actor

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Gary Oldman: el rol que evitó que dejara su carrera, la serie que lo volvió al centro de la escena y los secretos de un actor camaleónico

Olvídense del imaginario elegante, hedonista y sofisticado de James Bond. En el quinto subsuelo del MI5, agencia de inteligencia interior del Reino Unido, se encuentran los Slow Horses (Caballos lentos), agentes desterrados por haber fallado (muy feo) en su misión de proteger la seguridad nacional británica. Y al frente de este grupo abocado a tareas insignificantes, tediosas, rutinarias y bastante burocráticas, se encuentra Jackson Lamb. Quien fuera una gloria para el mundo del espionaje hoy pasa sus días alcoholizado, fumando, desaliñado y sucio, maltratando a sus subalternos y comiendo unos apestosos fideos thai.Bajo la piel de este verdadero dechado de incorrecciones, brilla sir Gary Oldman, protagonista principal de Slow Horses, serie policial y con mucho humor negro que el miércoles próximo estrena su sexta temporada por el servicio de streaming Apple TV.En medio de la gira promocional, LA NACION conversó, vía zoom y en exclusiva, con el laureado actor y director inglés.-Sin spoilear nada, ¿qué podés adelantarnos de esta nueva temporada?-Digamos que dos ex-Slow Horses mueren misteriosamente. En realidad se trata de asesinatos, pero ante nuestros ojos los hacen aparecer como muertes accidentales. Enseguida descubrimos que hay una lista negra con todos los exagentes que tienen que ser sistemáticamente eliminados. De ahí en más, somos nosotros tratando de llegar al fondo de la cuestión, averiguar qué está pasando y quién está detrás de todo esto. Inevitablemente, en un momento el camino nos lleva hasta el escritorio de Diana Tafner (interpretada por Kristin Scott Thomas), subdirectora general del MI5 y rostro corporativo, moderno, eficiente y ambicioso de la inteligencia británica.Thriller político con los ojos puestos en el perfil administrativo de los servicios secretos, Slow Horses está basado en la saga de libros escritos por el británico Mick Herron desde 2010. Inscripta en la tradición literaria del maestro del espionaje, John Le Carré, la pluma de Herron desnuda los engranajes miserables que mueven a las dirigencias gubernamentales, mientras retrata personajes psicológicamente inestables y humanamente complejos.Adaptando respetuosamente los materiales originales, la serie se estrenó por Apple TV el 1º de abril de 2022. Ganador de dos premios Emmy y siete BAFTA (equivalente inglés de los Oscar), el programa cuenta también con los talentos actorales de Kristin Scott Thomas, Jack Lowden, Jonathan Pryce y Hugo Weaving, entre muchos otros. Los seis episodios de la sexta temporada (a estrenarse uno por semana hasta el 21 de octubre próximo) articulan la crítica a través del cinismo y el sarcasmo. Enfrentando los peligros reales del mundo contemporáneo, los disfuncionales espías deberán llegar a un desenlace que, como de costumbre, emparenta el éxito con la decadencia institucional.-¿Los enemigos de los Slow Horses están fuera o dentro de los servicios secretos?-Por lo general están dentro. Y creo que esa fue una de las razones que alejaron a Lamb del centro neurálgico del poder en el MI5. Para sobrevivir y poder hacer bien su trabajo, tenía que tomar distancia de las intrigas burocráticas en el interior de las agencias de inteligencia. Que es el enfoque más realista que la serie tiene para ofrecer.-¿Este es el verdadero ambiente de los espías?-Es lo que ocurre en todo el mundo y lo estamos viendo. ¿Lo estamos viendo, no? Cuántos gobiernos muestran una cara ética y mantienen un discurso íntegro frente a la ciudadanía; y después descubrimos que detrás de escena, en secreto, estaban haciendo otras cosas completamente distintas. Por lo general, privilegian los intereses personales por sobre los colectivos. La corrupción. Todos los días, inevitablemente, nos enfrentamos a eso.Punto culminanteSid Vicious en Sid y Nancy, Lee Harvey Oswald en JFK, Drácula en la versión cinematográfica de Francis Ford Coppola, Beethoven en Amada inmortal, Sirius Black en la saga fílmica de Harry Potter, George Smiley en El Topo de John Le Carré, James Gordon en la trilogía de Batman de Christopher Nolan, Winston Churchill en Las horas más oscuras, Herman J. Mankiewicz (mítico guionista de El ciudadano) en la biopic Mank y Harry Truman en Oppenheimer, el escritor John Cheever en Parthenope.Apretado listado de los personajes que Oldman ha interpretado a lo largo de casi 50 años de carrera. Sin embargo, su hijo dilecto ha resultado ser este brillante, cínico, antihigiénico, vicioso, malhablado y manipulador agente del MI5. Jackson Lamb, arrolladora criatura de ficción que en 2022 le hizo dar marcha atrás con su intención de abandonar para siempre la profesión. Algo que, por ahora, suena bastante lejano, sobre todo con una séptima temporada de Slow Horses ya filmada y la posibilidad cierta de rodar otras dos.-Dijiste que Jackson Lamb es tu personaje soñado. ¿Por qué?-Porque es el antihéroe por excelencia. En este mundo políticamente correcto, donde permanentemente se nos dice cómo tenemos que proceder, qué tenemos que comer y cuánta cantidad de alcohol podemos tomar, Lamb no tiene filtros sociales. Ninguno. Dice lo que piensa, fuma y bebe lo que quiere, come comida chatarra. No le importa lo que digan los demás y, encima de todo, es inteligentísimo. ¿A quién no le gustaría comportarse así, con ese nivel de libertad, aunque sea por un ratito?-Lamb, ¿es o se hace?-Por su higiene y aspecto físico, podríamos decir que todo le da igual, pero está claro que no es así. Probablemente, le importe todo mucho más que al resto. Ese es el juego que juega, su manera de moverse en el mundo del espionaje.-¿Esas características ya estaban en las novelas originales?-Sí, claro. Es un personaje magnífico porque está muy bien escrito. Y también he contado con directores maravillosos y un grupo de trabajadores (actores, técnicos y demás) que me han facilitado las cosas. Después de seis años juntos, ya nos sentimos como una gran familia. Y congeniar con tantas personas talentosas y agradables es algo realmente excepcional. Todo eso confluye en Slow Horses y por eso Jackson Lamb es un verdadero punto culminante para mi carrera.-¿Cuánto de Lamb hay en Gary Oldman?-Cuando interpretás a alguien durante tanto tiempo, llegas a conocerlo a fondo y terminas llevando su ADN contigo. Pero espero no haber adoptado ninguna de sus costumbres.Cada vez que se enfrenta a una catástrofe inevitable, Jackson Lamb mueve sus fichas siguiendo uno de los dos mandamientos básicos del negocio: "Las Reglas de Moscú" o "Las Reglas de Londres". Según el propio Herron, "Moscú implica cubrirse las espaldas, mientras Londres significa cuidarse el culo. Las primeras reglas fueron escritas en la calle para garantizar la seguridad del grupo. Las segundas, en los pasillos del Parlamento, para cargarle culpas y responsabilidades a cualquier otro".-En la vida cotidiana, ¿qué regla suele seguir Gary Oldman?-Un anónimo dicho popular: "A las medias se las elige por el color. A los amigos, por sus valores".

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John Malkovich ganó el premio a Mejor Actor en el Festival de Venecia, pero no estuvo para recibirlo

Malkovich, de 72 años, fue premiado por su interpretación de un veterano agente de la CIA en la película de Martin McDonagh, ambientada en Chile poco antes del golpe de Estado de 1973.Con este reconocimiento, su nombre genera expectativa para una posible coronación en los Premios Oscar.

John Malkovich gana el premio al mejor actor en Venecia con un filme sobre Chile

El veterano intérprete estadounidense fue galardonado en Venecia por su papel como un agente de la CIA en una comedia negra aclamada.La cinta, ambientada en Chile antes del golpe de 1973, explora el intervencionismo y secretos de la agencia en un tono irónico.

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Peggy Sol, la actriz que vivió 16 años en Canadá, resistió a las crisis y vuelve a los escenarios a los 81

Peggy Sol, tal vez, siguió los pasos que su mamá había soñado como propios y no pudo concretar. Debutó a los 4 años y usó su verdadero nombre, Élida Lapadú, hasta que ganó un concurso en el que buscaban a la Rita Pavone argentina y Pinky le sugirió que lo cambiara por uno más "punch". Pronto se le abrieron las puertas de la televisión, el teatro y el cine. En los 90, cuando mermó el trabajo y perdió su casa porque no podía pagar el crédito, se mudó a Toronto, Canadá, donde vivió durante 16 años. Volvió porque su hijo se casaba y también porque su mamá y su hermano se enfermaron. Y se quedó, aunque no era su plan. Hace doce años que vive en la Casa del Teatro y está contenta con su presente porque el 12 de septiembre vuelve a trabajar después de muchos años. Peggy es una de las actrices de La verbena de la Paloma, una zarzuela con más de treinta actores y cantantes en escena, con dirección de Jorge Mazzini, que se presentará en el Teatro Avenida. Se la ve radiante con esta oportunidad de subirse otra vez a un escenario y mostrar lo que sabe. Durante uno de los ensayos conversó con LA NACION sobre su vida en Canadá y lo complicado que fue insertarse en una sociedad tan distinta a la nuestra. Habló de los motivos de su vuelta al país, de la decisión de vivir en la Casa del Teatro y recordó sus inicios. "Estoy muy contenta con este presente y ojalá sea la apertura para más trabajo. Hace poco me llamó una productora para darme un libro. Siento que tengo ganas de trabajar y mucha energía todavía. Cumplí 81 años y no me siento de esa edad. Creo que es genética; mi madre murió a los 100 años y mi abuela vivió hasta los 112. No sé si quiero tanto porque son muchos [risas]", cuenta la actriz mientras se despoja de su personaje de la zarzuela, en donde interpreta a Severina, una de las vecinas del barrio de la verbena. â??Es tu vuelta al trabajo después de muchos añosâ?¦â??Sí. Volví de Canadá en 2014 y desde entonces hice muy poquitas cosas. Hice un unipersonal sobre la vida de Sara Bernal, que había hecho también en Toronto y en Ontario. Y con Nora Carpena hicimos radioteatro con público, con un libro de Alberto Migré, y fue una muy linda experiencia porque se recreaba toda la radio de aquella época. Hice además la obra Viento, con Déborah Fideleff y dirección de Gabriel Rovito. Y después ahí paré.â??¿Fue un impasse involuntario? â??Sí, porque hay poca ficción. Tengo la suerte de haber vivido la época de oro de la televisión. Y quizá también tuvo que ver con que estuve muchos años fuera del país. Sin embargo, la gente no me olvidó y me doy cuenta porque me meto mucho en las redes y me recuerdan con cariño. Tengo la suerte de no haber sido olvidada, a pesar del tiempo que pasó. Y ahora La verbena de la Paloma me trae de vuelta. â??¿Ya habías trabajado con Mazzini?â??Ya había trabajado con Jorge Mazzini en una obra muy graciosa que hacíamos con Diana Maggi. Hace un tiempo nos vimos en una reunión de Argentores, pero no se habló de trabajo. Y ahora me dio la sorpresa de llamarme para uno de los personajes. Aparte, la zarzuela es un género que adoro porque me subí por primera vez a un escenario cuando tenía 4 años, bailando español. Me formé cuando las escuelas integrales no existían, en la Escuela Nacional de Danzas, estudié dibujo, pintura y arte escénico. Mi mamá un día me confesó que ella se proyectaba mucho en mí porque le hubiera gustado ser artista y cantante, así que me acompañaba a todas partes y fomentaba mucho esa parte artística que tuve desde que nací. Sus iniciosâ??¿Y cómo llegaste a la televisión?â??Le había hecho una coreografía a la señora Sara Benítez, que era una cantante paraguaya radicada en Buenos Aires y casada con Roberto Rosales, un productor de Canal 7. Yo era bailarina, pero a veces se me ocurría cantar y este señor me escuchó y me dijo que tenía que hacer los cuadros musicales cantados y bailados. Me conectó con un programa de Radio Splendid que buscaba a la Rita Pavone argentina. Pensé que no tenía nada que ver con ella, pero me presenté igual y gané el segundo puesto; primera salió Elisa Salvador, que era una chica que se parecía muchísimo físicamente a Rita. De ese concurso también participaron Cristina Alberó y Claudia Mores, la mujer de Nito Mores. Yo tenía 16 años. El premio era estar en Sábados circulares y el madrinazgo de Pinky y Fito Salinas, y un contrato para RCA para grabar un disco doble. Y ahí empecé. Después me encontré un representante, el señor Raúl Villarino, que me acercó a Canal 13, donde trabajé muchísimo. Hasta que cambió la cosa políticamente y se analizó mucho la televisión.â??¿Fue Pinky la que te cambió el nombre?â??Sí, me dijo que Élida Lapadú no tenía "punch" [risas]. Me sugirió Peggy que me sonó medio foráneo, pero ella me dijo que los cantantes se llamaban así. Me gustó y lo adopté y le agregué Sol. Fue curioso cuando llegué a Canadá porque me contrataron para un show musical y me presenté con mi nombre verdadero, pero había mucha comunidad argentina y me decían "¡pero usted es Peggy Sol!". â??¿Esos cambios te llevaron por otros rumbos?â??Sí. En los 90, la televisión ya no era la misma. Coincidió con que tenía un crédito que no pude pagar; tuve que vender y me quedé sin departamento. Me decidí a ir a Toronto porque allí estaba Lidia Calb, la exmujer de Oscar Rovito, y nos habíamos hecho muy amigas cuando yo hice El violinista sobre el tejado. Ella estaba en Canadá y yo no lo pensé dos veces. Ya mi hijo tenía 27 años, ya estaba grande y se desenvolvía solo. Todavía no me explico cómo decidí irme a un país con otra idiosincrasia, otro idioma. Rumbo a Canadáâ??¿Cómo fueron tus años en Toronto?â??Tuve que aprender inglés, tomé cursos intensivos y cuando llegué tuve que hacer voluntariado. Entonces, como tengo conocimiento de realización de máscaras, hice eso. Me formé con mi papá también en pintura porque era dibujante y después seguí estudiando en el Prilidiano Pueyrredón y en Fernando Fader. Empecé a hacer ese tipo de cursos con la gente que asistía al Centro Paraguayo Hispano y después hacía mis máscaras y las iba a vender a Montreal. Además, cantaba tangos para la colonia italiana y la hispana. Y después me conecté con Daniel Irrazabal, quien organizaba el Festival de Cine Hispano en Toronto y me contrataban para esos días y para el de la tradición. Hice teatro también: me eligieron para ser una de las esposas de Neruda en una obra hermosa que se llamaba Un hombre llamado Pablo. â??Digamos, que te armaste una vida nueva...â??Sí. Me fui en 1998 y recién empecé a viajar a Buenos Aires en el año 2002. No fue fácil porque los sajones son muy fríos... Nosotros tenemos otro feeling, otro sentimiento. Somos latinos y eso se nota.â??¿Por qué volviste?â??Porque mi hijo me dijo que se casaba; ya se había recibido de ingeniero en sistemas. Tenía la idea de volver a Canadá, pero se complicó la cosa porque se enfermó mi hermano [que luego falleció] y mi mamá estaba con Alzheimer y tuve que quedarme. Nunca más volví. "Armé de nuevo mi vida"â??¿Desde ese momento vivís en la Casa del Teatro?â??No. Primero alquilé un PH en Boedo, pero no pude seguir pagando porque perdí mi pensión en Canadá. Hay un convenio con ese país que dice que tenés que vivir seis meses allá y como no volví, perdí ese derecho. El aumento del alquiler fue tan drástico que no tenía adonde ir y el director Hugo Gregorini me sugirió que hablara con Linda Peretz para ir a la Casa del Teatro. â??¿Cómo te sentís en la Casa del Teatro?â??Muy bien. Linda está en todos los detalles. Tenemos un profesor de teatro con el que hacemos improvisaciones y hay talleres cognitivos. Mi hijo vive en Rosario con su mujer y mi nieto, que se llama Lorenzo Giovanni. Así que acá armé de nuevo mi vida, de alguna manera. Tengo un carácter emprendedor y me lo tomo como un desafío porque sé que voy a poder vencer todas las dificultades. â??¿Qué recuerdos tenés de esos años de oro de la televisión y el teatro?-Hice muchas comedias musicales, que es lo que más me gusta. Y revistas hice solamente dos porque me costaba mostrar mi cuerpo. El que me convenció de hacer revista fue una pareja mía, Acho Manzi, el hijo de Homero Manzi. Lo conocí haciendo un espectáculo en Michelangelo con Pedro Sombra, un coreógrafo de aquella época de Ramona Galarza, y Acho era representante de Los de Salta. Entonces Acho me convenció de hacer revista y como yo estaba enamorada, le hice caso. Hice Los verdes están en el Maipo, con Mimi y Norma Pons y otra que producía Ricardo García, que me llamó porque su mujer, Ethel Rojo, estaba operada y no se recuperaba todavía., "Me tenés que salvar porque no consigo vedette", me pidió. â??Ancho fue tu segunda pareja, ¿no? ¿Y tu primer matrimonio con quién fue?â??Mi primer matrimonio fue con un comerciante, que además fue el padre de mi hijo. Mis parejas siempre fueron de cuatro años [risas]. Ya en Canadá no me enamoré y, desde entonces, estoy sola y me siento muy bien...â??¿Cómo era trabajar con Darío Vittori?â??Hice muchos ciclos de comedias con Darío Vittori, con Nino Fortuna Olazábal, los Bredeston y con Juan Carlos Dual. Darío era todo un personaje. Hacíamos giras por el interior y él tenía su escenografía que trasladaba en un micro... Viajábamos de noche y con María Fiorentino bromeabamos. Él manejaba siempre con su señora al lado. Y cuando íbamos a comer, después de la función, quería elegir el plato por nosotras porque ya lo había probado y le parecía que estaba riquísimo. Un tipo muy amoroso. También trabajé con José Marrone apenas empecé; me había hecho muy amiga de Juanita Martínez, su mujer, e hicimos giras juntos. Hice películas con el Pato Carret... Fueron épocas maravillosas. Hice una linda carrera, quizá no estridente, pero trabajé bien y en lo que me gusta; entonces, el saldo es positivo.

