Zulema Petruschansky, Daniel Brambilla, Luisa Reisner, Abel Versacci, quienes muy pronto ganarían los grandes premios nacionales, y recuerdo también a algunos más jóvenes, como Pablo Flaiszman, e incluso visitas de Liliana Porter. Fue la primera vez que vi a gente adulta haciendo arte, y el asunto era tan serio que un error de color o un mal pliegue en el papel podía colapsar a toda la tropa y nuclearla horrorizada alrededor del incidente.Todo olía a alcohol y tinta, todo el mundo andaba con las manos manchadas y la atención puesta en las decenas y decenas de chapas de cobre y de zinc que se movían de la zona de barnizado al cuarto de ácidos, de la zona de biselado a la de entintado, de la sala de imprentas a las sogas de secado, para luego empezar todo otra vez.Fue entonces cuando descubrí no solo el taller, sino al "maestro". Así llamaban los alumnos a mi abuelo. "¿Dónde está el maestro?", preguntaban, cruzando los salones con sus estampas todavía frescas. "¿Qué opina el maestro?". Y también descubrí al "artista", que era como lo llamaban Arte al día, Gente, La Gaceta, el Buenos Aires Herald, Primera Plana, los críticos y los catálogos que a mí solo me llegaban de mano de sus orgullosos alumnos. Si se los llevaban al maestro, él los devolvía al trabajo con un solo grito, proclamando enigmáticamente frases como "es en lo sereno y no en el ruido donde se escucha la sustancialidad en su dimensión más profunda", o colgándoles carteles frente a sus puestos de trabajo que decían "solo en la continuidad del taller, en la lucha diaria que sobrepasa al cansancio, en la excitante obsesión de visualizar el torbellino interno, es donde los hilos se anudan".Alfredo nació en Avellaneda en 1921. Su madre era una inmigrante francesa y su padre un albañil italiano que creció en un conventillo de La Boca y nunca llegó a hablar bien el español. Mi bisabuelo se dedicaba a hacer frescos de yeso para las fachadas de los edificios, como algunos detalles del Luna Park, o gran parte de todos los florones y las balaustradas del Palacio de Correos de Buenos Aires.Cuando Alfredo terminó la primaria quiso estudiar dibujo, pero la familia era muy humilde y a sus doce años lo mandaron a trabajar a una fábrica de Dock Sur. Su tía Asunta, que daba clases en una escuela de secretarias y era quizá la única en la familia que entendía sus inquietudes, lo invitó a ir por las noches a aprender mecanografía. Imagino a Alfredo pequeño, con su entrecejo ya arrugado, inclinado sobre su máquina de escribir y rodeado de aspirantes a secretarias. La escuela de mecanografía era su guarida, el entorno en el que empezaron sus primeras lecturas y el lugar donde llegó a sus manos el libro que, según él, marcaría para siempre el resto de su vida: la biografía de Franz Winzinger del maestro Alberto Durero, el gran grabador renacentista."A pesar de todo, juntos", 1976, Gran Premio Nacional de Grabado¿Fue ese espacio su primer entrenamiento del artista? ¿Quién se ocupó de él como él se ocupó de mí? ¿O fue algo que siempre le faltó y por eso lo obsesionaba estar presente en mi preparación?A escondidas de su padre, que se lo había prohibido tajantemente, empezó a ir de noche a la escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Regresaba a Avellaneda a pie para ahorrar los viáticos, y así compraba los materiales de pintura. De camino recorría las imprentas de algunos diarios, donde recogía los restos de los últimos pliegues del día que usaba como papel para sus estampas. Cuando llegaba de madrugada su mamá Eugenia se levantaba, le calentaba un poco de comida, y lo miraba mientras le decía, "Ay, Alfredo, no vas a poder, no vas a llegar".Descansaba pocas horas porque a las seis había que estar otra vez en la fábrica, y un día se quedó dormido frente a una de las máquinas de guillotinas. Perdió, de un solo corte, la primera falange de su dedo índice derecho. ¿Se quedó dormido o lo hizo adrede? ¿Fue ese el precio a pagar para dejar la fábrica? ¿Tres centímetros de un dedo de su mano de grabador, a cambio de su liberación?En esos años recibió dos grandes empujones. Primero, una estudiante de dieciséis años que lo metió de prepo en las reuniones estudiantiles. Mi abuela Susana Soro no solo lideraba las políticas de pasillo sino que también las formalizó, fundando junto con Alfredo y otros compañeros el Centro de estudiantes de Bellas Artes y ganando su primera presidencia.La segunda gran influencia fue el maestro Lino Spilimbergo, a quien siguió hasta Tucumán como parte del equipo de artistas que fundaría el Instituto Superior de Artes: Víctor Rebuffo, Pompeyo Audivert, Lorenzo Domínguez, Carlos Alonso, Miguel Dávila, Leonor Vasena, Albino Fernández (con quien más tarde fundaría el famoso "Club de la Estapa"). Era mediados de los años 50 y todavía me resulta increíble pensar en un momento en la historia de las artes plásticas argentinas en la que todos estos artistas convivían y trabajaban juntos compartiendo los ateliers de la Universidad de Tucumán.Cada sábado, Samanta cumplía funciones de "ayudante" del abuelo en el taller (gentileza Samanta Schweblin/)Spilimbergo le consiguió una beca en el Instituto, donde Alfredo fue ayudante de Víctor Rebuffo y Pompeyo Audivert, y pronto le encargaron la dirección de la Escuela Infantil de Artes Plásticas del Instituto y las clases de grabado en el departamento de Artes de la universidad. En el 55, cuando regresó a Buenos Aires, expuso por primera vez en el Museo de Arte Moderno. Quienes asistieron a esa muestra fueron testigos de algo inédito hasta entonces en el grabado tradicional, que trabajaba sobre todo en formatos pequeños: una serie de xilografías monumentales, algunas de casi dos metros de largo, y que la crítica calificó de "una audacia absoluta" y "un manifiesto de gran envergadura para su época".Tengo algunas de estas notas en mi departamento, junto con una de las xilografías: una estampa tan grande que ningún artesano de mi barrio se anima a enmarcar. La conservo en una carpeta hecha por mí misma, porque tampoco encontré carpetas de ese tamaño, y la guardo prensada entre mi escritorio y la pared. Escribo cada día frente a esa carpeta de tres metros de largo que casi toca mi habitación de punta a punta.En 1967 le otorgaron el premio francés Georges Braque. Viajó a París becado y durante dos años visitó talleres de grabado de Francia, Inglaterra, Italia, Portugal, España, Holanda, Polonia y Rusia. Los procedimientos del "color simultáneo", que aprendió de manos del grabador Stanley William Hayter, y las técnicas de fotograbado y aguafuerte, eran todas disciplinas prácticamente desconocidas en Latinoamérica. Al regresar a Argentina abrió su taller con la misión de compartir estas nuevas experiencias. Recuerdo artistas extranjeros de Perú, de México, de Colombia, recuerdo incluso a un artista sueco. Algunos de ellos también eran profesores y venían al taller becados por sus universidades o por el propio Alfredo. "Maestro de maestros", lo llaman en algunas de estas notas que tengo ahora sobre mi escritorio.Cuando unos años más tarde le entregan el Gran Premio Nacional, Alfredo dice en su discurso de aceptación que lo que quiere es hablar de "el hombre de hoy, y de la ciudad que lo corroe". Era 1976. Curioso que, en medio de esa dictadura militar, él se empecinara en un arte que gira en entorno al desgaste y la corrosión de sus materiales, y que, a pesar de la presunta rigidez del grabado, lograra trasmitir la sensación de trazos ligeros, y la fugacidad imperiosa del escape. Leo los títulos de sus obras de esos días "Esta sangre, este clamor", "Vencer para vivir", "El dolor nos hace más fuertes", "Hasta el último día", y me parece entender qué es lo que estaba haciendo: absorber toda esa corrosión y hacer con ella un magistral acto de exorcismo.El "maestro" falleció en 2001. "Desarmar ese espacio fue devastador para todos", recuerda Samanta (Gentileza pablo Flaiszman/)Qué podía saber yo de todo esto en ese entonces. Solo recuerdo cómo me gustaba estar en ese taller, y que yo también grababa, porque quería ser parte de toda esa energía que se movía alrededor. Adoraba ese mundo adulto sumido en el arte como en una misión espartana.Había un descanso de quince minutos en toda la jornada, cuando se preparaba mate cocido con galletitas y todos se apiñaban en una cocina diminuta a conversar. Ahí escuché por primera vez hablar de Nietzsche, de la maldad de los críticos, de Perón, de un tal Paul Bowles enfermo en Marruecos, de los desaparecidos, de un suicido de alguien esa misma mañana, de las paradojas del plagio, de Simone de Beauvoir. Recuerdo algunas charlas con Silvia Rocca y Néstor Goyanes, quizá los alumnos más cercanos del abuelo.Y algo más también. A mis doce, trece años, empecé a aprovechar esos descansos para leer en voz alta mis primeros cuentos. Imagino que habría algún pacto implícito por el que, si la nieta del maestro leía, debía ser escuchada y aplaudida, pero no me importaba. Yo escribía toda la semana pensando en los cinco minutos de gloria del sábado, cuando todos harían silencio y me escucharían pacientemente. Ése fue mi primer taller, incluso antes de los talleres literarios por los que pasé más tarde. Mi primer taller fue de chapas, tintas y artistas plásticos. Ese taller, que fue la gran usina de investigación del grabado latinoamericano, que llegó a tener más de treinta exposiciones grupales y cuyos alumnos ganaron más de cuatrocientos premios alrededor del mundo, fue también mi taller fundacional, el espacio donde entendí, a la par de sus verdaderos alumnos, cuáles serían mis herramientas y el trabajo extraordinario que implicaría dominarlas, o al menos intentarlo. Recuerdo esas caras, sus voces, sus manos siempre sucias, y me siento tan agradecida por el amor y la paciencia que esos artistas plásticos tuvieron con esta nieta que hubiera debido ser grabadora, pero que estaba tan empecinada con las letras.El entrenamiento del artista siguió unos años más. Aprendí a sacar y revelar mis propias fotografías, recibí las obras completas de Borges y de Cortázar. Viajamos cada vez más lejos, a La Plata, a provincias del interior, a Uruguay, a Nueva York. En el puente de Brooklyn le dije que de grande quería vivir en esa ciudad. Él adoraba Nueva York, y viajaba seguido a ver a su gran amigo de la adolescencia, el arquitecto César Pelli. Pero ante mi declaración negó rotundamente con la cabeza. Dijo que en veinte años esa ciudad ya no sería la misma, que el futuro era "de las mujeres y de los gays", y que sucedería en Berlín. Berlín, la ciudad a la que, veinte años después, terminé mudándome.Cuando empecé la universidad nos vimos menos. Cada tanto llevaba al taller a algún novio, pero a todos me los rebotaba. "O el arte o el amor", decía, a veces incluso delante de ellos, "no hay tiempo para las dos cosas". A sus ochenta años, después de una de sus matutinas jornadas de yoga y natación, tuvo una descompensación. "No llamen al médico", dijo, nos lo pidió varias veces, "son los médicos los que te matan". Pero el médico vino, y Alfredo murió dos meses más tarde.La familia vendió el piso de San Telmo. Alguien compró las prensas y las herramientas, y el resto del taller, sin su maestro ni sus alumnos, se volvió puro papel, afiches viejos y latas de pintura. Desarmar ese espacio fue devastador para todos.Recuerdo que, antes de cerrar para siempre las dos grandes puertas de roble del recibidor, agarré el último resto de basura que tocaba bajar, dos grandes potes del ácido que se usaba para grabar las chapas. Ya habíamos vaciado su contenido, pero cuando llegué a la vereda me di cuenta de que los potes todavía goteaban. Las marcas del ácido me habían seguido todo a lo largo de las escaleras hasta la planta baja y crecían ahora en un charco final, fluyendo en líneas corrosivas hacia la calle. No había necesidad, pensé, pero sí la había. Lo supe cuando, varios años después, volví a San Telmo solo para corroborar que la mancha siguiera ahí. Me paré sobre ella y me quedé un buen rato mirándola. Ésta es la marca, pensé, y es irreversible. Me conmovía que mis pies entraran completamente en ella.Pienso en el abuelo y me pregunto, ¿hay un privilegio más grande que el que me tocó?Este 25 de octubre de 2021 es el centenario de su nacimiento. El edificio donde Alfredo fue el maestro de varias generaciones de grabadores, donde fue el artista que creó una obra de más de mil quinientos óleos, estampas, dibujos y monocopias, y donde fue mi abuelo, y me leyó por primera vez a Alfonsina Storni, queda en el 616 de la calle Estados Unidos. ¿Podría alguien ir hasta ahí, por favor, y confirmarme que la marca de ácido sigue en su lugar?

Fuente: Página 12
22/10/2021 00:01

Quién fue Yolanda López, la artista chicana que murió antes de su gran consagración

Inauguró en Estados Unidos la primera gran muestra de Yolanda López, pintora esencial de la escena latina, que celebró su herencia a lo largo de su carrera. Una muestra que la artista, de convicciones firmes y obra influyente, lamentablemente no llegó a visitar: murió el mes pasado pero dejó un legado robusto con su arte.

Fuente: Clarín
21/10/2021 05:04

Conmoción en Chaco por la muerte de un periodista y artista que fue funcionario provincial

Lo hallaron sin vida en su casa de Resistencia. Por ahora, la causa está caratulada como muerte dudosa

Fuente: Infobae
21/10/2021 04:38

25 fotos: la novena edición de Buenos Aires Directo de Artista

250 artistas consagrados y emergentes brillaron en BADA 2021, con sus pinturas, dibujos, esculturas, textiles, fotografías, collages, instalaciones, arte digital, mosaiquismo, muralismo, tatuajes y street art

Fuente: La Nación
20/10/2021 09:00

La Eurocámara pide un estatuto europeo del artista para atajar la precariedad laboral en el mundo de la cultura

El Parlamento Europeo ha reclamado un estatuto europeo del artista con el que se fijen condiciones de trabajo y normas comunes en los Veintisiete y permita la negociación colectiva a autónomos y freelance en el mundo de la cultura.Con 543 votos a favor, 50 en contra y 107 abstenciones, la resolución insta a la Comisión Europea a presentar una propuesta en este sentido, al entender que en la actualidad hay enormes diferencias normativas dentro de la UE entre artistas.Esto dificulta las colaboraciones entre países, por lo que los eurodiputados reclaman a los Estados miembros avanzar en el reconocimiento y portabilidad de las competencias, cualificaciones y titulaciones culturales y creativas.La resolución apunta también a revisar los requisitos administrativos, en particular sobre visados, fiscalidad y seguridad social, con el objetivo de facilitar la movilidad de los trabajadores de los sectores e industrias culturales y creativos.Según ha señalado la ponente, la liberal luxemburguesa Monica Semedo, Bruselas y los Veintisiete debe apoyar al sector ante la inestabilidad de los ingresos, el trabajo no remunerado y la inseguridad laboral, así como garantizar un estándar mínimo de ingresos para artistas y trabajadores de la cultura."Incluso antes de la pandemia, muchos artistas lo estaban pasando mal y necesitan un segundo empleo para tener un salario digno", ha insistido Semedo.

Fuente: Clarín
19/10/2021 07:01

La artista que reconstruyó las caras desfiguradas de los soldados de la Primera Guerra Mundial

Anna Coleman Ladd les volvió a dar un rostro a aquellos que terminaron desfigurados cuando la cirugía no podía hacerlo.

Fuente: La Nación
18/10/2021 11:00

Post Malone: en qué anda el artista del que todos hablan

Post Malone es un artista y productor que se embarca en todos los géneros, sin casarse con ninguno. Ahora, el rapero-rockstar es el protagonista de "Night Lights", un video grabado por Zachary Heinzerling -director nominado al Oscar - que forma parte de #SAVETHENIGHT, la iniciativa global de Jägermeister que apoya a las personas que hacen posible la vida nocturna a nivel mundial. Aprovechamos su lanzamiento para hacer un repaso de los highlights de su carrera y vida personal.Austin Richard Post nació el 4 de julio de 1995. Es neoyorquino, pero cuando tenía 9 años, se mudó a Grapevine, Texas, junto a su papá, Rich Post, y su madrastra, Jodie. Su progenitor, que había sido DJ de joven, lo introdujo en los diversos géneros musicales como el hip hop , el country y el rock . Aprendió a tocar la guitarra cuando tenía 15 años por el interés que le generó el popular videojuego Guitar Hero. Y un poco más tarde, eligió su nombre artístico uniendo su apellido con una palabra que le apareció en un generador de nombres de rap.En 2015, alcanzó la fama cuando lanzó "White Iverson", sencillo cuyo éxito lo llevó a firmar un contrato con Republic Records y le abrió oportunidades para fusiones con 50 Cent y Kanye West. Desde su álbum debut, Stoney (2016), Malone no dejó de sacar sencillos que encabezan los rankings. Sus otros dos discos, "Beerbongs & Bentleys" (2018) y Hollywood 's Bleeding (2019), terminaron de consolidarlo como artista, y terminó calificado como el décimo mejor artista de la década de 2010 según Billboard.Es difícil de encasillar porque todos los géneros están en él. Es un rapero y un rockstar. Un compositor personal que puede hacer música con Justin Bieber o con 21 Savage, que usa las guitarras para hacer un cover de Bob Dylan o romperlas en el escenario. Alguien a quien las controversias de su vida personal, sólo le sirvieron para escalar, y lejos de arruinar su carrera musical, hoy acumula más de 41 millones y medio de oyentes mensuales en Spotify.Ahora, además, Post Malone es embajador de Jägermeister, marca a la que lo une la pasión por la música y el compromiso de apoyar a las comunidades de la vida nocturna a nivel mundial. Respecto a las razones que motivaron el video, la estrella internacional declaró: "Queríamos ayudar a concientizar y brindar apoyo a toda la comunidad nocturna y a quien sea que haya sido afectado durante estos tiempos difíciles. Para todos los artistas, creativos, empleados - esto es para ustedes".Foto: JägermeisterDurante la pandemia, la noche se apagó. Los bares cerraron, los escenarios y boliches quedaron vacíos y muchas personas no pudieron trabajar. Por eso, el clip protagonizado por la estrella internacional es una oda a la diversión y celebra la felicidad de volver a salir de fiesta, honrando artistas, comunidades locales y clubes nocturnos en todas partes del mundo. "Compartir este compromiso con un partner como Post Malone es un gran honor para nosotros", dijo Wolfgang Moeller, CMO Global en Mast-Jägermeister SE.La iniciativa global de #SAVETHENIGHT de Jägermeister busca concientizar sobre la situación de las comunidades nocturnas y visibilizar a todos aquellos que extrañan salir y disfrutar la noche. A través del Meister Fund, un sistema de apoyo financiero, ayudaron a más de 1.500 artistas, creativos y bartenders de más de 60 países para que puedan crear contenidos o desarrollar proyectos e ideas innovadoras que las personas pueden reservar y disfrutar en la plataforma Save The Night.Para que los fans de Jägermeister puedan sumar su apoyo a las comunidades de la vida nocturna, la marca lanzó una botella de Edición Limitada que destinará parte de lo recaudado al Meister Fund. La misma tiene un diseño exclusivo que cuenta la historia de #SAVETHENIGHT. A simple vista, el envase aparece completamente oscuro y simboliza el cierre de la vida nocturna. Sin embargo, como este licor debe servirse siempre helado, la magia ocurre cuando el producto alcanza los -18C dentro del freezer. En el frente de la botella comienzan a aparecer el color y los elementos claves de la marca, literalmente, devolviendo la vida a la escena nocturna. A esto se le suma un manifiesto impreso en la misma que dice: "La noche es nuestra para salvarla. Es donde encontramos nuestra libertad, nuestro movimiento, donde somos nosotros mismos. Juntos, con los Meisters, la mantendremos viva".Podés comprar la botella de edición especial a través de plataformas de e-commerce y en los comercios puntuales que figuran en www.save-the-night.com.________________________________________________________Content LAB es la unidad de generación de ideas y contenidos de LA NACION para las marcas con distribución en sus plataformas digitales y redes sociales. Este contenido fue producido para un anunciante y publicado por el Content LAB. La redacción de LA NACION no estuvo involucrada en la generación de este contenido.

Fuente: La Nación
18/10/2021 11:00

Este artista brasileño tiene un don para esculpir una iguana a partir de unos cubiertos viejos

MADRID, 18 oct. (EDIZIONES)Michel Torres Costa, de 32 años, de Brasil, es un talentoso escultor del metal capaz de transformar unos viejos cubiertos en una impresionante iguana a la que no le falta detalle.El artista dirige Coliseu Studio, un taller con sede en Brasil que nació en el año 2016 con el objetivo de "renovar el concepto de decoración, proponiendo exclusividad para los ambientes". Además, gestiona una cuenta en TikTok, red social donde se ha hecho muy popular y donde da a conocer gran parte de su trabajo.https://www.youtube.com/watch?v=vVvMSSwaf7cUno de esos vídeos, el de la iguana, se hizo muy popular en la red social con cientos de miles de visitas.Michael, que trabaja bajo demanda para sus clientes, contó a Caters que el de la iguala es un ávido coleccionista de lagartos que le pidió una iguana, por lo que se decantó por reutilizar cubiertos viejos como materia prima ya que son fáciles de curvar para obtener un resultado más realista.La escultura le llevó un total de 60 horas de trabajo y unas 50 piezas de cubertería usadas.

Fuente: La Nación
16/10/2021 01:18

200 años de Louis Vuitton. Del cineasta Wes Anderson a la artista japonesa Kusama: las alianzas de diseño, arte y lujo

La noticia fue resonante: en 2012 la artista japonesa Yayoi Kusama dejó el manicomio donde vivía para diseñar piezas exclusivas para Louis Vuitton. Así sus lunares famosos salpicaron bolsos y carteras. Otra participación icónica fue la del artista japonés Takashi Murakami, que dio lugar al popular estampado de monogramas multicolor. La firma de lujo francesa celebra el bicentenario de su fundador y presenta una retrospectiva de sus colaboraciones famosas, con propuestas mundiales que homenajean su espíritu aventurero e innovador. Louis Vuitton es una marca que desde sus inicios combinó su pasión por la moda, el arte y la arquitectura. Como resultado ha obtenido a lo largo de su historia más de 160 años de alianzas.Louis Vuitton y Jeff Koons fusionan el arte con la modaComo con la arquitecta Zaha Hadid, que en 2006 diseñó una reinterpretación de la clásica Bucket Bag, o el director de cine Wes Anderson, que en 2017 creó once piezas de equipaje para su película Viaje a Darjeeling. El artista Daniel Buren, en 2013, inspiró con sus cuadrados de colores y sus líneas verticales la ropa, las escaleras y el piso de colección prêt-à-porter Primavera/ Verano 2013. En 2014, para celebrar los 160 años de Louis Vuitton, la firma convocó a seis personajes icónicos que crearon su versión del monograma. Los invitados fueron Christian Louboutin, Cindy Sherman, Frank Gehry, Karl Lagerfeld, Marc Newson y Rei Kawakubo. Más recientemente, este año el artista visual suizo Urs Fischer creó nuevas versiones del monograma dibujadas a mano y bautizadas como bocetos de memoria.Un diseño del artista Urs FischerLas celebraciones por el bicentenario de la maison, bajo el nombre de Louis 200, cuentan con diferentes exposiciones, ediciones especiales, una obra de arte, un documental, una novela y un videojuego. La firma convocó 200 talentos de distintas disciplinas para reinterpretar y crear su propia versión del icónico baúl de la marca. Los arquitectos Sou Fujimoto y Frank Gehry, los diseñadores de moda Nigo y Marc Jacobs, la banda de música BTS, el rapero Drake y la periodista Gloria Steinem son algunos de los nombres que colaboraron con las piezas exhibidas en las tiendas de todo el mundo.El dueño de Louis Vuitton superó a Jeff Bezos y fue el más rico del mundo por unas horasLouis The Game es un videojuego que conecta de manera interactiva al público amante de la moda con la historia de la firma, disponible para ser descargado en los dispositivos móviles. Louis Vuitton, l'audacieux (algo así como Louis Vuitton, el audaz) es la novela escrita por la francesa Caroline Bongrand que se publicará este mes y que contará la historia de la persona detrás del nombre y su transformación de campesino a empresario. El documental titulado Looking for Louis (Buscando a Louis) es un recorrido por la historia del fundador de la firma y se podrá ver a partir de diciembre en Apple TV.TAKASHI MURAKAMI. En 2004 diseñó un oso con cerezas en el monograma y accesorios, como collar y moños La historia de un creativoLouis Vuitton nació el 4 de agosto de 1821 en Anchay, un pueblo del departamento francés de Jura, a 400 kilómetros de París, ciudad hacia donde partió a pie y en contra de la voluntad de su padre con tan solo 14 años. Louis, que venía de una familia pobre, tuvo que realizar varios trabajos en el camino hasta llegar a la capital francesa, a los 16, con determinación pero sin imaginarse del futuro imperio que construiría. Comenzó su trayectoria como aprendiz del reconocido fabricante de baúles y equipajes Romain Marechal. Por su gran habilidad fue contratado como empaquetador oficial de la corte de Napoleón III Bonaparte y la emperatriz Eugenia de Montijo.KANSAI YAMAMOTO. En 2018, inspiración japonesa, rostros kabuki y siluetas samuraiEn 1854, con 33 años, abrió su propio negocio de objetos de viajes: Louis Vuitton Malletier, en el número 4 de la Rue Neuve-des-Capucines, cerca de la Place Vendôme, donde se encontraban otras casas de moda como Balenciaga y Cartier. Utilizó su ingenio para eliminar la curvatura de los baúles creando así un sistema de transporte que permitía apilarse, lo que lo convirtió en un maestro artesano creador de baúles. Pero su mayor innovación fue la incorporación de una lona impermeable en las maletas, que eran hasta entonces de madera, transformando su funcionalidad. Cuenta la leyenda que tras el hundimiento del Titanic las maletas Louis Vuitton permanecieron flotando en el mar durante días.JEFF KOONS. Colección con obras de arte de Da Vinci, Rubens, Manet y Van GoghEl éxito llegó tan rápido que para 1859 abrió un nuevo taller en Asnières, al noreste de París, que comenzó con 20 empleados. Para 1900 contaba con casi 100 y en 1914 ya eran 225. Con el tiempo siguió su expansión y se incorporó allí la residencia familiar y cuna de la empresa donde se formaron las generaciones Vuitton. Hasta el día de hoy es el centro de fabricación artesanal de sus productos donde se realizan diseños y pedidos especiales para clientes de todo el mundo. En 1885 comenzó la proyección internacional de la firma con la apertura de su primera tienda en Londres.STEPHEN SPROUSE. En 2001 ideó el monograma graffiti de neónEn 1886, Louis y su hijo, Georges Vuitton, revolucionaron los candados de viaje con el desarrollo y patente de la cerradura Tumbler, que contaba con una fórmula inquebrantable para proteger las posesiones de sus clientes. El sistema era tan eficaz y confiable que la familia retó al famoso ilusionista Harry Houdini a escapar de un baúl con la cerradura Louis Vuitton; el escapista no aceptó el desafío. La cerradura, que se convirtió en una insignia de la casa, se sigue utilizando hasta el día de hoy.Un diseño de la arquitecta Zaha Hadid, de 2006Murió en 1892, a los 72 años, dejando a cargo de la compañía a su hijo. En 1896, George crea el icónico monograma de lona con las iniciales LV entrelazadas, un diamante y una flor de cuatro pétalos en homenaje a su padre. Revolucionario para su época, marcó un antes y un después en la historia del diseño y en el desarrollo de la identidad de marca. Las iniciales se convirtieron en uno de los estampados más falsificados del mundo.REI KAWAKUBO. Una original cartera con agujeros, de 2014En 1987, la empresa familiar se fusionó con el fabricante de bebidas alcohólicas Moët Hennessy para formar el grupo de productos de lujo LVMH. Con un valor bursátil de más de 300.000 millones de euros, es una de las empresas europeas de mayor valor. En 1997, la marca apostó a la conquista del prêt-à-porter y contrató a Marc Jacobs, que durante 12 años preservó la identidad de la casa francesa. Actualmente la firma sigue haciendo historia y conquistando el mundo de la mano de sus directores creativos a cargo de las diferentes divisiones de moda, Nicolas Ghesquière y Virgil Abloh.

Fuente: La Nación
15/10/2021 16:18

El artista cubano Luis Manuel Otero Alcántara pone fin a su huelga de hambre para exigir su puesta en libertad

El artista cubano Luis Manuel Otero Alcántara ha anunciado que ha puesto fin a la huelga de hambre que inició el pasado 27 de septiembre desde la prisión de Guanajay, en la provincia de Artemisa, para exigir su puesta libertad.En un comunicado difundido a través de Facebook, la novia del activista, Claudia Genlui, ha confirmado la información y ha matizado que la huelga tenía como objetivo exigir también la liberación de todos los presos políticos de Cuba.Genlui ha lamentado así que Otero está "débil" de salud y ha afirmado que el "nivel de tensión e incertidumbre sobre su situación aumenta a cada instante e indiscutiblemente eso ha afectado a su salud".La opositora ha mencionado además que, a pesar de lo que está viviendo el artista en prisión, se encuentra "receptivo gracias a su claridad y personalidad centrada", ha manifestado que aunque Otero Alcántara "no se encuentra en ayuno y no pone su cuerpo al límite, todavía su vida está en peligro"."Para nosotros, su libertad y la de todos los presos es nuestra prioridad", ha aseverado la integrante del Movimiento San Isidro. Otero Alcántara, fundador de la organización, fue detenido el pasado 11 de julio en La Habana cuando se incorporaba a las manifestaciones antigubernamentales que tuvieron lugar ese día en varias localidades de la isla.El Gobierno cubano, sin embargo, lo ha acusado de tratar de cometer un atentado, resistencia y desacato a la autoridad, según informaciones de la emisora Radio Televisión Martí.

Fuente: La Nación
15/10/2021 16:18

Artista convierte cenizas de incendios del amazonas en arte callejero en são paulo

SAO PAULO, 15 oct (Reuters) - De las cenizas al arte.El artista brasileño Mundano ha utilizado cenizas de la selva amazónica quemada para crear un mural callejero en São Paulo de un bombero en medio de la deforestación, los incendios y animales muertos."Estoy utilizando la evidencia del crimen", dijo Mundano, calificando la obra de arte de 1.000 metros cuadrados en el lateral de un edificio como un acto de "activismo".Mundano recorrió más de 10.000 kilómetros por todo Brasil en junio y julio, recogiendo cenizas de la selva amazónica, la región de los humedales del Pantanal, la sabana tropical del Cerrado y la Mata Atlántica.También se reunió con bomberos y voluntarios para escuchar sus historias.El presidente de Brasil, Jair Bolsonaro, ha tenido problemas para cumplir su promesa de eliminar la tala ilegal de bosques en la Amazonía, la mayor selva tropical del mundo, y sus llamamientos a una mayor agricultura y minería han envalentonado a los madereros ilegales.Sólo en agosto, los satélites registraron 28.060 incendios en la Amazonía brasileña, un baluarte vital contra el cambio climático debido a la gran cantidad de dióxido de carbono que su vida vegetal absorbe y almacena, y la deforestación aumentó en septiembre respecto a hace un año."Este mural es una protesta, un grito de ayuda", dijo Mundano. "Apoyo a los bomberos y también a que se detenga esta cultura del fuego, que nos está llevando a la autodestrucción". (Reporte de Reuters Televisión; editado en español por Benjamín Mejías Valencia)

Fuente: La Nación
15/10/2021 12:18

Artista demanda a Bill Cosby por encuentro en hotel en 1990

FILADELFIA (AP) â?? Una acusadora preeminente de Bill Cosby presentó una demanda el jueves contra el actor por un encuentro en un cuarto de hotel en 1990 en Atlantic City, Nueva Jersey, antes de que venza el plazo de dos años del estado para denunciar agresiones sexuales pasadas.La artista de Los Ángeles Lili Bernard dijo a The Associated Press que fue motivada en parte por la reciente liberación de Cosby. El actor y comediante de 84 años salió de prisión en junio, cuando la Corte Suprema de Pensilvania anuló su condena por abuso sexual de 2018 en otro caso por motivos de procedimiento.Había cumplido más de dos años de una posible condena de 10.Bernard, de 57 años, dice que Cosby la drogó y violó en una habitación de hotel después de prometer ser su mentor en su exitoso programa de televisión. Ella tenía 26 años en ese momento.El plazo de dos años de Nueva Jersey para presentar demandas por agresión sexual que de otra manera se considerarían demasiado viejas vence el próximo mes."Cuando liberaron a Bill Cosby, eso me traumatizó, me aterrorizó. Estaba realmente horrorizada por cualquier mujer o niña que entrara en contacto con él", dijo Bernard a la AP. "La Corte Suprema de Pensilvania permitió que un depredador volviera a las calles".El juez de primera instancia de Pensilvania había clasificado a Cosby como un depredador sexualmente violento sujeto a supervisión de por vida, pero ese hallazgo se tornó debatible cuando se anuló la condena, lo que dejó a Cosby libre de cualquier requisito para reportarse ante las autoridades.Un portavoz de Cosby dijo que las llamadas ventanas "retrospectivas" como la que se aprobó en Nueva Jersey violan los derechos de una persona a un proceso justo."Este es solo otro intento de abusar del proceso legal, al abrir las compuertas para las personas que nunca presentaron un gramo de evidencia", dijo el portavoz Andrew Wyatt, y señaló que Cosby mantiene su inocencia y lucharía contra las acusaciones ante "el tribunal más alto de los Estados Unidos de América".Fiscales a las afueras de Filadelfia deben decidir pronto si apelarán la revocación de su condena ante la Corte Suprema federal.Un jurado condenó a Cosby por agredir sexualmente a la administradora de deportes de la Universidad de Temple, Andrea Constand, en la casa de él en enero de 2004 después de incapacitarla con tres pastillas azules. Cosby fue arrestado en 2015, días antes de que prescribiera el caso a los 12 años.La Corte Suprema del estado dijo que el caso no debería haber ido a juicio porque Cosby creía que tenía una promesa coercitiva de un fiscal anterior de que nunca sería acusado.Cosby resolvió una demanda civil con Constand por 3,4 millones de dólares. Su aseguradora, después de la condena, resolvió una demanda por difamación presentada por siete acusadoras en Massachusetts por un monto no revelado.La AP no suele identificar a personas que dicen haber sido víctimas de violencia sexual sin su permiso, que tanto Constand como Bernard han otorgado.___Maryclaire Dale está en Twitter como https://twitter.com/Maryclairedale.

Fuente: La Nación
14/10/2021 10:18

Las esculturas de madera tallada del artista austriaco Alexander Bartl, de 23 años, son muy populares en TikTok

MADRID, 14 oct. (EDIZIONES)El artista Alexander Bartl, de 23 años y natural de Salzburgo (Austria), es conocido como bildhaueralex en redes sociales, medio que utiliza como escaparate para dar a conocer el proceso creativo para cada una de sus obras y su espectacular resultado."Trabajo con madera y pinto, pinto, tallo y doy forma: un espacio en blanco se convierte en el trabajo que hace feliz a su dueño", son las palabras con las que Alexander define su oficio en su página web.El artista es habilidoso a la hora de dar forma a la idea que tiene en mente y cuidadoso en los detalles a la hora de ejecutarla. Para él "la calidad está en los detalles" y eso es algo que se puede apreciar, por ejemplo, en sus detalladas réplicas de rostros humanos.https://www.youtube.com/watch?v=b1RUgeSLk30Alexander empezó a tallar madera a los 16 años y actualmente es un oficio al que dedica más de ocho horas al día.En redes sociales le sigue más de medio millón de usuarios enganchados a sus trabajos. Uno de ellos comentó en uno de sus vídeos alabando sus obras diciendo: "¡Increíble talento!". Otro, dijo: "Esto es muy satisfactorio de ver".

Fuente: La Nación
14/10/2021 09:18

El artista colombiano Camilo elige la ciudad de Mérida (Badajoz) como telón de fondo de su nuevo trabajo discográfico

El artista colombiano Camilo ha elegido la ciudad de Mérida (Badajoz) como telón de fondo de su nuevo trabajo discográfico.Se trata de un nuevo single y videoclip que realiza junto con su esposa, la cantante y actriz venezolana Evaluna Montaner, y que en menos de 24 horas se ha colado en millones de casas de todo el mundo liderando las visualizaciones mundiales en Youtube.Un hecho que coloca, de nuevo, a Mérida, a nivel internacional, y que responde a los trabajos de gestión entre el ayuntamiento de la capital extremeña y la organización del Stone & Music Festival para que fuera la ciudad emeritense la elegida.El artista tenía planteado rodar su nuevo videoclip en varias ciudades, pero tras las gestiones oportunas se decantó por Mérida, según subraya en nota de prensa el consistorio de la capital extremeña.Para ello se realizó, junto con el equipo del artista, ayuntamiento y Stone & Music, una visita técnica por diferentes puntos de la ciudad, siendo elegidos el Puente Romano, el acueducto de Los Milagros y los jardines del Peristilo del Teatro Romano de Mérida.A partir de entonces se estableció un planing de rodaje que contó con la colaboración de las delegaciones de Parques y Jardines y Policía Local del Ayuntamiento de Mérida para mantener "todo en el máximo de los secretos".De esta forma, se pudo rodar en el valle del Albarregas sin público y que se pudiera ver en todo el mundo uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad, así como el Puente Romano o los jardines del Teatro Romano emeritense.Así, el ayuntamiento agradece al artista y al Stone & Music que finalmente la ciudad de Mérida haya sido la elegida tras las gestiones municipales. "Esto supone una campaña de promoción internacional difícil de cuantificar, pero que traerá, sin duda, beneficios a la ciudad de Mérida. Seguimos trabajando en la promoción, no sólo en campañas publicitarias, sino en eventos y acuerdos que puedan colocar a la ciudad de Mérida como un destino referente. Cada céntimo invertido en promoción se multiplica por cinco en beneficio para la economía de toda la ciudad", asevera el alcalde de Mérida, Antonio Rodríguez Osuna.Camilo tiene en la actualidad más de 30 millones de seguidores en todas sus redes y se ha convertido en el artista latino del momento. Liderando listas de ventas, conciertos y visualizaciones por internet. Su presencia en Mérida llenó los dos conciertos del Teatro Romano, pero además, con este videoclip, "pone en el mapa a la capital extremeña en todo el mundo", afirma el alcalde emeritense.

Fuente: La Nación
14/10/2021 09:18

El artista colombiano Camilo elige Mérida (Badajoz) como telón de fondo de su nuevo trabajo discográfico

El artista colombiano Camilo ha elegido la ciudad de Mérida (Badajoz) como telón de fondo de su nuevo trabajo discográfico. Se trata de un nuevo single y videoclip que realiza junto con su esposa, la cantante y actriz venezolana Evaluna Montaner, y que en menos de 24 horas se ha colado en millones de casas de todo el mundo liderando las visualizaciones mundiales en Youtube.Un hecho que coloca, de nuevo, a Mérida, a nivel internacional, y que responde a los trabajos de gestión entre el ayuntamiento de la capital extremeña y la organización del Stone & Music Festival para que fuera la ciudad emeritense la elegida.El artista tenía planteado rodar su nuevo videoclip en varias ciudades, pero tras las gestiones oportunas se decantó por Mérida, según subraya en nota de prensa el consistorio de la capital extremeña.Para ello se realizó, junto con el equipo del artista, ayuntamiento y Stone & Music, una visita técnica por diferentes puntos de la ciudad, siendo elegidos el Puente Romano, el acueducto de Los Milagros y los jardines del Peristilo del Teatro Romano de Mérida.A partir de entonces se estableció un planing de rodaje que contó con la colaboración de las delegaciones de Parques y Jardines y Policía Local del Ayuntamiento de Mérida para mantener "todo en el máximo de los secretos".De esta forma, se pudo rodar en el valle del Albarregas sin público y que se pudiera ver en todo el mundo uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad, así como el Puente Romano o los jardines del Teatro Romano emeritense.Así, el ayuntamiento agradece al artista y al Stone & Music que finalmente la ciudad de Mérida haya sido la elegida tras las gestiones municipales. "Esto supone una campaña de promoción internacional difícil de cuantificar, pero que traerá, sin duda, beneficios a la ciudad de Mérida. Seguimos trabajando en la promoción, no sólo en campañas publicitarias, sino en eventos y acuerdos que puedan colocar a la ciudad de Mérida como un destino referente. Cada céntimo invertido en promoción se multiplica por cinco en beneficio para la economía de toda la ciudad", asevera el alcalde de Mérida, Antonio Rodríguez Osuna.Camilo tiene en la actualidad más de 30 millones de seguidores en todas sus redes y se ha convertido en el artista latino del momento. Liderando listas de ventas, conciertos y visualizaciones por internet. Su presencia en Mérida llenó los dos conciertos del Teatro Romano, pero además, con este videoclip, "pone en el mapa a la capital extremeña en todo el mundo", afirma el alcalde emeritense.

Fuente: La Nación
13/10/2021 21:18

Cuba: artista e impulsor de marcha denegada no teme ir preso

LA HABANA (AP) â?? Yunior García Aguilera, dramaturgo cubano y una de las personas que presentó al gobierno una solicitud para realizar legalmente la primera manifestación opositora en más de seis décadas --rechazada la víspera--, aseguró que marchará igual, aunque por ello tenga que ir a prisión."El 15 de noviembre salgo a ejercer mi derecho", dijo enfático a The Associated Press. Según aseguró el miércoles este cubano de 39 años, si por ello va a la cárcel las autoridades "se quitarían todas sus máscaras".El martes las autoridades rechazaron la solicitud para la manifestación pública propuesta por el artista y su plataforma digital Archipiélago y la declararon ilegal por atentar contra el carácter socialista del modelo cubano, descrito como "irrevocable" en la Constitución aprobada en 2019. Los opositores amparaban su petición en esa misma Carta Magna."Uno se pregunta. ¿Hay socialismo en Cuba, más allá de que esté escrito en la Constitución? Para muchos de nosotros incluso lo que hay en Cuba es un capitalismo monopolista de Estado", señaló García. "Un régimen militar, un régimen burocrático, en que no hay igualdad".El escrito de solicitud de autorización al gobierno explicaba que la marcha sería cívica, organizada y con un recorrido establecido. Según García, no tenía que ver con el modelo sino con la violencia, la liberación de presos políticos y para que se respetaran los derechos de los cubanos.García fue citado a las oficinas del gobierno del Municipio Habana Vieja el martes, donde se le entregó por escrito la negativa y se le advirtió que la actividad era ilegal, indicó el dramaturgo. Las solicitudes de marcha se habían extendido por otras provincias como Pinar del Río, Santiago, Cienfuegos o Camagüey. Todas fueron denegadas."Siempre que se exprese la voluntad del pueblo y ésta no coincida con la voluntad del régimen van a inventar las excusas: que somos mercenarios, que estamos pagados por la CIA (Central de Inteligencia de Estados Unidos por sus siglas en inglés), aunque no puedan probarlo. A mí no han podido mostrarme un solo peso. Vivo de mi salario, el que cobro por el (estatal) Consejo de las Artes Escénicas", agregó el creador.Tanto el pedido por oficializar la marcha como el rechazo de las autoridades generaron una enorme reacción en las redes sociales, ya crispadas desde el 11 y 12 de julio, cuando se produjeron manifestaciones antigubernamentales sin un liderazgo claro y que catalizaron demandas de la población como el hartazgo al desabastecimiento, la carestía, el mercado negro o por demandas políticas de cambios.Miles de cubanos salieron a las calles y algunas de las concentraciones resultaron en vandalismo y se cobraron un muerto. Un número no determinado de personas fue encarcelada y llevada ante los tribunales, algunos de ellos considerados presos políticos por Archipiélago. Las autoridades también convocaron a marchar a cientos de miles de sus simpatizantes.Tanto en julio como en esta ocasión, el gobierno consideró que estaba ante una maniobra desestabilizadora instigada desde agencias de Estados Unidos o grupos de interés de exiliados cubanos que durante décadas intentan destruir a la revolución y apoyan sanciones contra la isla presionando un cambio de modelo poco simpático para Washington.Cuba vive actualmente una dura crisis económica que tensiona a la población y es producto tanto de la pandemia de COVID-19 como de las sanciones estadounidenses que acentúan el desabastecimiento de alimentos y medicinas, la falta de combustible, la imposibilidad de que las familias envíen remesas o se adquieran en el mercado mundial materias primas para su industria."Estoy por ejemplo en contra de las sanciones que afectan a la familia cubana (por parte de Estados Unidos), estoy en contra de una intervención militar extranjera, me encantaría que las cosas pudieran resolverse de forma soberana (en la isla)", reflexionó García. "Que la comunidad internacional mire el proceso que estamos llevando a cabo en Cuba, sin ponerse de un lado o de otro".El rechazo a la solicitud de realizar la marcha no fue una sorpresa. Inicialmente los organizadores fijaron el 20 de noviembre como fecha para la protesta y poco después el gobierno convocó para esos días a unas jornadas de Defensa Nacional, ejercicios habituales en la isla en los cuales militares y civiles salen a las calles para coordinar la acción en casos extremos como intervenciones armadas o ciclones. Archipiélago hizo entonces un nuevo pedido de autorización para manifestarse el 15 de noviembre, que fue rechazado.Nacido en la oriental provincia de Holguín en 1982, García era reconocido entre los intelectuales de la isla por sus obras de teatro, de las cuales realizó guiones y puestas, así como por ser actor y el director la compañía Trébol. Su nombre también cobró relevancia en noviembre de 2020 cuando un grupo de artistas se manifestaron frente al Ministerio de Cultura en demanda de un diálogo con los funcionarios para lograr mayor espacio para la creación independiente.â??â??â??â??â??â??â??â??-Andrea Rodríguez está en Twitter: www.twitter.com/ARodriguezAP

Fuente: Perfil
13/10/2021 08:00

Antonio Berni, el artista que descubrió poesía en la villa

El rosarino que frecuentó a los surrealistas y pintó las villas de la gran ciudad llegó a ser el artista plástico más cotizado del arte argentino. "Como todo poeta, está en el bando de los demonios", dijo de él Ernesto Sábato, que se negaba a reducirlo al pintor de los pobres. Leer más

Fuente: Página 12
10/10/2021 00:01

La artista coreana Kimsooja en Bienal Sur 2021

Siempre se interesó por las fronteras, la migración y la problemática de los refugiados. Ella se define como una "nómade cultural" a pesar de que su trabajo es quieto, calmo. Esa quietud es buscada: la investigación de Kimsooja se apoya sobre todo en la costura y alude a las actividades femeninas en Corea, además de referir a la migración y el desplazamiento. Con sus recorridos se propone coser los territorios, vincular de algún modo el entramado social. En las tres muestras que se exhiben ahora en Buenos Aires se reconoce este proyecto, que la artista enhebra con la serena parsimonia del observador.