Marvin Hagler, el boxeador "Maravilloso": cómo le habría peleado a Monzón, por qué fue actor y su muerte misteriosa

Varios detalles confluyeron en sus destinos. Campeones mundiales de los medianos entre 1970-77 y 1980-87, con muchas defensas exitosas. Poder destructor sobre los rings. Reconocimiento internacional a través de la historia. Incursión por los sets de filmación. Muertes prematuras. Hubiesen protagonizado una de las peleas que todo el planeta boxeo habría querido ver y al día de hoy resulta imposible imaginar un resultado. Se respetaban mutuamente. Cuando se retiró uno, y luego de una breve impasse, irrumpió el sucesor. Uno era de Santa Fe; el otro, de New Jersey. Carlos Monzón siempre supo que Marvin "Marvelous" Hagler hubiera sido el rival más duro de su carrera. Un adversario realmente maravilloso, como su apodo. "Cuando fui campeón me sentí muy honrado, uno de los mejores pesos medianos del mundo. Pero sentía como si Carlos Monzón, por sus 14 defensas exitosas, siguiera siendo el gran campeón. Me llevaba diez años y me habría encantado enfrentarme con él. Las 160 libras [categoría medianos, 72,500 kilos] siempre ha sido la división más difícil en el boxeo. ¿Cómo le hubiese peleado? Por mi estilo ortodoxo, probablemente habría peleado en la corta distancia, para poder entrar en su largo alcance. Monzón tenía una de las mejores manos derechas del boxeo, como Tommy Hearns. Aprendí mucho de él, creo que me ha ayudado mucho". Hagler, el hombre que llegó a las 12 defensas, sentía algo especial por Monzón y no lo ocultaba.El propio Monzón, de una vida mucho más tormentosa postboxeo, sentenciado a prisión luego de asesinar a su segunda mujer (Alicia Muñiz) en febrero de 1988, llegó a presenciar varias de las grandes peleas de Hagler en la era dorada de los "Four Kings", con Ray Sugar Leonard, Tommy Hearns y Roberto "Mano de Piedra" Durán. Y admitió que, sin dudas, Marvelous Marvin Hagler habría sido un contrincante durísimo por su estilo avasallante, resistencia, agresividad y, sobre todo, por su capacidad para invertirse de guardia. Si algo tenía Hagler que volvía locos a los oponentes era su habilidad para pararse como zurdo o diestro, de acuerdo con las circunstancias y/o necesidades. "¡Me impresionó! Sobre todo la pelea contra Hearns, asumiendo la ofensiva. Hagler me hubiese costado trabajo, me costaba mucho pelear con zurdos. Los enfrenté de aficionados. Ellos están acostumbrados a pelear con derechos, pero los derechos con zurdos, muy poco. Pero no hay que comparar, cada uno en su época", relató el argentino cuando fue consultado sobre un hipotético cruce.Para Monzón, la muerte llegó a los 52 años, en un accidente automovilístico cuando regresaba de una salida transitoria a la cárcel de Las Flores, donde cumplía su condena. Para Hagler, el fallecimiento se produjo a los 66, en su casa en New Hampshire, por razones naturales, según el dictamen. Ello, pese a que Hearns, su ex rival, denunció la posibilidad de que el sorpresivo deceso se hubiese producido por efectos colaterales de una vacuna del Covid 19, lo cual generó un gran revuelo.// // //Había algo en Hagler que intimidaba incluso antes de que sonara la campana inicial: la cabeza rapada, la mirada fija, un cuerpo compacto que parecía especialmente construido para soportar golpes y la percepción de que para ganarle se necesitaba algo más que un buen golpe.Durante años fue un campeón sin demasiado glamour. No era verborrágico como Muhammad Ali, no tenía la velocidad de Sugar Ray Leonard ni la personalidad de Roberto Durán. Hagler era otra cosa: disciplina, furia, resistencia. Y cuando finalmente consiguió todo lo que había perseguido desde adolescente, se convirtió legalmente en Marvelous Marvin Hagler, campeón mundial indiscutido de los medianos y dueño de una de las épocas más extraordinarias que haya conocido el boxeo. Nació el 23 de mayo de 1954 en Newark y su segundo nombre era Nathaniel. De infancia humilde, cuando tenía 13 años graves disturbios que sacudieron Newark afectaron directamente a su familia. La violencia llegó hasta su barrio y la situación terminó provocando que su madre, Mae, se llevara a sus hijos a Brockton, Massachusetts. Brockton era una ciudad obrera y también tenía una tradición boxística enorme: allí había nacido nada menos que Rocky Marciano, el temible noqueador de los pesados.En plena adolescencia, Hagler descubrió el lugar que terminaría cambiándole la vida: el gimnasio de los hermanos Petronelli. Goody y Pat Petronelli entendieron rápidamente que aquel muchacho tenía algo diferente. En 1973 ganó el campeonato nacional amateur mediano. Abandonó la escuela y empezó a trabajar, mientras boxeaba.Hagler no tenía detrás una maquinaria promocional. Para conseguir reconocimiento tuvo que viajar a Filadelfia, donde estaban varios de los mejores medianos de Estados Unidos. Allí aprendió una de las grandes lecciones de su carrera: nadie iba a regalarle nada. Enfrentó tres veces a Willie Monroe. Peleó con Bennie Briscoe, el hombre que casi pone KO a Monzón en el Luna Park, el día que el campeón buscaba desesperadamente el reloj del estadio para ver cuánto quedaba. Combatió con nombres que, en aquella época, le podían arruinar la carrera a cualquiera. Su récord comenzó a crecer hasta que ya no pudieron seguir ignorándolo. Había algo más que una buena izquierda. Hagler podía combatir como zurdo, cambiar de guardia, presionar durante 6, 8 o 10 asaltos, según el combate. Y si era necesario, convertir una pelea técnica en una batalla.El campeónEn 1980, tres años después del retiro de Carlos Monzón tras su segunda victoria sobre el colombiano Rodrigo Valdez, le llegó la gran oportunidad, en Wembley, ante el campeón y local Alan Minter. A quien venció por KOT en el tercer round y conquistó el título mundial de los medianos. Habían sido necesarias 54 peleas profesionales para llegar hasta ese sitial. Empezaba otra gran historia de los medianos. Y Hagler tenía cómo escribirla. Su reinado terminó siendo de casi siete años y acumuló 12 defensas del título, contra las 14 que tenía Monzón. Se transformó en el campeón al que muchos buscaban evitar. Pero claro, la tentación de los grandes promotores, sumados a los millones de dólares en danza, resultaron el cebo irresistible. Y empezaron a aparecer los grandes nombres en su camino. En 1983 fue Roberto Durán. El panameño había sido campeón mundial de varias categorías, desde los livianos y enfrentado dos veces a Sugar Ray Leonard (un triunfo y una derrota, el día que se fue del ring, frustrado, en el 8° asalto) y estaba intentando conquistar una nueva categoría. Hagler era favorito, pero Durán, con un récord de 77-4, consiguió algo que parecía imposible: llevarlo hasta el último round. Fue una pelea áspera, inteligente, incómoda. Durán hizo trabajar al campeón como pocos antes. Hagler terminó ganando por decisión unánime, pero aquella noche aprendió algo importante: incluso siendo campeón, podía ser llevado hasta el límite. A falta de Monzón, en 1984 otro argentino se cruzó en el camino de Hagler: Juan Domingo "Martillo" Roldán. El cordobés, que tenía 27 años y una marca de 52-2-2, protagonizó una de las grandes sorpresas de la carrera de Hagler: en el primer asalto, lo derribó. Fue la única caída oficial de su carrera. "Llegué preparado como nunca, lo tuve al borde del nocaut, pero se me escapó. Yo había comenzado realmente bien; creo que hasta el propio Hagler se vio sorprendido. Fueron dos peleas en una, del primero al tercero, y otra, del cuarto en adelante", contó Roldán en su autobiografía."Hagler era muy vivo, ya que en el tercero me metió un dedazo en el ojo derecho, que enseguida se me cerró. No veía nada, él giraba para ese lado y me pegaba repetidamente en esa zona. Me lo hizo a propósito, pero era una estrella y en Estados Unidos no lo iban a descalificar por eso. Hagler era un monstruo. Fue una pelea difícil pero no imposible. De no haber existido ese maldito dedo en el ojo el resultado hubiera sido otro".Fue victoria de Hagler por KOT en el 10°, reteniendo los títulos del CMB y FIB de los medianos. Aquella pelea también tuvo una consecuencia curiosa: Hagler empezó a ser todavía más respetado por el público argentino. Y el nombre de Monzón siempre sonaba fuerte cada vez que se hablaba de Marvin. Era la pelea imaginaria que nunca llegó.Monzón había dominado los medianos durante la década anterior. Hagler hizo algo parecido en los años 80. Ambos podían controlar una pelea durante 15 asaltos y tenían una derecha peligrosa. Además de construir reinados larguísimos.Pero tenían personalidades boxísticas diferentes: Monzón era más cerebral, dosificador de golpes y administrador de la distancia con el jab, hasta que soltaba el cross de derecha. Hagler era más volcánico: presionaba, cambiaba de guardia, buscaba lastimar. De alguna manera, Monzón marcó el camino de Hagler y Hagler le mostró cómo construir una carrera de largo alcance a su sucesor: "El Verdugo" Bernard Hopkins.El increíble round con HearnsLo que nadie pensaba después de la victoria sobre "Martillo" Roldán era que a Hagler, con 30 años, le quedarían apenas cuatro peleas. Cuatro combates pesados: Mustafá Hamsho (38-2-2), Thomas Hearns (40-1-0), John Mugabi (25-0-0) y Ray Sugar Leonard (33-1-0). Las tres primeras ganadas y la última, una derrota polémica.La de Hearns fue impactante. Se celebró el 15 de abril de 1985, en el Caesars Palace, de Las Vegas. Quisieron llamarla "The Fight" (La Pelea), pero en rigor fue "The War" (La Guerra). Se miraron largamente, casi sin pestañear. "La Cobra de Detroit" sólo había perdido con Leonard en 1981 y venía de poner KO a "Mano de Piedra" Durán. Imaginó otra pelea. "Yo salí con la idea de boxear y me encontré con otra cosa", admitió tiempo después. El round de antologíaFue, acaso, el primer más round más frenético de la historia del boxeo. Pasaron no más de 10 segundos y Hagler desató una lluvia de golpes sobre Hearns, que inevitablemente se prendió en una lucha cuerpo a cuerpo, de golpe por golpe, casi ininterrumpidamente. Cuando iban 2m15s parecía que ya había transcurrido más de media pelea. ¡Impresionante! Y en ese ritmo descomunal, el más tocado fue Hearns: sintió muchos de los golpes del destructor. Fue una noche que sonrió muchas veces: la sonrisa evidencia que el impacto dolió. La pelea terminó en 8 minutos y fracción, cuando Hagler, que había sufrido un corte sobre el ojo izquierdo, conectó un par de golpes letales que terminaron por derrumbar a Hearns. Que se levantó como pudo, pero casi que se desplomó sobre el referí Richard Steele (un clásico de aquellas grandes peleas) porque no podía con su alma. Nunca olvidó aquella derrota abrumadora. La imagen de Hagler, en tanto, se agigantó: había sometido a un castigo increíble a un noqueador serial, alguien desacostumbrado a recibir castigo. Fue elegida como la pelea del año y sigue siendo considerado uno de los combates más espectaculares de la historia.También crecieron sus bolsas. Que solían oscilar entre 3 y 5 millones de dólares. Esa pelea con Hearns le permitió lograr unos 8 millones, más porcentajes sobre la recaudación. Llegó a ganar US$ 40 millones en su carrera, que al día de hoy serían unos US$ 117 millones. ¿Monzón? Otros tiempos: por su última pelea, con Valdez, percibió 500.000 dólares y fue su mejor bolsa.Derrota, bronca y retiroPara "El Maravilloso" Hagler, que había crecido en un hogar humilde, era una transformación extraordinaria. Aún así, dejaba frases que lo marcaban: "Es difícil levantarse para correr a las cinco de la mañana cuando estás durmiendo en pijama de seda". ¿Qué le faltaba? El último gran capítulo: Sugar Ray Leonard.Con un récord de 62 triunfos (52 por KO), dos derrotas (ambas en 1976) y dos empates, Hagler, con 33 años, afrontaba un duelo especial, frente a otro de los "Four Kings". El único que le faltaba luego de ganarles a Durán y a Hearns. Un Leonard que desde 1982, cuando se le detectó un desprendimiento de la retina izquierda había realizado una sola pelea hasta ese 6 de abril de 1987. Parecía una locura la pelea. Hay quienes sostienen que Sugar, si bien no combatía oficialmente, sí hacía guantes con sparrings de categoría y esperaba apelar al "factor sorpresa" ante un oponente de renombre a modo de revulsivo para su interrumpida carrera. Nada mejor que Hagler.Leonard tenía velocidad, inteligencia y una capacidad extraordinaria para cambiar el ritmo de una pelea. Hagler quería destruirlo como a Hearns, pero Sugar era un bailarín extraordinario, una presa más difícil de encerrar. El dominio fue repartido. El título era de Hagler y la sensación, tras los 12 rounds, era que no había perdido el cinturón del CMB. Dos tarjetas dieron los mismos números (115-113), aunque con vencedores diferentes. La tercera, de Jo Jo Guerra, fue un despropósito: 118-110 para Leonard. Hagler jamás aceptó realmente aquella derrota. Muchísimos aficionados y especialistas tampoco. Para Hagler fue mucho más que un revés: fue el final. La decepción resultó tan grande que nunca más volvió a pelear. A pesar de que Leonard lo tentó en varias ocasiones para revivir el choque. No hubo caso. Hagler se fue sin haber sido noqueado. Sí, como Monzón. La vida familiar (sí, como Monzón) tuvo turbulencias. Hagler se había casado en 1980 con Bertha Walker y tuvieron cinco hijos. Diez años después, luego de una fuerte discusión que, aseguran, terminó con el ex campeón reventando pesados ceniceros sobre uno de sus autos, se divorciaron. Previamente, y luego de perder con Leonard, hubo denuncias y disputas domésticas que terminaron en los tribunales. Hagler negó haber tenido problemas con las drogas y el alcohol, como trascendió en algún momento, y quiso cambiar de vida. Sintió que necesitaba aires diferentes y se marchó a Italia. Se instaló en las afueras de Milán. Se hizo aficionado a los autos, en especial a los Porsche. Pero lo más curioso fue que en el Viejo Continente no se dedicó a entrenar a futuros pugilistas, sino a un oficio muy distinto: el de actor. Sí, como Monzón. Hagler participó en varias publicidades de TV y en películas de acción entre 1989 y 1997, como "Indio" e "Indio 2", donde personificaba a un marine, y "Virtual Weapon", junto a Terence Hill. "En las películas necesitaba un nuevo desafío en mi vida", admitió. Y dejó una frase muy pintoresca: "Me gusta mucho actuar porque no recibo golpes y no es real". Las apariciones de Monzón en los sets de filmación arrancaron cuando todavía era campeón mundial e incluyó productos como "La Mary" (1974), con Susana Giménez; "Soñar, soñar", "La cuenta está saldada", "El Macho", "Amigos para la Aventura", "Las Locuras del profesor" y "Un loco en Acción", hasta 1983.Hagler también trabajó como comentarista de boxeo para la televisión británica. Italia, en realidad, terminó siendo mucho más que un lugar de trabajo. En 2000 se casó con Kay Guarrera, una italiana, y la pareja mantuvo una vida entre Italia y Estados Unidos.Hagler disfrutaba especialmente de la vida lejos del ruido del boxeo. No necesitaba estar permanentemente frente a las cámaras. Después de haber sido durante años una de las personas más observadas del planeta, parecía disfrutar precisamente de lo contrario: tranquilidad.Una muerte extraña y la denunciaKay fue su compañera durante las últimas décadas. Y cuando Hagler murió el 13 de marzo de 2021 en su casa de New Hampshire, fue ella quien comunicó la noticia. Tenía 66 años. La noticia cayó como un golpe. No estaba enfermo, o al menos, no era algo que se supiera públicamente. Su muerte fue presentada como inesperada, por "causas naturales". Su hijo James informó que Hagler había tenido dolores en el pecho y dificultades para respirar antes de ser llevado a un hospital. Pero oficialmente no se difundió una enfermedad concreta como causa de muerte.En los días posteriores circularon rumores en las redes sociales que relacionaban su muerte con una de las vacunas contra el COVID-19, a partir de una publicación en las redes de Thomas Hearns. "La Cobra" adujo que había tenido charlas personales con su ex rival y que le habría confesado que no estaba bien, dándole referencias a que podría tratarse de efectos colaterales de una vacuna aplicada en el último año para combatir el coronavirus. Y la teoría tomó un vuelo mayor al pensado durante unos días. Kay Hagler salió inmediatamente a desmentirlo. "No existe evidencia de que una vacuna haya provocado su muerte", sostuvo. Quedó como un trascendido, aunque Hearns jamás se retractó.