Fuente: Clarín
07/10/2021 06:01

Ingeniera nuclear y artista: nació en Quilmes, fue cosplayer y a los 33 años investiga accidentes nucleares en París

Trabaja en la sede europea de la Asociación Mundial de Operadores Nucleares junto a expertos de todo el planeta. Estudió en el Balseiro, y ama pintar y dibujar.

Fuente: Página 12
03/10/2021 00:01

La primera exposición antológica del artista uruguayo Rafael Barradas

Fue un contemporáneo de las vanguardias del siglo XX, preocupado por el presente, las ciudades, el ritmo frenético que crecía a su alrededor. El uruguayo Rafael Barradas, creador del vibracionismo, tiene su primera muestra antológica en el Malba: Hombre flecha reúne más de 130 obras entre óleos, acuarelas y obras sobre papel realizadas entre 1913 y 1923, durante su estadía en Barcelona y Madrid y antes de regresar a Montevideo, donde murió a los 39 años. La muestra, además, acompaña los festejos de los 20 años del Museo

Fuente: Clarín
02/10/2021 05:01

Una grieta inesperada: dos museos se pelean por la obra de Jasper Johns, el artista vivo más famoso de Estados Unidos

"Jasper Johns: Mind/Mirror", la mayor exposición dedicada a su obra se inauguró simultáneamente en el Museo Whitney de Arte de Manhattan y en el Museo de Arte de Filadelfia: fue idea del curador rosarino Carlos Basualdo.

Fuente: Ámbito
29/09/2021 14:28

¿Arte o estafa? Artista recibió fondos para una obra y presentó marcos vacíos

El debate está puesto en saber si se trata de una estafa o de una obra artística, que se presentó en Dinamarca con un valor de casi u$s85.000.

Fuente: La Nación
28/09/2021 08:36

El Museo Helga de Alvear de Cáceres incorpora a su colección una escultura del artista estadounidense Richard Serra

La escultura Three Unequal Elevations (1975), de Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos, 1939), ha sido instalada en el Museo Helga de Alvear en Cáceres. La obra del aclamado artista estadounidense es una de las últimas incorporaciones a la colección y permanecerá a disposición del público en la exposición ubicada en el edificio diseñado por Tuñón Arquitectos.Richard Serra, cuya obra tiene representación en los mejores museos y colecciones del mundo, está considerado como uno de los escultores más importantes del siglo XX. Con esta nueva adquisición, el Museo viene a completar la ya extensa nómina de autores contemporáneos del panorama artístico internacional, informa el centro cultural.La incorporación de esta obra tiene especial relevancia para la propia Helga de Alvear, quien conoció personalmente al artista en los años ochenta. Durante décadas, la galerista y coleccionista ha seguido la singular trayectoria de Richard Serra en diferentes espacios museísticos y urbanos, tales como el Museo Guggenheim de Bilbao, el Día Beacon o las innumerables plazas de grandes ciudades.Además, la sala del Museo donde se ubica la escultura de Richard Serra, se ha renovado con obras de Cildo Meireles y Rosemarie Trockel. Con esta nueva incorporación el Museo Helga de Alvear continua ampliando periódicamente la exhibición de sus fondos, que llegan a unas 3.000 obras de arte contemporáneto de diferentes disciplinas.

Fuente: La Nación
28/09/2021 08:36

Esta roca gigante que sorprendió a los turistas de Marsella es en realidad obra del artista francés Julien Berthier

MADRID, 28 sep. (EDIZIONES)El artista francés Julien Berthier, de 46 años, es el creador de esta curiosa embarcación con forma de roca que acaparó las miradas de turistas y residentes de la ciudad costera de Marsella a principios de mes.El barco tiene forma de roca gigante y forma parte de su proyecto L'invisible, creado con la intención de que se fundiera con el paisaje de la costa francesa de Marsella. Para ello, berthier se inspiró en la forma y la coloración de las rocas del entorno, unas rocas construidas con fibra de vidrio, resina epoxi y pintura, colocadas minuciosamente sobre una pequeña embarcación de motor. El artista también insertó una puerta en la parte superior a través de la cual se puede acceder a la estructura y los controles.Según el artista: "L'invisible se entromete con modestia en el entorno de las calas de Marsella, modificando imperceptiblemente el paisaje circundante. Lo invisible navega entre la decoración, la realidad aumentada, el objeto de placer, la ansiedad supervivencialista y las cuestiones ecológicas".https://www.youtube.com/watch?v=QYSxgzwxz8EJulien grabó imágenes de su extraña creación navegando por las calas marsellesas en una serie de vídeos que se han hecho virales en Internet.En cuanto al proyecto, el artista explicó a Caters que "se trata de una invitación del artista Thomas Mailaender para una residencia organizada por el Hotel TUBA en Les Goudes, en las calas de Marsella".

Fuente: Clarín
24/09/2021 01:06

Bad Bunny, el gran ganador de los Billboard: álbum y canción de año, mejor artista y siete premios más

El artista puertorriqueño había llegado a la ceremonia con 23 nominaciones en 13 categorías.

Fuente: La Nación
23/09/2021 06:18

Los secretos de Marino Santa María, el artista que transformó un pasaje de Barracas con pintura y mosaico veneciano

"Hice un nuevo Caminito", afirma con orgullo Marino Santa María, el artista plástico de 72 años creador de la obra de arte público en el pasaje Lanín, en Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires. En una cortada de tres cuadras, hace veinte años intervino las fachadas de 40 casas con pintura y mosaico veneciano, a partir de diseños propios y originales. La obra sigue en construcción, con un buen ritmo de trabajo en las últimas semanas. "Fue la primera intervención urbana a gran escala de este siglo hecha por un solo artista", recuerda.Referente nacional en el mosaiquismo, maestro de artistas, trabaja en el propio pasaje donde tiene un taller al que asisten alumnos interesados en formarse al lado de uno de los grandes creadores del país. En 2011, la Legislatura porteña lo nombró personalidad destacada de la cultura. "La obra le dio una nueva identidad al barrio. Quise romper con la tradición de una Barracas de tango, obrera, que yo no viví", afirma. Para lograrlo apostó por fragmentar su obra en cada frente de las casas del pasaje.Con colores y mosaicos, Marino Santa María transformó el pasaje Lanín, en Barracas (Alfieri Mauro/)"Creé un canal de color donde la obra empieza o termina con vos adentro", explica Marino. El pasaje Lanín nace al 2100 de la calle Brandsen y termina al 2000 de la avenida Suárez. Inédito, sus calles adoquinadas presentan una colorida existencia: fachadas con curiosos diseños, abstractos, realizados con pintura y mosaicos, que vuelven a cada frente una obra única. "Quise comunicar de una manera distinta, masiva y de gran dimensión", detalla. En esa búsqueda, caviló sobre cómo hacerlo. Un viaje a Bilbao, España, fue determinante."Visité el Museo Guggenheim y fue una señal", sostiene Santa María. El inmenso y ecléctico museo contrasta con la fisonomía de la ciudad española. "Quiebra con la tradición arquitectónica del lugar", dice. Regresó a Barracas y preparó una carpeta con los bocetos de su idea, cómo imaginaba las fachadas del pasaje, y lo presentó en la Legislatura. "La idea era quebrar con la tradición muralística mexicana", confiesa. Esas obras que mostraban proletarios trabajando no tenían correlación con la realidad de Barracas a fines de los 90. "Todas las fábricas se habían ido", reconoce. Al barrio, que supo ser una meca del trabajo y la actividad fabril, a fines de los 70 lo quebró en dos la autopista Frondizi y sufrió el éxodo de muchas empresas y de miles de familias.Audaz, decidido y de profunda vinculación con la historia y la actualidad de su barrio, entendió el espíritu de su época. Barracas se había quebrado y "el país estaba es una pandemia económica. Esa fragmentación de mi obra en cada fachada, era la época que estábamos viviendo", reafirma Marino.Marino Santa María, con los voluntarios que lo ayudan, en el pasaje Lanín de Barracas (Alfieri Mauro/)La Legislatura porteña le aceptó el proyecto. Pero, ¿cómo iniciar una obra que necesita de los frentes de las casas de los vecinos para nacer? "El único antecedente real estaba cerca, Caminito, de Benito Quinquela Martín", relata. La hermandad entre los dos grandes barrios del sur de la ciudad, La Boca y Barracas, no solo es geográfica, sino cultural. Explicó la idea a sus vecinos y 40 frentistas aceptaron. Así nació el pasaje Lanín de Marino Santa María.Con 20 voluntarios trabajó desde 1999 hasta 2001, sin parar. Cada frentista tuvo opción de elegir un motivo. "Resolvelo vos", fue la respuesta unánime. Aunque algunos pusieron condiciones; "por ejemplo, un vecino fanático de Boca me pidió que no incluyera el color rojo", cuenta Marino. En la primera etapa, trabajó con colores. Luego llegarían los mosaicos venecianos.El Gato Dumas y Pérez CelisNacido en el propio pasaje Lanín, Marino Santa María pasó su infancia en la casa donde hoy funciona su taller (Alfieri Mauro/)Un personaje icónico de los 90 lo acompañó desde el minuto cero: "Pintamos juntos con el Gato Dumas", recuerda. La épica de transformar 40 frentes necesitó de muchos aliados. Conseguir tanta pintura, por ejemplo, fue un problema. Llegó la solución de la mano de un gran artista que tenía mucho vínculo con la zona sur. "Pérez Celis donó su sponsor, siempre se lo agradeceré", detalla. Alba entregó la pintura.El pasaje Lanín siempre tuvo identidad propia. Sus vecinos, acaso amparados por el caprichoso diseño de la cortada, tres calles entre otras callejuelas y entre dos grandes avenidas, funcionaron como una gran familia. "Siempre comíamos en la calle", refiere Marino. Para explicar su idea y compartir su proyecto, realizó una de estas reuniones. "No había grieta en los 90. Se puede decir cualquier cosa de esa década, pero podíamos convivir", reafirma.La inauguración superó todas las expectativas. Las tres cuadras se llenaron de gente. Sucedió el 19 de abril de 2001. Hubo 19 medios de comunicación cubriendo la noticia y estuvieron las principales figuras del arte y la cultura de la ciudad. "Pasaban 2000 personas por día", sostiene Marino. "Modificó la calidad de vida de los vecinos, el arte debe estar conectado con los ellos", agrega. Con la única comparación en Caminito, "opté por revalorizar el espacio público", conceptualiza Santa María. Veinte años después, el valor de las casas subió y el pasaje es una atracción cultural y turística. "Hice una intervención urbana consolidada. Ya no me pertenece. Es de la ciudad y de los vecinos, a mí me supera", dice.La obra de Marino Santa María sigue en construcción, con un buen ritmo de trabajo en las últimas semanas (Alfieri Mauro/)El proyecto de Marino no ha terminado. En 2005 le dio un giro, al introducir los mosaicos venecianos, y desde entonces persigue un objetivo: incluirlos en las fachadas de todas las casas. "Me gustaría poder terminarlo pronto", sostiene. Para eso, todos los días continúa al frente de su obra, ayudado por voluntarios. El gobierno porteño siempre se ha mostrado muy receptivo a apoyarlo. Esta recta final hacia la consumación de su obra necesita de nuevos aportes.Nacido en el propio pasaje Lanín, pasó su infancia en la casa donde hoy funciona su taller, donde da clases y trabaja. Su padre también fue artista. "Apabullante, trabajaba 15 horas por día. Dormía en el cuarto donde pintaba", recuerda. No quería que su hijo fuera pintor, pero su madre a escondidas le daba dinero para estudiar Bellas Artes. Cursó en la escuela Manuel Belgrano y en la Prilidiano Pueyrredón, de la que llegó a ser rector. Fue uno de los creadores del Instituto Universitario Nacional del Arte, hoy Universidad Nacional de las Artes (UNA). Su infancia en el pasaje adoquinado tuvo mucho aire libre, jugar en la calle y casi una vida de pueblo a pocos minutos del Obelisco.Como artista consagrado, sus obras se pueden ver también en las estaciones Las Heras y Plaza Italia de la línea D de subtes, el pasaje Discépolo, el Abasto, el Hospital Británico y la Bombonera, entre otros lugares."La obra le dio una nueva identidad al barrio", dice Marino Santa María, sobre su intervención en el pasaje Lanín de Barracas (Alfieri Mauro/)"El pasaje Lanín, con la obra de Marino, tiene una importancia especial para una Barracas mutante tanto en lo urbano como en lo cultural", afirma Graciela Puccia, directora del Archivo Histórico de Barracas. "No le fue fácil hacerlo, lo nuevo siempre despierta desconfianza. Pero, con tesón, el artista fue ganando voluntades hasta generar un pasaje donde el vecino comparte el arte como un lenguaje que lo inunda", reflexiona. "Cambió la fisonomía de una parte de Barracas", concluye."Refuerza una identidad histórica del barrio", considera Shela Estévez, profesora de Historia de la vecina Escuela Normal N° 5. "El pasaje permite promover el vínculo entre los vecinos. De este lado de la autopista, es un barrio de casas bajas, de jóvenes y niños en las calles, el pasaje los vincula. Para las personas que viven en él, el arte en la calle tiene un carácter transformador", describe.

Fuente: La Nación
22/09/2021 18:18

Maná relanza "El reloj cucú" con joven artista mexicana

MIAMI BEACH, Florida, EE.UU (AP) â?? Fher Olvera de Maná escribió "El reloj cucú" en los años 90 como una forma de lidiar con la muerte de su padre cuando él tenía siete años. Ahora, la banda mexicana ha invitado a una niña con una experiencia similar para una nueva versión de la canción."El reloj cucú" fue uno de los sencillos del cuarto álbum de estudio de Maná, "Cuando los ángeles lloran". Es un homenaje al papá de Olvera, y comparte el sentimiento también de Mabel Vázquez, una niña de 12 años que llegó hasta las semifinales de "La Voz México" cuando tenía 11. Sus padres se separaron cuando era muy pequeña y quedó viviendo con su mamá, Fernanda, y su abuela.La historia detrás de la nueva versión se reveló el miércoles en una conferencia de la Semana de la Música Latina de Billboard, en el Faena Forum de Miami Beach, en la que participaron ambos cantantes.La conversación comenzó cuando la VP líder de la industria latina de Billboard Leila Cobo, que los entrevistaba, pidió que pusieran en los parlantes "El reloj cucú", un clásico de Maná. Olvera escuchaba sentado en un sofá blanco que compartía con Vázquez mientras decenas de personas cantaban a coro la letra.Maná escuchó cantar a la joven en televisión y quiso invitarla sin saber cuál era su historia. La idea era ayudarla con su carrera, pues los músicos de la banda creen que es hora de devolver lo que han recibido del público. Luego supieron que ella también sentía la ausencia de su padre y que, como Olvera, creció rodeada de mujeres."Además de que absorbí mucho la energía femenina... crecí como un niño que no tuvo al papá", dijo Olvera, quien contó que el Día del Padre prefería no ir a la escuela. "Crecí con esa ausencia".En la canción, Olvera canta: "Oye, cucú, papá se fue / Prende la luz, que tengo miedo / Oye, cucú, papá se fue / Prende la luz y apaga el tiempo"."Yo le preguntaba (al reloj de mi casa), ¿a dónde está mi papá? Es algo que nunca aprendí", recordó el artista, vestido de negro, con gorra verde olivo y anteojos oscuros.Aunque con matices diferentes porque su padre no falleció, Mabel dijo compartir ese sentimiento.Maná "contactó a mi mamá diciéndole que querían cantar conmigo una canción", contó la niña de pelo largo hasta la cintura, quien dijo que lloró de emoción cuando su madre le dio la noticia. "Aún no me la creo".Olvera le respondió que para él "era compartir una canción que sentíamos los dos desde el corazón"."Muchos artistas buscan solo el dueto", dijo. "Nosotros buscamos el talento... Algunos son muy famosos y otros sin tanta fama", como Mabel.El nuevo "Reloj cucú" se estrenará el jueves en la ceremonia de los Premios Billboard de la Música Latina, donde Maná será homenajeada con el premio Ícono, pero el dúo adelantó un pedacito en la conferencia cantando en vivo.A lo largo de sus 35 años de carrera, Maná, integrado también por Alex González, Sergio Vallín y Juan Calleros, ha llevado su música por más de 40 países y vendido más de 40 millones de discos, con éxitos que incluyen "Rayando el sol", "Vivir sin aire" y "No ha parado de llover".El miércoles, Olvera le pidió a la mamá de Mabel que subiera al escenario y ésta contó que al principio dudó que realmente la hubiera llamado Maná solicitando cantar con su hija."Pero estoy muy agradecida con ellos por darnos esta oportunidad que no sé ni cómo pagarlo", expresó con lágrimas en los ojos.Olvera, quien también ha sido un activista en favor de los derechos de los inmigrantes, dijo que a partir de los momentos difíciles los artistas se inspiran y crean: "Una madre que trabaja el día a día... el ejemplo vivo es lo que te hace ser trabajador y eso alimenta el arte".Fernanda coordinó con Maná y fueron a grabar la canción a Puerto Vallarta, donde la banda tiene su estudio. Allí filmaron también un video musical."Fue muy divertido, muchas emociones encontradas", dijo Mabel sobre la experiencia.La canción estará incluida en un próximo disco de Maná en el que interpretará sus éxitos con artistas famosos como Pablo Alborán y otros menos conocidos, como Mabel. También habrá dos canciones inéditas.Además del premio Ícono, Maná compite por el premio al artista "latin pop" del año, dúo o grupo. Olvera, sin embargo, dijo que los galardones no son lo que queda, sino el cariño de la gente.Relajado y por momentos risueño, insistió en que han llegado a un momento en el que quieren compartir y contribuir."Nos ha dado tanta alegría la gente... que hay que regresar también", dijo.

Fuente: La Nación
21/09/2021 12:18

Aníbal Pachano defenestró a Pablo Echarri: "Es un patotero, no es un artista"

Aníbal Pachano arremetió con dureza contra Pablo Echarri por su postura política a favor de la gestión de Alberto Fernández y por su desempeño como integrante de la comisión directiva de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (Sagai), la asociación civil sin fines de lucro constituida el 27 de julio de 2006, que es la única entidad autorizada en el país para gestionar y administrar colectivamente los derechos intelectuales de los actores y los bailarines.Revelan el fuerte apodo de la China Suárez luego de su separación de Benjamín VicuñaPachano criticó de manera dura a Echarri porque "no es un artista" y lo calificó de "patotero". El coreógrafo cuestionó las condiciones que impone Sagai a la hora de cobrar derechos de imagen o contenido. "Me llama la atención la obsecuencia de algunos de los sectores de artistas y la falta de reacción frente a esto. ¿A quién le podemos reclamar algo si son todos K? ¿A dónde vamos a ir? ¿A Sagai que es el monumento al K?", manifestó el bailarín en una nota publicada en el portal de noticias PrimiciasYa.Según la página oficial de la Sagai, la entidad brinda "servicios asistenciales, de promoción, de trabajo y de formación a nuestros/as socios/as y estamos comprometidos con el respeto, el fomento de la inclusión, la diversidad y generar espacios libres de violencia laboral".Pachano criticó de manera dura a Echarri porque "no es un artista" y lo calificó de "patotero" (LAFLIA - JORGE LUENGO/)Sin embargo, Pachano consideró que no respetan los derechos de todos los artistas por igual. "Que ellos tengan confianza en el Gobierno está bien, pero que no se lleven la plata que no nos pagan a los bailarines en Sagai que no tenemos derecho a la imagen. A mí no me pagaron nunca. ¡Por acá no es! No se puede producir un espectáculo", subrayó Pachano. Y acto seguido, señaló que la culpa la tiran siempre para otro lado: "No se hacen cargo de nada".Emilia Attias habló sobre la educación no tradicional y feminista que recibe su hija GinaAdemás, el director teatral lamentó la simpatía del actor con el Gobierno y se quejó por la realidad que vive el resto de la comunidad artística. "El único que tiene trabajo es Pablo Echarri, que está en teatro. Es un patotero", indicó Pachano. Y agregó: "Son una mentira. No defienden a todos. Se quedan en el gueto y si va a ser así, no me interesa participar de nada".En cuanto a sus cualidades como intérprete, Pachano defenestró a Echarri. "No es un artista y, como a mí no me considera artista, yo tampoco lo considero a él. No sé quién se cree que es", arremetió.

Fuente: La Nación
21/09/2021 09:18

Este talentoso artista hace dibujos con tal nivel de detalle que llegan a confundirse con la realidad

MADRID, 21 sep. (EDIZIONES)El arte hiperrealista es ese tipo de arte que hace que el espectador se quede mirando fijamente a la obra tratando de descifrar el trazo, las luces y las sombras que ha utilizado el artista para plasmar un objeto con su forma real. A primera vista, puede parecer sencillo, pero después de echar un segundo vistazo, es un arte de lo más asombroso.El hiperrealismo es el tipo de arte en el que el artista Richard Jasso, de 39 años, de Beaumont (California, EE.UU.), se ha estado especializando durante los últimos años.La idea de pintar desde bolsas de patatas fritas, a latas de refresco o botellines de cerveza de forma realista surgió un día, mientras hacía la compra en el supermercado. Allí, en el lineal de cajas, el envoltorio colorido de unas chocolatinas le llamó la atención y fue entonces cuando surgió la idea de pintar este tipo de objetos.https://www.youtube.com/watch?v=w6HtpmQT5FMSi bien es cierto que el artista californiano lleva pintando desde que tiene uso de razón, ha sido recientemente, con esta serie de dibujos hiperrealistas con los que ha conseguido llamar la atención en redes sociales, escaparate donde expone sus obras.

Fuente: Clarín
20/09/2021 20:50

Aníbal Pachano arremetió contra Pablo Echarri: "Es un patotero, no es un artista"

El bailarín y coreógrafo se indignó con el actor kirchnerista por su desempeño como miembro de la comisión directiva de SAGAI.

Fuente: La Nación
20/09/2021 14:36

Una de las hijas de Picasso cede nueve obras del artista a Francia

Maya Widmaier-Picasso, una de las hijas del pintor Pablo Picasso, ha cedido nueve obras del artista a Francia, que podrán visitarse en el Museo Picasso de París a partir de abril de 2022.Así lo ha anunciado este lunes la ministra de Cultura de Francia, Roselyne Bachelot, que ha detallado que la donación incluye seis pinturas, dos esculturas y un cuaderno de bocetos, según ha recogido France Info.La donación, que la ministra ha calificado de "hecho excepcional", permite a Widmaier-Picasso pagar sus derechos de herencia en especie, aunque las autoridades no han informado sobre el dinero que representa en total.En rueda de prensa en el Museo Picasso se ha mostrado a la prensa una de las obras, un cuadro cubista de 1938 titulado 'Niño con piruleta sentado debajo de una silla'. Según Olivier Widmaier Picasso, nieto de Picasso y presente en la rueda de prensa junto a su hermano Diana, este cuadro representa a Maya. El cuadro más antiguo de la colección donada data de 1895, un retrato del padre de Picasso, José Ruiz y Blasco.

Fuente: La Nación
18/09/2021 14:36

Arte sobre césped en Nueva York: así es la megaobra del artista callejero Saype en la sede de la ONU

Una nueva megaobra de landart se luce desde hoy en la sede de la Organización de las Naciones Unidas (ONU) en Manhattan, Nueva York, y durará lo que las condiciones climáticas de la ciudad permitan que dure. Su autor, Guillaume Legros, alias Saype, es un joven grafitero francés de 32 años que crea obras de arte hiper-realistas sobre césped o tierra. Para ello, utiliza una pintura ecológica que el mismo inventó, compuesta principalmente por tiza y carbón, que no afecta al ambiente y es biodegradable.Su ingenio y creatividad, en consonancia con sus mensajes en pos del ambiente, la paz internacional y los derechos de las niñas y los niños, posicionaron a Saype como el pionero de un movimiento artístico contemporáneo que fusiona arte y paisajes.Los lunares y las calabazas de Yayoi Kusama llegaron al Botánico de Nueva York La obra de arte cubre 11.000 metros cuadrados y fue realizada con pinturas biodegradables hechas de pigmentos naturales como carbón y tiza. Es el segundo paso de un proyecto iniciado en la sede europea de la ONU en Ginebra en 2020. (Gentileza (Valentin Flauraud para Saype)./)La obra, que se inauguró esta mañana en Estados Unidos, se llama World in Progress II y es la segunda etapa de la intervención que realizó el artista en 2020 en la sede de la ONU en Ginebra, para celebrar el 75 aniversario de la creación de este organismo internacional.La infancia, el medio ambiente y la paz mundial son los mensajes constantes que transmite Saype en sus obras. (Gentileza./)La obra es un regalo de Suiza a la ONU para celebrar el 75 aniversario de la organización y el lanzamiento de la Agenda Común. (Gentileza./)Este año, y con el fin de conmemorar el lanzamiento de la Agenda Común de la ONU, Saype quiso recordarle a las generaciones presentes su deber con respecto a las generaciones venideras. Transmitirles con su arte que no deben perder de vista el ideal de paz entre naciones. Naciones que, según el artista, tendrán que ir de la mano para preservar el patrimonio ambiental mundial.Saype preparando la obra gigantesca titulada "World in Progress II" en Nueva York el viernes 10 de septiembre de 2021. (Gentileza./)El artista recostado al lado de su obra después de terminar el trabajo (Gentileza./)Quién es Saype, el artista que pinta sobre césped en distintas ciudades del mundoDesde 2013 Saype recorre el mundo para pintar en parques, montañas o ciudades. En 2019, gracias a su enfoque y técnica innovadora, la famosa revista Forbes lo incluyó en su lista de las 30 personalidades europeas sub-30 más influyentes del arte y la cultura. Ese mismo año, el artista visitó la ciudad de Buenos Aires y plasmó una de sus obras sobre el pasto de la Plaza San Martín, en Retiro, por el Día del Reciclaje.Para ver algunas de sus obras más conocidas podés visitar su sitio, www.saype-artiste.comLa figura humana del artista Saype dentro de una nube dibujada sobre el césped ayuda a tener una perspectiva de las enormes dimensiones de la obra. (Gentileza./)

Fuente: Clarín
17/09/2021 19:21

Esculturas con chatarra, la propuesta de un artista de Tigre para ver desde este sábado

Se realiza en la Casa de las Culturas Villa Carmen. Estará hasta el 3 de octubre.

Fuente: Página 12
17/09/2021 00:01

Susanna Majuri, la artista que olía la muerte

La fotógrafa finlandesa que retrataba mujeres en el agua.

Fuente: Página 12
17/09/2021 00:01

La artista que olía la muerte

La fotógrafa finlandesa que retrataba mujeres en el agua.

Fuente: La Nación
16/09/2021 18:00

Bienalsur: nuevo capítulo de Kimsooja, la artista que trabaja en quietud y de espaldas al ojo de la cámara

Otra vez el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) funciona como sede o posta del recorrido artístico de Bienalsur, que en su tercera edición trae una selección de obras de la artista coreana Kimsooja, desplegada en tres capítulos y espacios. Nómada es el nombre que recibe la muestra en el MNBA, el km 2,5 de la bienal deslocalizada, sin centro ni periferia. Días atrás, en el Hotel de Inmigrantes se inauguró el primer capítulo, El encuentro con lo otro, y el próximo miércoles, con el inicio de la primavera en el hemisferio sur, se podrá asistir a Una experiencia interior en el Centro Cultural Coreano. La artista, que produce su obra por medio del paradójico principio del "no hacer", cuestiona el modo de percibir el entorno (tanto bosques, lagos y montañas como metrópolis), la existencia y el presente.En fotos y videos de sus performances, Kimsooja suele aparecer de espaldas al observador, a bordo de un vehículo cargado de "bottaris"Nacida en 1957 en Daegu, Soo-ja Kim transformó su nombre en una sola palabra en 2003. En Acción 1: Un nombre de una sola palabra es un nombre de anarquista, la artista explicó en su página web que había modificado su nombre original para liberarse del significado implícito que tienen los nombres y apellidos en Corea del Sur. "Un nombre de una sola palabra niega la identidad de género, el estado civil, la identidad sociopolítica o cultural y geográfica, al no separar el apellido y el primer nombre", comunicó.Las siete obras exhibidas en la Sala 33, en el primer piso del MNBA, evidencian el motivo por el que se la conoce como la "artista del bottari", esto es, fardos o paquetes hechos con tradicionales telas de colores que usan las comunidades nómadas de Corea para transportar sus pertenencias. En el gran museo nacional hay fotografías de bottaris multicolores y, en algunas, se ve a Kimsooja sentada sobre ellos como si fueran parte del cuerpo en movimiento de un coqueto animal fabuloso. Se exhibe incluso un carro con bolsas de lavandería abarrotadas. "Cada uno de ellos es una versión condensada del mundo, de un modo singular, íntimo, encerrado o cubierto -más bien- por una manta que envuelve, protege y oculta", escribe la directora artística de Bienalsur, Diana Weschler, también al cuidado de los capítulos kimsoojianos. El misterio y el secreto, el dejar y no dejar ver, forman parte del método de la artista coreana, que aparece en sus imágenes vestida de ropas oscuras y de espaldas a la mirada del observador."Nómada", que forma parte de Bienalsur, se puede visitar hasta mediados de noviembreA Kimsooja también se la llama "mujer aguja", debido al título de una de sus videoperformances más célebres, Mujer aguja, de la que se puede ver una versión en el MNBA. En poco más de seis minutos, se puede contemplar a la artista de espaldas en medio de tres multitudes en movimiento constante, en escenarios urbanos. El título de la obra parece aludir tanto al significado metafórico de la aguja como instrumento de creación y reparación como a la dificultad de localizar una aguja perdida en el "pajar" de las grandes ciudades. Para este proyecto, del que en el MNBA se ve presenta un video en tres escenas, Kimsooja se filmó -inmóvil e imperturbable ante las miradas de los transeúntes- en calles de México, Tokio, Londres, París, Nueva York y Shanghái, entre otras ciudades que atravesaban conflictos que merecían ser remendados con una buena costura. Tal vez Kimsooja, si pudiera ubicarse de cara a la Casa Rosada, podría darle unas puntadas al Gobierno argentino, "descosido" el mismo día de la inauguración de Nómada, el miércoles pasado.Kimsooja nació Daegu, Corea del Sur, en 1957 (Bryan Thatcher/)Según describió Wechsler, la producción de la artista se vincula con "el encuentro con la dimensión humana y el poder coser territorios, recuperando una práctica del ámbito doméstico femenino". Las costuras de Kimsooja, a tono con la propuesta de la bienal nacida en el extremo sur de América, recuperan y unen diversos horizontes culturales.En Nómada, de manera acotada y conceptual, se condensan las prácticas de la artista: performance, video, fotografía e instalaciones de sitio específico con textiles, luces y sonido, como la colorida alfombra enrollada que luce en la sala del MNBA. Kimsooja expuso en centros de arte internacionales como el MoMA PS1, el Museo Reina Sofía, el Centro Pompidou Metz y el Guggenheim de Bilbao, entre otros, y participó de las bienales de Venecia y San Pablo. Nómada en el hemisferio norte, Kimsooja vive y trabaja en Seúl, Nueva York y París.Para agendarNómada se puede visitar con entrada gratuita hasta el 21de noviembre en el Museo Nacional de Bellas Artes, Av. del Libertador 1473, de jueves a domingo, de 11 a 18, solo con turno previo gestionado en este enlace.

Fuente: Clarín
15/09/2021 20:35

El libertario, artista

Fuente: La Nación
15/09/2021 16:00

Líder indígena chilena, artista cubano y activista mexicana en lista de 100 más influyentes de time

15 sep (Reuters) - Una mujer mapuche que lidera la convención que redactará una nueva Constitución en Chile, un artista cubano opositor al gobierno y una activista mexicana que impulsó la creación de una ley contra el acoso digital aparecieron el miércoles en la lista anual de 100 personas más influyentes de la revista Time.En la lista están también figuras mundiales como el príncipe británico Harry y su esposa Meghan, que aparecen en la portada del especial de Time, las cantantes Billie Eilish y Britney Spears, la gimnasta olímpica Simone Biles y figuras políticas como el presidente de Estados Unidos, Joe Biden.La presidenta de la Convención Constitucional en Chile, Elisa Loncón, el encarcelado disidente cubano Luis Manuel Otero Alcántara y la mexicana Olimpia Coral Melo destacan en una lista en la que esta vez hay 54 mujeres.El editor en jefe Time, Edward Felsenthal, dijo que la lista incluye "líderes extraordinarios de todo el mundo que han trabajado para construir un futuro mejor en un año de crisis".La portada muestra a Enrique y Meghan vestidos de manera informal con un fondo de árboles.El número especial de Time sale a la venta el viernes.)

Fuente: Página 12
14/09/2021 00:01

Alrededor de un gran artista "inexistente"

Ramón Gómez Cornet (Santiago del Estero, 1898 - Buenos Aires, 1964) fue un artista representatico de la vanguardia local, que destruyó la mayor parte de su obra.

Fuente: La Nación
13/09/2021 09:00

Esta artista rusa crea increíbles piezas realistas de comida o flores hechas con jabón

MADRID, 13 sep. (EDIZIONES)La glicerina, los aceites y los tintes no son un secreto para esta artista rusa de 27 años. La jabonera Margarita Dashkevich es experta en el diseño y elaboración de piezas de jabón dotadas con tal cantidad de detalles y realismo que son incapaces de dejar indiferente a nadie.Desde ramos de flores hasta tarros de encurtidos o cajas rellenas de dulces y chocolates, Dashkevich, elabora a mano todas estas piezas de jabón casero en su taller de San Petesburgo, Rusia.La joven comenzó su pasión por la fabricación de jabones hace tres años y ahora lo hace como un trabajo a tiempo completo.https://www.youtube.com/watch?v=fL-jf1R_TPwEn este vídeo, la artista muestra todo el proceso de elaboración de los jabones: desde la coloración del jabón antes de ponerlo en los moldes (moldes que ella misma fabrica en su casa), hasta la construcción de su composición final.

Fuente: La Nación
11/09/2021 01:36

Bruce lee, pero también escribe: los textos reunidos del artista marcial

"Se tarda toda una vida en llegar a conocerte a ti mismo": en su caso, apenas 32 años. Cultor de la forma física y la gimnasia mental, Bruce Lee dejó la frase para la posteridad, y si las películas lo confirmaron como el máximo artista marcial de la historia, la publicación de sus escritos esenciales lo revelará en su esencia: un filósofo. El libro Bruce Lee, un artista de la vida, que acaba de salir acá, reúne sus textos sobre el kung-fu, la filosofía, la psicología, la poesía, la actuación y el desarrollo personal, toda una literatura forjada a partir de su obsesión por la lectura: puros yin y yang.En una entrevista, Lee dijo: "Mi vida me parece una vida de autoexamen, un ir retirando capas de mi ser, poco a poco, día a día". Según su biógrafo John Little, que editó cientos de cartas y anotaciones para dar forma a este libro, "donde más se aprecia esto es en los textos de Lee: no importa qué tema aborde, desde la cultura marcial china hasta su poesía sincera, nos encontramos ante un 'hombre auténtico' que nos desnuda su alma". Nacido en San Francisco pero de origen hongkonés, Lee fue un icono de la cultura pop universal porque además de atleta y actor se propuso como un ejemplo de completitud humana. En el libro, su esposa Linda compara: "Así como Miguel Angel tomó un bloque de mármol y, retirando todo lo que sobraba, hizo salir de su interior el David, Bruce retiraba las capas interiores de su alma para manifestar su verdadero ser al mundo". La escultura de Miguel Angel y el cuerpo de Lee tenían en común la perfección de la forma física pero el actor renegaba del gimnasio y nutría el lomo con otra proteína: la lectura de los clásicos, desde Lao Tse hasta Krishnamurti, haciendo escala en los autores de autoayuda más populares de su época. Y como no existían las computadoras ni los escáneres, anotaba en libretas, a veces copiando literalmente, todo aquello que leía en libros de filosofía o sobrecitos de azúcar: esos textos ahora se reúnen en Bruce Lee, un artista de la vida, con el espíritu inspirador de la epifanía y la forma esperpéntica del pastiche.Los dilemas del ego o los problemas de cadera derivados de una patada mal dada: ningún tema de lo humano le es ajeno. Con la prosa de un sabio, sobrevuela alrededor de las grandes cuestiones con la agilidad de un avispón verde ("ojalá pudiera ser yo un colibrí y volar veloz a tu lado", dice). Este libro es la búsqueda de una verdad universal, modelada en ideas múltiples y develada en una feliz revelación: Bruce lee, pero también escribe.Listamanía: cinco disciplinas cultivadas por Bruce LeeKung-Fu. Bruce Lee regresó de Hong Kong a EE.UU. a los 18 años con la idea de instalar el arte marcial chino y se convirtió en un furor.Filosofía. Licenciado en la Universidad de Washington, se especializó en la obra de Platón, David Hume, René Descartes y Tomás de Aquino.Psicología. Estudió y transcribió literalmente los textos canónicos de Carl Jung, Carl Rogers y Fritz Perls, el creador de la terapia gestáltica.Poesía. Tradujo numerosas poesías chinas al inglés y en los ratos libres de las filmaciones escribía poemas que, según los críticos, son oscuros.Jeet Kune Do. Su propia arte marcial, en la que combinó el ejercicio físico con la actividad mental: "Es el arte del alma en paz", definió.

Fuente: La Nación
10/09/2021 08:36

Picasso, el artista del año

UNA vez más, el malagueño ocupó el puesto más alto en las preferencias de los compradores planetarios. La enorme difusión de la obra y la vida misma del artista -que fue una combinación de pasión, vitalidad y excesos- lo ubicaron a la cabeza del ranking de los más caros.Los retratos de Maya y de Dora Maar, vendidos el último noviembre en la increíble suma de 100 millones de dólares, elevaron la temperatura del mercado de arte, que había entrado en una pausa recesiva luego de la sucesión de formidables precios de los años ochenta que culminó con los récords de Van Gogh ("Retrato del Doctor Gachet", 82,5 millones de dólares) y Renoir ("El Moulin de la Galette", 78 millones de dólares).El último capítulo consagratorio en la historia del español ha sido la venta de los cuadros de la colección Versace. Veinte trabajos sobre papel, seleccionados por el diseñador italiano, dueño de un exquisito gusto en materia de pintura.Versace siempre se sintió atraído por la obra de Picasso, en particular, y por el arte en general. Era amigo de Schanabel belle, de Warhol y de Lichtenstein. Con razón, si se analiza la colección Picasso, Schnabel escribió de él que era un coleccionista de amores totales. Jamás compraba una sola obra de un artista: seguía su producción hasta trazar una historia. En el caso de Picasso, compró los dibujos, obras del período azul y rosa, y tres retratos entrañables: los de Maya, Claude y Paloma. Los grandes amores del español.En la foto que ilustra este comentario, el artista camina con sus hijos Claude y Paloma por las playas del golfo de San Juan, en el sur de Francia. Robusto y bronceado, se lo ve feliz en familia. Curiosamente, ésa es la imagen que enamoró a Versace: el Picasso padre en los tiempos felices de una familia tan tormentosa.Tormentosa como la vida de Gianni Versace, el hombre que hizo de la moda un imperio, al que dominó de manera estelar hasta su trágica muerte en la puerta de su propiedad de la Florida. El retrato de Paloma, tratado a la manera cubista en tonos azules, tenía un precio estimado de 990.000 dólares y se vendió en 1,5 millón. Una vez más, los optimistas se quedaron cortos.

Fuente: La Nación
08/09/2021 11:36

Un artista del cuerpo

Uno nunca termina de saber si quien se dedica a contorsionarse lo hace para meterse dentro de sí o para salirse del mundo. No queda claro. Cuesta aceptar que lo que hacen es real, y ante cada nuevo y más extraordinario nudo del artista abrimos más la boca, en éxtasis, y se nos suspende el juicio, como a un niño. Es que, a pocos metros si es un circo o una plaza, un animal de nuestra misma especie nos demuestra que ser vertebrados no es fatal y que un humano, si se pone, puede envolverse como serpiente o achicarse como un bicho bolita. Que de iniciarnos en la práctica de muy chicos y perseverar media hora diaria, llegará un momento en que nuestro cuerpo se nos convertirá en el juguete más a mano, divertido y gratuito del mundo.Así empezó el contorsionista argentino Hugo Zamoratte, a quien vemos aquí, no sin que nos embargue un pico de angustia, introducido en un recipiente durante una demostración que acaba de realizar para la prensa alemana en el teatro de vodevil Wintergarten de Berlín. Junto con otros 14 artistas del cuerpo, Hugo participa de un espectáculo que tiene por lema La magia de Oriente. Cada uno probando los límites de músculos y huesos hasta los bordes mismos de la incredulidad total y sin que, cumplido el ejercicio, queden por el suelo, húmeros y tibias quebradas, y músculos rebotando en desuso. Lo cierto es que tras posar apretadito al máximo, como pudo fotografiarlo Rainer Jensen de la agencia EFE, el sorprendente Hugo se desató y desenvolvió su cuerpo hasta alcanzar su tamaño normal y, pese a eso, argentino, que, sobran pruebas, en muchos casos destaca por su tendencia a desarrollarse fuera de los límites del sentido común y su pasión por no abordar las cosas como son, sino rizando el rizo hasta desdibujarlas por completo.Créase o no, el verbo contorsionar, que tanto se practica en discursos parlamentarios y en actos de gobierno, dejó de ser esa rareza que nos sorprendió en la infancia junto con el hombre tragasables y la mujer barbuda. La práctica tomó gran impulso gracias a la divulgación alcanzada por Internet. De pronto, hombres y mujeres de goma del mundo supieron que no eran unos pocos sino miles, y así amateurs y profesionales formalizaron la ICC, siglas británicas de la Convención Internacional de Contorsionismo, que celebró su primera reunión en 1998 en Las Vegas y la cuarta en estos días, en Berlín. Lo que en Occidente en pocos años se organizó como institución mundial lleva siglos de práctica normal en Oriente. Todo aquel que practica ejercicios de yoga es un contorsionista in progress. Y quien pudo visitar la India recordará que en sus calles es común asistir a la presencia de un hombre con taparrabos en cuclillas que se sostiene sólo por un pie en tanto su otra pierna rodea su cuello como si fuera una bufanda.El caso de nuestro connacional suma un retorcimiento propio de nuestra época. Su número pertenece a la categoría llamada box-act o acto de la caja, que se considera de los más bellos y a la vez más peligrosos de los que ejecuta un artista del cuerpo. El material transparente es de metacrilato y su dimensión, de menos de un metro por lado. Este ejercicio de máxima reducción corpórea suele hacerse también dentro de maletas o baúles, aunque no faltan aquellos que le dan a la profesión un toque posmo o tecno y se meten en una heladera o un friegaplatos. El récord Guinness de permanencia en el interior de un recipiente cúbico parecido es del trío Leslie Tipton, Bonnie Morgan y Daniel Browning, que resistieron conjuntados allí la friolera de 2 minutos y medio. Hugo se internó en tubo de igual riesgo. Y solo, pues por algo es argentino. Por eso no está de más prevenir, no sea que en el país haya quien quiera imitarlo. No basta mantener la posición fetal para caber enteros en donde a uno se le ocurra. Eso sólo sucedió una vez en nuestra vida. Y por no más de nueve meses. Ojo.www.peicovich.com

Fuente: Ámbito
06/09/2021 11:56

Detectan una figura oculta en un cuadro del artista holandés Vermeer que fue misteriosamente tapada

La obra "Joven leyendo una carta frente a la ventana abierta" reaparece ahora en la sociedad después de un largo proceso de estudio y restauración.

Fuente: Clarín
06/09/2021 07:00

Roberto Goyeneche, el carisma de un artista genial y único

De sus comienzos como chofer de colectivo a su consagración.