La esposa de Bruce Willis contó cómo logran compartir momentos en familia pese al avance del cuadro del actor

Desde que Bruce Willis fue diagnosticado con demencia frontotemporal (DFT), su familia decidió acompañarlo lejos de la exposición constante y adaptar su vida cotidiana a las necesidades del actor. Según reveló su esposa Emma Heming Willis en una entrevista a la revista Hello!, el avance de la enfermedad no eliminó los momentos de conexión, afecto y hasta diversión que todavía pueden compartir con él.Para ella, una de las claves fue entender que la demencia modificó algunas formas de relacionarse, pero no borró el vínculo construido durante años. "Lo verdaderamente hermoso de ver durante todo este proceso es cómo todos nos entregamos con todo nuestro corazón para apoyarlo, cómo lo amamos profundamente, respetando al mismo tiempo la forma en que cada persona elige expresar ese amor", aseguró."Creo que el equilibrio que hemos encontrado es simplemente un reflejo de quién es Bruce en esencia; es el resultado de todo el amor y el apoyo que sembró a lo largo de los años, que ahora le regresa", continuó sobre la relación que tiene tanto ella como sus hijas con él. Bruce y Emma tuvieron dos hijas en común, Mabel, de 14 años, y Evelyn, de 12 años. Si bien la estrella de Hollywood posee otras hijas mayores, las adolescentes fueron las que vieron los cambios más repentinos del actor ante el avance de su enfermedad. Con ayuda de su madre entendieron que hoy la forma de vincularse con su padre es muy diferente, pero no necesariamente imposible."Que a alguien le diagnostiquen demencia â??en cualquiera de sus formasâ?? no significa que su vida haya terminado ni que se haya apagado por completo. Todavía hay mucha diversión, muchas risas y muchas conexiones esperándote. Hay todo un mundo de amor que permanece intacto", expresó Emma, agradecida con su esposo por enseñarle una nueva forma de amar. "La idea de que la demencia es una miseria implacable y absoluta cada minuto del día es un mito absoluto. Tenemos muchísimos momentos cotidianos que todavía nos resultan graciosos y, afortunadamente, seguimos riendo", remarcó. ¿Qué enfermedad tiene Bruce Willis?La familia de Bruce Willis anunció en 2022 que el actor se retiraría de la actuación después de recibir un diagnóstico de afasia, un trastorno que afecta las capacidades relacionadas con el lenguaje. En febrero de 2023 llegó una actualización más precisa en la cual los médicos determinaron que Willis padecía demencia frontotemporal, conocida por sus siglas DFT.Según el portal de medicina Mayo Clinic, la demencia frontotemporal, también conocida como degeneración lobular frontotemporal, comprende un grupo de trastornos neurodegenerativos asociados principalmente con alteraciones en los lóbulos frontal y temporal del cerebro. Según la variante y el paciente, puede afectar progresivamente aspectos como el comportamiento, la personalidad, el lenguaje y la comunicación.A diferencia del Alzheimer, esta enfermedad puede comenzar en edades mucho más tempranas. "A menudo comienza entre los 40 y los 65 años, aunque también puede ocurrir más adelante en la vida. La demencia frontotemporal causa demencia en alrededor del 10 % al 20 % de los casos", remarcó el sitio especializado.

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Emma Heming Willis habló sobre los cambios que ha provocado la enfermedad y respondió a una de las preguntas que recibe con mayor frecuencia sobre el actor

Ruby Rose se suma a las acusaciones de abuso contra Noel Clarke, actor de 'Doctor Who': "Lo reporté y a nadie le importó"

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La expareja del actor de 'Sin senos sí hay paraíso', contrajo matrimonio el 29 de agosto de 2026 con Santiago de Aubeyzon, un ejecutivo vinculado al mundo del fitness generando reacciones en redes

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El primogénito del famoso actor convirtió su pasión por la cocina en una carrera exitosa. El recuerdo de una de sus declaraciones sobre las habilidades culinarias de su padre.

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Juan Fernández reconoció que está preocupado por la actriz, aunque prefirió reservarse los detalles sobre su situación y dejó claro el profundo cariño que siente por ella

Javier Bardem y Penélope Cruz recibieron la mayor ovación del Festival de Venecia: las lágrimas de la actriz y el beso de su esposo

Penélope Cruz y Javier Bardem presentaron Bunker, su nueva película juntos, en el Festival Internacional de Cine de Venecia, y terminaron protagonizando uno de los momentos más destacados de la semana tras recibir la mayor ovación hasta el momento por su labor en el film dirigido por Florian Zeller. La pareja española había acaparado el centro de las miradas antes de la proyección en su arribo a la ciudad italiana y en la alfombra roja, pero la recepción que tuvo la presentación superó las expectativas: casi 16 minutos de aplausos que emocionaron a ambas estrellas en la sala. Entre lágrimas, la actriz agradeció al público y recibió un beso en la mejilla de su esposo, como así lo refleja el material compartido por medios como Deadline. View this post on Instagram La película se convirtió hasta el momento en la producción que recibió la ovación más prolongada de esta edición del festival y quedó cerca de alcanzar uno de los registros más destacados de la historia reciente de la muestra, como los 17 minutos que consiguió La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar, en 2024. View this post on Instagram En la ficción, Cruz y Bardem interpretan a un matrimonio que atraviesa una profunda crisis. El actor encarna a Miguel, un prestigioso arquitecto que recibe un encargo para la construcción de un búnker por parte de un multimillonario y lo que en un principio aparece como una importante oportunidad laboral comienza a modificar su vida personal cuando el proyecto ocupa cada vez más espacio en su vida. Cruz interpreta a su esposa, quien cuestiona el cambio de actitud de su marido. A partir de esa situación, la película aborda cuestiones relacionadas con el aislamiento, el poder, el dinero y los vínculos personales. El elenco se completa con Patrick Schwarzenegger, Paul Dano y Stephen Graham. View this post on Instagram Bardem y Cruz, quienes están casados desde 2010, volvieron a compartir pantalla así después de coprotagonizar en el pasado películas como Jamón, jamón, Vicky Cristina Barcelona y Pablo Escobar: la traición. Durante su paso por Venecia, la actriz aseguró que entre ambos existe "un buen equilibrio entre lo personal y lo profesional" y explicó que no buscan trabajar juntos de manera permanente. En la conferencia de prensa, la conversación también giró alrededor de algunos de los temas que atraviesan la película. Cruz se refirió a la concentración de poder y manifestó su preocupación por la influencia que pueden ejercer sobre la sociedad aquellas personas que acumulan enormes fortunas.Bardem, por su parte, defendió el derecho de los artistas a expresar públicamente sus opiniones políticas y sostuvo que quienes forman parte del mundo del cine tienen, como cualquier ciudadano, libertad para pronunciarse sobre las cuestiones que consideran importantes.El actor de 57 años y su mujer, de 52, ya habían coincidido en el Festival de Cannes, aunque con películas diferentes. Bardem formó parte del elenco de El ser querido, donde interpreta a un padre autoritario, mientras que Cruz protagonizó La bola negra, film en el que encarna a una cantante de cabaret. Tanto Cruz como Bardem cuentan con un premio Oscar en sus respectivas carreras, ambos en la categoría de mejor interpretación de reparto. La actriz también fue reconocida en Venecia con la Copa Volpi por su trabajo en Madres paralelas, la película de 2021 dirigida por Pedro Almodóvar.Bardem, por su parte, obtuvo el máximo reconocimiento en Venecia por sus interpretaciones en Antes que anochezca, en 2000, y Mar adentro, en 2004, un doble triunfo que es un logro alcanzado por un grupo reducido de intérpretes.

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La frase del querido intérprete que es una lección inspiradora sobre el envejecimiento, hacerse mayor, la aceptación y la incertidumbre.

Una actriz de La Familia Ingalls contó todo lo que vivió en los rodajes: "Era como en Mad Men, el almuerzo de los tres martinis"

Para millones de espectadores, La Familia Ingalls siempre representó un modelo de familia a seguir. La serie seguía la vida de Charles y Caroline, dos padres que deben mudarse a Walnut Grove para mejorar la calidad de vida de ellos y sus tres hijas: Mary, Laura y Carrie. Sin embargo, detrás de cámaras, la realidad era bastante diferente a la tranquilidad que transmitía la ficción.En una entrevista al podcast Here's What Happened con Weston Emery, la reconocida actriz Alison Arngrim, quien interpretó a la villana Nellie Oleson en la serie, reveló que uno de los grandes problemas que existía en aquella época era que tanto los actores como el personal detrás de cámara tenían un consumo excesivamente elevado de alcohol y cigarrillos."Venían de una época en la que todo el mundo fumaba y todo el mundo bebía, prácticamente todo el tiempo. No había comida sana, ni opciones vegetarianas ni magdalenas sin gluten. Era como en Mad Men, el almuerzo de los tres martinis", recordó la mujer de 64 años, quien hizo un comparativo con los grandes cambios que hubo posteriormente en Hollywood. El punto de reunión después de los intensos rodajes era en el camión de utilería y, allí, grandes y chicos compartían momentos juntos. "Los encargados de la utilería se ocupaban de las bebidas alcohólicas, los cigarrillos y los dulces, así que todos pasaban el rato en su camión", explicó. Además, aclaró que "gracias a Dios" los menores que participaban de la serie permanecían al margen de ese ambiente.Una de las situaciones que más la impactaban, aun sin tener tanta conciencia de lo que sucedía, estaba relacionada con la cantidad de cerveza que podía consumir el personal de producción. La actriz aseguró que escuchó en una oportunidad la preocupación ante la posibilidad de quedarse sin bebidas. "Tuvimos que enviar a alguien a la tienda porque nos queda poca cerveza; algunos días son dos cajas, otros tres, como mínimo dos y media, y ahora solo nos queda una. Si nos quedamos sin cerveza, la producción se paralizará por completo", recordó sobre lo que se hablaba tras bambalinas. Pese al consumo que existía, algo que destacó es que ningún adulto tomaba al punto de verse imposibilitado de trabajar. "Nadie estaba borracho en el set. Estos tipos se subían a escaleras y colgaban luces, y yo pensaba: 'Sé que viven a base de cerveza. ¿Cómo lo hacen?'", enfatizó.Algo que le parecía maravilloso en aquel momento era que el sector de utilería al final del día funcionaba como un bar rodante. "El camión tenía un bar completo y, al final de cada día, cuando terminaban, montaban una especie de barra con una tabla sobre un par de caballetes y entonces se ponían a beber de verdad", explicó.Pero, según recordó la estrella de la serie, las ideas más descabelladas para seguir consumiendo alcohol llegaban con las fiestas de Navidad y Año Nuevo que organizaba la producción. Pese a eso, siempre se designaba una suerte de "conductores responsables" que debían mantenerse en condiciones para llevar a las personas a sus hogares. "Su tolerancia era increíble, porque eran de la época de los años 50... donde se bebía y se fumaba. No les parecía raro", concluyó.

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El drástico cambio de vida de Ethan Suplee, el actor de My Name Is Earl que perdió más de 110 kilos

Alcanzó la fama como Randy Hickey, el entrañable hermano de Earl en My Name Is Earl, la serie que protagonizó junto a Jason Lee entre 2005 y 2009. Con el paso de los años, también llamó la atención por su impresionante transformación física: llegó a pesar unos 243 kilos y logró perder más de 110. Hoy, Ethan Suplee tiene 50 años y continúa vinculado al mundo de la actuación, pero además convirtió su experiencia personal en una herramienta para ayudar a otros a abordar la obesidad. Desde 2020 conduce American Glutton, un podcast en el que aborda el tema desde diferentes perspectivas y conversa con especialistas y personas que atravesaron experiencias similares.Una relación conflictiva con la comida desde la infanciaLa relación de Suplee con el sobrepeso comenzó mucho antes de su llegada a Hollywood. Según contó, a los cinco años sus abuelos, preocupados por su tamaño, decidieron ponerlo a dieta. La restricción tuvo un efecto adverso: empezó a esconder comida para poder comerla lejos del radar de los adultos. En el primer episodio de American Glutton, recordó incluso cómo comenzó a comer a escondidas cuando quería una segunda porción de lasaña. View this post on Instagram A los 10 años, Suplee ya pesaba más de 90 kilos y a partir de entonces se sucedieron las dietas, los resultados temporales, los abandonos, nuevas fórmulas y frustraciones. Esa dinámica marcó su vínculo con la comida durante la adolescencia. En esa etapa, además, comenzó a consumir alcohol y drogas como una forma de evadirse de su realidad.Cuando empezó a trabajar como actor, a los 16 años, su peso ya era una parte importante de su vida cotidiana y también condicionaba los personajes que le ofrecían: las propuestas apuntaban, en general, al típico "chico gordo". Pese al encasillamiento, Suplee intentó que su tamaño no fuera el centro de sus personajes. "Nunca quise hacer algo en lo que fuera el gordo que era el blanco de un chiste sobre gordos", contó en una entrevista con People.Sus primeros pasos en HollywoodLa serie Boy Meets World fue su primer trabajo importante. Allí interpretó a Frankie "The Enforcer" Stechino, un papel ocasional que terminó convirtiéndose en un personaje recurrente. Participó en 19 episodios entre 1994 y 1998. Según recordó años después, su personaje no estaba pensado originalmente para extenderse tanto: después de su primera jornada de trabajo le propusieron regresar la semana siguiente.A partir de allí comenzó a construir una carrera que combinó televisión y cine. Trabajó en varias películas de Kevin Smith, entre ellas Banda en fuga (1995), La otra cara del amor (1997) y Dogma (1999), y en 2000 integró el elenco de Duelo de titanes, donde compartió pantalla con Denzel Washington. Más adelante llegarían El lobo de Wall Street (2013) y Babylon (2022). Pero fue en 2005 cuando consiguió el personaje que definiría su carrera.En My Name Is Earl, Suplee interpretó a Randy Hickey, el hermano menor del protagonista, un hombre de buen corazón, ingenuo y con una personalidad muy diferente de la de Earl. La serie seguía a Earl Hickey â??interpretado por Jason Leeâ??, un hombre acostumbrado a vivir al margen de la ley que, después de ganar la lotería y sufrir un accidente, decide reparar los daños que les causó a otras personas.Suplee fue parte del show durante sus cuatro temporadas, emitidas entre 2005 y 2009, y Randy se convirtió en uno de los personajes más queridos de la comedia. Si bien su físico formaba parte de la identidad visual del personaje, detrás de cámara el actor ya había comenzado un largo proceso para cambiar su relación con las drogas, el alcohol y la comida. En 2002 había conseguido mantenerse sobrio y también había iniciado su camino hacia la pérdida de peso, aunque durante los años siguientes atravesó distintas etapas, con grandes descensos y posteriores recuperaciones.Una persona fundamental para su recuperaciónEn medio de ese largo proceso hubo una persona que fue fundamental para Suplee: Brandy Lewis, con quien en la adolescencia compartió una larga amistad y con quien se reencontró desde otro lugar en 2001. "Por primera vez, no sentí una profunda preocupación de alguien por mi salud. Me sentí completamente aceptado por quien era y no por cómo me veía", explicó. Después de aproximadamente un año de relación, Suplee se replanteó su futuro. "Por primera vez en mi vida, me interesé en el futuro y en vivir experiencias con ella, como pasar un día caminando por un museo, hacer un viaje o salir de excursión, cosas que físicamente no podía hacer". View this post on Instagram Brandy se convirtió así en uno de los principales motores de su transformación. La pareja se casó en 2006 y tiene cuatro hijas. Suplee, sin embargo, aclara que su felicidad no llegó simplemente por bajar de peso. "No puedo decir que perder peso me haya hecho más feliz. No creo que eso sea cierto", reconoció a People. "Creo que alcanzar algo que me propuse conseguir me dio un volumen de felicidad bastante grande". View this post on Instagram A los 50 años, Suplee continúa trabajando como actor y mantiene una actividad constante alrededor de American Glutton. El podcast sigue publicando episodios semanalmente y en los últimos meses abordó cuestiones como el mantenimiento del peso, la relación con la comida, la disciplina y la imagen corporal. El programa también le permite conversar con figuras vinculadas al bienestar y la transformación personal. El 31 de agosto, su invitado fue Jim Curtis, coach y autor que además es la pareja de Jennifer Aniston. Juntos hablaron sobre la influencia de la mentalidad, las experiencias de la infancia y las historias que cada persona construye sobre sí misma. View this post on Instagram La muerte de Hayden Panettiere, con quien había compartido elenco en Duelo de titanes, también llevó a Suplee a recuperar un episodio de su pasado. En un texto publicado en su Substack, recordó el estreno de la película, en 2000, cuando atravesaba una fuerte adicción a la heroína. Contó que la actriz, que entonces tenía 10 años, corrió hacia él en la alfombra roja y lo abrazó. "Al sostenerla, me sentí más liviano; parte de su energía y su inocencia se me contagiaron y, por un momento, mi sonrisa fue genuina", escribió.El recuerdo también lo llevó a hablar de la persona que era entonces y de todo lo que vino después. "El milagro de mi vida no fue simplemente pedir ayuda, sino encontrar el coraje para aceptarla", escribió en ese mismo texto. Más de dos décadas después de aquel estreno, su historia es muy diferente. Suplee consiguió mantenerse sobrio, transformó radicalmente su cuerpo y convirtió los aprendizajes de ese recorrido en una conversación que mantiene abierta, tanto desde su podcast como desde sus propias experiencias.