Fuente: La Nación
06/09/2021 00:18

Milo Lockett: un volcán en erupción hecho artista

La galería estaba abierta, era martes a la tarde, entraba y salía gente. Él saludaba amablemente a todos, no eludía ni miradas, ni preguntas. Tampoco a mí, que sin conocerme me recibió con extrema amabilidad.Me asombraba su habilidad, su destreza. Como si tuviese ocho brazos contestaba el teléfono, negociaba con Viviana Waizmann, que apilaba obras para su galería de Nueva York, posaba u hablaba conmigo y sacaba un cigarrillo para de inmediato salir a fumar. Es una máquina, un volcán en erupción hecho artista."Yo arranqué tarde -me dijo, mientras preparaba una tela de dos por uno y pico-. Yo era industrial, tenía una fábrica, siempre quise ser industrial, quería fabricar cualquier cosa: escobas, cocinas, cualquier cosa."Y lo lograste, sos una fábrica de obras de arte. Tiene y produce tanto que ni un beduino más avezado de Marrakech con sus miles de alfombras se le compara. No para: pinta, habla, bebe, fuma y enseguida, casi sin pensar, termina otra de sus obras.Asombroso, además es buen tipo, cálido y buen anfitrión. No quiere que me vaya, yo tampoco pienso en el tiempo. Milo, me voyâ?¦ es retarde, tengo que ir al diario...Che, veámonos, venite y hacemos algoâ?¦ Abrazo, palmada doble, saludos a Chani...Chau máquina...Fernando GutierrezCon Fer EntínFernando GutierrezEn su galeríaFernando GutierrezPresentanto su último libro infantilFernando GutierrezCon Enriqueta, su asistente

Fuente: La Nación
04/09/2021 00:18

Amy Winehouse. Los mejores retratos para iluminar la imagen trágica de una artista

"Me parece apresurado. No creo que ella haya descansado lo suficiente aún", respondió Phil Griffin (58), cuando le propusieron hacer algo por los diez años de la muerte de Amy Winehouse, que se cumplieron en julio pasado. Luego, la gente de la galería londinense Brownsword Hepworth, donde este fotógrafo y realizador ya había expuesto sus retratos de celebridades, le preguntó: "¿qué haría si por fin se decidiera?". Él contestó: "La traería a la luz, colorida".A 10 años de la muerte de Amy Winehouse, la última y más triste incorporación al fatídico "club de los 27â?³Al revisar las fotos en blanco y negro que había tomado durante el rodaje del álbum Back to Black, en 2006, Griffin comenzó "a jugar, a extraer el espíritu" de la cantante en las imágenes, y las repintó digitalmente. Así nació Amy in the Light, una muestra con 16 retratos, algunos inéditos, que se exhiben hasta mediados de septiembre, en la exclusiva zona de Knightsbridge, cerca de Hyde Park. El título de la exposición se relaciona con dejar atrás la estampa trágica de Winehouse -considerada una estrella tan rutilante como Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, si bien ella trascendió las fronteras del jazz con sus composiciones, y podía cantar casi cualquier cosa, al igual que otra de sus divas favoritas, Dinah Washington- y mirarla con ojos más animados. "Tiene que ver con eso, aunque para mí Amy nunca fue una figura trágica, sino una figura bella y alegre que experimentó la tragedia", dice Griffin por Zoom a LA NACION revista desde la capital inglesa. "Creo que la narrativa sobre ella es trágica, pero Amy no lo era: era divertida, pícara, poderosa. Era 'una mujer en un mundo de hombres', en la industria de la música. Ella sabía lo que quería y cómo conseguirlo. Estaba a cargo de su propia vida. Y lo que ocurrió después, con sus adicciones y sus relaciones fallidas, fueron cosas que le pasaron. Con Amy in the Light, además de devolverla a la luz, quise acercar al público esa Amy que yo conocí: una criatura viva, clara, algo así como un ángel".Además de ser fotógrafo y cineasta, Griffin dirige transmisiones de shows, como el Amex Live Concert, para 10 millones de personas (phil Griffin/)Griffin, un bailarín y coreógrafo formado en la compañía Ballet Rambert, que con el tiempo se haría cargo de la creatividad del sello Universal MCA, y de la producción artística y las presentaciones televisivas de personalidades como Mariah Carey, Destiny's Child y Bobby Brown, conoció a Amy Winehouse una tarde. "Yo estaba con su mejor amigo, Tyler James. Tomamos un descanso del trabajo y fuimos a caminar por el Soho. Amy estaba afuera de un bar y le silbó a James. Nos sentamos y comenzamos a hablar", recuerda Griffin. En un momento, Winehouse le preguntó qué pensaba de Frank (2003), su disco debut. "Yo le dije que estaba bien, pero que no me mataba. Ella se ofendió y me retrucó: 'Esperá a escuchar mi próximo álbum'". Poco después le mandó material. "Le comenté que me parecía increíble. Y ella me dijo 'ah, sí, pero ya no vale, porque me dijiste que yo no era lo suficientemente cool'", cuenta Griffin.Entonces, a él le gustaba Beethoven, porque venía de la danza clásica, aunque había dirigido videos de Diana Ross, y sentía afición por otros artistas de la era Motown y por el blues. "Para mí tiene menos que ver con la música y más con las coreografías y la parte visual. Amy escapaba a mis gustos, pero cuando escuché el álbum Rehab me pareció la mezcla perfecta de pop y jazz. Su voz siempre estuvo allí, por supuesto".Según dice Griffin -quien también trabajó con Prince, Eros Ramazzotti y Backstreet Boys, y rodó cortometrajes de Adele y Rihanna, así como largos sobre Britney Spears y John Bon Jovi-, a él no le impresiona tanto el trabajo de alguien, como el ser humano que hay detrás. "Me daba mucha curiosidad Amy. Desde que la conocí, ella tenía una energía que no he visto en nadie más. Me enamoré de ella y, después, de su música".Amy in the Light incluye retratos inéditos e intervenciones de Phil sobre sus propias imágenes (phil Griffin/)Sus colaboraciones comenzaron con los videos del aclamado disco Back to Black, que en 2008 le reportó cinco premios Grammy, incluido Mejor Álbum del Año (ella no asistió a la ceremonia, ya que en EE.UU. le fue denegada la visa), y terminaron con la muerte de ella. "Yo le ayudé con elementos visuales para sus tours y para sus conciertos. Hicimos cosas juntos para Prince también".Amy Winehouse, una vida atormentada y la persona que busca mostrar su mundo más íntimoBack to Black, el segundo álbum de Winehouse, que contó con la participación del productor Mark Ronson y la lanzaría a la fama mundial con temas como "Rehab" -nominado a Mejor Video MTV, y galardonado con un Grammy a Mejor Canción del Año y un Ivor Novello por Mejor Canción Contemporánea- y "You know I'm No Good", estaba inspirado en su ruptura con Blake Fielder-Civil, con quien retomaría su relación y se casaría. Antes de hacer las paces con él -un personaje voluble y con arrastre, que la introduciría en las drogas duras-, Amy señaló al diario The Sun, que Back to Black se trataba de cuando "has terminado con alguien y regresás a aquello a lo que estás acostumbrado. Mi ex volvió con su novia y yo volví a beber a y a los tiempos oscuros". Ya reconciliada, le dijo a la revista Rolling Stone que el proceso de creación había sido "muy catártico, porque yo me sentía muy mal por la forma en que nos habíamos tratado. Pensé que nunca más volveríamos a vernos. Él se ríe de eso, tipo '¿Qué querés decir con que no volveríamos a vernos. Nos amamos. Siempre lo hemos hecho'. Pero para mí no es gracioso. Quería morir".Sir Paul, entre las figuras que lo eligieron (phil Griffin/)La placa incluía la canción homónima cuyo clip, que establecía un paralelo entre la muerte de una criatura y la de una relación amorosa, tuvo una buena repercusión. "El video fue muy simple. El guion tenía una sola línea: 'Amy entierra su corazón'. Y eso hicimos. Ella tenía el corazón roto. Y no podía encontrar amor, un amor estable, y de eso se trata la canción. Decidimos con ella que la procesión funeraria representara la imposibilidad de encontrar el amante correcto", rememora Griffin. "Con las fotos, fue bastante azaroso todo. Algunas imágenes fueron espontáneas. Otras las hice entre las tomas de los videos 'You Know I'm No Good' y 'Rehab'".¿Y cómo te enteraste de su muerte? "Estaba en una clase de yoga y un amigo me llamó y me dijo: 'Tenés que ir donde Amy, porque hay una ambulancia ahí'". Fui directo a su casa, y así fue... Pero prefiero recordar a Amy cuando estaba viva. Para mí, ella está en mi corazón y en el trabajo". Tras el deceso de Amy, Griffin hizo un alto. Se fue a Bélgica, donde trabajó con una compañía de danza a la que también fotografió. "Durante el luto volví a ver la belleza del baile, que a ella tanto le gustaba. En una de las fotos que tomé, hay un bailarín con un escudo y la luz crea una serie de reflejos... Allá, con Demian Hirst y Tracy Emin, montamos una exposición en un castillo. Eso me dio una idea, la de 'Los caballeros de la noche'. Y puse cuatro caballeros en la esquinas de mi exposición Amy in the Light. Fue una forma de declarar que la estoy cuidando, en lugar de sacar ventaja. Los caballeros están ahí para protegerla", relata.El príncipe Guillermo y Taylor Swift, el día que cantaron juntos (phil Griffin/)La mejor voz, mucha verdadHija de un taxista y una farmacéutica, Amy Jade Winehouse nació en 1983, en Southgate, un área en el norte de Londres. Se crió rodeada de músicos de jazz, por línea materna. Además de escuchar a cantantes como Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, tomó contacto temprano con el R&B y el hip-hop, y hasta fundó un grupo de rap, Sweet and Sour, con solo diez años. Más tarde sería parte de la National Youth Jazz Orchestra (NYJO), donde hoy reconocen que "ella tenía la mejor voz" de las jóvenes que han pasado por ahí.Aunque adoraba cantar, Winehouse nunca pensó que eso se convertiría en una carrera, tampoco soñaba con la fama. Cuando tenía 12 la aceptaron en la prestigiosa Sylvia Young Theatre School, pero a los 16 fue expulsada por indisciplina y por perforarse la nariz. Fue entonces que su compañero y amigo Tyler James, que era cantante de pop, le dio una demo a su sello, donde buscaban una vocalista de jazz. Y así, de la mano de Simon Fuller, que había lanzado a las Spice Girls, comenzó su camino musical en serio.El resto es más o menos conocido, sobre todo, por el documental Amy (2015), de Asif Kapadia, que da cuenta de la agitada vida personal y la tortuosa relación con la fama que debió enfrentar la artista británica, hasta su muerte, a los 27 años. Por lo visto, así como cantar era para ella algo natural, divino; la exposición mediática y su tendencia autodestructiva -que ahogaba en alcohol-, la condujeron a un despeñadero del que no pudo escapar.Para Griffin, la película de Kapadia -galardonada con el Oscar a Mejor documental- "es un trabajo bien hecho y él es un realizador inteligente, pero creo que fue demasiado pronto. Me pidieron que me involucrara, pero no estaba listo para hacer algo así. Yo, que hecho documentales de Britney y Rihanna, creo que el director cuenta la historia que podía contar, pero está muy enfocada en la oscuridad. Y Amy era un personaje claro, no oscuro. Y es eso lo que a mí, personalmente, me gustaría celebrar".A Bon Jovi lo registró para un documental de 2009 (phil Griffin/)Mitch, padre de Amy, y su marido, Blake, salen muy mal parados: uno como un explotador de su imagen y el otro como otra especie de vampiro. Griffin, que fue amigo de ella, tiene su propia opinión. "Creo que la relación entre dos personas es muy específica, y la verdad de esa relación solo les pertenece a los involucrados. Su padre y Blake -que fue mi asistente por un tiempo-, eran blancos fáciles", afirma. "Y de nuevo, porque el film se hizo tan rápido, luego de que ella murió, es muy fácil buscar culpas. Pero yo pertenezco a una familia donde la adicción ha sido un problema, y sé que la adicción no tiene culpa aparte de sí misma. No creo que pueda juzgar a nadie. Sé que su padre amaba a Amy y la ama todavía. Sé que Blake la amaba. Hay cosas que se interponen en el camino, y ya sean drogas, dinero o éxito, las relaciones se pueden contaminar fácilmente. Si hacés algo apresurado, podés obtener solo una parte de la historia... El trabajo del realizador es tratar de encontrar la verdad. Y a menos que la gente hable, es difícil hallarla. En casos como este, la gente puede hablar, pero aún está viviendo el duelo".Griffin dice que lo que hacía diferente a Amy de otros artistas era su coraje. "Sus canciones estaban unidas a ella emocionalmente. Si ponés toda la oscuridad y la claridad ahí, si cantás cada día en un escenario, eso puede ser doloroso. Ella era capaz de tomar su singularidad y mostrarle al mundo lo que tenía en su corazón. No tenía miedo de mostrar la verdad de su vida".Amy Winehouse: de la destructiva relación con Blake Fielder-Civil a sus reveladoras últimas palabrasFue gracias a Amy, que puso una máquina fotográfica en sus manos, porque no estaba de humor para que la retratara un fotógrafo que había enviado su sello discográfico, que Griffin comenzó a hacer retratos. "Me gusta decir que una buena foto no se toma, se da. Y Amy me dio su imagen para protegerla. Luego se me acercó gente y me dijo: 'sé cuán verdadero es tu trabajo. Realmente veo a Amy en tus fotos. ¿Me harías fotos a mí?'" Primero lo llamó Annie Lennox, después, Paul McCartney. Y así fue tomando cuerpo esa faceta. "Lo que más me gusta es trabajar con gente dispuesta a compartir su verdad. Generar una conversación, ya sea a través de una foto, un documental, un video o un libro, como el que hice sobre Jon Bon Jovi (When We Were Beautiful), que es un gran amigo y ser humano. Tomar fotos es como compartir", indica.Asimismo, Griffin disfruta de sondear los comportamientos. Por ejemplo, hace dos años hizo un film llamdo Will (voluntad) sobre un corredor cuya madre había muerto de un cáncer. "Él corría desde la casa materna hasta el hospital. Y luego, de vuelta. La distancia eran dos maratones, que le daban espacio para su duelo". A ese proyecto le siguió una exploración sobre "la forma en que usamos el cuerpo para expresarnos". Y para ello, filmó al bailarín ruso-estadounidense Mikhail Baryshnikov. Ahora planea grabar los testimonios de otros bailarines sobre sus experiencias de soledad y aislamiento durante la pandemia. También está trabajando en "Geografía", una idea que no se refiere a los lugares, sino al "ambiente", a la gente de la cual una persona se rodea, probablemente inspirado en talentos únicos, aunque vulnerables, como lo fue Amy. Una estrella que, gracias a su exposición, vuelve a brillar.

Fuente: La Nación
04/09/2021 00:18

Carolina Antoniadis. La artista que homenajeó a Piazzolla y a las mujeres ícono, y que encontró la salvación en la pintura

Un pincel cargado de pintura se hunde en el trazo. El dorado está fresco, brilla sobre los colores opacos. "Esto no me gusta, entonces lo voy a tapar", dice la artista en un susurro, y al instante -como hablándose a sí misma-, suelta: "Hay una parte que es improvisación". Y sigue, pincel en mano, sentada en una silla frente al lienzo ancho sobre el que podrían caber, también sentadas, una al lado de otra, cinco o seis personas más. Pero Carolina Antoniadis está sola. "Un tamaño grande implica que se tiene que ganar la pintura", asegura. Ganar, en el sentido guerrero del término, en lo que define "como una lucha cuerpo a cuerpo". Lo asegura la mujer de pelo corto, perfectamente blanco, con un flequillo que cae exacto sobre las cejas. Se considera muy visual. "Me pasa todo el tiempo eso de querer optimizar. Mi mamá decía que la belleza era la máxima que uno podía obtener. Por ejemplo, hay un día en que una mujer está más hermosa que nunca. Eso". Entonces, el uno a uno con la pintura llega a la superficie transformado en sutilezas: lo propio en esta artista rosarina que trabaja, además, lo textil, la cerámica, el ornamento. "Todo lo que a mí me atraviesa es la superficie, porque la ornamentación está en la superficie. Pero la sumatoria de esas superficies hacen algo profundo". Por estos días, algunas de sus obras forman parte de Piazzolla 100, la muestra de las que participan muchos artistas y que, a propósito del centenario del nacimiento del músico, se exhiben hasta fin de año en el CCK. A la par, en la Quinta Trabucco, otra muestra suya, Rapport, con dibujos, objetos, fotografías y pinturas.Astor Piazzolla centenario: el gran bandoneonista fue recordado con dos excelentes conciertos y una muestra inmersivaAntoniadis nació en 1961. A los cuatro, cinco años, sus padres vinieron a vivir a Buenos Aires. No recuerda, exacto, el tiempo, como tampoco a su abuelo griego que fue pintor y murió cuando ella tenía esa edad. Sí se acuerda que para la casa nueva mantuvieron la cercanía con el agua y se instalaron en La Lucila. Por eso ella, después de la escuela, iba por las tardes a dibujar al borde del río. Una escena de esa primera infancia, de no querer ir a la escuela, por "lo bien que la pasaba en mi casa". En sus cerámicas hay un trabajo sobre figuras de los años 20 o de otras épocas. En los textiles anidan algo de esas siluetas femeninas que le dibujaba su madre. Una forma de recuperación de la historia. O de seguir contándola, por ejemplo, en los hombres o mujeres que pinta en los platos, porque se imagina que los comensales armarán una historia a partir de esas figuras. Estudió en la Prilidiano Pueyrredón. La primera muestra fue en 1987, luego de un seminario con Luis Felipe Noé. Los años trajeron las bienales, los premios. En paralelo a la pintura, dio clases en primarios, secundarios, en la UBA y en la Pueyrredón. Docencia y arte para caminar la vida.Para ella, sumarse a la muestra Piazzolla 100, actualmente en el CCK, fue un desafío inesperadoTu trabajo sobre Piazzolla está hecho en cubos, muy escénico, ¿por qué lo pensaste así?Fui convocada a la muestra. Era difícil conciliar la música con mi lenguaje, tuve que hacer todo un trabajo interno. Me costó muchísimo encontrar la voz, por dónde ir. Además de su vida, me tocó un corte: los años 60 y su carrera. Investigué mucho. Lo de las cajas tiene que ver con una muestra que estoy exponiendo en la Quinta Trabucco. Son como fotos de unas maquetas que yo había hecho para un stand de muebles. Me encantó eso de hacer la maqueta y fotografiarla: es como espiar. Vi una muestra hace unos años en Europa, Dioramas, que es cuando los museos de ciencias naturales recrean una escena. Por ejemplo, hay una llama y hacen toda la escenografía para mostrarla. Me enganché por ese lado: recrear al músico como compositor, en el escenario, en la intimidad. Hay un tema que es "Verano porteño". Otro, "Balada para un loco", con Amelita Baltar, como si fuera el escenario donde se estrenó. Hay dos cosas que atraviesan mi trabajo, el leitmotiv: la ornamentación. Siempre me interesó la relación entre el diseño y el arte, la articulación de esos dos mundos. Ahí pude enganchar lo ornamental como la parte del mural, que cuando pensé en los 60 me vino el plástico naranja, color emblemático de la década. Con las telas, hice una recreación como un estampado Pucci. Esa fue la resolución. Era difícil para mí conjugar las dos cosas. Mi trabajo está muy atravesado por lo femenino y este era un músico hombre, tanguero.Arte 2021: los museos revalorizan las colecciones propias y se vuelven más flexiblesClaro, vos trabajás más el universo de lo femenino.Sí. Por eso, fue difícil. También tiene que ver por qué me convocaron. Yo había hecho una instalación en el Palais de Glace, un homenaje a las mujeres ícono de la historia. Me había tocado Regina Pacini de Alvear. Investigué sobre ella, conseguí a alguien fanático de la ópera, no hay casi registro de ella cantando. La idea de la maqueta surgió porque ella tenía como esta doble situación, que a muchas mujeres les ha pasado, ella como artista que se sacrificó por la época, por el matrimonio. Entonces, la maqueta era un teatro que giraba, de un lado era un escenario con una sola silla, con un solo espectador, que se supone que era él; se daba vuelta y era la escena del comedor, la casa. Eso estaba como en una caja de bombones, que tenía que ver con la época, art nouveau, y vos te asomabas y espiabas a través de un agujerito. Con Piazzolla, por el tema del Covid, tuvimos que adaptarlo y lo hicimos como unas ventanas ojo de buey."Era difícil conciliar la música con mi lenguaje", dice Antoniadis respecto de su participación en Piazzolla 100En tu obra hay una impronta fuerte de la historia, mirar hacia atrás, pero sin melancolía, ¿a qué lo atribuís?Esbozo una respuesta, no lo tengo tan claro. Siempre, de chica, mi abuela materna española, que vino a los 18 años, tenía algo muy español: la transmisión oral de las historias. A mí me fascinaba escucharla. El desarraigo me quedó como muy impregnado de esa tristeza. De hecho en mi familia hay mucha historia del desarraigo. Mi tía se fue a Estados Unidos. Mi único hermano vive en Francia. Mis padres murieron cuando yo era relativamente joven: a los 35 años no tenía más padres. Entonces me aferré mucho a los objetos. De hecho fui la depositaria de toda la historia familiar. Creo que es eso. También esto de haber perdido a los padres, es como una manera de tenerlos cerca. A los 30 años estás en otra. Pero después cuando empezás a entrar más en los 50, 60, te empezás a hacer preguntas. Y ya no tengo a quién preguntarle. Me genera una curiosidad constante ir hacia atrás. El pasado, hacerlo presente. Como de recuperar algo que está tirado, que nadie lo quiere. En un momento me había comprado unas muñequitas y las ponía más o menos bien. Les sacaba unas fotos y las volvía como a la vida.Ocupar los huecosEs de noche en una casa de familia. Los adultos conversan y mandan a la niña a dormir. Ella pide quedarse, quiere estar ahí, en la noche acolchada de voces. Algunos años después, la casa se vaciará. A los 14 perderá al padre, a los 35 a la madre, tía y hermano fuera del país. A pesar de eso, dice: "Nunca me gusta mostrar que estoy mal". Pero señala la muerte de su madre con un punto de inflexión. "Atravesarlo fue algo muy duro. Me quedé sola en Buenos Aires a los 35 años. Tampoco tenía pareja. Sola, sola. Me salvó el trabajo. Y pintar, mi columna vertebral siempre fue esa". Y pinta todo. Si escribe "es de punta a punta". Le gusta llenar las paredes, las telas. Del vacío, pasa. El color que más la distingue es el dorado, un cubritivo valor gramo oro. Ella lo llama el color que dándole una vuelta "es una transformación".Su exhibición en Quinta Trabucco, con pinturas, dibujos, objetos y fotografía, "busca captar el mecanismo de un cierto código textil que atraviesa su obra, tanto desde el punto de vista de la iconografía, como en el modo en que ha pensado y realizado su obra a lo largo de los años".¿Cómo definirías tu obra?Eso de decir que es ornamento me parece que me define, de alguna manera. Sintetizado, sería como esa articulación entre el arte y el diseño. Pensar que antes se llamaban las bellas artes y las artes menores. Como si el diseño fuera arte menor. Yo, con esta idea de la transformación, a las artes menores, las voy a elevar. Me gusta eso como de algo que no vale nada; le hago algo, y de repente aparecen piezas como de un kitsch elegante, en términos de bellas artes. No es el kitsch solo, me gusta darle una vuelta más, no sé si mejor o peor, elevarlo a otra estética. Lo uso como materialidad. Lo decorativo para mí es una materia, donde yo trabajo con eso, no es que me interese lo decorativo como categoría, sino como materia para transformar en otra cosa.Trabajás también cerámica.Sí. Pero no soy ceramista. Eso lo aclaro. A mí no me interesa hacer la pieza. Por eso decía que a la memoria está a veces en el objeto. La cerámica para mí es un objeto que transformo. Yo las compro. Quiero tener esa pieza y después imprimirle historias, cosas. Esa pieza empieza a tener otro valor. Es un trabajo de superficie, todo lo que a mí me atraviesa es la superficie, porque la ornamentación está en la superficie. Pero la sumatoria de esas superficies a veces hace algo profundo. Eso es algo que yo intento en la pintura. La superficie es algo visible, pero cuando sumás muchas capas y tenés que atravesarlas, se transforma en algo profundo.¿Por qué tanto dorado?A veces las cosas son casuales y uno las adopta o no. Mi primer taller estaba arriba de una imprenta y una vez me regalaron una lata de una tinta dorada de impresión, terriblemente cubritiva, y que hace que parezca impreso. Los trabajos que están en el Trabucco parecen xerigrafías, pero es pintado con pincel. Empezó así, como una casualidad y el dorado después fue una constante. Me encanta. Y después, dándole como una vuelta al oro, es una transformación. Incluso en la porcelana uso oro de verdad, que viene en estados líquido. Cotiza en valor oro. Es como si fuera como un caramelo antes de cocinarlo. Cuando sale del horno, sale con brillo como de un espejo, maravilloso, ahí está la transformación. Es mágico.

Fuente: La Nación
03/09/2021 09:00

La obra pública, construcción de un artista nacional

â??â??â??â?? Autores: Ignacio Bartolone y Juan Laxagueborde. Intérpretes: Julián Cabrera, Franco Calluso. Participación: Alix Cobelo, Valeria López Muñoz. Diseño de movimientos: Florencia Vecino. Dirección: Ignacio Bartolone. Sala: Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Funciones: Lunes, a las 20.30.Si hay una idea compleja de abordar y más aun de representar es la de la identidad nacional. Y esto se vuelve todavía más extremo cuando, desprendida de ella, se pretende pensar la idea del "arte nacional". Sobre estas dos temáticas trabaja la nueva producción de Ignacio Bartolone, con un desparpajo que se vuelve desopilante para el espectador que tenga ganas de ingresar en esa zona por momentos paródica (de discursos nacionalistas y grandilocuentes) y en otros satírica de un modo de comportamiento físico y gestual de personajes que nos han acompañado a lo largo de nuestros procesos educativos.Hay una deixis, un modo de decir y de construir el lenguaje perfectamente reconocible para el espectador. Y no porque haga una reconstrucción mimética de esos géneros discursivos sino porque se apropia de determinadas marcas -lexicales, fonéticas, deícticas- y las lleva a un ridículo desbordante.Nada de todo esto hubiera sido posible de no contar con dos socios escénicos que, con diferentes talentos, pueden plasmar en la escena y en el cuerpo cada uno de esos rasgos textuales. Julián Cabrera encara la construcción de un artista "nacional" con una obra faraónica en mente y a la espera de un subsidio. Todas las marcas históricas -del discurso, del vestuario- contrastan fuertemente con el presente del diario íntimo -la excusa por medio del cual nos llega esa historia- en el que habla su autor y protagonista. Franco Calluso acompaña magistralmente con un trabajo sonoro-performático en vivo tan complejo como indispensable,

Fuente: Página 12
03/09/2021 00:01

La artista Alice Frey (1895 - 1981), ¿qué importa si era ciega?