Cristian Belec en X-Men: cómo fue el paso del actor argentino por Hollywood

El modelo y actor murió a los 47 años. Además de integrar "100 días para enamorarse" y protagonizar numerosas campañas publicitarias, fue elegido como doble de Michael Fassbender en "X-Men: Primera generación", una superproducción filmada parcialmente en la Argentina. Leer más

Clint Eastwood, actor y director de 96 años, sobre la vejez: "A medida que te haces más viejo, dejas de temer a la duda. La duda no tiene el control"

Una frase sobre madurez: la duda puede seguir presente, pero ya no tiene por qué manejar el rumbo.La experiencia enseña a convivir con la inseguridad sin obedecerle.

La familia de Carla Jeffery responde a las especulaciones tras la muerte de la actriz

La actriz de Zombies murió a los 33 años y, hasta el momento, no se ha informado públicamente la causa de su fallecimiento

Centro Democrático respondió al abogado Miguel Ángel del Río luego de llamar "actor" a Álvaro Uribe tras su indagatoria: "Menos libreto"

El Centro Democrático defendió al expresidente Álvaro Uribe Vélez y calificó de "curioso" que lo llamaran "actor", pues sostuvo que el líder natural de la colectividad solo ha buscado defender su "inocencia"

Luke Newton, actor de "Bridgerton", alzó la voz contra el odio hacia su pareja tras denuncia por acoso de fans

El artista británico respaldó a su novia luego de que ella denunciara tres años de hostigamiento en internet

Ian McKellen, actor de 87 años: "Nadie tiene por qué sentir lástima por mí ni por nadie que haya sido víctima del éxito"

El galardonado intérprete ofrece una cita inspiradora sobre las dificultades, el éxito, las metas, la responsabilidad, la gratitud y la humildad.

A los 47 años, murió el actor y modelo Cristian Belec

Participó en diversas producciones audiovisuales nacionales e internacionales. Su vínculo con Hollywood y el actor Michael Fassbender.

Fan ve a Diego Boneta y cree que es Luis Miguel: así reaccionó el actor ante la inesperada confusión

El protagonista de "Luis Miguel, la serie" tomó con humor el curioso episodio y terminó abrazando a la mujer que le pidió su firma

Murió Cristian Belec, modelo y actor de 100 días para enamorarse, a los 47 años

Una triste noticia sacudió al mundo del modelaje argentino. El viernes 4 de septiembre murió Cristian Belec, a los 47 años, reconocido por sus producciones como modelo tanto en el país como en el extranjero y por sus producciones en campañas publicitarias. La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores y Actrices, donde estaba afiliado desde hacía 10 años. "Despedimos al actor y modelo Cristian Belec. Desarrolló una actividad artística extensa y diversa, con trabajos en publicidad, cine, TV, videoclips y producciones vinculadas a la moda. Acompañamos en este doloroso momento a sus seres queridos", informaron a través de un comunicado. Hasta el momento no se confirmaron las causas de su fallecimiento.Nacido el 8 de abril de 1979, Carlos Cristan Belec ganó gran popularidad por su trabajo como modelo en producciones gráficas y editoriales tanto nacionales como internacionales y en publicidades de reconocidas marcas de bebidas, supermercados, alimentos, indumentaria, petroleras, entre otras. En 2018 hizo una participación en 100 días para enamorarse, telenovela de Telefe creada por Sebastián Ortega y protagonizada por Carla Peterson, Juan Minujín, Nancy Dupláa y Luciano Castro. Asimismo, estuvo invitado al programa El Show Creativo (elnueve) y participó de los videoclips de "El buen bailarín" del grupo Sindicato Mono, "Pánico" de Starpunks y "Tu luz en mí" del grupo Corto plazo, como así también del cortometraje La visita.Belec tenía su cuenta de Instagram pública. Allí compartía imágenes de sus distintas producciones como actor y modelo. Su último posteo en el feed data del 16 de octubre de 2025 y se trató de un video de una campaña publicitaria de una marca de lácteos.

Juan Pablo Shuk, 60 años: "Para un actor colombiano es un alivio no hacer de narco"

Habló sobre su carrera y el peso que tuvieron las historias de narcotráfico en la televisión y el cine de su país.Contó por qué le resultó atractivo interpretar a un delincuente en Los internacionales, una ficción ambientada en la Argentina de 2001.

Kurt Russell, actor de Hollywood de 75 años: "A medida que envejeces y te queda poco tiempo, te planteas con mayor intensidad lo que has hecho y lo que quieres hacer con el resto de tu vida"

Una valiosa lección sobre la segunda mitad de la vida.

Clint Eastwood, actor y director de 96 años, sobre la vejez: "Cuando me levanto todos los días, no dejo entrar al viejo"

Clint Eastwood, el actor estadounidense recordado por protagonizar la Trilogía del dólar, es un fanático del golf. A sus 96 años sigue muy activo física y mentalmente, lo que le permitió hasta hace poco seguir su trabajo como director de cine. Es por eso que todos los que lo conocen quedan sorprendidos con su energía, algo que hizo al fallecido cantante de country Toby Keith consultarle qué era lo que lo motivaba a despertarse todos los días y no dejar de luchar por sus sueños. A lo que Eastwood respondió espontáneamente: "Me levanto todas las mañanas y salgo. Y no dejo entrar al viejo". Esta frase quedó marcada en la cabeza del compositor, quien terminó por escribir el sencillo "Don't Let the Old Man In", que luego fue utilizado en la película La mula, dirigida por el propio Clint. En el film, el actor interpreta a Earl Stone, un hombre de edad avanzada que atraviesa problemas económicos y familiares hasta que comienza a trabajar como transportista para un cartel de drogas. Pero ¿qué quiso decir la estrella de Hollywood con esta frase?Con su afirmación, Eastwood no pretendía negar el paso del tiempo ni las limitaciones que pueden aparecer con los años. Su mensaje apuntaba a no permitir que la edad determinara de antemano su manera de vivir, sus capacidades o sus ganas de emprender nuevos desafíos."No dejar entrar al viejo" representa, en ese sentido, una actitud frente a la vida, que puede ser mantenerse en movimiento, conservar la curiosidad y evitar que los prejuicios vinculados con la vejez se conviertan en una barrera.La frase también invita a diferenciar la edad cronológica de la manera en que cada persona se relaciona con ella. El paso de los años es inevitable, pero Clint Eastwood sostiene que la forma de transitarlo puede depender, al menos en parte, de la disposición para no dejar de aprender, trabajar y encontrar nuevos propósitos.¿Qué dice la canción inspirada en la frase del actor de 96 años?Una de las razones por las que Clint Eastwood quiso aceptar el sencillo "Don't Let the Old Man In" en su película fue porque representaba plenamente su pensamiento sobre la vida y lo que buscaba plasmar en el film. "Y supe toda mi vida que algún día terminaría. Levántate y sal afuera. No dejes entrar al viejo", expresa su estribillo.

Murió Carla Jeffery, actriz de "Zombies" de Disney, a los 33 años

La intérprete estadounidense, recordada por su papel de Bree en la exitosa franquicia juvenil, falleció el 1 de septiembre. Su representante confirmó la noticia y solicitó respeto por la privacidad de la familia. Hasta el momento, no se informó oficialmente la causa de la muerte. Leer más

Qué se sabe de la muerte de Carla Jeffery, la recordada actriz de Disney

La actriz Carla Jeffery, que se destacó en diferentes producciones de Disney para el público juvenil, murió el martes 1 de septiembre, aunque la noticia se dio a conocer más tarde, mediante un comunicado de su representante.La joven de 33 años fue encontrada sin vida y aún se desconocen las causas del fallecimiento, dado que se esperan los resultados de la autopsia forense.Qué se sabe de la muerte de Carla JefferyDadas las repercusiones de la noticia y ante la escasa información sobre la muerte de la actriz, lo que se sabe del deceso es por su círculo familiar, que desmintió rumores sobre las circunstancias del deceso. En principio, se descartaron dos escenarios hipotéticos sobre este hecho.Sus allegados aclararon, en primer lugar, que Jeffery no tenía relación con el consumo de sustancias, y por el otro, la policía confirmó que en la escena no hubo indicios de delito ni intervención de terceros.Cómo fue la carrera artística de Carla JefferyCarla Alexander, representante de la joven desde su adolescencia, comunicó el deceso al día siguiente a través de un escrito oficial. Según la agente, Jeffery fue una mujer vibrante y dueña de un talento excepcional. "Durante más de 20 años, tuvimos el privilegio de verla convertirse en una mujer hermosa, vibrante e increíblemente talentosa, cuya radiante sonrisa podía iluminar cualquier habitación", señaló Alexander en el comunicado. La representante destacó además el vínculo cercano que mantenía con la intérprete, a quien consideraba parte de su familia profesional. "Como Bree en la exitosa franquicia Zombies de Disney, Carla compartió su alegría, humor y espíritu radiante con el público de todo el mundo", agregó.Carla Jaran Jeffery nació el 10 de julio de 1993 en Houston, Texas, y desarrolló una trayectoria actoral desde pequeña. Su camino en las artes escénicas comenzó con el impulso de su hermano gemelo, Carlon, quien formó parte de la serie ANT Farm de Disney Channel. Este hecho motivó la mudanza familiar a California, donde Carla inició sus estudios de actuación. Su debut profesional ocurrió en 2006 con el filme Phat Girlz. Luego participó en programas como Curb Your Enthusiasm y iCarly. Sin embargo, alcanzó su mayor relevancia en la industria como Bree, la animadora y amiga de Addison en Zombies. Su partida generó una profunda conmoción entre sus seguidores, quienes hoy recuerdan su aporte al cine juvenil. Por qué se hizo una colecta para el funeral de Carla JefferyAnte la inesperada pérdida, sus allegados enfrentan dificultades económicas para afrontar los costos funerarios. Por este motivo, el padre de la actriz, Carl Jeffery, organizó una colecta de fondos a través del sitio GoFundMe con el objetivo de reunir US$40.000. La campaña, difundida también desde las redes sociales oficiales de la joven, busca apoyo financiero para cubrir los arreglos funerarios y del entierro. "Estoy creando esta recaudación de fondos para mi familiar cercana, Carla Jeffery, mientras enfrentamos la desgarradora pérdida de un ser querido. Este es un momento increíblemente doloroso y difícil para nuestra familia", expresó el padre en la plataforma.Cuál fue el mensaje de despedida del hermano de Carla JefferyCarlon, el hermano mellizo de Jeffery, difundió en sus redes sociales las capturas de los mensajes que le había enviado a Carla."Hola hermana, llamame cuando recibas esto. Solo te llamaba para saber cómo fue tu día. Te amo hasta la luna, ida y vuelta, hermanita. Solo quiero que sepas lo orgulloso que estoy de ti. Tu resiliencia, tu gracia, tu risa contagiosa que ilumina una habitación. Sos verdaderamente una luz que brilla con intensidad. No dejes que nadie apague esa luz, ni siquiera tú misma", publicó como despedida.

"Elegantemente salvaje": la modelo y actriz Jimena Buttigliengo habla de su vida en Ibiza, el amor y su primer libro

A sus 40 años, Jimena Buttigliengo dio vuelta la página y comenzó a escribir un nuevo capítulo de su vida en las playas de Ibiza. Instalada en la isla española desde hace tres años, la modelo y actriz dice que encontró en este rincón del Mediterráneo su lugar en el mundo. "Sé que para muchos Ibiza es sólo sinónimo de fiesta y verano, pero la realidad es que es mucho más que eso. Es un lugar supertranquilo, familiar y conectado con la naturaleza."Con mis hijos hacemos muchísimas actividades al aire libre: practicamos deporte, vamos mucho a la playa, navegamos, andamos a caballo y el lifestyle de acá es realmente muy lindo. También hay un sentido de comunidad muy fuerte con gente que está cerca y que te ayuda. Estamos rodeados de amor", cuenta entusiasmada la cordobesa y enseguida agrega: "Yo encuentro el balance perfecto entre la música y el wellness, el deporte, la playa, los atardeceres... es un verdadero paraíso". -Si mirás hacia atrás, ¿qué aprendizajes fueron los más transformadores? -Llegar a los 40 fue un "Wow". Todavía no puedo creerlo. A veces me miro al espejo y sigo sintiendo que soy una niña por dentro, pero me siento más enraizada. Estoy bien conmigo, con lo que soy. Este agosto tuve mucho tiempo para reflexionar y para darle las puntadas finales a mi primer libro, Raise the Vibes. -¿Es autobiográfico? -No, es más bien una recopilación de herramientas, aprendizajes y cosas que me ayudaron a transitar mi propio camino. No puedo contar mucho más, solo puedo decirte que nació de todo lo que fui viviendo. Hay momentos que fueron especialmente transformadores. -¿Cómo cuáles?-Como cuando fui elegida para participar en el concurso Elite Model Look, sentí que en ese momento ya estaba eligiendo mi destino. Irme a vivir a París también fue muy importante para mí porque me abrió completamente la cabeza y me hizo crecer en todos los sentidos... Y, por supuesto, ser madre fue y sigue siendo la experiencia más transformadora y espectacular que viví. Mi separación también fue un momento profundamente transformador. Creo que todo eso, lo lindo y lo complejo, me fue llevando hasta donde estoy hoy. Y de alguna manera, Raise the Vibes nace justamente de ese recorrido.-¿Qué lugar ocupa la palabra "éxito" en tu vida?-Me pasa algo muy particular. Por un lado, siento que en muchos sentidos ya me realicé. De chica tenía sueños muy concretos: quería ser modelo, viajar por el mundo, hacer producciones, trabajar en una películaâ?¦ y tuve la suerte de vivir muchas de esas cosas que alguna vez soñé. Sin embargo, hoy la vida me está llevando por otros caminos y entiendo el éxito como algo más relacionado con ver a mis hijos crecer. -¿Qué rasgo de tu personalidad considerás más seductor que cualquier atributo físico? -Mi autenticidad, mi intensidad, mi espontaneidad, mi sentido del humor. Me gusta ser elegantemente salvaje, latina, libre. Esas pueden ser características muy seductoras. Muchos también me dicen que tengo una voz muy particular, un poco grave, que es bastante reconocible y que puede resultar sexy. Pero creo que, más allá de cualquier cualidad física, lo que realmente puede resultar magnético es la manera en la que una persona vibra. -¿Cómo te llevás con la soledad?-No me molesta, pero tampoco me encanta. Me gusta muchísimo estar en pareja, la vida de a dos es más linda. Todavía no llegó ese amor mágico y tampoco siento que tenga que forzarlo. Si llega, llegará. Y esta vez sé que va a ser para siempre.-¿Qué es lo más desafiante de este momento?-Quizá, una de las cosas que más me cuesta es salir con amigos y quedarme hasta tarde. Prefiero ir a cenar o ver una peli. Pero, por lo demás, mi vida está llena de cosas que me entusiasman. Siempre tengo algún proyecto, algo que hacer: trabajo, viajes, mis hijos, deporte, amigosâ?¦ Me gusta mucho el amor y me parece que cuando aparece la persona indicada, la vida es mucho más linda. -¿Fantaseás con volver algún día a la Argentina? -Argentina es mi corazón. La amo profundamente y la llevo conmigo adonde voy. Cada vez que tomo mate, esté donde esté, siento que estoy un poquito más cerca. ¿Volver a vivir? No sé. Por ahora, voy a tener que estar acá por bastante tiempo, porque mis hijos necesitan estar cerca de su padre. Sí me imagino pasando temporadas allá, disfrutando de mi familia, de mis raíces, de esa energía que tanto extraño. Argentina es mi tierra, mis raíces, mi historia.-¿Qué lugar ocupa la creatividad en tu vida cotidiana? -Es mi forma de ser y de mirar la vida. Incluso siendo influencer siento que estoy creando todo el tiempo: una imagen, una historia, una idea, una manera de comunicar algo. Y también me gusta llevar esa creatividad a mi vida como madre. Me encanta que mis hijos sean creativos, así que hacemos muchas cosas en casa: manualidades, pintar, crear con las manos, inventar cosasâ?¦ actividades en las que usamos la mente y la imaginación. De hecho, hay una frase que tenemos escrita en la entrada de casa que para mí resume muchísimo lo que creo: "Imagination is more important than knowledge" ("La imaginación es más importante que el conocimiento"), de Albert Einstein. -¿Seguís creyendo en el amor romántico o esa mirada cambió?-¡Obvio que sigo creyendo en el amor romántico! Me muero si no es así. [Se ríe]. Creo en la fuerza del amor, en el flechazo, en el amor a primera vista y para toda la vida.-¿Estás lista para volver a enamorarte?-Sí. Mi corazón está abierto al amor. Después de mi separación, hubo un período de casi dos años en el que estuve bastante cerrada. De hecho, me tomó un tiempo volver a salir. Hasta que llegó un momento en que entendí que tenía que permitirme volver a vivir, a sentarme por primera vez a comer con alguien en un restaurante sin pensar tanto en todo. Me gustaría encontrar a alguien con quien tenga mucha conexión, planes a futuro y hasta casarme. Alguien auténtico e inteligente que me dé paz y mucho amor. â?¢Agradecimientos: Sacha Süssli @shecansee y @davidsiluan (fotos), @nicofreijo (estilismo), makeup_mary_dego (peinado y maquillaje) y trajes de baño @trilogiamagazine

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Murió a los 33 años Carla Jeffery, recordada actriz de Disney

El mundo de Disney atraviesa horas de conmoción tras conocerse la muerte de Carla Jeffery, actriz estadounidense reconocida por su interpretación de Bree en la franquicia Zombies. La artista falleció a los 33 años el martes 1.º de septiembre, aunque la noticia se hizo pública al día siguiente a través de un comunicado de su representante. La confirmación estuvo a cargo de Carla Alexander, quien acompañó profesionalmente a Jeffery desde su adolescencia. "Durante más de 20 años, tuvimos el privilegio de verla convertirse en una mujer hermosa, vibrante e increíblemente talentosa, cuya radiante sonrisa podía iluminar cualquier habitación", escribió en el emotivo texto."Como Bree en la exitosa franquicia ZOMBIES de Disney, Carla compartió su alegría, humor y espíritu radiante con el público de todo el mundo. Carla era más que una clienta; era parte de la familia", reconoció. Por último, Alexander solicitó a los medios y fanáticos de la joven que respeten el duelo que atraviesa la familia. "Nuestros corazones están con la familia y los seres queridos de Carla en estos momentos tan difíciles. Les pedimos respetuosamente que respeten su privacidad mientras atraviesan este duelo inimaginable. Descansa en paz, Carla. Tu luz jamás será olvidada", concluyó. A las pocas horas también se compartió en las historias de Instagram de la estrella de Disney Channel una publicación en la que se solicita ayuda a los más de 243 mil seguidores de la joven, con la intención de que con donaciones se pueda solventar el funeral. "Ayudá con los gastos del funeral de Carla Jeffery", se titula la imagen, en la que se explica que el funeral es organizado por Carl Jeffery, padre de la intérprete. Las donaciones no tienen un monto fijado, pero busca alcanzar los 40 mil dólares. "Estoy creando esta recaudación de fondos para mi familiar cercana, Carla Jeffery, mientras enfrentamos la desgarradora pérdida de un ser querido. Este es un momento increíblemente doloroso y difícil para nuestra familia, y estamos haciendo todo lo posible para unirnos, sobrellevar el duelo y asegurarnos de que Carla tenga el apoyo necesario para encargarse de los arreglos funerarios y el entierro. Perder a alguien nunca es fácil, y el peso emocional de este momento también ha traído un estrés financiero inesperado para nuestra familia", expresó su papá dentro del sitio GoFundMe, donde se lleva adelante la colecta.

Ailín Salas, la actriz argentina de bajo perfil que llegó al Festival de Venecia junto a John Malkovich

Ailín Salas dejó momentáneamente la paz de Traslasierra, adonde se mudó recientemente con su pareja, para sumergirse en la vorágine de La Mostra. La actriz que nació en Brasil -pero que se crio y desarrolló su carrera en la Argentina- viajó al Festival de Cine de Venecia para presentar Caballo salvaje nueve, la nueva película de Martin McDonagh (Tres anuncios para un crimen y Los espíritus de la isla) en la que comparte elenco nada menos que con John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi. El film, que este jueves tuvo su premiére mundial e integra la competencia oficial por el León de Oro, está ambientado en la antesala al golpe de Estado de 1973 contra Salvador Allende en Chile, y sigue a los agentes de la CIA Chris (Malkovich) y Lee (Rockwell), quienes desembarcan en la Isla de Pascua a pedido de su jefe, MJ (Steve Buscemi). Allí, entre los emblemáticos moáis (las famosas "cabezas gigantes") y la inmensidad del Pacífico, estos socios de larga data deben lidiar con el remordimiento por las atrocidades del pasado -y las que están por venir- y una misión particular, mientras intentan que dos estudiantes rebeldes (la actriz chilena Mariana di Girolamo y Ailín Salas) no descubran sus planes.Con un prometedor camino en la temporada de premios (y un estreno en la Argentina estimado para noviembre), la película de McDonagh sumerge al espectador en un viaje que oscila entre la política y el poder, la lealtad entre dos compañeros de vida, preguntas existenciales en torno a la culpa, el arrepentimiento y la búsqueda de redención, y una dosis brillante de humor mordaz que pone en la lupa el intervencionismo de la CIA en los trágicos acontecimientos de la historia chilena.Entre photocalls, ruedas de prensa y entrevistas en Venecia para promocionar el film (una coproducción entre Reino Unido, Estados Unidos y Chile), Ailín Salas se dispone a una entrevista virtual con LA NACION mientras intenta asimilar el sueño profesional que está cumpliendo a sus 33 años. Paradójicamente, no tiene otro trabajo en agenda cuando regrese a su hogar en la Argentina.-Caballo salvaje nueve es tu primera película en inglés. ¿Cómo llegaste al proyecto?-Hice tres audiciones para la película. Fue a través de un agente que tengo acá en Europa, que es alemán, se llama George y es lo más. Fue el primer trabajo que hicimos juntos. Que sea una película de Martin [McDonagh], a quien realmente admiro muchísimo porque es un gran director, y con este elenco espectacular, la verdad es muy soñado. -Debutaste en la pantalla grande a los 13 años bajo la dirección de Lucía Puenzo (en XXY) y tenés un extenso recorrido en el cine independiente, además de haber hecho teatro y televisión. ¿Se siente diferente o especial este paso en tu carrera?-Sí, actúo hace mucho, desde muy chica, siento que esto es parte de mí y de mi vida. Me siento muy afortunada de haber podido trabajar con un montón de directores que admiro de la Argentina. A esta película en particular la sentí como algo nuevo. Había algo desconocido para mí, entonces, también había miedo, pero también mucha expansión después de atravesarlo. La película tiene el ingrediente de que es la primera vez que actúo en inglés, sumado a que Martin es un director espectacular, por eso fue desafiante de muchas maneras y a la vez algo hermoso. Siento que crecí un montón aunque fue difícil por momentos. Y también creo que te hace crecer mucho el intercambio cultural y la posibilidad de trabajar con gente de otros lados. -¿Qué fue lo más difícil? -Sobre todo lo del idioma. Además del inglés, también hay momentos en los que mi personaje, que es chilena, habla en español, así que tuve que practicar un acento diferente al mío. Eso fue lo que más me costó, trabajar en la manera de expresar mi voz en otro idioma o en otro acento, pero el resto fue un placer. Obvio que estaba muy asustada y por momentos intimidada, pero, a la vez, los actores son lo más: John [Malkovich], Sam [Rockwell], y Martin es muy amoroso y cálido. Había una calidad humana muy linda, me sentí en paz en ese sentido. Hay muchas ideas que uno se puede hacer sobre una persona de Hollywood, pero ellos fueron muy amorosos, muy respetuosos y muy divertidos, también.-La historia toca un punto sensible y delicado de la historia de Chile y de Latinoamérica. ¿Te interpeló de una forma diferente?-Totalmente, sí. Creo que Martin tiene una visión muy particular y puede crear con diferentes ingredientes, a veces contradictorios o incompatibles, un mundo nuevo; es muy talentoso. También me parece muy valioso que la película muestre esa historia de la CIA, que siento que en cine no está tan visto; sí lo de las dictaduras, pero desde otro punto de vista. Está bueno recordar todo ese recorrido en el mundo en el que vivimos hoy donde, si bien no es lo mismo, siguen pasando cosas terribles que tienen que ver con ese intervencionismo. -Y el director no se tomó estos temas a la ligera...-Es muy profunda la película porque tiene muchas capas. Está la parte más política e histórica, también la parte más humana de los vínculos y la parte existencial de esa persona que hizo cosas terribles. Siento que es muy compleja la película, que tiene muchas cosas sucediendo a la vez y no es fácil hacer que todo eso conviva. Me parece casi un milagro artístico y a la vez valiente por los temas delicados que se tocan. -Hoy es el estreno mundial, en Venecia. ¿Cómo lo estás viviendo?-Estoy muy nerviosa pero muy feliz; Venecia es increíble, nunca había estado ni en el festival ni en la ciudad. Estuve en otros festivales pero nunca en uno tan grande como este ni en competencia oficial.-¿Tuviste tiempo de asimilar todo esto que te está pasando?-Estuve surfeando las olas, porque además el mundo es una locura. Vienen siendo años muy complejos en un montón de aspectos, pero siento que en este año en particular se empezaron a acelerar muchas cosas y todo está cambiando. Hay una sensación medio general con la gente que hablo de cosas que se están terminando, cosas que están cambiando; es un momento movilizante. No sé si me detuve mucho a asimilar. Siento mucho agradecimiento y me paro en eso, en agradecer las experiencias que viví con esta película. Y las que sigo viviendo, porque también estar acá en Venecia es una experiencia hermosa y muy desafiante porque estaba muy asustada, pero también me hizo crecer. Y tener la oportunidad de seguir haciendo lo que amo hacer en nuestro contexto en Argentina, que está muy difícil.-¿Cómo ves la situación del cine en Argentina y del cine independiente, en el que tanto trabajaste? -Muy complicada, la verdad. En nuestro país estamos viviendo un momento muy duro. Ver cómo estamos es muy triste, pero me gusta pensar que para adelante vienen cosas mejores y que la fuerza de la unión entre las personas crea posibilidades. Tengo las dos cosas, un lado pesimista de que está todo mal, y también otro de pensar que la unión hace la fuerza y de buscar nuevas maneras de atravesar los momentos difíciles y de luchar por lo que nos corresponde y por lo que sentimos que es justo.-¿Cómo sigue tu camino laboral? -Mi futuro es una incertidumbre total, estoy abierta a que venga lo mejor. Es muy día a día, en la Argentina la situación está muy complicada y no tengo ningún trabajo de acá en adelante, por ahora. Lo que proyecto es seguir haciendo lo que amo, aprendiendo y viviendo experiencias. La vida de los actores no es muy sencilla que digamos. Bueno, no sé de quién es sencilla la vida, pero el del actor es un trabajo muy irregular. Uno tiene que estar dispuesto a atravesar esos momentos de mayor incertidumbre; yo estoy dispuesta porque es lo que amo hacer y lo voy a seguir haciendo, sea donde sea. -¿Cómo te preparás emocionalmente para esos momentos de inestabilidad? -Trato de ser agradecida. Soy muy emocional, así que paso por muchos estados emocionales [se ríe]. También soy muy tímida, entonces, estas cosas quizás me cuestan más. Amo actuar y amo el momento de estar en el set, estaría todo el tiempo en un set si fuera por mí, pero esta parte me cuesta más. Así que, sí, es como lanzarme al vacío y que sea lo que Dios quiera, pero siempre intento dar lo mejor de mí.-¿Te gustaría seguir por este camino de proyección internacional?-Me encantaría trabajar tanto afuera como en la Argentina. Siento que es hermoso el intercambio cultural, me encanta viajar, conocer nuevos directores, nuevas miradas. También, para mí es necesario trabajar en la Argentina. Amo vivir en la Argentina. Me gustaría poder combinar las dos cosas.