Tierra de pájaros, bailarinas, niñxs, mujeres y novixs en la playa, cómo influyeron las pinturas de la expresionista belga Alice Frey en su época.

Fuente: La Nación
02/09/2021 20:36

Revelan que una obra de Paul Gauguin valuada en 15 millones de libras no sería del artista francés

Una obra de Paul Gauguin, valuada en 15 millones de libras esterlinas, que forma parte de la colección del Museo Nacional Británico de Arte Moderno (conocido comúnmente como la Tate Modern), podría no pertenecer al artista, según el Instituto Wildenstein Plattner de Nueva York. Así, la institución londinense ha resuelto mantener el cuadro "bajo revisión"."Tahitianos", que data de alrededor de 1891, es un cuadro inconcluso del artista que vivió muchos años en la Polinesia. Las dudas acerca de su autoría determinó su exclusión por parte del instituto neoyorquino, una fundación privada sin fines de lucro dedicada a la compilación de catálogos razonados que apoyan la investigación en la historia del arte.La obra está pintada en parte con óleo sobre papel, montado sobre lienzo. En la parte izquierda de la composición, un niño tahitiano y una sección del paisaje con palmeras y montañas están pintados al óleo de forma tosca. Tres mujeres se lucen en el interior de una cabaña, con sus contornos esbozados al carbón. La mujer del centro de la composición está dibujada con más firmeza en crayón azul.Una nueva encuesta proyecta una leve diferencia para el FdT en la provincia de Buenos AiresComo el cuadro está inacabado, le confiere una importancia especial: si es auténtico revelaría mucho sobre la técnica de Gauguin. La obra detallaría que empezaba con un boceto a carboncillo, afianzaba los contornos y luego pintaba al óleo. No obstante, si se trata de una falsificación, es un engaño.Las dudas sobre la autenticidad del cuadro fueron alertadas en 2020 por el historiador de arte francés Fabrice Fourmanoir, antiguo residente en la Polinesia, seguidor de Gauguin e investigador de la autenticidad de las obras del postimpresionista francés.Fourmanoir está convencido de que la obra de la Tate Modern es una falsificación. "Es una escena colonial estereotipada de Tahití, mientras que Gauguin buscaba composiciones más primitivas. Las poses, los vestidos e incluso el acordeón europeo que sostiene la mujer muestran a los tahitianos 'corrompidos' por las costumbres europeas", afirmó en declaraciones a The Art Newspaper.Según Fourmanoir, el cuadro que se exhibe en el museo británico fue pintado por Charles Alfred Le Moine, que vivió en la Polinesia desde 1902, un año antes de la muerte de Gauguin, hasta 1918, año de su propia muerte.Fourmanoir fue propietario de 15 obras de Le Moine, por lo que conoce bien su trabajo. "Las poses, el vestido y el hombre que lleva plátanos son muy típicos", dice."El hombre es homofóbico": no les quisieron alquilar un departamento por su orientación sexualEl historiador evaluó que alguien que venía de Francia a buscar cuadros poco después de la muerte de Gauguin encargó a Le Moine un pastiche, que luego fue vendido a la galería Druet, de París. Aquella primera propietaria registrada de la obra ofreció el cuadro en préstamo para la exposición postimpresionista, en diciembre de 1910.Entonces, el cuadro fue aceptado en el catálogo razonado de Wildenstein de 1964, aunque en ese momento se fechó en 1894, durante los dos años de regreso de Gauguin a Francia."La obra fue incluida por el Instituto Wildenstein en su catálogo razonado de Gauguin en 1964 y no se contactó con la Tate Modern antes de la publicación de la última edición", dijo un vocero del museo británico, quien agregó: "Reconocemos que en los últimos años se han llevado a cabo investigaciones sobre la obra de Gauguin, por lo que mantendremos la obra bajo revisión y una mente abierta a cualquier investigación que pueda ayudar a dar una nueva perspectiva a las obras conocidas".Con información de la agencia Télam

Fuente: Clarín
02/09/2021 17:12

Muebles en miniatura: el sorprendente artista que a los 75 años descubrió un talento único

Adolfo Sagardoyburu fabrica sus particulares artesanías en su casa de Remedios de Escalada, principalmente con madera de cedro y telas.

Fuente: La Nación
01/09/2021 16:18

Artista digital Yucef Merhi invita a abrirnos a la compasión

Las letras O P E N aparecen coloridas en cuatro monitores contiguos de TV, invitando a entrar a explorar lo que estuvo cerrado más de un año. La pieza da título a la nueva exposición del artista conceptual venezolano Yusef Merhi, "Open" (Abierto), que se inaugura el jueves en The Bonnier Gallery en Miami.Es una de 15 obras con las que Merhi, un pionero del arte digital recientemente seleccionado para una beca de investigación de MIT por dar nuevo uso a dispositivos y aparatos electrónicos considerados obsoletos, pretende llevar al espectador a la reflexión."La hice este año a la par de la conceptualización de la exposición y utilicé la palabra 'Open' porque es justamente lo que nos corresponde hacer en este momento. Es volver a abrirnos, es salir del encierro en el que estamos y que es no solamente físico sino también emocional", dijo Merhi a The Associated Press en una entrevista reciente vía Zoom desde Miami, donde reside.Las otras piezas incluyen desde una instalación sobre la compasión con televisores CRT y consolas de Atari, hasta un videojuego tragicómico, "Artificial Stupidity" (Estupidez Artificial) de 2019, en el que el presidente Nicolás Maduro debe capturar banderas venezolanas sólo para ver cómo se convierten en emojis de excrementos."Compassion", creada en 2020 en medio de la pandemia, encabeza la muestra."En ese año estuve reflexionando como muchas otras personas, haciendo mucho trabajo de introspección, y en una de esas meditaciones recibí esta frase: 'Compassion is the divine compass', 'la compasión es el compás divino'", dijo Merhi. "Para mí esa palabra ha sido de gran valía en mi vida porque fue lo que de alguna manera cambió mis hábitos y mis conductas inmediatamente frente a la alimentación y frente al trato con otros seres vivos", añadió el artista, quien es vegetariano.La instalación está constituida por cinco televisores transparentes que pertenecieron a presos en distintas cárceles de Estados Unidos y que Merhi adquirió mayormente en subastas. Cada monitor está conectado a un Atari, que al decir del artista también fue una hazaña conseguir, y para cada uno creó un cassette con una palabra de la frase elegida programada. Los aparatos están dispuestos en forma de T invertida, sobre escalones, y la lectura puede hacerse de manera lineal â?? Compassion is divine (la compasión es divina) â?? o total.Merhi recordó que la primera vez que experimentó la compasión de manera consciente fue en la ciudad de Mérida, en la región andina de Venezuela, donde vivió de 2008 a 2011. Sus "vecinos inmediatos" eran vacas, "seres hermosos, sagrados para muchas culturas", en los que reconoció identidad, memoria, temperamento... "Eran muy juguetonas, muy sensibles, muy sensoriales. Un día al verlas jugar sentí algo que no había sentido antes, como una ráfaga corporal total de amor", expresó. Y desde entonces no pudo comer más carne.Otra obra que también hace uso del lenguaje es "Sorry" (Perdón), un video generado por computadora en 2015 en el que se revela esa palabra a partir del movimiento orgánico de líneas que remiten a un petroglifo.Merhi explicó que quería abordar cómo la usamos esa palabra, desde dónde se manifiesta, cuál es la intención. "¿Es una intención orgánica... o es una palabra que repetimos como una muletilla, que no tiene ningún valor más allá de expresar una mediana empatía por el otro por algo que hicimos? Pero si se dice con una intención profunda, puede ser una palabra que te transforma, puede ser una palabra liberadora, puede ser una palabra incluso de conexión con el otro... Y yo creo que pedir perdón es fundamental en nuestro proceso de sanación", afirmó.Artista, poeta, programador e investigador académico, Merhi, de 44 años, tenía apenas 8 cuando le practicó ingeniería inversa a su Atari 2600 y lo convirtió en una computadora programable en Venezuela. Años después, en 1998, hackeó la cuenta de correo electrónico del presidente Hugo Chávez y la base de datos de CANTV, la principal proveedora de telefonía e internet del país, y a partir de los documentos y datos que consiguió â?? incluyendo emails enviados a Chávez por El Chacal y otras figuras públicas â?? creó instalaciones de carácter inmersivo en Los Ángeles, Nueva York y París, entre otras ciudades. Incluso la expuso en Caracas una vez, en la Fundación Sala Mendoza, de manera anónima. (Actualmente puede verse en Oolite Arts, en Miami Beach).La muestra en The Bonnier Gallery incluye el estudio de una instalación similar, "No Fly Security", compuesta por informes oficiales, testimonios y datos filtrados de la lista de prohibición de vuelos creada y mantenida por el Centro de Detección de Terroristas (TSC, por sus siglas en inglés) del gobierno estadounidense. La lista identifica a personas a las que se les prohíbe tomar aviones comerciales para entrar o salir del país. La obra, según el programa de la galería, pone en evidencia los errores cometidos inicialmente por la agencia, así como la lucha de muchas personas cuyas identidades fueron erróneamente incluidas allí."Hay documentos de personas que denuncian los abusos de los agentes en distintos puertos de Estados Unidos", dijo Merhi. "Es una manera de poner en evidencia los grandes errores del sistema, cómo se maneja la información a ese nivel".El artista, que vivía en Nueva York cuando fueron los ataques terroristas del 11 de septiembre, considera que "todavía estamos digiriendo qué pasó y por qué pasó y yo creo que esta lista tiene ese dolor, esos atributos trágicos que siguen reverberando y produciendo eco en el mundo a través de esos interrogatorios, a través de esas acusaciones infelices, a través del amedrentamiento de personas que no tienen absolutamente nada que ver con este tipo de acciones terroristas o ilícitas"."Open: Yusef Merhi" estará en The Bonnier Gallery hasta el 20 de noviembre. Un tour virtual está disponible en https://www.thebonniergallery.com/.___Sigal Ratner-Arias está en Twitter como https://twitter.com/sigalratner.

Fuente: Infobae
30/08/2021 10:54

July Abril con Axel: fue la primera artista que cantó ante el público presencial en Movistar Arena

Después de la dura y estricta cuarentena, la joven cantante se convirtió en la primer artista en tocar sobre el escenario antes miles de fanáticos

Fuente: La Nación
28/08/2021 20:18

Pablo Reinoso, el artista argentino que interviene con sus esculturas jardines de las ciudades más importantes del mundo

Pablo Reinoso nació en Buenos Aires y se radicó en París en tiempos de la dictadura militar. Se formó como arquitecto en la UBA, pero se define como artista plástico. Más precisamente como un ser curioso de las fronteras entre las disciplinas creativas. Podría decirse que Pablo es multifacético: tras haber transitado por varias formas de arte, la búsqueda parece ser la constante. O la expresión de una sensibilidad innata. Aunque son sus esculturas a lo cual debe su fama, es difícil -y también innecesario- etiquetarlo. "Desde el día que me di cuenta de que mi camino iba a pasar por el arte y muy especialmente por la escultura, la búsqueda tuvo un objetivo y el camino ha sido mi constante investigación".Recuperan madera de árboles caídos, la esculpen con fuego y crean obras de arte funcionales"Double Talk", obra de Pablo Reinoso, es un imponente banco situado en un espejo de agua en Burdeos, Francia; una obra de 2017. (Gentileza Rodrigo Reinoso/)Muchos relacionan su nombre con los bancos Spaghetti (Spaghetti Bench), en que toma los clásicos bancos de plaza y los reinventa. O los desarma, los vuelve al origen, al árbol, a las raíces. Es que sus inspiradores son los mecanismos de la vida, el crecimiento y la muerte. La naturaleza como base de su pensamiento. Hablamos entonces de ciclos. También, a partir de 2009, empiezan a hacerse presentes los bancos Garabato (Scribbling Bench), esta vez con vigas de acero como punto de partida. ¿Por qué su afición por los bancos? "No sabría decirte, pero es raro un artista arquitecto diseñador que no se interese por ese elemento. Es nuestra gran diferencia con el mundo animal, sentarse"."Banco Circular" emplazado en los terrenos de Chaumont-sur-Loire, donde se realiza el famoso festival de jardines en Francia. (Gentileza Eric Sander/)Siempre trabaja por series. "Viene una idea y necesito declinarla hasta verle todas sus posibilidades", explica Reinoso. En sus últimas series, intituladas Árboles, la naturaleza se hace presente al extremo. Intervino espacios públicos y desarrolló obras para lugares determinados (sitespecific) en Londres (The Ark, 2019), Buenos Aires (Aires de Buenos Aires, 2019), Busan (Infinity Line, 2019). Considera que la relación con el entorno es fundamental y lo entusiasma la elección del lugar para su obra. También los jardines son escenarios para sus esculturas. "Todo espacio al aire libre lo es. Los jardines forman parte de mis escenarios. Al fin y al cabo, un jardín es una creación mental. El jardín espontáneo no existe, se llamaría más bien naturaleza"."Huge Sudeley Bench" en Sudeley Castle, Gloucestershire, Reino Unido, una obra de 2011 que contrasta con el jardín tan estructurado de la campiña inglesa (Gentileza Estudio Pablo Reinoso/)"GreenLline" del año 2019, situada en Cagnes-sur-Mer, Francia. (Gentileza Florian Kleinefenn/)Sus obras se encuentran en las ciudades más importantes del mundo, incluido su país de origen. La Isla El Descanso, en Tigre, una galería de arte a cielo abierto, cuenta con uno de sus bancos Spaghetti y toda la simbología que conlleva. A través de un lenguaje lúdico, el paisaje cobra un nuevo significado, los objetos reinterpretan el mundo. A su manera. Y aunque siempre hay algún mensaje en su obra, no es lo que trata de enfatizar.En 2009, el MALBA contó con la pieza "Enredamaderas" y en 2019 el artista donó a la Ciudad de Buenos Aires una escultura con forma de árbol de seis metros de altura que se ubicó en la Plaza Ramón Cárcano, en el barrio porteño de Recoleta.Bellatrix, un paseo que combina arte y naturaleza"Talking Bench" de la serie bancos Spaghetti, realizado en acero pintado. Se encuentra en Isla El Descanso, Tigre, Argentina. (Gentileza Estudio Pablo Reinoso/)"Tengo muchos proyectos en construcción y preparo muchas exposiciones. Pinto casi cotidianamente". Así es su carácter, inquieto y curioso. Su abuelo le enseñó a utilizar las herramientas de carpintería cuando era un niño, y ya a los 15 años creó su primer banco-escultura. Se interesó por la arquitectura, la fotografía, el arte, el diseño. Trabajó la madera, el metal y la piedra. Su creatividad no tiene límites y ya imaginó un nuevo banco titulado Distancia Social (Social Distance Bench) para usarse en espacios públicos en el marco de la pandemia mundial."Estoy atravesado por la historia del arte, de la construcción humana y -sobre todo- de la vida, la formación de los planetas, el espacio, el tiempo. Desde el Big Bang hasta ahora: todas las obras me marcaron". Esa visión del mundo en que todo lo traspasa, lo apasiona y lo transforma parece ser la esencia de su arte."Racines de France", obra de Pablo Reinoso en los jardines del Palacio del Eliseo en París. (Gentileza Rodrigo Bueno/)"Le Cercle" en el gran estanque octogonal de los jardines de Les Tuileries en París, otro estilo de banco de la serie Spaghetti. (Gentileza Hélène Mauri/)

Fuente: Clarín
28/08/2021 08:01

"Si me quedaba, me llevaban presa": la odisea de una artista afgana que logró escapar de Kabul

Rada Akbar es una reconocida fotógrafa y diseñadora feminista. Fue evacuada esta semana. Desde París, cuenta su historia.

Fuente: Clarín
25/08/2021 09:57

Shamsia Hassani, la artista callejera afgana que se volvió viral pero no se sabe dónde está

Según críticos, su trabajo muestra que "quitarse el pañuelo no es lo mismo que liberar a las mujeres.

Fuente: Clarín
24/08/2021 23:29

Marcelo Tinelli recibió a L-Gante en su programa: "Es el artista del momento"

El músico cantó en ShowMatch e hizo bailar a todos. ¡Hasta el conductor se animó a tirar unos pasos!

Fuente: La Nación
23/08/2021 03:36

Aimé Painé: Google celebró a la artista mapuche en el día de su cumpleaños

La activista y cantante argentina Aimé Painé, miembro de la nación mapuche, fue recordada este lunes por Google, en el día de su cumpleaños número 78. A través de un colorido doodle, rindió homenaje a la artista que dedicó su vida a preservar la música tradicional de su comunidad. Aimé Painé nació un día como hoy de 1943 en el Ingeniero Luis A. Huergo, Argentina, donde la llamaron Olga Elisa, nombre que tuvo que adoptar debido a una ley que prohibía el uso de nombres indígenas. A los tres años, fue separada de su familia. Luego, serían sus padres adoptivos quienes reconocerían el talento vocal de la niña y la inscribirían en la escuela de música. Painé se incorporó al Coro Polifónico Nacional de Buenos Aires cuando tenía poco más de 20 años. Durante uno de los recitales internacionales del grupo, se enteró de que la Argentina estaba entre las únicas naciones presentes que no interpretaron música indígena. Esta negación de la herencia nativa llevó a Painé a embarcarse en un viaje al sur de Argentina para reconectarse con sus raíces.La predicción de Conrado Estol a partir del "paciente cero" que anuncia lo que puede pasar en los próximos dos mesesAsí fue que su búsqueda condujo a un reencuentro con su padre biológico, mapuche, quien inspiró a Painé a continuar con su herencia ancestral a través de la música. La joven Painé reinterpretó antiguas canciones mapuche en la lengua nativa de Mapudungun y tocó instrumentos tradicionales, como el cultrun y las cascahuillas. Durante la década de 1980, se dedicó a viajar por la Argentina vestida con atuendos tradicionales mapuche, cantando historias de su pueblo y denunciando su marginación. Reconocida como una de las primeras músicas en popularizar la música mapuche, representó en 1987 a este pueblo en una conferencia de las Naciones Unidas, donde buscó llevó conciencia mundial sobre la lucha de su comunidad por la igualdad de derechos.En la Argentina, el legado de Painé es honrado cada año el 10 de septiembre como el "Día de la Cultura Mapuche" en Argentina.

Fuente: Clarín
21/08/2021 15:12

Richard Hutchins, el homeless que se convirtió en el artista favorito de las estrellas de Hollywood

Lo perdió todo y resurgió. Tiene compradores de la talla de Oprah Winfrey, 2 Chainz, Steve Harvey y Will Smith.

Fuente: Página 12
21/08/2021 02:33

Performance sobre Ana María Villarreal, artista y militante

La artista María Laura Buccianti sigue buceando en la vida, la actividad política, y la temprana muerte de la salteña asesinada en la Masacre de Trelew. Ahora presenta la obra EnSayo, los fines de semana, en La Ventolera.

Fuente: La Nación
21/08/2021 00:36

Norberto Gómez, manos a la obra: una vida comprometida con el oficio de artista

"¿Gómez, me los endereza?", le decía Antonio Berni al llegar a su taller de París con un manojo de clavos. "Y yo, pim pam por acá, pim pam por allá, y los iba dejando derechitos", recordaría Norberto Gómez medio siglo más tarde, cuando se disponía a inaugurar una muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). "Nunca viví de becas, premios y cosas por el estilo. Siempre trabajé", agregó en una entrevista concedida para el catálogo de aquella exposición este hombre modesto, fallecido semanas atrás, que se convertiría en uno de los grandes referentes de la escultura argentina.Escultura de la serie Las armas, en el Parque de la Memoria (Gentileza Parque de la Memoria/)Hijo de inmigrantes españoles, nació en Barracas en 1941. Heredó el amor por el oficio de su padre, ebanista, y su tío, luthier. Dibujante desde siempre, se formó como pintor con Juan Carlos Castagnino y en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, aunque prefirió la práctica a los métodos de enseñanza formal. Ganó destreza al realizar marquesinas para los grandes cines de la calle Corrientes, carteles de exposiciones para el MNBA y escenografías para el cine publicitario. "No hacía diferencia entre esas tareas y mi obra, el proceso creativo era el mismo -le dijo a Andrés Duprat y a Alejandro de Ilzarbe, en 2016-. Siempre trabajé con las manos. Con eso mantuve a mi familia durante muchos años".Carcasa, escultura de Norberto Gómez exhibida en la muestra actual de la galería Maman (Gentileza galería Maman/)Las múltiples tareas manuales incluyeron su colaboración con Julio Le Parc, también en París, para un envío a la Bienal de Venecia a mediados de los '60: instalaba espejos curvos, lámparas y motores para armar obras cinéticas. Con los materiales que le quedaban de sus trabajos publicitarios comenzó a hacer piezas que luego destruiría o transformaría en estantes. Los avances de la tecnología permitieron recrearlas décadas más tarde para la muestra del Bellas Artes, así como reproducir en hierro aquella de cartón que adquiriría dimensión monumental en el Parque de la Memoria.Norberto Gómez (Gentileza Fundación Konex/)Una visita de Luis Felipe Noé a su taller de la calle Sarandí derivó en una muestra en la prestigiosa galería Carmen Waugh, en 1976. Fecha clave en un camino comprometido que incluyó esculturas relacionadas con la violencia de la dictadura, reconocido con exposiciones en importantes museos, exposiciones internacionales y varios premios a la trayectoria que incluyeron el Konex de Platino. "Nunca hice obras pensando en el mercado -aseguró en la citada entrevista-. Lo único que sé es lo que supe siempre: que en el ejercicio se hacen las cosas, y sabiendo dónde estás parado. Si sabés quién sos, difícil que te pierdas".