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Quién es Hernán "Curly" Jiménez, el actor que interpreta a "Porcel" en la serie de Moria y atiende un café en Floresta

"Actor, director, marido, padre, trompetista en pausa, humorista, gordo y de Chaca", así se presenta Hernán Curly Jiménez en sus redes sociales. Aunque muchos otros lo conocen como "el compañero de Suar en la publicidad de los analgésicos" y desde hace varios días como "el Porcel en la serie de Moria". En diálogo con LA NACION, el artista cuenta cómo fue interpretar al actor fallecido en 2006, aunque no lleva su nombre en la ficción de Netflix, y un dato curioso: no había quedado en el casting, pero una semana después lo volvieron a llamar.Multifacético, tiene su café al paso en el barrio de Floresta, donde también vive. Un emprendimiento familiar que surgió de una necesidad económica en plena pandemia y que luego durante ciertos períodos le permitió elegir trabajos. Además, está terminando de grabar una serie vertical: "Es raro ver los monitores en vertical, pero hay que adaptarse".Versiones de Porcelâ??¿Cómo fue la convocatoria para participar de la serie de Moria?â??Se contactaron a través de mi representante para que hiciera un autocasting; no nos informaron mucho. Primero no quedé, se decidieron por otro actor, yo ya me había rapado porque tenía el no, y a los cuatro días me llamaron que se arrepintieron.â??Debe pasar bastante eso, ¿cómo lo manejás?â??Hay que mantener la entereza cuando es no, es no. Muchos factores influyen en los castings y solo si lo tenés claro, la podés pasar bien. Es fundamental para este trabajo: uno es humano y si hacés un casting querés ser parte, pero son más las veces que recibís un no que un sí. Son muchos años de convivir con la frustración. â??¿Cómo preparaste el personaje de este actor que es muy parecido a Porcel, pero que no es?â??Mire muy pocos videos, puntualmente la escena de una película que me pidieron para el casting, que es un poco parecida aunque no es igual. Pregunté qué Porcel querían e hice tres versiones, una más zarpada y así les di la paleta de posibilidades. Pero no vi demasiado porque es algo que está en el disco rígido; es la gente con la que uno crece, que se vuelve formacional sin que uno lo sepa. Algo curioso es que había hecho un casting hace muchos años para interpretarlo en una película de Mariano Olmedo protagonizada por Martín Bossi que no se estrenó. â??Tuviste revancha. ¿Cómo fue el trabajo con el director Javier Van de Couter?â??Él fue muy claro en qué cosas quería y qué cosas aún no sabía, entonces nos pusimos a bucear y a buscar juntos.â??Jorge Porcel Junior va a iniciar acciones legales, ¿qué te parece?â??Vi los titulares, él siempre me pareció un personaje, lo conozco, era amigo de mis amigos y tengo una visión de él con la que empatizo más allá del personaje, no sé qué relación habrá entablado con Netflix, pero tiene derecho de hacer lo que quiera. En la serie no se habla de Jorge, pero en lo que fueron notas y la promo sí, la gente linkea. Los nombres de mi personaje y el de Sebastián Rosso ni aparecen, pero todo el mundo sabe de quiénes se trata. Una garage, una oportunidadâ??Nos alejamos de la actuación, ¿tenés un café? ¿Cómo surgió el emprendimiento?â??Surgió en pandemia, en un momento en el que no había más ahorros y con mi señora dijimos: "¿Qué hacemos?" Ella es profesora de literatura y las clases estaban suspendidas o se hacían virtuales, así que empezamos a ver por dónde ir. Vivimos en diagonal a una plaza y descubrimos que el garage se podía transformar en un local, hay un colegio cerca, las calles tienen movimiento. Empecé a averiguar; me dieron un horno en comodato y una cosa lleva a la otra y cuando nos quisimos dar cuenta, estábamos armando un local. Empezó a funcionar; es un café al paso en Floresta y lo sostenemos como podemos, anduvo bien, pero no es ajeno a lo que pasa en el país. Empezamos con medialunas y café y sumamos otro tipo de facturas y rolls. Fue loco porque hacía veinte años que estábamos ahí y no nos habíamos dado cuenta del potencial. Fue muy bueno tener otra canasta para guardar los huevos; me permitió en un momento elegir qué trabajos hacer; hoy ya no.â??¿Fue la primera vez que hiciste algo propio fuera de lo artístico?â??No. He tenido taxi con chofer y otros emprendimientos, pero no demandaban mucho tiempo. A veces estoy yo al frente atendiendo, pero hay colaboradores. Tengo tres hijos, de 19, 24 y 31 años. Al principio el café era familiar y todos participaban.â??En paralelo, seguís con la publicidad de analgésicos con Adrián Suar. ¿Te dio mucha visibilidad?â??Sí, estamos desde hace nueve años. Estoy agradecido por la respuesta en la calle; la gente me ve y me grita el nombre del producto. Antes de eso trabajaba y la gente me identificaba, pero no me asociaba; pensaban que era un familiar de algún amigo o alguien del club. Entré por casting y fue todo un combo, trabajar con Adrián, el laboratorio, recuerdo que las primereas publicidades las dirigió Ariel Winograd que es un groso. Él encontró la esencia y buena onda; la dupla funcionó y habremos hecho más de 25. Me hizo laburar estilos distintos, desde la farmacia, estar en el espacio, Indiana Jones, vikingos, Frankenstein, Rocky, mucho para divertirse y es siempre un placer. Se mantiene la llama de la actuación.Telonero de David Bowieâ??¿Y la música quedó atrás? Llegaste a ser telonero de David Bowie...â??La trompeta siempre está; si tengo que tocar y juntarme con amigos de viejas bandas, sale. Pero no le puedo dedicar el tiempo que le dedicaba en su momento. Se abren a veces esas encrucijadas en las que hay dos caminos y me tocó elegir y fui por el teatro, que me deja cerca de la música. Cantar te ayuda en lo teatral. La música se puede poner en pausa, pero no muere. Yo digo que no soy gordo, sino que tengo al músico adentro. â??¿Cómo sigue tu año laboral?â??Estuve grabando una ficción vertical para Shorta, no se puede contar mucho, pero es muy divertida, es un formato nuevo y se trabaja de otra forma, es raro ver los monitores en vertical pero hay que adaptarse, las cosas avanzan en todos los rubros y está bueno y es una fuente más de laburo.â??¿Algo que se pueda contar de esta ficción?â??Se va a llamar Territorio neutral. No puedo contar mucho más; fueron tres días de grabación a full y se ve muy lindo. Hay otras cosas en vista, pero nada cerrado.â??Y disfrutando el momento con la serie de Moria...â??Sí, disfrutando Moria y todo lo que venga.

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En diálogo con Josh Horowitz para el podcast "Happy, Sad, Confused", la intérprete israelí repasó distintos momentos de su trayectoria, desde sus primeras oportunidades frente a cámara hasta los proyectos que definieron su lugar en Hollywood

La desagradable expresión de un actor ex compañero de Tom Cruise: "Anne Hathaway no es sexy, porque si no te diste cuenta, está embarazada"

En el transcurso del pasado fin de semana, Tom Cruise compartió un video en redes sociales en el que confirmó que ya estaba en marcha la secuela de Días de trueno, su popular film de 1990 ambientado en el mundo de las carreras Nascar. Pero la frutilla del postre, fue el anuncio de Anne Hathaway como la coprotagonista del largometraje, cuyo estreno está pautado para mediados del 2028. Y si bien en redes el entusiasmo fue generalizado, hubo un actor que optó por escribir una serie de comentarios repudiables.We need Nicole back. Don't be a pussy, @TomCruise. You need the original girl. It's not personal; it's filmmaking. Anne isn't sexy, because and if you haven't noticed, she's pregnant. https://t.co/7qid5SDnkv— Randy Quaid (@RandyRRQuaid) August 29, 2026Randy Quaid formó parte de la primera entrega de Días de trueno, y allí interpretó a Tim Daland, el empresario automotriz que recluta al personaje de Tom Cruise. Para la continuación, Quaid no estará presente, aunque sí decidió opinar de forma notablemente agresiva cuando en X escribió: "Necesitamos de vuelta a Nicole (Kidman, estrella de la primera parte). No seas cobarde, necesitás a la chica original. Esto no es personal, tiene que ver con el cine. Anne no es sexy, porque si no te diste cuenta, está embarazada".Anne Hathaway is a leftist, woke, horrible choice for DAYS OF THUNDER NASCAR audience who are MAGA. The sexy older chick for Tom in this film needs to be Nicole. That's the casting that would sell the idea. It's interesting because when we made the first one there was also aâ?¦— Randy Quaid (@RandyRRQuaid) August 29, 2026Más adelante, Quaid agregó: "Anne Hathaway es de izquierda, es woke, y una horrible elección para Días de trueno, cuya audiencia vinculada al Nascar es MAGA" (en referencia a los votantes Trumpistas). Como era de esperar, dichos comentarios fueron repudiados por usuarios en redes sociales y por una gran mayoría de medios especializados. Con respecto a su carrera profesional, Randy Quadi desde hace veinte años no logra estabilidad en el mundo profesional, y sus proyectos resultan cada vez más espaciados.Días de trueno, un esperado regresoEstrenada en junio de 1990, Días de trueno seguía el ascenso de Cole Trickle, un joven piloto talentoso, impulsivo y todavía inexperto, que buscaba abrirse camino en Nascar. Bajo la guía del jefe de equipo Harry Hogge, interpretado por Robert Duvall, el protagonista debía aprender a controlar tanto el automóvil como su propio temperamento. Por su parte, Nicole Kidman encarnaba a la doctora Claire Lewicki, mientras que el elenco se completaba con Randy Quaid, Michael Rooker, Cary Elwes y un joven John C. Reilly.El rodaje también tuvo una importancia decisiva en la vida privada de Cruise: allí conoció a Kidman, con quien inició una relación y se casó a fines de ese mismo año. Dirigida por Tony Scott y con música de Hans Zimmer, la producción fue presentada en aquel momento como una suerte de Top Gun sobre ruedas. La recepción crítica resultó dispar, pero la película recaudó cerca de 158 millones de dólares en todo el mundo y, con el paso de los años, se convirtió en un título de culto entre los seguidores de Nascar.El regreso no parece casual. Cruise y Bruckheimer ya demostraron con Top Gun: Maverick que una película emblemática de otra época puede encontrar una continuación capaz de sostener la nostalgia y, al mismo tiempo, conquistar a espectadores más jóvenes. La producción protagonizada por Cruise en 2022 superó los 1500 millones de dólares de recaudación mundial y recibió seis nominaciones al Oscar. Ese éxito fortaleció la posición del actor como defensor de los grandes espectáculos cinematográficos realizados para ser vistos en salas. Para Cruise, además, la película se suma a una agenda que continúa desafiando cualquier idea de retiro. Antes de regresar a Nascar estrenará Digger, la comedia de Alejandro González Iñárritu en la que interpreta a un poderoso empresario petrolero que intenta salvar al mundo de una catástrofe provocada por su propia compañía. El actor aparece allí prácticamente irreconocible, con otro aspecto físico y un registro alejado del héroe de acción habitual.

Dan Stevens y la serie que trae de regreso al actor que se negó a ser solo un "galán de época"

"Este lugar es, en sí mismo, una película de terror. Incluso sin un monstruo, seguiría siendo un lugar horrible en el que estar". Dan Stevens no está describiendo un rodaje difícil ni una locación incómoda: se refiere a New Hyde, el hospital psiquiátrico donde transcurre The Terror: Devil in Silver, la nueva temporada de la antología de horror que Ridley Scott produjo para televisión y que el 21 de septiembre estrenará en la señal AMC. En ese lugar tenebroso la pregunta no gira sobre las presencias sobrenaturales que acechan desde las sombras, sino alrededor de una cuestión casi paradójica: ¿Quién es, en definitiva, el monstruo? Una respuesta quizás simple, trillada y sencilla podría ser "el hombre". Pero una posible solución a esa incógnita, aún más inquietante, resulta más interesante: las instituciones son el lobo del hombre.El actor que dejó Downton Abbey en su pico más alto para no quedar pegado al rol del galán de época, se enfrenta a algo mayor que cualquier persona: un sistema que no tiene ningún apuro en dejar en libertad a sus víctimas. Este Leviatán moderno y retorcido es lo que se condensa en buena parte de lo que cuenta Stevens en una charla exclusiva con LA NACION.El heredero que decidió no heredar nadaPara comprender la metamorfosis de Daniel Jonathan Stevens hace falta remontarse a una ciudad del sur de Londres, Croydon. Allí nació en 1981 y, adoptado por una pareja de docentes, se formó estudiando teatro y literatura. Saltó a la fama con la elegancia y la distinguida actitud de Matthew Crawley, el accidental heredero de la fortuna Grantham en Downton Abbey.Después de tres temporadas, entre 2010 y 2012, Stevens decidió no renovar contrato: prefirió que su personaje, Matthew, muriera en un choque de autos antes que quedar atado para siempre en ese personaje. Luego vinieron series como Legion, en donde interpretó al atormentado David Haller. "Tal vez la mayor lección de esa serie fue que uno nunca sabe cuándo algo va a estallar y volverse un éxito. Así que simplemente seguís haciendo lo que hacés. Si algo se vuelve grande, genial. Si no se vuelve grande, eso también está bien. No hay ningún control sobre eso", decía en ese momento sobre el sinuoso camino de la fama. Esa misma lógica, dice, es la que lo llevó a un proyecto tan alejado de la aristocracia británica como un manicomio de Queens.Devil in Silver, la serie que ahora lo tiene como protagonista, está basada en la novela homónima que Victor LaValle publicó en 2012, y sigue a Pepper, un trabajador de Nueva York que termina internado injustamente en el Hospital Psiquiátrico New Hyde. En ese lugar deberá lidiar con pacientes hostiles, médicos que ocultan secretos y una presencia que bien podría ser el propio diablo. Karyn Kusama, directora de Diabólica tentación, se hizo cargo de los dos primeros episodios, filmando gran parte en una prisión verdadera abandonada de la ciudad.Para Stevens, el desafío actoral pasaba por un lugar específico: la locura de tener que demostrar la propia cordura. "Tan pronto como estás en una posición en la que necesitás demostrar que estás cuerdo, ya estás en un lugar bastante demente", explica a LA NACION. "Y Pepper, en esta historia, tiene que demostrar constantemente que lo que dice es verdad. Hay tantas preguntas que surgen cuando ambientás una historia en una institución psiquiátrica: ¿para qué sirven en realidad? ¿Están ahí para ayudar a la gente o para ignorarla un poco?".Esas preguntas no son un agregado del guion: son, según Stevens, el motivo por el que aceptó el papel. "Fue un gran atractivo de la serie el sentido de justicia y comentario social que trae Victor con esta historia", reconoce. "Al mismo tiempo que tenés todos los elementos clásicos del género, porque hay un monstruo, hay un '¿cómo salimos de acá?', existe este monstruo paralelo que es, en realidad, el sistema de salud mental y cómo institucionalizamos a las personas, en los Estados Unidos y en todo el mundo". Ambientar la historia en un lugar así, agregó, permitió acercarse a los internos como seres humanos con historias reales y no como una simple categoría: "No los estás mirando como locos, entre comillas. Tuvimos actores maravillosos que lograron darle vida a esas historias".Por supuesto, sus palabras hacen eco con otras obras que también han entendido que las instituciones pueden resultar terroríficas. Martin Scorsese lo demostró con La isla siniestra, ese perturbador relato sobre un detective, interpretado por Leonardo DiCaprio, que investiga una misteriosa desaparición en una prisión para criminales dementes. Hasta en los cómics estas prisiones son los lugares más terroríficos: basta con revisar los nombres que figuran entre las celdas de Arkham, el asilo que más de una vez tuvo que recorrer Batman.Por suerte para Stevens, el rodaje no fue tan duro como una prisión mental. Ni siquiera lo afectó tener que trabajar en algunas locaciones reales. "Era como una pequeña pandilla loca", resumió con una sonrisa, sobre el trabajo con sus compañeros de elenco. "Pero series como esta realmente pueden unir a un grupo de personas, y fue muy, muy divertido. Era como estar en una especie de extraño campamento".Fantasmas que inspiranCuando se le pregunta por referencias, Stevens no duda: Atrapado sin salida fue una influencia difícil de esquivar. El galardonado y exitoso clásico protagonizado por Jack Nicholson y Louise Fletcher, por supuesto, es mucho más que una crítica hacia las instituciones. La otra referencia, más inesperada, fue Tiburón, por una razón puntual: "Es como el monstruo que en realidad no ves, pero que está ahí. Esa idea de una especie de monstruo en las profundidades fue una gran influencia". Ambos títulos, cuenta, formaron parte de las charlas que tuvieron los propios actores durante el rodaje, y a eso se sumó el ojo de Kusama, curtida en cine de género: "Hay influencias que ni siquiera conozco y que se filtraron en ese episodio piloto, y que realmente se sienten, estableciendo el tono para toda una serie de terror".La mención a Atrapado sin salida abre, sin embargo, un debate más específico: ¿Es la enfermera Ratched el monstruo de esa historia, o lo es la institución que la contiene? Stevens no elige un solo lado. "Son las dos cosas, y creo que nuestra serie se hace exactamente la misma pregunta", responde. "No podés decir simplemente 'esa persona es el verdadero monstruo', porque sino creerías que esa institución estaría perfecta si no hubiera monstruos. Y eso no es cierto: este lugar es en sí mismo una película de terror, incluso sin un monstruo adentro".Para el actor, se trata de capas superpuestas: "¿Son estos individuos los monstruos? Tal vez la institución los volvió monstruosos. Mi personaje, por ejemplo, no es un monstruo, pero el sistema, por cómo fue desfinanciado y dejado sin personal, convierte a las personas en algo que tal vez no son". Para Stevens, cuanto más se mira de cerca el sistema de salud, "más terrorífico" resulta. La marca de Ridley ScottDetrás de Devil in Silver está Scott Free, la productora de Ridley Scott, el legendario cineasta detrás de Alien, Blade Runner y Gladiador. Para Stevens, también productor ejecutivo, la influencia de Ridley se nota: "Tienen un gusto tan increíble. Realmente establecen el tono. Hay un peso particular en una producción de Scott Free: sabés que va a estar arraigada en un cine de género auténtico, que va a tener impacto de alguna manera. Hay algo indefinible que las producciones de Ridley tuvieron durante años", remarca. Esa asociación, agregó, también funciona como imán para atraer a directoras como Kusama, y sirve, además, para respaldar un tipo de contenido que hasta hace poco no gozaba de tanto prestigio: "Creo que fue estupendo que ellos defendieran la televisión de terror, que no siempre fue tan popular. Pero la gente se está dando cuenta de que puede dar lugar a una excelente serie, del mismo modo en que una película de terror puede ser muy popular", dice.Cuando termina la charla, vuelve la misma pregunta que abrió la temporada. ¿Qué hace falta para demostrar la propia cordura? Stevens no ofrece una respuesta cerrada, y tal vez ahí esté la gracia de todo esto. "Creo que como especie todavía no entendemos realmente nuestra propia mente tan bien como deberíamos", señala. Y en ese punto ciego, entre lo que Pepper puede probar y lo que la institución elige creer, sigue viva la pregunta que hizo de este manicomio de la ficción un lugar tan parecido, después de todo, a tantos otros.

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Alejandro Awada, actor: "Lamenté que mi hija quisiera ser actriz, me hubiera gustado que estudiara una carrera"

El domingo, Alejandro Awada asistió como invitado al programa Almorzando con Juana (eltrece), conducido por Juana Viale. En una mesa compartida junto a diversas figuras del espectáculo y la cultura, el reconocido actor se sinceró sobre su rol de padre y rememoró el momento exacto en que su hija, Naiara Awada, le comunicó su firme decisión de seguir sus mismos pasos en el mundo de la actuación. Lejos de ocultar sus emociones de aquel entonces, el artista admitió con absoluta franqueza que la noticia no fue del todo de su agrado inicial y explicó detalladamente las razones de su preocupación.Durante la charla, la conductora le consultó directamente sobre cómo había tomado la vocación de Naiara en sus comienzos. Sin dudarlo, Awada respondió entre risas, pero con un tono profundamente reflexivo: "No me gustó, lo lamenté mucho". Ante la mirada de sorpresa de los demás comensales, el actor aclaró que su primera reacción estuvo ligada al conocimiento de primera mano que tiene sobre las dificultades, la inestabilidad laboral y las presiones que caracterizan a la profesión artística. Según detalló, el ámbito del espectáculo suele ser un terreno bastante complejo, por lo que la decisión de su hija encendió de inmediato un instinto de protección paterna.Al profundizar sobre el tema, Awada reveló que en su momento le habría dado mucha más tranquilidad que su hija eligiera una formación académica tradicional. "Me hubiese encantado que estudie una carrera y que la desarrolle", afirmó el intérprete sin vueltas. Ante la repregunta de Juana Viale sobre qué áreas le habrían gustado para ella, el actor mencionó campos vinculados a las ciencias humanas como la filosofía, la historia o las letras. En ese momento, las demás invitadas intervinieron para señalar que la actuación también implica un estudio riguroso, continuo y en muchos casos universitario, a lo que Awada coincidió, aunque puntualizó que se refería a un tipo de formación académica más orientada al análisis teórico y la lectura de libros.Sin embargo, el artista reconoció que la pasión de su hija por la actuación fue algo inquebrantable desde que era muy joven. "Ella desde muy pequeña quiso ser actriz, y ese deseo fue más fuerte que mi incapacidad para aceptarlo de entrada", expresó con evidente afecto. A pesar de sus dudas e incertidumbres iniciales, Awada remarcó que con el paso del tiempo logró procesar la situación, dejar de lado sus propios miedos y brindarle un apoyo incondicional en su desarrollo profesional. "Me acomodé como pude y hoy la acompaño siempre", cerró.De esta manera, la revelación del actor dejó al descubierto la encrucijada que atraviesan muchos padres artistas cuando sus hijos deciden heredar un oficio apasionante pero a menudo incierto. Con su testimonio sincero en la mesa Viale, Alejandro Awada no solo evidenció su lado más humano y protector, sino que también ratificó el sólido vínculo que lo une a Naiara, priorizando la felicidad y la vocación de su hija por encima de sus propios deseos iniciales.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

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El domingo, Alejandro Awada asistió como invitado al programa Almorzando con Juana (eltrece), conducido por Juana Viale. En una mesa compartida junto a diversas figuras del espectáculo y la cultura, el reconocido actor se sinceró sobre su rol de padre y rememoró el momento exacto en que su hija, Naiara Awada, le comunicó su firme decisión de seguir sus mismos pasos en el mundo de la actuación. Lejos de ocultar sus emociones de aquel entonces, el artista admitió con absoluta franqueza que la noticia no fue del todo de su agrado inicial y explicó detalladamente las razones de su preocupación.Durante la charla, la conductora le consultó directamente sobre cómo había tomado la vocación de Naiara en sus comienzos. Sin dudarlo, Awada respondió entre risas, pero con un tono profundamente reflexivo: "No me gustó, lo lamenté mucho". Ante la mirada de sorpresa de los demás comensales, el actor aclaró que su primera reacción estuvo ligada al conocimiento de primera mano que tiene sobre las dificultades, la inestabilidad laboral y las presiones que caracterizan a la profesión artística. Según detalló, el ámbito del espectáculo suele ser un terreno bastante complejo, por lo que la decisión de su hija encendió de inmediato un instinto de protección paterna.Al profundizar sobre el tema, Awada reveló que en su momento le habría dado mucha más tranquilidad que su hija eligiera una formación académica tradicional. "Me hubiese encantado que estudie una carrera y que la desarrolle", afirmó el intérprete sin vueltas. Ante la repregunta de Juana Viale sobre qué áreas le habrían gustado para ella, el actor mencionó campos vinculados a las ciencias humanas como la filosofía, la historia o las letras. En ese momento, las demás invitadas intervinieron para señalar que la actuación también implica un estudio riguroso, continuo y en muchos casos universitario, a lo que Awada coincidió, aunque puntualizó que se refería a un tipo de formación académica más orientada al análisis teórico y la lectura de libros.Sin embargo, el artista reconoció que la pasión de su hija por la actuación fue algo inquebrantable desde que era muy joven. "Ella desde muy pequeña quiso ser actriz, y ese deseo fue más fuerte que mi incapacidad para aceptarlo de entrada", expresó con evidente afecto. A pesar de sus dudas e incertidumbres iniciales, Awada remarcó que con el paso del tiempo logró procesar la situación, dejar de lado sus propios miedos y brindarle un apoyo incondicional en su desarrollo profesional. "Me acomodé como pude y hoy la acompaño siempre", cerró.De esta manera, la revelación del actor dejó al descubierto la encrucijada que atraviesan muchos padres artistas cuando sus hijos deciden heredar un oficio apasionante pero a menudo incierto. Con su testimonio sincero en la mesa Viale, Alejandro Awada no solo evidenció su lado más humano y protector, sino que también ratificó el sólido vínculo que lo une a Naiara, priorizando la felicidad y la vocación de su hija por encima de sus propios deseos iniciales.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

Murió Dolly Parton, icónica actriz y cantante, a los 80 años

La actriz y cantate estadounidense Dolly Parton murió a los 80 años, según anunció su sobrino a través de un video que fue publicado en la cuenta de Instagram de la artista."Hola a todos, mi nombre es Bryan Seaver, hijo de Cassie Parton, y hoy estoy representando a las familias Parton y Owens para anunciar la muerte de mi tía Dolly Rebecca Parton Dean", dice el hombre en las imágenes. View this post on Instagram "Este anuncio en video es algo que Dolly me pidió hace años, antes de que lo asimilara por completo como una posibilidad. Como su jefe de seguridad durante más de dos décadas, un cargo que mi padre, Larry, desempeñó antes que yo, había imaginado la gravedad de este momento, pero no la había experimentado realmente hasta ahora", explicó."Es un honor, un honor que se mezcla con un orgullo absoluto y una profunda tristeza. Pero la tristeza es nuestra, no de Dolly. Dolly vivió en la luz y está en los brazos de Jesús, donde seguramente la recibirán Carl, sus padres y muchísimas otras personas que la cuidaron y anhelaron encontrarse con ella en el cielo".Noticia en desarrollo

Un diagnóstico equivocado, dos años de dolor y el giro que cambió la vida de la actriz de Casi Ángeles: "Mi vida se volvió gris"

Científicos que estudian el desarrollo infantil coinciden en algo curioso, el cuerpo aprende a moverse mucho antes de que la mente aprenda a nombrar lo que siente. Un bebé baila con el ritmo de una canción antes de entender qué es la música, y esa memoria física, dicen, queda grabada para siempre, mucho más profunda que cualquier palabra. Algunas personas pasan la vida entera buscando recuperar esa conexión original con el cuerpo, ese lenguaje sin traducción que aprendieron antes que cualquier otro. Jenny Williams nunca tuvo que buscarla. La encontró de chica y la perdió después, no por elección propia, sino por un error médico que la dejó dos años atrapada en un dolor que no cedía. Lo que pasó entre esa pérdida y el momento en que volvió a encontrarse es, en el fondo, la historia de una mujer que se negó a resignarse."Cinco hermanos y una infancia caótica""Me crie en San Isidro. Somos nueve hermanos, de tres matrimonios diferentes de mi papá, cinco somos hijos de mi mamá y mi papá -cuenta Williams, y ya en esa primera frase aparece el rasgo que atraviesa toda su historia, la de una infancia intensa, numerosa, sin demasiado espacio propio-. Si tuviera que definir mi infancia en una sola palabra, diría que fue caótica", admite. Su mamá los crio sola, y entre cinco hermanos competir por la atención era parte del paisaje diario. "Un poco te cría tu mamá, algo más tus hermanos más grandes, en parte vos sola y otro poco los papás de tus amigas", describe. Hoy lo lee como un aprendizaje, aunque asegura que en ese momento no lo sentía así.En medio de ese desorden familiar, algo funcionaba como refugio y como brújula: el escenario. "Desde muy chica supe que quería dedicarme al arte, de hecho ni siquiera recuerdo un momento en el que descubrí esa pasión, simplemente siempre estuvo ahí", explica. Quería ser actriz, bailarina y cantante, todo junto, sin jerarquías. "El movimiento siempre fue mi lugar en el mundo, arriba de un escenario es donde más libre, más auténtica y más yo me siento", dice, y agrega entre risas que en su casa "existen decenas de videos de esa nena bailando, cantando, actuando, oficiando de maestra de ceremonias en cada cumpleaños familiar".Los primeros pasos con Cris MorenaEse deseo temprano se convirtió en carrera casi sin transición. A los quince años empezó a trabajar con Cris Morena en Floricienta, después llegó Casi Ángeles, más tarde protagonizó Atracción x4 en Canal 13, un camino que la llevó a Graduados, la ficción por la que fue nominada a un Martín Fierro. "Uno de los reconocimientos más importantes y emocionantes de mi carrera", resume. También hizo teatro en el San Martín, algo que soñaba desde chica y que, dice, "representa para cualquier actor un enorme orgullo". Este año vuelve a subirse a un escenario con La Bomba, la obra de Juan Paya. "Siento que mi vínculo con la actuación sigue tan vivo como siempre", completa.El dolor que no tenía nombreLa misma disciplina física que la había llevado tan lejos empezó, con los años, a pasarle factura. Williams siempre entrenó y bailó muchas horas por día, hasta que apareció un dolor fuerte en los pies que fue complicando cada actividad, incluso las más simples. Consultó a un médico y recibió un diagnóstico incorrecto, le indicaron una cirugía que en teoría era sencilla y que, según le explicaron, la devolvería a su vida normal en pocas semanas. Pasó exactamente lo contrario.Durante los dos años siguientes convivió con dolor crónico. "Y eso que siempre tuve un umbral de dolor muy alto", aclara, como para dimensionar la magnitud de lo que estaba atravesando. La rutina se redujo a los analgésicos y la espera. "Vivía tomando calmantes para poder sobrellevar el día, aunque el dolor nunca terminaba de irse, el único momento en el que encontraba un poco de alivio era cuando dormía, así que muchas veces lo único que quería era dormir", recuerda. Toda su energía vital se fue apagando. "Mi vida se volvió muy gris", sostiene, y remarca que "lo más angustiante no era el dolor físico en sí, sino la certeza de que quizás iba a ser así para siempre. Ese presente ya era muy difícil de tolerar, y creer que no iba a cambiar me llenaba de miedo y desesperanza".En ese contexto, con el cuerpo que le había dado todo convertido de golpe en una fuente de sufrimiento constante, Williams sostiene que el mayor aprendizaje de esa etapa fue simplemente no rendirse. Se comprometió con un proceso de rehabilitación largo y exigente, con recaídas y frustraciones, pero con algo firme sosteniéndola por dentro. "Incluso en los días más difíciles, había algo dentro mío que sabía que no me iba a dar por vencida, y no lo hice", asegura. Probó absolutamente todo lo disponible: trabajo de fuerza, fisioterapia, punción seca, electroterapia, hidroterapia, magnetoterapia. "Todo lo que me preguntes, probablemente lo hice", dice, casi con humor, aunque detrás hay dos años de tratamientos que no terminaban de resolver el problema de fondo.Lo que más la angustiaba era la sensación de haber perdido su forma más genuina de expresarse. "Estaba convencida de que el movimiento era lo único que podía devolverme la vida, porque para mí siempre fue mucho más que actividad física, es mi forma más auténtica de expresión", explica. Bailar había sido, entre todas sus pasiones, el lugar donde más plenamente se sentía ella misma, y de un día para el otro esa puerta se había cerrado. "Era una especie de infierno", describe.Un vuelco inesperado: "Un antes y un después"El camino de regreso empezó por un lugar que nadie hubiera imaginado: un libro. Williams estaba leyendo una novela en la que la protagonista entraba a una biblioteca donde cada obra representaba una vida distinta que podría haber vivido. En una de esas vidas posibles, el personaje se sentía más fuerte que nunca gracias a las horas que dedicaba a pilates. La escena se le quedó dando vueltas. Hasta ese momento tenía un prejuicio con esa disciplina, la imaginaba como una actividad de estiramiento, poco desafiante, algo a lo que nunca le había dado una oportunidad real. "Perdido por perdido, por qué no probar", pensó, y se anotó en su primera clase.Fue, en sus palabras, "un antes y un después". A partir de esa clase su recuperación empezó a acelerarse de una manera que no había logrado con nada de lo anterior. Esos dos años de inmovilidad le enseñaron que era mucho más fuerte de lo que imaginaba. Había descubierto una fortaleza mental que ni ella misma sabía que tenía. "Algo parecido -argumenta- a lo que observo hoy en mis alumnos de coaching: personas que llegan convencidas de que no van a poder y terminan descubriendo capacidades que ni sospechaban. Es bastante humano creer que somos menos de lo que realmente somos", reflexiona.Detrás de esa transformación había, además, un recorrido personal que hasta entonces parecía disperso. Además de actuar, cantar y bailar, Williams había estudiado grafología, se había formado como coach en programación neurolingüística, había estudiado neurociencia, hecho cursos de joyería, trabajado en moda y en redes. Durante años sintió que todas esas experiencias eran piezas sueltas, sin un hilo que las uniera. Pilates terminó siendo ese punto de encuentro, un lugar donde todo lo aprendido finalmente dialogaba. "Llegué a ese universo con una mochila llena de experiencias que, lejos de ser un obstáculo, terminaron siendo una enorme fortaleza", cuenta.Un proyecto para recuperarseDe esa síntesis, lo sufrido y lo aprendido en el camino a la recuperación, nació un proyecto que hoy conduce junto a su hermana Sofía en Nordelta, además de una sede en Tulum, México, a donde viaja constantemente para sostener ambos equipos. "Diseñé la idea pensando en una sola pregunta: a qué estudio me gustaría ir a mí como alumna", explica. Entre las historias que más la marcaron menciona la de un alumno en Tulum que llegó con vértebras quebradas por un accidente jugando al polo, con pronóstico de no volver a montar nunca más, y que seis meses después estaba otra vez arriba de un caballo. "Cuando vino y me dijo esto es gracias a vos, fue muy fuerte, ese tipo de devoluciones te atraviesan", reconoce.Para quien esté atravesando una crisis parecida a la que ella vivió, tiene un consejo que repite con la convicción de quien lo aprendió en carne propia, ir de a poco, pensar en el siguiente paso posible y no en toda la vida que falta por delante, apoyarse en otros y pedir ayuda sin culpa. "No es inmediato, no es lineal y no es fácil, pero en general, cuando uno logra atravesar una crisis, no sale igual, sino distinto, y muchas veces más fuerte de lo que se imagina posible", explica. Si tuviera que resumir todo ese aprendizaje en una sola frase, elige la más simple de todas, la que sostuvo cada uno de esos días grises, "no estás solo"

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El actor y exsenador analizó el Gobierno de Milei, cuestionó su modelo económico y recordó su experiencia dirigiendo un espectáculo del presidente. Leer más