Fuente: La Nación
18/08/2021 14:00

A los 90 años, murió el artista rosarino Eduardo Serón

A los 90 años, murió ayer a la noche en la ciudad de Rosario el artista Eduardo Serón. Estaba internado desde hacía diez días por complicaciones respiratorias no vinculadas con el Covid-19, según informaron sus allegados. Había nacido en Rosario el 12 de octubre de 1930 y fue pareja de la destacada artista Mele Bruniard, que murió en marzo de 2020 y con la que en los años 1960 formó el grupo Taller. Serón fue un estudioso de los procesos generativos de las formas visuales y uno de los primeros artistas rosarinos en dedicarse al arte concreto.Cursó estudios de arquitectura en la Universidad Nacional del Litoral (UNL) y fue profesor de pintura en la Escuela Provincial de Artes Visuales de Rosario. Desde 1957, no solo como artista, fue una pieza clave en la difusión del arte concreto en Rosario a través de su pintura, la gestión y la organización de encuentros culturales. Estuvo vinculado a dos reconocidos grupos plásticos rosarinos: Refugio, donde estudió dibujo y pintura, y Taller, donde completó su formación con Juan Grela, en quien encontró una "guía paternal". Además, fue profesor en la Facultad de Ciencias Matemáticas, Físico-Químicas y Naturales aplicadas a la Industria de la UNL.Serie de las Señoras Formas X (1970), óleo sobre tela, Eduardo Serón. De la Colección Museo Castagnino + Macro, Rosario (Gentileza Museo Castagnino + Macro, Rosario/)De 1982 a 1984, se desempeñó como director del Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, que posee importantes obras en su colección y publicó catálagos razonados sobre la producción seroniana. En 2009, Castagnino+Macro organizó la muestra retrospectiva Eduardo, un obstinado buceador de la forma y, en 2021, formó parte del ciclo de entrevistas Trayectorias, que se puede ver por el canal de YouTube del museo. La institución rosarina, además, alberga su valioso archivo. También se desempeñó como secretario del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez, en la ciudad de Santa Fe, durante la gestión del artista Jorge Vila Ortiz.Entrevistado por Mariel Heinz y Alejandra Moreno en junio de este año, el artista creador de las "señoras formas" declaró que desde la juventud su intención siempre había sido "averiguar, investigar e informarme sobre lo que se iba haciendo como innovación en el país. [...] Siempre trabajé investigando procesos generativos de formas con la geometría". El movimiento de arte concreto lo impresióno fuertemente. "Tal vez mi interés por la geometría iba de paso o era congruente con lo hecho, imprevistamente, sin proponerme hacer ninguna cosa especial, ni siquiera saber que me incluía en el arte concreto".Eduardo Serón retratado por Anatole Saderman en 1965 (Gentileza Museo Castagnino+Macro/)También contó que en su taller se juntaban muchos libros. "Leía mucha literatura norteamericana, filosofía y poesía; incluso intenté escribir algo de poesía y conocí a Raúl Gustavo Aguirre y Rodolfo Alonso, dos queridos amigos a los que sorpresivamente he sobrevivido". Las obras de Tomás Maldonado, Miguel Ocampo y Alfredo Hlito lo impulsaron a seguir pintando y buceaado en sus "sumatorias de parábolas" visuales. "Acá en Rosario no encontraba mucho eco -les dijo a sus entrevistadoras-. No obstante, tuve grandes amistades con Alberto Pedrotti y Luis Ouvrad, y también con Leónidas Gambartes y Grela".Serón participó de exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos de la Argentina, América y Europa, en espacios como el Museo de Artes Visuales Sor Josefa Díaz y Clucellas, Santa Fe (1958 y 1961); el Museo Provincial de Bellas Artes Pedro E. Martínez, Paraná (1961); el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile (1969); el Museo Sívori (1981); el Museo Castagnino (1981); el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez (1990) y el Centro Cultural Parque de España, Rosario (2004). La galería rosarina Diego Obligado abrió sus puertas en 2012 con una muestra de pinturas de Serón, y realizó otra en 2019 con xilografías y obra gráfica. Trabajos de Serón enriquecen colecciones en la Argentina, España, Francia, Uruguay, Chile y Estados Unidos."Con Melé fueron una notable pareja de artistas y la muerte de ella fue un golpe muy duro -dijo el curador e investigador Fernando Farina a este diario-. Estaba muy lúcido y vital, trabajando y pensando, y el reconocimiento en vida que tuvo con el Premio Nacional a la Trayectoria Artística que se le dio en 2019 lo había reconciliado con el arte, con la gente y con el sistema". En 2020, en la Academia Nacional de Bellas Artes se presentó el libro Eduardo Serón en la línea del arte concreto, con imágenes de su obra y una cronología a cargo de Nelly Perazzo, y que fue publicado por el galerista porteño Alejandro Faggioni.Entre otros premios que recibió, se pueden mencionar el Primer Premio de Dibujo, Salón de Amigos del Arte, Rosario (1961); Premio Adquisición Martín Rodríguez Galisteo, XLV Salón Anual del Museo Provincial de Bellas Artes, Santa Fe (1968); Beca, X Salón de Becarios de la Dirección de Cultura, Santa Fe (1968); Premio Adquisición, Banco Municipal de Rosario, Primer Salón de Premiados, Salón de Arte Moderno de Amigos del Arte, Rosario (1972), y el Premio Dr. Carlos Corbella, Fundación Héctor I. Astengo, en 1994.

Fuente: La Nación
18/08/2021 02:00

De Lisboa a Bs As. La artista lusitana que se enamoró de un dandy argentino y se convirtió en primera dama

El 6 de enero de 1871, día de la Epifanía, pero más conocido como "de los Reyes Magos", Buenos Aires fue invadida por la tristeza. Durante la jornada, la peste mató a noventa y cinco personas. Era el vómito negro, la fiebre amarilla, que en aquel semestre trágico se cargó la vida de quince mil porteños.Mientras tanto, en Lisboa, ese día de Reyes nacía una niña que fue bautizada con el nombre evocativo para la fecha: Regina. Su padre Pietro (barítono) y sus bisabuelos Isabella (soprano) y Luigi (bajo) habían sido cantantes líricos. La niña había heredado el talento de los Pacini y cuando murió Pietro en 1882, la familia resolvió que Regina cantaría de manera profesional.La imagen corresponde a la época en que recorría los escenarios y era cortejada por Alvear.De Lisboa a Buenos Aires: el flechazo de cupidoSu primera actuación en el teatro San Carlos de Lisboa â??administrado por su hermano Joséâ??, se llevó a cabo un día antes de que cumpliera los 17 años. Empezó de la mejor manera porque la crítica y el público coincidieron que tenía condiciones para triunfar en los escenarios de la lírica. Así fue. En pocos años, toda Europa veneraba la voz y el exquisito si bemol agudo de esta joven que se encaminaba a destronar a la gran diva australiana Nellie Melba.En 1899, una gira la llevó por Montevideo y Buenos Aires. Entre los espectadores que concurrieron al Teatro Solís de la capital de Uruguay, se encontraba un argentino que sintió el llamado de Cupido. El flechado era Marcelo Torcuato de Alvear, dos años mayor que Regina, hombre rico que practicaba golf, automovilismo, tiro, boxeo y conquistas amorosas.La noche del 15 de agosto, el dandy concurrió a la gala en el teatro Politeama (emplazado en la avenida Corrientes y Paraná, de Buenos Aires) y desde el palco contempló a la artista de 28 años solo para confirmar todo lo que le había provocado en la actuación en Montevideo.El Adhara, yate presidencial, que el matrimonio utilizaba para asistir a actos en Tigre y otros puntos de la ribera.Como correspondía en este tipo de sucesos, el camarín de la joven diva se pobló de regalos. Desde el prendedor con brillantes y perlas que le obsequió el presidente Roca, hasta el anillo "con gran solitario" acompañado de la tarjeta M.T.D.A., con el cual Marcelo T. quiso romper el fuego. Pero ella o Felisa Quintero, su madre, lo enviaron de vuelta al remitente.Esto no lo desanimó. Asistió a cada función que dio la cantante. Le envió al camarín flores, alhajas y perfumes. Se preocupó por cruzarla en cada reunión social. Regina -y su madre- daba un paso y ahí estaba el seductor Alvear. Pero el plan de conquista no estaba dando los resultados esperados porque la madre de Regina no la abandonaba y la protegía de todos los Marcelos de Alvear del mundo. Por otra parte, la diva sólo aceptó las flores y devolvió cada uno de los regalos suntuosos que le hiciera el dandy porteño.Regina Pacini en 1904, cuando decidió que abandonaría su carrera para casarse.Admirada y aplaudida: la diva inalcanzable que se enamoróLa dama se destacaba, sobre todo, por su belleza interior. Sus encantos eran el resultado de ser una mujer admirada y aplaudida en todo el mundo, que se manejaba en los ámbitos sociales con mucha altura y que no llevaba una vida desordenada como podía ocurrir en los casos de algunas divas de aquel tiempo. Regina no había sido concebida para acompañar en la vida a un mediocre. Ya le había destrozado el corazón a un oficial de la dinastía rusa que le había propuesto matrimonio en Varsovia. Un millonario sueco, un noble polaco y otro italiano habían fracasado en sus intentos de cortejarla. ¿Acaso Marcelo Torcuato de Alvear iba a amilanarse? Por supuesto que no: en cuanto la artista anunció que abandonaba Buenos Aires, el crédito local empacó unas pocas cosas y se subió al Cataluña, el mismo barco que abordó la artista. Los días de travesía bastarían, tal vez, para lograr conquistarla.Regina Pacini de Alvear acompañada de los señores E. García Velloso, P. Carcavallo y John F. White, director de Harrods, después de la entrega de la contribución de ese establecimiento para la Casa del Teatro.Sin embargo, no fue suficiente. Marcelo T. pasó varios años de su ajetreada pero millonaria vida asistiendo a conciertos en las principales ciudades del mundo â??debe sumarse también una nueva escala artística en Buenos Aires, en 1901â??, enviando flores a los camarines de la cantante, diciendo presente en cada momento y también llorando de amor al disfrutarla en los escenarios.El fierecillo domado porteño encontró en Regina a la mujer de su vida, pero allí estaba Felisa, protegiendo los intereses artísticos y comerciales. Hasta que el sendero se le hizo cuesta arriba porque la Pacini se contagió la pasión de Alvear, en 1903. Y sucedió uno de esos momentos sublimes en la historia del amor: cuando ya había sido proclamada la mejor soprano del mundo, la encantadora Regina abandonó su estelar carrera, las ovaciones de mil gargantas en salas llenas, las invitaciones para cantar en palacios y la adoración de tantos candidatos. Renunció a todo, a cambio de convertirse en la compañera de Marcelo de Alvear.Lejos del cuento de hadas y el amuleto real de la felicidadSu última presentación en Lisboa tuvo lugar el 11 de marzo de 1904, en el mismo teatro donde había comenzado su carrera. Esa noche, recibió los regalos habituales, unos 32 canastos de flores y seis o siete joyas. Pero también algunos obsequios para la nueva casa familiar. De todos modos, faltaba un tiempo para concretar el matrimonio, porque no todo era un cuento de hadas.El inolvidable Ovidio Lagos, principal e insuperable biógrafo de esta pareja, contó que los parientes Alvear, escandalizados al ver que Marcelo manchaba el apellido al casarse con una actriz, lo apartaron. Según Lagos, las familias más tradicionales escribieron un insólito telegrama refrendado por quinientas firmas y lo enviaron a Europa. Le pedían a su amigo que recapacitara. Regina podría codearse con príncipes y reyes, también ser aclamada en todas las capitales y hasta pasar una tarde de tertulia con las familias elegantes de la Argentina, pero no dejaba de ser una artista.María Unzué de Alvear, quien había enviudado de un hermano de Marcelo, jamás permitió el ingreso de Regina a su casa. Alvear sufrió una depresión profunda cuando conoció la reacción de sus parientes y allegados.El Presidente de la República, Marcelo T. de Alvear y su esposa, Regina Pacini de Alvear, con el ministro de Alemania, Dr. Gneist y su señora, en el foyer del Teatro Colón de Buenos Aires. 3 de octubre de 1927.De todos modos, el amor triunfó y se casaron el sábado 29 de abril de 1907 en Nuestra Señora de la Encarnación de Lisboa. Su sobrino Adams Benítez, hijo de Carmen Alvear, fue el único representante de la familia del novio.En la víspera de la ceremonia, la reina Amelia de Portugal recibió a la novia en el palacio real. Durante el encuentro, se desabrochó un trébol de brillantes, esmeraldas y rubíes, y se lo entregó a Regina, contándole que había usado esa joya por años y que era su amuleto de la felicidad. Al regalárselo, le deseaba a ella lo mejor para su nueva vida.Cabe preguntarse cómo una persona que estaba acostumbrada a ser venerada en donde ponía un pie, soportaba el rechazo constante y manifiesto de la familia de su marido. Es muy probable que un carácter débil hubiera desistido. Pero Regina Pacini valía por una legión romana: entregó la gloria artística que tenía servida en bandeja y aceptó soportar el entorno social de Marcelo.El matrimonio fijó su residencia en París â??el novio le regaló a su amada un castillo normando que acondicionaronâ?? y se dedicó a la actividad social más exquisita, amparado por las veintidós mil hectáreas en Trenque Lauquen y otras cinco mil en General Pacheco que proveían el sustento. Marcelo y Regina asistían a los restaurantes de los mejores hoteles, a los principales teatros de Europa y a las más lujosas recepciones.De Izq. a Der. Regina Paccini, José Luis Cantilo, gobernador de Bs. As., Eduardo de Windsor sonriendo y Marcelo T. de Alvear. El príncipe sonríe a la Primera Dama en el palco oficial durante la inauguración de la exposición rural, el 21 de agosto de 1925.Volvieron a la Argentina en 1911, apenas diez días, y en 1912, por unos años. Luego, Marcelo fue designado embajador en Francia y regresaron a la vida parisina. Retornaron a Buenos Aires en 1922, cuando él fue elegido presidente.El Buenos Aires del presidenteSe instalaron en una casa prestada, la actual Nunciatura, en avenida Alvear y Montevideo. A poco tiempo de haber arribado, Regina recibió la visita de una delegación de la Comisión de Damas que deseaba entregarle un álbum firmado por más de cien señoras de la sociedad porteña, y un inmenso ramo de flores. Sin dudas, los resquemores previos de algunas familias comenzaban a desvanecerse. También en esos días la visitó una delegación del Centro de Damas Descendientes de Exrevolucionarios Radicales (que habían actuado en 1890).En la primera década de 1960, Regina recibía visitas en su casa de Don Torcuato.La cantante lusitana concurrió al Salón Nacional de Bellas Artes y compró una pintura de la artista rosarina Emilia Bertolé para decorar su casa. Atendió con entusiasmo la intensa agenda de esas semanas. Fue incorporada a la mesa directiva del Patronato de la Infancia y como miembro honorario de la Biblioteca del Consejo Nacional de Mujeres. También, presidenta honoraria de la Liga Argentina de Damas Católicas y agregada al Consejo Directivo de las cantinas maternales.El 12 de octubre, día de la asunción presidencial, asistió al Congreso por su cuenta. Había decidido que su marido debía acaparar toda la atención y trató de pasar desapercibida. Luego del acto, y mientras Alvear se encontraba en la Casa Rosada con Hipólito Yrigoyen para recibir los atributos de mando, un numeroso grupo de damas concurrió a su hogar para saludarla y felicitarla. Ese día se convirtió en Primera Dama. La última vez que un matrimonio había completado el período de seis años de gobierno fue cuando Roca ejerció la primera magistratura entre 1880 y 1886, acompañado por Clara Funes. Después de ellos, entre viudos y el soltero Yrigoyen, más algunas presidencias cortas por muertes o reemplazos, no se había dado el caso de una Primera Dama de mandato completo.La cargada agenda de PaciniParticipaba de los actos públicos acompañando al presidente y, en algunos casos, en representación de su marido. Las crónicas remarcaban su elegancia. Regina lucía diseños exclusivos de las mejores casas francesas. Para los ajustes, contaba con una costurera a la que visitaba en su lugar de trabajo. Regina concurría a diversas actividades culturales y benéficas. O al puerto, para recibir o despedir a visitantes ilustres. Asimismo en ocasiones solemnes como la llegada de los restos del escritor Manuel Güiraldes, muerto en París.Su presencia no pasaba desapercibida, fuera en el foyer del Colón o en la cubierta del Adhara, el yate presidencial que utilizaban con las formalidades protocolares que exigían la investidura.Conciertos, recepciones en embajadas e inauguraciones la tenían como protagonista. Era su costumbre llegar entre los primeros a las reuniones y actividades sociales.En cuanto a las obras de caridad, asumió las responsabilidades con altura y en más de una ocasión aprovechó la intimidad del hogar â??a veces, apelando al presidente de la Nación; a veces, simplemente a su marido millonarioâ?? con el objeto de lograr beneficios para los necesitados.La Primera Dama asistiendo a un acto en compañía del presidente Alvear.Ya había conquistado al público desde los escenarios. Ahora lo hacía desde sus funciones. Como la vez que la Compañía Hamburg Sud le comunicó que el transatlántico Cap Polonio iba a permanecer varios días en el puerto y estaba a su disposición. Regina agradeció el ofrecimiento de la naviera alemana. El gran barco le era de suma utilidad: organizó comidas y bailes a beneficio del Patronato de la Infancia. Se ganó la admiración general y el vacío en el cual la habían colocado, comenzó a llenarse con manifestaciones de respeto.Mientras tanto, no dejaba de señalarle al presidente su mirada acerca de ciertas personas del entorno. A su manera, lo protegía.Cuando promediaba el mandato de Alvear, Regina comenzó una cruzada. Quería dotar al país de un espacio que atendiera a los artistas en los años de retiro, como existía en algunas ciudades de Europa y América. La tozudez de la cantante lusitana salvó todos los escollos que se presentaron y, finalmente, luego de doce años de esfuerzo, el 4 de febrero de 1938 se inauguró la Casa del Teatro en la Capital Federal (Santa Fe y Libertad). Dos días después, Regina cumplía años y el mejor regalo que recibió fue la noticia de que esa mañana habían ingresado los primeros ocho huéspedes. Junto a la Casa, aún hoy se encuentra el Teatro Regina con la principal función de recaudar para sostener el pensionado.El matrimonio Presidencia durante un acto por el Día del Policía, en 1927.En cuanto al nombre de la diva, la residencia que construyeron los Alvear en Mar del Plata se llamó Villa Regina, al igual que la colonia agrícola en el Alto Valle de Río Negro, que fue bautizada en 1924 con el mismo nombre: Villa Regina.Dejó un recuerdo imborrable entre quienes la conocieron. Su sencillez, elegancia y fuerza de voluntad logró cautivar a todos. Continuó participando de acciones benéficas aun despojada de su título de compañera del presidente.La Primera Dama asistiendo a un acto en compañía del presidente Alvear.El matrimonio no tuvo hijos. Alvear murió en 1942. Se encuentra sepultado en el imponente panteón de la familia, en la entrada del cementerio de la Recoleta. Todos los 23 de mes, Regina visitaba la tumba de Marcelo. Le llevaba un ramo de rosas blancas y rojas. Se sentaba en una simple silla blanca y le hablaba. La querida Primera Dama vivió con sencillez hasta su muerte en 1965. Hoy descansa en la Recoleta, inmediatamente al lado de su amor eterno.

Fuente: Página 12
17/08/2021 01:46

La artista jujeña Añawita lanzó su primer disco solista

El sábado presentó "Mis ancestras cantan", con 13 canciones que reivindican la participación de las mujeres en la historia independentista y en la propia vida de la cantante.