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Natalie Portman podría ser la inspiración de una novela sobre una actriz superficial, falsa e inmadura

El diario The New York Times se preguntó hace unos días cómo fue que la publicación de una novela de alta literatura terminó como material apto para los chismes de celebridades. La crítica literaria del Times de Londres calificó el libro de "calculada forma de humillación" y la revista The Hollywood Reporter titula un artículo publicado la semana pasada especulando sobre el modo en que Natalie Portman fue "atrapada" en la autoficción de la novelista Rachel Cusk. Y otras publicaciones acostumbradas a comerciar con la vida de los ricos y famosos llevan días intentando dilucidar si la superficial y vacía protagonista de Life of M (La vida de M), el nuevo libro de la escritora canadiense residente en París, como la actriz, está inspirada en Portman.La posibilidad de que la obra de la aclamada autora que saldrá a la venta este martes en el mercado europeo exponga el lado oscuro de la estrella de cine y que la responsable de la revelación sea su supuesta amiga y a quien la actriz mencionó en el pasado como una de sus autoras favoritas, excedió los límites del mundo editorial. Apenas empezó a circular el rumor de que el personaje principal de la novela era una actriz norteamericana instalada en París con una trayectoria que espeja la carrera de Portman, los tiburones del chisme, versados o no en la literatura del yo que de alguna manera enmarca el trabajo de Cusk, vieron sangre en el agua y se lanzaron a la búsqueda de posibles pistas e indicios de que el libro sea "una perversa forma de fan fiction". En Life of M, la M del título es una estrella de cine de clase A retratada como una inmadura y cínica seudointelectual que pretende tener intereses artísticos que en realidad no tiene. Su filmografía coincide exactamente con la de Portman. La ficción describe los inicios de la carrera de la actriz en una película que la hizo conocida en la preadolescencia y provocó que el público la sexualizara cuando todavía era una niña (El perfecto asesino) y el film sobre una bailarina de ballet en plena crisis de nervios que le ganó el premio Oscar, en clara alusión a El cisne negro, la película dirigida por Darren Aronofsky por la que Portman se llevó la estatuilla a la mejor actriz principal en 2011. Como Portman, M es la cara de una línea de perfumes que suele aparecer en publicidades rodeada de flores y, al igual que ella, vive en una ciudad que, aunque nunca es identificada por su nombre, claramente es la capital francesa, donde residen tanto la actriz como la escritora en la realidad. View this post on Instagram La novela imagina a una autora que, fascinada con el frenesí que generan las celebridades en la vida cultural moderna, le propone a su famosa amiga escribir un libro sobre su vida, un perfil descarnado que utilice los modos de la ficción y los mezcle con hechos reales para desenmascarar uno de los aspectos más dañinos y prevalentes de la agenda pública global."Lo que hice pertenece a ese mundo en el que la fama y esas personas que son tan conocidas y, al mismo tiempo, tan desconocidas modifican la conciencia contemporánea. Si mi trabajo no transita esas áreas inexploradas, entonces ya no sé cómo describirlo", afirmó Cusk en un reportaje publicado por The New York Times la semana pasada. A pesar de que inicialmente había rechazado la entrevista con el diario estadounidense, cuando las especulaciones alrededor de si Portman es o no el modelo para su protagonista, la escritora decidió hablar públicamente de la controversia. Aunque, para decepción de los curiosos, en su charla con la periodista Alexandra Alter, la autora no niega ni confirma que la actriz le haya servido como inspiración para la caprichosa M y mucho menos comenta si Portman le dio su consentimiento para que contara la versión de su vida que algunos críticos califican como una "traición artística".Lo cierto es que en paralelo con las disquisiciones literarias que surgieron a partir de la novela, también brotaron los rumores sobre cómo la intérprete de 45 años, embarazada de su tercer hijo, se había tomado la publicidad involuntaria creada a su alrededor. Según la página de chismes del diario The New York Post, Page Six, Portman, quien en 2022 había señalado a Cusk como una de sus escritoras favoritas, estaría "molesta" por el libro. Especialmente porque, aunque no son amigas, la actriz sí apoyó públicamente la carrera de Cusk cuando en 2021 la entrevistó tras seleccionar su novela Segunda casa para su club de lectura (la charla sigue disponible en el perfil oficial de Instagram, Natsbookclub) online y luego, en 2024, cuando recomendó Desfile, su siguiente trabajo. Citando fuentes "cercanas a Portman", el artículo de Page Six desestima la supuesta cercanía entre la intérprete y la escritora que las revelaciones del libro estarían destruyendo y concluye que todas las especulaciones alrededor de las coincidencias biográficas entre el personaje y la persona forman parte de una estrategia de la editorial "para intentar vender el libro". Lo mismo que esas habladurías que señalan que la actriz, conocida por resguardar celosamente su vida privada, le habría dado el visto bueno a la autora para que moldeara a su protagonista a su imagen y semejanza. Lo cierto es que ya sea por la búsqueda de promocionar el lanzamiento de la novela o por su integridad artística y a pesar de creer que el escándalo está convirtiendo a su libro en una "suerte de pelea de tribunal", Cusk se niega a dar explicaciones sobre su creación. "Es una ficción y me parece que al explicar cómo algo fue creado cuando siempre se trata de una combinación de cosas reales, inventos y experiencias personales, desarmaría toda la obra. El libro se explica y se defiende por sí mismo. Es una creación mía por lo que ponerme a explicarlo para mí lo arruina", afirmó la autora, quien, aunque en el pasado había sido cuestionada por otras de sus novelas y el uso de sus vivencias personales en busca de la experimentación literaria, nunca antes se había transformado en un personaje más de esa industria del espectáculo y la celebridad que se propuso explorar.

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"Te juro que yo en la vida solo me quiero reír. Voy a los ensayos y me mato de risa. Me fui cruzando con personas en el medio que me fueron trayendo la risa muy a primer plano. Siento que siempre fui muy dramática y para mí, es un lindo aprendizaje no tomarme las cosas tan en serio, reírme más de mí misma. Por eso, en el set, trato de hacer chistes. Después me toca interpretar cosas re dramáticas, pero yo quiero salir de ahí, no me quiero quedar en eso", dice Rochi Hernández. La aclaración es necesaria porque la joven actriz fue la artífice de Alba, uno de los grandes personajes de la adaptación de La casa de los espíritus, a quien interpretó con la intensidad que la historia necesitaba. Y pronto volverá a demostrar su capacidad para bucear en esas profundidades gracias a su papel en Cautiva, la miniserie de Flow que llegará en septiembre. Y aunque ya pasaron varios meses desde el estreno de la miniserie de La casa de los espíritus, disponible en Prime Video, la experiencia de transformarse en quien ella llama una de las "superheroínas" de la novela de Isabel Allende todavía está presente para la actriz como lo está para los espectadores que ingresan al relato guiados por la voz de su fantástica Alba."La experiencia fue un placer total por más que fue de mucha demanda y exigencia actoral, física, emocional, de todo. Fue un proyecto en donde puse mi cuerpo y alma. No sé si diría como nunca antes porque siento que en general soy bastante entregada a las cosas que me gustan, pero sí fue particularmente intenso. Los showrunners, Francisca Alegría y Fernanda Urrejola, quienes adaptaron el libro y a las que luego se sumó Andrés Wood, estaban muy seguros de lo que querían contar; tenían un punto de vista claro, una mirada y una sensibilidad total. Trabajaron 5 años en la adaptación. En mi caso, ya estando en Chile, pude construir vínculos muy lindos con mis compañeros y con el equipo.â??¿Cómo fue ese tiempo?â??Resultó un rodaje largo. Estuve tres meses y medio en Chile, y aunque no grababa todo el tiempo, me encantó poder hacer las pruebas de vestuario, los ensayos y las charlas. En ese tiempo volví a Buenos Aires por pocos días, pero me acuerdo de que estando acá mi cabeza seguía allá. Porque La casa de los espíritus es una miniserie, una novela, muy atravesada por la política, los vínculos familiares, el machismo, el feminismo... muchas temáticas muy fuertes que nos impactan a todos. Tiene esa sensibilidad desde el comienzo, más allá de que hacia el final se pone muy oscura y es la parte que más me compete como actriz.â??Tu personaje es de mucha responsabilidad; es quien narra la historia desde el principio. ¿Cómo fue "cargar" con eso?â??Para mí, Alba, mi personaje, es como una superheroína. Por eso todo el tiempo me preguntaba: ¿cómo la humanizo? Porque es muy humana, sí, pero al mismo tiempo es una heroína. Es una persona muy luchadora, que dice lo que piensa, que pelea contra la injusticia y que le hace frente a las cosas. Y que desde la destrucción total, después de que le quitaran todo, tanto en lo físico como en lo emocional y hasta su dignidad, se reconstruye. La escritura la salva; es lo que la mantiene viva. Hay una frase que dice el personaje en el comienzo a la que siempre vuelvo: "Ahora busco mi odio y no lo encuentro".â??Es una declaración de principios del personaje que se extiende a todo el relato, ¿no?â??Es que a través de la escritura, ella reclama su historia. Se dice: "Voy a escribir para que nunca nadie se olvide de esto y no vuelva a pasar". Creo que si no escribe se muere. Siempre tuve esa visión. No sé qué habrá pensado Isabel [Allende], pero para mí, Alba, si no hace eso, se muere. Se queda sola, sus padres no están, su abuelo se muere, su abuela ya no existe, su tío se murió, está muy sola y habiendo vivido las peores atrocidades que puede experimentar un ser humano. "Escenas muy fuertes"â??¿Cómo fue filmar las escenas de las torturas a las que es sometido tu personaje? â??Fue súper duro. Me acuerdo de que la semana anterior a grabar esas secuencias me vine unos días a Buenos Aires porque tenía una semana libre y en lugar de estar maquinando sola por lo que se me venía, quise estar acá con mis amigos y mi familia. Y en el vuelo de regreso a Santiago releía esas páginas y me caían las lágrimas. La noche antes de la grabación lloré mucho. Si tenés un gramo de empatía, es durísimo. Pero hay que lograr un equilibrio, estar atravesada, pero no perder el eje de que estás actuando y que tenés que entregar una escena que los creadores puedan usar. Cuando llegó la posibilidad de hacer el personaje y quedé elegida tras el casting, yo sabía que tenía escenas de sexo, de tortura, de exposición física; escenas muy fuertes y sentí que podía y quería afrontar ese trabajo. Hace unos años no lo habría hecho. Está bueno que uno sepa hasta dónde puede y no tener que obligarse por el hecho de ser actor o actriz. A veces se piensa que el actor siempre se siente cómodo chapándose a cualquier persona o desnudándose y no siempre es así. â??¿En el caso de esta miniserie se trabajó con coordinadores de intimidad para esas escenas más complicadas?â??Sí, hubo muchísimo cuidado. Con el coordinador de intimidad, Nico Francella â??que interpreta al interés romántico de Albaâ?? y yo, juntos y por separado, tuvimos charlas previas. Y para las escenas de tortura también hubo conversaciones. En las de detención me pasó que es tan fuerte, tan duro lo que le pasa al personaje, que por más que vos estés hiper mega cuidada, que termines de hacer la escena y te cubran, lo cierto es que estás actuando y entrando en lugares muy oscuros de la mente humana y eso en algún lado te atraviesa. Si estás 3 horas seguidas llorando, el cuerpo no distingue entre la realidad y la ficción. Después de grabar esas escenas, yo quería volver a mi casa. No me quería quedar en ese lugar mental.â??¿Y cómo se sale de ahí?â??Cuando terminé esa semana de grabación, hice una terapia con imanes para sacarme esas emociones. Todo lo que se podía hacer, lo hice. ¡Que venga el chamán! ¡Que venga la limpieza! Aun así me costó bastante. Por suerte, fue casi al final del rodaje. Me llevó un par de semanas sacudirme esa carga. Se sumó a ese estado, que se terminaba el proyecto y es como despedirte de una familia. El final fue un baldazo de agua fría para mí. Soy muy nostálgica con los finales porque se arma una sensación de familia, de compañerismo; compartís muchas horas. â??Elegiste una profesión en la que todo el tiempo te estás enfrentando a esas despedidas.â??Sí, porque al mismo tiempo me encanta. Tengo mi parte social muy desarrollada. Me gusta mucho conocer gente, estar con gente. En este caso, conocí a personas de otros países; fue muy enriquecedor. Tengo muy claro quiénes son mis amigos, mi familia, quiénes son los que están siempre y con los que me quiero juntar. Pero en el camino me encanta ir compartiendo con otras personas y de alguna manera me gustan esos finales nostálgicos también.Un sueño de chicaâ??Alguna vez dijiste que ya desde muy chica te querías dedicar a la actuación y la música, pero en realidad empezaste a los 18, 19 años. ¿Tenías la fantasía cuando eras nena de estar en la tele, en el teatro? â??Sí, yo quería estar en el Gran Rex, pero mi mamá no me iba a llevar a un casting. Ella me recontra apoyó, me apoya siempre, pero no tenía ningún interés en que fuera una niña actriz. Se daba cuenta de que me gustaba mucho; fue la que me incentivó a empezar comedia musical fuera del colegio, pero quería que yo tuviera una vida normal. Hoy en día, la verdad, le agradezco eso porque pude decidir qué quería hacer, empecé a estudiar en la UNA (Universidad Nacional de las Artes), le dediqué tiempo a ser estudiante de teatro, a absorber mucho, a investigar qué tipo de actriz me gustaría ser. Fue algo muy natural; se fue dando. No tengo una carrera que haya sido de 0 a 100. Con el estudio vino el teatro independiente; empecé a hacer castings, quedé en un bolo y después en una obra. Y eso yo creo que también fue bueno para mí porque después cuando llegué a grabar un personaje más importante en algo o a tener más tiempo en una serie o en una película, ya tenía un recorrido, sabía lo que era un set, una sala y me permitió estar más suelta en eso.â??¿Dudaste de que este fuera tu camino?â??Dudé, pero bueno, está bien, es parte del asunto. En ese momento mis dudas tenían que ver con la preocupación de conseguir trabajo, de ver de qué iba a vivir. Mi familia no viene del ámbito artístico, entonces no tenía por qué saber cómo podía darse o no mi carrera.Una ayuda inesperadaAunque Hernández no contó con un recorrido profesional desde la infancia ni con contactos en el mundo de la actuación, su carrera sí tuvo un curioso primer espaldarazo cuando Nicolás Repetto la vio en un acto escolar del colegio al que asistía Rochi y también su hija y le recomendó a Javier Furgang, su agente de prensa y representante de actores, que la sumara a su agencia. "En ese momento creo que no sabía lo que implicaba del todo. Nico me contactó con Javi, que sigue siendo mi representante hoy, y eso me abrió las puertas desde los 17, 18 años para acceder a castings a los que no llegás si no tenés representación. Me acuerdo de que después, ya en 2021, cuando me contrataron para la serie Night Sky (Prime Video) que produjo Juan José Campanella y en la que trabajé junto a Julieta Zylberberg, Sissy Spacek y J.K. Simmons, le pedí a Javi que le mandara un mensaje a Nico para agradecerle de mi parte. Habían pasado un par de años, pero igual si no hubiera tenido representante, no habría accedido a ese proyecto. â??¿Y cómo fue la experiencia de participar de ese casting?â??Lo hice sin tener idea de qué era el proyecto. O sea, me dijeron: "Es una serie de Prime Video que dirige Campanella". Y me mandaron dos escenas, sin ningún tipo de contexto. Y después de la primera prueba me volvieron a llamar a las tres semanas para otra que hice desde un baño, en un set porque estaba grabando algo y no me podía ir. Javi les pidió a los de la producción que me dieran el tiempo para poder hacerlo. Ahí me enteré de que era algo muy grosso, pero seguía sin saber de qué se trataba. Estaba en el set y a la noche me liberaron un rato, me metí en un baño y uno de los técnicos me puso una luz. Del otro lado del Zoom estaban Campanella y Julieta Zylberberg, que hacía de mi mamá, y creo que algunos de los guionistas y el director, que era un inglés. Estaban decidiendo entre otra actriz y yo. A Juli se le cortaba el Wi-Fi; yo me quería matar... Para La casa de los espíritus también hice la segunda vuelta de pruebas desde un set, en Polka. La actriz sonríe, se acuerda de ese día en el rodaje de Cautivas, una ficción ambientada en un convento, cuando llegó al set vestida de monja y con anteojos negros. De las risas que la ayudaron a encarar el drama, a dar un paso más en un recorrido que ya es y promete seguir siendo inolvidable.

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