Fuente: La Nación
14/08/2021 17:00

Frida Kahlo: dan a conocer las obras nunca vistas de la famosa artista mexicana

Conocés a Frida Kahlo, por supuesto que sí. Es la más famosa artista mujer de todos los tiempos, su imagen es instantáneamente reconocible e inevitable.Frida Kahlo se puede encontrar por todas partes, plasmada en remeras y cuadernos y tazas. Cuando estaba escribiendo este artículo, me topé con una selección de textos con graciosas caricaturas de ella en una vitrina, tal vez a unos tres minutos a pie de mi casa.Apuesto a que muchos lectores también se encuentran a poca distancia de alguna representación de ella, con sus cejas unidas y vestimenta mexicana tradicional, sus peinados floridos y su lápiz labial rojo.Boda en la Toscana. El espectacular álbum de fotos del casamiento de la hija de Rossella della GiovampaolaEsto se debe en parte a que su propia imagen fue uno de los temas principales de Kahlo: casi un tercio de sus obras fueron autorretratos.Aunque murió en 1954, su obra todavía se percibe como llamativamente fresca: sus autorretratos dicen mucho sobre la identidad, la necesidad de trabajar su propia imagen y contar su propia historia. Se pinta a sí misma mirando al espectador: directa, feroz, desafiante.Eso significa que Kahlo puede caber perfectamente dentro de ciertas narrativas feministas contemporáneas, la fuerte mujer independiente, que se convierte a sí misma en tema central, explorando sin tapujos los aspectos complicados, desordenados y dolorosos de ser mujer.Sus pinturas representan intensamente los elementos dramáticos de una vida dramática: un aborto y la imposibilidad de tener hijos; dolor corporal (fue víctima de un horroroso accidente a los 18 años y sufrió físicamente toda su vida); un gran amor (tuvo una tempestuosa relación con el artista mexicano Diego Rivera, así como muchos amantes más, hombres y mujeres, incluyendo a León Trotsky), y grandes celos (Rivera le fue infiel repetidamente, inclusive con su propia hermana).Hasta ahora, muchos analizan el arte y personalidad de Kahlo en términos de su tempestuosa relación con Diego Rivera (Archivo/)Pero eso no es todo lo que muestran, su arte no es siempre sobre su vida, aunque se puede excusar que así lo creas. Se escribieron libros sobre su trauma, su vida amorosa; fue objeto de una película de Hollywood protagonizada por Salma Hayek.Descubren en el fondo del Mediterráneo un barco romano de 1700 años lleno de ánforasKahlo se convirtió en un tema rentable de taquilla, que garantiza atraer un público a las galerías, a pesar de que lo que suelen ver está más relacionado con su vida que con su arte.Pero, ¿qué ocurre con su obra? Para algunos historiadores, la implacable atención en la persona en lugar de en su creación artística se volvió algo negativo.Pero ahora, un nuevo y monumental libro, Frida Kahlo: sus pinturas completas, que acaba de ser publicado por Taschen, ofrece por primera vez una visión de toda su obra.Kahlo como artistaEl historiador mexicano Luis Martín Lozano, en colaboración con Andrea Kettenmann y Marina Vázquez Ramos, aporta notas de cada una de las obras de Kahlo de la cual existe una imagen: un total de 152, incluyendo muchas piezas perdidas que apenas conocemos de fotografías.Es la primera vez que un libro de Kahlo ofrece sus obras completas (BBC Mundo/)En conversación por videoconferencia desde Ciudad de México, le pregunté a Lozano por qué era hora de un estudio completo de su obra, a pesar de que hay tantas exposiciones sobre ella por todo el mundo."Como historiador de arte, mi interés principal en Kahlo fue en su trabajo como artista. Si ese hubiese sido el principal foco de la mayoría de los proyectos en décadas recientes, tal vez hubiese dicho que este libro no tendría razón de ser. Pero la verdad es que no fue así", dice.Araceli González mostró una foto inédita de Adrián Suar con su hijo Toto y compartió una emotiva reflexión"La mayoría de la gente en las exposiciones está interesada en su personalidad -quién era, cómo se vestía, con quién se acostaba, sus amantes, su historia".Por eso, las exposiciones y sus catálogos frecuentemente se concentraron en esa historia, y tienden a "repetir las mismas pinturas y las mismas ideas sobre las mismas pinturas. Dejan de lado una cantidad de obras", comenta Lozano.La imagen de Frida Kahlo se ha reproducido en múltiples objetos, volviéndola una mercancía, comenta el historiador mexicano Luis Martín Lozano (Archivo/)Los libros también pisan el mismo terreno: "Repiten las mismas cosas, y vende, porque todo lo de Kahlo vende. Es triste decirlo, pero ella se convirtió en mercancía. Pero eso explica por qué [las exposiciones y los libros] no van más allá, porque no tienen que hacerlo".El resultado es que se cometen ciertos errores, pinturas con títulos o fechas equivocadas, o la reproducción de fotos con mala calidad y color. También significa que las ideas sobre el significado de sus obras son repetidas ad infinitum. "El nivel de interpretación se contamina", señala Lozano."Lo único que dicen de las pinturas, una y otra vez, es 'ah, es porque amaba a Rivera', 'porque no podía tener un hijo', 'porque está en el hospital'. En algunos casos, es cierto, pero hay mucho más que eso".Si Adelita (Los cachuchas), una de las obras perdidas de Frida Kahlo, realizada con fuertes líneas modernistas. (BBC Mundo/)El número de pinturas -152- no es una obra enorme para una artista importante. Sin embargo, sorprende que nunca antes se hubiese escrito nada sobre algunas de estas: "¡nunca, ni una frase!", dice riendo Lozano.El desplante de Antonela Roccuzzo a Shakira que encendió viejos rencores"Es casi un desastre, en términos de historia del arte".El ofrecer un estudio completo de su obra significa reunir piezas perdidas o pocas veces vistas, incluyendo aquellas que surgieron durante subastas en la última década o algo parecido, y otras que raras veces son prestadas por los coleccionistas privados y por eso se mantuvieron en las sombras. Lozano espera ampliar nuestro entendimiento de Kahlo."En primer lugar, ¿quién era como artista? ¿Qué pensaba de su propio trabajo? ¿Qué quería lograr como artista? Y ¿qué significan estas pinturas por sí solas?"Esto quiere decir echarle otra mirada a sus primeras obras, que pueden no ser lo que asociamos con Kahlo, pero revelan cuánto se inspiró en su padre, Guillermo, un fotógrafo profesional y pintor aficionado de naturalezas muertas (bodegones) florales. Piezas como la poco conocida Naturaleza muerta (rosas) de 1925, que no se expone desde 1952, son notablemente similares al estilo del padre."Naturaleza muerta (rosas)" no ha sido expuesta desde 1954, y muestra la influencia que Guillermo Kahlo, el padre de Frida, tuvo en la artista (BBC Mundo/)Kahlo continuó pintando increíbles y vibrantes naturalezas muertas durante toda su carrera, aunque son menos conocidas entre el público en general que sus autorretratos, menos coleccionables y menos estudiadas.La perspectiva de la importancia que tenían para ella se vio fortalecida desde que Lozano y sus colaboradores descubrieron documentos que revelan el interés permanente que tuvo Kahlo sobre el significado simbólico de las plantas.Eso lo aprendió de su padre, y lo discutió en cartas con su media hermana Margarita (hija de su padre de un matrimonio anterior), que se volvió monja.Los eslabones perdidosLas cartas de Kahlo y Margarita "hablan del significado simbólico de las plantas y las frutas y del jardín del Edén, que nuestro cuerpo es como una flor que tenemos que cuidar porque fue arrancada del paraíso", explica Lozano."Esto es increíble, y prueba por qué este tema de naturaleza muerta y flores tenía tanto significado para ella".Él ofrece una nueva interpretación de una pintura de 1938, llamada Tunas, en la que representa tres de estas frutas en diferentes estados de madurez -desde verdes y parcialmente maduras hasta vibrantes de jugo y rojo ensangrentado-, como si estuvieran ilustrando la propia noción de Kahlo sobre su maduración como artista y persona, pero también con un potencial simbolismo religioso (la carne sangrienta que evoca el sacrificio).Kahlo estaba interesada en el simbolismo de las plantas, como se puede apreciar en esta pintura "Tunas" (BBC Mundo/)El libro de Las pinturas completasâ?¦ también se esfuerza por revelar las profundidades del compromiso intelectual de Kahlo con los desarrollos en el mundo del arte, contradiciendo la noción de que simplemente estaba influenciada por su encuentro con Rivera en 1928, o que su obra es un tipo de desgarrada expresión autodidacta, instintiva de dolor femenino.Sus pinturas revelan la investigación y los experimentos de Kahlo en los movimientos artísticos, desde la juvenil interpretación mexicana del modernismo, del estridentismo, pasando por el cubismo y luego el surrealismo."Las pinturas de Frida Kahlo no solo fueron el resultado de sus asuntos personales, sino que miró a su alrededor a quién estaba pintando, cuáles eran las tendencias, las discusiones", dice Lozano.Destacan sus primeros intentos en pintura de vanguardia -"Pancho Villa y Adelita" de 1927, y la obra perdida "Si Adelita", las dos hechas con líneas y ángulos modernistas marcados, como prueba de que "se estaba fijando en las tendencias del arte mexicano antes de conocer a Rivera".También se puede ver su interés en los antiguos maestros del Renacimiento, que descubrió en copias en la biblioteca de su padre, en sus primeras obras: se sugiere que su pintura de 1928, Dos mujeres (Retrato de Salvadora y Herminia), que ilustra a dos muchachas contra un fondo frondoso, fue inspirada en la tradición del retrato renacentista, como se puede apreciar en la obra de Leonardo da Vinci.El paradero de este retrato, vendido el año en que se pintó, se mantuvo desconocido hasta que fue adquirido por el Museo de Bellas Artes de Boston, en 2015.El cuadro "Dos mujeres", inspirado en la tradición renacentista, estuvo desconocido hasta que fue adquirido y expuesto en el Museo de Bellas Artes de Boston en 2015 (Google Arts & Culture/)Teniendo en cuenta que tan solo hizo unas 152 pinturas, sorprende la cantidad que se perdieron. Al mismo tiempo, Kahlo no tuvo mucho éxito en vida, no tuvo muchas exposiciones, ni vendió muchas obras a través de galerías y comerciantes.En vez de eso, muchas de sus pinturas fueron vendidas o regaladas directamente a artistas, amigos y familia, así como a estrellas de cine y otros brillantes admiradores, muchos de los cuales vivían en el exterior. Eso significa menos pruebas documentales, lo que hace más difícil rastrear sus obras.Eventos traumáticosLa verdad es que mirar fotos en blanco y negro de pinturas perdidas probablemente no va ofrecer nada revelador a nadie excepto a los más acérrimos académicos, aunque hay unas increíbles pinturas que todavía están desaparecidas.Una imagen perdida de 1938, Niña con máscara de la muerte II, ilustra a una pequeña con una máscara de calavera en un paisaje vacío; es espeluznante, y sabemos que Kahlo trató esta pintura en relación a su tristeza por no poder concebir.También hay que rebuscar entre los áticos la horrorosa pintura El accidente de avión -de la que solo existe una foto-, que se sabe que elaboró durante un período de gran agitación personal, después de descubrir la relación de su hermana con Rivera en 1935.Lo mismo que otra de sus muy conocidas pinturas, "Apasionadamente enamorado" o "Unos cuantos piquetitos", que muestra a una mujer asesinada por su esposo, "El accidente de avión" estuvo basada muy de cerca en una noticia de la vida real.Mientras Kahlo pudo haber estado atraída a estos eventos traumáticos porque sufría en su vida personal, no se debería ignorar el grado de precisión casi documental de noticias externas."El accidente de avión" es otro de los cuadros perdidos de Frida Khalo, elaborado durante un período de gran agitación personal que queda reflejado en la obra (BBC Mundo/)Compromiso políticoKahlo era una comunista declarada, y comprometida políticamente de por vida, pero es en las obras menos conocidas de sus últimos años en las que esto emerge más explícitamente.Para entonces, padecía mucho dolor, y se sometió a varias operaciones, incluyendo finalmente la amputación de una pierna debajo de la rodilla.Sin embargo, Kahlo continuó pintando hasta 1953, con dificultad pero también con un renovado propósito. Su biógrafa Raquel Tibol la documentó diciendo: "Estoy muy preocupada por mi pintura"."Más que cualquier cosa, con cambiarla, para convertirla en algo útil, porque hasta ahora lo único que pinté son autorretratos fidedignos, pero eso está tan lejos de lo que mi pintura podría hacer para servir al Partido [Comunista]. Debo luchar con toda mi fuerza para que el poco de bien que pueda lograr hacer con mi salud en el estado en que está sea dirigido hacia ayudar a la Revolución. Esa es la única razón de vivir".Esto resultó en obras como Congreso de los pueblos por la paz de 1952 (que no se expone desde 1953), que ilustra una paloma en un ancho árbol de frutas y dos hongos nucleares, representando la pesadilla de Kahlo de una guerra atómica.La artista fue miembro activista de varios grupos pacifistas, recolectando firmas de artistas mexicanos en apoyo del Consejo Mundial de la Paz, ayudando a conformar el Comité Mexicano de los Partidarios de la Paz, y creando esta pintura para que Rivera la llevara al Congreso de los Pueblos por la Paz en Viena en 1952."Congreso de los pueblos por la paz", que no se había visto desde 1953, fue expuesto en Sotheby's de Nueva York en junio de 2020 (Sotheby's /)La paloma figuró en muchas de sus naturalezas muertas posteriores, igual que un creciente número de banderas mexicanas o diseños con los colores nacionales (usando sandías para reflejar el verde, blanco y rojo de la bandera), sugiriendo que la intención de Kahlo fue que su obra debería representar su nacionalismo y comunismo.Un poco más incómodas, sus pinturas finales incluyen representaciones amorosas de Stalin, a medida que su política se tornó más militante.No obstante, tal vez la más conmovedora de sus últimas pinturas es un autorretrato: "Frida en llamas" (autorretrato dentro de un girasol). Es desgarradora, pintada con un colorido y grueso empaste; poco antes de su muerte, Kahlo las rasgó con un cuchillo, raspando la pintura, frustrada por su incapacidad de poder trabajar o tal vez en reconocimiento de que el fin se acercaba.Tibol, que fue testigo de ese acto decisivo y destructivo, lo llamó un "autosacrificio ritual"."Es muy interesante en términos estéticos -cuando tu cuerpo ya no funciona, cuando tu cerebro no es capaz de plasmar lo que querés pintar, el único recurso que le queda es la deconstrucción de la imagen. Esta es una postura muy contemporánea, conceptual del arte: que la pintura no solo existe en términos de su arte, sino también en lo que yo pienso que representa", dice Lozano.Hay algo tremendamente conmovedor que una artista tan reconocida por moldear su imagen use su último acto creativo en la deliberada destrucción de esa imagen. Hasta en su propia erradicación, Kahlo logró que su obra nos hablara a gritos.

Fuente: La Nación
14/08/2021 03:00

Con 104 años sigue pintando. La artista argentina Ides Kihlen repasa su fascinante vida en su piso de Recoleta

Su caso es único. No existe otro igual en la historia del arte argentino. A pesar de haberse formado con grandes maestros, como Vicente Puig, Kenneth Kemble y Juan Batlle Planas, y haber pintado toda su vida, Ides Kihlen mantuvo su obra en silencio hasta el año 2000, cuando tuvo su primera muestra, con 83 años. "No se me ocurría exponer. Pintaba y los cuadros quedaban en casa, guardados en los placares", dijo una vez esta mujer excepcional, que llegó al mundo el 10 de julio de 1917, en Santa Fe, cuando Europa estaba en el clímax de su primera Gran Guerra.Hija de un exitoso empresario sueco que se instaló con una fábrica de tanino a orillas del río Paraná a principios del siglo XX, Ides mostró interés por el arte y la música con tan sólo 4 años. "En mi casa de soltera tenía un piano y mis pinturas en el altillo. Ahí me había hecho un lugar para estar sola. Me traían la comida en una bandeja. El arte siempre fue una gran compañía", recordó en alguna otra entrevista la artista plástica, que se formó como pintora en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de Buenos Aires y como pianista en el Conservatorio Nacional de Música.Está confinada desde abril de 2020 con sus perros, Xul, un Yorkshire Terrier, y Bebé, un Shih Tzu. "Me gustaría salir a pasear con ellos como hacía antes. A mis perros además les encanta mi música", cuenta.En la época de su juventud, no estaba bien visto que las mujeres tuvieran otros intereses más allá del hogar, pero tanto nuestra entrevistada como su hermana menor, Esther, completaron los estudios universitarios alentadas por su padre, un ingeniero que las llevó de Santa Fe al Chaco y de ahí a Corrientes, y su madre, una ama de casa de origen suizo. "Mis padres eran de avanzada. Tenían una mentalidad abierta y querían que mi hermana y yo tuviéramos carreras con títulos nacionales", le cuenta a ¡HOLA! Argentina Ides, que hace un mes cumplió los 104.-¿Qué es lo mejor de tener su edad?-Aprender todos los días.-¿Y lo peor?-Que muchas personas a las que quise ya no están. Poder hablar con una persona viéndola en la pantalla es una maravilla, pero el mundo ha cambiado tanto que ya no lo conozco.-¿Cómo es haber sido testigo de un siglo de historia?-Es impresionante, pero lo que más me alegra es haber vivido para ver a las mujeres tomar un rol protagónico, ver cómo ahora tienen las mismas oportunidades que los hombres. Yo tuve la suerte de poder hacer mi carrera, pero no era fácil para las mujeres en ese entonces.-Claro, porque cuando usted se formó, el arte, la música y todos los campos del saber estaban dominados por los hombres.-Me tocaron excelentes compañeros, como Antonio de Raco (un prestigioso pianista que murió en 2010) y muchos otros. Nunca me sentí incómoda. Por suerte, pude hacer lo que quise, en mi familia había espacio para eso. Y siempre pinté para mí hasta que, a los 80 y pico, un galerista vio mis obras por casualidad y me convenció de exponerlas por primera vez. Cuando uno trabaja con amor, las cosas lindas siempre llegan.Ides se formó como pintora en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de Buenos Aires y como pianista en el Conservatorio Nacional de Música. Los críticos, de hecho, destacan la relación que hay entre los colores y la música en sus obras. Un retrato a los 19, cuando estudiaba pintura con Vicente Puig, Kenneth Kemble y Juan Batlle Planas y compartía clases de música con el reconocido pianista Antonio de Raco. UN "BOOM" DEMORADOEn su primera muestra, una retrospectiva que se organizó contrarreloj para ArteBA, Ides vendió todo. Tenía dos cosas a su favor: un cuerpo de obra sólido, nunca antes visto, y una historia increíble por detrás. Nadie entendía, en esa edición de la feria en la que se dio a conocer, cómo era posible que una mujer con ese nivel de talento no hubiera querido mostrar ni una sola pintura en tantos años. "Nunca me interesó figurar. Me gusta trabajar sola, encerrarme y pintar", sentenció años después, cuando ya era dueña de un nombre en el circuito local del arte."Es una artista muy particular, que atravesó el siglo XX. Su obra se caracteriza por las composiciones geométricas y el uso del collage. Tiene mucha relación con la música: en sus pinturas hay sinestesias, los colores representan sonidos y las composiciones son rítmicas", explicó en su momento la curadora Laura Hakel, a cargo de una de las varias exposiciones con las que se celebraron los cien años de la artista en Buenos Aires.-¿Qué está pintando ahora?-Para mí pintar es una alegría. Lo hago todos los días. En los últimos tiempos hacía cuadros grandes, ahora estoy haciendo varios cuadros juntos, me gusta mucho pintar de a pares.-¿Cómo es un día típico?-Todos mis días comienzan temprano en el taller. Por la mañana me dedico a mi arte y después del almuerzo toco el piano. Me gustan Scriabin, Liszt, Chopin, Debussy, Bach y muchos otros.-¿Qué le permite el arte?-Me protege. Es mi mundo, me permite jugar, me mantiene viva, le da sentido a mi vida.Nació el 10 de julio de 1917, en Santa Fe, cuando Europa estaba en el clímax de su primera Gran Guerra. Hija de un empresario sueco que desembarcó a orillas del Paraná con su fábrica de tanino, pasó gran parte de su infancia en Santa Fe, Corrientes y Chaco.Junto a su hermana Esther (murió en 2013), en un paseo en bicicleta en Punta del Este. "Nuestros padres tenían una mentalidad abierta y querían que mi hermana y yo tuviéramos carreras con títulos nacionales", recuerda Ides.CREAR EN PANDEMIAInstalada desde hace más de sesenta años en el mismo departamento de la avenida Alvear, Ides atravesó el confinamiento acompañada por sus hijas, Ingrid y Silvia, y sus perros: Xul, un Yorkshire Terrier que le debe su nombre al pintor argentino Xul Solar, y Bebé, un Shih Tzu.-¿Cómo vive el encierro?-Mi rutina no cambió mucho. En ese sentido, no me afectó tanto la pandemia. Lo que sí me impactó fue ver la tristeza de lo que sucede, la cantidad de vidas perdidas. Eso sí tuvo un impacto en mi obra.-¿Extraña salir?-Me gustaría salir a pasear con mis perros como hacía antes, pero mientras pueda seguir pintando y tocando el piano, soy feliz. A mis perros además les encanta mi música.-¿Vivió alguna otra crisis sanitaria como la que causó el Covid-19?-Ha habido muchas pestes, pero no recuerdo ninguna tan tremenda como esta. Cuando yo era chica había tifus en el Chaco. Mi padre paró la fábrica y se puso a producir hielo para que se curara la gente que vivía en el Impenetrable.-¿Recibió la vacuna?-Todavía no. Como nunca en la vida tomé remedios, mis hijas tenían miedo de que me diera alguna reacción adversa. Consultaron con varios médicos y todos dijeron que debía dármela igual. Creo que vacunarse es una responsabilidad con la sociedad.-La pandemia nos enfrentó con la muerte. ¿Piensa en el final?-No. Mi cabeza está siempre ocupada pensando nuevas ideas, nuevas obras. No hay que preocuparse por lo que aún no sucedió.-¿Cómo le gustaría que la recordaran?-A través de mis cuadros y de mi música, porque le dediqué toda mi vida al arte. Que la gente disfrute de mis obras es una de mis mayores satisfacciones.-Cuando piensa en el pasado, ¿qué extraña?-A la gente que quise y que ya no está. El mundo era más tranquilo antes, no había tanta pobreza y miseria.Posa con una escultura de sí misma que le dedicó un gran amigo, Fernando Pugliese (murió hace unos meses de Covid), y que formó parte de su última exposición, en 2020.UNA MUJER AFORTUNADASu matrimonio con Luis González Monteagudo, su primer y único marido, fue un paréntesis que duró diecisiete años y le dio dos hijas. De aquellos años, Ides recuerda el aburrimiento y lo incompatible que era la vida de casada con sus dos pasiones."Siempre fui muy independiente", dice sin tapujos. Claro que tener un padre rico y muy generoso ayudó a que la artista pudiera seguir dedicándose a lo suyo, sin la presión de tener que salir a trabajar para mantenerse.-¿Qué hay de la maternidad? ¿La disfrutó?-Me hizo muy feliz. Tengo dos hijas y una nieta (se llama Marcela y vive en Estados Unidos) maravillosas.-Cuando repasa su vida, ¿cuáles son sus recuerdos más preciados?-Los momentos que pasé con mi familia y con mis queridos maestros de pintura, Puig, Kemble y Batlle Planas, y con De Raco, mi gran amigo del Conservatorio.-Cuando se va a dormir, ¿por qué agradece?-Tuve la enorme suerte de encontrar mi vocación de muy joven y poder dedicarle la vida. Tengo una familia que me acompaña, me apoya, y hoy me ayuda a difundir mi obra.-¿Tiene cuentas pendientes?-No siento que me haya faltado nada. Me siento muy afortunada, no podría pedirle más a la vida.-¿Hasta cuándo planea seguir?-Hasta los 200 tal vezâ?¦ [Sonríe].Si bien sigue haciendo sus clásicos collages, hace tiempo ya que no trabaja arrodillada en el piso. (Richard E Schultz/)La tapa de revista ¡Hola! de esta semana (Photone/)

Fuente: La Nación
14/08/2021 02:00

Carlitos Balá, la vigencia de un artista que cambió los códigos del humor

Este viernes fue su cumpleaños número 96 y, como corresponde a su leyenda, los festejos continúan. A Carlitos Balá ni los años ni el Covid le despeinaron el flequillo. A pesar de que el confinamiento lo alejó un poquito más de las presentaciones públicas, homenajes y reconocimientos que venía recibiendo en estos años, cada uno de sus cumpleaños es un acontecimiento en sí mismo.El hombre que comenzó haciendo humor arriba del colectivo línea 39 cuando era un chico creció e impuso sus códigos de humor en la radio, la televisión, el teatro, el cine y el circo, evitando groserías y con una envidiable velocidad mental para la réplica.Luego de una serie de presentaciones ocasionales, Balá se destacó como parte del elenco de Telecómicos en 1962. Y un año después debutaba en canal 9 con programa propio, Balamicina, "un nuevo remedio para el mal humor". Más tarde El soldado Balá, El flequillo de Balá y El clan de Balá, le permitieron reafirmarse en su estilo, en momentos en los que, si el título del programa llevaba tu nombre, es que eras una estrella.Cuando la televisión le cerró la puerta a fines de la década del 80, Balá conquistó a una nueva generación (o a dos) con sus espectáculos en vivo. Primero en solitario, y más acá en el tiempo acompañando a Laura "Panam" Franco, el artista sostuvo el peso de su propio nombre, con notable entrega física y mental, con menos audición pero la certeza de una fórmula probada durante décadas que continuaba siendo efectiva. Hijos, padres, y abuelos, todos reunidos en una misma platea agudizando la vista a ver si de una vez por todas pueden ver de qué color es Angueto, el perro invisible; o compadeciéndose del pobre Petronilo, al que la Argentina siempre le quedaba chica.Si en la televisión pudo probar todo tipo de yeites y le brindó un éxito inmediato, el cine colaboró para engrandecer su figura. Primero con la trilogía Canuto Cañete, conscripto del siete (1963), Canuto Cañete y los 40 ladrones (1964) y Canuto Cañete, detective privado (1965), y enseguida con una seguidilla de títulos donde no importaba ni el nombre ni el oficio del protagonista, cualquier historia era válida para seguir riéndose con Balá.De esta segunda etapa son los títulos que, a modo de homenaje, programó para este sábado a partir de las 15 el Canal Volver.La maraton comienza con El tío disparate (1978), una historia imaginada por Juan Carlos Mesa y dirigida por Palito Ortega, en la que Balá comparte protagonismo con Las trillizas de oro. Hay humor, canciones (como la inolvidable "Somos maniquíes", leitmotiv del film), una máquina para poder volar y un final a pura acción en el Italpark. Una curiosidad es que el título de la película iba a ser Las sobrinas de Charlie, para aprovechar la popularidad que la serie Los ángeles de Charlie tenía en televisión por esos años.La programación preparada por la señal de cable continúa con Las locuras del profesor (1979), estrenada un año después, también con Palito en la dirección, pero esta vez con una historia firmada por Víctor Sueyro. En su papel del profesor de Ciencias Naturales Sócrates Pérez, torpe pero querido por los alumnos, Carlitos despliega todo su histrionismo y el timing humorístico que para entonces ya lo había convertido en un referente del humor en televisión.La propuesta vespertina del fin de semana se completa con Locos por la música (1980), tal vez la menos personal de la lista. Vehículo musical para artistas del momento (desde Los Iracundos hasta Bárbara y Dick, Silvana Di Lorenzo o Jairo), Carlitos aglutina los distintos segmentos presentados como suerte de videoclips, sosteniendo una ficción en la que lidera a un grupo de música que lleva el título del film. Lo acompañaba Graciela Alfano, decidida a abandonar la picaresca, que había cultivado en la década previa junto a Jorge Porcel y Alberto Olmedo.Spotify, por su parte, también se sumó al festejo y de común acuerdo con Sony Music Argentina agregó a su plataforma algunos de los primeros discos del artista. La oferta comenzó con El especial de Balá (1974) y Un paseo por la Boca (1978), pero la idea de la discográfica es continuar subiendo el resto de su discografía hasta el mes de diciembre, a dos títulos por mes. El primero lanzamiento de septiembre será Ganó la bandera (1978), cuyo tema principal está dedicado al triunfo argentino en el mundial.Carlitos Balá festeja 96 años en su casa, cerca de sus afectos y esperando el momento de volver a situarse en el centro de la escena con su pantalón blanco y su campera roja, para preguntarle una vez más a los chicos de edad, y a los chicos de alma: "¿Qué gusto tiene la sal?".

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